Un nuevo reporte asegura que los directores de Hollywood enfrentan una grave crisis laboral.
La razón es que hay menos trabajo en general, pues los estudios no quieren apostar por nuevas visiones, además de que plataformas como Rotten Tomatoes también han tenido un fuerte impacto al momento de construir una carrera como cineasta.
Esto puede afectar más a mujeres y personas racializadas que trabajan en Hollywood, pero hay indicios de que todavía puede haber salvación.
Hollywood todavía no se recupera de las múltiples crisis que ha enfrentado en años recientes y poco a poco la industria ha tenido que aceptar que tal vez no volverá a ser como antes. Y es que después del azote de la pandemia, la llegada del streaming, las huelgas y la inteligencia artificial, el ambiente ha cambiado mucho.
Y esto ha afectado principalmente a los/as artistas. Grandes figuras y actores de Hollywood han hablado sobre los nuevos retos que representa la inteligencia artificial, y muchos/as guionistas y animadores han hablado largo y tendido sobre los problemas de copyright.
Pero algo que tal vez es menos discutido es el rol de los/as directores en Hollywood. Y es que, aunque cineastas como Alfred Hitchcock,Martin Scorsese y Francis Ford Coppola cimentaron desde la década de los 60 la idea de que la figura del director era de las más importantes para la realización de una cinta, la realidad es que este trabajo es ahora uno de los más complicados en la industria.
IImagen: StudioBinder
¿Los estudios de Hollywood ya no quieren apostar por cineastas?
“Antes, si no la cagabas, tenías la posibilidad de trabajar como cineasta (en Hollywood) durante al menos 20 años” mencionó una fuente anónima para The Hollywood Reporter. El/la cineasta, asegura que ahora simplemente hay menos trabajo y menos oportunidades para construir una carrera.
Las razones varían mucho, pero no hay duda que la obsesión con los algoritmos y el desempeño de taquilla son factores importantes que hacen que los estudios sean mucho más meticulosos al momento de escoger sus proyectos.
En los 70, apostar por una visión novedosa fue lo que llevó a cintas como El Padrino, Taxi Driver o El bebé de Rose Mary a ser grandes éxitos. Pero en 2024, la idea de invertir 120 millones de dólares en estrategias de marketing para lanzar una cinta como Megalopolis suena a un proyecto sumamente arriesgado.
Y es que si tomamos en cuenta la gran inflación, la inversión que hacen los grandes estudios para solventar sus servicios de streaming, los estudios ya simplemente son más selectivos al momento de escoger qué producciones toman.
Esto entra en un gran contraste con los 450 millones de dólares que Netflix invirtió en Rian Johnson para comprar los derechos de Knives Out. O el ambicioso acuerdo que firmaron Troy Parker y Matt Stone valuado en 900 millones de dólares para que South Park se transmita exclusivamente en las plataformas de Paramount.
Sin embargo, estos acuerdos dependen más de la propiedad intelectual que del cineasta.Netflix invirtió alrededor de 200 millones para desarrollar Rebel Moon con la esperanza de que la franquicia se expandiera más allá de las dos películas que tenía planeadas Zack Snyder. Y si las cosas no salen bien, es más fácil que un cineasta deje de trabajar en la industria.
IImagen: THR
¿Rotten Tomatoes también impactó Hollywood?
Además de las duras realidades económicas que enfrenta Hollywood, otros factores han comenzado a permear la industria de maneras insospechadas. Según el reporte de THR, los/as cineastas ahora también tienen que lidiar con el escrutinio de las redes sociales y plataformas como Rotten Tomatoes.
“El éxito ahora es un juego” aseguró otra fuente anónima en el reporte. “Los niveles de Rotten Tomatoes ahora son una métrica muy usada cuando un director presenta una idea. Definitivamente impacta el proceso de decisión creativa cuando los estudios de Hollywood escogen a un director”.
Parte de la razón por la que esto sucede es porque muchas personas se han aferrado al poder en la industria, lo que dificulta o hace más lento el proceso de evolución en Hollywood. Una fuente del reporte puso de ejemplo a Robert Zemeckis, un director que tuvo mucho éxito en la década de los 80 y hasta principios de los 2000, pero que ya no ha podido encontrar un verdadero éxito en los últimos años.
Pero el reporte también pone de ejemplo a Michael De Luca, ejecutivo de New Line que recientemente se convirtió en una de las cabezas de la división de cine de Warner Bros. “Los estudios de Hollywood parece que simplemente quieren seguir trabajando con las mismas personas. Mientras, nuevas voces sólo tienen su calificación de Rotten Tomatoes y sus trabajos pasados para defenderse”.
El sistema de hecho ha desencantado a figuras como Woody Allen,quien en 2023 lamentó mucho el no poder encontrar financiamiento para su película, situación que lo ha hecho pensar seriamente en el retiro. YMartin Scorsesetambién ha dicho que “el trabajo de los/as cineastas fue reemplazado por la ambición de los estudios” que no buscan originalidad, sino simple “contenido” del cual puedan seguir capitalizando a través de secuelas y spin-offs.
Foto: StudioBinder
¿Hay salida para estas problemáticas?
En el marco de CinemaCon, Damien Chazelle mencionó que “no tenía ilusión” de que lo volvieran a contratar después del fracaso taquillero de Babylon. Aunque en el mismo evento, se anunció que ya está preparando su próxima película con Paramount.
La disminución de trabajo afecta más a sectores demográficos marginalizados, como cineastas femeninas o personas racializadas. En 2023, solamente 12% de las 105 películas más taquilleras de Hollywood fueron dirigidas por mujeres, y en lo que va del año, de las 25 películas más taquilleras en Estados Unidos, solamente dos han sido dirigidas o co-dirigidas por mujeres: Madame Web y Mean Girls.
Pero no todo está perdido. Cineastas han encontrado un espacio muy próspero en la televisión, ya que el desarrollo de grandes producciones como True Detective le permitieron a cineastas como Issa López tener gran éxito a inicios de año.
También sorpresas como Everything Everywhere All At Once, Civil War, Challengers o Wonka han sido una muestra de que la originalidad no sólo se traduce en grandes resultados de taquilla, también que la visión de cineastas creativos/as es crucial para asegurar el éxito de una cinta y que conecte con la audiencia.Barbie y Oppenheimer también es un ejemplo de lo lucrativo que puede ser confiar en la visión creativa de un cineasta.
No sabemos cuál es el futuro del cine ni de Hollywood, pero este tipo de reportes es una muestra de la incertidumbre que enfrentan los departamentos creativos del cine, y lo mucho que hay que trabajar para asegurar que artistas puedan dedicarse a su arte y vivir de ello.
Kristen Stewart confesó que tiene problemas para encontrar el financiamiento necesario para producir la película de The Chronicles of Water, en la que fungirá como directora.
Asegura que está dispuesta a dejar la actuación hasta que pueda realizar esta cinta, ya que es el proyecto que más le interesa.
Kristen Stewart ya tiene una idea de cómo quiere hacer su película y dónde le gustaría filmarla, augurando que será un proyecto ambicioso que “incomodará a la gente”.
Kristen Stewart asistió a la gala de inauguración del Festival de Cine de Sundance para recibir un premio por su trayectoria como actriz además de exigir sus próximas películas Love Lies Bleeding y Love Me. Sin embargo, la protagonista de Spencer aprovechó el espacio para señalar los problemas que ha tenido para encontrar algún estudio que se interese en financiar su debut como directora.
Aunque ha revelado muy pocos detalles sobre el proyecto que quiere filmar, Kristen Stewartaseguró que la industria del cine es un negocio sumamente complicado incluso para los/as artistas que ya son mundialmente conocidos/as. Por ello, está dispuesta a dejar de actuar hasta que algún estudio se interese por su película. A continuación explicamos los detalles.
Kristen Stewart detalló durante una entrevista exclusiva de Variety que el Festival de Cine de Sundance siempre ha sido muy importante a lo largo de su carrera y considera que cuando una película logra ser exhibida en ese espacio, es porque realmente vale la pena. “Es la cúspide a donde quieres llegar. Si haces una película independiente en Estados Unidos y vas a Sundance, has llegado. Ese es el objetivo”.
Pero además de tener una pasión por interpretar a personajes diferentes en cada uno de sus proyectos, Kristen Stewart, quiere dirigir su propia película que lleva por título The Chronology of Water,pero no ha podido despegar por falta de presupuesto. “Voy a hacer esta película antes de trabajar para otra persona”, dijo. “Sí, dejaré el maldito negocio. No haré otra maldita película hasta que haga esta. Te lo diré, seguro. Creo que eso hará que las cosas funcionen”.
A pesar de no contar con el dinero necesario para la película, Kristen Stewart, ya tiene todo planeado para su realización y confesó que quiere filmar en Europa. “Acabo de explorar esta película y vi lugares, personas, caras y ubicaciones que se abrieron”, añadió. “No puedo esperar para ir al puto Sundance. No puedo esperar para hacer mi película”.
