Dont Look Up: ¿La ficción superó la realidad?

Dont Look Up nos presenta una divertida sátira que nos recuerda porque la naturaleza ya nos ganó.

Este 24 de diciembre llegó a Netflix: Dont Look Up -en español No Miren Arriba-, una sátira que aborda el tema de la crisis climática a través de una analogía con la llegada de un asteroide que está a punto de impactar con la tierra y acabar con la existencia humana.

La película cuenta con un elenco de lujo conformado por Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Jonah Hill, Jennifer Lawrence, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Himesh Patel, Cate Blanchett, etcétera. Y está dirigida por Adam McKay, quien ganara el Oscar a Mejor Guión adaptado por The Big Short en 2015.

Este contexto sugiere a la audiencia que estamos frente un filme que podría ser nominado en diversas categorías de los Premios Óscar en el 2022, ¿pero cumple con las expectativas?

Dont Look Up

El drama del fin del mundo

La estudiante de astronomía Kate Dibiaski (Jennifer Lawrence) descubre que un cometa está a punto de colisionar con la Tierra, lo cual informa al Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), quien comprende que tal hallazgo es en realidad una alerta sobre el fin del mundo.

Acto seguido buscan reunirse con la Oficina de Coordinación de Defensa Planetaria para informar la situación a la presidenta de Estados Unidos: Orlean (Meryl Streep), y así obtener apoyo para salvar la Tierra, sin embargo esta convierte el asunto en un espectáculo que busca enaltecer su imagen para las próximas elecciones.

Esto provocará que los protagonistas se enfrenten a una absurda agenda mediática para correr la voz de un importante mensaje, del cual diversas facciones buscarán sacar provecho.

Dont Look Up

¿De verdad es tan buena?

Si algo sabe hacer Adam McKay es mantener al espectador/a al borde del asiento, No Mires Arriba crea un equilibrio bastante aceptable entre el fondo y la forma de la historia, el cual nos presenta una comedia con tintes de drama que refleja un inminente desinterés sistemático por el futuro del planeta, un absurdo morbo por la vida pública de las celebrities, y el descomunal apego a las redes sociales.

En definitiva la historia se mofa de diversas circunstancias que reflejan la precariedad que existe en la toma de decisiones de los altos mandos, así como la elección de la ignorancia para evadir responsabilidades y acciones por parte del público en general.

La reflexión del filme es simple: la población mundial no está preparada para tomar en serio un mensaje que literalmente podría salvar sus vidas o terminar con ellas, el discurso principal se centra en una reflexión sobre el papel de los científicos en un mundo liderado por gobernantes vulnerables al escrutinio público de su imagen personal, y una sociedad contemporánea que idolatra la vida soñada de los/as artistas del momento.

Quizá vista desde una perspectiva cinematográfica Dont Look Up no es la mejor película del año, pues su mensaje no logra trascender a lo largo del filme, esto a pesar de que denota en diversos momentos la desesperación de los personajes por enviar su mensaje al mundo, lo que da fuerza a la trama y es el pilar que sostiene a la misma.

Dont Look Up

Un final anunciado

Dont Look Up no sólo funciona porque trae a colación un puñado de analogías casi descaradas de momentos reconocibles, sino también porque logra dar marcha a la historia con actuaciones divertidas. Cabe señalar que la traducción al español del filme logra mejorar la experiencia a través de diálogos divertidos y espontáneos.   

Los personajes impregnan algo de sí mismos en cada escena fortaleciendo de una forma muy natural las secuencias de la película, la cual cuenta con cambios muy marcados que por momentos podrían confundir al espectador, pero no poseen el afán de distraer la trama principal, lo que permite que la narrativa logre sostenerse de manera absurda pero consistente.

Desde la frustración de Leo DiCaprio, hasta la rabia de Lawrence, la singularidad de Chalamet, el cinismo de Jonah Hill, y cada momento que homologa a la situación actual, Dont Look Up en una propuesta que logra conectar con cada personaje en una singular trama, y nos presenta dos secuencias finales que contrastan con la comedia y tienen la intención de voltear la mirada hacia un futuro completamente incierto.  

Dont Look Up

Cinéfilos y Cinéfilas, ¿Qué les pareció Dont Look Up?

El otro Tom: ¿La sociedad está lista para tratar los trastornos infantiles?

El otro Tom es una producción mexicana rodada en El Paso, Texas de la mano creativa de la pareja de cineastas uruguayos Rodrigo Plá y Laura Santullo.

El film ha sido presentado en el Festival internacional de Cine de Toronto (TIFF), y estrenado mundialmente el Festival de Cine de Venecia, explora la complejidad de la medicación en niños diagnosticados con trastorno de déficit de atención e hiperactividad en una sociedad que no está lista para acompañar a los padres en el proceso de integración de sus pequeños.

¿De qué va?

El otro Tom gira en torno a la historia de Tommy, un niño con problemas de comportamiento que vive con su madre Elena, quien además, trabaja para sostener a su pequeña familia a causa de su separación con el padre de Tom, una imagen ausente que de forma ocasional mantiene comunicación con su hijo.

Elena está aprendiendo a conocer a Tom, luego de que fuera canalizado a terapia para comenzar un tratamiento que incluye medicación psiquiátrica. Poco a poco Tom comienza a presentar efectos secundarios que ponen en riesgo su vida; ante esta situación Elena necesita respuestas, pero nadie está dispuesto a brindarle la atención que necesitan.

Después de un episodio de gravedad, Elena empieza a cuestionar la terapia y el cómo la sociedad percibe a Tom y a su rol como madre soltera, desembocando en un viaje que explora la complejidad de un sistema que no se interesa por entender y apoyar los trastornos infantiles.

Una de las mejores impresiones durante el desarrollo de la película, es el papel de Elena, pues a pesar de las circunstancias en las que se ve envuelta constantemente con Tom, encuentra un equilibrio entre la desesperación y la comprensión con la que cada día intenta entender la condición de su hijo, pero también, a conectar con ella misma y sus propios deseos.

El otro Tom se desarrolla en medio de un contexto sociopolítico que retrata las condiciones de vida de los inmigrantes que radican en el sur de los Estados Unidos, quienes no encuentran un lugar en común con la sociedad que los excluye continuamente por sus raíces México-americanas. Dicha problemática reafirma el desinterés por crear mejores oportunidades para la población.

El otro Tom

Una historia necesaria

Una de las primeras impresiones sobre El otro Tom, son la poca experiencia de sus protagonistas y el resultado tan natural que logran con sus interpretaciones; tal es el caso de la amateur Julia Chávez (Elena) que debuta con un personaje que logra conectar con el espectador, en los zapaos de una madre dispuesta a sacar adelante a su hijo.

El otro Tom, además, abre un debate acerca de la fuerte medicación a los pequeños diagnosticados con TDHA, pues expone los efectos de un tratamiento psiquiátrico incompleto en niños y la poca empatía de las autoridades educativas y sociales ante situaciones que ignoran.

Aunque el cine ya nos ha presentados historias acerca de diferentes trastornos, esta cinta resulta única en su género, pues desenmascara una realidad cercana que aun, pocos están dispuestos a comprender. Pla, explica que estadísticamente los niños latinos presentan un alto índice de medicación psiquiátrica, donde encontraron una oportunidad para hablarle al mundo.

