¡Michael Douglas critica a los coordinadores de intimidad!

  • Durante una entrevista, el actor Michael Douglas aseguró que el rol de los coordinadores de intimidad en Hollywood se ha vuelto sólo “una forma de los ejecutivos de estudio” de tomar aún más control sobre el cine.
  • De acuerdo a Douglas, la posición que fue creada por la seguridad de actores y actrices en los sets, es una forma en que los grandes estudios “quitan visión creativa” a sus cineastas y actores.
  • Asimismo, Douglas insistió en que filmar escenas sexuales en el cine tiene que “acordarse y coreografiar” entre actores, y aunque asegura que hay quienes han abusado de dichas escenas en Hollywood, antes era sólo cuestión de respeto y profesionalidad.

Hace algunos años que Hollywood comenzó a implementar un rol crítico en sus sets de cine y televisión: el de los coordinadores de intimidad. Y es que, tras el estallido de historias de abuso sexual dentro de la industria del entretenimiento, diversas producciones volvieron imperativo contar con un supervisor para dichas escenas y ver por la seguridad de actores y actrices por igual durante la filmación de escenas sexuales.

Sin embargo, dicho rol sigue generando gran polémica. Y aunque diversas estrellas se han pronunciado aliviadas y a favor de que actualmente en Hollywood se cuenta con coordinadores de intimidad, otros actores consideran que el rol fue creado con otros fines: limitar la visión y creatividad tanto de directores, como intérpretes. Así lo ha expresado el actor Michael Douglas, ¡te compartimos sus declaraciones!

¡Michael Douglas critica a los coordinadores de intimidad!
Imagen: Getty

¿Los coordinadores de intimidad quitan control al director?

Durante una entrevista con Radio Times, Michael Douglas abordó el rol de los coordinadores de intimidad en el set, asegurando que dicho papel “parece que fue creado para que los ejecutivos puedan quitarle aún más control a los cineastas” en la producción. Sin embargo, admitió que previo a la aparición de dicho rol en las producciones, sí han habido casos de abuso en los sets.

“Es interesante lo que pasa con los coordinadores de intimidad” señaló el actor, “se siente como si los estudios quisieran quitarle aún más control a los cineastas— pero han habido errores terribles y acoso”, admitió.

Más adelante, Michael Douglas añadió que ya “ha pasado la edad donde tenía que preocuparme” por realizar escenas sexuales, aunque destacó que en el pasado, no se requería de coordinadores para realizar una escena de dicho estilo.

“Al igual que las peleas, las escenas de sexo son coreografiadas. En mi experiencia, es tu responsabilidad como hombre asegurarte que tu actriz está cómoda, y es algo que tienen que hablar al momento.

Tienes que decir “Okay, tocaré esta parte, si está bien para ti y lo haré de esta manera, para que luzca orgánico”, que es con suerte, la forma en que una buena actuación luce”.

Michael Douglas.
¡Michael Douglas critica a los coordinadores de intimidad!
Imagen: Basic Instinct

¿Otras estrellas agradecen la presencia de coordinadores?

Michael Douglas añadió que ha contactado a algunas co-estrellas para contemplar cómo lucirían sus películas si hubieran tenido coordinadores de intimidad en el momento.

“Seguro que han habido personas que han sobrepasado los límites, pero antes, nos cuidábamos bien solos” declaró Michael Douglas. Asimismo, añadió que la reputación que las estrellas en Hollywood habían construido era la razón por la que “cuidaban cada detalle”.

“Hablé con algunas actrices, con las que tuve escenas sexuales. Y bromeamos de ello ahora, pensando en qué habría sido si un coordinador de intimidad hubiera trabajado con nosotros”.

Michael Douglas.

Recientemente, otras estrellas han compartido su propio punto de vista sobre los coordinadores de intimidad, entre ellos Kate Winslet, quien compartió para The New York Times que había deseado que “los coordinadores hubieran estado en los sets, cada una de las veces que tuve que filmar una escena de sexo, o estar desnuda e incluso, durante un beso”.

“Cuando eres joven, te aterra hacer enojar a la gente y que crean que eres necia, grosera o patética porque no te sientes cómoda.” explicó Winslet, añadiendo que “tener voz por una misma en esos lugares fue muy, muy difícil.”

“Habría sido lindo tener a alguien de mi lado, porque todas hemos tenido que defendernos por nosotras mismas” sentenció la actriz.

Por otro lado, estrellas como Christina Ricci, Melanie Lynskey, Tawney Cypress se han pronunciado sumamente “aliviadas” de que nuevas generaciones puedan actuar en sets más seguros. 

“Es increíble ver que no tienen que pasar por lo mismo que nosotras” señaló Ricci, “pueden decir que no a ciertas escenas, o negarse a un desnudo, poner límites que nosotras no podíamos. Y eso es fantástico”.

¡Michael Douglas critica a los coordinadores de intimidad!
Imagen: The Today Show

¿Acuerdo de Disney+ y MAX acabará con la TV por cable?

En este artículo:

  • Disney y Warner Bros Discovery unirán fuerzas para ofrecer un paquete conjunto que incluya Disney+, Hulu y MAX.
  • Aunque por el momento sólo estará disponible en Estados Unidos, esta maniobra parece una decisión que nace de los problemas y obstáculos a los que se han enfrentado la compañía para hacer crecer sus plataformas y hacerlas rentables.
  • Más que competir con otros servicios de streaming, esta fusión parece que impactará más a los proveedores de TV por cable, pues dichas plataformas cada vez integran más elementos de la televisión en el mundo digital.

Disney y Warner Bros Discovery acaban de anunciar que fusionarán los servicios de streaming de Disney+, Hulu y MAX. Los pormenores todavía no han sido revelados y por el momento este acuerdo sólo estará disponible en Estados Unidos, pero es un movimiento inesperado para las guerras del streaming.

Y es que desde que Netflix se convirtió en una de las casas productoras más fuertes de Hollywood, los grandes estudios apostaron por invertir en su propio catálogo para mantener la exclusividad de sus títulos. Con acervos tan grandes como los que gozan Disney y Warner Bros Discovery, se creía que era una gran oportunidad para que Hollywood revolucionara el entretenimiento casero.

Sin embargo, la nueva fusión entre Disney y Warner Bros Discovery parece indicar que el streaming cada vez se parecerá más a la TV por Cable.

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Imagen: The Hollywood Reporter

¿El paquete de Disney+ y MAX impacta a la televisión?

Joe Earley, presidente de la división de entretenimiento director de Disney le comentó a The Hollywood Reporter que la fusión “es una idea que tiene en mente a los suscriptores, quienes podrán disfrutar de tres librerías que tienen lo mejor del entretenimiento y el streaming en un solo lugar”.

Tanto Disney+ como MAX tienen en Estados Unidos diferentes paquetes con diferentes costos. Esto a raíz de la inclusión de anuncios y comerciales, por lo que hace falta ver qué tipo de paquete estará disponible en la nueva fusión.

Pero más allá de los pormenores del paquete, esta parece ser una maniobra que compite directamente con proveedores de cable y streaming. En México, por ejemplo, servicios como Izzi, TotalPlay y Meli ofrecen servicios en donde se incluyen diferentes servicios, como Netflix, Disney+ y Vix además de servicios de telefonía, cable e internet.

Prime Video tiene un servicio similar, ya que además de pagar por su catálogo, también ofrece la posibilidad de sumarse a catálogos de otros servicios de streaming con un costo extra, pero sin la necesidad de descargar otra aplicación.

En Estados Unidos, Verizon también ofrece un paquete que incluye Netflix y MAX, pero un acuerdo entre las dos empresas sin duda es mucho más rentable, pues se pueden beneficiar directamente Disney y Warner Bros Discovery.

Esta maniobra viene meses después de que Disney tuviera problemas con Spectrum TV, el segundo proveedor más grande de televisión e internet en Estados Unidos, ya que la empresa buscaba vender el servicio de Disney+ en paquete con otros servicios de streaming, además de que buscaba mejores precios sobre las licencias de los canales de la compañía del ratón.

En 2023, todas las cadenas de televisión en Estados Unidos reportaron una disminución importante. Según reportes de Forbes, el promedio de visualización de los canales más grandes de la televisión actual, como Fox, CNN y Nexstar oscilan entre los 1.9 y 1.5 millones de espectadores, mientras los servicios de streaming siguen a la alza, pues un estudio de Nielsen reveló que solamente el 30% de los usuarios de TV en Estados Unidos la usan para ver cable.

Por eso, empresas como Dish TV y YouTube TV han optado por impulsar sus servicios de manera digital, ya que en 2023 confirmaron que apostar por la banda de cable y transmisión televisiva “era cada vez más redundante”.

