Durante una entrevista, Jeffrey Wright adelantó que el final de la segunda temporada de What If…? tiene el potencial de marcar a la cultura pop, además de aplaudir el trabajo de los artistas detrás de la serie.
El actor detalló el por qué las historias y personajes de What If…? son distintos a los héroes dentro del MCU y el potencial de las siguientes temporadas de la serie.
Jeffrey Wright dio vida y voz a The Watcherpor primera vez en 2021 en What If…?, la ambiciosa serie animada del MCU que explora el universo de posibilidades alrededor de los personajes de Marvel. Y en su segunda temporada, el actor regresa al personaje, aunque con cambios clave con los que ha asegurado, la serie sólo ha escalado de nivel.
Es por ello que cerca del final de la segunda temporada, el actor explica el por qué cree que What If…? es uno de los shows con mayor potencial dentro del MCU y por qué su final podría ser uno de los más icónicos tanto en el universo de superhéroes, como dentro de la cultura pop.
Imagen: Disney+
¿Qué hace a “What If…?” un show único?
Durante una conversación con el portal Entertainment Weekly, Jeffrey Wright aseguró que la serie animada de Marvel es quizá una de las producciones más ambiciosas en el género de superhéroes, especialmente por el trabajo de los artistas detrás del show.
“Cuando ves cómo todo se integra, todas las manos que hay detrás, el increíble trabajo de los artistas, es una gran revelación para mí”, señaló el actor, añadiendo que si bien no ve el resultado final hasta mucho después de grabar la voz del personaje, desde el guión considera a What If…? uno de los shows con mayor esencia en el MCU.
Asimismo, destacó a The Watcher como uno de los personajes más interesantes que ha interpretado, señalando que especialmente en la segunda parte “ha evolucionado a gran escala”.
“No es el mismo Watcher que era al principio, ha roto la cuarta pared y eso es increíble porque le da una gran complejidad al personaje, y le permite ser activo en formas que no podía ser anteriormente.”
Jeffrey Wright
Imagen: Disney+
¿El mejor final en el Universo de Marvel?
“Hay algo maravilloso alrededor de la naturaleza épica de la serie” señaló Jeffrey Wright, quien aseguró que cuando el Universo de Marvel se empeña en contar una buena historia, “hay un fenómeno de creación de nuevos mitos que impactan a nivel cultural, y que se remonta a los estilos más antiguos de narrativa”.
Por ello, Wright aseguró que dada la presencia de los personajes en What If…? y el curso de su historia, el final podría ser uno de los más impresionantes dentro de Marvel.
“Las historias de éstas heroínas y héroes es algo para los humanos.
Y el final de What If…? es tan épico y emocionante, y tan genial que me emociona ver qué sigue después”.
Jeffrey Wright.
Asimismo, el actor señaló que las posibilidades futuras de la serie son tan amplias que intenta “no anticipar a dónde se dirigirá todo”, pensando en dejarse sorprender por los guionistas del show. “Al leer los guiones me doy cuenta de lo poco que conozco o lo poco que sé en comparación a lo que logran con la historia”.
“Hay mucho con lo qué jugar con este personaje, con Uatu. Tanto por explorar”, declaró Wright.
La segunda temporada de What If…? llegará a su fin el 30 de diciembre en Disney+.
Hayao Miyazaki obtuvo su primer crédito como director en la serie Future Boy Conan, anime de la década de 1970 que granó gran popularidad en Japón y alrededor del mundo.
Future Boy Conan tendrá una nueva adaptación, aunque esta vez para teatro, con el fin de llevar la historia a generaciones más jóvenes y fans de Hayao Miyazaki.
La obra será adaptada por David Manbeouf e Inbal Pinto, este último quien ha estado detrás de producciones como The Wind-Up Bird Chronicle, y The Cat That Lived a Million Lives
Antes de estrenar Castle of Cagliostro, Hayao Miyazaki obtuvo su primer crédito como director en Future Boy Conan, una serie de televisión de anime de veintiséis episodios que comenzó a transmitirse en Japón en 1978 que adapta el libro The Incredible Tide escrito por Alexander Key, que narra las aventuras de un niño que vive solo en una pequeña isla derrumbada por la guerra.
Cuarenta años después, el Tokyo Metropolitan Theatre Playhouse anunció que la aclamada serie será adaptada para el teatro con el objetivo de llevar la historia a una nueva generación de personas que no crecieron con el programa pero son fanáticos/as de la carrera de Hayao Miyazaki. A continuación te platicamos los detalles.
¿De qué trata Future Boy Conan de Hayao Miyazaki ?
Producida por Nippon Animation, Future Boy Conan de Hayao Miyazakisigue al personaje principal y sus intentos de forjar conexiones entre los humanos que quedan en la Tierra luego de que décadas de guerra han despojado al planeta de muchos recursos vitales, y han provocado frecuentes desastres naturales.
Después de que el abuelo de Conan fallece, conoce a una joven llamada Lana que tiene la capacidad de comunicarse con animales y máquinas voladoras. También parece compartir una conexión telepática con su abuelo, el Dr. Rao, responsable de crear la tecnología militar que provocó gran parte de la destrucción del planeta. A lo largo de la serie, vemos como Conan ayuda a Lana a evadir las fuerzas de Industria, una nación que alguna vez fue poderosa y está decidida a aprovechar la escasa energía para continuar con su forma de vida.
De acuerdo con CBR, la obra de teatro contará con la colaboración del director David Manboeuf, intérprete exclusivo del Theatre National Du Folk de Francia, así como del coreógrafo israelí Inbal Pinto para crear el espectáculo, que utilizará segmentos musicales para contar la historia.
En particular, Pinto tiene una amplia experiencia en varias producciones de renombre, incluida la versión teatral de la novela de Haruki Murakami de 1994, The Wind-Up Bird Chronicle, y The Cat That Lived a Million Lives de Yoko Sano.
¿Por qué es importante Future Boy ConanparaHayao Miyazaki?
Future Boy Conan exploró muchos de los temas que serían examinados con mayor profundidad en los próximos trabajos de Hayao Miyazaki, como lo es el mensaje ambiental que enfatiza en películas como Princess Mononoke y Nausicaa of the Valley of the Wind. Asimismo, la protagonista, Lana, comparte muchas similitudes con Sheeta de la película Castle in the Sky estrenada en 1984, cuya trama también toca temas de guerra, avaricia humana y corrupción.
En última instancia, Future Boy Conan allanó el camino de Hayao Miyazaki para convertirse en uno de los directores de animación más aclamados del mundo con cientos de nominaciones y reconocimientos.
Su última película, The Boy and the Heron, causó sensación en la taquilla a nivel mundial a pesar de tener una corta exhibición y poca promoción. Particularmente, en Estados Unidos ha logrado sumar 12.8 millones de dólares en su primer fin de semana y, desde su debut en los cines japoneses, ha recaudado más de 56.1 millones de yenes, lo que representa $396,868 dólares aproximadamente.
The Boy and the Heron aborda la relación con sus dos amigos más cercanos: el fallecido cofundador y director del estudio Isao Takahata (La tumba de las luciérnagas) yel cofundador y productor de Studio Ghibli,Toshio Suzuki. Por ello, la cinta se ha convertido en su película más personal al punto de necesitar un año para llorar antes de terminarla. “En realidad le llevó alrededor de un año después del fallecimiento de Takahata poder dibujar a ese personaje en los guiones gráficos de la segunda mitad de la historia”, dijo Suzuki en una entrevista previa.
Tras el estreno de Batman y Batman Returns, cintas dirigidas por Tim Burton, Warner Bros. mostró interés en un spin-off de Catwoman dirigido por el icónico cineasta.
El guionista Daniel Waters revela algunas de las ideas que Tim Burton tenía para la cinta en solitario de Catwoman, el cual describió como un drama en blanco y negro muy al estilo de la serie de Prime Video, The Boys.
Aunque las cintas de Tim Burton en DC fueron todo un éxito, el cineasta fue criticado por “no respetar” la esencia de los personajes en los cómics, detalle que aunque ahora se cumple más al pie de la letra, Daniel Waters definió como un freno para la creatividad de los directores.
Batman y Batman Returns dirigidas por Tim Burton alcanzaron el éxito en los años 90, por la manera tan original que presentaban al superhéroe en la pantalla grande, así como por sus personajes secundarios y villanos, incluida Catwoman interpretada por Michelle Pfeiffer.
En consecuencia,Warner Bros comenzó a mostrar más interés por la visión de Burton en los personajes de DC y le propuso realizar una película centralizada en Catwoman y, si bien nunca llegó a desarrollarse, más de veinte años después, el escritor de Batman Returns, Daniel Waters, acaba de revelar todos los planes que tenía junto al director de Beetlejuice para filmar el spin off. A continuación te los platicamos.
Durante una proyección reciente deBatman Returns, Daniel Waters detalló las ideas que tenía junto a Tim Burton para desarrollar Catwoman, entre ellas que estaría filmada en blanco y negro para rendir homenaje a la icónica película de terror de 1942 de Jacques Tourneur, Cat People, que cuenta la historia de una mujer que se convierte en gato y para conservar su forma humana, debe aparearse con los de su propia especie.
“Quería hacer una película en blanco y negro de 18 millones de dólares, como la ‘Cat People’, y con Selina simplemente viviendo en un pueblo pequeño”.