El otro Tom es conmovedora, con muchos toques que juegan con las emociones del espectador; el filme mexicano nos recuerda la importancia de abrir los ojos a otras realidades que nos acompañan día a día, por lo que hablar del tema debe ser una cuestión de interés público que la pareja de uruguayos se atrevió a llevar a la gran pantalla.

¿Qué opinan Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Se atreven a conocer a El otro Tom? ¡Recuerden que es parte del Tour de Cine Francés 2021!

Adiós, idiotas: Una comedia con mensaje

Adiós, idiotas es un filme francés dirigido por Albert Duppontel que combina comedia, drama y nostalgia con una historia que reúne a tres personajes en busca del sentido de la vida

Adiós, idiotas juega con un guion que recorre tres momentos importantes en la vida de Suze Trapper, JB y el señor Blin. La primera, una estilista que a sus 43 años recibe la noticia de encontrarse gravemente enferma y con poco tiempo de vida; el segundo, un genio informático a quien han removido de su actual puesto de trabajo para contratar a un profesional más joven, y un veterano que lucha constantemente con su pánico a la policía y que además es ciego.

¿De qué va?

El filme comienza con un recuerdo de Suze luego de enterarse de que morirá; durante su adolescencia y un desenfrenado amor, quedó embarazada de su novio y sus padres la obligaron a entregar a su bebé, perdiendo pista del mismo. Ahora, encontrarlo para saber qué fue de él, se vuelve su único deseo antes de partir de este mundo.

Por otro lado, JB, el brillante y solitario informático que pasa horas demostrando su potencial, recibe la noticia de que deberá preparar a un nuevo chico para que ocupe su lugar de trabajo; al sentirse traicionado y rebajado, pierde las ganas de vivir y prepara su suicidio.

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Adiós idiotas

Suze quiere encontrar a su hijo, y al parecer, el único que puede ayudarla es JB. El destino cruza sus caminos el día en que JB decide suicidarse en su propia oficina, donde Suze continua su búsqueda.

Luego de un disparo fallido que hiere a uno de sus compañeros de trabajo, todos los empleados empiezan a evacuar la oficina donde la única que queda dentro es Suze, descubriendo que JB, es trabajador del área interna donde se encuentran resguardados los registros de los nacimientos anónimos. Pero esto no será suficiente.

El desarrollo de un final anunciado

Después del fallido intento de JB por acabar con su vida, queda atrapado en la oficina de donde Suze lo rescata, llevando consigo el video que JB grababa explicando por qué se quitaba la vida, mismo, que resulta en la única evidencia que podría librarlo de ir a prisión por el atentado que provocó accidentalmente.

Suze le explica por qué necesita de su ayuda, pero JB no acepta de inmediato, pues en realidad no tiene acceso a la información que ella busca. Más tarde, al verse prófugo de la justicia, JB regresa para aceptar un trato con Suze, donde acuerdan que si él la ayuda a encontrar a su hijo, ella le regresa el video que podría salvarlo de ir a prisión.

Durante su búsqueda conocen al señor Blin, un archivista ciego que los ayuda a encontrar la información que Suze necesita. Después de lograr su cometido, Suze decide dar un paso más e ir en busca de su hijo, pues ha descubierto que Adrian, se convirtió en un joven informático con mucho talento.

En la aventura la acompañan JB y el señor Blin, quien e dos ocasiones los ayuda a huir de la policía que los persigue.

Una Tragicomedia Diferente

Cuando Suze mira por primera vez a su hijo, está dispuesta a irse para siempre. Pero JB descubre algo más, que Adrian no está bien, porque está enamorado, y describe un futuro conocido, que advierte a Suze de hacer algo más por su hijo.

Suze, JB y Blin ayudan a Adrian a conocer a la chica a quien le escribe poemas, a través de un orquestado e improvisado plan que con ayuda de los conocimientos informáticos de JB, logran juntarlos en un elevador, donde al quedar atrapados, Suze decide hablarle por el micrófono, confesarle su amor de madre y motivándole a seguir a su corazón.

Después de una romántica escena, JB y Suze continúan escapando, mientras la salud de ella empeora, la policía los encuentra y Suze toma la decisión de entregarse, aunque solo es una víctima, acompaña a JB hasta el momento en que se toman de las manos, JB le confiesa que se ha enamorado de ella y seguido de un beso, se despiden con la frase “Adiós idiotas” y mueren a manos de la policía.

Adiós, idiotas es una tragicomedia ligera pero diferente, pues nunca te esperas el acto siguiente, lo que la vuelve una historia única y llena de momentos de los que puedes llevarte un mensaje personal de la mano de cada personaje.

¿Qué opinan cinéfilos y cinéfilas? ¿Se atreven a ver una comedia diferente?

Cinderella: ¿Una adaptación necesaria?

Cinderella nos hace cuestionarnos si era necesario volver a adaptar la historia de una de las princesas de Disney más populares.

Cinderella es uno de los filmes más populares de Disney, y a lo largo de los años ha sido el referente de muchas situaciones que hoy son cuestionadas por las mujeres del mundo, pues la historia expone un mundo dominado por el poder de la corona, donde las mayores virtudes de la mujer son su bondad, la capacidad de complacer a otras personas, y la belleza que le permite perseguir el sueño del matrimonio -el cual se utiliza como equivalente a una vida feliz-.

La lucha constante por la inclusión y la representación de historias más cercanas han permitido que el cine apueste por el reconocimiento de las minorías que cada vez se hace más presente, y así es como llega a Amazon Prime Video esta nueva adaptación de la Cenicienta, la cual muestra a una hada madrina no binaria o una Cenicienta latina (interpretada por la cubana-estadounidense) Camila Cabello.

Pero ¿esta nueva producción logra transformar el mensaje del clásico de Disney? ¿Brinda valor a las niñas y mujeres para luchar por sus sueños y cuestionar lo que está bien y mal en la sociedad?

Cinderella

¿Cómo empoderar a una princesa?

Antes del remake escrito y dirigido por Kay Cannon, conocimos la versión de Mark Rosman: realizador de La nueva cenicienta, filme protagonizado por Hilary Duff que ya nos daba una probada de como modernizar un cuento de hadas a través de la historia de una adolescente cuyo mayor anhelo es ir a la universidad de Princeton, esto mientras se enfrenta a la avaricia de su malvada madrastra.

Sin embargo la nueva cinta de Columbia Pictures decide regresar a lo clásico a través de una historia llena de fantasía, en la que su desarrollo termina quitándole peso al mensaje que publicita acerca del empoderamiento femenino, pues el mismo se queda a la mitad en todo momento.

Si bien Kay Cannon apuesta por una princesa más independiente, segura de sí misma y talentosa, la película se va fragmentando hasta perder el verdadero objetivo del mensaje que pretende enviar, pues cae en un punto donde no logra desarrollar un conflicto que mantenga al espectador/a atenta/o y que fortalezca la narrativa, por ende termina sosteniéndose sólo de los musicales, los cuales están bien ejecutados.

