febrero 2021 - Fuera de Foco

Globos de Oro 2021: ¡La Lista Completa de Ganadores!

Publicado en 28 febrero, 2021 el 9:54 pm.

¡Los Globos de Oro por fin llegaron! Y con ellos, el nuevo grupo de ganadores de 2021, los cuales comienzan a vislumbrar cuáles serán las historias más aclamadas que seguramente competirán en las premiaciones venideras. Por supuesto, la controversia alrededor de esta celebración no se hizo esperar. Desde el hecho de que Hamilton, una grabación de un musical de Broadway alcanzó una nominación a una de las categorías más importantes de la noche, hasta la larga lista de grandes historias y artistas ignorados, como la serie de I May Destroy You o Zendaya.

Sin embargo, las expectativas alrededor de estos Globos de Oro era bastante alta, pues el formato remoto que manejó la premiación, ya que se llevó a cabo 100% de manera virtual, con las presentadoras Amy Phoeler y Tina Fey llevando el show desde locaciones separadas, parece que acaba de marcar un precedente importante sobre cómo se llevarán acabo las otras ceremonias que s

Aunque las condiciones en las que se llevaron a cabo los premios fueron muy particulares, la competencia fue bastante dura. Si bien, como les habíamos dicho anteriormente, estos premios ya no predicen los nominados a los Premios de La Academia con mucha certeza, sin duda logró destacar las mejores películas y series del año. Con The Crown dominando las categorías de televisión por completo, pero poniendo a pelear en una ardua carrera por los Óscar a cintas como Nomadland, BOrat y Minari.

Además, también vimos el regreso de la aclamada actriz Jodie Foster, quien gracias a su trabajo en The Mauritanian, logró obtener su primer Globo de Oro en casi 20 años, pues no se había llevado una estatuilla desde el estreno de El Silencio de los Inocentes en 1992.

La directora Chloé Zhao también hizo historia en esta premiación. No sólo es la segunda artista femenina en la historia de los Globos de Oro en llevarse a casa la estatuilla como mejor directora (Barbra Streisand fue la primera al llevarse el galardón en 1984 por la película Yentl), sino que es la primera directora de ascendencia asiática en competir en la categoría. Además, es la primera vez en la historia de los premios en las que tres mujeres compitieron juntas por el premio a mejor dirección.

Y lo mejor de todo, es que algunas de las contendientes más destacadas, como El Juicio de Los Chicago 7 y el conmovedor hit de Disney Soul, podemos encontrarlas en diferentes plataformas de streaming.

¿Quiénes fueron los grandes ganadores de la noche? Como Los Globos de Oro dividen sus categorías entre el cine, la televisión, el drama y la comedia, decidimos amalgamar las categorías más importantes por su tipo de premio, de manera que sea más fácil para las cinéfilas y cinéfilos conocer a los ganadores de la noche. ¡Descúbranlos aquí!

CINE

Premios Para Mejor Película

Mejor Película de Drama

“The Trial of the Chicago 7” (Netflix)
“Mank” (Netflix)
“Nomadland” (Searchlight Pictures)-GANADOR
“Promising Young Woman” (Focus Features)
“The Father” (Sony Pictures Classics)

Mejor Película de Musical o Comedia

“Hamilton” (Walt Disney Pictures)
“Borat Subsequent Moviefilm” (Amazon Studios)-GANADOR
“Palm Springs” (Neon)
“The Prom” (Netflix)
“Music” (Vertical Entertainment)

Mejor Película de Habla No-Inglesa

“Minari” (A24)-GANADOR
“Another Round” (Samuel Goldwyn Films)
“The Life Ahead” (Netflix)
“Two of Us”
“La Llorona” (Shudder)

Mejor Película Animada

“Soul” (Walt Disney Pictures) – GANADOR
“Wolfwalkers” (Cartoon Saloon)
“Over the Moon” (Netflix)
“Onward” (Walt Disney Pictures)
“The Croods: A New Age” (Universal Pictures)

Premios Para Mejor Actor

Mejor Actor en Película de Drama

Anthony Hopkins (“The Father”)
Chadwick Boseman (“Ma Rainey’s Black Bottom”)-GANADOR
Riz Ahmed (“Sound of Metal”)
Gary Oldman (“Mank”)
Tahar Rahim (“The Mauritanian”)

