Rebelión de los Godínez: La Comedia Mexicana No Cambiará

La cultura del mexicano pide a gritos estas películas y Rebelión de los Godínez seguramente se robará la taquilla en su estreno.

Una vez más el concepto «Godín» se hace presente en el cine mexicano. Estos hombres y mujeres que se caracterizan por vestir de manera muy formal, traer zapato boleado, portafolio o bolso en mano y que además son destacados por llevar sus tuppers a la oficina, «ponerse la camiseta en la chamba» y hasta andar con esa elegante vestimenta en el metro… ¡Y no se les olvida el gafete!

Su salto a la pantalla grande era inminente y Mirreyes vs Godínez fue quien brindó los reflectores a estos personajes, a tal grado de que se rumoraba que la nueva cinta, Rebelión de los Godínez, sería una secuela, pero no fue así.

La pregunta obligada al estreno de cada película mexicana de este tipo siempre será: ¿En verdad vale la pena? Bueno, pues acá encontrarás la respuesta y quizá hasta olvides de hacerte esa pregunta para el resto del cine nacional.

La Rebelión de los Godínez

Rebelión Desde la Trama

Historia que cuenta la vida godínez de Omar Buendía (Gustavo Egelhaaf), pero no toda la vida ha sido un ratón de oficina. Antes de eso, Omar se dedicaba a ser una botarga para la Frikiplaza de la Ciudad de México, todo por flojera de tener un mejor trabajo. Hasta que un suceso le hace dar un giro necesario en su vida, pues decide buscar un mejor empleo para ayudar a su abuelo.

Es así como llega a Relotech, una gran empresa donde, desde el primer día, lo recibirá el martirio con el que tendrá que lidiar día con día: los hermanos Davich, Tania (Bárbara de Regil) y Roberto (Mauricio Argüelles). Pero no todo es malo, contra estos jefes tan crueles, encontrará como aliados a dos godínez que pronto se convertirán en sus amigos inseparables. Y, por supuesto, conocerá a la brillante Maribel (Anna Carreiro), de quien se sentirá flechado desde el primer momento en que la conoce.

Omar tendrá que hacer un gran esfuerzo por ganarse la confianza de los jefes y conservar el puesto que le ofrecen en la empresa, entregando el mejor proyecto que se le pueda ocurrir y, sobretodo, que resulte algo innovador. Pero no será fácil, sumado a la codicia de los Davich, surgirán aún más problemas que reflejarán que «hasta en los godínez hay razas».

La Rebelión de los Godínez

Nada Nuevo Bajo el Sol

No podemos negar que un gran sector de la comunidad cinéfila se ha quejado hasta el cansancio del tipo de películas que realizan las productoras mexicanas, incluso sin haber visto antes la cinta.

Rebelión de los Godínez no será la excepción a esa cantidad de críticas negativas, no sólo por lo que se pueda escuchar de ella, sino que, después de verla, te dejará una extraña sensación de «¿por qué lo hice?».

No se puede culpar a los actores, que muestran una química increíble en pantalla. Bueno, excepto el personaje de Tania Davich, que se siente fuera de ritmo y, por momentos, muy sobre actuado. Sin embargo, la poca originalidad, y el intento de “reality” que trataron de llevar a cabo, presenta una muy mala ejecución.

La Rebelión de los Godínez

¿De verdad es una rebelión?

Rebelión de los Godínez no es una propuesta atrevida, en realidad propone y se arriesga poco, pero es un vistazo diferente a la típica historia de un «godín» novato.

Desde las reglas de supervivencia, las «manadas» de la oficina y el clasismo que se resalta por parte de los jefes, se hace justicia a la cotidianidad de estas personas que se la pasan detrás de un escritorio trabajando por horas e involuntariamente otorgan rasgos característicos del estereotipo que todos conocemos popularmente.

Pero, en cierto punto de la película, todo se descompone y entonces empiezan a jugar con el «estaría genial que hubiera esto en la oficina» y ahí llegan elementos que claramente nunca encontrarás en la vida real, cayendo así en lo ilógico.

Curiosamente ese es el objetivo de la película, hacerte reír a como de lugar, dejando a un lado la parte romántica o seria. Una comedia pura, con romance de manera sutil, sin llegar a ser chocoso, empalagoso, ni súper dramático.

De repente, encontraremos discusiones o momentos clave que se ven interrumpidos por chistes que no causan reacción alguna, pero que a fin de cuentas si eres de los que se ríe por cualquier cosa, no dejarás de reír.

La Rebelión de los Godínez

Para concluir la quincena…

La Rebelión de los Godínez no tiene sentido alguno, comienza con un detonante tibio y no sabes si reír de lo ocurrente que resulta el momento o comer palomitas para ignorarlo.

Los personajes, además, buscan la atención del espectador con referencias a películas y series de moda, pero son diálogos sacados de la nada y sin relevancia que sólo acentúan los graves problemas de continuidad.

Pero al menos Omar, Maribel y el Abuelo, nos muestran con sus acciones los mensajes que debemos destacar de la cinta: disfrutar de la vida, creer en ti, la lealtad y el amor.

La Rebelión de los Godínez

Un Problema Muy Viejo

Los problemas con La Rebelión de los Godínez no son nuevos, el hecho de que las historias mexicanas parezcan un capítulo más de cualquier telenovela con «chistes de pastelazo» sin sentido, es un problema que constantemente encontramos en estos títulos y el principal motivo por el que sean tan criticados y despreciados. Pero, después de tanto tiempo de ver lo mismo, ¿En verdad es necesario seguir reclamando esos errores?

Se debería llegar al punto de entender que van dirigidas a cierto sector de la sociedad y a una determinada comedia. El cine mexicano no va a cambiar.

Además, por lo regular tienen buenas intenciones, y de una forma u otra, a veces vale la pena descifrar sus mensajes, eso es lo que deberíamos buscar en una producción hecha en México.

Al final, podrán ser duramente criticadas y hasta aborrecidas por algunos, pero siempre terminan siendo taquilleras (pongan el pretexto que quieran), quizá hasta el cine mexicano puede ser el «placer culposo» de muchos.

La Rebelión de los Godínez

Godínez, cae en viernesito y quincena el estreno de la película, no le pueden fallar a los suyos ¿Se la van a perder?.

Y ustedes cinéfilos y cinéfilas, ¿Están interesados por este tipo de cine mexicano?

Podcast: ¿El Futuro del Entretenimiento?

Cada vez es más común que los podcasts formen parte de la vida cotidiana del adolescente, joven y adulto; los que han venido agarrando auge como una forma de consumir contenido variado mientras se está “en segundo plano“.

Esos viajes al trabajo o a clases usando algún tipo de transporte público o privado, se vuelven mucho más agradables cuando se acompaña con unos audífonos que te separen de tu entorno, envolviéndote en pláticas agradables, en boletines noticiosos, en opiniones de cine o bien en tramas de ficción.

De esto último se ha dado una proliferación bastante importante en los tiempos más recientes, misma razón por la que los caza talentos del mundo de la tv han retomado algunas podcasts de ficción para convertirlos en series televisivas.

A continuación presentaré algunos ejemplos de esto que hablo, así como otros que pronto verán la luz para que los disfrutemos.

Homecoming

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Una obra que en su momento pude hacer un review en este mismo portal en el cual indicaba lo muy buena que es. Es producto original de Amazon.

Teniendo como protagonista a Julia Roberts y con la magistral dirección general por parte de Sam Esmail, sí, el mismo encargado de Mr Robot; el resultado es fascinante.

Intriga, misterio, cinematografía espléndida, actuaciones muy convincentes y una conspiración que se va desenmascarando poco a poco, formulan una trama en Homecoming que te atrapa rápido y te deja queriendo más.

Por su parte el podcast obtuvo también mucho éxito y tenía algunos nombres importantes de la industria fílmica, por tanto ya tenía un empuje para llegar lejos.

Dirty John

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La serie está (o al menos hace unos meses ahí estaba) en Netflix, pero pertenece a la cadena Bravo en Estados Unidos. Nos referimos a Dirty John, cuyo podcast tiene el mismo nombre.

La trama va basada en hechos reales, sobre un cirujano que finge ser más de lo que es para engañar a una mujer de mediana edad y apropiarse de su dinero.

En el elenco de esta serie tenemos a Eric Bana, Connie Britton y a Julia Garner, joven actriz con un futuro brillante.

El podcast por su parte es producido por Wondery, que es una de las principales empresas productoras de podcasts a nivel mundial.

Dr. Death

Este caso es curioso, ya que ante la gran fama que había obtenido en Estados Unidos, el podcast de Dr. Death se lanzó en varios idiomas adicionales, incluyendo español, siendo de los más escuchados en nuestro idioma.

Titulado Dr. Muerte, cuenta la historia también basada en hechos reales del doctor neurocirujano Christopher Duntsch, un hombre muy peculiar y que hizo cosas graves a muchos pacientes.