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Imagen: MarketWatch

El futuro del streaming son las fusiones

Recientemente, Bob Iger confesó que están negociando con Netflix la posibilidad de licenciar sus títulos para sumarlos al catálogo del gigante del streaming. Estrategia que ya había tomado MAX al hacer negocios con compañías como Pluto TV, Tubi y Fubo.

No sólo eso, Disney, Warner Bros y Fox ya habían anunciado también una fusión para crear un servicio de streaming dedicado a la televisión deportiva. Irónicamente, ESPN fue el único servicio de la compañía del ratón que reportó pérdidas en la rama de streaming en el primer cuarto de 2024.

Y tomando como inspiración lo que ofrece Pluto TV y Tubi, se rumora que Disney también planea incluir canales específicos dentro de su plataforma que puedan mostrar una programación aleatoria de las franquicias de Star Wars, Marvel y Pixar, muy parecido a un sistema de televisión por cable.

Dados los altos costos de inversión, mantenimiento y el hecho de que mantener un título en un sólo catálogo limitaba el acceso, y por tanto las posibles ganancias indirectas en la venta de licencias, los grandes estudios de Hollywood han comenzado a adoptar estrategias que se parecen mucho a los servicios que ofrecía la televisión por cable

Por lo tanto, la nueva fusión de Disney+ y MAX no sólo parece una estrategia orgánica dados los problemas que han tenido para mantener sus servicios y cuidar la rentabilidad de sus producciones. Pero también se ve que es una maniobra que impactará más a los proveedores de televisión por cable, pues esto plantea fomentar el uso de plataformas digitales para acceder a una amplia gama de producciones.

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Imagen: Vulture

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?

Este artículo contiene spoilers de la película The Idea of You.
  • The Idea of You es la adaptación del libro del mismo nombre protagonizada por Anne Hathaway y Nicholas Galitzine, quienes interpretan a Solene y un famoso cantante llamado Hayes Campbell.
  • En la cinta, Solene y Hayes comienzan una relación, y aunque intentan hacerla funcionar, al final deciden darse un tiempo para que la hija de Solene no se vea impactada por el romance. Sin embargo, cinco años después, los personajes se reencuentran.
  • Contrario a la película, el libro termina con Solene sin poder superar a Hayes, mientras él sigue con su vida y no vuelve a contactarla jamás. Por ello, la autora del libro criticó las modificaciones a la cinta, asegurando que éstos cambian por completo la intención de la historia original.

The Idea of You finalmente se estrenó en Prime Video. La historia, inspirada en el libro del mismo nombre, trae de regreso a Anne Hathaway al género de comedias románticas, donde esta vez da vida a Sólene, una madre soltera que, por azares del destino, se enamora de Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), un joven cantante que forma parte de una boy-band.

Sin embargo, entre otros cambios, la cinta modificó el final del libro de Robinne Lee, quien ha decidido pronunciarse al respecto, asegurando que el giro de la película hace que la intención completa de su historia cambie, cosa que ella no había aprobado.

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

¿The Idea of You cambió el final del libro?

El libro de The Idea of You presenta un romance entre una madre divorciada de 40 años llamada Solene, y un chico de 24 años que forma parte de una boy-band, Hayes Campbell; quienes intentan hacer funcionar su relación por un tiempo.

Sin embargo al final, Solene está convencida de que es imposible, debido al impacto que el romance ha tenido en su hija, su negocio, y su vida completa, por lo que termina con Hayes. En el libro, Solene nunca supera al cantante, aunque él sigue adelante con su vida y no vuelve a ponerse en contacto con ella nunca más.

Por otro lado, la película cambia el final para darle a Solene (Anne Hathaway) y Hayes (Nicholas Galitzine) su final feliz. Y tras un salto de cinco años después de haber terminado, donde Hayes logró su carrera como solista, cumple su promesa de encontrar a Solene, una vez que la hija de Solene es lo suficiente mayor para no verse afectada por la relación de su madre.

Por ello, Hayes visita la galería de Solene, y ambos sonríen, llevando a una conclusión mucho más esperanzadora a la historia que la que tiene el libro y la que nadie esperaba, ni siquiera su autora.

“No formé parte de la adaptación. No he hablado ni siquiera con el director, pero espero conocerlo pronto. Así que no, no hablé con nadie sobre ningún cambio”.

Robinne Lee

Por otro lado, Robinne Lee añadió que su esposo es productor en la cinta de The Idea of You y que él ha estado mucho más en contacto con el equipo creativo detrás de la adaptación, por lo que “me informó de algunos cambios, y sé las razones por las que se hicieron”.

Asimismo, Lee señaló que no se siente traicionada por los cambios a la historia, pues entiende que “es parte de adaptar algo a un medio distinto”. “Un libro es un libro, y una película es una película. Tienes que hacerte a un lado y dejar a los cineastas hacer lo que saben, sin entrometerte

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

¿El público no habría aceptado un final triste para The Idea of You?

No obstante, Lee destacó que nunca pensó en darles un final feliz a Soleye y Hayes en The Idea of You, y admitió que le sorprendió ver eso en la cinta.

“Es Estados Unidos. Hollywood siempre hará lo suyo y arrojarán un final feliz en todo. No sé por qué.

Esperarías que se mantuvieran fieles a lo que escribiste porque significa algo para ti, pero también tienes que pensar en la taquilla y las visualizaciones y lo que la audiencia quiere, supongo”.

Robinne Lee

Más adelante, Robinne Lee explicó que considera que los públicos para la película y la serie son distintos, y criticó a las audiencias estadounidenses por no estar “preparadas para un final triste”.

“Titanic fue un gran éxito en su momento, amamos llorar con ella. Es la razón por la que regresas a ella. Y sé que la gente llora cuando lee este libro, ese es el punto”, añadió.

“El final de la película pudo pasar en el libro, supongo, varios años después. Pero no es la historia que que quería contar. Quería hacer una declaración con ella, sobre cómo las mujeres solemos poner la felicidad de otros antes que la nuestra.

Solene eligió a su hija en lugar de hayes, y fue consciente de que decepcionó a su amiga Lulit al descuidar la galería. Las puso a ellas primero, y aunque habría sido adorable si pudiera balancearlo todo, no es algo realista”.

Robinne Lee.

“Quería que esta historia se sintiera como leer un diario” añadió la escritoria de The Idea of You, “que vieras a este personaje verse atrapado entre su rol y el romance, y cómo ésto casi destruye todo lo que quería, por lo que tuvo que soltar”.

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?

  • En Mayo de 2023, el sindicato de Guionistas de Hollywood oficialmente entró en huelga, declarando que las condiciones de trabajo creadas por las plataformas de streaming eran insostenibles para la industria y sus creativos.
  • Si bien, los guionistas lograron obtener casi todos los acuerdos que solicitaron a los productores de Hollywood, actualmente el gremio se enfrenta a nuevos problemas.
  • De acuerdo a un estudio impartido por Variety VIP+, actualmente hay menos plazas para guionistas dentro del cine y la televisión, y las producciones hollywoodenses siguen sin retomar el ritmo que tenían previo a las huelgas.

Hace un año que Hollywood vio a sus guionistas irse a huelga, luego de que escritores de cine y televisión declararan que las condiciones de la industria eran deficientes para el gremio. Y es que entre pagas mínimas, jornadas excesivas, falta de seguros médicos y la volatilidad causada por el boom del streaming, los guionistas obligaron al medio a poner pausa a sus actividades, para lograr mejoras significativas. 

Si bien, la mayoría de los puntos solicitados por los guionistas de Hollywood a los productores fueron atendidos, ahora un estudio detalla qué tanto ha cambiado realmente la industria y por qué escritores de cine y televisión siguen enfrentando nuevas e importantes crisis.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
 FOTO: CHRIS DELMAS/AFP VIA GETTY

¿Cada vez hay menos trabajo para guionistas en Hollywood?

A través de un reporte compartido por el portal Variety VIP+, se determinó que para varios miembros del sindicato de escritores WGA, los últimos meses ha sido difícil encontrar trabajo dentro de la industria.

“Hay menos cosas produciéndose” señaló Justin Halpern, representante de la WGA y co-showrunner del programa Abbott Elementary. “Si has podido obtener trabajo como escritor durante estos meses, sí estás obteniendo lo suficiente para tener una vida digna. El problema es que no hay plazas suficientes por el momento.”

La reducción de producciones, según señala el estudio, ya estaba sucediendo incluso antes de la huelga de guionistas de 2023, fenómeno que también contribuyó al recorte de producciones junto al paro de actores.