Mejor Actor de Película Comedia o Musical

Lin-Manuel Miranda (“Hamilton”)
Sacha Baron Cohen (“Borat Subsequent Moviefilm”)-GANADOR
James Corden (“The Prom”)
Andy Samberg (“Palm Springs”)
Dev Patel (“The Personal History of David Copperfield”)

Mejor Actor de Reparto

Sacha Baron Cohen (“The Trial of the Chicago 7”)
Daniel Kaluuya (“Judas and the Black Messiah”) – GANADOR
Leslie Odom, Jr. (“One Night in Miami”)
Jared Leto (“The Little Things”)
Bill Murray (“On the Rocks”)

Premios Para Mejor Actriz

Mejor Actriz en Película de Drama

Carey Mulligan (“Promising Young Woman”)
Viola Davis (“Ma Rainey’s Black Bottom”)
Frances McDormand (“Nomadland”)
Andra Day (“The United States vs. Billie Holiday”)
Vanessa Kirby (“Pieces of a Woman”)

Mejor Actriz de Película Comedia o Musical

Maria Bakalova (“Borat Subsequent Moviefilm”)
Rosamund Pike (“I Care a Lot”)–GANADORA
Michelle Pfeiffer (“French Exit”)
Anya Taylor-Joy (“Emma”)
Kate Hudson (“Music”)

Mejor Actriz de Reparto

Glenn Close (“Hillbilly Elegy”)
Amanda Seyfried (“Mank”)
Olivia Colman (“The Father”)
Jodie Foster (“The Mauritanian”)-GANADORA
Helena Zengel (“News of the World”)

Premios Para Mejor Director, Guión y Música

Mejor Director

David Fincher, “Mank” (Netflix)
Chloé Zhao, “Nomadland” (Searchlight Pictures)-GANADORA
Aaron Sorkin, “The Trial of the Chicago 7” (Netflix)
Regina King, “One Night in Miami” (Amazon Studios)
Emerald Fennell (“Promising Young Woman”)

Mejor Guión

“The Trial of the Chicago 7” (Netflix) – GANADOR
“Promising Young Woman” (Focus Features)
“Nomadland” (Searchlight Pictures)
“Mank” (Netflix)
“The Father” (Sony Pictures Classics)

Mejor Composición Musical

“Soul” (Pixar) – Trent Reznor, Atticus Ross, Jon Batiste – GANADOR
“Mank” (Netflix) – Trent Reznor, Atticus Ross
“Tenet” (Warner Bros.) – Ludwig Göransson
“News of the World” (Universal Pictures) – James Newton Howard
“The Midnight Sky” (Netflix) – Alexandre Desplat

Mejor Canción

“Speak Now” de “One Night in Miami” (Amazon Studios) – Leslie Odom Jr, Sam Ashworth
“Io Si (Seen)” from “The Life Ahead” (Netflix) – Diane Warren, Laura Pausini, Niccolò Agliardi – GANADOR
“Hear My Voice” de “The Trial of the Chicago 7” (Netflix) – Daniel Pemberton, Celeste
“Fight for You” de “Judas and the Black Messiah” (Warner Bros.) – H.E.R., Dernst Emile II, Tiara Thomas
“Tigress & Tweed” de “The United States vs. Billie Holliday” (Hulu) – Andra Day, Raphael Saadiq

Televisión

Premios Para Mejor Serie

Mejor Serie de Drama

“The Crown”-GANADOR
“Ozark”
“Lovecraft Country”
“The Mandalorian”
“Ratched”

Mejor Serie de Comedia

“Schitt’s Creek” – GANADOR
“Ted Lasso”
“The Great”
“The Flight Attendant”
“Emily in Paris”

Mejor Serie Limitada o Película para televisión

“The Queen’s Gambit”-GANADOR
“The Undoing”
“Normal People”
“Small Axe”
“Unorthodox”

Premios Para Mejor Actor

Mejor Actor en Serie de Drama

Jason Bateman, “Ozark”
Josh O’Connor, “The Crown”-GANADOR
Bob Odenkirk, “Better Call Saul”
Al Pacino, “Hunters”
Matthew Rhys, “Perry Mason”

Mejor Actor en Serie de Comedia

Jason Sudeikis, “Ted Lasso” – GANADOR
Eugene Levy, “Schitt’s Creek”
Nicholas Hoult, “The Great”
Ramy Youssef, “Ramy”
Don Cheadle, “Black Monday”