Imagen: Dominic Lipinski | Getty Images
¿De qué tratará la película de Kristen Stewart?
Basada en las memorias homónimas de Lidia Yuknavitch publicadas en 2011, The Chronology of Water, es una autobiografía no lineal basada en las experiencias de la autora que lidia con sus traumas personales y sexuales a través del abuso del alcohol mientras se esfuerza por ser una nadadora competitiva.
Si bien la historia parece ser bastante ambiciosa, Kristen Stewart comentó que puede ser poco atractiva para que algún estudio de cine la apoye. “Hay una cierta fisicalidad en el tipo de película que quiero hacer que creo que será, en un slugline, realmente poco atractiva para, entre comillas, los ‘compradores’, pero en acción, es completamente conmovedora”, explicó la actriz para Variety. “Simplemente no ha sido una venta fácil”.
Pero aunque Kristen Stewart aún no cuenta con el respaldo de un estudio de cine, sus compañeros artistas la apoyan, como la directora de su reciente película como actriz Love Lies Bleeding,Rose Glass, quien ya leyó el guion de su debut como directora y lo describió como “realmente maravilloso”, pero lo considera como un importante desafío. “Tiene algunas imágenes más nítidas y se inclina hacia algunos espacios que incomodan a la gente, pero de una manera interesante”.
Kristen Stewart también afirma que su enfoque en su debut como directora exploraría la experiencia femenina más allá de la “calidad heteronormativa” de sus actuaciones actorales anteriores. “Hay algo en la naturaleza abierta de nuestro físico, y me refiero a lo vaginal: el flujo, el sangrado”, dice Stewart. “Podemos asimilar mucha negatividad y podemos emitir mucha belleza, y de eso se trata la película (…) Es necesario materializarlo en las películas. Hay que mirarlo, reconocerlo. Necesita ser adorado con toda honestidad”.
El sindicato de directores de Hollywood (DGA) busca integrar nuevos miembros a sus cargos más importantes a través de elecciones.
Un mail exige a miembros del sindicato de directores de Hollywood no votar por directores-guionistas que hayan participado en las huelgas.
La DGA previamente había amenazado con sumarse a las actuales huelgas en Hollywood, si no se llegaba a un acuerdo con los productores de la industria.
Las tensiones en Hollywood aumentan, y una nueva prueba de ello, son las aparentes represalias y consecuencias que algunos guionistas han empezado a enfrentar dentro de la industria.
Pues, de acuerdo al portal Variety, integrantes del sindicato de Directores (DGA), han recibido un mail donde se les disuade de votar por directores que también sean parte de las asociaciones en huelga (actores y guionistas), para integrar sus mesas más importantes.
Entre los nombres que se piden rechazar se encuentran los del guionista de CODA, el creador de Chernobyl, entre un puñado más ¡Te explicamos a detalle lo que sucede!
Imagen: DGA
¿Piden excluir a huelguistas de Hollywood?
Un mail filtrado entre los integrantes de varios sindicatos de Hollywood, ha señalado a una decena de directores como parte de “grupos extremistas”, por el mero hecho de ser guionistas o actores que activamente han apoyado las huelgas de la industria.
El correo pide a los votantes del sindicato de directores —el cual se encuentra actualmente buscando nuevos candidatos para tomar puestos en sus mesas directivas— no votar por directores que a la par sean parte del Sindicato de Guionistas (WGA) o del Sindicato de Actores (SAG-AFTRA), los cuáles llevan más de 120 y 50 días en paro, respectivamente.
La lista expedida por Linda Montanti, quien envió el correo, señala a guionistas-directores como Boots Riley, Sian Heder (CODA), Craig Mazin (Chernobyl), y a los actores-directores Justine Bateman y Paul Scheer como “un peligro para la organización de directores de Hollywood”, debido al apoyo que han mostrado a las huelgas actuales.
Tras ello, la presidenta del sindicato de directores, Lesli Linka Glatter se ha puesto en contacto con los miembros afectados para asegurar que el mail no expresa las opiniones del grupo.
El correo despertó gran molestia entre la industria, y en especial entre los actores y guionistas que continúan demandando mejores condiciones a la Alianza de Productores de Hollywood; pues la solicitud funge como un “ataque directo” a la libertad de protesta de los creativos en la industria y, de acuerdo a los afectados son “represalias injustas por formar parte del gremio desde otras trincheras”.
Imagen: Craig Mazin | Getty Images via Variety
¿Los productores hacen caso omiso a las exigencias de los huelguistas?
El mail llegó días después de que se diera a conocer que la Alianza de Productores de Hollywood (AMPTP), citó a los representantes del sindicato de guionistas para convencerlos de acceder a los términos originales de la propuesta, por la que en primer lugar los creativos pusieron fin a sus actividades.
Entre las cláusulas establecidas por los productores, se limita el trabajo de los escritores para incluir inteligencia artificial en la creación de guiones para series y películas, además de prácticamente eliminar los cuartos de escritores (departamentos de docenas de personas) para limitar la presencia de guionistas en cada producción a solo 2 o 3 personas.
De igual forma, actores continúan pronunciándose en contra de los estudios, quienes tampoco han cedido en las peticiones de seguros médicos para sus trabajadores, pagas competitivas, pago justo de regalías, y otras prestaciones, mientras los presidentes de empresas como Warner Bros. Discovery, Netflix, Disney, Amazon, entre otras, gozan de “bonos” por más de 20 millones de dólares anuales, además de sus saldos igualmente elevados.
La nota de Montanti señaló a otros creadores como Shaz Bennett, Hannah Fidell, Susanna Foger, Tanya Saracho y Tara Miele, como “miembros propensos a crear rebeliones” dentro de la organización.
Asimismo, el mail reveló que Montanti solo es parte de un grupo de integrantes que quieren evitar que los actores, guionistas y directores mencionados tomen posiciones de importancia en la dirección del sindicato, añadiendo que de hecho, los directivos ya tienen su lista pre-seleccionada de integrantes, misma que esperan “no sea afectada por esos 10 directores destacados.”
El director Boots Riley previamente señaló que algunos de los términos de la DGA han impedido a los que también forman parte del sindicato de guionistas irse a huelga completamente, indicando que “el sindicato de directores nos ha exigido hacer cosas que están prohibidas por la huelga de escritores”.
Asimismo, se ha dado a conocer que el grupo de directores ha intentado “aislar” a los guionistas que también forman parte de sus filas, con el fin de mantener una “relación saludable entre los directores y la AMPTP”.
Por otro lado, otros directores-guionistas de gran reconocimiento, tales como Steven Spielberg, Christopher Nolan, y Nicole Kassell han logrado mantener sus puestos dentro de los círculos más importantes de la DGA a pesar de ser parte del grupo de guionistas al mismo tiempo.
Al momento, la DGA no se ha pronunciado públicamente sobre el escándalo por sabotear sus elecciones, ni cómo esto podría influir en las decisiones por matener o aislar a los guionistas y actores que también forman parte de su asociación.
El Sindicato de Directores (DGA) comenzará negociaciones con la Alianza de Productores de Cine y Televisión con la finalidad de obtener mejores derechos laborales y más participación en la sala de edición, antes de que su contrato expire el próximo 30 de junio.
Desde el mes pasado, el sindicato ha iniciado conversaciones formales sobre los posibles cambios que desean ejecutar en sus nuevos contratos, dentro de los que destacan aumentos salariales que aborden la inflación y garantizar la solidez y sostenibilidad de planes de pensión y salud. Sin embargo, en un informe reciente publicado por Variety la DGA anunció que uno de los temas clave que buscarán reforman son “derechos creativos” en la televisión.
Imagen: Getty Images
La DGA exige más tiempopara preparar sus historias
Una de las exigencias más grandes que tiene son los derechos creativos que se manejan en televisión. En el esquema actual, un/a director/a tiene el derecho de entregar un “corte del director”, que es la primera versión del proyecto que se presenta después de que pasa por la sala de edición.
Los/as directores/as tienen tiempo límite para entregar este corte. En el cine, tienen 10 semanas para entregarlo al estudio, pero en la televisión el tiempo de entrega es mucho menor: para un episodio de 30 minutos les dan solamente dos días, mientras que para uno de 2 horas, tienen 20 días.
Luego de entregar el corte del director se entrega al productor, que en la televisión suele ser la figura que representa el showrunner, para eventualmente decidir qué cambios se realizarán en la edición. Sin embargo, incluso después de la entrega, el contrato requiere que los directores puedan estar presentes durante la posproducción y que tengan una “oportunidad razonable” para discutir el corte final que decidió el productor.