El personaje de Camila Cabello intentó redefinir los roles de género al querer convertirse en una mujer de negocios, pero el enfoque se pierde rápidamente porque la película intentó subrayar este diálogo con el de otros personajes como el de la hermana del príncipe, quien quiere ser la sucesora de la corona.

Cinderella

El verdadero mensaje de Cinderella

La creadora de este nuevo remake –Kay Cannon– tenía toda la intensión de que los personajes brillaran por sí mismos/as, pero el guion terminó limitando en extremo su verdadera esencia, pues el mismo no brinda oportunidades para explotar la personalidad de cada uno/a de ellos/as, aún con todos los elementos que puso a su favor como la música y sus intérpretes.

Cenicienta termina convirtiéndose en un musical sin fondo que nos regala momentos emotivos, pero nada más, porque no eleva el valor de la historia, sólo nos distrae de una secuencia poco clara donde cada personaje tiene un sueño que no alcanza un punto de reflexión.

Cinderella sí puede ser un referente para las futuras generaciones pues cumple con el género fantasioso de la película, además de que presenta un toque novedoso que puede resultar inspirador para el público infantil, pues exponer una realidad de la que todos formamos parte es un ingrediente valioso para contar un cuento de hadas.

Lamentablemente aunque el mensaje del largometraje persigue el ideal de la revolución femenina se queda a medias en el desarrollo, al grado de que cuando está a punto de alcanzar su sueño la película corta bruscamente, imitando el final feliz de una historia de hadas.

Cinderella

¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ya vieron Cinderella en Amazon Prime Video?

¿Jóvenes altezas tendrá una segunda temporada?

Jóvenes altezas es una de las mejores series juveniles del momento, ¿logrará renovar para una segunda temporada?

Cuando Jóvenes Altezas llegó a Netflix las audiencias comenzaron a valorarla como una de las series juveniles del momento, esto debido a que expone la adolescencia en su máxima expresión sin caer en lo simplista o dramático.

A pesar de que la producción sueca se centra en chicos aristócratas, mantiene una narrativa bastante digerible que permite disfrutarla sin esperar cambios bruscos en la trama, razones por las que ya figura entre las elegidas del susodicho streaming para una segunda temporada.

Jóvenes altezas

¿De qué va?

Jóvenes altezas está dirigida por Erika Calmeyer y Rojda Sekersöz, la serie consta de 6 episodios que narran la historia del príncipe Wilhelm (Edvin Ryding), quien después de involucrarse en una pelea donde su imagen se ve ensuciada se le envía al prestigioso internado Hillerska, lugar donde tiene la oportunidad de descubrir sus verdaderos deseos e intereses.

Sin embargo luego de que su hermano y futuro heredero al trono sufre un accidente automovilístico, Wilhelm debe regresar a su realidad para hacer frente a sus nuevas obligaciones.

El programa de Netflix enmarca una historia de amor que desde la inocencia llega a convertirse en un conflicto relacionado a la homofobia en la realeza, sucesos que repercuten en los sentimientos del príncipe Wilhelm y Simón.

Jóvenes altezas

¿Habrá segunda temporada?

Aunque Jóvenes altezas no representa una novedad en su trama, el desarrollo de la misma mediante personajes frescos y cercanos a la realidad le permite diferenciarse de cualquier otra serie juvenil del momento, por lo que a pesar de que Netflix aún no ha confirmado nada, el cariño de las audiencias y el desenlace de la primera temporada dejan entrever que existe la posibilidad de una pronta continuación.

Cinéfilos y cinéfilas, ¿Quieren una nueva temporada de Jóvenes altezas?

Operación Varsity Blues: ¡El polémico documental de Netflix!

Operación Varsity Blues expone un modelo de negocio millonario, sobre el acceso fraudulento de estudiantes a las universidades más prestigiosas de USA.

El nuevo documental de Netflix: Operación Varsity Blues, nos narra la historia de uno de los fraudes más grandes realizados en la historia reciente de Estados Unidos, mostrándonos los escenarios y evidencias de la venta de admisiones universitarias dirigidas a hijos/as de importantes empresarios.

Como vemos a través de la dirección de Chris Smith y Jon Karmen, lo anterior se lograba mediante un sistema denominado Por la puerta lateral, donde se hacia pasar a los estudiantes como integrantes de exclusivos deportes, así Rick Singer ofrecía a compradores potenciales, una forma simple, rápida y eficaz de asegurar el futuro educativo al mejor postor.

Operación Varsity Blues

Gestando el fraude

El documental recrea conversaciones extendidas por teléfono, donde se negociaba, por ejemplo, un acceso a Harvard, a cambio de una módica donación que justificase la aceptación de estudiantes. Dichas donaciones rondaban los 500.000 dólares, y a cambio entraban a universidades como Georgetown, Boston College, Georgia Tech y la Universidad del Sur de California.

Según el documental, Singer se acercaba a sus víctimas como un consejero universitario que entrenaba estudiantes para obtener una puntuación alta en los exámenes de admisión, de tal forma encubría las transacciones económicas que realizaba con un grupo de más de 50 cómplices quienes también se veían beneficiados con las donaciones de los padres, entre los que se encontraban empresarios, actores, actrices, etcétera.

Operación Varsity Blues

La ventana del privilegio

Este documental no sólo da muestra del poder adquisitivo de algunos y las barreras que pueden traspasar tener los contactos correctos, sino también la exposición de un sistema divisor, que ofrece mayores oportunidades a la formación de gente blanca y adinerada.

Las investigaciones de la Operación Varsity Blues, relatan casos tan indignantes que insultan el verdadero potencial de aspirantes rechazados, por la entrada a personalidades desinteresadas en la educación superior: tal resulta ser la historia de una influencer, hija de un reconocido diseñador y una famosa actriz, quien ingresa sólo por status, ignorando y sobajando el esfuerzo de a quienes les robó una oportunidad que no necesitaba.

Definitivamente vale la pena echar un vistazo a la producción de Netflix, para encarar una realidad nada lejana a la situación educativa actual, sometida por el engaño, la falsificación y corrupción, a través de equipos deportivos como una de las principales fuentes de ingresos económicos y de popularidad.

Operación Varsity Blues

El esquema de corrupción que describe este documental, nos lleva a conocer las estrategias de Singer y las ambiciones de los poderosos por seguir alimentando su prestigio personal.

Cuando después de una ardua investigación, la mente detrás del crimen es descubierto, comienza una emboscada aún más ambiciosa, hacer caer a cada uno/a de los/as participantes del negocio, donde finalmente cada uno va enfrentando una condena indirecta al fraude.

El documental sobre el mayor fraude universitario en los Estados Unidos, caracterizado por la la narrativa de los hechos y la recreación de los escenarios, resulta un retrato imperdible para quienes gustamos de investigaciones policiacas basadas en hechos reales.

Cinéfilos y Cinéfilas ¿Qué les pareció Operación Varsity Blues?

Your Honor: ¿La Gran Sorpresa de Bryan Cranston?

Una de las apuestas más fuertes del servicio streaming de Paramount+, es la miniserie protagonizada por Bryan Cranston: Your Honor.