Mejor Actor en Serie Limitada o Película para Televisión

Hugh Grant, “The Undoing”
Mark Ruffalo, “I Know This Much Is True” – GANADOR
Jeff Daniels, “The Comey Rule”
Bryan Cranston, “Your Honor”
Ethan Hawke, “The Good Lord Bird”

Mejor Actor de Reparto

Brendan Gleeson, “The Comey Rule”
Dan Levy, “Schitt’s Creek”
John Boyega, “Small Axe” – GANADOR
Donald Sutherland, “The Undoing”
Jim Parsons, “Hollywood”

Premios Para Mejor Actriz

Mejor Actriz en Serie de Drama

Olivia Colman, “The Crown”
Emma Corrin, “The Crown” – GANADORA
Laura Linney, “Ozark”
Jodie Comer, “Killing Eve”
Sarah Paulson, “Ratched”

Mejor Actriz en Serie de Comedia

Catherine O’Hara, “Schitt’s Creek” – GANADORA
Elle Fanning, “The Great”
Kaley Cuoco, “The Flight Attendant”
Lily Collins, “Emily in Paris”
Jane Levy, “Zoey’s Extraordinary Playlist”

Mejor Actriz en Serie Limitada o Película para Televisión

Anya Taylor-Joy, “The Queen’s Gambit”-GANADORA
Cate Blanchett, “Mrs. America”
Nicole Kidman, “The Undoing”
Daisy Edgar-Jones, “Normal People”
Shira Haas, “Unorthodox”

Mejor Actriz de Reparto

Gillian Anderson, “The Crown”–GANADORA
Helena Bonham Carter, “The Crown”
Julia Garner, “Ozark”
Annie Murphy, “Schitt’s Creek”
Cynthia Nixon, “Ratched”

¿Los Globos de Oro todavía “predicen” Los Óscar?

Publicado en 26 febrero, 2021 el 12:01 pm.

Escrito por Mónica Castellón

El domingo se inicia la temporada de premios con los Globos de Oro, uno de los más importantes en la industria del cine y la televisión.

Una creencia tradicional al comienzo del año, es que los Globos de Oro a menudo se presentan como un anticipo de la ceremonia de premios más prestigiosa. Una palabra también aparece en muchos artículos: la de “antesala”. Pero, ¿está realmente justificada esta reputación?

Primero, subrayemos las diferencias entre las dos ceremonias. Para los Globos de Oro, es la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA) y su centenar de miembros quienes toman sus decisiones, mientras varios miles de miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas votan por los Óscar.

Para averiguar si los Globos de Oro siguen con la fama de ser la predicción más directa para los Premios de la Academia, comparamos los resultados de ambas premiaciones durante los últimos cinco años en algunas de las categorías más importantes:

Mejor película

Cuando se trata de distinguir la categoría más esperada de la noche: Mejor Película, los Globos de Oro y los Oscar solo estuvieron de acuerdo una sola vez. Entre las diferencias más notorias, se encuentran Parasite, que fue la máxima ganadora en los Oscar 2020 y en los Globos de Oro tan solo ganó un premio (Mejor película extranjera).

Mejor director

El acuerdo entre las dos premiaciones, está muy cerca a la hora de elegir al Mejor director, con tan solo una objeción en 2020, debido a que los Oscar le apostaron nuevamente a Parasite. Años más atrás, también han visto el triunfo de un mismo director: Alfonso Cuaron por Gravity en 2014 y Danny Boyle con Slumdog Millionaire en 2009. Las opiniones difieren en algunos años (ni un solo ganador en común entre 2010 y 2013), desde entonces las cosas cambiaron mucho.

Mejor actor

Las listas se juntan mucho más cuando se trata de juzgar la actuación de un actor. En los últimos cinco años, siempre concordaron, un actor premiado en los Globos de Oro siempre ha triunfado en los Oscar un poco más tarde.

Mejor actriz

Una categoría que merece ser analizada de cerca, por las apuestas previas a los Oscar, es la categoría a Mejor actriz debido a que solo encajaron dos veces. De hecho, en 2017, la crítica estuvo muy en desacuerdo por la victoria de Emma Stone contra Isabelle Huppert porque consideraban que ya le “debían el premio” a la actriz francesa.