Lo que busca el Sindicato de Directores es que, en los nuevos contratos, se les de más tiempo para tenga un periodo más largo para entregar el corte del director, además de tener la oportunidad de hacer revisiones basadas en los comentarios del productor. De forma similar, el sindicato de escritores también han estado presionando a los estudios para exigir que los/as guionistas tengan más participación durante la producción y la posproducción y que se les pague en concordancia con el trabajo realizado. Pero a pesar de estar en huelga desde el pasado 1 de mayo, aún no han resuelto nada.
Por su parte, el Sindicato de escritores ha argumentado que al realizar temporadas más cortas de televisión, los/as guionistas no han tenido una participación activa con los productores, de modo que no tiene la experiencia necesaria para convertirse en showrunners y eventualmente poder decidir sobre aspectos creativos. Por ello, la Alianza de Productores de Cine y televisión ofreció un programa de “aprendices” para permitir que los escritores adquieran experiencia en producción, pero el sindicato rechazó la propuesta, pues la consideran una pasantía no remunerada.
Imagen: Deadline
¿Qué significan estos cambios?
Aunque se decía que los deseos del sindicato de directores para tener más participación creativa podría generar tensiones con los grupos de guionistas-showrunners, las fuentes dijeron que no había ninguna razón para verlo como una amenaza, ya que ambos sindicatos han estado trabajando en conjunto e incluso emitieron una carta para Warner Bros. Discovery en donde exigían que modificaran los créditos, ya que en la nueva actualización de Max, se eliminó las acreditaciones de guionistas y directores para conjuntarlos en un mismo grupo llamado “creadores”.
En consecuencia, la compañía se disculpó y culpó del error a un “descuido en la transición técnica” de HBO Max a Max. “Estamos de acuerdo en que el talento detrás del contenido de Max merece que su trabajo sea debidamente reconocido. Corregiremos los créditos”.
Respecto a si el sindicato de directores entrará en huelga, aún no se ha emitido una declaración formal, pero a inicios de mayo la presidenta de la DGA, Lesli Linka Glatter, señaló que de no existir cambios en su contrato, principiante con las plataformas de streaming, sí podrían organizar una huelga, aunque todavía no la han confirmado de manera oficial.
Universal ya está analizando a los posibles candidatos para reemplazar a Justin Lin en Rápidos y Furiosos 10
Aunque Rápidos y Furiosos 10 inicialmente iba a ser dirigida por Justin Lin, el reconocido director que lleva más de 10 años involucrado en la saga y ha estado al frente de 5 de sus películas. Sin embargo, esta semana anunció que se retiró del proyecto a tan solo unos días de comenzar con la filmación por supuestas diferencias creativas.
Aunque Lin seguirá como productor del proyecto, Universal se está apresurando para conseguir un director que se adapte al enfoque ya establecido para la décima película. Según, el escritor de The Hollywood Reporter, Borys Kit, David Leitch y F. Gary Gray han sonado como fuertes posibles reemplazos.
¿Quiénes son los directores?
Por un lado, David Leitch parece la mejor opción, ya que el director cuenta con una interesante trayectoria en películas de acción como Atomic Blonde y Deadpool 2. Además, Leitch ya tiene una conexión con la franquicia, pues fue el director de Hobbs & Shaw de 2019, por lo que ya tiene experiencia manejando los temas y las acrobacias de la familia. Sin embargo, se encuentra ocupado con la película de Fall Guy, protagonizada por Ryan Gosling, por lo que habría que ver si puede cuadrar sus tiempos de agenda.
Mientras tanto, el director F. Gary Gray, ha estado enfrente de películas como Straight Outta Compton, MIB International y Rápidos y Furiosos 8 que fue muy bien recibida por los/as fanáticos/as de la franquicia y, sin duda, es un fuerte candidato.
Rápidos y Furiosos 10 contará con el elenco habitual de regreso y los nuevos villanos interpretados por Jason Momoa y Brie Larson. Por ahora, la la trama de la película se desconoce y se espera que llegue el 19 de mayo del 2023.
En este top, exploramos 6 de los peores directores de la historia.
Sitios web especializados en la critica de películas como: Metacritic, IMDb o Rotten Tomatoes, califican a los directores con base en el promedio de criticas o calificaciones que tienen sus películas dentro del portal web. De estos datos se pueden sustraer listas de las mejores películas del año, las películas mejor criticadas o las películas favoritas de la audiencia.
Sabemos de muchas listas o tops acerca de las peores películas de la historia. Pero, ¿cuáles son las mentes detrás de estas películas? en esta ocasión, te traigo una lista de los peores directores y que películas han dirigido.
6. Raja Gosnell.
Raja Gosnell, tuvo la oportunidad de trabajar en películas como “Mi Pobre Angelito” y “Mujer Bonita”, ambas son las películas más populares de 1990. Dos años después, estuvo involucrado en “Mi Pobre Angelito 2: Perdido en Nueva York”, por lo que la carrera de Raja se encontraba en buen rumbo.
Desafortunadamente, debutó como director en la problemática cinta “Mi Pobre Angelito 3”, reconocida por no ser protagonizada por el carismático Macaulay Culkin. Tanto la critica como taquilla aplastaron la tercera entrega, y después de esta cinta, Raja ya no fue convocado para participar en las siguientes entregas de dicha franquicia.
Las películas de Raja Gosnell con mejor percepción de la critica son “Jamás Besada” de 1990 con una frescura de 55% en Rotten Tomatoes y “Una Chihuahua de Beverly Hills”, con una puntuación de 41 en Metacritic.
No obstante, Raja, es reconocido por ser el director de películas populares como “Los Pitufos” y las dos películas live-action de “Scooby-Doo”. De hecho, la primera parte de Scooby-Doo se encuentra en la posición número 16 de las Películas más compartidas en el 2002, según Metacritic.
Raja Gosnell junto a Alex Pruitt en el set de Mi Pobre Angelito 3.
5. Jonathan Liebesman.
Las películas de Jonathan Liebsman han estado acompañadas de cierta controversia ya que ha participado en cintas sumamente populares, tales como: La Masacre en Texas: El inicio (2006), Invasión del mundo: batalla Los Ángeles (2011), Furia de Titanes 2 (2012) y Tortugas Ninja (2014).
No obstante, son filmes que no han sido bien recibidas por la critica especializada. De hecho, gran parte de sus películas cuentan con calificación menor a 40 en Metacritic y hablando de Rotten Tomatoes, todas sus películas son desaprobadas tanto por la critica como la audiencia, a excepción de su cinta “The Killing Room” con un 71% de aprobación.
Fue nominado en el 2015 al Razzie a Peor Director por su trabajo en el live-action de “Las Tortugas Ninja”. No obstante Jonathan Liebsman se coronó en el Festival de Filmes de Austin con el Premio Estudiantil de Cortometraje y en los Hollywood Film Awards ganó el titulo de Joven Cineasta por su proyecto Genesis and Catastrophe (2000).
4. Dennis Dugan.
Es curioso, pero todas aquellas películas de Adam Sandler que no son dirigidas por Adam Sandler, caen en manos de Dennis Dugan (tristemente). Dugan, fue el encargado fue director de cintas como: Son como niños 1 & 2 (2010 & 2013), Los declaro Marido y Larry (2007), No te metas con Zohan(2008) y Jack y Jill (2011).
Hablando únicamente de los proyectos donde están involucrados Dennis y Sandler suman un total aproximado de 29 nominaciones a los Razzie, de los cuales “ganaron” 12 en categorías como: Peor Director, Peor Película y Peor Actor.
Dennis Dugan, como director, cuenta con 2 Razzie como peor director por sus películas Jack y Jill y Una Esposa de mentira. A pesar de tener una carrera llena de películas destrozadas por la critica, tenemos que darle el merito a Dennis Dugan y Adam Sandler por hacernos reír con sus “comedias”.
Dennis Dugan con Adam Sandler en el set de Happy Gilmore.
3. Walt Becker.
La película en la que Walt Becker participó como director y fue más reconocida por la critica es Alvin y las ardillas 4: Aventura sobre ruedas (2015). También es reconocido por su participación en cintas como: Rebeldes con causa (2005), Par de colmilludos (2005) y El Guardián del Zoológico (2011). Todos los proyectos que ha dirigido Walt Backer cuentan con porcentaje menor a 19% en Rotten Tomatoes, Metacritic y IMDb.
2. Uwe Boll.
Gracias al éxito que tuvo la adaptación del vídeojuego “Resident Evil” en el 2002, la competencia del aclamado juego de zombies,House of the Dead no se podía quedar atrás. Por lo que en el 2003 se estrenó la adaptación de La Casa de los Muertos teniendo a Uwe Boll como director.
Desafortunadamente, la película no fue bien recibida por los críticos, fanáticos del vídeojuego y público en general. Actualmente House of the Dead se encuentra ubicada dentro de las 10 peores películas de la historia según IMBd.