Your Honor narra la travesía del prestigioso juez: Michael Desiato (Bryan Cranston), quien busca mantener a salvo la vida de su único hijo: Adam (Hunter Doohan), después de que el joven, tras un descuido ocasionado por un ataque de asma, provocará un accidente en el que muere un chico de su edad.

Bajo esta premisa se desarrolla un drama judicial, donde el amor de un padre por su hijo, le llevará a sobrepasar los límites de su honorabilidad.

Una lucha de poderes

Cuando Adam le confiesa a su padre que accidentalmente mató a un joven con su auto y lo dejó en medio de la acera, la historia desenvuelve una serie de eventos que dificultan la resolución feliz del conflicto, ya que al llegar a la policía para confesar el crimen de Adam, su progenitor descubre que el fallecido era el hijo de Jimmy Baxter (Michael Stuhlbarg), un conocido jefe de la mafia.

A partir de este encuentro, Michael decide proteger a su hijo a toda costa, incluso desde su posición como supremo representante de la justicia, ya que de descubrirse que Adam provocó la muerte del hijo menor de Baxter, este podría acabar con la vida de ambos en cuestión de segundos y de la forma más aterradora.

La miniserie de Showtime nos vende una poderosa trama, pero el desarrollo llega a ser confuso debido a breves vacíos en el espacio-tiempo que nos dejan más preguntas que respuestas, desenfocándonos de la historia principal.

Cuanto más avanza el relato, resulta difícil creer que conoceremos toda la verdad en 10 episodios, ya que hay cosas que ni siquiera terminan de abordarse, como el misterio de la muerte de la esposa de Michael, y el intempestivo recorrido de Adam por las calles donde sucedió el hecho traumático.

Your Honor

¿Una historia conocida?

Los dramas judiciales y médicos continúan acaparando la atención de las audiencias, porque tienen la facultad de ofrecer un valor agregado a las historias, a través de sus personajes, decisiones y motivaciones.

A pesar de que la crítica hacia la miniserie ha cuestionado la narrativa de la misma, el mensaje de la trama logra trascender por medio de los vínculos que va atando en cada episodio, manteniendo expectante a las personas espectadoras, con toques de suspenso e increíbles interpretaciones.

No hace falta recordar porque Bryan Cranston continúa en el ojo de los directores cinematográficos, pues el actor posee dotes histriónicos que explota en cada papel, en esta ocasión como un padre protector, pero además como un respetado juez que se ve obligado a explorar el dilema de la verdad y justicia.

No es la primera vez que somos parte de este tipo de cuestionamientos, hace un año Apple TV presentó la miniserie Defending Jacob, drama criminal protagonizado por Chris Evans y Jaeden Martell, como padre e hijo en una situación parecida a la de Michael y Adam, donde la lucha de los padres por sostener su ética profesional, resbala cuando son sus hijos los enjuiciados.

Sin embargo sólo en la premisa podríamos comparar estas historias, esto debido al planteamiento que expone cada una y la reflexión de cada familia: mientras que en Defending Jacob la trama transcurre al borde del escrutinio de la opinión pública, los medios y las redes sociales, Your Honor presenta un escenario más escalofriante, en medio de la desigualdad, el racismo, la precariedad y mafia en los Estados Unidos.

Your Honor

Un final desgarrador 

A lo largo de cada episodio disfrutamos la actuación de Cranston en circunstancias que juegan con los límites de la realidad, por ejemplo cuando Michael recorre los pasos de Adam para borrar toda evidencia del accidente, a fin de que su hijo pueda continuar con su vida, pero las cosas se complican después de que todo es descubierto por Baxter, lo que aprisiona los actos del juez, volviéndolos en su contra.

Michael carga física y emocionalmente con el error de Adam, sometiéndose a las garras del mafioso Baxter hasta las últimas consecuencias, mientras que su hijo comienza a trazar un nuevo bache en cada paso de su padre por salvar sus vidas.

Cuando parece que existe la posibilidad de una segunda oportunidad para los Desiato, el amor y engaño rompen los pocos momentos de estabilidad de la trama, para una vez más apostar por un final inesperado. Pocas escenas logran conectar con la audiencia, y su desenlace es una de ellas, el cual nos deja un vacío frustrante y doloroso.

La producción de la serie enmarca momentos puntuales donde las escenas desbordan un realismo espeluznante, como la muerte del chico Baxter o el asesinato de Kofi Jones (Lamar Jhonson), los encuadres de la trama nos permiten sentir las emociones de los personajes, convirtiéndonos en testigos de una sociedad quebrantada por la dominación de unos cuantos y la vulnerabilidad de la mayoría ante la injusticia.

Your Honor pone como manifiesto los efectos colaterales de una red de mentiras que alcanza los temores más grandes del ser humano, a través de una mirada a la injusticia de los privilegiados y la condena de los inocentes.

Si estabas pensando darle una oportunidad a Paramount+, no te pierdas Your Honor: una historia contrastante y reflexiva.

Your Honor

¿Qué opinan Cinéfilos y Cinéfilas?  ¿Ustedes qué harían por proteger a su familia?

The One: ¿La idealización del amor?

The One es una distopía que podría formar parte de Black Mirror, donde se pone entredicho la idealización del amor.

Si algo sabe hacer Netflix es crear entretenimiento a través de distintos ángulos, sorprendiéndonos de vez en cuando con interesantes propuestas narrativas, y de nuevo lo ha logrado: en esta ocasión a través de un thriller de ciencia ficción que desenfrena la psicosis del ser humano, mediante uno de los mayores opios del mundo: el amor y sus efectos.

The One es la adaptación de la novela La pareja casi perfecta de John Marrs, la cual cuenta con un elenco encabezado por Hannah Ware, quien da vida a Rebecca Webb: una científica que crea un servicio donde a partir de una prueba de ADN, es capaz de encontrar el alma gemela de cualquier persona. 

The One

¿Un futuro cercano?

La premisa de la serie es simple y concreta: tienes en tus manos la posibilidad de conocer al amor de tu vida, pero ¿estas dispuesto a dejar todo lo que ya tienes, por vivir tu propio cuento de hadas? The One explora el supuesto de conectar con la persona ideal con la certeza de que el amor verdadero existe, sin embargo este camino puede ser peligroso.

El planteamiento de la aplicación de la ciencia para deconstruir un modelo de pareja tradicional, cuestiona los límites de la tecnología: en la actualidad las aplicaciones para citas forman parte de la cotidianidad de las/os individuos/as que buscan una relación afectivo amorosa, sin embargo y a pesar de las contraindicaciones de las mismas, el algoritmo conecta de manera superficial a las personas.

Por lo anterior, no sorprende que una historia basada circunstancialmente en hechos reales, hable sobre como el amor se ha convertido en un negocio rentable por la necesidad de afecto y aprobación del ser humano.

The One

La discordia del éxito

La adaptación de Howard Overman para The One, también presenta tres casos de participantes que deciden realizar la prueba para conocer a su pareja amorosa, una de ellas es la mismísima Rebecca Webb, quien en aras de comprobar su creación, logra conectar con un chico por el que debe sacrificar todo para lograr quedarse con él.