Mejor película animada

En película animada, la crítica siempre estuvo de acuerdo en las dos premiaciones, excepto el año pasado. Recordemos que esta categoría género gran conversación en 2020 por competir películas como ‘Perdí mi cuerpo’ o ‘Klaus‘ (que durante semanas las predicciones apuntaban a estas dos últimas) sin embargo, los Oscar sorprendieron al darle la estatuilla a la última parte de Toy Story.

En conclusión, es difícil decir que los Globos de Oro sigan siendo considerados como la antesala de los Oscar, más porque los últimos años, los Premios de la Academia han premiado filmes más arriesgados para mantener al público con la expectativa y generar más rating.

En las categorías en donde suelen estar más acorde, son la de Mejor película animada, Mejor actor y Mejor director. Sin embargo, en la categoría de Mejor película, la más importante de la noche, los últimos años ya no han coincidido, lo que genera más interés para los espectadores.

Las dos premiaciones están cambiando, en los últimos años, la diversidad y la inclusión se han convertido en temas reales en la industria del cine, especialmente para los Oscar . Como parte de la iniciativa “Academy Aperture 2025”, los Oscar ha anunciado nuevas reglas de representación e inclusión para los nominados a la categoría de Mejor Película. A partir de 2024, las producciones candidatas en esta categoría principal, deberán cumplir con inclusión cumpliendo al menos dos de los cuatro nuevos criterios de diversidad.

Por otro lado, los Globos de Oro no han declarado nada sobre si sus criterios para nominar cambiarán en los próximos años. De hecho, muchos usuarios en redes sociales, se han quejado desde el anuncio de las nominaciones del 2021, por ignorar los trabajos destacados de Spike Lee y Michaela Coel.

Gráficas realizadas por Mónica Castellón para Fuera de Foco con datos recavados de La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood.

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuáles son sus predicciones para este año?

Billie Eilish: ¿Retrato de una generación?

Publicado en 26 febrero, 2021 el 11:36 am.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Con apenas 19 años, Billie Eilish es una de las artistas más afamadas a nivel mundial. Pero ¿quién es la persona detrás de los reflectores?

En 2020, Billie Eillish y su primera placa de estudio: When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, arrasaron en la entrega número 62 de los Premios Grammy: alzándose con 5 premios en las siguientes categorías: Mejor álbum, grabación, canción, disco vocal de pop y producción.

Tales preseas que la convirtieron en la artista más joven en triunfar en la historia de dicho evento, fueron la confirmación de algo que a los ojos de todas/os era evidente: el éxito de una carrera musical que a través de sencillos como bad guy o all the good girls go to hell, conquistó charts mundiales y encabezó festivales como Coachella.

Resulta sencillo y obvio describir a una figura pública por los triunfos o fracasos cosechados en el ámbito en el que desempeña, pues de alguna manera cuando los/as observamos representados/as en lo audiovisual, les despersonalizamos, pues debajo de todos los reflectores parecieran ajenos/as a nuestras preocupaciones/alegrías inmediatas.

Esta es una práctica peligrosa, pues creamos iconografías perfectibles, que por un lado pueden hacernos perdonar sus vicios en vísperas de saciar nuestros ánimos consumistas, mientras que por otro, esta práctica es capaz de desvanecer la empatía que podemos forjar con quienes al final del día son personas como cualquier otra con altibajos cotidianos.

Probablemente en el afán de representar esto último, el cineasta R.J. Cutler se acercó a documentar la vida de la joven artista, y tras dos años de filmación, al fin podemos observar los resultados en la más reciente producción original de Apple TV+, titulada Billie Eilish: The World’s a Little Blurry.

Entre contrastes

El documental sigue de manera lineal la trayectoria de Billie entre 2018 y 2020, es decir, desde la creación de su primer álbum, pasando por la gira mundial del mismo, hasta llegar a la noche de premiación del evento ya mencionado.

Sin embargo, la estructura formal del relato no simboliza una exploración que se sostenga en un plano superficial, sino todo lo contrario, pues R.J. Cutler logra que conozcamos quién es Eillish a través de dos caminos.

En primer lugar, mediante el uso de pietaje extraído de entrevistas en que participa la realizadora musical, o breves declaraciones de las personas de su entorno, las cuales fungen como la excusa perfecta para contextualizar la actualidad de la cantante: su crecimiento en una familia de artistas, la cercanía de la misma con la genuina preocupación de protegerla, y el momento en que el sencillo Ocean Eyes se transformó en su primer hit.