Si bien, varias producciones han retomado su curso, otras fueron eliminadas por completo, lo que ha hecho que el movimiento en Hollywood siga por debajo de la media que tenía antes de las huelgas hollywoodenses. La crisis es en realidad, resultado e impacto de las mismas huelgas, de las cuáles la industria no ha podido recuperarse del todo.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Mario Tama/Getty Images

¿Los guionistas sí son mejor pagados?

Entre las notas positivas reportadas por Variety, apuntan a que los guionistas actualmente empleados han obtenido mejores pagas.

Previo a la huelga de Hollywood, escritores de niveles más bajos no recibían siquiera los bonos conocidos como “script fees”. A través de los nuevos contratos, se logró sumar dicha bonificación al trabajo de los guionistas principales. Asimismo, escritores de staff que usualmente trabajan en una escala semanal, han visto sus números solidifcados entre los $29mil dólares y los $43mil dólares por un episodio de treinta y sesenta minutos respectivamente, cuota similar a la de otros guionistas más experimentados. 

“Es emocionante” señaló la co-creadora de la serie Rutherford Falls, quien destacó que finalmente los guionistas “son pagados por el trabajo que hacen”.

Sin embargo, donde se notó más el aumento de salarios es en los escalones más altos de las producciones, donde escritores que también fungen de productores y puestos más arriba, escalaron sus sueldos en un 15%.

Otros de los impactos que se han notado, tienen que ver con la entrega de pensiones y seguros médicos a cada integrante de un equipo de guionistas. 

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen. Mario Tama/Getty Images

¿Algunos estudios evitan cumplir con las nuevas condiciones?

Si bien, el aumento de sueldos ha sido significativo, John Rogers, integrante de la WGA, destacó que “tomará tiempo ver impactos más grandes”.

Por otro lado, otros puntos aclarados por la huelga no han sido del todo aplicados por estudios. Pues, entre otras cosas, en los nuevos contratos para guionistas se empuja por que toda producción cuente con un “cuarto de escritores” liderado por el showrunner, con una cantidad establecida de guionistas. Asimismo, se pidió que al menos dos guionistas estuvieran presentes durante la producción de una serie, para impulsar a los escritores hacia una carrera como showrunners y evitar la monopolización de dichos cargos.

Asimismo, los contratos prohíben varias prácticas que eran comunes en Hollywood, como las “mini salas de escritores”, donde un showrunner contrataba equipos pequeños para desarrollar temporadas completas en tiempos muy cortos. En los nuevos términos, toda sala de desarrollo debería durar al menos 10 semanas, y los escritores deben ser pagados 25% más de la cuota mínima.

Sin embargo, como ha sucedido en otras ocasiones, los estudios han tomado nuevas medidas para evitar algunos de los términos, sin romper el contrato. Bajo esa idea, es posible que algunos estudios estén actualmente solicitando más trabajo de sus showrunners previo a entrar a su etapa de desarrollo con guionistas, para evitar crear tales “salas de desarrollo” completas, y a su vez, ahorrarse los pagos correspondientes.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen: Writers Guild West

¿Qué pasó con las regalías y pagos residuales?

Uno de los puntos más importantes de la huelga de guionistas, veía a los escritores solicitando una mejor compensación por los residuales de series y películas en streaming. Pues, aunque algunas producciones lograban gran popularidad en plataformas como Netflix, sus escritores destacaron que dicha compañía no era transparente sobre los ingresos que realmente generaba el proyecto, entregando cheques a los escritores de Hollywood a veces por tan sólo centavos.

En el nuevo modelo de la WGA, el sindicato se aseguró que mientras más fuera visto una serie, más ganaría su escritor de ella. Así entonces se creó un sistema binario de series exitosas vs series no tan populares, donde las primeras, al alcanzar un nivel acordado de visualizaciones, recibirían un bono por residuales significativo.

No obstante, aún no se ha determinado cuántos y qué shows podrían clasificarse como exitosos; lo que guionistas han comenzado ya a trazar un nuevo plan, para llevar como propuesta a la asociación de productores cuando suceda la renegociación de sus contratos en 2026.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen: Netflix

¿El sexo está desapareciendo del cine?

  • A pesar del éxito de cintas como Poor Things o Saltburn, un estudio reciente demuestra que los espectadores disfrutan cada vez menos de ver escenas de sexo en películas y series.
  • El estudio, implementado por The Economist, señaló que la desnudez y escenas de sexo en el cine y la televisión han disminuido en un 40% desde el año 2000.
  • La investigación también señaló que, a pesar de ser presentadas en menor cantidad, las escenas de sexo en películas actuales son mucho más explícitas que hace 20 años, pero ¿a qué se debe dicho fenómenos?

Los hábitos de consumo en el entretenimiento han cambiado drásticamente en los últimos años, no solo porque las películas ahora tienen dificultades para llenar las salas de cine, sino que también los/as consumidores/as ya no se identifican con ciertas temáticas o les incomodan ciertas escenas, incluidas las sexuales. 

Aún cuando recientemente se estrenaron con éxito películas como Poor Things o Saltburn, que contienen muchas escenas de sexo, un estudio reveló que en los últimos años Hollywood ha disminuido notablemente dichas escenas porque el público actual ya no disfruta de verlas ¡A continuación compartimos los detalles de la investigación!

¿El sexo está desapareciendo del cine?
Copyright © Searchlight Pictures.

¿Por qué las películas ya no incluyen sexo?

Un estudio realizado por The Economist analizó las escenas sexuales y la desnudez en las principales películas estadounidenses desde el año 2000, dando como resultado que durante los últimos años, ha disminuido en casi un 40 por ciento a pesar de que ahora las producciones tienen más libertad de agregarlas, dado que las plataformas de streaming no censuran dichas escenas. 

La investigación también reveló que el número de películas sin ningún contenido sexual ha aumentado del 20 por ciento anual a aproximadamente el 50 por ciento durante el 2023. Sin embargo, puntualizó que algunas de las escenas sexuales que se muestran en las películas actuales, suelen ser mucho más explícitas que en el pasado, citando a proyectos como May December, Saltburn y Fair Play.

Por otro lado, se dio a conocer que la cantidad de escenas en donde se muestran drogas o los actores dicen malas palabras en las películas, han disminuido un poco desde aproximadamente el año 2014. Sin embargo, la violencia en general, ha resultado ser más común en las historias actuales. 

Los resultados de la actual investigación podrían relacionarse con un estudio que se realizó el año pasado por un escritor de Playboy que encontró que la cantidad de películas en IMDb desde 2010 que contienen representaciones de sexo es la más baja desde la década de 1960, cuando se supone que los proyectos sufren una mayor censura. 

“El sexo en el cine alcanzó su punto máximo en la década de 1990, el apogeo del thriller erótico, con un 1,79 por ciento de todas las películas que presentaban escenas de sexo. Esa caída de medio punto es enorme en términos relativos, considerando que en la década de 2010 se estrenaron casi cuatro veces más películas que en la década de 1990”.

Christopher Kokoski

Una de las razones por las cuales el autor sugiere que las películas actuales ya no tienen tantas escenas sexuales, se debe a que “el público simplemente está menos interesado en él” y los actores y actrices de las películas ahora sí muestran su incomodidad de filmarlas. “Filmar escenas de sexo puede resultar incómodo para todos los involucrados, y es posible que algunos artistas simplemente prefieran evitarlas”, escribió.

¿El sexo está desapareciendo del cine?
Copyright © Prime Video.

La Gen Z está de acuerdo en quitar escenas sexuales 

En octubre del año pasado, un estudio de la Universidad de California (UCLA) se viralizo en redes sociales luego de que reveló que el 48% de los encuestados de la Gen Z ya no están interesados en historias repletas de sexo, sino en romances y amistades platónicas.

El estudio tomó en cuenta a 1.500 adolescentes de entre 10 y 24 años para preguntarles sobre las historias que prefieren ver en la televisión y el cine, dando como resultado que en su mayoría, ya no quieren ver escenas sexualmente explícitas, romances tóxicos, heteronormados, o estereotipados.“Como se demuestra en este informe, [los/as adolescentes] se han cansado de las narraciones estereotipadas”, dice el documento.

La Gen Z también está cansada de ver a parejas amorosas en la televisión que constantemente tienen problemas, se separan y después regresan, debido a que normaliza las relaciones tóxicas. “Valoran las relaciones románticas y/o sexuales (especialmente las que son tóxicas) y buscan más representaciones de la amistad, que es un aspecto central de la adolescencia y bienestar social”.

¿El sexo está desapareciendo del cine?
Copyright © Netflix.

¿Por qué Ryan Gosling dejó de hacer películas “oscuras”?