Daniel Waters
Tim Burton quería que Catwoman se convirtiera en un drama íntimo y personal de la villana, en donde la veríamos mudarse a Los Ángeles aunque la ciudad no estaría retratada como la conocemos, en cambio, sería un lugar mucho más oscuro. “Quería hacer una película de ‘Batman’ donde la metáfora fuera sobre ‘Batman’. Entonces hice que se mudara a una versión de Gotham City en Los Ángeles”, dijo Waters. Además, detalló que el filme de Catwoman era muy parecido a la popular serie de Prime Video, The Boys. “Fue ‘The Boys’ antes de ‘The Boys’. Pero se cansó de leer mi guión”.
Como ya sabemos, el spin-off de Catwoman nunca se llevó a cabo y jamás veremos el resultado final en la pantalla grande.
Sin embargo, el guionista también aseguró que incluso la película de Batman Returns tampoco no fue filmada como lo imaginaba Burton, puesto que deseaba indicar en esta segunda parte sobre como la cinta de Batman de 1989 se convirtió en un producto que generó millones de dólares en mercancía y por lo que el estudio quería explotarlo aún más.
Para ello, Burton y su guionista habían escrito que Batman Returns abriría con el logotipo de Batman y una tienda de productos del personaje. Además, el protagonista haría algunas referencias sarcásticas al merchandising durante la película. Sin embargo, fue el actor Michael Keaton quien convenció a Waters para eliminar los chistes de la cinta: “[Michael] Keaton dijo: ‘Esto es muy inteligente. Córtalo’”, recordó Waters.
¿Por qué se alteró la historia de Catwoman y The Penguin?
Aún cuando Batmany Batman Returns se consideran como una de las mejores películas de DC, lo cierto es que algunos/as fanáticos/as no estaban muy contentos con la libertad que tenían Burton y Walters para abordar la historia y el origen de los personajes, especialmente con Catwoman y The Penguin en Batman Returns, ya que no respetaron por completo el canon de los comics originales.
Al respecto, Waters admitió que la razón detrás de estas alteraciones se debió a la falta de investigación sobre la historia de Batman y sus villanos. “Era un encargo extraño porque no necesitaba complacer a nadie más que a Tim Burton”, explicó. Sin embargo, en ese entonces, detalló que no era común tener que reportar tu historia a los fans o escuchar sus opciones antes de filmar la película.
“Antes de Internet, no tenías que ir ante un tribunal y decir lo que estabas haciendo; eran sólo dos tipos en una sala haciendo riffs. No sabíamos una mierda sobre los villanos de Batman- Realmente no entendíamos todo el asunto del cómic. Acabo de descubrir que DC Comics significa Detective Comics”.
Daniel Waters
Así que cuandoBatman Returns llegó a la pantalla grande, los/as fanáticos/as se dieron cuenta que no era precisamente una segunda parte y pensaron “¿Qué carajo estás haciendo? Ya estás saliendo del camino”, continuó Waters. “Ahora hay como 50 películas de Batman y es como, ‘Oye. Lo que hicimos en su momento fue bastante interesante’”.
Aún sufriendo los estragos de la pandemia, el 2023 tenía por delante la misión de recuperar a toda una industria en todas sus aristas: desde la televisión, pasando por el streaming y hasta el cine.
El cine pasó por grandes momentos que marcaron al año para bien y para mal, entre los que destacan eventos como el Barbenheimery las huelgas de Hollywood.
Entre otras crisis y triunfos, te contamos cuáles fueron los momentos definitivos del 2023 y el impacto que éstos tendrán para el cine en años posteriores.
El 2023 está por llegar a su fin, y con él, una colección de instantes que pasarán a la historia como puntos de inflexión para toda una industria. Pues entre huelgas, eventos cinematográficos incomparables, crisis entre grandes estudios y controversia tras otra, el último año se posiciona como uno de los más complejos e interesantes del cine y de Hollywood en general.
En Mayo de 2023, el sindicato de guionistas de Hollywood WGA anunció que frenaría labores alrededor de Estados Unidos al no llegar a un acuerdo con la Alianza de Productores, a quienes pedían principalmente transparencia en el pago de residuales, un aumento en el sueldo mínimo de sus guionistas y seguridad laboral ante avances tecnológicos como la inteligencia artificial y la volatilidad del streaming.
Poco después, el sindicato de actores SAG-AFTRA también se iría a huelga, buscando mejores compensaciones porproducciones de streaming y amparos en contra de la inteligencia artificial y la búsqueda de Hollywood por reemplazar a sus artistas con réplicas digitales.
Las huelgas frenaron a toda la industria por casi medio año: estrenos fueron cambiados de fecha, filmaciones se detuvieron a la mitad y se estiman hasta ahora consecuencias monetarias de alrededor de $6 mil millones de dólares para Hollywood, además de 24,800 empleos perdidos. Toda estrategia de promoción fue detenida: por meses no hubo entrevistas, convenciones y las apariciones de actores y guionistas en festivales fueron mínimas y controladas.
Si bien algunas películas pudieron seguir adelante con sus planes originales al ceder a las condiciones de los sindicatos para retomar producción, en su mayoría los sets se encontraron vacíos y en consecuencia, los negocios a los alrededores de Hollywood también enfrentaron crisis importantes: maquillistas, técnicos, diseñadores de vestuarios, entre varios otros.
A finales de septiembre los guionistas llegaron a un acuerdo con los productores, mientras que la huelga de actores se extendió casi a finales de noviembre, y aunque se lograron aumentos considerables en sus peticiones, integrantes de ambos sindicatos destacaron que no todas sus peticiones, y en especial aquellas que tenían que ver con inteligencia artificial, fueron resueltas.
Los contratos hasta ahora acordados tendrán vigencia de 3 años, por lo que en 2026 podría reabrirse la discusión alrededor de guionistas y actores en Hollywood.
Imagen: ABC News | Chris Pizzello, AP Images | Hollywood Strikes
2. Barbenheimer
Entre la nube de crisis, el fenómeno conocido como Barbenheimer representó un pequeño halo de esperanza para la industria. Pues al revelarse que el estreno de Barbie de Greta Gerwig sería simultáneo al lanzamiento de Oppenheimer de Christopher Nolan, ideas de funciones dobles, cosplay al cine, y fiestas temáticas volvieron a la fecha una de las más esperadas e importantes del verano.
El impacto del Barbenheimer fue tal que Barbie rápidamente alcanzó el status de la cinta más taquillera del 2023,mientras que Oppenheimer superó toda expectativa de su estudio y todo analista de taquilla al sumar poco más de $900 millones de dólares alrededor del mundo.
En consecuencias no tan positivas, sin embargo, estuvo la repentina caída en taquilla de Mission:Impossible —Dead Reckoning Part 1, la cual estrenó una semana antes al Barbenheimer y la cual naturalmente fue engullida por el fenómeno.
Imagen: Universal | WBD – Hollywood
3. Los superhéroes no volaron en 2023
La saturación de historias de superhéroes es un tema que se ha abordado quizá desde los últimos cinco años. Sin embargo, 2023 podría haber sido el peor año para producciones del género, el cual entre una decena de propuestas sólo logró ver triunfar a dos cintas.
Golpeadas tanto por la crítica como por las audiencias y un pobre desempeño en taquilla, películas como Ant-Man and the Wasp: Quantumania, Shazam! Fury of the Gods, Aquaman and the Lost Kingdom, The Marvelspusieron bajo el reflector el conocido como “hartazgo de superhéroes” en Hollywood.
Otras de las víctimas fueron Blue Beetle y The Flash, esta última la que jugaría como carta fuerte de DC Studios al traer de regreso a Michael Keaton como Batman. Sin embargo, entre las controversias de su protagonista, y un boca a boca que no dejó tan bien parada a la cinta, The Flash se posicionó como uno de los fracasos más preocupantes para Warner en 2023.
Por otro lado, si bien la saturación de contenido jugó en contra de dichas películas, no todas sufrieron el mismo destino, pues aunque no superó los mil millones de dólares, Guardians of the Galaxy Vol. 3 cerró como uno de los estrenos más saludables de Marvel Studios en los últimos años.
Asimismo, Spider-Man: Across the Spider-Verse sumó casi $700 millones de dólares, lo que arrojó la pregunta: ¿realmente la audiencia está harta de los superhéroes o sólo de las historias formulaicas del género?
En años próximos, sin embargo, se espera un cambio gigantesco para las producciones de superhéroes dentro de Hollywood, pues desde la petición de Bob Iger por separar los estrenos de Marvel en el calendario, hasta el inminente reboot del DC Universe a manos de James Gunn, los próximos dos años serán los que definan si en efecto, el cine de superhéroes ya no tiene el mismo poder que hace media década.
Imagen: DC Studios | Hollywood
4. Taylor Swift pone a los estudios en su lugar
Mencionar los eventos más relevantes del entretenimiento en 2023 y dejar fuera a Taylor Swift es imposible. Pues la cantante hizo historia en los escenarios con el tour más ambicioso jamás hecho por una estrella pop, el cual, además de sus respectivos ingresos, marcó pauta para que varias otras fichas dentro del medio cayeran a su favor.
Por un lado, fanáticos/as de Taylor Swift en Estados Unidos señalaron a Ticketmaster por permitir el acceso a revendedores a las ventas de boletos, lo que llevó a que la cotizada empresa de boletos enfrente una investigación actual dentro de territorio estadounidense.
Por otra parte, la derrama económica local en cada uno de sus destinos superaron los $50 millones de dólares, fenómeno comparado tan sólo con eventos deportivos masivos como los mundiales de fútbol o las Olimpiadas.