Lo que permite desarrollar a la obra un conflicto moral y ético que conlleva el modelo de negocio de Rebecca Webb, quien se ve envuelta en un crimen junto a su amigo el científico James Whiting (Dimitri Leonidas), tras encubrir la muerte de la expareja de la protagonista, quien es traicionado al comprobar que no funciona el invento que revoluciona la experiencia del amor.

The One

Además de esto último, la serie expone diferentes puntos de vista sobre la efectividad de ser compatible al 100% con una sola persona, dando vida a diversos momentos intensos que reflejan la fragilidad de los personajes, enjuiciando sus acciones y decisiones. Finalmente la decisión de amar y ser amado es individual, y no se sujeta únicamente a ilusiones románticas.

Si algo esta evolucionando en este tipo de historias fantásticas, es el papel de la mujer como líder, si te gustó I Care Lot, definitivamente tienes que ver The One para contagiarte del empoderamiento de la mujer profesional, humana y exitosa.

¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Si tuvieran la oportunidad, se atreverían a conocer a su pareja ideal?

Sound of Metal: ¿Logrará llevarse el Óscar?

Sound of Metal es la producción de Amazon Studios que ya cuenta con seis nominaciones a los Premios Oscar, entre las que destacan, Mejor Película, Mejor actor para Riz Ahmed y Mejor sonido a cargo de los mexicanos Michelle Couttolenc, Jaime Baskcht y Carlos Cortés.

Sound of Metal es un drama estadounidense dirigida y coescrita por Darius Marder, protagonizada por Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Lauren Ridloff y Mathieu Amalric. El filme fue estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 6 de septiembre de 2019 y en 2020 fue incluida en el catálogo de la plataforma Amazon Prime.

este año, Sound of Metal comenzó a cobrar mucha más importancia en el mundo cinéfilo. No sólo por la aprobación de la crítica desde su estreno, sino por las recientes nominaciones a las que ha sido acreedora, rumbo a la entrega de los Premios más importantes de la Academia, el próximo 25 de abril en la ciudad de Los Ángeles.

Sound of Metal Poster

¿De qué va?

Sound of Metal narra la vida de Ruben, un apasionado baterista de una banda de heavy metal que se encuentra en el mejor momento de su vida, al lado de Lou (Olivia Cooke) la cantante y guitarrista de con quien comparte el escenario y su corazón. Todo parece ir de maravilla, Ruben y Lou se encuentran de gira a bordo de su casa rodante, hasta que una mañana, Ruben comienza a experimentar la pérdida del 80% de su capacidad auditiva.

Con esta premisa da inicio el filme que resulta en una obra maestra sobre cómo humanizar una historia ambientada en la escena musical. La historia se desarrolla luego de que Ruben acude con un médico quien, después de realizarle algunas pruebas auditivas, le da pocas esperanzas de volver a escuchar, por lo menos no sin un costoso implante.

De entrada, estas historias nos dan la oportunidad de observar las etapas del duelo de un personaje ante un giro inesperado en su vida. Ruben, quien al minimizar la gravedad de su situación decide seguir la gira sin enterar a Lou de lo que le estaba pasando, termina empeorando las cosas y causando estragos no sólo en la banda, también en su relación.

Lou intenta ayudarlo, pero Ruben comienza a experimentar la frustración y la ansiedad a su máximo esplendor debido a la impotencia de sentir que cada minuto escucha menos. Por lo que su equipo decide enviarlo a una casa habitada por una comunidad de personas sordas con antecedentes de consumo de estupefacientes, quienes son vistos por nuestro protagonista como poco más que un obstáculo en su camino para conseguir el dinero para su cirugía y sus implantes.

Sound of Metal

Cómo humanizar una historia

A pesar de la aparente simpleza narrativa que muestra, el drama tiene un desarrollo limpio, congruente y lleno de emotivas sensaciones. Con un guion diseñado para hacernos experimentar las percepciones sensoriales de una persona cuya capacidad auditiva va en detrimento, logra transmitir sentimientos sumamente potentes. Los cuales, acompañados con el excelente trabajo de Riz Ahmed como el protagonista, cada escena es realmente conmovedora.

Pocas veces podemos ver una película desde un punto emocional sin caer en clichés o vagos romanticismos, Sound of Metal expone la sensibilidad del ser humano desde su lado más íntimo y personal, logrando humanizar al personaje principal desde la fragilidad de su ego.

La historia de Ruben no sólo nos encamina a la incertidumbre de su futuro, además, nos lleva al límite de la desesperación que poco a poco lo alcanza, haciéndonos parte de sí mismo, con los increíbles efectos de sonido que nos permiten percibir la forma en que el protagonista escucha todo a su alrededor.

Con estos estímulos auditivos dirigidos al espectador, la trama consagra el papel de Riz Ahmed, ya que a través Ruben nos cuentan una historia, nos hacen sentirla al grado del desconsuelo de nuestro personaje protagonista, quien además, es en todo momento muestra de la fuerza de voluntad por los que ama y lo que ama.

Con un final abierto a la reflexión individual y de la mano de la fascinante actuación de Riz Ahmed, Sound of Metal nos recuerda la magia de las vibraciones y la forma de alcanzar la felicidad a pesar de la adversidad. 

Sound of Metal

Las Nominaciones de Sound of Metal

Sound of Metal actualmente está nominada a las siguientes categorías en los próximos premios Óscar:

Mejor película

Mejor actor: Riz Ahmed

Mejor actor de reparto: Paul Raci

Mejor guion original

Mejor edición

Mejor sonido

Pero también acaba de ganar las categorías de Mejor Sonido y Mejor Edición en los Premios BAFTA y fue nombrada como La Película del Año por el Instituto Americano de Cinematografía

¿Qué opinan Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Cuantos premios se llevará Sound of Metal?

Rebelde en Netflix ¿La nueva televisión mexicana?

Rebelde se convirtió en una novela referente de la cultura popular mexicana, pero ¿qué es lo que representa?

Hace algunos días Netflix anunció el regreso de Rebelde: una de las novelas más recordadas entre la juventud de los 2000’s, que se convirtió en referente dentro de la cultura pop mexicana.

La trama seguía a un grupo de adolescentes pertenecientes a la élite, que compartían sus desventuras en uno de los colegios más exclusivos de México. A pesar de que la mayoría son hijos/as de importantes personalidades, también convergen entre ellos chicos/as de bajos recursos que ingresan por medio de becas, sin embargo constantemente serán víctimas de la exclusión por parte de las/os estudiantes privilegiados.

Rebelde

Una historia sin pies ni cabeza

Aunque Rebelde logró posicionarse rapidamente en el gusto de los espectadores de la televisión abierta, dejó muchos vacíos durante su transmisión, ya que debido al éxito que generó fue alargada hasta los 435 capítulos.  

La historia que contaba la producción de Pedro Damián, tuvo la intención de popularizar no solo el referente de la historia original, sino al conjunto musical que emanó de los/as personajes principales, y es que la simpleza del guión provocó constantes giros en la trama, por lo que el éxito terminó concentrándose en el grupo RBD.

Rebelde

El fenómeno de los recuentos

Rebelde no será la única apuesta juvenil de las grandes plataformas de streaming, pues recordemos que hace algunas semanas Amazon Prime Video presentó el reboot de El internado: Las Cumbres, una producción española.