Mientras que en segundo lugar, ya sea mediante el lente de Jenna Rosher o metraje a cargo de sus consanguíneos/as, nos adentramos en la intimidad cotidiana de su protagonista, donde no sólo atestiguamos la alegre faceta del éxito, sino también de momentos repletos de la imperfectible vulnerabilidad.

Elemento con el que realiza un interesante juego en el montaje externo a cargo de Greg Finton y Lindsay Utz, donde tales instantes se van intercalando con los grandes eventos: el impacto de secuencias donde miles de personas corean las canciones de la artista, es aún mayor cuando la escena previa te muestra que la creación de dichos hits mundiales, fueran escritos, grabados y post producidos bajo la comodidad de una pequeña habitación, al mismo tiempo que Billie continua enfrentándose a tareas cotidianas como es, pasar un examen de manejo.

Detalles como su afición a Justin Bieber o la ruptura amorosa que experimenta, forjan vasos comunicantes a través de los cuales nace la empatía, y sumados al retrato de la carga brutal de trabajo que experimenta, la presión personal y exterior que supone cumplir las expectativas en grandes eventos, además de enfrentarse a las constantes terapias físicas para recuperarse de lesiones crónicas, nos permiten dimensionar y preguntarnos ¿cómo es que una joven de 19 años pueden soportar todo esto?

Y simplemente no lo hace, aunque vemos a una intérprete que hace frente a las diversas problemáticas con madurez, brindando lo mejor de si, en diversos momentos la vemos romperse no sólo física sino también emocionalmente, reclamando los espacios de intimidad que todos/as necesitamos para abrazar nuestra vulnerabilidad.

El documental tampoco la pinta como un mártir. También la vemos pasarla bien en muchos momentos, pero la elección de alejarse de ellos por diversos episodios, nos permiten conocer a la persona más allá de la figura, subvirtiendo cualquier proceso de despersonalización y permitiéndonos empatizar con ella.

Reflejos generacionales

La afinidad que forjamos hacía Billie a lo largo de la narrativa, pareciera ser una extensión reciproca de su propósito en la música, el cual ella misma describe como la intención de forjar conexiones a través del arte: la sensación en la que una canción habla contigo acerca de lo que te encuentras experimentando, que no estas sólo.

A mi parecer, los momentos más emotivos del documental residen en estas relaciones: aquellas escenas donde vemos a las personas en sus conciertos vivir un momento de catarsis colectiva / personal. Por cierto, me parece un extraordinario detalle narrativo, mantener el sonido ambiente de las presentaciones, pues esto refuerza el sentimiento de colectividad.

La obra se plantea preguntas bastante interesantes en ese sentido, pues las canciones de la compositora estadounidense versan sobre temáticas como el desamor, la depresión o ansiedad, y bajo la premisa de la música como reflejo de lo social: ¿qué simboliza la conquista de la música de Eilish en nuestros tiempos?

Bueno, el documental intenta dar respuesta a ello: primeramente planteando la ruptura de diversos tabúes por la generación z, en este caso en lo referente a conversar sobre temáticas relacionadas a la salud mental, pero al mismo tiempo también es la manifestación de una juventud que se encuentra deprimida ante el complejo panorama mundial que se les plantea: tanto a nivel económico, político y personal.

Me parece curioso, que aún cuando acaba de confirmarse como una de las estrellas más importantes del momento, y repasa en la intimidad las cosas buenas que le ha traído la vida, lejos de cualquier mensaje / lección positivista que quiera transmitirnos el documental, el aura que evoca es de tristeza, pues fuera de lo material, lo que alimenta el alma en lo personal y colectivo, en su esencia aún se encuentra fracturado.

Así, R.J. Cutler compone en Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, un retrato accesible en su forma, pero complejo en el fondo, permitiéndonos empatizar con su protagonista, al mismo tiempo que nos permite reflexionar sobre el sentir social en la actualidad.

¡Top 3 Películas imperdibles de Sean Baker!

Publicado en 26 febrero, 2021 el 11:25 am.

