Destry Allyn Spielberg, hija de Steven Spielberg, se encuentra actualmente en graves problemas, pues no ha podido terminar de pagarle al equipo que trabajó en su primera película.
Según reportes, la producción de Spielberg debe todavía 200 mil dólares a diferentes proveedores de la producción.
Se espera que termine de pagar a finales de mayo de 2024 y que la cinta, que tiene a Giancarlo Esposito como protagonista, estrene en el Festival Internacional de Cine de Toronto.
La idea del “Nepo-Baby” es uno de los debates de moda en Hollywood. La popularidad de artistas como Bryce Dallas Howard, Armie Hammer, Maya Hawke, Zoë Kravitz o Jack Quaid han provocado grandes discusiones sobre qué tantas oportunidades tuvieron para volverse famosas dadas las herramientas que tuvieron de su familia.
Por eso, uno pensaría que la descendencia de Steven Spielberg sería de las personas más favorecidas en Hollywood. Pero parece que es mucho más difícil de lo que parece, ya que la cinta de Destry Allyn Spielberg terminó siendo un rotundo caos.
Imagen: Horror News Network
¿Qué está pasando con la cinta de Destry Spielberg?
Con 27 años, Destry Allyn Spielberg, la hija menor de Steven Spielberg ya tiene dos cortometrajes como directora en su currículum: Rosie y Let Me go the right Way, y este año pudo estar detrás de cámaras con su película Please Don’t Feed The Children, la cual se filmó en Nuevo México con Giancarlo Esposito como protagonista.
Como es una producción completamente independiente, la cinta de Spielberg fue de las pocas películas que pudieron trabajar durante la huelga de actores y actrices de Hollywood.
Sin embargo, reportes aseguran que la película ha tenido problemas financieros durante todo su desarrollo.En un inicio, la producción tuvo que posponerse por falta de fondos, pero a finales del año pasado lograron reanudar su desarrollo y se logró terminar la filmación alrededor de noviembre de 2023, justo por las fechas del Día de Acción de Gracias.
Sin embargo, Spielberg todavía debe al menos 200 mil dólares a diferentes partes del equipo de producción, incluyendo a transportistas, tráilers, servicios de baños portátiles y coches usados en la cinta.
Mike García, encargado de coordinar la transportación de la cinta, escribió en un mail a Spielberg que “todos los/as vendedores/as y el equipo hicieron todo lo que pudieron para hacer esta cinta posible, no pagarles por sus servicios es inaceptable”.
Imagen: Horror News Network
¿Y qué ha contestado la producción de Destry Spielberg?
El productor principal de la cinta, Jason Dublin, confesó que los problemas de financiamiento “habían sido todo culpa suya”. Aunque no entró en detalles, mencionó que ya consiguió el dinero suficiente para solventar las deudas y podrá cubrirlas antes de que termine el mes de mayo.
“Como con cualquier filme independiente, ha sido toda una batalla encontrar el financiamiento desde un inicio.
Pero logramos regresar a Santa Fe a pesar de que tuvimos que cerrar y estamos muy cerca de poder pagarle a todos”.
Jason Dublin, Variety
El productor de la cinta de Destry Spielberg aseguró que “están trabajando muy duro para solucionar esto lo más rápido posible y asegurarnos que cada persona que trabajó en nuestra película reciba su pago a fin de mes”.
El productor confirmó que gastó 4 millones de dólares en el estado de Nuevo México y que le devolverán alrededor de 750 mil dólares en condonaciones de impuestos, Pero no los puede recibir hasta que haya terminado de pagar sus deudas con la producción.
Según el mánager de Destry Spielberg, se espera que la cinta tenga su debut en el Festival Internacional de Toronto. Seguramente, una vez que se estrene Steven Spielberg ayudará con la promoción de la cinta y tal vez con las negociaciones para encontrar una empresa que distribuya la cinta.
Sin embargo, esta es una muestra de que realmente no importan tus orígenes, empujar una película y llevarla a la luz es un trabajo arduo y que requiere el esfuerzo de muchas personas.
La nueva adaptación musical de The Color Purple logra profundizar más en la historia creada por Alice Walker, alejarse de los clichés del género y proponer una forma diferente de discutir temas difíciles, como el abuso y la violencia doméstica.
The Color Purple es una historia costumbrista que narra la vida de Celie, una mujer afrodescendiente que, a principios del Siglo XX, sufre una serie de abusos y vejaciones por parte de su padre y su esposo. Alejada de su hermana Nettie y con severas dudas sobre la existencia de Dios, esta historia pronto se convirtió en un hito para la cultura estadounidense y ha tenido 4 versiones diferentes hasta ahora.
La versión original fue escrita en 1982 por Alice Walkery se convirtió en un éxito instantáneo. Tanto, que además de ganar un premio Pulitzer, Steven Spielberghizo una adaptación dramática en 1985 con Whoopi Goldberg,Oprah Winfrey y Danny Glover como protagonistas.
La película, que es considerada un parteaguas en la carrera de Spielberg, cuenta una poderosa historia de superación personal y fuerza interna. En 2005, la historia tomó otros caminos con un musical de Broadway, pues se alejó del drama y la idea del karma para hablar sobre amor propio y empoderamiento.
En 2024, The Color Purple regresa con una nueva película musical. ¿Qué cambios tiene con respecto a otras versiones? ¿Sigue resonando como lo hacía su historia en el pasado? ¡Aquí les contamos todo!
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¿Cuál es la idea detrás de las antiguas historias de The Color Purple?
La trágica historia de Celie es una historia de superación y esperanza. Al sobrevivir tantas vicisitudes, la audiencia empatiza mucho con el personaje y se siente bien cuando las cosas salen bien. Pero Alice Walker, la autora original del libro, mencionó en entrevistas que ella quería explorar cómo las mujeres viven en condiciones de esclavitud y si las personas pueden cambiar.
“Los hombres dominan a las mujeres, ese es un hecho” dijo Walker en una entrevista para NPR en 1983. La historia de The Color Purple, quien buscaba justamente explorar la condición humana y las duras condiciones que vivían las personas afrodescendientes en Estados Unidos después de que terminó la época de la esclavitud.
Con eso en mente, se puede explicar por qué Steven Spielberg se cimentó como un director que logra capturar conmovedoras historias a través de su adaptación. La historia que presenta el cineasta es dura y violenta. Se hace más énfasis en todo lo que soporta Celie y cómo, ya sea por gracia divina, karma o ciclos de vida, su fuerza interna es suficiente para hacer que por fin encuentre la paz que se le negó desde niña.
Y por más celebrada que sea la película, no es el espectro completo de la historia de Walker. En la versión que hace Spielberg de The Color Purple, los hombres alrededor de Celie en general son solo malvados: su esposo, el “señor” Albert, no es más que una figura cruel y violenta que simplemente va desapareciendo cuando la protagonista comienza a encontrar el valor para enfrentarse contra él.
Poco se habla del reverendo Samuel, quien adopta a sus hijos y viaja con Nettie a África para ir de misiones. La figura de Shug Avery, una exitosa cantante que despierta en Celie sus primeros sentimientos de atracción sexual, queda relegada a unas cuántas escenas.
Hay momentos icónicos en la historia que se han repetido en varias versiones: Cuando Shug encuentra las cartas de Nettie que Albert ha escondido durante años, cuando la nuera de Celie, Sofia, ataca al gobernador de la ciudad y queda en prisión 6 años, cuando Celie por fin se posiciona en contra de su esposo y viaja a la ciudad para encontrar un mejor futuro.