La adaptación a la tv llegará de la mano de la nueva plataforma de streaming Peacock, perteneciente a NBC Universal. Entre el elenco tenemos grandes nombres como Alec Baldwin, Christian Slater y Jamie Dornan.

Gaslit

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Y para terminar, Gaslit es un nuevo proyecto del propio Sam Esmail y también con Julia Roberts de protagonista, quienes se juntan para adaptar un podcast muy conocido llamado Slow Burn, de la empresa Slate.

La trama gira en torno al escándalo de Watergate, mismo por el cual el presidente de Estados Unidos, Richard Nixon, tuvo que renunciar a su cargo en la década de los 70.

Y si hablamos de casting acá también existe uno muy llamativo, con Sean Penn , Armie Hammer y Joel Edgerton entre algunos de esos nombres.

¿Seguirá esta tendencia?

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Me parece que esto es un fenómeno que ya no lo para nadie. La calidad que existe en estos podcasts de ficción es extraordinaria, es casi que literal estar escuchando una serie de tv o una película, por el nivel de detalle al ambiente, al ritmo, a los diálogos, al escenario sonoro… una verdadera maravilla.

Por mi parte seguiré descubriendo más podcasts interesantes, para ayudarme con el propio que tengo así como para anticiparme al nuevo gran hit de la televisión moderna.

Hunters: La Sátira Más Relevante de nuestros tiempos

Hunters convierte los mitos de los cazadores de Nazis en un verdadero espectáculo superheroico.

La Segunda Guerra Mundial es uno de los temas más homenajeados y representados en el cine y la cultura pop. Las atrocidades cometidas por Alemania bajo el mando de Hitler y los nazis, los hacen los villanos perfectos para cualquier tipo de aventuras e historias. Hunters, de Amazon Prime Video, cuenta la historia de los héroes que vivieron después de la guerra.

Basada parcialmente en hechos reales, la nueva producción de Jordan Peele cuenta la historia de un diverso grupo de cazadores dedicados a encontrar nazis fugitivos en Nueva York a finales de los 70. Y al tener a Al Pacino como protagonista, todo apuntaba a que tendríamos una historia seria que nos brindara un panorama de lo que ocurría en esas épocas, pero Prime Video optó por algo mucho más interesante.

Hunters

Los Cazadores de Nazis llegaron al Pueblo

Desde el primer episodio, Hunters se muestra como un festival de sangre y acción, al más puro estilo de una historia de superhéroes tipo The Boys, pero con la excentricidad de una película de tipo B (de esas que le encantan a Quentin Tarantino).

En medio de un atropellado primer episodio, nos dejan claro que Hunters es la historia de origen de Jonah Heidelbaum (Logan Lerman), un chico normal que jura venganza después de que su abuela – una sobreviviente del holocausto- es brutalmente asesinada. Y para lograrlo, conoce a una banda de cazadores Nazi liderada por Meyer Offerman (Pacino), un sobreviviente del holocausto.

Al Pacino lleva esta historia maravillosamente. Pues es el único que logra transitar entre los diferentes tonos que maneja la serie. Y, sin duda, es una mancuerna perfecta para Lerman, pues parece que también lo empuja a comprometerse más con su papel.

A partir de ahí, conoceremos de la forma más frenética posible las aventuras de estos cazadores y su búsqueda por atrapar nazis fugitivos, quienes no solamente intentan esconderse de la justicia, sino que han armado toda una nueva red para promover el surgimiento del Cuarto Reich en Estados Unidos.

Los Villanos Fáciles

Lo bueno de que los nazis sean los más grandes villanos de la historia mundial, es que se puede hacer lo que sea con ellos. En Los Cazadores del Arca Perdida (1981) son derretidos, en Jojo Rabbit son derrotados por la mente de un niño de 10 años, y en Nazis en el Centro de la Tierra (2012), los muestran con una organización patética que sólo hace experimentos complicados e inútiles.

Hunters no es la excepción. Los villanos no tienen ningún tipo de propósito o personalidad más allá de ser malvados, y David Weil, el creador del show que, dicho sea de paso, es nieto de un sobreviviente del holocausto, se encarga de que cada uno de ellos sea una versión plástica y completamente unidimensional.

Con frases como “Nunca has visto a una vaca administrar un matadero”, Flashbacks a campos de concentración, y un tono que constantemente oscila entre el drama telenovelesco y la comedia gore, tal vez pueda dañar susceptibilidades, especialmente si tomamos en cuenta la oscuridad de los temas que tocan.

Hunters

Una Denuncia Muy Actual

Sin embargo, el punto de Hunters no es ser un homenaje, ni un documento histórico, es una sátira de nuestros tiempos. Algo que hace a la serie realmente interesante, es ver las pequeñas formas en las que una amenaza aparentemente erradicada, permea poco a poco la cultura pop y los medios a través de su ideología.

Y en esta serie, a través de varias referencias y comentarios a elementos culturales, vemos justamente como se comparten nociones de anti-semitismo y supremacía blanca. No de manera sutil, no están escondidas, esa ideología está presente en la sala de los habitantes promedio de Nueva York.

Hunters se vuelve relevante precisamente por el clima político que vive Estados Unidos y Europa, donde la extrema derecha está constantemente creciendo. En una de sus mejores escenas, vemos como una persona canta “Jews Will not replace us” (los judíos no nos reemplazarán), que recuerda mucho a los cánticos que usaron en 2017 los asistentes a la marcha de Charlottesville.

Quizá la serie es brusca y poco sutil. El humor es sencillo, exagerado y no se anda con miramientos. Pero tiene un objetivo bien delimitado, que es burlarse del intenso clima político actual, y por eso, tal vez, cuando sea menos incómodo hablar de estos temas, estaremos hablando de Hunters como una serie de culto.

Hunters
¡Cinéfilas y Cinéfilos! ¿A ustedes les gustó Hunters?

Mi Último Amigo: Una Exploración a La Muerte.

Mi Último Amigo es una conmovedora historia que cuenta con El Camaleónico Actor: Willem Dafoe

Explorando La Muerte

En mi Último Amigo, vemos una exploración, a algo tan común a la vida como es la muerte. En la vida los hombres y las mujeres, se deterioran, nacen y renacen. Pierden y lloran. Se pierden y regresan a través de caminos que muchas veces han sido recorridos, pero también se pueden encontrar nuevos senderos.

En este filme, protagonizado por Diego (Willem Dafoe), se analiza cuál es la relación entre la vida y la muerte ¿En qué se convierte la persona después de casi perder la vida? ¿Busca una reconexión con su entorno? ¿Cambia las percepción que tiene de su ambiente?

Mi Último Amigo

La Proyección de Babenco

Diego es un director de cine con cáncer terminal, le quedan tan solo un par de meses de vida a menos que decida hacerse una operación un tanto complicada, sólo las ganas de seguir con vida harán que continúe la lucha. Así es cómo la muerte, le brida una segunda oportunidad de cambiar las cosas con la aparición de un hombre un tanto extraño.

Diego tiene un momento en el que pide se le conceda un poco más de tiempo para vivir, porque aún tiene algo que contarle al mundo en forma de película.

Después de la enfermedad, la decadencia de la relación con su bella esposa, y una constante y lenta recuperación Diego conoce a un niño que se encuentra en un tratamiento para la cura, muy similar al que director se encuentra, con quien juega, le cuenta historias, y entre ellos nace una relación profunda. Antes de esa situación para Diego todo se mostraba en oscuridad y mucha de su impotencia por no tener una recuperación como la que él espera. Sin embargo, no se alcanza a comprender del todo la relación y el impacto que ha tenido la vida del del niño en la suya.

Mi Último Amigo

Dafoe, reafirma que no hay actuación que no pueda interpretar.

Dafoe, a quien recientemente pudimos ver en The LightHouse, se muestra versátil y camaleónico como en todas su interpretaciones. Lleva sobre él toda la película. Tiene una interpretación exquisita, y como siempre es un deleite verlo en pantalla.

Antes de que Dafoe ingresara a ser parte del elenco, la producción se encontraba rodada en el idioma portugués, después, la producción cambió a lengua inglesa, por eso se puede apreciar que a veces no todos los actores encuadren completamente.

Mi Último Amigo

Bebenco deja como testamento “Mi Último Amigo”.

Mi Último Amigo es sin duda una película que llegará al alma de todos los espectadores, no sólo por el guion, la gran interpretación sino también porque la banda sonara, a pesar de quedar en segundo plano mantiene atrapada a la audiencia, conteniendo canciones como Cantando Bajo la Lluvia o La Vie and Rose formando parte de su entorno.

Héctor Babenco director de la película, toma como alter ego a Diego, ya que al igual que su personaje, el también tuvo la necesidad de un trasplante de médula, y al igual que Diego, pide se le conceda un segunda oportunidad para seguir comunicando al mundo todo lo que aún tiene por decir. En diversas ocasiones aclaro que no era un film autobiográfico pero inútil hacer caso omiso a todas las similitudes que hay con su propia vida.