Escrito por Mónica Castellón

Repasamos algunas de sus películas del director Sean Baker y su estilo tan particular

Destacado en 2015 por su película Tangerine, Sean Baker es uno de los directores independientes más importantes en la actualidad. Se ha caracterizado por llevar al cine personajes con personalidades fuertes, a través de una perfecta textura de sus imágenes y la profundidad de sus diálogos. Por ejemplo, en The Florida Project, cinta que le valió una nominación al actor Willem Dafoe como mejor Actor de reparto en los Óscar de 2018, nos transporta a las afueras de Walt Disney World, donde los moteles de colores contienen una población para la que la vida es mucho menos color de rosa.

Aquellos que han visto sus películas, no pueden evitar enamorarse de sus personajes entrañables y de su particular estilo que acerca al espectador a historias reales y profundas. Aquí te recomendamos 3 de sus filmes que definitivamente tienes que ver.

1.Starlet

Starlet es el tipo de película que se acerca sigilosamente y nos lleva a lugares sorprendentes e inesperados. Tiene la capacidad de explorar lugares oscuros sin sentirse pesada y crea una experiencia totalmente organizada, que nunca se exagera ni supera el punto de la credibilidad.

La película explora la improbable amistad entre Jane (Dree Hemingway), de 21 años, y Sadie (Besedka Johnson), de 85, dos mujeres cuyos mundos chocan en el Valle de San Fernando de California. Jane pasa su tiempo drogándose con sus disfuncionales compañeros de cuarto, Melissa (Stella Maeve) y Mikey (James Ransone), mientras cuida a su chihuahua, Starlet.

Sadie, una viuda anciana que pasa sus días sola, cuidando su jardín de flores. Después de un enfrentamiento entre las dos mujeres en la venta de garaje de Sadie, Jane descubre dinero escondido dentro de una reliquia de su pasado e intentará hacerse amiga de la mujer mayor en un esfuerzo por resolver sus problemas, pero surgen secretos a medida que su relación crece.

2.Tangerine

La película narra un día en la vida de Sin-Dee Rella (Kitana Kiki Rodríguez), una prostituta que el día de Nochebuena en Hollywood, y después de un período de 28 días tras las rejas, se entera que su mejor amiga Alexandra (Mya Taylor) ha sido engañada por su novio y proxeneta, Chester (James Ransone). Las dos caminaran furiosas por las calles en busca de Chester, sobre quien pretenden derramar toda la rabia.

Tangerine no fue una producción típica, fue una de las películas más comentadas y elogiadas en 2015, por ser una gran comedia/drama de venganza que fue realizada con un iPhone. Además, cuando la película se estrenó en Sundance, la audiencia no fue informada hasta que se menciona en los créditos y la crítica quedó sorprendida por su cinematografía.

Para todos los puntos de conversación que la película que puede generar, ya sean técnicos o serios, Tangerine también es una experiencia de visualización divertida que se toma un descanso del drama en varios momentos. En cambio, la película ofrece autenticidad todo el tiempo, lo que a su vez eleva su humor e impacto emocional en el espectador.

3.The Florida Project

Moonee (Brooklynn Prince), Scooty (Christopher Rivera) y Jancey (Valeria Cotto) son tres niños que viven en los coloridos pero decadentes suburbios de una de las ciudades más pobladas de Florida. A pesar de las dificultades (económicas y de otro tipo) de sus respectivas familias, el trío, gracias a ese hermoso espíritu que distingue a la infancia, logra evadir problemas, al encontrar algo con lo que divertirse todos los días. Bobby (Willem Dafoe), gerente del Magic Castle Hotel, el “hogar” de la amigable Moonee y su madre Halley (Bria Vinaite), los controla y cuida, incluso más que sus padres.

Basta con mirar algunas secuencias de la obra de Sean Baker para comprender cuán original e íntimo es este largometraje. La película retrata la inocencia de los juegos infantiles y la amistad entre los niños con las luchas cotidianas de sus padres, al tiempo que expone toda la belleza de sus contradicciones.

La película es un drama social que parece un documental al seguir muy de cerca la vida de una niña de 6 años y su banda de amigos, Sean Baker presenta a la perfección el callejón sin salida en la vida de los habitantes en el motel. La historia se desarrolla a unos cuantos metros de Disney World, lleno de establecimientos de comida rápida, tiendas, y moteles en ruinas, es en este mundo donde evoluciona la joven Moonie. Sin embargo, la precaria vida cotidiana de su madre anuncia el fin de la inocencia de su infancia.

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuál es su película favorita de Sean Baker?

Superman and Lois: ¿Logra ser diferente?

Publicado en 25 febrero, 2021 el 7:04 pm.