Imagen: Kevin Mazur/Getty Images para TAS Rights Management
5. El desastroso centenario de Disney
2023 marcó los 100 años de existencia para Disney. Sin embargo, la compañía del ratón estaba lejos de contar con razones para celebrar su ambicioso aniversario. Y es que tras la salida de Bob Chapek en 2022, y con el regreso de Bob Iger a la empresa,Disney pasó por una serie de cambios drásticos que impactaron tanto a sus producciones como a gran parte de sus trabajadores.
Para Julio de 2023, se reportó que Disney había despedido a poco más de 7,000 empleados de la compañía en diversas áreas, lo que alertó acerca de la inminente crisis que enfrentaría la propiedad en los meses venideros.
Entre los despidos más controversiales se contó a Ike Perlmutter, ex-cabeza del área de mercancía de Marvel, quien a finales de 2023 buscó reintegrarse a la mesa directiva de la empresa a través del inversionista Nelson Peltz.
Entre otros cambios con los que Bob Iger intentó frenar los sangrantes números rojos de Disney, se encontraron la reducción de producciones a estrenar en años próximos, un recorte significativo de estrenos para streaming y el re enfoque de la compañía hacia los cines.
Asimismo, Disney peleó desde diversos frentes más allá de Hollywood, que afectaron por primera vez en años a sus parques, con la amenaza del gobernador de Florida, Ron DeSantis, por tomar acciones en contra de Disneyworld al perder el apoyo de la compañía hacia el partido republicano. De igual manera, Peltz y sus afiliados señalaron a la compañía por inflar los precios para los visitantes en los parques, en lugar de invertir en nuevas atracciones y expansiones, acción que finalmente la empresa implementó a mediados de agosto.
Uno de los puntos más críticos de Disney, sin embargo, estuvo en sus grandes pérdidas dentro de la taquilla, pues ninguna de sus películas alcanzaron los mil millones de dólares, a la par en que varias de éstas se produjeron con presupuestos superiores a los $300 millones, tal es el caso de Indiana Jones and the Dial of Destiny, The Little Mermaid, Ant-Man and the Wasp: Quantumania y de forma más reciente, su cinta conmemorativa Wish.
Imagen: Disney | via the Hollywood Reporter
6. El streaming, los anuncios y la eliminación de contenido
A finales de 2022, Warner Bros. Discovery implementó una muy controversial estrategia con el fin de ahorrar tras su fusión: la cancelación y eliminación de series y películas que no serían vistas nunca más en cines, o alguna plataforma.
El caso que comenzó con Batgirl fue duramente criticado, sin embargo, David Zaslav advirtió que varias otras compañías replicarían la estrategia al darse cuenta del impacto económico que ésto representaría para sus capitales.
Quien le siguió el paso en 2023 fue Disney+, la cual eliminó producciones como Willow, Crater, Runaways, Turner and Hooch, entre una docena más de títulos, además de suspender el estreno de Spiderwick Chronicles a pesar de que el show estaba listo para estrenar.
Sin embargo, éstos no fueron los únicos cambios implementados al streaming, pues desde que Netflix anunció un lanzamiento de plan con anuncios, tanto Disney como Max, y de forma más reciente, Prime Video, se sumaron al modelo de negocios.
Asimismo, con el fin de ahorrar aún más, Netflix, Max y Disney frenaron la modalidad para compartir contraseñas, obligando a sus usuarios a obtener cuentas propias para cada casa en donde se buscara contar con la plataforma.
En Junio de 2023, Netflix aseguró que dicha estrategia le llevó a aumentar casi 10 millones de suscriptores alrededor del mundo.
Imagen: Disney+ Hollywood Content
7. Jonathan Majors cae
En Marzo de 2023, Hollywood se preparaba para la llegada del siguiente gran nombre de Marvel: Jonathan Majors, quien daría vida a Kang the Conqueror en un significativo puñado de producciones de Marvel en los próximos años. Y es que de hecho, en el plan, una cinta de Avengers ya posicionaba al personaje como el gran enemigo a vencer por el grupo de superhéroes.
Sin embargo, el gusto que llegó con Ant-Man and the Wasp: Quantumania duró poco, luego de que Jonathan Majors fue arrestado por agresión y violencia doméstica tras una llamada a la policía debido a un incidente con su ex-pareja Grace Jabbari.
El caso permeó la corte desde finales de Marzo y hasta principios de Diciembre, cuando tras la presentación de evidencia por parte de Jabbari y otros testimonios que reportaban al actor como una persona violenta, éste fue declarado culpable.
Al momento se desconoce la sentencia que podría enfrentar Jonathan Majors, aunque del lado de Marvel oficialmente se ha confirmado el despido del actor, así como el final de su contrato con su agencia de representantes y otras producciones de Hollywood en las que estaba considerado.
Imagen: Marvel Studios
8. El caos detrás de Scream 7
Scream parecía tener un renacimiento importante dentro de los slashers, el cine de terror y los blockbusters actuales. Pues, luego de que la sexta parte de la cinta estrenara a principios de 2023, Hollywood preveía al menos dos nuevas películas con sus protagonistas con el que se celebrara el legado de la franquicia y al icónico Ghostface.
Eso hasta Noviembre de 2023, cuando se dio a conocer que Spyglass acababa de despedir a Melissa Barrerapor su postura en contra del genocidio en Palestina, en los que pedía un alto al fuego por parte de Israel.
El despido generó controversia tal, que más de 300 celebridades firmaron una carta a su favor con el fin de reivindicar a la actriz mexicana, la cual más adelante rechazó las condiciones de Spyglass para ser restaurada a la séptima entrega de Scream.
Pocas horas después del despido de Barrera, se reportó que Jenna Ortega —indubitablemente la estrella más importante de la franquicia actual— había renunciado a la producción, y recientemente el director Christopher Landon,también se desentendió del proyecto.
El estado de la película aún se desconoce, pues además de las salidas de sus protagonistas, en instancias anteriores la icónica actriz detrás de Sydney Prescott, Neve Campbell, rechazó volver a la saga debido a una disputa salarial; por lo que su retorno aún es incierto.
Y entre otro gran manojo de incertidumbres, el mismo Matthew Lillard, quien recientemente formó parte de Five Nights at Freddy’s, rechazó volver a Scream a pesar de que un gran puñado de teorías apuntaban al retorno de Stu Macher a la saga.
Por ahora, Paramount no ha aclarado el destino de Scream 7 y si el proyecto podrá continuar a pesar de los duros conflictos por los que ésta ha pasado en los meses más recientes. Asimismo, se estima que el estudio podría fusionarse con Warner en años venideros, lo que pondría a la popular franquicia en nuevas manos dentro de las IPs de Hollywood.
Gary Oldman no está satisfecho con su trabajo en Harry Potter. Considera que fue mediocre.
El actor explicó que nunca leyó los libros antes de empezar a filmar, por lo que cree que pudo haber hecho más.
Aun así, Gary Oldman considera que el trabajo que hizo en Harry Potter “le salvó la vida”.
Gary Oldman realizó su debut en Harry Potter y el Prisionero de Azkaban en 2004 como Sirius Black, el padrino del protagonista quien, a pesar de ser asesinado por su propia prima Bellatrix Lestrange en la quinta entrega, se convirtió en uno de los personajes más queridos por el público gracias a su increíble interpretación.
Sin embargo, el actor ganador del Oscar, reveló en el último podcast de Happy Sad Confused que a menudo califica su actuación en la famosa franquicia como “mediocre” debido a que siempre le encuentra errores por no haber leído los libros con anterioridad. A continuación te platicamos su declaración completa.
A pesar de ser uno de los actores más aclamados en la industria, Gary Oldman comentó que su actuación en Harry Potter no la considera como lo mejor de su carrera ya que no puso el empeño que suele hacerlo en otros de sus proyectos. “Creo que mi trabajo es mediocre”, agregó. En particular, le hubiera gustado leer todos los libros escritos por JK Rowling, como su coprotagonista Alan Rickman, quien interpreta al profesor Snape.
“Tal vez si hubiera leído los libros como Alan, si me hubiera adelantado a la curva, si hubiera sabido lo que estaba por venir, honestamente creo que lo habría jugado de manera diferente”.
Gary Oldman
No obstante, Gary Oldman admitió que encontrarle fallas a sus actuaciones, es algo común en su vida profesional. “Te diré qué es”, añadió. “Es como cualquier cosa, si me sentara y me mirara en algo y dijera: ‘Dios mío, soy increíble’, sería un día muy triste, porque quieres mejorar lo siguiente”.
Pero a pesar de todo, Sirius Black, tuvo un impacto significativo en su carrera gracias a su inmensamente popularidad, especialmente entre el público más joven que quizás no estaban familiarizados con su trabajo anterior y esto le brindó más oportunidades en otras películas
Tras su divorcio en 2001,Gary Oldman platicó enThe Drew Barrymore Show que “rechazó muchos trabajos” para tener la oportunidad de pasar tiempo con sus hijos luego de obtener su custodia. “A los 42 años, me desperté divorciado y tenía la custodia de estos niños y eso, en sí mismo, era…difícil”. agregó.
En ese entonces, las producciones comenzaron a optar por filmar en diferentes partes del mundo debido a “motivos fiscales” y cada vez era más difícil regresar a casa.
Fue entonces, que llegó la oportunidad de personificar a Sirus Black en Harry Potter y ser comisionado del Departamento de Policía de Gotham City, Jim Gordon, en la trilogía The Dark Knightde Christopher Nolan, dos proyectos que tenían filmaciones más estables y eran bien remuneradas. “Gracias a Dios por Harry Potter”, dijo el actor.