La proyección puede no ser perfecta, pero resulta ser poética. La muerte o estar cercanos a esta nos hace voltear para descubrir cuál fue la vida que tuvimos y qué es lo que nos llevamos con esta.

Mi Último Amigo
¡Cuéntanos, cinéfilos y cinéfilas! ¿Te animas a ver Mi Último Amigo?

Esta Mierda Me Supera: ¿tiene esencia propia?

Esta crítica de Esta Mierda me Supera fue escrita luego de ver la temporada completa de la serie y no contiene spóilers.

“De los productores de Stranger Things y del director de The End of the F***ing World”, así nos vendió Netflix esta nueva propuesta teen basada en la novela gráfica de Charles Forsman, que ya te habíamos anticipado. Y es que después del éxito y de las buenas críticas de la adaptación de The End of the F***ing world era inevitable que la N roja no tomará otra de las historias de Forsman para sumarlas a su catálogo.

I Am Not Okay with This, o Esta Mierda me Supera, como fue traducida al español (nombre malísimo, por cierto) sigue la historia de Syd Novak, interpretada por la genial Sophia Lillis, una aburrida niña blanca de diecisiete años que vive en Pensilvania y que aún no ha superado el suicidio de su padre. Syd pasa sus días con su amiga Dina (Sofia Bryant) y con su excéntrico vecino Stanley (Wyatt Oleff). Va a la escuela y cuida a su hermano más pequeño mientras su madre viuda trabaja sesenta horas por semana para mantener la familia. Una historia convencional hasta ahí, hasta que descubrimos, junto a Syd, que tiene poderes telequineticos que no puede controlar.

Esta Mierda me Supera es un retrato sobre la adolescencia. Syd no solo está atravesando cambios físicos y hormonales, sino que está descubriendo su identidad sexual. Todo en medio del duelo por la muerte de su padre y la falta de una respuesta a esa pegunta clave. ¿Por qué se mató?

La relación con su madre es de lo más tensa y eso suma a la inestabilidad de Syd que termina haciendo estallar todo por los aires cuando siente que su vida la abruma por completo. De cierto modo, los poderes telequinéticos funcionan como una metáfora a esos momentos de la vida donde perdemos el control de las cosas y no le encontramos solución a nuestros problemas.

Esta Mierda me Supera

Esto me resulta conocido

Si hiciéramos un coctel con la vestimenta y la nostalgia ochentosa de Sex Education, la fotografía y los planos de The End of the F***ing world y lo fantástico de Stranger Things, el resultado sería Esta Mierda Me Supera.

Además, hay que sumarle un “homenaje” a Carrie de Stephen King que invade todo el relato y cierta reminiscencia a El Club de los Cinco. Ese es el mayor problema de I Am Not Okay with This, carece totalmente de personalidad, desde cualquier ángulo que se le mire.

Durante los siete capítulos, que duran veinte minutos, el director y los guionistas no logran entregar un show novedoso, ni esquivar los más obvios clichés. Esto no quiere decir que la serie no sea entretenida, el show corre con la ventaja de la corta duración de los capítulos que hacen que el relato sea llevadero.

Pero sin dudas, su principal valor es Sophia Lillis, que una vez más vuelve a demostrar que es una de las grandes actrices de su camada. Lillis, a quien vimos en la adaptación cinematográfica de IT y en la miniserie de HBO Sharp Objects, despliega su talento y su simpatía a lo largo de los capítulos.

Es capaz de transmitir toda la angustia de Syd, que no sólo está transitando la maldita adolescencia, sino que está descubriendo que es muy distinta al resto y que no puede controlar su cuerpo. La química que tiene con Stanley es encantadora, pero no sucede lo mismo con Dina, cuya relación no está bien trabajada desde el guion y su historia de amistad/amor está un poco forzada.

La dirección de Jonathan Entwistle es correcta, pero el relato recién explota en su último capítulo y el camino hasta ese final season se podría haber trabajado de una forma un poco más original. La fotografía está a cargo de Justin Brown, quien también trabajó en la de The End of the F***ing world, y se nota mucho. Ambas historias tranquilamente podrían suceder en el mismo mundo, Syd podría cruzarse con Alyssa y James y todo cerraría perfectamente.  

Esta Mierda me Supera

¿Cumple lo que promete?

Esta Mierda Me Supera es entretenida y maratoneable. Su principal problema es la cantidad de referencias a series o películas similares que hacen que el show no sea demasiado novedoso. Si esto se hubiera trabajado de otra manera estaríamos hablando de un producto distinto.

Sophia Lillis es el principal motivo para seguir viendo la serie en una posible segunda temporada porque sin dudas se roba cada escena. De menos a más, los primeros capítulos funcionan como un preludio a ese último capítulo muy bien logrado y que deja un final abierto a futuras entregas.

Si te gustó The End of the F***ing world, no dejes de verla porque esta nueva serie es una prima hermana de esa. Y aunque no tenga la profundidad y la memorabilidad de la inglesa, se deja ver y cumple con su cometido.

La primer temporada de Esta Mierda Me Supera esta disponible en Netflix. ¿Ya la vieron, cinéfilas y cinéfilos?

Avatar, La leyenda de Aang: 15 años de lo Inolvidable

¡Avatar: La Leyenda de Aang, una de las series más integrales de la animación estadounidense cumple 15 años! El 21 de febrero del 2005, Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko junto con la cadena televisiva Nickelodeon llevaron a la pantalla una historia con sólidas bases en la mitología japonesa del siglo XIX, mística música, arcos funcionales y personajes extraordinarios.

 Avatar: La leyenda de Aang, nos narró magistralmente una tierra dividida en cuatro grandes reinos: agua, fuego, aire y tierra, cuyos habitantes poseen habilidades mágicas para controlar el elemento correspondiente al lugar en el que nacieron. Solo existe una persona que es capaz de manipular los cuatro elementos y cuyo deber es mantener la paz entre el mundo terrenal y el espiritual: el avatar.

Avatar: La Leyenda de Aang

Tras la desaparición del último avatar, la nación del fuego aniquila al reino del aire. La historia comienza con Aang, un niño que resulta ser el avatar y también el ultimo maestro aire, quien junto con una aprendiz de maestra agua (Katara) y su hermano (Sokka) comienzan la travesía de acompañarlo en su entrenamiento para vencer al líder de la nación del fuego, a la vez que huyen del príncipe del fuego (Zuko).

Avatar: la leyenda de Aang es una de las series más integrales que existen: Sus bondades estéticas (tanto en diseño como en música) caminan coherentes junto con una historia que se toma su tiempo para desarrollar a personajes transparentes, todo cimentado en la mitología de las artes marciales y el mundo espiritual japonés.

Entre tantas virtudes, uno de los puntos fuertes es la construcción y desarrollo de sus personajes. Lloramos, reímos, y lo más importante, empatizamos con la autenticidad de estos.

Bondad y maldad: el príncipe del fuego

Elemento fuego: Cabe mencionar que la personalidad de cada personaje corresponde a su elemento. El resentimiento de Zuko lo dotó de un carácter impulsivo pero también apasionado. Esta pasión es lo que finalmente utiliza para redimirse.

Avatar: La leyenda de Aang va más allá de la bondad y la maldad. Aunque inicialmente los personajes parecen tener bandos definidos: la nación del fuego, específicamente su líder y su sobrino toman el papel de antagonistas y por otro lado, el equipo avatar: Katara, Aang y Sokka, toman el bando de los “buenos”, con el paso del tiempo se vuelve cada vez más difícil definir a los personajes, ya que se empieza a transparentar como cada uno responde a diversos intereses, ya sea morales, políticos o de comunidad.

El caso de Zuko es quizá el más destacable. El príncipe del fuego creció en una familia cuya moral se asentaba en la violencia, el engaño y la vergüenza. El padre de Zuko (Ozai) se casó por interés con la nieta del avatar Roku, que luego escribió  una carta falsa diciendo que no era el verdadero padre de Zuko, cosa que provocó la ira irremediable de Ozai contra su hijo. Esto sumado a la nobleza que profesaba el niño y su capacidad de piedad, acentuó el repudio de este por su propia sangre.

Avatar: La Leyenda de Aang

La hermana de Zuko (Azula) creció basando su autoestima en la degradación de su hermano, con la ayuda de su padre y en conjunto con el abandono de su madre, el  resentimiento del príncipe del fuego por la vida comenzó a crecer sin medida.  Cuando es desterrado de la nación del fuego acompañado de su tío Iroh, Zuko ya es un muchacho violento que desea atrapar al avatar para poder regresar a su tierra como un triunfador (y como una forma de alivianar esa vergüenza que lo ha perseguido toda su vida).