Escrito por Becka Salas

Superman and Lois tiene la difícil tarea de mostrarnos a un nuevo Superman. ¿Cómo le fue en su primer episodio?

Superman ha tenido una crisis de identidad en los últimos años. El escritor de cómics Brian Michael Bendis ha hecho un trabajo mediano con su run de Superman. Y muy a pesar de que en 2013 Henry Cavill se posicionó como uno de los actores que mejor caracterizaban al Hombre de Acero, la visión que Zack Snyder le impregnó para el universo extendido de DC desató miles de controversias, especialmente por su renuencia a mostrarlo como el símbolo de la esperanza que todos esperan.

Así que la nueva serie de Superman & Lois, protagonizada por Bitsie Tulloch y Tyler Hoechlin, quienes interpretaron a estos mismos personajes en la serie de Supergirl de The CW, tiene la tarea de mostrarnos otra versión de Superman que se aleje de la visión snyderiana pero logre ser lo suficientemente diferente para reavivar el interés de la audiencia por un superhéroe que no sea interpretado por Cavill. Y después de ver su primer episodio, creemos que podría ir por buen camino.

Lugares comunes, una nueva visión

El primer episodio de Superman and Lois inicia con el recuento que ya todos conocemos: a través de un bonito montaje, Clark reflexiona sobre los momentos más importantes de su vida, como cuando cae en la Tierra, cuando se convierte en Superman o cuando conoce a Lois Lane. Y aquí, además de tener referencias sutiles, pero sumamente emocionantes, como el icónico auto verde de The Amazing Fantasy #15, el diseño del traje creado por Fleischer Studios para su caricatura en 1941, y hasta una frase que muestra lo bondadoso y amigable que es Supes en realidad, la serie nos dice que eso es sólo la superficie de lo que busca explorar la serie.

Además de lo que ya conocemos, este Clark Kent se tiene que enfrentar con una crisis de mediana edad. No sólo por las trágicas pérdidas que debe sobrellevar a inicio del episodio, sino también porque cada vez más está cansado de ser un superhéroe. Y no, no entra en el conflicto sobre si debería o no debería ser un héroe (ese conflicto lo superó hace mucho, según nos cuenta Martha Kent en un momento). Más bien, se siente abrumado por los rápidos cambios económicos que debe soportar, y porque ya se dio cuenta que sus deberes heroicos lo han convertido en un padre ausente. Y la dificultad que tiene para conectar con uno de sus hijos se muestra como una de las primeras, pero dolorosas consecuencias de ser este Superman.

Además, son bastante interesantes los puntos de vista de las escenas de acción. Si bien vemos en todo su esplendor como Superman no sólo explota sus súper poderes, sino que crea estrategias bastante eficientes y emocionantes, también se hace mucho hincapié en la forma en la que los ciudadanos conviven con su presencia. Una presencia que sí es un símbolo de esperanza, se sabe amigo, pero cuyo poder es tan grande y se esgrime con tanta fuerza que es imposible no sentirse intimidado también.

Hemos visto a un Superman malvado. Lo hemos visto como el símbolo de la esperanza. Lo hemos visto como el gran salvador, también como el chico que apenas está descubriendo sus súper poderes y hasta como un héroe conflictuado. Pero verlo con una crisis de mediana edad, donde además de enfrentarse a las complejidades del sistema financiero, debe oscilar entre su vida en Metrópolis, su herencia en la granja de Kansas y su cansancio como héroe, es una faceta que nunca se había tratado antes.

Los Nuevos Personajes

El nuevo Clark Kent está bien cimentado en su primer episodio, pero son las nuevas adiciones las que hacen más interesantes los misterios que plantea el episodio piloto. Los hijos de Superman y Lois, el atlético Jon (Jordan Elsass) y el cínico, pero ansioso Jordan (Alexander Garfin), tienen muy buena química entre sí y se presentan como un reto interesante, ya que las dudas sobre hasta qué punto ellos han heredado los súper poderes de su padre y qué consecuencias tendrá el hecho de que sean mitad alien/ mitad humano tanto en su vida como en la relación que tienen con Clark pintan para armar un drama entretenido.