Pero la autora original ha dicho que ella “sabe que no todos los hombres son así. Que hay hombres que al leer la obra entenderán los problemas que atraviesan las mujeres y quieren luchar contra eso. La gente puede ser y puede convertirse en alguien despreciable, pero también pueden cambiar”.
Steven Spielberg hizo una versión que utiliza el dolor para enfatizar sentimientos de empatía. Pero el eje temático gira alrededor de las vicisitudes de Celie, sin tomar en cuenta los matices de los personajes y todo lo que ocurre para que ella encuentre la paz.
Sin embargo, las siguientes versiones musicales, y especialmente la nueva película musical que acaba de estrenar en cines, parece entregar una visión completamente distinta que explora mejor el rango de la historia de Celie en The Color Purple.
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¿Por qué hacer un musical de The Color Purple?
La música es parte intrínseca de la cultura afrodescendiente. Forma parte de su historia, de su fe, y en palabras del director Blitz Bazawule: “Gracias al musical de teatro, también encontramos la forma de dar al mundo interior de Celie una voz propia visualmente, por lo que también hay una sensación de realismo mágico que nos introduce a todos un poco más dentro de la evolución de Celie”.
Proponer una nueva versión deThe Color Purplea través de un musical es algo valiente. Y a través de la música, la nueva versión logra algo que es muy difícil: no sólo crea empatía con sus personajes, sino que logra quitarle la atención a la tragedia para que el foco de verdad sea la evolución de Celie.
No sólo eso, a través de la música, hay un cuestionamiento mucho más profundo sobre por qué una persona aceptaría vivir una vida de abusos. Personajes como Sofia, que en la nueva adaptación es interpretada por Danielle Brooks (y quien está nominada a una actuación de reparto) ya no sólo es un personaje que circula la vida de Celie, activamente cuestiona a la protagonista y le muestra que puede defenderse.
Sofia pierde toda su fuerza cuando es enviada a prisión. Y aunque en versiones anteriores es simplemente un pasaje en la historia para hablar de racismo sistémico, en The Color Purple 2023 hay emotivas escenas en donde Celie la visita en prisión. La empatía, el cariño, y la devoción de la protagonista por su amiga, son características que eventualmente le ayudan a recuperarse, y que eventualmente hacen que ella recupere su fuego interno.
Por otro lado, no sólo se muestra con más profundidad y claridad la relación de Celie y Shug Avery. El vaivén que llevan las dos es una forma de explorar que no importa el sistema de apoyo que una persona tenga, hay veces que uno tiene que encontrar la fuerza interna para para poder salir de sus problemas.
Así, Celie va encontrando poco a poco su valor, y la historia, lejos de contar una epopeya sobre superación y karma, habla sobre priorizar el amor y la fuerza que recibimos de otras personas, para eventualmente enfrentarnos a las dificultades de la vida.
The Color Purple Copyright @ Warner Bros discovery
¿La mejor forma de hablar de temas difíciles?
“Keep It Movin’” es una canción que se añadió para esta nueva versión de The Color Purple, y que sirve para enfatizar la filosofía de amor propio en la película, pero también para hablar sobre el amor que se tienen Celie y Nettie (Halle Bailey). Y así, respetan más la filosofía que tenía la autora original: “la historia es sobre la relación entre mujeres, mujeres cuyo mundo ni gira alrededor de los hombres, sino más bien de experiencias compartidas y de un íntimo entendimiento de cómo deciden vivir sus vidas”.
El nuevo musical de The Color Purple también encuentra gracias a la música la forma de darle más matices a sus personajes. Albert (Colman Domingo), si bien es una persona despreciable durante gran parte del metraje, encuentra una forma de redimirse en la historia. Si es suficiente o no es un tema de debate interesante, pero en ningún momento se romantiza esa transformación, no es un logro, es simplemente algo que sucede.
Es difícil encontrar la forma de hablar de temas como el abuso sexual y la violencia doméstica sin hacer uso del melodrama. Pero el nuevo musical de The Color Purple nos presenta una forma digerible de discutir estos temas desde una perspectiva que vemos pocas veces en el cine. Y que sin duda ayuda a crear otro tipo de conversaciones, a que la gente conecte mejor con temas difíciles, sin caer en atajos sencillos ni moralejas simples.
Emily Blunt dice que urge replicar el fenómeno de Barbenheimer por el bien del cine y la industria de Hollywood.
El Barbenheimer demostró que la audiencia quiere ver historias diferentes y están dispuestas a pagar grandes cantidades de dinero por hacerlo.
Sin embargo, replicar este éxito no será nada fácil, ya que hay una serie de condiciones que se tienen que cumplir antes.
El “Barbenheimer” fue uno de los fenómenos más grandes que vivió la industria de cine en 2023. Aunque en teoría el blockbuster cómico de Barbie y el drama biográfico de Oppenheimer iban a competir en taquilla, al final la audiencia decidió apoyar las dos cintas simultáneamente y fue a verlas ambas, no en ánimos de competencia, sino porque sentían que no podían ver una sin ver la otra.
Después de la pandemia, el streaming y las grandes dudas que hay alrededor de la salud económica del cine dado que las cintas que solían ser grandes éxitos ya no lo son, el Barbenheimer fue una bocanada de aire fresco que le devolvió la esperanza a las salas de cine.
Y de acuerdo con Emily Blunt, el fenómeno de Barbenheimer tiene que suceder de nuevo, por el bien del futuro en Hollywood y la industria en general.
Imagen: Fotogramas
Emily Blunt dice que Hollywood debe replicar el Barbenheimer
En una reciente entrevista con The Playlist, la actriz Emily Blunt, que participó en Oppenheimer y es una de las actrices favoritas para competir por una nominación a Mejor Actriz de Reparto en los Oscars 2024, reflexionó que el Barbenheimer tendría que ser replicado por el bien del cine.
“Tenemos que hacer que suceda de nuevo. Miren lo que hizo por el cine. Miren lo que hizo por la gente.
Fue una celebración tan hermosa de un rango muy diverso de películas. ¿Por qué tienen que ponerse a competir? Simplemente vayan a ver ambas, es fantástico”.
Emily Blunt, the Playlist
El Barbenheimer fue un gran éxito en parte porque parecía que la competencia era muy diferente: por un lado, la comedia de Margot Robbie y Ryan Gosling era una cinta que apostaba por la popularidad de la muñeca Barbie de Mattel para construir una historia que resultó ser un comentario satírico sobre el feminismo y la lucha de géneros que vive la sociedad.
Por el otro lado, Oppenheimer era un drama biográfico creado por Christopher Nolan, quien había cortado lazos con Warner Bros para poder tener el control artístico completo de su producción.
Uno de los efectos más interesantes del Barbenheimer, fue que Oppenheimer recaudó 952 millones de dólares, que si bien quedó detrás de los 1,400 mdd que recaudó Barbie, la posicionó como la biopic más taquillera de la historia, y si contamos que es un drama de casi 3 horas, este éxito es todavía más sorprendente.
Imagen: The Empire
¿El Barbenheimer podría replicarse?
Aunque el fenómeno de Barbenheimer ayudó al desempeño de las dos películas y demostró que la gente está dispuesta a ir al cne para ver historias originales, de calidad y novedosas, en realidad el fenómeno es algo complicado de replicar.
Para empezar, tanto Barbie como Oppenheimer eran cintas blockbuster sumamente esperadas. Una por el trabajo de Christopher Nolan, la otra por ser la primera vez que veíamos a la muñeca de Mattel cobrar vida en live-action.
El hecho de que ningún estudio quisiera mover su fecha de estreno, era porque creían fervientemente que la audiencia iba a darles una oportunidad, además de que aumentó la expectativa de la audiencia pues daba la sensación de que era una muy dura competencia.