Se redime primeramente porque su necesidad de afecto y aprobación que nunca llenó su madre, padre y hermanos (recordemos que en esto se basaba el coraje de Zuko, en sentirse insuficiente) empezó a satisfacerse con el amor que le profesaba su tio Iroh. Cuando Azula lo encontró y “mato” al avatar, dándole la oportunidad a Zuko de regresar a casa, este ya no necesitó la aprobación de Ozai. Con ayuda de su tíos, también transformó el origen de su fuego control, que hasta ese momento provenía del resentimiento. Una vez que cambió sus motivaciones, las limitaciones de Zuko desaparecieron y se convirtió en  un maestro fuerte maestro fuego.  

Fuera de empatizar con el “antagonista” para justificarlo o mostrarlo como un malo que tiene razones para serlo, Avatar: la leyenda de Aang expone a Zuko como un personaje impulsivo, criado para buscar aprobación y sentir vergüenza, pero capaz de aprender a cambiar sus conductas y controlar sus emociones.

La fuerza en lo sutil: Aang

Elemento Aire: El avatar Aang es frágil,  noble y evita la violencia tanto como puede, pero la suma de esto le permite ser asertivo. Aprende que con la fuerza de la asertividad se obtienen resultados más fructíferos.

Aang estuvo congelado por 100 años en un Iceberg. El último maestro aire despierta para descubrir que todo su clan fue aniquilado por la nación del fuego y tomar su responsabilidad como avatar. Un niño de 12 años que fue criado para ser monje, entiende que su deber es restaurar la paz en el mundo aunque  eso signifique enfrentarse a un hombre violento: el señor del fuego.  

Avatar: La Leyenda de Aang

En las historias con estructuras similares, se suele plantear a los elegidos con apariencia débil y nobleza excesiva, para después dotarlos de un poder divino irracional que les permite acabar con el malo. Aang tiene un giro interesante: para vencer al señor del fuego, inhabilitó sus poderes. No tuvo necesidad de matarlo de forma heroica como Harry a Voldemort, o Luke a Darth Vader.

A lo largo de su viaje, el avatar aprendió que la violencia no es sinónimo de fuerza, y tras aprender a controlar su ansiedad se convierte en gran consejero y fuerte planificador, desarrollando el carácter para defender a quienes lo necesitaban con inteligencia. Su desarrollo es gradual, sin tantos saltos tan violentos como en el caso de Zuko.

La imperfección de ser madre: Katara

Elemento agua: Tiene una personalidad contundente, que se mueve entre la suavidad de una madre y la valentía de una guerrera.

Katara juego el rol de madre, maestra y guerrera. La pérdida de su progenitora a temprana edad la obliga a tomar el rol para con su aldea. Cuando se une al avatar Aang, se convierte en la madre que este nunca tuvo: en ella el avatar encuentra consuelo, fuerza y claridad emocional cuando lo necesita. La imposición de este rol en la vida de Katara la hace sentir la necesidad de ser perfecta todo el tiempo, y esto se ve reflejado sobre todo en su aprendizaje del agua control. Aang a su vez, se convierte en la calma y paciencia que ella necesita.

Avatar: La Leyenda de Aang

Con el paso del tiempo, Katara aprende a liberarse de esa auto exigencia. Aang es quien comienza a entrenarla para dominar el agua control y recordemos que esta pasa días intentando sin descansar. Eventualmente aprende a deja fluir sus emociones, ser paciente y entonces se convierte en una espléndida maestra agua. Aunque al terminar la guerra corresponde el amor del protagonista, su papel en la serie no se limita a jugar un rol romántico o de apoyo.

La magia de los personajes de Avatar: la leyenda de Aang, reside en su autonomía. Todos tienen su propia evolución, todos transparentan sus emociones, todos están llenos de complejos con los que luchan día a día.

El valor del trabajo en equipo: Toph

Elemento tierra: Directa, agresiva y firme en sus decisiones. Escapó de casa cuando era niña y no deja que nada perturbe su estabilidad.

Hija de una adinerada familia del reino tierra, Toph es una niña ciega que aprendió a ver gracias al tierra control. Huye de casa tras cansarse de ser educada en modales para pertenecer a una sociedad aristócrata. Es en una cueva habitada por tejones topo (ciegos como ella) donde aprende el arte del tierra control, y posteriormente ingresa en el mundo de las competencias underground.

Avatar: La Leyenda de Aang

Toph proviene de una familia que la sobreprotegió y tras huir se obsesionó con ser independiente en todos los aspectos. Dentro del equipo Avatar, aprendió a trabajar en equipo, a aceptar el apoyo de sus amigos y a no tomarse cualquier comentario como una negación hacia su capacidad para resolver problemas. Así como Katara teme a la imperfección en su rol maternal y Zuko a no ser aprobado Toph aprende a regular aquél complejo que carga a cuestas: en su caso, el miedo a la debilidad y a la incapacidad.   

La magia de ir más allá

Un formato de 61 episodios y cuatro temporadas puede ser una cualidad o un defecto, dependiendo de cómo se aproveche el recurso. Avatar: la leyenda de Aang  se tomó el tiempo justo de desarrollar los movimientos de cada uno de los personajes en su debido momento. A diferencia de una cinta, los cambios en sus conductas se van asentando conforme una serie de sucesos y no de un sopetón, cosa que dota de naturalidad a la historia.La historia evoluciona a la par que los personajes, entretejiendo un discurso cada vez más serio al pasar los capítulos.

Ir más allá, no conformarse con personajes planos que funcionaran en lo mínimo, darle un sentido a las personalidades según su elemento y arte marcial, es lo que hace de  Avatar: la leyenda de Aang una serie auténtica.

Para celebrar estos 15 años, Nickelodeon lanza al mercado «Avatar: The Last Airbender – Colección SteelBook», un material recopilatorio de todos los sucesos de la serie. ¡Celebra con su edición limitada que ya puedes conseguir en Amazon!

Harvey Weinstein: ¿El hombre que todos somos?

La mañana de hoy, lunes 24 de febrero de 2020, un jurado de Nueva York declaró a Harvey Weinstein culpable de dos delitos: cometer un acto sexual criminal en primer grado con una mujer y violación en tercer grado con otra mujer. Si bien es cierto, que Weinstein podrá recibir una condena muy larga, el jurado absolvió por las tres acusaciones más graves que enfrentaba el exproductor de Hollywood: dos cargos de agresión sexual depredadora y violación en primer grado.

Conforme la noticia ha ido escalando en las redes sociales, me he encontrado con cometarios de hombres que van desde la celebración por haber condenado al “monstruo” hasta los buenos deseos de que el magnate se “pudra en la cárcel”.

Encuentro en esa visceralidad un despliegue de máscaras para evadir las responsabilidades que como hombres tenemos en este tipo de acontecimientos. Los siguientes párrafos son un intento por acercarnos a Weinstein y, en ese movimiento incómodo, descubrir que nuestras reacciones, si queremos sociedades diferentes, tienen que dirigirse hacia otro lado.

Harvey Weinstein

El caso de Harvey Weinstein

En octubre de 2017, estalló la bomba. Tanto en el New York Times como en The New Yorker, se presentaron testimonios que responsabilizaban a Harvey Weinstein por delitos sexuales. También se caracterizaba ese comoportamiento como habitual en su carrera desde 1990. Cerca de 80 mujeres manifestaron haber sido víctimas y sobrevivientes de los acosos, hostigamientos, abusos y violaciones de Weinstein.

Weinstein fue fundador de las empresas Miramax y The Weinstein Company. A partir de 1989, con la cinta dirigida por Soderbergh Sexo, mentiras y video Miramax se convirtió en una de las productoras independientes más importantes de Hollywood. En 2005 Weinstein se separó de Miramax para crear The Weinstein Company en compañía de directores como Quentin Tarantino y Robert Rodríguez.

Harvey Weinstein

A raíz de las acusaciones, el entonces hombre de 65 años fue expulsado de su productora y empezó a enfrentar un proceso legal que apenas esta semana habrá concluido.

Productor de cintas tan emblemáticas para Hollywood como Shakespeare in love, Pandillas de Nueva York, Pulp fiction, Chicago y Sin city, su nombre se convirtió en un lugar común en las ceremonias Oscar donde era mencionado una y otra vez en los agradecimientos. Con las acusaciones, sin embargo, comenzó a asomarse el fango de dolor y violencias que su vida dentro de la industria había provocado, así como las redes que habían hecho posible el blindaje de Weinstein ante cualquier intento de acusación.


Fraternidades cómplices y cultura de la violación

Weinstein supo siempre que su nombre peligraba dado su comportamiento. Cuando aumentaron los rumores en 2016 de que las acusaciones podían salir a la luz, Weinstein contrató servicios privados para acechar a aquellas mujeres o periodistas que trataban de evidenciarlo. No era la primera vez que acudía a estrategias de intimidación para evitar que algún escándalo pudiera empañar su carrera.