A pesar de la negativa recepción que tuvo esta adaptación, Uwe Boll volvió a probar suerte adaptando BloodRayne (2005), otro vídeojuego. Como su predecesora, esta cinta también fue un fracaso para la critica y taquilla. De hecho, BloodRayne estuvo nominada a Peor Película, Peor Actriz y peor Director.
Uwe Boll fue nomiando 3 años consecutivos al Razzie como Peor Director y además encabeza listas de Los Peores Directores de la Historia tanto de Metacritic como IMBd.
Por otra parte, tanto Friedberg como Seltzer son reconocidos como los peores directores de la historia. Sus películas son famosas por ser meras parodias de cintas populares estrenadas en cierto año.
Sin embargo, estas parodias caen en lo ridículo y absurdo, inclusive podríamos concluir que sus películas no cuentan con un guión, ya que simplemente vemos una serie de secuencias aleatorias sin sentido que no nos llevan a ningún lugar.
La reconocida revista de cine Empire considera que las cintas dirigidas por Jason Friedberg y Aaron Seltzer son “Una terrible pérdida de tiempo, dinero y oxígeno”; estas películas las puedes “disfrutar” gratuitamente en YouTube. En seguida te dejo algunas cintas de ambos directores:
Una loca película de esparta (2008)
Una Película Épica (2007)
Un desastre de película (2008)
Los muertos del hambre (2013)
Super rápidos y mega furiosos (2015)
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Qué otros directores conocen por no ser muy diestros haciendo cine?
Samuel Kishi Leopo: Yo quiero hacer un retrato de estas cosas, de mi barrio, de mis amigos, de música, de todas estas cosas que creo que me representan.
Samuel Kishi Leopo es un editor, guionista, productor y cineasta mexicano oriundo de Guadalajara, Jalisco, que nació un miércoles 21 de marzo de 1984.
Es egresado de la licenciatura en Artes Audiovisuales de la Universidad de Guadalajara. Sus trabajos involucran tanto corto como largometraje de ficción y documental, de donde ha mantenido una constante de mancuerna con la también cineasta mexicana: Sofía Gómez-Córdova.
Algunos de los proyectos de Samuel Kishi Leopo como director son los siguientes: Mari Pepa (2011) Somos Mari Pepa (2013) y Los Lobos (2019). Este último largometraje de ficción fue recientemente premiado en el Festival Berlinale de este año, en donde trajo a México tres premios de las categorías: Generation Kplus, Premio del Jurado, y Premio de Cine por la Paz.
Si el hecho en sí, de formar parte de la Selección Oficial del Berlinale es algo de admirar, y razón de orgullo mexicano, aún con más razón, al ver a un cineasta mexicano alzando premios por su esfuerzo en una cinta. Es para ponerse de pie con lágrimas recorriendo el rostro, a la vez que evoca a la inspiración.
Por lo anterior, es que en Fuera de Foco nos acercamos en exclusiva a Samuel Kishi Leopo. Interesados por las películas que han formado parte de él. Nos contó de las cintas que le han impactado al punto de revisitar, encontrando algo nuevo cada vez, y además, nos habló de la cinta que le hizo tomar el camino de la producción de sueños.
Andrés: Buenas tardes, Samuel. Muchas gracias, por aceptar la entrevista, ¿nos podrías platicar acerca de las películas que han influido tanto en el ámbito profesional como el personal?
CINE EN SU VIDA PERSONAL
1. Nubes pasajeras (Aki Kaurismaki, 1996)
Samuel Kishi Leopo: “Mis películas favoritas siempre me pegan, son muy entrañables para mí, y estoy revisitando una y otra vez. Una es Nubes pasajeras de Aki Kaurismaki. Es la historia de una pareja en medio de la crisis económica. Está más protagonizada por la mujer, la dependiente de un restaurante, y ve como todos sus compañeros pierden el empleo, su marido también, y como van sobreviviendo la crisis económica”.
Continua: “Es una historia de lucha, de mucha resistencia, de cómo ella y su marido van y consiguen su propio negocio. Entonces siempre estás a punto de dar las lágrimas, queriendo que triunfen, que salgan de esa crisis que está destruyendo a su comunidad. Algo que se me hace bien lindo de la película es que las personas se me hacen entrañables, no es un melodrama. Algo que tiene Kaurismaki es que siempre tiene mucho sentido del humor, musica maravillosa en sus películas, mucho rock n‘ roll. Por eso es uno de mis cineastas favoritos, mezcla muy bien esta tragedia con la comedia […]”
2. El apartamento (Billy Wilder, 1960)
Samuel Kishi: “Otra de las películas que me encantan es El apartamento de Billy Wilder. Para mi es una gran película protagonizada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine. Shirley MacLaine para mi en una de sus mejores épocas, y lo que me gusta mucho es que es como una comedia romántica, pero va más allá, no es una comedia romántica simplona, es una […] muy profunda, en la que los personajes son muy complejos, el personaje Jack Lemmon no es una inocente palomita. Él presta su departamento a todos sus jefes para que vayan y tengan sus amoríos, cojan en su cama, pisteen, se lleven a sus secretarias. Él con el fin de quedar bien con ellos y ascender en la empresa”
“Pero todo cambia cuando un buen dia descubre, que una de las chicas que va y visita este departamento es la sensorista, de la cual él se ha enamorado. […] Una película muy padre, muy compleja, muy profunda. Algo que me gusta mucho de Billy Wilder, y de varios de los cineastas de esa generación, es que ellos lograban saltarse la censura de la época para poder contar este tipo de historias, este tipo de situaciones, que son muy adultas; en varias partes muy controvertidas, más para ese momento, de pronto hablaban de sexo de una manera mucho más libre, y no estaba tan permitido, […] lo hacían de una manera muy elegante”
Nota: en latinoamérica la cinta es conocida como Piso de soltero
3. Ghost Dog (Jim Jarmusch, 2001)
Samuel Kishi: “Otra de mis películas favoritas que revisito mucho, es Ghost Dog de Jim Jarmusch. Algo que me gusta mucho es que se Jarmush, se atreve a hacer después de un cine que nos tenía acostumbrados con sus primeras películas como Vacaciones Permanentes, como Stranger than paradise, […] Una noche en la tierra, sale con Ghost Dog. Una especie de western combinado con su cine”.
“Es una historia de un samurai afro americano que le gusta el rap y que entrena palomas, vemos unos mafiosos super atípicos obsesionados con ver caricaturas en la televisión. Una mafia decadente admiradores del rap de Flavor Fade, Public Enemy. Algo que me encanta es como Jarmush plantea las escena con pocos diálogos y funcionan a la perfección por medio de las acciones de los personajes. Algo que se me hace maravilloso, es que estas secuencias donde Ghost Dog tiene su mejor amigo, que es del puesto de nieves, que habla francés, y a pesar del lenguaje, se entienden a la perfección hablan y repiten exactamente lo mismo que está diciendo uno del otro. Entonces vemos también que habla del lenguaje cinematográfico, muchas veces por medio de lo visual puedes entender muchas cosas de la trama, y puedes sentir, no es necesario muchas veces hablar el mismo idioma, […]”
4. Chungking Express (Wong Kar-wai, 1995)
Samuel Kishi: “Me encanta también […] Chungking Express de Wong Kar-wai. Para empezar todo el soundtrack de las películas de Wong Kar-wai me encantan, me encanta la versión china de la canción de Los Cranberries, The dreams, está maravillosa. Toda esa secuencia de california dreaming. De la chica que atiende el Chungking Express, y que sueña con viajar a Los Ángeles”
“Me encanta como construye las historias Wong Kar-wai, estas tres historias de amor son entrañables, los personajes son bastantes extraños, pero te enamoras completamente de ellos, y como van afrontando la separatividad y la búsqueda de ese amor, algo que no vemos en repetidas partes de su filmografía. En Chungking Express está la chica que atiende el restaurante, va y se enamora del policía, que lo acaba de terminar su chica que es aeromoza, y la ex-pareja le deja las llaves del departamento y en lugar de ella de entregarle las llaves del departamento al policía, ella va todos los días y le arregla el departamento y comienza a transformar ese ambiente para que él se sienta menos solo y menos deprimido […]”
5. Buscando a Eric (Ken Loach, 2009).
Samuel Kishi: “Buscando a Eric de Ken Loach, me encanta a parte de que soy muy futbolero, cómo abordan el tema del fútbol y de las relaciones personales. Es una historia de un cartero, Eric, quesu vida es un pinche desastre. Sus hijastros no lo respetan, se está divorciando, le duele mucho siempre tener encuentros con su ex-esposa, de la que él sigue todavía enamorado, tiene sentimientos, pero él nunca ha podido enfrentar las relaciones amorosas personales de una manera directa. Por eso se evade en el fútbol, y por eso un buen día se le aparece Éric Cantona, el mítico jugador del Manchester United”
“Eric Cantona comienza a guiarlo, a ser una especie de gurú, para que él pueda afrontar la vida y estos obstáculos y estas peripecias que le impiden ser feliz. Es una película muy linda, es una película que a parte ves y te emociona mucho, porque ves futbol de una manera muy atípica. Porque Eric le da unas lecciones de vida a nuestro protagonista por medio de estos goles, por medio de conferencias de prensa que dio, sus mejores jugadas o hasta actos que cometió dentro y fuera de la chancha, que fueron muy controversiales […]”.