  • Ryan Gosling saltó a la fama a partir de papeles intensos como su rol en Drive, Blue Valentine, entre otros.
  • Sin embargo, recientemente el actor ha encontrado un nuevo aire en Hollywood a partir de papeles como Ken en Barbie, Sebastián en La La Land y Colt Seavers en The Fall Guy
  • Por ello, el actor explicó el por qué ha decidido tomar papeles mucho más ligeros a aquellos que lo posicionaron en Hollywood, asegurando que los roles más “serios” le ponían psicológicamente en un lugar muy “oscuro”.

Ryan Gosling es uno de los actores más versátiles de Hollywood, habiendo formado parte de historias tanto intensas como Blue Valentine, Drive y Blade Runner 2049, como de proyectos mucho más ligeros como La La Land, The Fall Guy, y Barbie.

Sin embargo, recientemente el actor se ha inclinado más por éstos últimos papeles, entre los que ha logrado nominaciones a los galardones más importantes del cine, y un nuevo aire dentro de la industria. Por ello, durante una entrevista con la publicación WSJ Magazine Gosling detalló el por qué ha decidido tomar proyectos menos psicológicamente oscuros en años recientes, y cómo los personajes más ligeros que ha interpretado han marcado tanto su carrera, como su vida personal, ¡Te compartimos sus declaraciones!

¿Por qué Ryan Gosling dejó de hacer películas "oscuras"?
Imagen: Warner Bros.

¿Por qué Ryan Gosling abandonó los papeles más oscuros?

Durante una entrevista con WSJ Magazine, Ryan Gosling explicó el por qué decidió cambiar a películas mucho más ligeras. Una de las causas más grandes, detalló, se debió a poder apartar su trabajo de su vida personal, especialmente al haberse convertido en padre de dos niñas.

“No quiero tomar más papeles que me harán entrar a un lugar oscuro” explicó Gosling, añadiendo que, desde su papel en La La Land ha buscado cada vez más historias de tonalidades ligeras y no tanto compromiso psicológico, al grado en que su salud mental se vea afectada.

“No tomo más papeles que van a ponerme en un lugar oscuro. Este momento, lo que necesito es identificar qué necesita mi familia y decidir a partir de lo que será mejor para todos.

Las decisiones que tomo, las tomo con Eva [Mendes], y las tomamos pensando en nuestras hijas primero”.

Ryan Gosling

Más adelante, el actor detalló cómo La La Land impactó su relación familiar, asegurando que era mucho mejor llevar del set cosas “para divertirse” que “papeles complicados”. “Tomé La La Land pensando en que sería divertido para ellas. Porque incluso aunque no vengan al set, practicamos piano juntos o cantamos o bailamos”, explicó.

¿Por qué Ryan Gosling dejó de hacer películas "oscuras"?
Imagen: Le Pacte

¿La familia de Ryan Gosling ha influido en sus decisiones actorales?

Asimismo, Ryan Gosling explicó de qué forma su familia ha servido también de inspiración para sus últimos papeles, en específico Ken en Barbie: “su desinterés en el personaje me inspiró” señaló el actor, “Ya hacían películas con sus Barbies en el iPad cuando me dieron el papel, y saber que iba a trabajar en una película de Barbie, me hizo sentir en la misma página que ellas”.

Tras el anuncio oficial de Ryan Gosling como Ken en 2022, internet comenzó una tendencia de publicar imágenes con los outfits de Ryan como Ken, y compararlos con sus papeles previos más destacados, la mayoría de los cuáles son de proyectos dramáticos.

Sin embargo, Gosling brilló en la cinta, y “abrazó la Kenergy”, asegurando que el rol ha sido una de sus interpretaciones favoritas.

De la misma forma, el cambio de géneros cinematográficos no ha impactado la recepción crítica de Ryan Gosling como actor, sino que, al contrario, le ha valido grandes nominaciones y galardones en premios como los Oscar, BAFTA, Critics Choice, entre varios otros.

El primero de mayo, Ryan Gosling también estrenó The Fall Guy, otra cinta de tono mucho más ligero que sigue al actor como un intérprete de stunts, quien de la nada, es puesto entre una batalla con gente especialmente peligrosa tras la desaparición del actor principal de la película en que participa.

¿Por qué Ryan Gosling dejó de hacer películas "oscuras"?
Imagen: Universal Pictures

¿Cuál es la duración perfecta de una película?

En este artículo:

  • Un nuevo estudio reveló cuál debería ser la duración perfecta de una película para que sea exitosa.
  • Según los resultados, la duración ideal de una película debería ser de 92 minutos, pero cintas como Oppenheimer demuestran que puede haber películas de muy larga duración que pueden ser muy exitosas.
  • Los cambios más significativos que se han visto en los últimos años parece implicar que la audiencia más joven está más interesada en ver cintas producidas fuera de Estados Unidos.

A lo largo de los años, la duración de las películas ha cambiado para adaptarse a las nuevas audiencias y sus hábitos de consumo.

Actualmente, se dice que el streaming y las redes sociales han afectado el tiempo de retención que tiene la audiencia, pero las películas parece que han ido aumentando de duración, pues muchas películas de gran éxito suelen durar más de 2 horas.

Pero, de acuerdo con un nuevo estudio realizado por Talker Research, las películas no deberían durar más de 92 minutos para conseguir la total atención de la audiencia.

Sin embargo, este resultado podría contradecir el hecho de que cintas como Avatar: The Way of Water y Oppenheimer, han logrado conseguir millones de dólares en taquilla a pesar de sus tres horas de duración. Entonces, ¿cuál es la duración ideal que debería tener una película? ¡Aquí les contamos los resultados de una nueva encuesta!

Película
Copyright © Warner Bros.

¿Es verdad que nadie quiere ver proyectos de más de tres horas?

El estudio realizado en abril de este año, tomó en cuenta la opinión de 2 mil estadounidenses, quienes concluyeron que “la duración promedio ideal” de una película debe ser de 92 minutos, mientras que el 15% dijo que las películas de más de 120 minutos (dos horas) eran aceptables y tan sólo el 2% estaba satisfecho con una película de más de 150 minutos (2.5 horas).

Estos resultados podrían ser un poco confusos debido a que nueve de las diez películas más taquilleras de todos los tiempos duran más de dos horas, mientras que tres (Avengers: Endgame, Avatar: Way of Water y Titanic) duran más de tres horas. El problema de la duración podría atribuirse a películas que no se desprenden de grandes franquicias, ya que cintas como Killers of the Flower Moon de Martin Scorsese, registró una duración 206 minutos de duración y tan solo obtuvo 156 millones de dólares en taquilla. 

No obstante, si observamos a las películas más taquilleras del año pasado como Barbie, mantuvo una duración poco menos de dos horas, a diferencia de Oppenheimer, que además de posicionarse como la mejor película en los premios Oscar, superó los 900 millones de dólares en taquilla a pesar de durar exactamente tres horas. Otro éxito del año pasado, The Super Mario Bros. Movie, alcanzó la duración “ideal” con exactamente 92 minutos. 

El estudio también reveló que, en los últimos 60 días, los estadounidenses sienten que han visto dos películas que les parecen demasiado largas, mientras que el 23% dijo que había visto tres o más a regañadientes. Curiosamente, el mayor éxito del 2024 hasta ahora es Dune: Part Two, que casi alcanza las tres horas de duración. 

Otra investigación de What to Watch sugiere que la duración media de las películas de mayor éxito comercial ha ido aumentado con el paso de los años, dado que en 1981 era de 110 minutos, mientras que en el 2022 fue de 141 minutos. Esto podría deberse a que las plataformas de streaming ya no tienen la presión de los horarios de proyección del cine y tiene más libertad de elegir su duración.

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Las nuevas generaciones apuestan por contenido internacional

Por otro lado, la encuesta le preguntó a los/as participantes/as si tenía algún inconveniente en ver la televisión con subtítulos, dando como resultado que el 77% no lo consideraba un “problema”, mientras que el 15% dijo que es un “tema muy debatido en su hogar”. Sin embargo, las generaciones más jóvenes contestaron que “siempre” ven sus contenidos con subtítulos, siendo el 23% millennials y el 30% de la generación Z.

Este resultado podría dar esperanza a los contenidos internacionales, ya que durante muchos años se habló sobre que los estadounidenses tenían problemas en ver otros tipo de películas o series de televisión que no fueran hablados en inglés, debido a que no les gustaba leer subtítulos. No os batte, todo parece indicar que este problema está siendo cambiado por las nuevas generaciones. 