No obstante, estas corporaciones de seguridad sólo eran un pequeño eslabón en la maquinaria de hombres que fueron cómplices de Weinstein. Directores y actores reconocieron que sabían sobre el comportamiento de Weinstein y pidieron perdón por no haber hecho nada en ese momento. Quentin Tarantino, por ejemplo, lamentó no haber asumido ninguna responsabilidad cuando se enteraba de que algo semejante ocurría. De igual forma, Matt Damon se disculpó por las ocasiones en las que él había estado presente en el estudio y alguna mujer había sido abusada sin que él lo notara.

Feministas y teóricos de las masculinidades han sido claros en señalarlo: para que un hombre como Harvey Weinstein pueda existir (con una carrera tan exitosa como repleta de violencias sexuales en contra de las mujeres), es necesario que hay otros hombres que lo legitimen, que lo aplaudan, que le ayuden, que guarden silencio, que mientan.

Pero no sólo eso. Sólo en una cultura de la violación como la nuestra, la carrera de Weinstein era posible.

En sociedades en las que en los casos de violencia sexual se culpa a las víctimas estamos frente a una cultura de la violación donde esta última acción es incluso recompensada por los hombres pares. La cultura de la violación se expresa y se perpetúa, sin embargo, de formas mucho más sutiles: la popularización y aprobación de chistes sexistas y misóginos, el consumo abusivo de pornografía, los grupos de whatsapp donde circulan nudes, la apreciación de la agresividad sexual como un atributo positivo, el menosprecio del consentimiento, la representación de la violencia sexual como algo sexi y erótico, etcétera…

Ha sido en gran medida gracias a las denuncias de las mujeres que han sido víctimas y sobrevivientes de violencia sexual en la industria del cine y el entretenimiento, pero no sólo allí, que esta cultura ha empezado a ser cuestionada y comienza a transformarse.

Harvey Weinstein

El #MeToo y la responsabilidad de los hombres

El caso Weinstein permitió y favoreció que tanto en Hollywood y en las industrias de otros países muchas denuncias más comenzarán a aparecer. En México, por ejemplo, gracias al #MeTooCineMexicano y al movimiento #YaEsHora, se hicieron visibles numerosos actos de violencia cometidos por directores, periodistas, críticos o profesores.

No es de extrañar que, de inmediato, muchos hombres comenzarán a sospechar de las denuncias y a tratar de deslegitimar la voz de las víctimas, así como a minimizar sus declaraciones. Las distintas áreas de la industria mexicana están muy lejos de solucionar el problema, pero las mujeres continúan sus procesos organizativos y sus acciones.

¿Qué sucede con los hombres? Casi nada. Las lealtades, los silencios, las omisiones siguen llevándose a cabo. Las descalificaciones a las víctimas continúan. Ante el caso Weinstein y otros casos atroces que suceden día a día en México, los hombres miramos de reojo a esos “monstruos” y pasamos de largo. Tememos acercarnos a ellos para encontrarnos allí, reflejados.

Ése es el primer movimiento que hay que hacer. Reconocer que somos parte de las fraternidades que (con acciones y omisiones) solapan a hombres agresores, acosadores, violadores. Reconocer que nuestras violencias de baja intensidad (los chistes, los piropos, el abuso de pornografía, la normalización del acoso, la indiferencia en las calles) contribuyen a soportar la cultura de la violación que hace que un hombre como Weinstein exista y sea declarado culpable, sí, pero no de todos los delitos que cometió.

Cuando como hombres dejemos de establecer una distancia con los agresores y nos responsabilicemos también de esos actos; cuando identifiquemos y rompamos las lealtades que nos unen a ellos y abandonemos los beneficios que nos deja la cultura de la violación; cuando dejemos de sospechar de las declaraciones de las mujeres, cuando dejemos de buscar el protagonismo en sus iniciativas, entonces habremos comenzado a hacer lo que nos toca.

¡Todos somos parte de la solución! ¿Qué están haciendo ustedes, cinéfilas y cinéfilos?

Dos Veces Tu: En Busca del Alma Gemela

Salomón Askenazi nos trae el thriller Dos Veces Tú, en dónde toca el tema del alma gemela y qué pasaría si esa persona deja de estar.

El concepto de alma gemela suele ser explotado en el plano amorosos. Sin embargo, podemos sentir una afinidad, empatía y conexión con otras personas con las que tenemos diferentes tipos de relación.

Usualmente, se cree que Platón es el padre de la idea del alma gemela. Se dijo hace muchos siglos que, nuestros antepasados, tenían dos cabezas y cuatro almas, pero ellos ofendieron a los dioses y como castigo los dividieron por la mitad y desde entonces pasamos todas nuestra vida o diferentes planos terrenales buscando a la otra mitad.

De acuerdo con la tradición judía, las almas de las parejas perfectas provienen de una esencia común. El concepto de alma gemela también nace a la necesidad del hombre de llenar un posible vacío emocional.

Dos Veces Tú

Aquí es de dónde parte el director Salomón Askenazi para contarnos la historia de dos primas: Tania (Anahí Dávila) y Daniela (Melissa Barrera). Dos primas que crecieron juntas desde pequeñas y con el paso del tiempo su relación fue madurando, hasta convertirse en algo irrompible.

Una noche, ambas primas deciden intercambiar maridos. Así, cada quién con sus respectivas parejas, conducen hacia su casa, pero una de ellas se ve envuelta en un accidente y muere. La otra sobrevive, creando dos realidades alternas, completamente diferentes, pero igual de angustiantes.

En una de ellas, quienes sobreviven son Tania y Rodrigo. Y, en la otra, Daniela y Benny. Cada una debe lidiar no sólo con perder a su marido -ya de por sí alguien importante en la vida de cada persona- sino también han de luchar con el duelo de perder a su alma gemela.

Dos Veces Tú

Las Dos Somos Una

Daniela, por un lado, siempre ha crecido con el soporte de Tania, sintiendo y sabiendo que estaba por encima de ella y eso, con el paso del tiempo, le ha funcionado.

Sentir que tienes a una persona por debajo de ti que te sostiene, pero ¿qué pasa cuándo ya no esta? Hay enojo, depresión, furia por querer que la persona que te hizo daño sufra. Esto es parte de la historia en la que Daniela comienza a ver el fantasma de Tania.

Tania, por otro lado, demuestra que siempre ha deseado la vida de Daniela. Su casa, su ropa incluso de su pareja. Así que, de cierta forma, su muerte le dará pauta para saber qué se siente ser su prima.

Una no es sin la otra, y las dos, al sentirse tan perdidas, comienzan a sentirse locas, que algo no va bien con ellas. El duelo las hace sumergirse en un mundo nuevo, en el cual deben aprender a sobrevivir, aún con la culpa y el dolor de haber perdido a su alma gemela.

Dos Veces Tú

Dos Veces Tú: ¿Funciona?

No del todo, a pesar de ser una propuesta diferente de lo que siempre estamos acostumbrados, el director no consigue armar un rompecabezas con sentido.

Si bien el director plantea desde un inicio cómo era la relación de estas dos primas, no logra desarrollar del todo la relación entre ellas y cómo se siente la ausencia de cada una. Las protagonistas, Melissa Barrera y Anahí Dávila, entienden individualmente las motivaciones de sus personajes, pero no logran transmitirlas satisfactoriamente en la pantalla.

Dos Veces Tú es un filme que deja mucho a la interpretación. Pues no estipula claramente si alguna de las primas está soñando, o si todo es real, dejando el desenlace un poco con

Por otro lado, Dos Veces Tú podría ser la prueba de que que el cine mexicano tiene una oportunidad en el cine de terror y suspenso, ya que nuestra cultura tiene mucho de dónde cortar y crear. Salomón Askenazi intenta hacer algo diferente, y este esfuerzo puede marcar un nuevo momento para el cine mexicano.

5 Curiosidades de Buscando Justicia

Buscando Justicia (Just Mercy) es una película que retrata al abogado Bryan Stevenson y su gran lucha por la justicia. La película comienza cuando él se gradúa de Harvard y decide mudarse a Alabama para defender condenados a muerte que no han recibido un juicio justo. Además, poco a poco va descubriendo que muchos casos tenían sus cimientos en el racismo de los ciudadanos.

Por ello, quiero compartir con ustedes 5 datos curiosos de Buscando Justicia, película protagonizada por Michael B. Jordan, Jamie Foxx y Brie Larson. Comencemos:

Buscando Justicia

La preparación

Michael B. Jordan quería parecer cómodo en el ambiente de un tribunal y se le ocurrió la idea de acomodar los muebles en su habitación durante la grabación en Atlanta. Esto lo hizo para recrear la estructura de un tribunal completo con un estrado para testigos, tribuna de jurado y mesas. Además, pudo trabajar, directamente, con el verdadero Bryan Stevenson para poder sonar natural al utilizar la terminología legal de la película y conocer más a fondo al personaje.