Los dramas juveniles han significado una gran oportunidad para captar público en los últimos años, para muestra lo sucedido con programas como Élite, El club o inclusive 100 días para enamorarnos, las cuales han puesto en el ojo de los/as espectadores menos exigentes, contenido de puro entretenimiento.

Rebelde

¿Una historia necesaria?

Rebelde no llega a revolucionar absolutamente nada, el mérito más grande que podría haber enarbolado la serie, es la revelación de nuevas propuestas actorales, pero inclusive para el elenco fueron contemplados rostros conocidos por sus influencias en el medio, lo que representa la brecha social que continúa dividiendo generaciones y que una vez más, enarbola una producción que no necesitábamos, ya que su contenido sólo demuestra una fantasía al alcance de pocos, en una sociedad atiborrada de estos mensajes, que puede y tiene mucho más que decir a través de la pantalla.

Sin embargo la noticia del regreso de Rebelde, probablemente generará puntos a favor de Netflix, atrayendo más suscripciones a la plataforma. De igual manera, podemos estar seguros/as que existirá una gran campaña publicitaria por parte del streaming, con la finalidad de que dicho producto se convierta entre uno de los más vistos en su semana de estreno.

Después de todo, las viejas historias ya contadas siguen siendo un magneto que los productores continuan aprovechando.

Rebelde

La nueva televisión mexicana

Rebelde es una muestra más de lo que busca el espectador/a mexicano promedio, a pesar de que Netflix ya ha sido criticado por el tipo de contenidos homogéneos creados para plataforma, tal como ha sucedido con sus últimos éxitos nacionales: Madre solo hay dos u Oscuro deseo, los cuales a pesar de atraer un enorme rating y beneficios económicos, poseen un nulo valor estético y temático.

La realidad de este tipo de contenido, es que ha dejado clara la necesidad de adaptación de los nuevos medios, y resulta interesante que lo haga desde el entretenimiento, pues en la actualidad son las plataformas streaming el mejor canal para catapultar a las producciones mexicanas. Finalmente será el espectador quien decida.

¿Qué opinan Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Esperan el regreso de Rebelde en Netflix?

Malcolm y Marie: ¿Una relación muy familiar?

Malcolm y Marie inauguran los primeros días de febrero con un interesante discurso digno de llegar a la plataforma de Netflix

Malcolm y Marie es una producción estadounidense escrita y dirigida por Sam Levinson, mejor conocido por ser el creador de Euphoria, show en donde también participa la actriz Zendaya. La sinopsis de este drama romántico es tan simple, pues aparentemente es la historia de pareja común que expresa un conjunto de emociones casi seriadas a través de una conversación plegada de diálogos astutos e inesperados. Más allá de la controversia que desató el filme, hoy te contamos por qué merece un espacio en tu agenda.

Malcolm y Marie

¿De qué va?

Luego de celebrar el estreno de un prometedor filme a cargo del cineasta Malcolm, él y su pareja Marie regresan a casa, donde se desata una discusión que con el paso de los minutos se vuelve más intensa. Ya que poco a poco se nos van dando ambos nos van dando estrepitosos detalles de su relación.

La sinopsis es tan franca, que difícilmente puedes saber qué esperar antes de ver la película. De hecho, tiene la facultad de dejar tanto a la imaginación del espectador, que incluso te invita a entrar a la intimidad de una pareja moderna y llena de secretos compartidos que poco a poco vamos conociendo y entendiendo.

La película comienza a correr a partir de que al llegar a casa, Marie muestra su disgusto con Malcolm, ¿la razón? Bueno, olvidó agradecer en pleno acto ceremonial el apoyo, amor y colaboración de Marie, quien constantemente dice que es su musa, por hacer posible un sueño que comparte con todos excepto con la mujer que lo acompañó en su camino creativo.

Malcolm y Marie

La fortaleza de un guión

Esta película tiene muchos puntos fuertes que la llenan de poder. Empezando por su magnífico guion, y es que el desarrollo de la historia se sostiene justo de una discusión que va desatando revelaciones tan honestas, pues nos lleva a cuestionarnos sobre quién tiene la razón. Pero va más allá de un conflicto de pareja, es la pura esencia de los círculos emocionales que forma una relación amorosa a lo largo del tiempo.

Durante casi dos horas, la cinta se sostiene en un solo escenario y con dos personajes principales. Llevándonos de la mano al trasfondo de esta relación por medio de la imaginación. Literalmente, como si estuviéramos leyendo un libro, la magia de los diálogos recorre el pasado de la vida de nuestros protagonistas.

De forma magnifica conectamos inmediatamente tanto con Malcolm como con Marie. Por la tremenda sinceridad con la que interactúan en el marco de un intercambio de brutal franqueza. Puedo decir, además, que el drama te atrapa desde el minuto uno hasta su desenlace, puesto que no presiona a atar cabos, o encontrar respuestas, es sólo una mirada a la fragilidad del ser humano al compartir su vida en pareja, así cómo la representación de un discurso natural e inteligente.

Malcolm y Marie

El escenario perfecto

Como lo mencionamos, la película se desarrolla en un solo escenario, la casa que habita la pareja y una vez más Sam Levinson nos enseña cómo una idea pulcra se concibe en cualquier espacio.  Aun así, hay que decirlo, la casa es hermosa para recorrer las emociones de Zendaya y John David Washington.

Cada espacio va representando emociones distintas. La antesala es testigo de cómo surge la controversia y esta lucha de coraje entre los protagonistas. El baño abraza la vulnerabilidad de Marie, el comedor la frustración de Malcolm. Los espacios abierto ese desahogo de ambos tratando de escapar de sus emociones y finalmente la recamara es la balanza de la fragilidad de ambos. Por supuesto que no es la casa el sostén de la historia pero, ¡cómo logra comunicar cada sentimiento de Malcolm y Marie!

Malcolm y Marie

Un lenguaje de percepciones

Ya dijimos que el guion se desenvuelve con naturalidad, que el escenario incuba a la perfección lo que Levinson quería contarnos. Pero, íntegramente, percibimos todo un lenguaje de individualismo  que muy gratamente nos termina sorprendiendo con un despunte de verdades conjuntas, es decir, Marie defiende su postura, Malcolm pelea por la razón, pero al final los dos comparten la misma desesperación por ser escuchados y comprendidos.

Es muy sencillo empatizar con los personajes de Malcolm y Marie. En algún punto chocamos con Malcolm, dándole toda la razón al argumento de su pareja, pero resbalamos con la seguridad de Malcolm haciéndonos reconsiderar por qué conectamos más con Marie. Sin embargo, terminamos por entender que no es una lucha de poder, sino la revolución de la pareja moderna, donde cada uno juega un papel crucial en la vida del otro y por el cual aceptaron estar juntos.

Cabe mencionar que la historia resulta cercana a la vida personal. Todo en algún punto hemos sido Marie, pero seguramente también fuimos Malcolm. Por eso, hay una conexión que simplemente nos mantiene atentos al siguiente acto de los protagonistas, sobre todo por el viaje de nuestra mente en la película de Malcolm que de forma genuina podemos imaginar como si hubiéramos estado ahí.