No es lo mismo que el fenómeno que se vivió recientemente conocido como “Gardzilla”, en donde se estrenaron simultáneamente Godzilla -1 y El Niño y la Garza. Una es una película de monstruos situada en la Segunda Guerra Mundial, la otra es una cinta animada que ofrece un viaje filosófico sobre dejar ir y dejar fluir.
No apela al mismo tipo de audiencia, no tiene una conexión especial. Y aunque vale la pena ver ambas, porque ofrecen historias originales y diferentes, no hay esa urgencia por ver las dos, por hablar de las dos en conjunto, pueden existir dentro de sus segmentaciones y nichos de manera independiente.
Y además, Hollywood ya está tomando las lecciones equivocadas del Barbenheimer. Para empezar, Mattel ya anunció una ola de nuevas películas basadas en sus propiedades intelectuales.
Tampoco sabemos si una biopic pueda tener el mismo nivel de expectativa que tuvo Oppenheimer, pues Killers of the Flower Moon o Napoleon, con todo y sus experimentos de producción y estrenos híbridos en Apple TV+, no tuvieron el mismo éxito.
Quizá no se pueda replicar el Barbenheimer como tal, pero la lección que deberíamos tomar de él es que el cine necesita historias originales e interesantes hechas con libertad creativa y corazón.
Oprah Winfrey reveló que Warner Bros Discovery presionó a la producción de The Color Purple para que sumaran a una superestrella como Beyoncé o Rihanna dentro del cast principal.
El estudio no estaba seguro de invertir más de 100 millones de dólares en un musical que no tuviera a alguien que llamara la atención de la audiencia.
Sin embargo, Winfrey y Steven Spielberg, productores del nuevo musical, se negaron a aceptar estas condiciones, pues querían apostar por talento nuevo.
La primera adaptación cinematográfica de The Color Purple estrenada en 1985 y dirigida porSteven Spielbergresultó ser un éxito tanto a nivel comercial como en la crítica, siendo nominada a los premios Oscar como Mejor Película, Mejor guion y, por un puesto, Mejor actriz para Oprah Winfrey, quien interpretó a Sofía.
A más de treinta años de su realización, la popular historia estrenará una nueva adaptación cinematográfica protagonizada por Fantasia Barrino, Taraji P. Henson y Danielle Brooks. Pero también estarán de regreso Winfrey y Spielberg, esta vez como productores de la película, que se enfrentaron a nuevos retos para poder desarrollar el proyecto.
Y resulta que uno de ellos fue que el estudio no quería invertir una gran cantidad de dinero si en su elenco no se incluía una superestrella como Beyoncé o Rihanna, pero Winfrey se negó a contactarlas para la historia.
Oprah Winfrey confío en que The Color Purple no necesitaría superestrellas
Durante una extensa entrevista con The Hollywood Reporter, Oprah Winfrey, explicó que cuando comenzaron a desarrollarThe Color Purplesiempre tuvieron altas expectativas sobre el filme y, con el paso del tiempo, su presupuesto se elevó a casi 100 millones de dólares, por lo que se convirtió en una película de un alto presupuesto que tenía la presión de recuperar su inversión, un objetivo que cada vez se vuelve más difícil en el cine.
Por esta razón, el estudio comenzó a presionar para que dentro de su elenco de The Color Purple incluyeran a superestrellas como Beyoncé o Rihanna con el objetivo de llenar las salas de cine. “Para ser completamente honesta, si estuvieras haciendo esta película por 30 o 40 millones de dólares, el interés en el elenco sería muy diferente”, dijo Winfrey. “Una vez que la película alcanzó entre 90 y 100 millones de dólares, todo el mundo quiere que traigamos a Beyoncé. ‘¿Puedes conseguir a Beyoncé o puedes conseguir a Rihanna?”.
Sin embargo, a pesar de que expresó su admiración por las cantantes, Winfrey está segura que The Color Purple puede brillar sin la necesidad de incluir a grandes figuras de la música.. “Así que estábamos sentados en una habitación diciendo: ‘Escucha, amamos a Beyoncé. Amamos a Rihanna, pero hay otros actores que pueden hacer este trabajo'”. Además, sería difícil poder adaptar la agenda de las famosas con la producción de la película. “Beyoncé va a estar ocupada este año’. Ni siquiera fue una negociación, porque no vas a conseguir a Beyoncé”.
Beyoncé ya ha participado en otros musicales para el cine como Dreamgirls en 2006 en donde interpretó a Deena, una cantante que forma un grupo musical junto a Effie (Jennifer Hudson) y Lorrell (Anika Noni Rose) para convertirse en una estrella internacional. Por otro lado, Rihanna nunca ha estado en una película musical, pero sí en proyectos como Ocean’s 8 y Valerian.
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¿Qué tiene de especial la nueva versión de The Color Purple?
La próxima película de The Color Purple, esta basada en la novela ganadora del Premio Pulitzer de Alice Walker que se centra en una mujer llamada Celine que sufre abusos físicos y sexuales por parte de los hombres en su vida, ve cómo le arrebatan a sus hijos al nacer y vive durante los tiempos de castigo posterior a la esclavitud.
Aunque la película no cambiará la narrativa original, estará contada a través de un ángulo diferente, centrándose en los momentos que inspiran a Celie, las mujeres en su vida y, lo más importante, su sanación. Barrino, quien interpreta a la protagonista, aseguró que este nuevo proyecto es mucho más “profundo” que el que conocemos de 1985. “Tan pronto como veas el primer fotograma, sabrás que esta película es diferente. La coloración es diferente. Es ligero, brillante, vibrante. Somos nosotras.”
Winfrey destacó que tenía la necesidad de volver a contar la historia de The Color Purple después de que surgió el movimiento #MeToo y el productor Scott Sanders, quien adaptó el libro al musical para Broadway, le sugirió que la historia necesitaba volver a ser vista en la pantalla grande. “[Sanders] empezó a decir: ‘¿No crees que hay algo con la energía de lo que les está sucediendo a las mujeres y a este movimiento? Tal vez sea hora de volver a ver a Steven’”, recordó. “Así que llamé a Steven y me dijo que sí”.
Algunos ejecutivos de Hollywood dieron su opinión sobre el estigma que hay alrededor del género musical.
Algunos analistas dicen que los grandes estudios han estado renuentes a promocionar las cintas musicales por recientes fracasos, como West Side Story o In the Heights.
Sin embargo, Disney, The Greatest Showman y The Eras Tour son ejemplos de cómo muchos musicales pueden llegar a ser historias icónicas muy exitosas.
Wonka pinta para ser un éxito taquillero. La nueva versión del legendario chocolatero creado por Roald Dahl resultó ser una aventura conmovedora, mágica y colorida, pero hay otra gran sorpresa que al parecer mucha gente no estaba consciente: la cinta es un musical.
Aunque La La Land, Cantando Bajo la Lluvia y Moulin Rouge son grandes éxitos, en general los musicales tienen mala fama. Mucha gente está renuente a verlas, pues la idea de que el desarrollo de la trama venga acompañado de un número musical, es un formato específico de narrativa que puede no ser del gusto de muchas personas.
Y al parecer, Hollywood está convencido de que a nadie le gustan los musicales, ya que cintas como Wonka, The Color Purple, Mean Girls e incluso Barbie han escondido el tono musical de estas cintas para venderlas como otro tipo de películas.
¿Hollywood tiene miedo al género musical? ¿O por qué no han querido apostarle a la música de estas cintas, que resultan ser de lo más esperado en 2023? ¡Directivos de la industria dan su opinión!
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¿Por qué Hollywood no quiere hacer énfasis en los musicales?