“Les digo que los dos, Batman y Harry Potter, realmente me salvaron, porque significaba que podía hacer la menor cantidad de trabajo por la mayor cantidad de dinero y luego estar en casa con los niños”.
Gary Oldman
Para poder grabar Batman, Gary Oldman explicó que voló de ida y vuelta hasta Los Ángeles 27 veces para poder estar con sus hijos durante sus días libres. “Volaría hasta allí por un día y haría una sesión fotográfica por día”, dijo. “Para crédito [de Nolan], él cumplió con el cronograma y yo iba a casa por tres días, regresaba por dos, iba a casa por un fin de semana, regresaba por un día… de lo contrario, sentía que los estaba criando un niñera.”
Como resultado, Oldman considera que su “mayor logro” como padre es que sus hijos crecieron y se convirtieron en “buenas personas” y, sorprendentemente, en el proceso nunca descuidó su carrera profesional. Actualmente, se encuentra promocionando el drama de espías de Apple TV+ Slow Horses, cuya tercera temporada acaba de concluir.
A principios de 2023 Netflix dio pie a sus planes con anuncios, los cuáles permiten a los usuarios acceder al contenido en la paltaforma de streaming por un menor precio, pero con comerciales.
Poco después Max, Disney+ y de forma más reciente Prime Video, adoptaron la estrategia, la cual espera a funcionar próximamente en todo el mundo y no sólo en los territorios hasta ahora de prueba.
La crisis de streaming de 2021 abrió la discusión alrededor de la rentabilidad de las plataformas y si, a pesar de su popularidad, éstas son realmente fuentes de ingreso para sus respectivas compañías.
Las plataformas de streaming han comenzado a enfrentarse a grandes dificultades para continuar generando dinero y poder invertir en nuevos contenidos, principalmente debido a la constante competencia del mercado actual. Por esta razón, empresas como Netflix, hab anunciado poco a poco planes adicionales en donde los/as usuarios/as pueden pagar menos dinero a cambio de ver publicidad en sus contenidos.
Para sorpresa de muchos, el plan de Netflix funcionó y logró sumar más suscriptores/as este año, de manera que solo era cuestión de tiempo para que más plataformas de streaming siguieran el mismo camino de agregar comerciales. Los primeros después del gigante de streaming fueron Disney y Max los cuales, si bien solo implementaron estrategias con anuncios en países contados como Estados Unidos, han sido sumamente vocales respecto a la posibilidad de expandir tales planes a todo el mundo.
Recientemente, otra plataforma de streaming que se unió al mismo modelo de negocio fue Prime Video, que por mucho tiempo ha conservado el precio de sus paquetes, aunque ahora parece estar en busca de generar una mayor rentabilidad a partir de su plataforma. Pero, ¿Esta estrategia funcionará a largo plazo y para todos en el tablero?
Las plataformas de streaming cambian sus modelos de negocio
Según The Verge, los/as usuarios/as de Prime Video comenzarán a ver anuncios en la plataforma de streaming a partir del 29 de enero del 2024 y para evitarlo, pueden optar por pagar $2,99 dólares adicionales al mes. Según un comunicado de la empresa, esto permitirá seguir invirtiendo en contenido “atractivo y seguir aumentando esa inversión durante un largo período de tiempo”.
Sin embargo, aseguraron que tendrán una cantidad significativamente menor de anuncios que la televisión lineal y otros proveedores de streaming. “No es necesario que usted haga nada y no hay ningún cambio en el precio actual de su membresía Prime”, escribió la compañía. Europa, el Reino Unido y Alemania serán los primeros en tener el plan y Francia, Italia y España le seguirán más adelante este año.
El año pasado, Netflixlanzó su plan con publicidad, el cual contaba con un precio significativamente, pero en el que eliminaba también algunas otras características de la plataforma, tal como la posibilidad de descargar contenidos, contar con la aplicación en más de una pantalla, y opciones para visualizar contenido en alta definición. A un año de su nuevo modelo, la plataforma de streaming reportó en noviembre que su suscripción con publicidad es un éxito, al contar con 15 millones de suscripciones activas en tal modo alrededor del mundo, lo que representa un aumento drástico en comparación de los 5 millones anunciados en mayo.
Además, Netflix anunció que agregará patrocinios para transmisiones en vivo de eventos culturales y deportivos en algunos territorios, además de buscar patrocinadores específicos para algunas de sus series. Esta decisión tiene mucho sentido, ya que muchas marcas se han pronunciado interesadas en ser anunciadas en las series más vistas de la plataforma. Por lo tanto, no es ninguna sorpresa que empresas como Prime Video noquieran quedarse atrás y sacar un nuevo provecho a sus contenidos.
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¿Por qué el streaming busca agregar publicidad?
Cuando las plataformas de streaming como Prime Video, Disney y HBO MAX comenzaron en el mercado, lo común era que cada cierto tiempo anunciaran un aumento de precios en sus planes. Sin embargo, después de que la competencia creció y perdieron suscriptores/as parecía que lo más atractivo no era cobrar más, sino buscar otras ideas de adquirir capital y que mejor idea de realizarlo que como lo hizo la televisión tradicional: la publicidad.
De acuerdo con euronews, Dave Simon, jefe de iniciativas de crecimiento de Moloco —una empresa de publicidad basada en aprendizaje automático con sede en Estados Unidos— aseguró que la estrategia de publicidad marca un cambio significativo para el streaming, puesto que pretenden cambiar sus modelos de negocio iniciales por el que se diferenciaron alguna vez de la televisión.
Después de todo, Disney+ y otros grandes gigantes del entretenimiento tradicional como Warner Bros Discovery, Comcast y Paramount han informado una pérdida en sus servicios de streaming de más de 4.500 millones de euros durante el año pasado, a pesar del aumento de los precios en 2023, por lo que era obvio que pronto buscarían un nuevo plan.
Según Simon, varias empresas convencionales se han enfrentado a diversos desafíos a la hora de generar beneficios durante un período prolongado y, después de varios años en el mercado, los inversores ahora buscan rentabilidad. “La mayoría de las grandes empresas de contenidos vieron la oportunidad de ir directamente al consumidor, en lugar de pasar por sus puntos de distribución típicos, los operadores de cable”, explicó. “Todos intentaron construir un negocio en el que la suscripción fuera el principal motor de ingresos”.
Desde la segunda temporada de The Bear hasta la serie musical de Daisy Jones and the Six, este año se convirtió en uno de los más variados y exitosos para la televisión.
El 2023 nos regaló historias originales que pintan para convertirse en grandes referentes de la década.
También fuimos testigos del desenlace de series ya establecidas y queridas por muchos/as fans, como la cuarta y última temporada de Succession, el épico final de Barry y la despedida de Sex Education.
Por lo que es momento de recordar porque estas series hicieron se convirtieron en mis favoritas del 2023 y probablemente serán recordadas como una de las más destacadas de televisión.
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Barry T4
Después de tres temporadas impresionantes, Barryse despidió de la televisión con un final inesperado que logró cerrar el arco narrativo de todos los personajes y la posiciona como una de las mejores series de comedia en HBO que definitivamente todo el mundo debería ver.
Es importante destacar que sucede algo muy curioso a media temporada, y es que que tienes la sensación como espectador/a que nada de lo que estás viendo es real, sientes que Barry ha caído en la locura y ha comenzado a imaginarse su vida ideal. Después de todo, esta siempre ha sido una serie sobre las historias que el protagonista quiere contarse a sí mismo, sobre sí mismo para ignorar por completo sus delitos.
Sin embargo, es interesante darte cuenta que todo lo que está pasando es real y que Barry no es el único que puede cometer actos atroces.
Por esta razón, no parece extraño que Barry aparentemente se saliera con la suya y terminará creando una familia feliz con Sally, una mujer que ha perdido toda ilusión en su vida pero que también ha cometido errores por su egocentrismo, al igual que Gene, uno de mis personajes favoritos de la serie que los vemos hundirse poco a poco por aferrarse a la idea de ser famoso.
Al final, Barry nos demostró que existen personas que pueden realizar delitos, aprovecharse de los demás, cometer actos completamente deshumanizados y, aún así, ser recordadas por sus actor heroicos, porque lo que importa es quién cuenta la historia y cómo es interpretada.
Esto, por supuesto, te hace pensar que muchas de las biografías que vemos en televisión, cine y los libros de historia probablemente no ocurrieron como están planteadas.
Como parte de las escasas personas que jamás jugaron de The last Of Usy no sabían absolutamente nada sobre la historia, comencé a ver esta serie sin ninguna expectativa y quedé encantada. Si bien esperaba que fuera una serie postapocalíptica en donde las personas intentan sobrevivir, fue mucho más que eso.
Es una historia sobre los propios sentimientos humanos, el trauma y, especialmente, sobre los sobrevivientes que si bien aún no están infectados, a su manera, ya no son humanos porque se convierten en el verdadero peligro de la serie.
Por otro lado, los protagonistas, Joel (Pedro Pascal), un hombre que lo ha perdido todo, ya no encuentra ganas de vivir. Por su parte, Ellie(Bella Ramsey), nunca ha conocido el mundo prepandemia, por lo que resulta ser una niña sumamente curiosa, pero las crueldades que encontrará en su camino, la lleva a perder su inocencia y su alegría.
Sin embargo, es interesante que aunque al principio, veíamos a un Joel más desilusionado y a una Ellie más feliz, al final de la historia, la situación se invierte y ahora es la niña es quien ha perdido la esperanza, mientras que el hombre encuentra las ganas de vivir gracias a Ellie.