En parte, estos hábitos de consumo también pueden estar cambiando debido a que con la plataformas de streaming ahora es mucho más fácil acceder a contenidos internacionales que permiten a los/as espectadores/as conocer otro tipo de historias más allá de sus países de origen. 

Película
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Kenneth Huang: ¿Cómo una persona estafó a todo Hollywood?

En este artículo:

  • Reportes aseguran que Kenneth Huang, supuesto empresario, engañó a productores de Paramount, a Vin Diesel y a James Gunn con promesas falsas para que hicieran tratos con su compañía productora: The H Colectives.
  • Al parecer, orquestó un sistema de estafa piramidal para mantener su estilo de vida y ganarse la confianza de productores y marcas, llegando a tener acuerdos de cientos de millones de dólares.
  • Kenneth Huang parece un símbolo de lo mucho que Hollywood apostó por el mercado chino, sólo para ver cómo le daba la espalda años más tarde.

Según Deadline, hay una persona a la que se le puede atribuir la obsesión de Hollywood con China: Kenneth Huang. De acuerdo con una nueva investigación, este supuesto magnate chino fundó en 2017 The H Colectives, una productora que buscaba cimentar una alianza entre ambas naciones y que fomentó proyectos como XXX de Vn Diesel y Brightburn de James Gunn.

Aunque nunca se supo muy bien cómo hacía tanto dinero, Kenneth Huang fue poco a poco acercándose a la élite de Hollywood. Y con la idea de que las cintas estadounidenses pudieran tener un mejor desempeño en China, figuras como Sid Ganis, productor que fue presidente de La Academia, le proporcionó contactos laborales en Paramount, MGM y Lionsgate con el objetivo de que pudieran hacer negocios benéficos para la industria cinematográfica.

Sin embargo, entre una pila de demandas por falta de derechos de autor y varios proyectos sin completar, Kenneth Huang desapareció sin dejar rastro.

¿Por qué Hollywood confió en él y qué problemas dejó a su paso? ¡Les contamos todo aquí!

Kenneth Huang
Imagen: Deadline

¿Quién es Kennet Huang y por qué Hollywood se obsesionó con él?

Según Mark Johnson, uno de los productores de Breaking Bad, Kenneth Huang “tenía mucho carisma, te caía bien de manera instantánea. Y en nuestra producción nunca hubo problemas con los pagos”.

Kenneth Huang ayudó a producir la cinta The Parts You Love, película protagonizada por Aaron Paul y escrita por Johnson justo después del final de la icónica serie. Según los reportes, esta fue la cinta que le dio confianza a más inversionistas para acercarse a la firma de Huang y hacer negocios con ellos.

Según el reporte, Kenneth Huang se presentó como una persona que podía facilitar los negocios de Hollywood en China. Y a partir de 2011, empezó a hacer lucrativos acuerdos que prometían impulsar la presencia de grandes estudios en el territorio.

Pero muchos de esos negocios fracasaban. Por ejemplo, el reporte menciona una demanda que enfrenta Kenneth Huang con valor de mil millones de dólares. Y es que, en 2017, el magnate supuestamente había acordado que el Hotel Pangu Plaza se mostrara en su totalidad en una cinta de Transformers, pero el acuerdo se cayó, se cree que el financiero sobre vendió la película.

Kenneth Huang también es el responsable de una pérdida económica para Paramount. Según otra demanda, el financiero supervisó un acuerdo de publicidad entre el estudio y la manufacturera automotriz Huahua, pero dicha empresa no pagó la comisión pertinente y el acuerdo se cayó cuando el gobierno chino impuso nuevas leyes en contra del flujo de capital internacional.

Kenneth Huang
Copyright @ Universal Pictures

¿Qué problemas legales enfrentó?

El reporte asegura también que Kenneth huan era muy amigo de Vin Diesel, cosa que utilizó para estafar a diferentes empresarios. Según esto, vendió la idea de que empresas como Weying Galaxy, o Rakuten podría adquirir parte de los derechos de la cinta XXX: Reactivado, ya que su empresa era la propietaria total de este título.

Pero Vin Diesel también posee parte de la propiedad intelectual de XXX, por lo que las promesas de Kenneth Huang no podían materializarse. Según el reporte, también aseguró que tenía todos los derechos de Ghost in The Shell, cinta estelarizada por Scarlett Johansson. También se dice que para esta cinta hizo acuerdos secretos con marcas para colocar productos en esta película, los cuales nunca se materializaron.

Actualmente enfrenta dos demandas por falsa publicidad y promesas falsas, ya que nunca hizo público su estado de resultados ni repartió ganancias.

Estos problemas se hicieron más visibles durante el desarrollo de Brightburn, la cinta producida por James Gunn que resultó ser un fracaso en taquilla. Según reportes, mientras Kennet Huang tenía los conflictos con las demandas de XXX y Ghost in the Shell, su empresa ya no podía pagar los sueldos de la producción.

El magnate Hiroshi Mikitani, considerado el “Jeff Bezos de Japón” fue una de las víctimas que invirtió en estos tres proyectos sin ver un centavo de ganancia. Y según lo que comentó para Deadline, fue “víctima de una estafa piramidal” con la que Kennet Huang mantenía su estilo de vida y se ganó la confianza de Hollywood.

Kenneth Huang
Copyright @ Warner Bros Pictures

Kennet Huang es el último símbolo del fracaso de Hollywood en China

Actualmente, no se sabe el paradero de Kennet Huang. Algunos reportes aseguran que fue diagnosticado con cáncer y que ha estado buscando tratamientos en Japón, Hong Kong, Singapur y Nueva York.

James Gunn asegura que no ha sabido nada de él desde 2019. Y aunque fue una estafa muy específica, parece un símbolo de la decadencia de Hollywood en el mercado chino.

Y es que durante una década, cintas como Transformers, Fast and Furious y muchos títulos de Marvel se beneficiaron de la gran taquilla china. Al grado en que figuras como Steven Spielberg y los Hermanos Russo buscaron formas de empezar a producir cintas en ese territorio.

Esto sin mencionar los esfuerzos de Hollywood para adecuarse a los estándares de censura chinos. Varios reportes aseguraban que cintas como Iron Man 3 fueron financiadas por empresas chinas y se grabaron en locaciones del país, por lo que decidieron incluir escenas específicas que sólo se mostraron en cines chinos.

Pero desde 2020, las políticas gubernamentales han sido mucho más duras con los temas de censura y con los flujos de inversión que reciben del extranjero. Además, aprendieron bien el quehacer cinematográfico de Hollywood y el cine chino actualmente produce sus propias películas que se vuelven grandes éxitos.

Como ejemplo, tenemos el caso de Full River Red y The Wandering Earth 2, cintas chinas que estuvieron en el top 10 de las más taquilleras de 2023 alrededor del mundo sin la necesidad de exportar la cinta para mercados fuera de China.

Una muestra de esto se puede ver con Fast X, cinta de la saga de Rápidos y Furiosos que solía tener un gran desempeño en el mercado de oriente, apenas logró recaudar 117 millones de dólares, en contraposición a los 216 mdd que recaudó F9 o los 392 mdd que recaudó la octava parte.

Si Kenneth Huang estafó a varias figuras de Hollywood, pero también parece ser una muestra de lo mucho que la industria de cine apostó por China como uno de los mercados de cine más importantes del mundo y cómo murieron estas ilusiones.

Kenneth Huang
Copyright @ Disney

¡Nueva cinta de Sylvester Stallone estalla en controversia!

  • Armored, la nueva cinta de Sylvester Stallone, está rodeada en controversia porque se acaba de reportar que Randall Emmett, un productor acusado de abuso laboral, es el director de la cinta.
  • Supuestamente, Emmett se escondió de Sly y fingió que él no trabajaba en la cinta, incluso decidió usar un pseudónimo para no mostrar su nombre públicamente.
  • Sin embargo, reportes aseguran que la producción tuvo grandes tropiezos, pues no pagó los salarios adecuados, no tenía protocolos de seguridad y el productor creaba un ambiente tenso en el set.

En 2023, Sylvester Stallone aceptó participar en la cinta Armored, película que logró un acuerdo para filmarse en medio de la huelga de actores y actrices de Hollywood. Con un presupuesto de 11.5 millones, la historia iba a poner a la leyenda de acción como el líder de una banda de ladrones.

La película iba a ser supuestamente dirigida por una persona llamada “Ives”, aunque tiempo después esa figura desapareció y fue aparentemente reemplazada por Justin Routt, quien realmente tiene pocos créditos en Hollywood, pero se destaca más por su labor como productor.

Recientemente, se dio a conocer que la misteriosa figura detrás de la nueva cinta de Sylvester Stallone es Randall Emmett, un director que enfrenta múltiples cargos por abuso y acoso laboral que decidió esconder su verdadera identidad para poder filmar esta cinta.