EL SÉPTIMO ARTE EN SU ÁMBITO PROFESIONAL
6. Los 400 golpes (François Truffaut, 1959)
Samuel Kishi: “Los 400 golpes de Truffaut, es otra de mis películas que revisito una y otra vez. La historia de este Antoine Doinel, un niño no muy bien atendido y huyendo de casa, y presentándonos un país mediante sus ojos, mediante su mirada. También es una película […] que la hilo mucho con la filmografía de Tsai Ming-Liang”
7. Qué hora es allá (Tsai Ming-Liang, 2001)
“Entonces Qué hora es allá de Tsai Ming-Liang, […], sigue mucho la carrera de Truffaut y especialmente de como Truffaut fue llevando el personaje de Antoine Doinel a lo largo de su vida, esto hace Tsai Ming-Liang con el personaje que aparece en todas sus películas desde Rebeldes del Dios Neón, pasando por muchísimas cómo Qué hora es allá, El sabor de la sandía, hasta como cronología de la vida de este personaje”.
“Yo descubrí Tsai Ming-Liang con Qué hora es allá, y es la historia de un chico que después de la muerte de su padre, afronta un duelo con su familia, con su mamá. Su mamá pone un altar en su casa, y el chico cree que su papá va a reencarnar en algún animal, en alguna cucaracha o algo. Este chico está obsesionado con Los 400 golpes, porque conoce a una chica. Él vende relojes en un mercado, conoce a una chica que va y le pregunta la hora y empieza a entablar una conversación con ella, y la chica le dice que se va de vacaciones a Francia, a París, entonces él se comienza a obsesionar con la cultura francesa, la chica también”.
Continuó: “La chica es una chica solitaria, y donde vemos un retrato también de su viaje en francia. Pero él se obsesiona con -qué hora es allá en Francia- mientras ve Los 400 golpes una y una otra vez, y de pronto cree que su padre sí puede volver, aunque no le crea su mamá. De pronto comienzan a tener miedo de salir de su habitación porque piensa que el fantasma de su papá está deambulando por la casa. Es una película muy bonita, que me marcó por los temas, formalmente de cómo trabaja la puesta en cámara, la puesta en escena Tsai Ming-Liang, me marcó muchísimo, y como encuadra, como va contando la historia”, cerró.
8. Go get some rosemary (Josh Safdie, Ben Safdie, 2009)
Samuel Kishi: “[…] Me ha influenciado muchísimo en mi trabajo, es una de las primeras películas de los hermanos Safdie. Go get some rosemary, […] es la historia de un padre que se tiene que quedar con sus hijos en verano y este papá […], es una especie de Kramer de Seinfild, mucho más caótico, y es proyeccionista en una sala de cine. Entonces el papá de pronto tiene que dejar a los hijos en casa, no se los puede llevar al trabajo y él decide drogarlos con somníferos. Todo esto está retratado de una manera medio cómica, es lo extraño porque luego si dices hay que llevarlo al DIF, a servicio sociales. Pero bueno, es de las peripecias de este padre intentando madurar y convertirse en un papá mientras cuida a sus dos hijos en el verano que le toca, porque está divorciado. Intenta llevar la paternidad y encontrarse con esa paternidad”.
“Es una película muy divertida, una película muy libre, que me recuerda mucho la energía que tiene la Nouvelle Vague, todo el cine de Truffaut, INAUDIBLE, de Agnes Varda, Sin Aliento, todas esas películas […]. Cómo toman la cámara y salen a la calle, se apropian de las calles para filmar. y yo decía cómo puedo tener algo así de fresco, de trabajarlo de esa manera”, declaró.
Nota: El filme también es conocido como Daddy Longlegs
9. A casa de alice (Chico Teixeira, 2007)
Samuel Kishi Leopo: “Hay otra película que me marcó muchísimo cuando la vi, es una película brasileña. Es la historia de Alicia una mujer de mediana edad, y las peripecias de dia a dia con su familia de clase media. Su mamá que vive con la familia y casi la tratan como la sirvienta de la casa, su marido que es taxista tiene amoríos con menores de edad, sus hijos que son un desmadre. Todo a la par con todas estas broncas, peripecias viviendo su sexualidad en esa mediana edad. Es una película que hace retrato muy lindo de la clase media brasileña. Me abrió muchísimo los ojos, porque muchas veces en el cine en esa época que la descubrí, por ahi del 2009, yo me acuerdo que no veía representado en muchas películas la clase media, entonces ver representada la clase media brasileña era interesante”, describió.
Lo veía reflejado también con las películas mexicanas, siempre veía películas que hacían retratos de la clase baja de una manera muy superficial, […], nomás de una capa, muy plana, sin una búsqueda, muy llena de clichés. O una clase alta con la que no tenía absolutamente nada que ver y que también era un retrato muy superfluo. Entonces al ver la casa de Alicia, dije no manches, cine latinoamericano que está retratando otro tipo de ambientes, otro tipo de personajes con los que me siento más representado. Yo los conozco, estos son mis vecinos, estos son mis amigos”.
“Entonces eso de alguna manera fue llenándome para decir yo quiero hacer un retrato de estas cosas, de mi barrio, de mis amigos, de música de todas estas cosas que creo que me representan, que representan a una clase trabajadora, a una clase obrera a la cual pertenezco”
10. Fish tank (Andrea Arnold, 2011)
Samuel Kishi: “También me marcó Fish Tank de Andrea Arnold, y antes me había marcado mucho un cortometraje de Andrea Arnold que se llama Wasp. Fish tank es la historia de una chica que sueña con convertirse en bailarina profesional de hip hop, que vive en un barrio medio pesado en Inglaterra, y la chica se enamora del novio de su mamá. Comienza a tener su despertar sexual con el novio de su mamá, y el novio de su mamá le coquetea también”
“Entonces también es un retrato de la clase media baja, que me recuerdan muchísimo a otro cine, porque todo está conectado, me recuerda mucho a Ken Loach de Buscando a Erick, y todas sus otras películas, que en tiene esta cosa como un neorrealismo social […]”.
11. Tenemos que hablar de Kevin (Lynne Ramsay, 2012)
Samuel Kishi: “[…] Esta película Tenemos que hablar de Kevin, […]. Su manera de observar las cosas, y de retratarlas, los ambientes, jugando de pronto con muchos planos detalles que tienen una acción significativa dentro de la trama de la película, si bien de pronto Tsai Ming-Liang abre muchísimo la cámara, y la ancla, tanto Lynne Ramsay como Andrea Arnold tienen una cámara a veces un poco más juguetona que va explorando los lugares, los ambientes, hace retratos de los objetos, los objetos de los personajes del lugar para darles un significado poético, y dramaticamente poderoso que va aportando a la historia”, relató.
“Me gusta mucho como trabajan eso y me abrió mucho las puertas, hay distintas maneras de retratar y de contar las cosas, no se si tenga que ver esta mirada femenina, pero hay una sensibilidad muy especial que tienen ellas y otras cineastas mujeres, que considero ahora las que la traen, están haciendo un cine muy poderoso. Siento que a Lynne Ramsay no le han dado todos los premios que le deberían de dar, es una maravilla ver cómo pone la cámara, hace el montaje, como una yuxtaposición de planos”.
“Me recuerda a una secuencia de Tenemos que hablar de Kevin, donde la madre está viendo una mermelada derramarse sobre un pan, y el chico para hacerla enojar toma el pan, lo escupe y lo aplasta sobre la mesa. Lo que sigue, un plano de un montón de hormigas, un plano macro que van comiéndose esa mermelada, pero ya te va haciendo sentir, ya vas sintiendo el conflicto, el peligro. Son muchas de las cosas que juega con eso, es elevarse cinematográficamente a un olimpo de lenguaje […]”.
12. Boombay Beach (Alma Har’el, 2011)
Samuel Kishi: “Hay otro documental que me ha marcado muchísimo, de otra cineasta Alma Har’el, Boombay Beach. Es una película muy poderosa, llena de sensibilidad, y es un documental que ella visita un lugar que se llama Boombay Beach que es una playa artificial en California, cuando la visita y retrata está completamente abandonada, jodida, y retrata los personajes que viven en Boombay Beach”.