Es importante destacar el tercer episodio de la serie centrado en la historia de amor entre Bill y Frank, que resulta ser el mejor de la temporada porque consigue conmover y presentar el mundo antes de que todo se destruyera, incluso el amor.
Al final, The last Of Us logra involucrar a los amantes de los videojuegos, pero también al público en general y, muy probablemente, será recordada como una de las mejores series de HBO.
Una de las series más destacadas y ambiciosas de la televisión se despidió este año,Succession, que aunque ya nos había presentado tres temporadas épicas, logró de alguna manera superarse y cerrar con broche de oro.
Si bien desde el principio sabemos que los hermanos Roy están destinados a nunca poder hacer sus planes realidad por su egocentrismo y falta de preparación, pero es interesante ver cómo cada uno de ellos termina como nunca quiso hacerlo.
Por un lado, Shiv, casada, con hijos y al lado de un hombre más poderoso que ella. Mientras que Kendall, jamás obtiene el poder que tanto anhela y la aprobación de su padre.
Por último, Roman, quizá es el único que pudo tener un poco de paz en su interior, ya que si bien tampoco se quedó con la empresa, al final sabía que nunca iba a tener el poder y lo único que le queda es sanar su pasado.
Succession nos demostró que la aspiración al poder y al “éxito” no perdona a nadie y consigue despojar a todos de sus propios valores y remordimientos para alcanzar un objetivo. Principalmente, porque en esta familia que siempre ha estado rodeada de dinero y lujos, lo principal no es obtener más riquezas, sino el control, respeto y el poder.
Además, la deseada aprobación que los hermanos Roy tienen hacia su padre que en esta temporada muere de manera inesperada y nos regala uno de los episodios más destacados de la televisión.
Este año nos despedimos de Otis, Maeve, Eric, Adam y Aimee después de años de hablar sobre temas profundos, pero también hacernos reír, conmover y reflexionar sobre tabúes relacionados con el sexo y muchos otros aspectos de importancia actual.
En particular, la cuarta temporada cambia su enfoque entre sus personajes principales, Otis y Maeve, para orientarlo más hacia el mundo LGBT y queer, promoviendo diferentes formas de diversidad.
La serie también habló sobre la discapacidad y la importancia de derribar las barreras sociales para hacer del mundo un lugar más acogedor e inclusivo para todas/as las personas, ya que no siempre es la discapacidad física el problema, sino la sociedad la que impide a la persona discapacitada vivir independientemente en el mundo.
Esto lo logra trasmitir a través de escenas que resaltan pequeños problemas que existen para las personas con discapacidad, como la ausencia de subtítulos en las películas y videos, lo que puede crear dificultades para que las personas sordas, incluso si saben leer los labios, sigan la historia de la película.
Por otro lado, la cuarta temporada también enfrenta el desafío de concluir todos los diferentes hilos narrativos que quedaron inconclusos en la tercera temporada de sus personajes principales.
Lo interesante es que logra hacerlo con sabiduría y profundidad, especialmente con Meave, que se enfrenta a la muerte de su madre y una nueva escuela en donde ya no tiene un círculo se apoyo para alentarla a seguir adelante. También Eric tiene un interesante camino de aceptación que ya se había encaminado desde temporadas anteriores pero en esta logra concluir de manera excepcional.
Desde su primera temporada, The Bear ya nos había demostrado ser una de las mejores series de comedia de la actualidad que nos presenta a personajes bastantes complejos que se encuentran pasando por diferentes problemas como depresión, ansiedad y trauma originados, entre otras cosas, por el suicidio de Michael, un hombre dueño de un restaurante que siempre soñó en convertirse en uno de los mejores chefs tal y como su hermano, Carmy.
Si bien en esta segunda temporada el protagonista está un poco más recuperado al estar motivado de renovar el negocio al lado de un equipo que tiene sus mismos objetivos, también conocemos un poco más de su pasado y vida familiar.
Es aquí cuando tenemos uno de los mejores episodios de la serie, justo a la mitad de la temporada, cuando se platica la última navidad que Carmy vivió junto a su familia antes de que su hermano se suicidara.
Para empezar, me parece perfecto ejemplificar lo disfuncional que era su familia justo en esta festividad ya que, si bien para muchos puede ser un día lleno de alegría, para otros es un tremendo caos por estar obligados a cenar con una familia completamente rota y lleno de preguntas incómodas que saca lo peor de cada miembro en donde sabemos que en cualquier momento explotará todo.
Es en este episodio también conocemos por primera vez a Donna, la mamá de Carmy, interpretada de manera fenomenal por Jamie Lee Curtis quien fue nominada al Emmy por su breve pero destacada participación. Aunque sabemos que el protagonista no llevaba una buena relación con ella, en este episodio sabemos sus razones y toda la tensión que experimentaba al estar a su lado.
La novela más vendida de Taylor Jenkins Reid (tambien escritora de The Seven Husbands of Evelyn Hugo), Daisy Jones and the Six, fue adaptada de manera excepcional para una serie de televisión por la productora de Reese Witherspoon, quien ya ha desarrollado otros programas destacados como Little Fires Everywhere, The Morning Show, Big Little Lies y Tiny Beautiful Things. Por lo que durante meses estuve esperando el estreno de esta serie y valió completamente la pena.
Daisy Jones and the Six construye una historia en torno al ascenso y la caída de una banda de rock ficticia en los 70s que es contada a través de un falso documental en donde cada uno de los miembros de la banda contará los hechos que derivaron su separación a pesar de estar en la punta de la fama y romper todos los récords.
Para empezar, es importante destacar que si te gusta la música esta serie te va a enamorar ya que la lista de las estrellas que participaron para crear la banda sonora desde cero es extensa, conformada por Marcus Mumford, Chris Weisman, Cass McCombs, Ali Tamposi, James Valentine, Barbara Gruska, Ethan Gruska, Jackson Browne, Z Berg, Jason Boesel, Matt Sweeney, Joe Keefe, Kayslee Collins, por mencionar algunos.
En cuanto a la historia, Riley Keough como Daisy Jones y Sam Claflin como Billy Dunne, con perfectos al lograr transmitir en cada una de las escenas esa tensión y unión que es planteada desde el libro, en donde son descritos como almas gemelas que también se pueden llegar a destruir por todo el caos que llevan en su interior, por lo que es interesante ver como va evolucionando su relación y, al final, logran sanar todos los traumas de su pasado.
También es importante destacar el personaje de Camila, la esposa de Billy, quien constantemente logra ser la fuerza que necesita el protagonista al estar rodeado de un ambiente bastante tóxico. Asimismo, me encanto el personaje de Suki Waterhouse como Karen Sirko, la teclista de la banda, que vemos su evolución y empoderamiento a lo largo de la serie.
Una de los mejores miniseries de este año que nos entregó A24 y Netflix es Beef, una historia protagonizada por Steven Yeun y Ali Wong como Danny Cho y Amy Lau, dos extraños que coinciden en una tienda departamental cuando Danny está pasando por un momento de frustración y pronto comienzan una disputa que provoca una persecución y desemboca en algo mucho más grave.
Esta serie tiene todo para ser de las mejores del año, primero los actores que te transmiten todas las emociones y frustraciones que tiene en su día a día en todas la escenas acompañadas por un soundtrack que acompaña la historia conformada por canciones como Somewhere Only We Know de Keane, All Is Full Of Love de Björk, Cornflake Girl de Tori Amos, Lonely Day de System Of A Down, por mencionar algunos.
En Beef es interesante ver cómo se cruzan estos personajes en acontecimientos bastante surrealistas envuelto todo en comedia negra que al final te hace pensar si realmente estás feliz con tu vida actual y ¿Qué pasa si nunca logro sentirme completa con lo que soy?
Sin embargo, es posible que la historia pudo haberse contado en menos episodios, fuera de eso, es una de las series más destacadas del año que no deberían perderse.
El éxito de la serie Bridgerton, originó la primera precuela spin-off titulada Queen Charlotte: A Bridgerton Story, una miniserie dramática-histórica de seis episodios que cuenta una historia que se mueve en diferentes arcos narrativos, entre el pasado y el presente, eligiendo a dos personajes femeninos con fuertes personalidades como protagonistas: Queen Charlotte y Agata Danbury.
Los seis episodios de la serie revelan los orígenes de ambos personajes y cómo se convirtieron en aquellas mujeres que conocimos a través de la primera y segunda temporada de la serie original.
Por un lado, tenemos a la adolescente Charlotte, que se ve obligada a casarse con un hombre desconocido para ella y convertirse en Reina de Inglaterra, sin estar realmente preparada para ocupar este cargo institucional con todo lo que ello implica.
Por otro, tenemos a la joven Agata Danbury, quien deberá afrontar los nuevos retos de su vida al estar casada con un hombre que no ama, pero al mismo tiempo vemos la fuerza de esta mujer que lucha, en silencio y en secreto, por su familia y su libertad.
La miniserie también nos habla de Carlos III pero centra su narrativa en la fuerza de las mujeres porque, a pesar de que el mando se confiaba exclusivamente a los hombres, las mujeres realizaban un trabajo silencioso.
Este es un aspecto que me gusta de Bridgerton, ya que sabemos que las mujeres, en este mundo, tienen un papel sumamente importante, en el que se ven obligadas a moverse en secreto ante hombres en el poder que las consideran inadecuadas para razonamientos políticos complejos, pero al final sin ellas todo el mundo se vendría abajo.
Ncuti Gatwa, el Décimo quinto doctor, hizo su debut como el protagonista de Doctor Who en el más reciente especial navideño de la serie.