Wonka incluye canciones que seguramente se volverán muy icónicas. Y el hecho de que sea una sorpresa para muchas personas que apenas están enterándose de sus atributos musicales es porque Warner Bros no dio indicios de que fuera a incluir segmentos musicales.
Pero no sólo es Wonka, Mean Girls, el nuevo musical de Paramount inspirado en la icónica película de los 2000, también es un musical, y sin embargo, no hemos visto ningún segmento o pista que vaya a estar presente en la película. The Color Purple, si bien sí hemos visto las canciones de Taraji P. Henson, y Fantasia, el ruido de la cinta va encaminado más al drama y las actuaciones de su elenco titular.
Y es que, recientemente, muchos musicales de Hollywood resultan ser grandes pérdidas. Como ejemplos, están los casos de West Side Story de Steven Spielberg, que con un presupuesto de 300mdd apenas recaudó 76 millones. O In the Heights, que recaudó 46 millones y fue rechazada por la audiencia y la crítica.
Por esa razón, Shawn Robbins, la cabeza de análisis en Box Office Pro,dice que “es fácil sobre-simplificar por qué no funcionan los musicales” ya que estos fracasos recientes han hecho que los grandes estudios de Hollywood no confíen tanto en los estrenos de género musical.
Sin embargo, un ejecutivo de marketing que trabaja en un gran estudio de Hollywood, dice que realmente estos problemas no son nuevos. “Si dices la palabra musical, la gente tiene ya sus ideas preconcebidas” por lo que los estudios de Hollywood prefieren no apostar por estos proyectos.
Imagen: The Wrap
La música sí puede triunfar en Hollywood
A pesar de que este 2023 Hollywood no parece querer apostar por los musicales, parece que es un caso en el que están extremando precauciones con sus estrategias de marketing. Pues han habido varios ejemplos de cintas musicales que se vuelven grandes éxitos.
Como ejemplo, está Frozen y muchas películas de Disney. Aunque el foco no sean los segmentos musicales, muchas de sus canciones se vuelven muy icónicas y conectan con la audiencia.
The Greatest Showman, el musical protagonizado por Hugh Jackman y Zack Efron, también se ha convertido en una historia icónica que recaudó más de 435 millones de dólares, gracias al buen boca a boca que recibió en su tiempo.
Pero este año tenemos el fenómeno del Eras Tour de Taylor Swift, una película del concierto que se convirtió en todo un éxito taquillero sin precedentes, pues la cantante no necesito de los estudios de Hollywood para asegurar la distribución de la película.
Aunque los musicales tienen un mal estigma, Wonka parece que será una gran propuesta que conectará con una gran cantidad de personas. Y Barbie también presento grandes canciones que son éxitos del verano, por lo que no sería raro que Hollywood busque impulsar el género musical.
Greta Gerwig habló sobre la influencia que tuvo Steven Spielberg en Mujercita, cinta dirigida por la cineasta que recibió 6 premios de La Academia en 2019.
Gerwig dijo que Spielberg le mostró toda la investigación que él había hecho para Lincoln, y así pudiera hacerse una idea de lo que necesitaba hacer para capturar la época.
La directora también habló sobre las dificultades de hacer cine en Hollywood siendo mujer y lo que espera para su carrera.
Little Women (Mujercitas), la adaptación dirigida por Greta Gerwig y protagonizada por Florence Pugh, Saoirse Ronan y Emma Watson, fue nominada a 6 premios de la Academia y cimentó a Gerwig como una de las directoras con mayor visión de los últimos años.
Gerwig se perfila nuevamente para ser nominada en la temporada de premios gracias a Barbie y está afinando los detalles para comenzar a producir la saga de Narnia en Netflix. Pero nadie llega al éxito estando completamente sola, y una prueba de ello es que Steven Spielberg le ayudó a hacer una buena investigación para lograr hacer Little Women.
Copyright @ Sony Pictures
¿Steven Spielberg impactó la historia de Little Women?
En una reciente entrevista conVanity Fair, Greta Gerwig confesó que mientras hacía Little Women, tuvo muchas dudas sobre el proceso de dirección, pero se sorprendió al ver que en general, los directores, por más renombrados que sean, están siempre dispuestos a ayudar.
De ese modo, contó que “le preguntó a Steven Spielberg que la guiara en la investigación” y el icónico director decidió mostrarle toda la investigación que hizo para Lincoln.
Steven Spielberg tardó 10 años haciendo la investigación para Lincoln, ya que de verdad quería llegar a las raíces del presidente 16 de Estados Unidos. Daniel Day Lewis, actor que protagonizó la biopic, tardó 6 años en decidir si quería interpretar al presidente, ya que en un principio se sintió intimidado por la magnitud del proyecto y la importancia de la figura histórica.
Para Greta Gerwig, el apoyo que recibió por parte de Steven Spielberg fue una muestra de lo colaborativo que es el proceso cinematográfico. Y confesó en entrevista que, aunque puede existir el ego, la afinidad entre colegas del gremio y la pasión por el cine es mucho más grande.
“Todo el mundo tiene su propio ego y su propio entendimiento de la competencia, pero si pregunto, estarán todo el día mostrándome cómo lo hicieron.
Y esto lo sé porque Steven Spielberg fue increíblemente generoso conmigo. Me mostró todo lo que hizo en Lincoln antes de que yo filmara Little Women. Me Mostró todo”.
Greta Gerwig, Vanity Fair
Greta Gerwig ya ha hablado sobre ser etiquetada en la industria de Hollywood y por qué rechaza títulos como “la primera directora” o “la directora más taquillera”, pues para ella un director de cine independiente hace el mismo trabajo que uno que tiene el apoyo de un gran estudio. “Los directores indie simplemente son directores que no tienen apoyo financiero de un estudio” dijo en una entrevista en 2019.
Incluso, ella ha puesto a Steven Spielberg como un ejemplo de cómo los directores con visión y pasión por el arte crecen con el tiempo. “Incluso Steven Spielberg era un director indie antes de Tiburón” mencionó, haciendo alusión a la carrera en cortometrajes, películas independientes y series de televisión que tuvo el cineasta antes de revolucionar los blockbusters de verano.
Foto: Jamie McCarthy | Getty Images
¿Es más difícil ser mujer directora?
En la más reciente entrevista que tuvo con Vanity Fair, Greta Gerwig mencionó que, aunque directores como Steven Spielberg han sido increíblemente generosos, está consciente de que sí hay un sesgo de género que hace más difícil que directoras puedan alcanzar el éxito en Hollywood.
“Creo que para una mujer directora, hay pocas entradas en la industria” mencionó sobre las dificultades que hay para sacar un proyecto adelante.
“Creo que es como quedar atrapada en una lavadora de desarrollo de la cual nunca sales. Nunca logras hacerlo o no encuentras el apoyo adecuado.
Creo que he tenido mucha suerte en que a mi me ha apoyado el sistema y no he sido destruida por él”.
Shawn Levy alaba la visión artística de Taylor Swift y compara su filosofía con la del legendario cineasta Steven Spielberg.
Asegura que la cantante ha sabido confiar en sus instintos y tiene una visión creativa específica, justo como el director de E.T.
The Eras Tour, la cinta sobre el concierto, se perfila para ser uno de los sucesos más grandes de Hollywood en todo 2023.
Taylor Swift está a punto de estrenar la película del concierto de The Eras Tour.Este concierto parece que no tendrá precedentes, pues no sólo hizo que películas como El Exorcista: Creyentes modificara su calendario para no tener que competir en taquilla con ella, sino que ya tiene un gran nivel de aprobación en Rotten Tomatoes y se perfila para tener una recaudación similar a la de un gran blockbuster.