Sylvester Stallone
Foto: Deadline

¿Sylvester Stallone no sabía quién era el verdadero director de Armored?

De acuerdo a un reportaje de Los Angeles Times, Sylvester Stallone se sumó al proyecto sin saber que Randall Emmett era el director real de la película. Sin embargo, su presencia causó grandes conflictos con el presupuesto general de la producción.

Y es que, supuestamente, a Sylvester Stallone le pagaron 3.5 millones de dólares por ser el antagonista de Armored, lo que representa el 30% del presupuesto total de producción. Esto provocó que no se le pudiera pagar en su totalidad a parte del equipo y otros proveedores, entre ellos el equipo encargado de supervisar la seguridad en el set.

La producción de la nueva cinta de Sylvester Stallone fue de los pocos proyectos que pudieron producirse durante la huelga, y muchas personas que colaboraron con el reporte de Los Angeles Times aseguraron que decidieron tomar el trabajo porque lo necesitaban, pero no sabían que Randall Emmett estaba involucrado.

De hecho, fuentes cercanas a la producción aseguraron que Sylvester Stallone sólo se iba a presentar a trabajar por un día. En ese momento, Emmett llegó con el equipo y les dijo que le explicaran a Stallone que había problemas con el desarrollo, por lo que él tendría que hacerse cargo solamente ese día.

Pero según los reportes de Los Angeles Times, Sylvester Stallone terminó siendo “el director” ese día. “Sly básicamente fue el jefe por un día” confesó el encargado de los accesorios. “Él y el jefe de cinematografía coreografiaron y prepararon escenas. Fue una dirección hecha por un comité”.

El equipo legal de Randall Emmett aseguró que Sylvester Stallone sí sabía de su presencia, pero no quisieron especificar si el actor estaba consciente de que él era director y productor de la cinta.

Además del incidente con Sylvester Stallone, la producción fue denunciada porque Emmett creaba un ambiente tenso en el set. “En general gritaba e insultaba mucho” mencionó al portal una fuente que pidió permanecer anónima.

Además, otras personas aseguran que no quisieron hacer una escena de riesgo en donde se supone que un camión tenía que caer en un río. En un principio, se había dicho que el agua del río era segura, pero luego se descubrió que tenía la presencia de una peligrosa bacteria, por lo que decidieron hacer la escena utilizando CGI.

Sylvester Stallone
Imagen: iMDB

¿Qué otras controversias suma el productor?

Randall Emmett tiene supuestamente más de 120 créditos en su currículum como productor. Y aunque la mayoría son considerados grandes fracasos de taquilla, destacan al menos dos proyectos: The Irishman de Martin Scorsese y Lone Survivor de Peter Berg.

El productor también es conocido por incluir en sus elencos estrellas como Sylvester Stallone, Bruce Willis, Mel Gibson, Al Pacino y Robert De Niro. Pero sus escándalos comenzaron en 2022, cuando se acusó al productor de hacer comentarios racistas, incurrir en bullying y abusar laboralmente de sus empleados en el set.

Se dice también que el productor fue grosero con Bruce Willis justo después de que fue diagnosticado con demencia frontotemporal. El productor ha negado rotundamente estas acusaciones, pero decidió alejarse de los reflectores de Hollywood.

Aunque eso no significa que se haya alejado del trabajo. Además de la cinta de Sylvester Stallone, se reportó que la nueva cinta de John Travolta: Cash Out 2: High Rollers, tiene como crédito de dirección el nombre de “Ives” pseudónimo que Emmett ha utilizado para asegurar su trabajo en la industria.

Sylvester Stallone
Imagen: Manlymovie

¡Ellen DeGeneres habla de sus controversias!

  • En 2022 el Show de Ellen DeGeneres llegó a su final, luego de ser uno de los talk-shows más populares de la televisión y estar al aire por casi 20 años.
  • El show de Ellen DeGeneres concluyó tras reportes sobre racismo, mal comportamiento sexual e intimidación en el set, además de abusos laborales por los que DeGeneres se disculpó públicamente.
  • Ahora, a través de un stand-up, Ellen DeGeneres dijo haber sido “expulsada del negocio del entretenimiento” por segunda vez, además de asegurar que “no era una mala persona”, y criticar a Hollywood por hacer “unidimensionales” a sus personalidades y polarizar la opinión de las audiencias sobre ellos.

En mayo de 2022, The Ellen DeGeneres Show llegó a su final tras casi veinte años al aire. El programa, conducido por la comediante, cerró su ciclo a partir de grandes acusaciones y controversias, en la que trabajadores y antiguos empleados del programa aseguraron que el show tenía un ambiente tóxico de trabajo, además de reportar constantes abusos e intimidación tanto de parte de Ellen DeGeneres como por sus productores.

Sin embargo, la comediante, que ha mantenido un perfil bajo desde el final de su programa, abordó la cancelación en un reciente stand-up donde dijo haber sido “expulsada del negocio”, además de usar el espacio para criticar a Hollywood por polarizar la percepción de sus estrellas entre amor y odio.

¡Ellen DeGeneres habla de sus controversias!

¿Ellen DeGeneres fue vetada de Hollywood?

Ellen DeGeneres regresó al escenario con un especial de comedia titulado Ellen’s Last Stand… Up Tour, puesta en la que se tomó gran tiempo para abordar las controversias alrededor de su talk-show, los cuáles dieron pie a una investigación profunda sobre las condiciones laborales en su programa.

“Ah, sí, me vetaron del negocio de entretenimiento”, dijo Ellen DeGeneres de manera sarcástica durante su stand-up en West Hollywood, así reportó el portal Rolling Stone. Y es que de acuerdo a la presentadora, su salida se debió a que “Hollywood no permite tener personas que no sean perfectas” en su industria.

“No hay gente mala en el negocio. Me volví un personaje unidimensional que regalaba cosas y bailaba pasos ridículos, ¿saben lo difícil que es bailar así? ¿Una persona mala podría bailar así?

Creo que si hubiera terminado mi show diciendo “Jódanse todos”, la gente se habría ido gratamente sorprendida”.

Ellen DeGeneres.

The Ellen DeGeneres Show concluyó tras reportes de racismo, mal comportamiento sexual e intimidación en el set del programa. Dichos reportes llevaron a investigaciones, donde ex-trabajadores del show señalaron sentirse frustrados por cómo la producción manejó las compensaciones para su equipo durante la pandemia.

Asimismo, otros trabajadores reportaron abusos verbales y opresión por parte de los productores del programa, lo que llevó al despido de tres ejecutivos tras la investigación interna de Warner Media.

¡Ellen DeGeneres habla de sus controversias!
Imagen: Variety

¿Ellen DeGeneres no cree en la cancelación?

Más adelante en su rutina de stand-up, DeGeneres señaló que esta no es la primera vez que “la han echado” de Hollywood, pues puntualizó que en los 90 su serie Ellen fue cancelada tras pronunciarse abiertamente gay.

“Para los que llevan la cuenta, es la segunda vez que me echan del negocio.

Eventualmente, me echaran una tercera vez, porque soy mala, vieja y gay”.

Ellen DeGeneres.

“Lo que pasó le pegó duro a mi ego y mi autoestima” señaló la comediante, añadiendo que Hollywood y sus fanáticos/as tienden a polarizar a las personalidades en el medio.

“Hay muchos extremos en este negocio. La gente te ama e idoliza, o la gente te odia, y esas personas siempre tienen voces mucho más altas” sentenció. Asimismo, destacó que la cancelación de su talk-show, aunado a los reportes de abuso, no fue como “previó” que terminaría su carrera, y aseguró que el público ahora sólo la ve como “una persona problemática”.

“Fue doloroso, no dar mi perspectiva. No pude hacer nada para darme a entender que nada fue personal” señaló, añadiendo que “odié la forma en que terminó mi show. Amaba ese programa, y odié que la última vez que las personas me vieron fue así”.

¡Ellen DeGeneres habla de sus controversias!
Imagen: People

Harvey Weinstein: ¿Por qué los jueces revocaron su condena?

En este artículo:

  • Les contamos más detalles sobre cómo Harvey Weinstein logró revocar la sentencia contra él en el jurado de Nueva York.
  • Los argumentos de sus abogados defensores fueron un tema de debate entre los 7 jueces que revisaron el caso, pero al final sólo una persona votó en contra del ejecutivo venido a menos.
  • Esto no quiere decir que será puesto en libertad, sino que enfrentará un nuevo juicio desde cero.