De acuerdo al showrunner, Russel T Davies, originalmente el personaje iba a aparecer mucho antes en el capítulo, pero tras pruebas con audiencia se cambió su introducción.
Davies explicó que los/as fans querían ver más del Doctor antes de conocer a su nueva acompañante, Ruby Sunday, por lo que el episodio cambió todo su primer acto para mostrar más de Ncuti Gatwa como el icónico viajero del tiempo.
Doctor Who abre paso a una nueva era de la mano de Ncuti Gatwa, quien da vida a la décimo quinta encarnación del icónico personaje de la televisión británica, cuya historia vuelve a estar bajo la pluma de Russel T Davies.
El capítulo navideño de 2023 es la cuarta parte de una serie de especiales en las que Ncuti Gatwa ya había sido presentado como el Doctor —trabajando de la mano de David Tennant en contra del villano Toymaker—, sin embargo, aunque el episodio lo pone oficialmente bajo el foco y tras el abrigo del personaje, éste se toma gran parte del capítulo antes de presentar al Doctor con su nueva acompañante, Ruby Sunday.
Ahora, el showrunner de la serie ha explicado el por qué la introducción individual de ambos personajes era vital para la historia y por qué contrario a otros encuentros entre el Doctor y sus companions, la conexión entre el protagonista y Ruby no sucede de manera tan repentina.
Imagen: BBC
¿Los fans querían más de Ncuti Gatwa en Doctor Who?
Durante una entrevista con el portal Gizmodo,Russel T Davies reveló que originalmente el salto a la acción del especial navideño sería mucho más inmediato, pero que a partir de la intervención de Disney y de las primeras pruebas de proyección con seguidores de la serie, se hicieron cambios a su introducción como el titular de la serie.
En la versión original, el Doctor conocía a su nueva acompañante, Ruby Sunday (Millie Gibson) a los pocos minutos de comenzar en el episodio, uniéndose para salvar a la hermana temporal de Ruby, Lulubelle, de un montón de gnomos come-niños y manipuladores de nudos de tiempo.
Sin embargo, tras las primeras proyecciones se añadió una nueva escena, donde el Doctor sigue a Ruby y la salva de un mono de nieve de decoración que está por caer sobre el auto en el que va. Entre otra serie de eventos que se desatan a partir del momento, el décimo quinto Doctor se topa con un policía que lo cuestiona, a quien el personaje también da consejos amorosos para proponer matrimonio a su novia en Navidad.
Posteriormente, el Doctor vuelve a su TARDIS y desaparece, y el episodio continúa. De acuerdo a Davies, la escena fue agregada por petición de los fans de la serie, quienes querían más de Ncuti Gatwa y Millie Gibson por separado, antes de unir sus caminos.
Asimismo, el showrunner explicó que no se titubeó demasiado para añadir la escena, pues entendía el por qué seguidores del show querrían ver y conocer más de sus protagonistas antes de entrar de lleno a la aventura.
Imagen: BBC
¿La llegada de Ncuti Gatwa a Doctor Who fue especial?
La llegada de Ncuti Gatwa como el Doctor se dio a partir de los especiales del aniversario 60 de Doctor Who, en el que Jodie Whittaker, tras los eventos de Flux, se “regeneró” para dar paso a una nueva-vieja versión del Doctor, una vez más interpretado por David Tennant (el décimo Doctor).
A lo largo de los especiales, para los que también regresó Catherine Tate como Donna Noble, partes esenciales del lore detrás de la serie se modificaron, entre ellos, la regeneración única que esta vez se transformó en bi-generación, dando paso a la existencia tanto del Doctor 14 de Tennant como al 15 en Ncuti Gatwa.
Por ello, el personaje hizo su debut de la mano de Tennant en la serie, uniéndose a la versión anterior de sí para derrotar a The Toymaker, un villano también rescataron del imaginario clásico de Doctor Who y el cual regresó con Neil Patrick Harris en el papel.
No obstante, quizá uno de los elementos más curiosos de los especiales de la serie está en el hecho de que, tras los eventos sucedidos con The Toymaker, es que las “supersticiones” jugarán un rol importante en el futuro del personaje, de ahí que en el más reciente episodio de Doctor Who, Ncuti Gatwa mencione “mavedad” en vez de “gravedad”, y que los científicos de UNIT hayan encerrado al villano en una celda con sal como si se tratara de un demonio.
Asimismo, Russel T Davies señaló que los especiales fungirían tanto de material de nostalgia para los/as fans que han seguido a la versión moderna de Doctor Who desde el tiempo de Christopher Eccleston, como para nuevos seguidores, quienes no tuvieran que necesariamente conocer todos los antecedentes del personaje para sumarse al show junto a Ncuti.
La decisión parece haber sido la correcta, pues los especiales reportaron récords en visualización dentro de Disney+ alrededor del mundo, los cuáles culminaron con el especial navideño el pasado 25 de Diciembre.
El episodio de Doctor Who, The Church on Ruby Road ya está disponible en la plataforma. Ncuti Gatwa regresará como el Doctor en primavera de 2024.
Kevin Hart ha presentado una demanda en contra de la youtuber Tasha K y su ex-asistente personal Miesha Shakes por intentar extosionarlo con $250,000 dólares para no publicar una entrevista.
En la entrevista, Miesha Shakes, ex-asistente de Kevin Hart, declaró que el comediante engañó a su esposa, tenía problemas de apuestas, y filmó un encuentro sexual que le hizo enfrentar cargos criminales.
Kevin Hart asegura que la entrevista incluye “declaraciones falsas y difamatorias”, además de señalar en la demanda un incumplimiento de contrato por parte de Shakes, por lo que ha procedido legalmente en contra de la asistente.
El comedianteKevin Hart se ha presentado ante la Suprema Corte de los Ángeles para poner una demanda en contra de su ex-asistente personal, Miesha Shakes y la youtuber Tasha K, a quienes señaló por extorsión luego de que éstas le pidieran $250,000 dólares para no publicar una entrevista con duras declaraciones en su contra.
En la demanda, Kevin Hart ha señalado que las declaraciones en la entrevista ahora publicada son falsas y difamatorias, además de acusar a Miesha Shakes de romper su contrato y revelar información confidencial sobre su tiempo trabajando para el comediante.
¡Te compartimos los detalles!
Imagen: Netflix
¿Youtuber expuso a Kevin Hart?
A través de la cuenta de instagram y el canal de YouTube de Latasha Kebe, llamado Unwind with Tasha K, fue publicada una entrevista con Miesha Shakes, ex-asistente de Kevin Hart bajo el título “La entrevista que Kevin Hart desearía que jamás se hubiera publicado”.
En el video, Shakes señala que Kevin Hart engañó a su esposa Eniko Parrish luego de tener relaciones con su amante en Las Vegas y en los viajes en su avión privado; asimismo declaró que ella dio aviso a su esposa sobre el engaño y que Kevin Hart tenía también severos problemas de adicción a las apuestas, por lo que pasaba mucho tiempo en Las Vegas.
En 2017, Hart se disculpó públicamente luego de engañar a su esposa mientras ésta estaba embarazada con su primogénito, y en su documental Don’t F**k It Up, el comediante llamó al momento el “punto más bajo” de su vida. No obstante, rumores recientes aseguran que Kevin Hart volvió a engañar a su esposa en diversas ocasiones, a partir de publicaciones hechas por Eniko Hart en semanas recientes.
Sin embargo, entre las revelaciones más controversiales de la asistente, ésta dio a conocer que Hart estuvo envuelto en un escándalo sexual donde se filmó a él mismo y otra persona teniendo relaciones, video por el que supuestamente enfrentó cargos criminales.
En su demanda, Kevin Hart asegura que las declaraciones compartidas por Shakes son falsas, en especial el haber enfrentado cargos por el supuesto video sexual. Asimismo, el actor acusó a Shakes, quien fue su asistente de Agosto 2017 a Octubre 2020, de violar su contrato y revelar información confidencial.
Imagen: Getty
¿Qué dice la demanda de Kevin Hart?
La demanda presentada ante la Corte de los Ángeles y obtenida por el portal People, señala a Miesha Shakes y Latasha Kebe por extorsión e invasión a la privacidad. Asimismo, acusa a Shakes por difamación y a Kebe por supuesta interferencia con el cumplimiento del contrato entre la asistente y Kevin Hart.
En el documento, Kevin Hart descartó las declaraciones hechas en su contra, además de asegurar que Kebe pidió dinero por el “rescate de la entrevista” en noviembre de este año, amenazando con publicarla si no pagaba $250,000 dólares. Hart acudió entonces a la policía donde emitió una orden de cese y desista, pidiéndole no publicar la entrevista.
Asimismo, se establece que al publicarse la entrevista, el Acuerdo de No Divulgación (NDA) firmado por Shakes al principio de su trabajo con Hart ha sido violado, por lo que podría enfrentar consecuencias económicas importantes de darse el fallo en su conra.
Hasta ahora, los representantes de Kevin Hart no han declarado públicamente sobre la demanda, mientras que Kebe señaló que la información necesaria se encontraba en su sitio: TashaKLive.Com.
De igual manera, al momento no se ha revelado si la demanda procederá a juicio, o si esta podría solucionarse fuera de la Corte.
Donald Trump criticó al director de Mi Pobre Angelito 2, Chris Columbus, por decir en 2020 que el magnate les había obligado a sumar su cameo en la película.
Según él, la producción le rogó que apareciera y se atribuye parte del éxito de la cinta. “La gente todavía me llama para felicitarme por ese cameo”.