Aunque la película del concierto fue dirigida por Sam Wrench, la película fue producida por la misma Taylor Swift, quien se aseguró de llegar a un buen acuerdo directamente con las cadenas de cine AMC para evitar violar cualquier normativa impuesta por los grupos en huelga.
Aunque mucha gente dirá que no es una “película en forma”, en realidad este es el primer gran acercamiento que tiene la cantante a un estreno cinematográfico, ya que anteriormente ha expresado su interés de convertirse en directora de una película.
Y parece que que muy pronto se cumplirá su nueva idea, ya que el director Shawn Levy está seguro de que Taylor Swift tiene la misma filosofía autoral que Steven Spielberg.
Copyright @ 20th Century Studios
Taylor Swift: ¿La Steven Spielberg de una generación?
Shawn Levy, conocido por dirigir la película de Free Guy y Deadpool 3 con Ryan Reynolds, participó como actor en el cortometraje de All Too Well (Taylor’s Version), donde también participó Logan Lerman y Sadie Sink.
“La profundidad de su visión para hacer las cosas cómo ella quiere que una pieza creativa sea, así sea una melodía, las letras de una canción, un puente, un tour de conciertos, un video…
Todo es profundamente vívido, y así de fuerte también es la fuerza de sus convicciones”.
Shawn Levy, Entertainment Weekly
Levy comentó en la misma entrevista que la visión creativa de Taylor Swift le recuerda mucho a Steven Spielberg. “Una vez, cuando dirigí una película que Steven Spielberg producía, le pregunté: ¿Cómo sabes si es la toma correcta? Y él me dijo: La forma en la que lo ves, eso es lo que la hace correcta”.
Y para él, esa misma filosofía la comparte Taylor Swift, quien ha sabido construir poco a poco una visión autoral. “Creo que eso ya lo descubrió Taylor Swift, porque se trata de confiar en tu instinto”.
Foto: CNBC
¿Cuándo veremos a Taylor Swift en el cine?
Aunque la cantante ha tenido cameos en algunas cintas de Hollywood, en diciembre de 2022 se confirmó que Taylor Swift iba a dirigir una película que ella misma escribió, pero debido a las huelgas de Hollywood y la ocupada agenda de The Eras Tour, no se ha sabido mucho más al respecto.
Taylor Swift este año se convirtió en la primera artista en ganar dos premios a Mejor Dirección en los MTV VMAs, uno por el video de All Too Well y otro por el video de The Man.
Se espera que el debut de su concierto en cines oscile entre los 150 o 200 millones de dólares, por lo que ya se perfila para convertirse en una de las 10 películas más taquilleras en Estados Unidos, superando la recaudación de cintas como Misión Imposible 7, Indiana Jones 5 y Fast X.
No sólo eso, se espera que la película ayude a los cines a recuperarse económicamente, ya que el calendario de estrenos se ha complicado por las persistentes huelgas de Hollywood, que han provocado retrasos y cancelaciones en estrenos importantes, como Dune 2.
Rumores aseguran que Rachel Zegler tuvo que ser reemplazada de Paddington 3.
Los reportes explican que, debido a las huelgas, la actriz no podía participar y la producción de Paddington ya no pudo esperarla.
En espera de su otra película: Ballad of Songbirds and Snakes, Rachel Zegler ha enfrentado mucha controversia por el live-action de Blancanieves.
Rachel Zegler es una de las promesas jóvenes de Hollywood más prolíficas y populares de la industria. Después de que protagonizó la versión de West Side Story de Steven Spielberg, la estrella pronto empezó a sumar proyectos en la industria.
Zegler estelarizó Shazam 2: Furia de los Dioses, también quedó como protagonista en la precuela de The Hunger Games: Ballad of Songbirds and Snakes, será Blancanieves en el nuevolive-action de Disney, será otra princesa en la propuesta animada de Spellbound y hacía sido confirmada para participar en la tercera entrega de Paddington, hasta ahora.
Parece que la apretada agenda blockbuster de la actriz se vio muy afectada por la huelga de actores y actrices en Hollywood, ya que nuevos reportes aseguran que Rachel Zegler tuvo que ser reemplazada en la tercera entrega del optimista oso.
Copyright @ Corazon Films
¿Por qué Rachel Zegler tuvo que salir de Paddington 3?
Según el reporte del conocido insider Daniel Ricthman, la filmación de Paddington 3 ya casi termina y Rachel Zegler tuvo que ser reemplazada debido a que la huelga del SAG-AFTRA no le permitió completar sus días de rodaje.
Rachel Zegler era de las pocas actrices miembros del sindicato en huelga que participaba en Paddington 3, ya que la película está conformada en su mayoría por un cast británico que no está asociado con el mismo grupo sindical que actores y actrices estadounidenses.
Las reglas del SAG-AFTRA impedían trabajar a cualquier miembro en una producción, a menos que consiguiera un permiso especial.
Paddington 3 no tuvo que pausar su producción no sólo porque no responde a los mismos estándares y reglas de Hollywood, sino porque no tuvo que filmar en Estados Unidos. La idea es que ahora el osito se vaya a Perú, por lo que la producción oscilo entre Gran Bretaña y el país latinoamericano.
La huelga de actores y actrices lleva más de dos meses activa, por lo que parece que la producción simplemente no pudo esperar a Rachel Zegler y decidieron desarrollar la cinta sin ella.
Copyright @ Warner Bros discovery
Rachel Zegler no la ha tenido fácil
Actualmente, Rachel Zegler se prepara para el estreno de Ballad of Songbirds and Snakes, y aunque es incierto si ella podría participar activamente en la promoción de la película, algunos reportes aseguran que su actuación es increíble, pues el director Francis Lawrence mencionó que una canción que interpretó “los llevó hasta las lágrimas”.
En lo que esperamos ver qué tan buena resulta la precuela de Los Juegos del Hambre, Rachel Zegler se la ha pasado muy mal debido a la ola de críticas racistas que ha recibido por su participación en Blancanieves.
Además de haber sido severamente criticada por su color de piel, Zegler también ha levantado controversias debido a los comentarios alrededor del live-action, pues ha sido muy vocal al decir que esta versión “no será como el cuento clásico” y buscará explorar otras temáticas para nuevas generaciones.
Otro tema controversial sobre Blancanieves fue la presencia de sus 7 acompañantes. En el cuento original, la princesa es acompañada por 7 enanos, pero al considerarse ofensivos y estereotipados, Disney decidió modificar la presencia de estos personajes, y ahora serán criaturas mágicas de diferentes grupos étnicos.
Por el momento, solo nos queda esperar el estreno de Ballad of Songbirds and Snakes, en donde Rachel Zegler interpretará a Lucy Gray Baird, la ofrenda del Distrito 12 que es entrenada por Coriolanus Snow.
Este será su papel más grande hasta la fecha, pues es la primera vez que protagoniza un gran blockbuster, por lo que es emocionante ver en todo su esplendor las habilidades de Rachel Zegler como estrella de Hollywood.
Sula Films es una casa productora fundada por Alejandro Sugichhace más de 11 años, poco a poco se ha abierto paso en la escena de cine nacional y actualmente está detrás de ambiciosos proyectos mexicanos, entre los que destacan Perdidos en la Noche de Amat Escalante, Menéndez, el Día del Señor Casi Treinta y Los Jefes.
Pero una de sus producciones más ambiciosas ha sido sin dudaLos Hermanos Salvador,serie que se estrenó en la plataforma de Disney+. Y ahora, antes de su estreno en Amazon Prime Video, el equipo de Sula estrenó en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato “El Extraño Caso del Fantasma claustrofóbico”, una adaptación del cuento de Hortensia Moreno.