Malcolm y Marie

La pulcritud del protagonismo

El discurso de Malcolm es fenomenal en escenas como su percepción acerca de los críticos, resonando un dialogo fuerte y directo al confrontar el objetivo del cine en la sociedad y el mundo, dejando claro que es más valioso crear una historia con el corazón, que crear un mensaje para que todos lo entiendan. Ver a Malcolm desgarrarse por un cumulo de sensaciones que afloran en su piel es tan sublime, que irónicamente sí termina dejándonos una opinión muy específica sobre el arte de la crítica.

Marie proyecta una firmeza casi abrumadora que, de verdad te hace creer lo que ella quiere que creas, y no lo decimos solo porque incluso en el drama ella es actriz, sino porque es un personaje tan real, que por eso nos aferramos a estar de su lado, a defender tanto como ella misma las razones de su inestabilidad. Este personaje impacta por todo lo que cuenta su mirada, sus pasos y su argumento.

Malcolm y Marie

Finalmente, acompañamos una discusión más que como espectadores, como testigos de la dura realidad de sostener una relación de pareja, que va más lejos de la dependencia afectiva o la rivalidad profesional, es de verdad aceptar lo bueno y lo malo del otro para alimentar juntos un sentimiento conjunto, que no termina al dar por hecho que siempre estaremos junto a una persona, realmente comienza cuando se comparten los miedos, las frustraciones, los problemas internos y externos que quejan al hombre y a la mujer de forma individual.

Si de verdad tienes ganas de ver algo nuevo no puedes perderte esta producción porque en las relaciones de pareja nada está escrito, pero que bien escribió Sam Levinson esta historia. Con Malcolm y Marie no hace falta un tercero en pantalla, la fórmula de este filme es precisa y concreta.

¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuál fue su argumento preferido en Malcolm y Marie?  

Cloris Leachman y el legado de sus interpretaciones

Cloris Leachman fue una de las mejores actrices de cine durante la década de los 70. Pero siguió triunfando en televisión hasta ser considerada una de las figuras más icónicas de la comedia por su capacidad de madurar el talento que poseía en cada papel.

El 2021 ha comenzado a dejar estragos y continúan las despedidas. Esta vez recordamos a Cloris Leachman, actriz estadounidense que nos dejó a los 94 años. Pero su legado vivirá por siempre a través de sus increíbles participaciones en cine y televisión. La talentosa cómica inmortalizó grandes escenas en series como “The Office” “Dos hombres y medio” y “Malcolm in the Middle” y ogró participar en más de 40 películas aprovechando cada oportunidad en el medio después de convertirse en Miss América en 1946.

Cloris Leachman destacó en más de 70 producciones de cine y televisión en los años 70, siendo la adaptación de la novela The Last Picture Show uno de sus primeros y más importantes proyectos. De hecho, su participación fue reconocida por el American Film Institute, y la hizo merecedora de un premio Oscar y un premio BAFTA. A la fecha, este filme es considerado como una de las cien mejores películas de la historia.

En honor a la talentosísima actriz, ¡aquí te contamos sobre su exitosa carrera!

Cloris Leachman

Su carrera

Acreedora de nueve Emmys, un Óscar, un globo de oro y el premio BAFTA Cloris Leachman no solamente coleccionaba éxitos, se entregaba a cada uno de sus papeles, convirtiéndola en una de las actrices más prolíficas de los 70. Pero realmente sus papeles más icónicos no se limitan a una década específica, ya que la recordamos en películas como Súper Escuela de Héroes, Golpe Bajo (2005), The Muppets Movie (1979) y su destacado papel en “El joven Frankestein” cinta de terror comica dirigida por Mel Brooks en 1974.

Cloris Leachman

En televisión es mayormente reconocida por su participación como la gruñona abuela Ida en la serie de Malcom in the midle, conformando un gran elenco a lado de Frankie Muniz y Bryan Cranston. Esta abuelita poco convencional siempre vivirá en nuestros corazones, pero su increíble participación en el show nos demuestra que Cloris Leachman llevaba también la comedia en la sangre, pues su magnífica actuación la hizo acreedora a dos Emmys.

La irreverencia de los personajes que interpretaba en televisión también nos remontan a su popular participación como Phyllis Lindstrom en The Mary Tyler More Show, una sitcom que duró siete años al aire y en su momento, tenía el récord como la serie que más Emmys había ganado al llevarse 29 premios a lo largo de su producción. Leachman también protagonizó un exitoso spin-off del show, Phillis, donde fue nominada a mejor actriz en los premios Emmy y la hizo merecedora de un Globo de Oro. Su más reciente participación fue en la serie de Amazon Prime Video American Gods, donde interpretó a una de los “antiguos dioses”.

Cloris Leachman

La inmortalidad de su talento

Cloris no solo triunfó en pantalla, tuvo también participaciones en el mundo del doblaje, prestando su voz en varios proyectos de animación como Hora de Aventura, Phineas Y  Ferb. También trabajó en la película El Gigante de Hierro, El Castillo en el Cielo y recientemente en Los Croods.

“Ha sido un privilegio trabajar con Cloris Leachman, una de las actrices más audaces de su tiempo. No había nadie como Cloris. Con una simple mirada tenía la habilidad de romper tu corazón o hacerte reír hasta que las lágrimas corrieran por tu rostro. Nunca sabía lo que Cloris iba a decir o hacer y esa impredecible cualidad era parte de su magia”

Manager de Leachman

Cloris nos enseñó que la edad no es un limitante cuando el amor a tu carrera es más grande que el peso de los años. La actriz tuvo la oportunidad de participar en Dancing with  the stars a los 82 años de edad y a todos nos hubiera encantado ver sus presentaciones.

Cloris Leachman falleció este miércoles 27 de enero por causas naturales, fue una actriz cuyo trabajo en distintos medios será recordada por el público de distintas generaciones, hoy reconocemos su capacidad de inmortalizar interpretaciones, su carrera y su persona.

¿Qué opinan Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Con qué papel recordarán a Cloris Leachman?

13 años de Breaking Bad: ¿Por qué es la mejor serie?

Breaking Bad se estrenó hace 13 años, pero seguimos disfrutando de los frutos que cosechó y hoy recordamos por qué es una de las mejores series de la historia.

Fue hace más de una década que AMC transmitió el primer episodio del show protagonizado por el queridos actores Bryan Cranston y Araron Paul. Pero su éxito no se quedó solamente en la televisión, la trascendencia y relevancia que ha tomado en los últimos años después de llegar a Netflix nos da el pretexto perfecto para recordar por qué es la mejor serie de la historia.

Breaking Bad

El genio detrás de Breaking Bad

Si algo convirtió a Breaking Bad en lo que es hoy, es la innegable calidad y compromiso que la serie mantuvo desde su episodio piloto y hasta culminar en la quinta temporada. Y eso sólo lo pudo haber hecho la mente detrás de la serie: Vince Gilligan.

Vince Giligan, creador del programa, es reconocido actualmente como un genio. Pero esta gran historia fue rechazada por varias cadenas de televisión antes de llegar a AMC. TNT estuvo a punto de producirla hasta que se negaron por ser demasiada “oscura”. Sin embargo, la confianza de su creador, quien antes dirigió y escribió algunos episodios de shows como The Lone Gunmen y X files, logró llevar a flote su idea.