“Se enfoca específicamente en tres personajes, un chico jugador de fútbol americano de la High School que quiere entrar a la universidad, quiere seguir sus sueños de ser futbolista profesional y acaba de llegar ahí porque era un desmadre la ciudad donde vivía. Asesinaron a su primo, se metió en problemas de pandillas. Llega a Boombay Beach como un lugar de nadie, en la nada a buscar esta nueva viday poder afrontar lo que se le viene. Luego un señor de la tercera edad que vive cerca de una reserva india, y que para mantenerse va y le compra tabaco a los indios y lo vende en su comunidad, y un niño chiquito que parece que tiene trastorno bipolar, que vive con su familia, que todos son onda como muy white trash. Familia que los han metido a al cárcel a su mamá y su papá porque se la pasaban explotando cosas en el desierto, tenían armas ilegales, etc., y como esta familia se intenta reconstruir y hacer las cosas bien por su hijo, que tiene todos estos trastornos, y que tienen que ir a atenderse a localidades que están a 70-80 kilómetros de la comunidad Boombay Beach”.
“El discurso tiene que ver también, lo va llevando un hilo conductor, que es el anciano que se plantea si una comunidad puede crear buenas o malas personas, o nada más somos buenas o malas personas por nuestros pensamientos interiores como lo dice él. Un retrato muy entrañable, a pesar de hacerlo con una cámara semi casera. Esta Alma Har’el llegó con una Canon Vixia, me parece”.
13. Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004)
Samuel Kishi: “Hay mucho cine latinoamericano maravilloso, cuando vi la primera vez Temporada de Patos me dejó muy marcado. La fui a ver con mis compas del barrio, y también dije, una película que nos representa. No es una comedia romántica simplona, no es porno-miseria, no es nada de eso, es una película que nos representa a nosotros como morros. Eso estamos sintiendo, eso nos está ocurriendo ahorita, es una película que sentí muy cercana y que me marcó completamente”, relevó.
14. La ciénega (Lucrecia Martel, 2001)
Samuel Kishi Leopo: “Igual cuando vi La ciénega de Lucrecia Martel, esta frescura que tiene esta película también, qué es esto, que estoy viendo. Como puede ser tan poderosa y cine que parece que no está pasando nada pero están pasando muchísimas cosas”.
Andrés: Nos comentas de varias películas que conforman tu ser, pero ¿Cuál fue la película que te hizo decidir el optar por hacer cine?
15. Los amantes del círculo polar (Julio Medem)
Samuel Kishi Leopo: “Está bien raro porque de alguna manera todo tiene cierta fecha de caducidad, la película que me dijo -quiero hacer cine- fue Los amantes del círculo polar de Julio Medem, en es época me encantaba como estaba narrada, como esta estructura capicúa, los nombres, todo esta poesía”
“Con el paso del tiempo fui descubriendo más cine, entonces me dejó de encantar tanto, creo que es una buena película […,] pero es una de cuando tenía 16 años. Ya hay otras películas que después pude descubrir que dije: se van a quedar conmigo, toda la vida. Sin embargo, Los amantes del círculo polar, me acuerdo que fue la primera vez que me planté y dije, quiero contar historias, quiero hacer cine, quiero hablar de personajes, de sus conflictos, quiero hablar de todo esto. Me emocionaba mucho ver Los Amantes del Círculo Polar, me emocionaba mucho la película, me emocionaba mucho las posibilidades de hacer cine como el de Julio Medem en ese entonces”, compartió.
De la anterior forma, es que uno de los directores mexicanos que la están rompiendo, nos cuenta sobre todas esas películas que hasta ahora, se mantenían almacenadas. Anexadas además, a momentos en una sala oscura en compañía de amigos, familia, o en la intimidad frente a una pantalla a manera de análisis cinematográfico.
El escuchar cada una de las cintas y razones de Samuel Kishi Leopo, ha sido una experiencia gratificante, ya que a veces olvidamos que todo cineasta comenzó viendo una película. Por lo que hablar de ello, siempre revela otra faceta del autor, que a veces queda sólo a la interpretación de referencias en sus trabajos de la gran pantalla.
¿Qué les pareció la entrevista Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Verán alguna de las películas citadas por Samuel Kishi?
“La última proyección estaba completamente repleta, había gente afuera del cine con letreros donde decían -Los Lobos-, estaban buscando comprar más boletos”Samuel Kishi Leopo.
Samuel Kishi Leopo es uno de los directores mexicanos contemporáneos que han comenzado a levantar miradas tanto en territorio nacional, como en el extranjero. Pues desde su desarrollo en cortometrajes, hasta su intervención como director con Somos Maripepa (2013), Los Lobos (2019), y detrás de cámaras con Los años azules (2017), se ha visto la calidad de cine que puede presentar.
De hecho, y como hemos mencionado con anterioridad en Fuera de Foco. La película Los Lobos, fue muy demandada y premiada en la más reciente edición del Berlinale en febrero.
Samuel Kishi Leopo nos platicó al respecto de esta experiencia, además de otros aspectos como una reciente colaboración con la plataforma Disney+, y en los proyectos que se encuentra trabajando a pesar de la pandemia.
“En Febrero estuviste presentando Los Lobos en el Berlinale, en donde representante a México, y obtuviste varios premios, ¿nos puedes relatar de manera breve tu experiencia?”
“Fue una experiencia surreal, de entrada el honor de estar seleccionado en la Berlinale, en la Generation KPlus, fue muy lindo en un inicio. Es una selección muy enfocada en los niños, y no se por qué yo no sentía que Los Lobos, a pesar de estar protagonizada por niños, era una película que podían ver niños de todas las edades, es por el tema, quizás es muy fuerte; pero la directora del festival recuerdo que nos dijo a Marta Reyes, actriz de la película, y a mi: –Si esto está protagonizada por niños, esto le puede pasar a los niños, y esto lo tienen que ver niños, porque puede ser su historia también-. Hay un respeto por el público infantil, […] no ser condescendiente, yo me llevé esa lección”.
“Tuvimos nuestra primera proyección en un cine enorme, donde tuvimos mil espectadores, en su mayoría eran niños pequeños, niños entre 8 y 11 años por ahí. […] A parte otra cosa rara que me dijeron, […] la película iba a ser narrada por un actor, porque los niños no pueden leer los subtítulos todavía, y yo les decía: -cómo le van a hacer-, nos decían: -no, le vamos a bajar un poco al volumen y va a estar narrada la película-. Había un actor que se preparó semanas antes, que estudió completamente la película, y mientras iba narrando los diálogos de los personajes. Los Lobos no tiene muchísimos diálogos, pero para mi de pronto iba a ser muy extraño cómo los va a intencionar, y lo hizo a la perfección, por más extraño que suene”.
“Entonces de pronto cuando estaba la proyección, los veía como empezaban a reaccionar, yo decía: -si porque la película en la primer parte es más lenta, porque ésta parte es el planteamiento y no se vayan a aburrir-, y no, estaban completamente atentos. Hay una parte en película donde uno de los chicos aprende a abrocharse las agujetas de los tenis, donde todos los niños del cine se levantaron y comenzaron a aplaudir como locos, entonces yo dije -no mames claro, es lo que les está pasando ahorita también, es parte de su drama diario-. El abrocharse las agujetas, se sienten completamente identificados a estas cosas, y cuando yo escribía este segmento de la historia para mi era muy simbólico, cuando tú te comienzas a abrochar las agujetas, es un pasito más hacia la independencia, a no estar chingando tanto a tu mamá, -porque oye jefa abróchame las agujetas-, […] para los niños fue muy emocionante”.
“De pronto a la película le fue muy bien en esa proyección, y se empezó a hacer un boca en boca, y la película empezó a crecer con ese boca en boca. Tuvimos 5 proyecciones, todas las proyecciones de la película estuvieron SOLD OUT. La última proyección me acuerdo que ganamos el Premio del Jurado y al Premio de Cine por la Paz. […] Había gente afuera del cine con letreros donde decían Los Lobos, donde estaban buscando comprar más boletos, casi la reventa […]”.