La película es una historia sencilla sobre un fantasma que vive en el clóset de Nikolaj (Lukas Urquijo), un joven que junto a su hermano Emil (Fausto Espejel) y su amiga Ximena (Ana Emilia) deciden descubrir el misterio detrás de este espíritu chocarrero.
En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Alejandro Sugich, la productora Julieta Perales y el editor Jorge Carvajal sobre por qué esta nueva película es tan ambiciosa y cómo buscan cambiar el cine mexicano.
Imagen: Sula Films
Sula Films: ¿Qué le falta al cine mexicano?
A pesar de tener experiencia con proyectos de terror, drama y comedia de adultos, Alejandro Sugich nos comentó que “él quería comenzar a hacer contenidos para sus hijas”, pues pronto descubrió que en México la fantasía y el terror está destinada mayormente a audiencias adultas.
Por eso, Sugich y su equipo han apostado por crear historias con un alto valor de producción enfocadas a audiencias infantiles. “Siento que este tipo de producciones [Como el Fantasma Claustrofóbico] usualmente se hacen en otros lados y luego se traen acá. Entonces, ¿por qué no hacer este tipo de películas o historias, de fantasías para niños? Con una calidad que trascienda barreras internacionales y no se sienta forzado”.
La productora Julieta Perales, quien conoce a Sugich desde hace más de 10 años y está íntimamente relacionada con producciones como Los Hermanos Salvador y el Fantasma Claustrofóbico, aseguró que la filosofía de Sula Films nació en gran parte de los intereses de Alejandro Sugich y sus gustos de la infancia.
“Siempre busca regresar a lo que le gustaba de niño, porque se enamoró del cine y poderlo compartir no solo con su familia, sino también con las audiencias mexicanas. Porque luego no encontramos historias que cuenten esto”.
El equipo de Sula asegura que entonces toman inspiración de películas de luchadores, pero también de historias que pasaban en Canal 5, por lo que hacen producciones que esperan que pronto puedan convertirse en inspiraciones parecidas para las nuevas generaciones.
“Sería maravilloso que alguien pudiera ver una serie como Los Hermanos Salvador y diga wow: se pueden hacer cosas diferentes, los efectos se ven increíbles. […]
Sería genial que algún cineasta en sus 20s viera nuestra película y diga: sí se puede, yo quiero hacerlo mismo o más. Que si se puede”.
Julieta Perales, Fuera de Foco
Y así, el Fantasma Claustrofóbico “es una historia que explora cómo los niños entienden la pérdida, los corazones rotos. Porque las infancias son mucho más inteligentes de lo que les damos créditos a veces” comentó Sugich.
Los Hermanos Salvador | Copyright @ Disney+
¿Cómo Sula Films homenajea a la cultura mexicana?
El primer “gran milagro” que tuvieron, según el equipo de Sula Films, fueron Los Hermanos Salvador, una serie sobre una familia que hereda una tienda de magia y debe lidiar con situaciones sobrenaturales muy mexicanas. “Fue una suerte que pudiéramos sacar esa serie con el presupuesto que teníamos y que se vea como es. Es una muestra de lo mucho que se puede lograr con pasión y esfuerzo” mencionó Carvajal.
“El Ojo de los/as niños/as de ahora está muy educado” nos comentó el editor principal de fotografía del Fantasma Claustrofóbico Jorge Carvajal. “Queremos asegurarnos de que en Sula tengamos producciones de muy alta calidad que puedan viajar, demostrar que aquí también se puede tener una historia con un gran valor de producción que se vea en territorios internacionales”.
Así, el equipo de Sula Films se ha propuesto crear películas situadas dentro de México y con situaciones muy mexicanas. En Los Hermanos Salvador, la idea de la magia y el esoterismo venía de tradiciones mexicanas inspiradas en sitios como el Mercado de Jamaica o Catemaco.
Y para el Fantasma Claustrofóbico, no sólo se recuperan los mitos y creencias sobre los fantasmas, la cinta también gira alrededor del terremoto de 1985. Y aunque no es necesario conocer a fondo las tradiciones o la historia de México para entender y disfrutar la película,
“Queremos la cultura mexicana desde una perspectiva fresca y para un público fresco y con elementos que puedan conectar tanto culturalmente como México, como como de forma atractiva con este con el público internacional.”
Julieta Perales, Fuera de Foco
Imagen: Noticine
El Fantasma Claustrofóbico: ¿Una Cinta muy ambiciosa?
Basado en el cuento del mismo nombre de Hortensia Moreno, Tanto Sugich como Carvajal nos comentaron que se esforzaron mucho para que cada escena tuviera un detalle diferente, combinando efectos prácticos con CGI para darle otra dimensión a la películas. “En cada escena hay algo. Y por ejemplo, cuando se levantan las cosas, hicimos que algunas flotaran con efectos prácticos y luego aumentamos el número con CGI para darle más volumen, así intentamos hacer crecer el tamaño de la película” nos aseguró Carvajal.
Julieta Perales también nos comentó que “la película está repleta de referencias a los Goonies, a E.T, al cine de Steven Spielberg” pero también hay detalles escondidos sobre la historia de sus personajes.
Uno de ellos, según nos contaron, tiene que ver con el personaje de Marcela (Danae Reynaud), el cual fue creado para la película. “La verdad sobre su pasado está en unas páginas de un diario en donde se le hace un pequeño zoom, ahí está esa pista desde antes que se revele quién es”. Aseguró Sugich.
El Extraño Caso del Fantasma Claustrofóbico se estrena próximamente en Amazon Prime Video.
Steven Spielberg es uno de los directores de cine más importantes de la actualidad, quien además conoce a la perfección a la industria cinematográfica en Hollywood. Sin embargo, hace diez años, cuando afirmó que existiría una “implosión” en la industria del cine, nadie le creyó. No obstante, hoy es una realidad.
Durante su presentación en la inauguración de un nuevo centro de medios en la Universidad del Sur de California junto con George Lucas en junio de 2013, Steven Spielberg imaginó un mundo en el que las películas Hollywoodenses de más de 250 millones de dólares, también conocidos como blockbusters, fracasarían en taquilla, lo que ocasionaría una crisis e importantes cambios,tal y como está pasando ahora.
Imagen: Stefanie Keenan/Getty Images
¿Steven Spielberg predijo la crisis de Hollywood?
Steven Spielberg comentó que el fracaso de los blockbusters provocará una gran “implosión” en la industria, incluido el hecho de que los cines cobren sus entradas de acuerdo a la película. En ese entonces, el director puso de ejemplo que verIron Man te costaría $25 dólares, mientras queLincoln vendería sus accesos en $7 dólares.
“Ese es el gran peligro, y eventualmente habrá una implosión, o un gran colapso. Va a haber una implosión en la que tres o cuatro o tal vez incluso media docena de películas de gran presupuesto se van a estrellar contra el suelo, y eso va a cambiar el paradigma”.
Steven Spielberg
Por su parte, George Lucas estuvo de acuerdo con la idea de Steven Spielberg y agregó que la exhibición de películas en salas de cine se asemejaría a una obra de Broadway, de modo que podríamos ver películas exhibidas hasta por un año y los precios de las entradas aumentaría. Esta predicción recordó a Spielberg el hecho de que su película estrenada en 1982, ET the Extra-Terrestrial,permaneció en los cines durante un año y cuatro meses.
Spielberg agregó que los más afectados en este cambio serían los/as estudiantes de cine al tratar de abrirse camino en la industria, en un momento en que los/as directores/as más establecidos lucharán por atraer a los/as espectadores /as a las salas de cine.