Buscando Justicia

La música al rescate

Jamie Foxx contó en una entrevista que solía utilizat música para establecer el tono de cualquier escena que estuviera actuando como Walter McMillian en Buscando Justicia. Él comenta que caminaba en el set escuchando una canción específica de su playlist; que iba desde rock clásico hasta rap, música gospel y más; y justo antes de grbar apagaba la música, escondía el parlante y entraba en personaje. 

Jamie Fox también comentó que solía entretener a todo el equipo, durante el rodaje, con escenas de stand-up para aliviar la tensión después de escenas complejas.

Buscando Justicia

Dominando un acento diferente

Rafe Spall, quien interpretó al Fiscal Distrital Tommy Chapman fue el único actor británico en el elenco. Sin embargo, muchas de las personas de producción y actores no lo sabían ni se dieron cuenta de ese detalle. Esto debido a que el actor no solo dominó el acento sureño, sino que durante todo el tiempo que estuvo grabando en Atlanta se mantuvo en personaje vocalmente, hablando como Tommy Chapman inclusive fuera del set.

Las personas que conoció en restaurantes y cafeterías locales creyeron que era un verdadero caballero sureño y lo trataron como a un nativo.

Buscando Justicia

Bebé en el rodaje

El director/guionista Destin Daniel Cretton comentó que su primer hijo nació poco tiempo antes de empezar el rodaje de esta cinta. Por ello, hay muchas escenas que tuvo que dirigir con su hijo en un arnés. El equipo de producción y muchos de los actores disfrutaron de esta forma tan peculiar de cuidar a su bebé.

Buscando Justicia

De la realidad a la ficción

Una línea de la película Buscando Justicia se inspiró en una experiencia de la vida real de Jamie Foxx, pues actor le contó al director/guionista Destin Daniel Cretton sobre su experiencia creciendo en el sur.

Le expresó que, cuando era niño, no lograba entender por qué algunas personas se “molestaban” por su color de piel. Por ello, Destin incorporó este sentimiento al guión, donde Walter habla sobre ser visto como culpable desde el momento en que naces debido al color de piel que tienes.

Buscando Justicia

Hasta aquí el artículo del día de hoy. Espero que estos datos curiosos les hayan parecido interesantes y los motiven a ir al cine para ver Buscando Justicia.

Recuerden que esta cinta se encuentra basada en hechos reales y pueden buscar información sobre los personajes y personas involucradas para complementar sus conocimientos sobre los casos que se tocan escena a escena.

Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos, ¿conocen algún otro? ¿Qué les pareció Buscando Justicia?

Honeyland: El Documental que Necesitamos Ver

Honeyland es un novedoso documental que viene a abrirnos los ojos.

Azúcar, sal, especias, miel. Todos esos son productos de consumo muy básicos, aparecen en todos los hogares como por ósmosis y los utilizamos sin ponerles mucha atención. De alguna manera nunca faltan, y, en el remoto caso de que lo hicieran, basta con ir al supermercado y comprar cantidades industriales a un precio risible. Sólo para olvidarlos nuevamente y utilizarlos con esa misma actitud autómata.

Si en el día a día nosotros tenemos una idea muy vaga de su existencia, mucho menos conocemos cuáles son los verdaderos procesos que los ponen en los estantes de la tienda y en nuestras alacenas. Pero Honeyland llega para obligar a que volteemos a ver el costo de producir estos insumos.  

Honeyland

Una Historia Difícil

Entre el silencio y la desesperación, conocemos a Hatidže Muratova, una de las últimas apiculturas libres de Macedonia. Ella no pertenece a ninguna organización ni tiene grandes cultivos de abejas, sino que utiliza los métodos tradicionales para producir la miel que vende en la ciudad y diferentes eventos.

Honeyland sigue su día a día, a manera de mostrarnos sus problemas y lo que debe enfrentar para ganarse la vida. Muratova es una mujer que trabaja incansablemente para poder cuidar de su enferma madre, pero carece de los elementos necesarios para hacer su producción más eficiente, cosa que no le importa tanto, pues tiene un gran cuidado y mucho respeto por la naturaleza.

Sin embargo, sus valores ambientalistas son constantemente pisoteados por sus vecinos, quienes no tienen ningún tipo de cuidado por las abejas o los becerros que intentan comercializar.

Honeyland

Humano vs Capitalismo

La convicción de Muratova es admirable, pues constantemente exige que se respete su trabajo y a la naturaleza, aun si debe enfrentarse a los intereses de productores más grandes que ella. Sin embargo, Honeyland no se toca el corazón para mostrarnos el desinterés y las malas prácticas que conllevan al deterioro del medio ambiente.  

Los directores, Tamara Kotevska y Ljubomir Stefanov, hicieron un trabajo magistral al contrastar las visiones de Muratova y sus vecinos, pues denuncian contundentemente los intereses que poco a poco contribuyen a la destrucción del planeta. No sólo son las grandes corporaciones, no sólo son los gases invernadero, los popotes y las bolsas de plástico, también influye mucho los hábitos y prácticas de los pequeños y medianos productores.

Por eso, es inevitable que Honeyland también haga una dura crítica al sistema económico mundial, el cual favorece prácticas rapaces para la extracción y distribución de insumos a bajo costo, las cuales crean condiciones cada vez más adversas para las personas menos favorecidas, para aquellos que viven en la periferia del sistema.

Honeyland

El Verdadero Problema

De repente, también es difícil juzgar a los vecinos de Muratova. Si bien están claramente mejor posicionados que ella: tienen una casa remolque, pueden invertir en mejores herramientas, más ganado y cuentan con medios de transporte, siguen viviendo en una región desolada, sin electricidad y sin muchas posibilidades de movilidad social.

No es que busquen hacerle daño a Muratova y a su medio de trabajo, ellos también buscan sobrevivir bajo los estándares de la economía global. Lo que hace Honeyland, es demostrar, a través de los ojos de los productores más vulnerables, cómo intentan desesperadamente ser parte de un sistema rapaz, que los obliga a deshacerse de su medio ambiente, provocando un círculo vicioso.

Honeyland no sólo es una película devastadora y emotiva, es un ejercicio completo de empatía. Ser testigo de la odisea de Muratova debería dejar claro que, para solucionar las grandes problemáticas del mundo, primero tenemos que detenernos y escuchar. Escuchar a los que no tienen voz, los que son invisibles, aquellos que aparentan estar fuera del sistema, porque son los que conocen qué se necesita para iniciar un cambio.

No cabe duda que merecía pasar a la historia como la primer película que fue nominada a los Premios Óscar por Mejor Documental y Mejor Película Extranjera.

¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Le darán una oportunidad a este documental?

Las Olas: El Amor Trae o se Lleva Todo

Las olas es la metáfora sobre una relación amorosa, y cómo puede ser turbulenta o permanecer en calma, dependiendo de qué tanto haga la luna llamada «familia»

Cine Caníbal ya nos tiene acostumbrados a traer excelentes películas a las salas de cine, esta cinta de drama y romance dirigida por Trey Edward Shults (Viene de Noche), no es la excepción a la regla.

Y tampoco le es indiferente a aquella característica que la distribuidora ha tenido en sus producciones, pues a pesar de que la sinopsis e incluso los avances se puedan tornar inocentes y tranquilos, una vez que estamos disfrutando la historia, poco a poco tendrá tintes que nunca imaginamos encontrar y nos hará volar la cabeza con la serie de acontecimientos que veremos.

Con su tercer largometraje, el director toca algunos temas tan presentes en la sociedad hoy en día, que harán reflexionar a la audiencia en las dos horas de duración del metraje.

Las Olas

¿Qué nos cuenta Las Olas?

Las Olas cuenta la historia de Tyler (Kelvin Harrison Jr.), un joven que parece tener todo lo necesario para ser alguien exitoso: una familia económicamente solvente que lo apoya para que cumpla sus metas, un lugar principal y envidiable en el equipo de lucha de su escuela; y una relación en la que ambos están perdidamente enamorados.

Sin embargo, Tyler debe mantenerse comprometido con las aspiraciones más altas que le inculcaron, sin importar qué pase a su alrededor, viviendo bajo la intensa vigilancia de su padre Ronald (Sterling K. Brown).

Este último mantiene una tensa relación con su prometida Catherine, quién le ha ofrecido consuelo al joven Tyler. Cuando la situación parece llevarlos al límite, la fachada de una vida perfecta comienza a desmoronarse y los conflictos con su padre empiezan a escalar peligrosamente.

Todo suena muy interesante y no me creerían si les dijera que tan sólo es la primera mitad de la película.

Las Olas

¿Una Cinta Demasiado Larga?

Bueno, en realidad la duración no es el problema, sino la forma en que decidieron utilizar las dos horas. Está hecha de tal manera que cuando sales de la sala, sientes haber vistos dos películas en una sola, es muy, muy, muy marcado el final de una trama y el inicio de otra.