Chris Columbus admitió que su presencia sí fue del agrado el público, pero recuerda los eventos de forma muy diferente.
Donald Trump actualmente tiene muchos problemas: enfrenta 4 acusaciones criminales que lo vinculan a casos de conspiración, malversación de fondos y corrupción entre 2017 y 2021, época en la que él magnate fungía como presidente de Estados Unidos.
Pero aún con sus procedimientos judiciales, Donald Trump pretende competir nuevamente para la presidencia en 2024. Y a pesar de que cada vez hay más evidencia en su contra, su aprobación ciudadana todavía es bastante alta, en parte porque todavía tiene un buen perfil público, y porque ha logrado introducir su mensaje y visión a películas de alto perfil, como el fenómeno de Sound of Freedom.
Como el magnate también fue una gran figura pública de televisión en la década de los 90 y 2000, Donald Trump tiene muchas formas de hacerse notar. Y recientemente, una de las herramientas que escogió fue criticar la producción de Mi Pobre Angelito 2, película en donde tiene un cameo.
Imagen: The Direct
Donald Trump responde a las críticas del director de Mi Pobre Angelito 2
Recientemente, el director Chris Columbus dijo en una entrevista que la única razón por la que Donald Trump había aparecido en la película, “era porque él había presionado y abusado por su lugar”.
En respuesta, el magnate venido a menos publicó una larga respuesta en la supuesta red social de tendencia conservadoraTruth Social, en donde aseguró que la producción de Mi Pobre Angelito 2 “le rogó por que tuviera un cameo”.
La razón, de acuerdo con Donald Trump, es que ellos rentaron el Hotel Plaza en Nueva York para filmar una de las escenas en donde Kevin (Macaulay Culkin) pretende que su padre le prestó su tarjeta y tiene un divertido momento gastando el dinero de su padre.
Donald Trump fue dueño de esos hoteles entre 1987 y 1995, y ya era considerado uno de los hombres más poderosos de Estados Unidos. Por esta razón, él también tuvo pequeñas apariciones en producciones como Sex and The City, Zoolander, Los Pequeños Traviesos, entre otras de la década.
“Yo estaba muy ocupado y no quería hacerlo. Ellos fueron muy amables, pero sobre todo muy persistentes.
Acepté y el resto es historia. Ese pequeño cameo despegó como un cohete y la película fue un gran éxito. Todavía lo es, especialmente en la temporada navideña”.
Donald Trump, Truth Social
Así, Donald Trump se atribuyó también el éxito de la película, asegurando que su cameo fue una de las cosas que popularizó la cinta. “Todavía me llaman para decirme que estoy ahí y me recuerdan por ese cameo” mencionó.
“Mi cameo ayudó a que la película fuera un éxito” mencionó Donald Trump en la red social que él mismo construyó. “¿Por qué me pusieron ahí y me dejaron ahí por más de 30 años? Porque era, y sigo siendo, genial en la cinta” sentenció mientras criticó al director por “explotar su imagen para hacerse auto-publicidad”.
Foto: The Atlantic
Chris Columbus tiene otros datos
En 2020, Chris Columbushabló en una entrevista sobre por qué tuvieron que filmar la escena en el Hotel Plaza. “Queríamos solamente que se viera el lobby, pero no podíamos recrearlo en un escenario” mencionó, “por lo que decidimos ir y buscar la forma de filmarlo ahí”.
Y según lo que dijo el también director de Harry Potter, Donald Trump puso como condición que él tuviera un cameo. “Nos dijo: sólo pueden usarlo si yo salgo en la película”, mencionó. Pero aunque su versión difiere de la del ex-presidente, el cineasta sí está de acuerdo en que mucha gente se sorprendió de verlo en pantalla.
“Aceptamos incluirlo en la película y cuando la estrenamos pasó la cosa más extraña: la gente se alegraba cuando Donald Trump aparecía.
Así que le dije a mi editor que lo dejara si la gente estaba feliz con eso. Pero sí presionó y abusó para poder estar en ella”.
Chris Columbus, Business Insider
Después de ese cameo, Donald Trump siguió gozando de gran popularidad, y eventualmente estelarizó dos reality shows: El Aprendiz y El Aprendiz: Celebrity, en donde él ponía a prueba a concursantes quienes competían por un lugar ejecutivo dentro de alguna de sus empresas.
Desde entonces, Donald Trump se ha declarado en bancarrota varias veces. Pero de alguna manera siempre logra salir adelante, una muestra de cómo el cine y las series pueden construir la reputación de una persona e influir en la opinión que el público tiene sobre ellos.
Emily Blunt dice que urge replicar el fenómeno de Barbenheimer por el bien del cine y la industria de Hollywood.
El Barbenheimer demostró que la audiencia quiere ver historias diferentes y están dispuestas a pagar grandes cantidades de dinero por hacerlo.
Sin embargo, replicar este éxito no será nada fácil, ya que hay una serie de condiciones que se tienen que cumplir antes.
El “Barbenheimer” fue uno de los fenómenos más grandes que vivió la industria de cine en 2023. Aunque en teoría el blockbuster cómico de Barbie y el drama biográfico de Oppenheimer iban a competir en taquilla, al final la audiencia decidió apoyar las dos cintas simultáneamente y fue a verlas ambas, no en ánimos de competencia, sino porque sentían que no podían ver una sin ver la otra.
Después de la pandemia, el streaming y las grandes dudas que hay alrededor de la salud económica del cine dado que las cintas que solían ser grandes éxitos ya no lo son, el Barbenheimer fue una bocanada de aire fresco que le devolvió la esperanza a las salas de cine.
Y de acuerdo con Emily Blunt, el fenómeno de Barbenheimer tiene que suceder de nuevo, por el bien del futuro en Hollywood y la industria en general.
Imagen: Fotogramas
Emily Blunt dice que Hollywood debe replicar el Barbenheimer
En una reciente entrevista con The Playlist, la actriz Emily Blunt, que participó en Oppenheimer y es una de las actrices favoritas para competir por una nominación a Mejor Actriz de Reparto en los Oscars 2024, reflexionó que el Barbenheimer tendría que ser replicado por el bien del cine.
“Tenemos que hacer que suceda de nuevo. Miren lo que hizo por el cine. Miren lo que hizo por la gente.
Fue una celebración tan hermosa de un rango muy diverso de películas. ¿Por qué tienen que ponerse a competir? Simplemente vayan a ver ambas, es fantástico”.
Emily Blunt, the Playlist
El Barbenheimer fue un gran éxito en parte porque parecía que la competencia era muy diferente: por un lado, la comedia de Margot Robbie y Ryan Gosling era una cinta que apostaba por la popularidad de la muñeca Barbie de Mattel para construir una historia que resultó ser un comentario satírico sobre el feminismo y la lucha de géneros que vive la sociedad.
Por el otro lado, Oppenheimer era un drama biográfico creado por Christopher Nolan, quien había cortado lazos con Warner Bros para poder tener el control artístico completo de su producción.
Uno de los efectos más interesantes del Barbenheimer, fue que Oppenheimer recaudó 952 millones de dólares, que si bien quedó detrás de los 1,400 mdd que recaudó Barbie, la posicionó como la biopic más taquillera de la historia, y si contamos que es un drama de casi 3 horas, este éxito es todavía más sorprendente.
Imagen: The Empire
¿El Barbenheimer podría replicarse?
Aunque el fenómeno de Barbenheimer ayudó al desempeño de las dos películas y demostró que la gente está dispuesta a ir al cne para ver historias originales, de calidad y novedosas, en realidad el fenómeno es algo complicado de replicar.
Para empezar, tanto Barbie como Oppenheimer eran cintas blockbuster sumamente esperadas. Una por el trabajo de Christopher Nolan, la otra por ser la primera vez que veíamos a la muñeca de Mattel cobrar vida en live-action.
El hecho de que ningún estudio quisiera mover su fecha de estreno, era porque creían fervientemente que la audiencia iba a darles una oportunidad, además de que aumentó la expectativa de la audiencia pues daba la sensación de que era una muy dura competencia.
No es lo mismo que el fenómeno que se vivió recientemente conocido como “Gardzilla”, en donde se estrenaron simultáneamente Godzilla -1 y El Niño y la Garza. Una es una película de monstruos situada en la Segunda Guerra Mundial, la otra es una cinta animada que ofrece un viaje filosófico sobre dejar ir y dejar fluir.
No apela al mismo tipo de audiencia, no tiene una conexión especial. Y aunque vale la pena ver ambas, porque ofrecen historias originales y diferentes, no hay esa urgencia por ver las dos, por hablar de las dos en conjunto, pueden existir dentro de sus segmentaciones y nichos de manera independiente.
Y además, Hollywood ya está tomando las lecciones equivocadas del Barbenheimer. Para empezar, Mattel ya anunció una ola de nuevas películas basadas en sus propiedades intelectuales.
Tampoco sabemos si una biopic pueda tener el mismo nivel de expectativa que tuvo Oppenheimer, pues Killers of the Flower Moon o Napoleon, con todo y sus experimentos de producción y estrenos híbridos en Apple TV+, no tuvieron el mismo éxito.
Quizá no se pueda replicar el Barbenheimer como tal, pero la lección que deberíamos tomar de él es que el cine necesita historias originales e interesantes hechas con libertad creativa y corazón.
Jacob Elordi opinó sobre las controversias alrededor de Saltburn. Y aunque dice no estar al tanto de la conversación, cree que es un tipo de película que no suele verse en Hollywood.
El actor también explicó lo que opina de la película y cómo la directora Emerald Fennell le propuso la historia.