En aquel tiempo, Lucas lamentó que los estudios de cine estuvieran produciendo películas para grandes masas en lugar de audiencias más específicas, por lo que la televisión por cable estaba siendo “mucho más aventurera” a la hora de contar historias diferentes. Incluso, Steven Spielberg comentó que su película ganadora del Oscar en 2013, Lincoln, estuvo “así de cerca” de estrenarse en HBO en lugar de los cines.
Imagen: Michael Kovac/Getty Images
¿Las predicciones de Steven Spielberg se harán realidad?
Aunque durante los últimos años la industria del cine se ha tambaleado por consecuencia de la pandemia, los grandes estudios tenían la esperanza que, eventualmente, se levantarían de la crisis y las salas de cine se llenarían nuevamente. Sin embargo, luego de tres años y estrenos masivos, todo parece indicar que la pandemia sólo aceleró las predicciones de Steven Spielberg y los blockbusters han comenzado a fracasar.
Este año, películas de gran presupuesto como The Flash, Fast X, Indiana Jones 5, Transformers: Rise of the Beasts, The Little Mermaid, Elemental y Dungeons and Dragons, han fracasado en taquilla a pesar de tener en su elenco a estrellas de Hollywood que antes habían generado millones de dólares, en historias dirigidas a grandes masas.
Tan sólo Warner Bros podría perder hasta 200 millones de dólares por The Flash, mientras que Disney se dirige al mismo camino por la quinta parte de Indiana Jones que costó alrededor de 450 millones de dólares. Sin duda, estas pérdidas harán replantearse muchas de sus decisiones a los grandes estudios de cine, por lo tanto, no sería sorprendente si en unos cuantos años las salas de cine comenzarán a cobrar dependiendo de la película.
La cadena de cines estadounidense, AMC Theatres, anunció en febrero de este año que cobraría los precios de los boletos de cine según la ubicación del asiento, al igual que en los conciertos de música, los eventos deportivos o las obras de Broadway, una realidad muy parecida a las predicciones de George Lucas.
Si bien es muy pronto para determinar que todas las películas de gran presupuesto fracasarán en lo que resta del año, lo cierto es que ya no ocasionan el mismo impacto que hace unos años, en donde los llamados“blockbuster de verano”estaban destinados a recaudar al menos 100 millones de dólares en Estados Unidos y, ahora, pocas lo han logrado.
Asimismo, a la gran crisis de los blockbusters se suman las huelgas de guionistas y actores, las cuáles podrían redefinir el futuro del cine, la televisión y el contenido creado para todo público.
La productora dirigida por Steven Spielberg, Amblin Partners ha llegado a un nuevo acuerdo de varios años con Universal Pictures para desarrollar varios proyectos cinematográficos y brindarle a la compañía una mayor flexibilidad financiera y creativa.
Anteriormente, Amblin Partners encontraba financiamiento para sus propias películas y luego le daba a Universal la oportunidad de distribuir sus proyectos por una tarifa, pero ahora esperan que en conjunto puedan producir filmes más ambiciosos.
Imagen: Amblin Partners/ Universal Pictures
Amblin Partners tendrá libertad creativa y autonomía
El director Steven Spielberg ha trabajado junto a Universal para distribuir proyectos como Los Fabelman, 1917, Green Book, entre otras, por lo que durante mucho tiempo han sido socios creativos para cintas ganadoras del Oscar y si bien, durante mucho tiempo se rumoreó que Universal quería adquirir Amblin Partners, continuarán operando de forma independiente bajo un acuerdo general.
Spielberg señaló a través de un comunicado que Universal Pictures “es su casa” y “estudio ancestral” y esperaba que esta nueva negociación le brindará a Amblin Partners “la flexibilidad creativa y la autonomía” que permitirá “tener éxito juntos en el futuro”.
“Estoy eternamente agradecido con todo nuestro equipo en Amblin por su trabajo y dedicación a lo largo de los años, y también estoy agradecido con Donna y todos en Universal por su compromiso y asociación, ya que todos esperamos nuestra próxima aventura juntos”.
Steven Spielberg
La nueva asociación también provocará una reestructuración dentro de los rangos ejecutivos de Universal, que ha llevado a Donna Langley a ascender a presidenta y directora de contenido de NBCUniversal Studio Group, de modo que será la encargada de supervisar los estudios de cine y televisión de la compañía. “Estamos entusiasmados de desarrollar nuestra asociación con Steven y consolidar nuestro legado creativo”. dijo Langley. “Steven y el equipo de Amblin han sido socios destacados y esperamos con ansias este próximo capítulo”.
Imagen: Michael Loccisano/Getty Images
Amblin Partners también trabajará con Netflix
Amblin Partners también continuará su asociación cinematográfica con Netflix, así como su negocio de producción de televisión, que actualmente tiene más de una docena de programas tanto en la televisión como en streaming.
En particular,Spielberg, señaló en el 2021 que su acuerdo con la famosa plataforma de streaming consistiría en realizar varias películas, siendo la primera una historia sobre Leonard Bernstein protagonizada por Bradley Cooper, que se encuentra en preproducción y contará la vida del director de orquesta, compositor, pianista, educador musical, autor y humanitario.
Ted Sarandos, co-CEO y CCO de Netflix, mencionó que estaban ansiosos por empezar a trabajar al lado de Steven Spielberg y Amblin Partners. “Nos sentimos honrados y emocionados de ser parte de este capítulo de la historia cinematográfica de Steven”. Mientras que el director agregó que esta sería una gran oportunidad para distribuir sus proyectos. “Tenemos una oportunidad increíble de contar nuevas historias juntos y llegar al público de nuevas formas”.
Aunque Steven Spielberg ya tiene asociaciones con una de las productoras y plataformas de streaming más importantes de la actualidad, el director no ha parado de trabajar y, durante el Festival Internacional de Cine de Berlín, anunció que adaptará el guion de la película perdida Napoleón de Stanley Kubrick pero como una serie limitada para HBO.
Se dice que en total la película de Kubrick requería 40,000 soldados y varios set de filmación alrededor de todo el mundo, incluido países como Reino Unido, Rumania y Francia, de modo que fue desechada por su altos costos de producción. Por ahora, no se ha informado si la próxima serie también contará con una producción masiva o se realizará con un presupuesto más bajo.
Desde que David Zaslav llegó a la cabeza de Warner Bros Discovery,sus controversias no han parado. Su objetivo de recortar y ahorrar más de 3 mil millones de dólares ha resultado en severas cancelaciones, reestructuraciones, cambios en sus películas, series y servicios de streaming.
Aún así, Warner Bros sigue con una deuda de más de 45 mil millones de dólares, y fracasos como los que han enfrentado con sus propiedades más lucrativas, como The Flash, Shazam y Black Adam, han dado muy mala publicidad a la administración de Zaslav, pues sus intentos por reinventar la compañía se han quedado muy cortos.
Pero ahora, otra controversia rodea Warner Bros: la censura. Y es que originalmente, se había publicado un artículo de GQ sobre el CEO que la compañía pidió que removieran.
Imagen: Artículo GQ
¿Qué decía el artículo de GQ sobre David Zaslav y Warner Bros?
El artículo comenzó citando cuando Zaslav fue abucheado en una conferencia en la Universidad de Boston, cuando estudiantes le gritaron “¡págale a tus escritores!” para posicionarse sobre la huelga de guionistas.
Después, se habla muy poco sobre su experiencia como el CEO de Discovery y los retos que enfrentó cuando apenas asumió el cargo con la fusión de Warner Bros: la inmensa deuda que dejó AT&T, la controversia con directores como Christopher Nolan cuando se decidió estrenar películas simultáneamente en cines y en HBO Max.