El exproductor de Hollywood, Harvey Weinstein, fue condenado a 23 años de prision por primera vez tras ser acusado de actos sexuales criminales en primer grado y violación en tercer grado en un tribunal de la ciudad de Nueva York en 2020. Un año después, en julio de 2021, el productor fue extraditado a Los Ángeles, en donde también fue declarado culpable y sentenciado a 16 años adicionales de prisión que cumplirá por separado de su sentencia en Nueva York. 

Sin embargo, en abril de 2024, la sentencia de Harvey Weinstein en Nueva York fue anulada cuando el Tribunal de Apelaciones dictaminó que el juez no brindó un juicio para el acusado y, por lo tanto, merecía ser juzgado de nuevo . Pero, ¿Qué argumentaron para anular y qué consecuencias tendrá para el caso? A continuación te lo platicamos.

Harvey Weinstein
IMAGEN: RAYMOND HALL | GETTY IMAGES 

Solo una jueza voto en contra de Harvey Weinstein

En octubre de 2017, más de 80 mujeres en Hollywood acusaron a Harvey Weinstein, quien fundó Miramax y más tarde The Weinstein Company,  de agredirlas sexualmente y violarlas. Sin embargo, el juicio de New York se centró en sólo los cargos presentados por dos mujeres: la ex asistente de producción de Project Runway, Miriam Haleyi y la aspirante a actriz Jessica Mann.

Su condena fue la victoria para muchas mujeres víctimas del productor. Sin embargo, desde 2020, sus abogados habían estado tratando de revocarla bajo el argumento de que durante el juicio se presentaron varias mujeres que habían tenido experiencias de abuso con el productor pero no estaban directamente demandando.

De acuerdo con The Hollywood Reporter, aunque hasta el momento no le habían permitido apelar, fue hasta que los siete jueces que componen el Tribunal de Apelaciones del Estado de Nueva York (Rowan D. Wilson, Jenny Rivera, Michael J. García, Madeline Singas, Anthony Cannataro, Shirley Troutman y Caitlin Halligan) escucharon a los abogados de Harvey Weinstein, que dictaminaron que el histórico juicio debía ser anulado. 

El abogado de Harvey Weinstein, Arthur Aidala, argumentó que la decisión del juez James Burke, sobre permitir que estas mujeres testificaran, era “injusto” para el productor ya que supuestamente no demostraba nada relevante para el juicio, pero sí podría influir en las decisiones del jurado. Asimismo, señaló que era incorrecto permitir que la fiscalía confrontara al acusado en el estrado sobre un comportamiento pasado que tampoco estaba relacionado con los casos de las dos mujeres que lo acusaban de agresión sexual. 

Por su parte, la jueza Singas del tribunal de apelaciones, argumentó que el uso de testigos en el caso sí estaba justificado porque demostraba el comportamiento de Harvey Weinstein. Sin embargo, los testigos se convirtieron en un punto de conflicto cuando la jueza Rivera dictaminó que las mujeres solo habían dicho que el productor les pidió un intercambio sexual a cambio de favores.  “No sé qué tiene eso de especial: ¿qué tiene de especial un hombre poderoso que espera sexo a cambio de favores?”. 

Al final, Rivera se puso del lado de la decisión de revocar al condena y a ella se unieron dos de sus otras tres colegas femeninas: Troutman y Halligan. Mientras que Wilson fue el cuarto voto para finalmente hacerlo oficial. “Concluimos que el tribunal de primera instancia admitió erróneamente testimonios de presuntos actos sexuales previos sin cargos contra personas distintas de los denunciantes de los delitos subyacentes porque ese testimonio no sirvió para ningún propósito material no propensión”, escribió Rivera.

Harvey Weinstein
IMAGEN: YANN COATSALIOU | AFP | GETTY IMAGES 

Harvey Weinstein en espera de un nuevo juicio

En última instancia, Joshua Ritter, abogado defensor penal y exfiscal de la Fiscalía del Distrito de Los Ángeles, aseguró que el tribunal de Nueva York tomó la decisión correcta al anular la condena. “Una de las cosas que tratamos de evitar más que nada en los juicios penales es llevar a juicio el carácter del acusado”, afirmó. “Estás navegando en aguas traicioneras cuando permites víctimas sin cargos. Hay excepciones que permiten este tipo de testimonio, pero el tribunal consideró que, en este caso, fue demasiado lejos”.

Mientras tanto, la jueza Singas, quien fue la única que votó en contra, insistió en que esta decisión podría perjudicar a las mujeres y víctimas del caso. “No estoy de acuerdo porque las mujeres de Nueva York merecen algo mejor”, agregó. “Esta conclusión priva a los jurados del contexto necesario para realizar su trabajo, impide a la fiscalía utilizar una herramienta esencial para demostrar la intención, ignora los matices de cómo se perpetra y percibe la violencia sexual y demuestra la absoluta falta de comprensión de la dinámica de la violencia sexual”.

Por lo pronto, en una conferencia de prensa, el abogado de Harvey Weinstein dijo que el productor será llevado de la prisión en la que se encuentra actualmente en el norte del estado de Nueva York a una instalación cerca del tribunal en Manhattan para un nuevo juicio con un nuevo juez y un nuevo fiscal.

Harvey Weinstein
IMAGEN: ETIENNE LAURENT-POOL | GETTY IMAGES 

Harvey Weinstein: ¡Los cambios a su sentencia explicados!

En este artículo:

  • La corte de Nueva York iniciará un nuevo juicio en contra de Harvey Weinstein, pues sus abogados alegaron que la resolución inicial en su contra estuvo llena de malas decisiones.
  • En particular, argumentaron que el hecho de tomar en cuenta testimonios de víctimas que no estaban denunciando, provocaron que las resoluciones de los jueces estuvieran sesgadas.
  • Esto no quiere decir que Harvey Weinstein saldrá libre de prisión, ya que también enfrenta una sentencia en Los Angeles por otro juicio.

En febrero de 2020, el productor de Hollywood, Harvey Weinstein, fue declarado culpable de actos sexuales criminales en primer grado y violación en tercer grado en un tribunal de la ciudad de Nueva York, en el cual fue condenado a 23 años de prisión. 

Sin embargo, cuatro años después, un tribunal de apelaciones anuló dicha condena ajo el argumento de que el juez perjudicó a Weinstein con decisiones inadecuadas, como el hecho de que permitió que mujeres testificaran sobre acusaciones que no formaban parte del caso oficial. Pero, ¿Esto quiere decir que el productor saldrá libre pronto? A continuación te explicamos los pormenores de este cambio.

Harvey Weinstein
IMAGEN: ETIENNE LAURENT-POOL | GETTY IMAGES 

¿Por qué aceptaron la apelación de Harvey Weinstein?

Harvey Weinstein fue declarado culpable en Nueva York de agredir sexualmente en 2006 a Miriam Haley, ex asistente de producción de Project Runway, en su apartamento. Asimismo, también fue sentenciado por violar a Jessica Mann en un hotel en 2013. Sin embargo, durante el proceso del juicio, los abogados de las víctimas llevaron a diferentes mujeres que también habían tenido experiencias de abuso con el productor pero no estaban directamente demandando, solo iban para demostrar que Weinstein tenía un patrón común con sus víctimas y que sus abusos se extendían más allá de los temas en contención judicial.

Por eso, los abogados de Harvey Weinstein, encabezados por Arthur Aidala, apelaron la condena argumentando que estas mujeres no deberían ser parte del juicio. “Este es un prejuicio importante”, dijo Aidala. “Están diciendo: “es un mal tipo”, pero no hay un seguimiento legal al respecto’”. Por lo tanto, ahora el tribunal ha ordenado un nuevo juicio al productor para que sea juzgado desde cero.

Esto no quiere decir que Weinstein podrá salir libre en un corto plazo, ya que también fue declarado culpable de violación en Los Ángeles en 2022 y sentenciado a 16 años adicionales de prisión.

Al respecto, el portavoz de Harvey Weinstein, Juda Engelmayer, dijo en un comunicado que están “cautelosamente emocionados” por la anulación de la condena en Nueva York, pero todavía “le queda un largo camino por delante a causa del caso de Los Ángeles”, de manera que están “estudiando las ramificaciones de la apelación”. 

La jueza a cargo del tribunal de apelaciones, Jenny Rivera, agregó que era “un abuso de discreción judicial” permitir acusaciones “no comprobadas de nada más que mal comportamiento”, ya que esto “destruye el carácter de un acusado pero no arroja luz sobre su credibilidad en relación con los cargos penales presentados en su contra”, por lo que lo mejor era reiniciar el juicio. 