“Algo que estuvo bien chingon, fue la sesión de preguntas y respuestas al final de la película, porque los primeros en preguntar, antes de los adultos, son los niños. Se hacen filas en dos secciones del cine, dos extremos, y pasan los niños con el micrófono haciendo preguntas. Preguntas que en apariencia dirías, no está pregunta está muy sencillita, pero que son dificilisimas de contestar y que dan en el clavo con la trama de la película, son preguntas muy medulares, y muy poderosas”
“Cosas que me decían eran, ¿por qué esa familia se tuvo que ir de su país de su hogar? ¿por qué tuvieron que dejar su casa? Entonces, ¿cómo le explicas a un niño qué es la migración? Te hacen preguntas acerca de drogas, acerca de sexo, y que de alguna manera, con el debido respeto que ellos te están preguntando, con esa honestidad, tú les tienes que hablar con esa honestidad. Sin ser condescendientes, sin hablares chiqueado […]. Hablarles directo y de una manera muy honesta. Todas las respuestas eran muy honestas, y ellos se quedaban poca madre”
“¿Qué pasó con el papá de los niños, qué pasó con esto? Todo ese tipo de cosas, iban llenando esas preguntas, el auditorio donde estábamos todos conglomerados. Esa parte fue muy linda, es algo con lo que me llevo muy en el corazón, y como pegó con los niños alemanes, conectó mucho. Al final los niños estaban vueltos locos por conocer a la actriz, por tomarse fotos con ella, por preguntar por Max y Leo, que no pudieron ir a Berlín, y decirnos que se sentía muy identificados con los protagonistas de la historia”
“Eso, y a parte hay una cosa personal, muy chingona, a mi hermano Kenji Kishi que es el músico de la película, él hizo casi toda la música. Lo seleccionaron en el Talent Campus de la Berlinale. Entonce él fue también a Berlín, y pudimos estar juntos en las proyecciones de la película, una película muy personal, una película que es un homenaje a mi mamá, una película semi-autobiográfica. Nos pasó algo parecido a mi mamá, a mi hermano, y a mí cuando nosotros éramos pequeños, y estar presentando la película allá mi carnal y yo, y estar recibiendo los premios, y estar dedicando la película a mi mamá, fue algo surrealista completamente. Jamás esperé que pudiera vivir algo de esa manera, y muy afortunados. Porque después de Berlín, ningún festival clase A, ha tenido proyecciones presenciales, después pasó todo este apocalipsis del coronavirus y ya se cerraron las fronteras. Fuimos muy afortunados en poder tener esta experiencia, de presentar la película allí, tener todo este feedback de los niños, y poder dedicar la película a mi madre, y con la cereza en el pastel de estos premios”.
Con la contingencia sanitaria actual, se vieron afectadas futuras presentaciones de Los Lobos, ¿optarás por el streaming, o esperarás a proyectarla en una sala física?
“Nosotros esperamos todavía que el GIFFse haga en agosto, la película está seleccionada y queremos estar proyectándola, y teníamos también la idea de estrenar comercialmente. Teníamos fecha para el 15 de mayo, por obvias razones se canceló y se pospuso. La idea en si es noviembre o diciembre ya está en salas comerciales, ya que podamos salir a la calle todos. […] Ojalá podamos estar en salas en cines en México, vamos más o menos a 100 pantallas, tengo la esperanza de que podamos compartir la película pronto”
Hace poco presentaste un corto animado para la plataforma Disney+, ¿nos puedes hablar un poco de ello?
“Te cuento, soy socio de un estudio de animación que se llama Platypus Animation Studio, nos dedicamos mucho a hacer animación clásica, pero también motion graphics, de todo tipo. Entre cosas que hacemos comerciales, también hacemos cortometrajes o hacemos piezas como las que hicimos para Disney+”
“Disney+ se acercó a nosotros porque vio nuestro trabajo por instagram. Nos comisionaron unos proyectos que se llaman los Untold. Ellos hacen unas mini cápsulas documentales de aproximadamente entre 2 y 3 minutos, de sus creadores, sus artistas y sus proyectos más iconográficos”.
“Entonces ellos hacen las entrevistas, y nosotros tenemos que animar las entrevistas para hacer la representación de lo que está hablando el entrevistado en estas cápsulas. Entonces nos aventamos para un Untold para Tony Hale, que fue la voz de Forky en Toy Story, en la última. Nos aventamos este otro que es para una documentalista Leslie Iwerks que acaba de hacer un documental para Disney. Este documental nos cuenta mucho de su vida en familia. Como su padre y su abuelo formaron parte de Disney desde que había comenzado. Su abuelo como animador, y su padre como ingeniero en todos los juegos de Disney”
“Nosotros para esta última animación decidimos hacer una animacion muy clásica, muy que tiene que ver con una animación más onda de los años 30, por el diseño de personajes, de los años 30-40 por ahi. […] Ahorita hay una buena comunicación con Disney+, y seguiremos haciendo algunos de los Untold con ellos, estamos muy agradecidos con la confianza, confiar en nosotros, en nuestro trabajo, confiar en un estudio mexicano, un estudio tapatío […], para nosotros trabajar con ellos es maravilloso”.
En medio de la situación sanitaria, ¿te encuentras trabajando en algún proyecto, qué es lo próximo que podremos ver de Samuel Kishi Leopo?
“Ahorita estoy haciendo un cortometraje animado, que se llama El Año del Radio, y salió por un ejercicio que me gusta hacer que se llama –Me acuerdo que-, para escribir. Entonces “me acuerdo que…”, vas escribiendo tus recuerdos, párrafos nada más. Uno de esos recuerdos fue cuando estábamos pequeños, una tía abuela fue a vivir con nosotros para cuidarnos, mientras mamá se iba a trabajar. Mi mamá tenía un programa de radio en la noche, y nosotros prendiamos el radio para escuchar a mi madre, mientras haciamos la tarea. El programa que tenía se llamaba “Di lo que ves”, entonces era cómo imaginaba de morrillo, la gente que hablaba al programa, le describía lo que veía en la noche, y como imaginaba esas cosas […]. Es un retratito este cortometraje también de cómo fue crecer en los años 90. En la época de crisis, en las explosiones del 22 de abril, el mundial del 94, todo ese tipo de cosas”.
“A la par estoy co-escribiendo un metraje con Carlos Espinoza, que es editor de Los Lobos y Somos Maripepa. Se llama Alondra se fue del nido, y es acerca de una pareja de ancianos de la sierra de Guerrero que llevan varios meses sin saber de su nieta, que se fue de casa para ir a trabajar en la cosecha en distintos campos agricolas de México. No tienen dinero para viajar, y para seguir la pista de su nieta, deciden ir a trabajar en la cosecha de estos distintos campos agrícolas. Es una especie de road movie, en donde van buscando los rastros de su nieta, y aprovecho también para contar las condiciones laborales y los dramas dentro de esos campos agrícolas. Como estos personajes, que también no hablan muy bien español, hablan ellos mixteco, pueden sentirse un extranjero dentro de su propio país. Es un largometraje, y a la par con el estudio de animación, seguimos trabajando cosas para Disney+, para Turner, haciendo créditos para películas, secuencias para películas documentales, y de ficción”, compartió.
Samuel Kishi Leopo es un editor, guionista, productor y cineasta mexicano, oriundo de Guadalajara, Jalisco, que nació un miércoles 21 de marzo de 1984. Es egresado de la licenciatura en Artes Audiovisuales de la Universidad de Guadalajara. Sus trabajos involucran tanto corto como largometraje de ficción y documental.
¿Qué les pareció la entrevista, Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Seguirán la carrera de Samuel Kishi?
“Cuando alguien me pregunta a cuál escuela de cine he ido, yo respondo: No fui a ninguna escuela de cine, sólo fui al cine”
El director de cine Quentin Tarantino celebró el 27 de marzo su cumpleaños número 57. Es la mente maestra detrás de grandes películas como Tiempos Violentos (1994), Bastardos sin gloria (2009), o la más reciente Había una vez en Hollywood (2019). Un personaje odiado por varios, pero amado por muchos más, tanto fuera, como dentro de la industria.
Sea que lo llegues a considerar sobrevalorado o no, es una realidad que su nombre forma parte de la historia del cine mundial. A la fecha, continúa como un primer acercamiento al mundo del séptimo arte para cinéfilos y cinéfilas primerizos, así como una inspiración para cineastas de todas partes del mundo.
Así que en el marco de su celebración, ahondaremos un poco dentro de la vida de Quentin Tarantino con datos que quizá no conocías.
Antes de ser cineasta
Quentin Jerome Tarantino nació en Knoxville, Tennessee un miércoles 27 de marzo de 1963. Fue el fruto del matrimonio entre Tony Tarantino y Connie McHugh. Su padre de ascendencia italiana, era un estudiante de derecho con el sueño de ser un actor y músico, y su madre era una estudiante de enfermería, de ascendencia inglesa-irlandesa-alemana, de tan sólo 16 años.
El nombre del director de Kill Bill Vol. 1 (2004) fue escogido por su madre, en honor al personaje interpretado por Burt Reynolds, un herrero mestizo de nombre Quint, que aparece en el programa de televisión Gunsmoke (1955-1975).
Los primeros años de Tarantino fue criado por su progenitora, ya que sus padres se divorciaron antes de que él naciera. Un par de años más tarde, su madre y él se mudaron a Torrence, en la zona sur de Los Ángeles, y posteriormente a Harbor City, dentro de la misma ciudad. Un sector habitado por personas de distintas partes del mundo. En donde Quentin inició su carrera como cinéfilo viendo películas de artes marciales, spaghetti westerns, cine negro y blaxplotaiton.
Sin embargo, Tarantino no vió solo todas esas películas, sino que siempre tuvo un amigo de butaca, su padrastro Curtis Zastoupil. Quien desde siempre lo apoyó en su gusto por el séptimo arte. Además de llevarlo a cintas con cierta violencia, también lo acompañó a las funciones dobles, y a las que eran aptas sólo para mayores de 18 años.