También explicó a detalle cómo construyó a su personaje, Felix Catton, y por qué es el personaje con el que más se ha identificado.
Jacob Elordi ha saltado poco a poco a la fama por interpretar a un tipo particular de hombre: carismático, duro, antisocial, pero encantador y con una energía por la cual es imposible no sentir atracción. Lo hizo en The Kissing Booth, también en Euphoria y en Priscilla.
Pero sin duda no había tenido la tarea que tuvo en Saltburn, la nueva cinta deEmerald Fennellsobre la relación de dos compañeros de clase: el rico y popular Félix (Jacob Elordi) y el incómodo estudiante becado Oliver (Barry Keoghan), cuya codependencia pronto se convierte en obsesión, y luego en un juego de poder para alcanzar esa idea romanizada de lo que es la élite y sus costumbres.
Saltburn ha sido fuertemente criticada por su alto contenido homoerótico, que entre escenas de masturbación en bañeras y grandes giros argumentales, lo más interesante fue la forma en la que explora la lucha de clases y la percepción que tenemos sobre una persona dado su origen socioeconómico.
Pero durante la conferencia de prensa en la que Fuera de Foco estuvo presente, Jacob Elordi habló sobre la controversia que ha generado Saltburn y por qué cree que es una cinta especial.
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Jacob Elordi cree que Saltburn es algo único en el cine
Cuando se le preguntó a Jacob Elordi sobre la controversia y el tipo de discusión que ha causado Saltburn, confesó que realmente trata de esconderse de las reacciones de la gente en internet, pero que pudo asistir a una función en donde escuchó a la audiencia gritar y sorprenderse.
Para él, las reacciones son una muestra de por qué la película es especial, ya que siente que es un papel retador que no se presenta muchas veces en Hollywood.
“No ves muchas veces cosas como estas en Hollywood. Así que creo que es genial que nos permita empujar este tipo de límites y exponer a la gente así.
Por supuesto, todo viene de Em [Emerald Fennell, directora], quien desde que me describió el proyecto supe que quería seguir su visión, cualquiera que fuera”.
Jacob Elordi, Conferencia de Prensa, Fuera de Foco
Felix, el acaudalado heredero que interpreta Jacob Elordi, presenta una especie de fascinación fetichista con Oliver. Y es que su relación, a pesar de que muy pronto se vuelve muy cercana, está atravesada por las costumbres de sus orígenes socioeconómicos.
Felix intenta tener consciencia del tipo de lujos que se da a los que Oliver no puede acceder. Pero su opulencia también le impide conocerlo más allá de la precarización, por lo que no puede evitar verse paternalista, condescendiente y como si estuviera haciendo alguna caridad para su nuevo amigo.
Estas son ideas que explora mejor su familia cuando Felix por fin invita a Oliver a pasar un tiempo con ellos en su hogar. Y aunque al final resulta que esta ceguera provocada por el dinero es una inocencia torpe, la construcción de su relación en la primera mitad de la cinta es fascinante y muy hipnotizante, especialmente por el lente, las imágenes y la forma en la que se van construyendo los personajes.
En entrevistas anteriores, Jacob Elordi ha dicho que Emerald Fennell realmente fue muy vaga cuando le propuso el proyecto, pero en la conferencia de prensa confesó que “ella nos dio algunas directrices, como Cruel Intentions, también música y libros de la época para adentrarnos en el ambiente. Pero lo que más le interesaba era explorar lo más bello y lo más horrible del ser humano”.
Así, crearon un thriller homosexual conflictivo y extraño. Pero en un inesperado giro de eventos, la sorpresa de quién es Oliver en realidad y qué era lo que quería le juega en contra, pues lo que comenzó como una enfermiza historia de amor pronto se volvió una historia de conspiración que parece culpar a las clases medias por su resentimiento social.
Pero a pesar de los problemas con la cinta, la construcción del personaje de Jacob Elordi es fascinante, y el mismo actor explicó por qué es uno de los personajes que más ha disfrutado hacer.
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Jacob Elordi se identifica mucho con Felix Catton
Jacob Elordi ha hablado sobre su proceso para construir a sus personajes, y una de las características más importantes que tiene es que crea un cuaderno para cada uno de ellos, “de otra manera, creo que nunca podría volver a recuperarlos”.
Pero para construir el personaje de Felix, Jacob Elordi también buscó inspiración en la moda que se usaba entre 2007-2008, Harry Potter, las pulseras de Livestrong y en películas como Superbad y The Ring.
Sin embargo, como Felix es parte de un largo y opulento linaje, por lo que Jacob Elordi se consiguió un reloj de oro “que pertenecía al abuelo de Felix, lo empecé a usar todo el tiempo y me lo ponía para seguir descifrando su rompecabezas”.
Pero lo que más le gustó a Jacob Elordi, es que es la primera vez que pudo interpretar a un personaje que se parece a él. “He interpretado a personajes que son muy rígidos, él no. Él tenía esta soltura y felicidad que va más conmigo, porque yo soy más flexible y suelto. Así que estuvo bien poder utilizar eso para variar, un personaje que no está solamente recargado en su casillero, sino que no le preocupa nada en la vida. Nada, ni siquiera los exámenes”.
Puede que Saltburn sea más estilo que sustancia, y que su historia no esté al nivel de las expectativas que plantea su gran propuesta visual y sus impecables actuaciones. Pero aún así, sigue dando mucho de qué hablar, y si nos adentramos un poco más a su historia, seguramente podemos discutir mucho sobre ideas de clase y cómo definen nuestras relaciones interpersonales, aunque tal vez nos deje entrever más lo que Emerald Fennell piensa al respecto.
Barbie, con 1,400 millones de dólares recaudados, se convirtió en la tercera cinta original más taquillera de lo que va del Siglo XXI.
De acuerdo con datos de un portal de noticias estadounidense, la cinta de Greta Gerwig se posiciona tan solo detrás de Avatar y Frozen.
Nadie esperaba que tuviera tan éxito, ni siquiera su propia directora, pero parece que pinta para convertirse en una de las historias que marcarán la década de los 2020.
La películaBarbie dirigida por Greta Gerwig no es sólo un gran ejemplo de narración creativa, sino también de marketing, ya que acaba de convertirse en la tercera película original (es decir que no se desprende de una franquicia o saga) más taquillera del Siglo XXI, una hazaña que por supuesto ha logrado gracias a su interesante propuesta y un elenco sorprendente liderado por Margot Robbie y Ryan Gosling.
Barbie no solo tuvo un éxito récord en taquilla, sino que también se ganó los corazones de los/as fanáticos/as y críticos por igual al ahora liderar la temporada de premios en Hollywood y posicionarse como una de las favoritas al Oscar. Pero, ¿Qué la hizo ocupar el tercer puesto y qué otras películas lideran la lista? A continuación te lo platicamos.
A lo largo de su exhibición en salas de cine mundiales, Barbie recaudó más de 1.400 millones de dólares, de los cuales 636 millones de dólares los generó tan solo en Estados Unidos. Lo que, de acuerdo con ScreenRant, la hace posicionarse como el tercer título “original” más taquillero de este siglo por debajo de Avatar (2009) dirigida por James Cameron que ganó 2.900 millones de dólares y la primera película de Frozen (2013) que obtuvo casi 1.300 millones de dólares.
Si bien arriba de Barbie, se posicionan otros títulos, todos estos se desprenden de importantes franquicias, IP y sagas ya conocidas como lo es el caso de la segunda parte de Avatar: El camino del agua, que acumuló 2.320 millones de dólares, mientras que Avengers: Endgame registró 2.799 millones de dólares,Avengers: Infinity War 2.048 millones de dólares, Star Wars: The Force Awakens 2.068 millones de dólares ySpider-Man: No Way Home $1.912 millones de dólares.
Otras películas que ocupan la lista son The Avengers con 1.518 millones de dólares, Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2 con 1.341 millones de dólares, Star Wars: The Last Jedicon1.332 millones de dólares, The Lord of the Rings: The Return of the King con 1,140 millones de dólares, Transformers: Age of Extinctioncon 1,104 millones de dólares, Toy Story 3 con 1.066 millones de dólares y The Dark Knight con 1.003 millones de dólares.
Aún cuando la popular muñeca de Mattel ciertamente tenía una gran cantidad de seguidores/as en todo el mundo, no se pensaría que fuera un éxito absoluto en taquilla puesto que era la primera vez que se desarrollaba una película de Barbie live action con temáticas que no son precisamente infantiles. Pero, al final, terminó por demostrar que el público está deseoso por ver historias originales en pantalla en lugar de secuelas, precuelas y segundas partes.
Durante una entrevista previa, la directora de Barbie, Greta Gerwig, aseguró que hasta la fecha no ha leído las críticas de la película, aunque la mayoría sean positivas, tanto del público como de los/as críticos/as. De manera que ver los sorprendentes números taquilla, para ella ha sido una verdadera sorpresa que no esperaba.
“El tema con Barbie es que no encaja en una categoría previamente trazada para la taquilla. Teníamos métricas esperanzadoras, pero nadie sabía lo que significaba realmente. No fue hasta la segunda semana que estuvo en cines que pensé, “Oh, le está yendo muy bien”.
La directora comentó que definitivamente ver los prometedores números en taquilla de Barbie, le hicieron sentir aliviada porque jamás imaginó que una historia feminista que critica al patriarcado, fuera tan bien aceptada alrededor del mundo. “Hubo una gran cacofonía al respecto, y me dejó pensando “¡Wow! Esa es una gran variedad de reacciones y puntos de vista!”.