Por su parte, Douglas Wigdor, un abogado que representó a dos testigos del juicio en Nueva York, declaró que dicha apelación era “un paso atrás para responsabilizar a quienes han cometido actos de violencia sexual”, dado que los tribunales “admiten habitualmente pruebas de otros actos no imputados que ayudan a los jurados a comprender cuestiones relativas al modus operandi del acusado”, y que “es trágico porque requerirá que las víctimas soporten otro juicio más”.

Harvey Weinstein
IMAGEN: ERIK PENDZICH | SHUTTERSTOCK

Las acusadoras de Harvey Weinstein critican la apelación

Luego de la lamentable apelación, las Silence Breakers, un grupo de sobrevivientes de Harvey Weinstein, emitieron un comunicado para declarar que les parecían “injustas” y “desalentadoras” las noticias, pero que sin duda, el fallo “no disminuye la validez de nuestras experiencias ni de nuestra verdad; es simplemente un revés”, debido a que “el hombre declarado culpable continúa cumpliendo condena en una prisión de California”. 

Mientras tanto, la acusadora Louise Gobold le dijo a Variety que el sistema legal “operara en un universo paralelo” porque todo “el mundo sabe que Harvey es un depredador sexual y que dañó a innumerables mujeres”. Sin embargo, a la ley parece no importarle todas las pruebas en su contra. “Hoy se anuló su condena en Nueva York. La gente nos está asegurando esta mañana que todavía tiene que cumplir su condena de Los Ángeles, pero eso no me impide temblar de sorpresa e indignación”.

De igual manera, la abogada de Evgeniya Chernyshova, una de las testigos que asistió al juicio de Harvey Weinstein en Los Ángeles, dijo que está “confiada” en que la condena de su juicio se mantendrá. “Como la única víctima que ha obtenido una condena penal contra Weinstein, seguirá manteniéndose firme y haciendo todo lo necesario para obtener justicia no sólo para ella sino para todas las víctimas”.

Harvey Weinstein
IMAGEN: SPENCER PLATT | GETTY IMAGES

¿Directores de Hollywood en crisis por Rotten Tomatoes?

En este artículo:

  • Un nuevo reporte asegura que los directores de Hollywood enfrentan una grave crisis laboral.
  • La razón es que hay menos trabajo en general, pues los estudios no quieren apostar por nuevas visiones, además de que plataformas como Rotten Tomatoes también han tenido un fuerte impacto al momento de construir una carrera como cineasta.
  • Esto puede afectar más a mujeres y personas racializadas que trabajan en Hollywood, pero hay indicios de que todavía puede haber salvación.

Hollywood todavía no se recupera de las múltiples crisis que ha enfrentado en años recientes y poco a poco la industria ha tenido que aceptar que tal vez no volverá a ser como antes. Y es que después del azote de la pandemia, la llegada del streaming, las huelgas y la inteligencia artificial, el ambiente ha cambiado mucho.

Y esto ha afectado principalmente a los/as artistas. Grandes figuras y actores de Hollywood han hablado sobre los nuevos retos que representa la inteligencia artificial, y muchos/as guionistas y animadores han hablado largo y tendido sobre los problemas de copyright.

Pero algo que tal vez es menos discutido es el rol de los/as directores en Hollywood. Y es que, aunque cineastas como Alfred Hitchcock, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola cimentaron desde la década de los 60 la idea de que la figura del director era de las más importantes para la realización de una cinta, la realidad es que este trabajo es ahora uno de los más complicados en la industria.

Hollywood
IImagen: StudioBinder

¿Los estudios de Hollywood ya no quieren apostar por cineastas?

“Antes, si no la cagabas, tenías la posibilidad de trabajar como cineasta (en Hollywood) durante al menos 20 años” mencionó una fuente anónima para The Hollywood Reporter. El/la cineasta, asegura que ahora simplemente hay menos trabajo y menos oportunidades para construir una carrera.

Las razones varían mucho, pero no hay duda que la obsesión con los algoritmos y el desempeño de taquilla son factores importantes que hacen que los estudios sean mucho más meticulosos al momento de escoger sus proyectos.

En los 70, apostar por una visión novedosa fue lo que llevó a cintas como El Padrino, Taxi Driver o El bebé de Rose Mary a ser grandes éxitos. Pero en 2024, la idea de invertir 120 millones de dólares en estrategias de marketing para lanzar una cinta como Megalopolis suena a un proyecto sumamente arriesgado.

Y es que si tomamos en cuenta la gran inflación, la inversión que hacen los grandes estudios para solventar sus servicios de streaming, los estudios ya simplemente son más selectivos al momento de escoger qué producciones toman.

Esto entra en un gran contraste con los 450 millones de dólares que Netflix invirtió en Rian Johnson para comprar los derechos de Knives Out. O el ambicioso acuerdo que firmaron Troy Parker y Matt Stone valuado en 900 millones de dólares para que South Park se transmita exclusivamente en las plataformas de Paramount.

Sin embargo, estos acuerdos dependen más de la propiedad intelectual que del cineasta. Netflix invirtió alrededor de 200 millones para desarrollar Rebel Moon con la esperanza de que la franquicia se expandiera más allá de las dos películas que tenía planeadas Zack Snyder. Y si las cosas no salen bien, es más fácil que un cineasta deje de trabajar en la industria.

Hollywood
IImagen: THR

¿Rotten Tomatoes también impactó Hollywood?

Además de las duras realidades económicas que enfrenta Hollywood, otros factores han comenzado a permear la industria de maneras insospechadas. Según el reporte de THR, los/as cineastas ahora también tienen que lidiar con el escrutinio de las redes sociales y plataformas como Rotten Tomatoes.

“El éxito ahora es un juego” aseguró otra fuente anónima en el reporte. “Los niveles de Rotten Tomatoes ahora son una métrica muy usada cuando un director presenta una idea. Definitivamente impacta el proceso de decisión creativa cuando los estudios de Hollywood escogen a un director”.

Parte de la razón por la que esto sucede es porque muchas personas se han aferrado al poder en la industria, lo que dificulta o hace más lento el proceso de evolución en Hollywood. Una fuente del reporte puso de ejemplo a Robert Zemeckis, un director que tuvo mucho éxito en la década de los 80 y hasta principios de los 2000, pero que ya no ha podido encontrar un verdadero éxito en los últimos años.

Pero el reporte también pone de ejemplo a Michael De Luca, ejecutivo de New Line que recientemente se convirtió en una de las cabezas de la división de cine de Warner Bros. “Los estudios de Hollywood parece que simplemente quieren seguir trabajando con las mismas personas. Mientras, nuevas voces sólo tienen su calificación de Rotten Tomatoes y sus trabajos pasados para defenderse”.

El sistema de hecho ha desencantado a figuras como Woody Allen, quien en 2023 lamentó mucho el no poder encontrar financiamiento para su película, situación que lo ha hecho pensar seriamente en el retiro. Y Martin Scorsese también ha dicho que “el trabajo de los/as cineastas fue reemplazado por la ambición de los estudios” que no buscan originalidad, sino simple “contenido” del cual puedan seguir capitalizando a través de secuelas y spin-offs.

Hollywood
Foto: StudioBinder

¿Hay salida para estas problemáticas?

En el marco de CinemaCon, Damien Chazelle mencionó que “no tenía ilusión” de que lo volvieran a contratar después del fracaso taquillero de Babylon. Aunque en el mismo evento, se anunció que ya está preparando su próxima película con Paramount.

La disminución de trabajo afecta más a sectores demográficos marginalizados, como cineastas femeninas o personas racializadas. En 2023, solamente 12% de las 105 películas más taquilleras de Hollywood fueron dirigidas por mujeres, y en lo que va del año, de las 25 películas más taquilleras en Estados Unidos, solamente dos han sido dirigidas o co-dirigidas por mujeres: Madame Web y Mean Girls.

Pero no todo está perdido. Cineastas han encontrado un espacio muy próspero en la televisión, ya que el desarrollo de grandes producciones como True Detective le permitieron a cineastas como Issa López tener gran éxito a inicios de año.

También sorpresas como Everything Everywhere All At Once, Civil War, Challengers o Wonka han sido una muestra de que la originalidad no sólo se traduce en grandes resultados de taquilla, también que la visión de cineastas creativos/as es crucial para asegurar el éxito de una cinta y que conecte con la audiencia. Barbie y Oppenheimer también es un ejemplo de lo lucrativo que puede ser confiar en la visión creativa de un cineasta.

No sabemos cuál es el futuro del cine ni de Hollywood, pero este tipo de reportes es una muestra de la incertidumbre que enfrentan los departamentos creativos del cine, y lo mucho que hay que trabajar para asegurar que artistas puedan dedicarse a su arte y vivir de ello.

Hollywood
Foto: NBC News