No tendrías ningún problema porque toda la película maneja un relato interesante sobre el amor, la familia y los tipos de pareja que puedes encontrar en la sociedad. Sin embargo, la primera mitad es vibrante, te mantiene tenso, te hace sentir bastantes emociones, te mete a la historia y en su punto crucial te deja sin palabras.

En cambio, con lo que viene a continuación de estos hechos, el ritmo baja drásticamente. Se vuelve muy visual, ahora te hace reflexionar demasiado, pero llega a un punto que se vuelve muy tedioso, lento y hasta innecesario.

Incluso, hay un momento en que se lanzan muchas cosas que podrían ser relevantes, pero salen todas juntas y tan a la «¡Salvemos la película!» que no logran el impacto que sin duda hubieran podido causar.

Las Olas

Una Marea de Historias y Temas de Interés

Pero, a pesar de esta dualidad en su desarrollo, durante ambas historias pareciera que solo se van a centrar en uno o dos personajes, pero la forma de amplitud que le dan al contexto hace que la narrativa brille por sí sola.

En la mayoría de los casos, vamos a saber por qué esa persona piensa o actúa de cierta forma, por qué toma tal decisión y como se dejan influenciar por ciertas personas que son cercanas.

Ofrecerá, además, opiniones desde distintos puntos de vista sobre temas que actualmente aquejan a la sociedad, o son punto de discusión muy presente, tales como: el machismo, el aborto, desintegración familiar, el control de los padres sobre sus hijos, entre otros.

Algo que también marca demasiado esta historia, además de el amor y la familia, es la importancia del perdón. Es claro que la primicia de Las Olas hace que lo importante o destacable sea la familia, el amor y los diferentes tipos de relaciones en pareja que puede haber según la edad.

Otros aspectos presentes en la película son la madurez, el ritmo de vida y las condiciones sociales, pero también resalta la forma en que el perdón puede afectar la relación con alguien. Así como las consecuencias de otorgarlo a la ligera, o, en su defecto, guardarlo por orgullo.

Las Olas

Técnicamente Perfecta

Visualmente es fabulosa, desde el primer momento te cautivarán los movimientos de cámara que se llegan a ocupar acompañados de las luces y la paleta de colores tan llamativos que se utilizan y sobre todo transmiten lo necesario al espectador.

El paisaje de Florida no es para menos, uno de los más bellos para esta historia y que además ayuda a sumergirte en la vida cotidiana de los personajes. Sintiendolos, no como actuaciones, sino genuinamente como si los personajes estuvieran viviendo un día común sin cámaras de por medio.

Los aspectos técnicos toman un papel muy importante al ayudar a reflejar este paisaje emocional que habrá durante toda la película, sobre todo también con la parte musical.

Las Olas

Déjate Empapar por Las Olas

Con una gran producción, grandes actuaciones e increíbles mensajes, Las Olas es una cinta que debería de estar en tus planes del fin de semana, sobre todo si te gusta disfrutar de una cinta que genera discusión al salir de la sala sobre si te sientes como tal personaje o si compartes los ideales del otro. Porque seguramente te identificarás con alguno de sus protagonistas. Pero eso sí, ve preparado o preparada porque no es una cinta para cualquiera, pues a pesar de que la primera parte es muy buena y frenética, la segunda es buena y tediosa. Como sea, no te arrepentirás de haberla visto.

Las Olas

Cinéfilos y Cinéfilas, no pierdan la oportunidad de ver esta fantástica historia y cuéntenos ¿Irán a ver Las Olas?

Ragnarök: Thor se vuelve ambientalista

En un cómico y representativo fragmento de la novela alemana Maldito karma (David Safier, 2007), el personaje de Buda le explica a la protagonista cómo hay una habitación en el más allá donde viven los dioses desempleados: Zeus, Ares, Afrodita, pero también Odín o Huitzilopochtli. Todas aquellas divinidades antaño poderosas, pero que hoy no moran en ningún corazón ni reciben ninguna plegaria. De vez en cuando, una palabra no les vendría mal.

Ragnarök, la nueva serie noruega de Netflix, es una de esas palabras que vuelve a poner en el centro divinidades confinadas a la historia y al cómic. ¿Qué podrían hacer realmente en un mundo como el nuestro?

Adam Price continúa su indagación sobre la psicopolítica nórdica, ahora hincando el diente en el cruce entre mitología y juventudes. En Borgen, vemos una radiografía puntillosa y alucinante sobre la política danesa: sus laberintos, sus alianzas, sus horrores. En Algo en que creer, el centro es la iglesia luterana, el poder que ha ejercido sobre las mentes y los cuerpos de sus feligreses durante tres siglos y cómo éste es puesto a prueba en los nuevos escenarios sociales.

Si las primeras dos series apuntan a la psique del mundo adulto, en Ragnarök los adolescentes son puestos en el centro ya no desde la aflicción de su fe ni desde la política partidaria, -ambas les son ajenas-, sino desde su quehacer político como activistas y a través de su cosmología más inmediata: los superhéroes y las leyendas.

Ragnarök

Ragnarök: adolescentes ante el fin del mundo

El escenario es una secundaria en un pueblo ficticio llamado Edda. Su geografía es envidiable: se encuentra al pie de montañas, está rodeado de lagos y cuando hace calor el termómetro no supera los 27 grados celsius. Este paraíso nórdico, además, tiene una poderosa industria, Jutul, que lo coloca en el centro de la economía global.

La secundaria de Edda es un compendio de personajes típicos: el chico nuevo, la que lucha con su identidad sexual, la chica rica, guapa y dominante, el chico que hace chistes sexuales, el chico que sólo busca encajar, la chica que no ha tenido nunca una relación sexual, o el chico malo que se enamora y quiere dejar de ser malo; además de otros personajes no tan habituales como los chicos que se acuestan con la directora o el chico que orina en los monumentos fúnebres.

Este catálogo tiene también adultos: la madre deprimida, el padre desempleado, o los dueños de la industria Jutul que, convenientemente, son también directores de la secundaria y tienen bajo su control a todas las instituciones.

El planteamiento de Ragnarök es el siguiente: Magne, el chico nuevo, llega a la secundaria de Edda. Allí conoce a Isolde, quien sube videos a youtube donde difunde sus investigaciones caseras sobre el daño ambiental que industrias Jutul está ocasionando en el pueblo. Si las autoridades siguen solapando a la empresa, las consecuencias serán irreversibles y apocalípticas.

En uno de los primeros momentos de la serie, veremos cómo una misteriosa mujer toca a Magnus y, a partir de allí, éste comienza a experimentar cambios en su comportamiento: puede arrojar un martillo a kilómetros de distancia, sobrevivir a la embestida de un camión, entender lenguas muertas, romperle el cuello a perros salvajes, o beber sin embriagarse.

Magnus, dotado de sus misteriosas habilidades, hará equipo con Isolde y su computadora, así como con la inocente y límpida Gry para demostrar al pueblo que Industrias Jutul sí está contaminando el agua y que es la responsable directa de las muertes de animales que han empezado, así como de los minerales tóxicos en el agua que acabarán por mandar a la tumba a todos los habitantes.

Entre Greta Thunberg y Stephenie Meyer

Los personajes de Ragnarök no están planteados de forma muy diferente a los de la saga Crepúsculo. Sus identidades mitológicas rozan una y otra vez con sus caprichos adolescentes o sus berrinches de adultos. Esto es un acierto y un lastre. Acierto porque en la mayoría de las ocasiones hay una clara distancia paródica de la mirada del director sobre las acciones de sus personajes (como en las peleas con cuchillos de mesa que tienen los personajes), y lastre porque los estereotipos llegan a entorpecer el dramatismo del conflicto ambiental que aborda la serie (por ejemplo, el caso de la póliza denegada al padre de Gry).

En este punto, la serie reconoce su deuda con Greta Thunberg, quien se ha convertido en ícono de la cultura pop por su desafío abierto al escepticismo adulto de Donald Trump y los negacionistas del cambio climático; así Ragnarök no teme en poner un trabajo de fin de curso como la herramienta más efectiva para desestabilizar a todo un emporio industrial y cambiar la historia de Edda.

¡Es el capitalismo!, ¿quién podrá defendernos?

La propuesta central de Ragnarök radica en la remitologización de lo cotidiano (lo que la pone en la estela de series como Lucifer, American gods, Good Omens, God friended me). Magnus puede ser el Thor más ineficaz de la historia del cine y la televisión, pero entiende que las vías para lograr el cambio social no están en el despliegue inaudito de sus superpoderes, sino en los caminos institucionales (¡vaya elogio a la democraca moderna!). Para salvar el medio ambiente no basta con asesinar a los gigantes del capitalismo, sino que es necesario entender cómo lo hacen y tener las pruebas materiales de que aquello que realizan está dañando al planeta.