Posteriormente su padrastro Curtis se separaría de su madre, pero Tarantino no abandonaría nunca más el mundo del cine, ya que tendría un primer acercamiento a la formación, siendo entonces como actor en el teatro comunitario de Torrance.
Quentin Tarantino, empujado por su sueño actoral abandonó la escuela a la corta edad de quince años. Su madre algo preocupada, lo permitió pero condicionado a que el director encontrara un trabajo. Desde entonces laboró en un cine porno llamado Pussy Cat, y después en el famoso Videoclub Archives, en donde se hizo de gran fama por su vasto conocimiento de películas, cineastas, productores, fotógrafos, actores y demás elementos y recursos de las producciones que los clientes deseaban rentar.
La ópera prima de Tarantino
Ahora es bien conocido que el primer trabajo de Quentin Tarantino no fue Perros de Reserva (1992), sino El cumpleaños de mi mejor amigo (1987). Sin embargo, por mucho tiempo esa información permaneció fuera del dominio público.
La travesía con este primer largometraje inicia a mediados de la década de los ochenta, con un guión escrito entre el propio Tarantino y Craig Hamann, quienes tenían unas ochenta páginas redactadas. A lo largo de tres años, y con un presupuesto de $5.000 dólares, rodaron la película en un carrete de 16mm, con ayuda de colegas de teatro y compañeros de trabajo del Videoclub, como Roger Avary.
El argumento cuenta la trama de un doble de Elvis Presley, que para el cumpleaños de su mejor amigo le contrata una prostituta. Sin embargo la cinta nunca pudo proyectarse completa, ya que una parte se quemó en el laboratorio de revelado. De los 69 minutos, sobrevivieron 34, los cuales hasta finales de los noventa, poca gente había visto.
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El camino hacia las diez películas
Hace años que Quentin Tarantino ha comentado que se retirará después de su décima película. Desde entonces se generó un mito entorno a este concepto, desde sus futuras películas y de su antes lejano décimo largometraje. Conforme avanzaban estrenos anteriores como Bastardos sin gloria, y Django sin cadenas (2012) crecía la inceritumbre.
Sin embargo el tiempo ha transcurrido, y la tan esperada décima película podría estar más cerca de lo que creemos. Sobre todo tras el estreno de Había una vez en Hollywood, las preguntas al respecto no paraban de formularse en festivales de cine, ruedas de prensa y temporada de premios.
De acuerdo con el portal comicbook, Quentin Tarantino declaró lo siguiente en la 77. ª entrega de los Globos de Oro, en donde Había una vez en Hollywood, ganó Mejor Guión, Mejor Actor de Reparto, y Mejor Comedia/Musical:
“La idea es dejarlos con ganas de más. Ese siempre ha sido el antiguo modo vodevil de hacer las cosas…”
Añadió:
“Me gusta la idea de una filmografía de diez películas, especialmente una de diez películas en en las que he invertido los últimos treinta años dando todo lo que tengo en el mundo para dar, y así dejar caer el micrófono y decir ‘Ok, eso es todo’. Hay otras cosas que puedo hacer. Puedo escribir obras, puedo dirigir obras, puedo hacer programas de televisión. Puedo hacer diferentes cosas, pero la filmografía ahí estará”.
Se especula que su última entrega, sea sobre la continuación y cierre a la venganza de la novia Beatrix Kiddo (Uma Thurman), con un tercer volumen de Kill Bill, la cual tuvo su estreno en 2005 con su segunda parte.
La cinta presuntamente seguiría la historia de las hijas de Beatrix y Vernita Green (Vivica A. Fox), pero no hay nada oficial hasta la fecha. Por otro lado, por mucho tiempo se especulaba que Tarantino dirigirá una versión de la saga Star Trek, pero eso fue desmentido por el propio director a inicios de año.
El universo compartido
Antes de que Thor pudiera levantar el martillo, o que Warner arruinará DC Comics, Quentin Tarantino ya se planteaba una especie de universo cinematográfico compartido. Pero el director lo hizo de una forma más sutil. Fue a través de guiños en marcas de cigarrillos, hermanos, y referencias a personajes que él escribió en otros guiones que vendió: La fuga (Tony Scott, 1993) y Asesinos por naturaleza (Oliver Stone, 1994).
De hecho, debe decirse que hay dos universos en las películas de Tarantino, y no se trata de una teoría de foros de internet, sino de algo confirmado por el mismo cineasta.
Según el propio Quentin, está el “Universo más real que lo real”. Una tangente alterna a la realidad en donde existe gente temperamental apasionada por el cine y la cultura pop. Es en este mundo donde Adolfo Hitler es asesinado en un cine, y en donde hay un resultado distinto en la Masacre de la familia Manson. Aquí los personajes de Tiempos Violentos, conviven con los de Perros de reserva, después de los sucesos de Los 8 más odiados, y de Bastardos sin gloria.
Por otra parte está el “Universo de las películas dentro de las películas”, así lo explica Quentin:
“Cuando los personajes de Perros de Reserva o Tiempos Violentos van al cine, Kill Bill es lo que ven. Del crepúsculo al amanecer, es lo que ven”. Los personajes de este mundo no pueden aparecer en el primero, ni viceversa”, declaró.
Por otro lado, Tarantino se ha dado el lujo de realizar cameos o roles importantes dentro de sus propias películas. Ha aparecido en escena en todas y cada una de ellas, desde El cumpleaños de mi mejor amigo, hasta Había una vez.
Hay cameos sencillos de ver como en Death Proof (2007), o Django Sin Cadenas, pero hay otros filmes en los cuales debemos estar atentos como en Bastardos sin gloria, Había una vez en Hollywood, Los 8 más odiados o Jackie Brown (1997).
En la actualidad…
A la fecha Quentin Tarantino ha dirigido nueve películas, cuenta con alrededor de 36 premios, entre estatuillas del Óscar, Palmas de Oro, Premios BAFTA, Galardones en el TIFF, Globos de Oro, entre otros festivales y premiaciones de cine.
Está casado desde el 2018 con la cantante y modelo de nacionalidad israelí Daniella Pick de 35 años de edad, con quien tuvo su primer hijo en 2019. Convirtiendo así a Tarantino en padre por primera vez a los 56 años.
A mediados de diciembre de 2019 Quentin se encontraba en París con motivo del re-lanzamiento de su cinta Había una vez en Hollywood, en la cual añade datos y escenas que enriquecen la trama. A su vez, pasaba sus días en una suite francesa de hotel, redactando una novela que espera lanzar este verano.
¿Qué tal Cinéfilos y Cinéfilas, son fanáticos de Quentin Tarantino?
Ahora les toca ir con sus amigos a presumirles este conocimiento que hoy les he otorgado.
Falta aproximadamente un mes para que se celebre la 90.ª edición de los premios Oscar. Y después de darse a conocer las nominaciones en cada una de las categorías de estos premios, las apuestas comenzaron.
Como es bien sabido; el mexicano Guillermo del Toroparte como favorito para ganar el premio como mejor director por su película The Shape of Water. El de Jalisco ya ganó el Globo de Oro y el premio del Sindicato de Directores; por lo que es más que probable que lo veamos este 4 de marzo ganando el Premio de la Academia.
Pero antes de ver si se lleva o no este premio, hemos decido hacer un micro top de los directores que más veces han ganado el Oscar como MEJOR DIRECTOR.
3. Alejandro G. Iñárritu | Clint Eastwood | Steven Spielberg | Ang Lee | Robert Wise | Fred Zinnemann, etc. (2)
Ok, ok. Aquí fue imposible sólo poner un nombre, porque hay muchos directores que ya han ganado en esta categoría en dos ocasiones. Pero, lógicamente, teníamos que poner a Alejandro González Iñárritu; pues es de dar gusto ver a un latinoamericano con la misma cantidad de Oscares que directores como Spielberg, Ang Lee y Clint Eastwood.
El mexicano ha ganado este premio por Birdman y The Revenant.
2. Frank Capra y William Wyler. (3)
Capra y Wyler comparten el segundo lugar con tres premios en esta categoría. Capra los ganó por su dirección en películas comoIt Happened One Night, Mr. Deeds Goes to Town y You Can’t Take It With You. Mientras que Wyler lo hizo por Mrs. Miniver, The Best Years of our lives y Ben-Hur.
1. John Ford. (4)
Este director nacido en Estados Unidos es quien más veces ha logrado el premio como mejor director. Lo hizo en cuatro ocasiones con películas como El Delator, The Grapes of Wrath, ¡Qué verde era mi valle! y The Quiet Man.
Bueno, cinéfilos, ya tienen la lista de los directores con más premios Oscar. Ahora les toca ir con sus amigos a presumirles este conocimiento que hoy les he otorgado.
Y estén bien atentos, porque pronto les traeré el top de las actrices y los actores con más premios Oscar.