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Gilligan estaba tan comprometido con Breaking Bad que, junto con un amigo, pensó que lo llevaría a perder su empleo y que terminaría aprendiendo a cocinar metanfetaminas para venderla en una casa rodante, justo como lo hacía su persona principal. Afortunadamente eso no fue necesario, ya que incluso en su momento, Netflix, que era una plataforma en ascenso, impulsó el show agregándolo casi de inmediato a su catálogo internacional.

Breaking Bad

El gran trabajo actoral

Si bien no podemos imaginar un mundo en donde Bryan Cranston no interprete al temible Walter White, en la época muchos solamente conocían al actor como el cómico Hall en la serie de Malcolm el de Enmedio, cosa que puso en peligro por momentos su participación en Breaking Bad.

Durante un tiempo, se rumoreaba que Matthew Broderick fue en realidad la primera opción para ser Heinsenberg, pero hace poco declaró que nunca se le ofreció el papel. Realmente, no se sabe qué actores estaban en la lista de candidatos, pero el resto es una gran historia: Bryan Cranston ganó tres premios Emmys por una actuación elogiada por todos los matices que demostró hasta el último momento en pantalla como Walter White.

Breaking Bad

Además de Bryan, la serie contó con Aarón Paul en el papel de Jesse Pinkman, el joven adicto, socio y cómplice de Walter, interpretación que le hizo ganar dos premios Emmys. Recordemos también su trabajo protagónico en la película secuela de la serie, El Camino, donde dijo que la confianza que tiene en Vince es tal, que si le llamara para hacer algo más con el personaje aceptaría sin pensarlo dos veces.

La química en pantalla de los dos se terminó convirtiendo en uno de los elementos principales de la serie, traspasando la ficción, ya que los actores han compartido que tienen una gran relación y aprecio mutuo hasta la fecha. Incluso, Paul confesó que nunca había tomado clases de actuación, pero que el hecho de trabajar con Bryan era un aprendizaje constante durante la filmación. Hoy en día son la imagen y socios de una marca de mezcal: Mezcal Dos Hombres.

Pero sin duda, el trabajo de todo el elenco fue muy importante para hacer trascender a Breaking Bad. Ya que también tuvimos increíbles interpretaciones de la mano de artistas como Giancarlo Esposito como Gustavo Fring, Bob Odenkirk como Saúl Goodman y Jonatán Banks como Mike, Su popularidad fue tal, que Odenkirk y Banks regresaron a sus papeles para la actualmente aclamada precuela spin-off de la serie Better Call Saul.

Breaking Bad

Lo Que Pudo Haber Sido

Algo que hubiera cambiado el rumbo de la serie como hoy la conocemos, pudieron haber sido distintas ideas que surgían durante el desarrollo de Breaking Bad.

Una de ellas fue el final de la serie, en la que sus escritores barajearon un par de ideas para su desarrollo. Se pensó que Jesse fuera asesinado por un traficante que terminaría siendo capturado, secuestrado y torturado por Walter en su sótano al estilo de Crazy 8. Eventualmente, lo habría asesinado atando una soga al gatillo de un arma, pero Walter Jr lo había encontrado agonizando, trayendo todavía más horribles consecuencias para Heisenberg.

Pero Gilligan y su equipo no estaban muy convencidos de que ese fuera un buen desenlace. De hecho, hasta el momento en el que Walter instala una ametralladora para terminar con la banda de neonazis que tenían secuestrado a Jesse, realmente no se tenía certeza sobre cómo la iba a usar ni cómo terminaría Breaking Bad. Solamente había una cosa clara: Walter tenía que fallecer.

Breaking Bad

Otros elementos que pudieron haber cambiado el rumbo de la historia hubiera sido la muerte de Jesse al final de la temporada uno, dejando al personaje solo como una introducción de Walter al narcotráfico. Pero esto fue descartado debido al gran trabajo de Aaron Paul al interpretar al problemático chico, quien de haber muerto también hubiera cambiado la trama de la serie.  

Por suerte esta idea se descartó cuando se suscitó una huelga de escritores de la productora durante la filmación de la primera temporada, en la que una de las peticiones fue mantener al personaje con vida. Vince aceptó y el resultado fue para su más grande beneficio. También Gus Fring, pudo no haber sido el villano principal, ya que antes de decidir incluirlo a la serie se planteó que Héctor Salamanca fuera villano en la temporada dos, algo que se descartó, por el deseo de tener a Giancarlo Esposito en el show.

Lo Que Pudo Haber Sido

Sin duda una de las cosas que popularizaron la serie fueron sus escenas climáticas, que dejaban a los espectadores impresionados. Muchas veces, sus finales ameritaban largas discusiones que duraban semanas. Algunas de las que más recordamos son los montajes en los que Walter y Jesse cocinaban metanfetamina en la casa rodante ubicados en el desierto, con el paisaje más icónico de la serie en los que destacan las tomas tan bien ejecutadas a nivel cinematográfico.

También las escenas en las que se hizo uso de efectos especiales, como en la muerte de Gus que terminó con la mitad de su rostro es considerada como una toma impresionante.

La temporada cuatro nos presentó también desesperantes momentos centrados en la lucha por sobrevivir entre Walter y Gustavo. Así como escenas donde una imagen hablaba por sí sola con estupendos detalles, como el cambio en la personalidad de Walter representados por el cambio oscuro de su vestimenta, los colores que denotaban las emociones de los protagonistas y hasta los presagios que la serie mostraba durante su desarrollo.

Breaking Bad

Breaking Bad, lo que fue y su futuro

El estreno del último episodio sorprendió a más de diez millones de espectadores con un aclamado final, siendo tendencia mundial en Twitter aun con la diferencia de horarios en distintos países del mundo. Eso la hizo merecedora a un récord Guinness como la serie mejor valorada de la historia, convirtiéndose, hasta el momento, en la serie que más repeticiones ha tenido en la televisión.

Por supuesto, este éxito fue aprovechado por Vince Giligan y su socio Peter Gould, quienes ya habían decidido que tenían que hacer más con Breaking Bad, como un spin-off centrado en el abogado de Walter y Jesse Saul Goodman. Inicialmente, esta historia se pensó como una comedia de media hora en la que veríamos al personaje lidiando con particulares clientes que buscaban su asesoría en turbias situaciones. Y Better Call Saul repitió el éxito de su antecesora, pues nos dejó un drama magistral del cual todavía estamos esperando su sexta y última temporada.

Y también tenemos que hablar sobre la genial secuela “El Camino”, que cerró la historia de Jesse Pinkman y fue un nada despreciable epilogo para la serie, dejándonos una digna secuela de la serie.

A trece años de Breaking Bad, una de nuestra serie preferidas y todavía nos falta terminar de descubrir los secretos de Better Call Saul, pues se dice que el final servirá como un punto de conexión entre ambos shows y se rumoran los posibles cameos de Walter y Jesse, por lo que aún nos queda una historia más de este brillante universo que tuvimos la fortuna de disfrutar de la mano de comprometidos creadores.

¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuántas veces han revivido Breaking Bad?