El artículo después mencionó la cancelación de Batgirl, la secuela de Scoob! y habló sobre la cantidad de títulos que han sido removidos de su servicio de streaming. También mencionó el problema que hubo cuando Max intentó mezclar los créditos de directores con los guionistas, mencionó la reunión que Steven Spielberg y Martin Scorsesetuvieron con Zaslav sobre el canal Turner Classic Movies.
Aunque Bailey enlistó estos problemas, que han sido sumamente públicos y definitivamente han lastimado la credibilidad de Warner Bros, realmente no son mentiras. Y el artículo tampoco hablaba a profundidad sobre la magnitud de estos errores o las consecuencias que ha tenido para la industria en general, por lo que surgieron muchas dudas sobre la decisión de remover el artículo, algunas personas asegurando que se trató de un caso de censura.
Imagen: Inside the Magic
¿Y entonces por qué Warner Bros pidió que lo removieran?
Aparentemente, las razones por las que Warner Bros pidió a la revista GQ que quitaran el artículo fue porque había datos pocos precisos sobre David Zaslav. En particular, se molestaron cuando el autor comparó al CEO con el personaje de Logan Roy (Brian Cox) en Succession y con Edward Lewis (Richard Gere) de Pretty Woman.
El artículo, aseguró que David Zaslav “ve las películas como contenido” y también sentenció que Zaslav “estaba muy lejos de Jack Warner”, el presidente de Warner Bros que convirtió al estudio en uno de los más lucrativos e importantes de todo Hollywood desde la década de los 30.
El artículo también acusó a Zaslav de “tomar el conglomerado y despedazarlo en trizas”. Por estas razones, un representante oficial de Warner Bros le confirmó a IndieWire que “el autor no contactó a la empresa para aclarar datos sobre el artículo, que es procedimiento estándar. Y como también es procedimiento estándar, le llamamos a GQ para solucionar y corregir datos falsos o poco precisos”.
Supuestamente, en el proceso de corregir estos datos, “el editor decidió remover por completo el artículo”. El editor en cuestión es Will Welch, quien también producirá una película para Warner Bros titulada “The Great Chinese Art Heist” con Jon M. Chu como director. Por esta razón, la decisión de eliminar el artículo fue criticada por un posible conflicto de interés.
Al respecto, la revista GQ también tomó postura, y ya se disculpó públicamente con Warner Bros, admitiendo que no se revisó a profundidad la nota antes de publicarla.
“Una nota de GQ no fue editada propiamente antes de ser publicada. El escritor pidió que removieran su nombre como autor, y en ese momento decidimos removerla de nuestro sitio.
GQ lamenta el error editorial por dejar que una historia se publicara aunque no estuviera lista”.
Steven Spielberg, Martin Scorsese y Paul Thomas Anderson están muy preocupados por Warner Bros. Y es que después del estreno de The Flash, todo indica que la compañía está dispuesta a vender o comprometer todas sus producciones, así sean películas clásicas que marcaron la historia de Hollywood.
Por esa razón, acaban de organizar una reunión de emergencia con el CEO de Warner Bros Discovery, David Zaslav, quien acaba de despedir de forma masiva a gran parte el equipo de Turner Classic Movies, un canal de Warner Bros especializado en transmitir películas antiguas, incluyendo grandes clásicos de Hollywood.
Aparentemente, la reunión surgió debido a grandes preocupaciones sobre la preservación cinematográfica, pero les contamos por qué esta es una señal de que la compañía Warner Bros está nuevamente enfrentando una gran crisis.
Imagen: Cinemascomics
Steven Spielberg quiere proteger el cine de Warner Bros
Esta semana, David Zaslav anunció que Warner Bros despediría a todo el departamento ejecutivo de Turner Classic Movies, incluyendo al Gerente General, el responsable de la programación, y el jefe de la división de marketing y estrategia de marca, lo que de inmediato causó rumores y preocupaciones sobre el futuro del canal y su posible cancelación.
A la reunión de emergencia también asistieron Martin Scorsese y Paul Thomas Anderson, quienes son parte de The Film Foundation, una organización sin fines de lucro creada por el director de Goodfellas para dedicarse a la preservación artística. Y después de su junta, lanzaron un comunicado conjunto en donde se comprometían a seguir luchando por la industria del cine y por el canal de Turner Classic Movies.
“Hemos pasado tiempo con David [Zaslav] separados y en conjunto. Es claro que el canal Turner Classic Movies y el cine clásico es muy importante para él. Nuestro objetivo principal es asegurarnos que el canal TCM y su programación está protegido y no se va a tocar”.
En su comunicado, afirmaron que “seguirán apostando por la preservación de este canal cultural y su importancia para el cine”. El comunicado acepta que el canal “nunca ha sido un gigante financiero”, pero asegura que sí ha sido exitoso, principalmente por la forma en la que ha acercado a la gente al cine.
De hecho, Martin Scorsese ha dicho en varias ocasiones que es muy fan de ese canal, y que lo pone como ruido de fondo cuando está trabajando, ya sea para inspirarse o relajarse. “Es más como una presencia, un recordatorio de que la historia del cine es una entidad que vive y que todavía sigue en pie” comentó para el LA Times.
Steven Spielberg también comentó que es un canal sumamente importante para la historia del cine de Hollywood, pero los problemas de Warner Bros tal vez son demasiado grandes. E históricamente, Zaslav siempre ha decidido priorizar la solución económica sobre el valor del arte.
Foto: AUDE GUERRUCCI | GETTY IMAGES
¿Por qué Warner Bros está (otra vez) en crisis?
Aunque Steven Spielberg y compañía aseguraron que las conversaciones fueron positivas en torno a la preservación del cine, actualmente Warner Bros enfrenta otra crisis financiera, por lo que realmente no se sabe qué pasará con sus producciones o con canales como Turner Classic Movies.
Para empezar, la razón por la que decidieron reestructurar el canal favorito de Steven Spielberg y Martin Scorsese, se debe muy probablemente a la crisis financiera que presentó The Flash. La cinta de Ezra Miller debutó con una recaudación de 139 millones de dólares en su primer fin de semana, por debajo de las proyecciones estimadas, y las críticasal mal CGI, las controversias de Miller, el cansancio al género de superhéroes son todas razones para creer que la cinta no mejorará conforme pase su tiempo en taquilla.
Esto quiere decir que batallará mucho para conseguir los 500 millones de dólares que necesita apenas para cubrir los costos de producción y marketing de la película. Pero eso no es todo, después de los primeros resultados en taquilla, se reportó quelas acciones de Warner Bros bajaron 2%.
Todavía no se reporta qué tan redituables resultaron películas exitosas como Air, Creed III o Evil Dead Rise, pero también falta calcular los fracasos de Magic Mike, Black Adam y Shazam 2, que seguramente no ayudarán a aliviar la deuda de 49 mil millones de dólares que todavía tienen después de la fusión entre Warner Bros y Discovery.
Por esa razón, además de licenciar series de HBO y poner a la venta todo su catálogo de streaming, también están dispuestos a poner a la venta la mitad de su catálogo musical, que incluyen clásicos como la música de Purple Rain, Evita, varias películas de Batman, Rent o Casablanca por un precio de 500 millones de dólares. Por el momento, se dice que Sony es uno de los compradores más interesados en el catálogo.
Lo peor del caso, es que seguramente empeorará antes de mejorar, pues la crisis financiera que enfrenta Warner Bros no parece dar de sí. Todavía tiene algunas cintas en puerta que podrían ser grandes éxitos, como Barbie, Wonka, Dune 2, Blue Beetle y Aquaman, pero está por verse si serán suficientes para solventar la crisis financiera que sigue aumentando.