Este empoderamiento del activismo cotidiano (ese que se hace desde las redes sociales y los pequeños colectivos de resistencia) es encarnado por Magnus y su difunta aliada Isolde, quienes, no obstante, descubrirán la debilidad de sus fuerzas y el enorme poder de sus adversarios.

Esta caracterización del enemigo como Gigantes mitológicos resulta empoderadora tambíen para las industrias. Llegaron aquí antes que nosotros y difícilmente se irán. Su divinización desarma cualquier iniciativa que se emprende en contra de ellos.

Ante ese panorama desolador, sólo el milagro del rayo puede defendernos.

¿Funciona Ragnarök?

Ragnarök es una serie con altibajos que, sin embargo, consigue encantar, emocionar y, sobre todo, dejar una impronta positiva en las y los espectadores sobre el problema ambiental que retrata.

A pesar de que en el cuarto capítulo, la serie se empantana en diálogos excesivamente explicativos y hacia el final del sexto episodio resuelve apuradamente su última batalla con un artilugio catártico (deus ex machina, lo llaman los especialistas) y una frase que acaba degradando el evento mayor de la mitología nórdica a un fin de ciclo escolar; los episodios de Ragnarök nos regalan personajes asequibles, modelos de comportamiento que finalmente sacan a la representación de lo juvenil de ese bache harto de sexo, depresión, desencanto y drogas que otras series se han encargado de reproducir (desde 13 reasons why hasta Euphoria).

Con Ragnarök vemos a esos otras juventudes cuya identidad pasa, sí, por el placer y la angustia de un encuentro sexual, la experimentación con las drogas, o los altibajos emocionales, pero que encuentra su realización en la defensa del otro y del entorno que todas y todos habitamos.

Digimon: 20 años de Nostalgia

Digimon daría las lecciones de vida más importantes de la infancia.

¡¡Agumon Digievoluciona a…!!

Todos los niños de los 90’s soñaban con despertar algún día y encontrar a su lado un «digivice» —Aún lo soñamos— para convocar a su compañero de vida y comenzar la defensa de su realidad. Todo gracias a que en 1997 la empresa japonesa de juguetes: «Bandai», lanzó un nuevo manga titulado Digimon, además de introducir al mercado un dispositivo llamado Digimon Virtual Pet.

siguiendo la tendencia de esa época donde uno de los animes más populares era otra joya de la cultura popular: Pokémon. El responsable de regalarnos la historia de los digimon fue Akiyoshi Hongō, o al menos eso se acredita en todos los medios de referencia.

Sin embargo, existe la posibilidad de que podría ser un seudónimo de varias personas: Aki Maita, diseñadora del Tamagotchi; Takeichi Hongo, director de marketing de Bandai; Tenya Yabuno, mangaka de los primeros mangas; Hiroshi Izawa, idea original de Adventure V-Tamer 01; y Katsuyoshi Nakatsuru, director y guionista de Toei.

Creando un mundo paralelo basado en los «Tamagotchi», se podía viajar entre este mundo y el real, con el objetivo no de capturar el mayor número de criaturas, sino de salvar el mundo digital y a sus habitantes.

Así, comenzó una aventura que nos llevaría a conocer a los ocho niños elegidos, quienes enfrentarían los más grandes enemigos y darían todo para evitar que el mundo digital termine corrompido por la oscuridad.

Digimon

El Inicio del Digiamor

Ante la popularidad que comenzaría a tomar el manga y los productos relacionados a la franquicia, el anime sobre los niños elegidos y sus compañeros Digimon vería la luz un 7 de marzo de 1999 bajo el título de Digimon Adventure, a cargo de Toei Animation; culminando poco más de un año después el 27 de marzo del 2000.

En América Latina, llegaría precisamente hasta el 2000, y rápidamente se convertiría en uno de los programas favoritos de la infancia, todos querían ser Tai, Matt, Sora, Izzy, Mimi, Joe, T.K. o Kari. Su fama incrementó de manera tan exponencial, a tal punto de comenzar a ser tachada de “copiarle” a Pokémon.

Pero cómo no hacer que entrara en los gustos de la audiencia si ni siquiera podemos olvidar (hasta la fecha) su magnífico y hermoso opening: Butter Fly o que tal Brave Heart al momento de la digievolución.

Digimon

Adventure 02 la Continuación Perfecta

Todo marchaba a la perfección, el anime que nos transportaba al mundo virtual había sido todo un éxito, no sólo mantenía entretenidos a los más pequeños de la casa, sino que además les inculcaba en cada capítulo su dosis de valores.

La amistad, el respeto, el amor, la solidaridad, la lucha contra el mal, el perdón, la empatía, entre muchos otros mensajes positivos e increíbles. Sin embargo, la religión comenzaría a influir en la ideología de los adultos sobre “estas caricaturas que provenían del mismísimo demonio”… Y esto era básicamente con todos los programas infantiles populares de esa época.

En fin, esta segunda serie de capítulos que se estrenaría en el 2000, mantendría la continuidad de la historia original, con nuevos retos por explorar y mayores amenazas que vencer.

Además, la historia cada vez sería más compleja, nuevas especies de digimon surgían, los personajes comenzaban a crecer poco a poco y descubrir cosas nuevas sobre su niñez y pronta adolescencia. Las digievoluciones cada vez emocionaba más al espectador, —A mi no me vas a mentir, tú también gritaste a todo pulmón y con la piel chinita: ¡Patamon digivolvs a…!—.

Pero a partir del final de esta temporada en 2001, el futuro de la saga tendría planes distintos para sus próximas entregas, ese mismo año nos romperían el corazón al comenzar con una nueva historia.

Digimon

Digimon Tamers ¿La Última Historia Interesante?

Toei Animation seguía sin perder el tiempo y en 2001 lanzan lo que para muchos sería la única serie verdaderamente emocionante, conmovedora y rescatable de las historias independientes que se tenía planeado hacer.

Ahora exploramos el mundo de tres jóvenes: Takato, Rika y Henry; quienes a lado de sus compañeros digimon: Guilmon, Renamon y Terriermon respectivamente; buscaban defender el planeta ante la falla del mundo virtual que amenaza con comerse hasta todo a su paso sea real o digital. Además deberán averiguar el origen y papel de dos peculiares digimons, nunca antes vistos.

Estos capítulos lograron desarrollar una historia fascinante, llena de sorpresas, nuevas temáticas en la digievolución o el diseño de los digivice, también mostró criaturas más complejas y algunas hasta aterradoras, desafiando la madurez de los personajes.

Digimon

Y Estas Tres… ¿También son de Digimon?

Las generaciones crecieron y las historias que se relataban con estos Digital Monsters se hicieron menos llamativas, los seguidores se sentían menos identificados que con la historia que lo inició todo y prácticamente han dejado en el olvido a las producciones de Frontier (2002), Data Squad (2006) y Xros Wars (2010).

Éstas ofrecían aún más innovaciones en aspectos que se hicieron característicos en sus antecesoras, pero también tuvieron que lidiar con la evolución de la tecnología en la vida real y el surgimiento de otra generación de caricaturas americanas que ganaron la atención de la nueva infancia.

Para este punto, a pesar de ya tener unos años más, la digigeneración seguía recurriendo a la nostalgia viendo de nuevo las aventuras de Agumon, Gabumon, Patamon, Tentomon y el resto de los ocho elegidos que tantas alegrías  hicieron pasar.

Digimon

¡Regresaron del Digimundo!

En el 2014, durante el evento del 15 aniversario, recibimos la mejor noticia al revelarse que nuestros ocho héroes elegidos regresarían para protagonizar Digimon Adventure Tri, secuela que ocurre 3 años después de los acontecimientos de Adventure 02. Esta nueva entrega llegaría en formato de 6 OVAs emitiéndose en cines de Japón, el primero de ellos llegó en noviembre de 2015 y culminarían su publicación en mayo de 2018.

Pero eso no es todo, precisamente este 21 de febrero del 2020 como parte de la celebración del vigésimo aniversario, una nueva entrega nos hará vibrar de emoción y regresar al Mundo Digital con el estreno  de la película: Digimon Last Evolution Kizuna.

Aquí, veremos de nueva cuenta a los ocho personajes originales, para conocer lo que pasa después de los hechos de Adventure Tri. Además de que para abril de este mismo año, se habla de una nueva serie titulada Digimon Adventure Psi, que explorará una parte de la infancia de los elegidos poco vista durante anteriores capítulos, mostrando de nuevo a las versiones jóvenes.

Digimon

Desde que inició el Digimundo simplemente no hemos podido dejar de anhelar saber un poco más de Tai, Matt, Sora, Izzy, Mimi, Joe, T.K. y Kari; que nos han acompañado y crecido junto a nosotros.

Cinéfilos y cinéfilas, cuéntanos ¿Qué Digimon te gustaría tener? Y ¿Cómo vas a celebrar este vigésimo aniversario?