Pero la más grande sorpresa la dio el actor Wolé Parks (Yellowstone), cuyo Capitán Luthor se presenta como una figura mucho más amenazante a como hemos visto otras interpretaciones del magnate malvado. Aunque habrá qué ver cómo se desarrolla esta historia y en particular su personaje, ya que no se puede olvidar que el show se vio envuelto en controversia luego de despedir a la escritora Nadria Tucker, quien recientemente confesó que tuvo que dejar el proyecto por sus opiniones sobre la diversidad y la representación.

Superman and Lois sin duda es diferente. Es diferente a lo que hemos visto en el DCEU, pero también muy distinta a las aventuras más ligeras de los otros shows del Arrowverso. Pero si logra mantener la calidad que tuvo su primer episodio, y logra manejar mejor el tema de la representación expuesto por Tucker, tal vez estamos viendo el surgimiento de un nuevo, e icónico, Superman.

¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Qué les pareció el primer episodio de Superman and Lois?

Top 5 Villanos Desperdiciados en el MCU

Publicado en 25 febrero, 2021 el 1:19 pm.

Escrito por Fátima Martínez

En algunas ocasiones, Marvel nos ha decepcionado con la adaptación cinematográfica de sus villanos, ¿cuáles son los casos más emblemáticos?

Bajo la clásica narrativa del héroe que siguen muchos de los cómics, existe un elemento esencial: la presencia de un villano que le complique el camino al protagonista. Dentro de las historietas de Marvel, hay diversos ejemplos de antagonistas icónicos que los/as fans de hueso colorado, ansían ver encarnados en pantalla, pero cuando esto sucede los resultados son dispares: algunos quedando satisfechos, mientras otros terminan odiando su adaptación.

Aunque el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) ha hecho justicia a diversos villanos -como es el caso de Thanos-, también ha caído en lo contrario, por lo que enfocados en esto último, repasemos los casos más emblemáticos de antagonistas arruinados en la pantalla grande.

El Mandarín (Iron Man 3)

Tal vez este sea el villano que más controversia ha generado, debido al cambio radical de aquel personaje representado en los cómics. La principal molestia de los/as fanáticas/os reside en el giro cómico que le impregnan en la película, donde es presentado como un hombre peligroso, pero termina siendo un patético farsante llamado Trevor Slattery.

Debido al exceso de críticas, Marvel realizó un cortometraje titulado All Hail The King, donde se menciona la existencia del verdadero Mandarín, quien se encuentra molesto porque otra persona se hace pasar por él.

En la Comic Con 2019, cuando se presentó la fase 4 de Marvel Studios, y se anunció Shang-Chi y la leyenda de los siete anillos, donde el personaje en cuestión formará parte de su narrativa. Esperemos que en esta ocasión se le brinde justicia a este clásico enemigo de Iron Man.

Ultron (Avengers: Age of Ultron)

Un villano creado por Tony Stark, qué novedad.

Puede que la segunda película de Los Vengadores no sea la mejor, pero tampoco es mala, ya que se introducen nuevos personajes como Vision, Wanda, Pietro Maximoff y Ultron, este último supuestamente sería el villano de la cinta, pero se ve opacado por la propia protagonista de WandaVision, quien ya desde entonces creaba destrozos.

Ultron debería haber impuesto más terror, de manera que las personas espectadoras llegaran a creer que sería una amenaza difícil para Los Vengadores, pero en lugar de ello sólo caía en lo cómico dando la impresión de un niño haciendo berrinche.

Malekith (Thor: The Dark World)

‘El Maldito’ fue introducido en la segunda entrega de Thor, pero lamentablemente su adaptación se encuentra lejana de evocar el poderío que demuestra en los cómics, al grado que nadie lo recuerda. Hasta Abominación tiene más carisma que él.

Todo buen villano quiere poder y posee una motivación clara para conseguirlo, algunos inclusive poseen diálogos que se vuelven históricos en el UCM. Pero Malekith no tiene eso, inclusive nunca comparte palabra con el protagonista. Su presencia es canjeable por cualquier otro personaje, y la excusa del atacar a Thor o Asgard porque allí reside el éter, es simplemente ridículamente.

Yellow Jacket (Ant-Man)

En la primera entrega de Ant-Man se nos presentó este carismático personaje, sin embargo entra este listado, debido a que realidad no es villano, en las historietas Yellow Jacket es una de las muchas entidades que Hank Pym utiliza, y aunque Darren Cross usa este alias en su faceta como antagonista, verdaderamente no cuenta con mucha relevancia.

Además, en el filme no se sustenta adecuadamente su transición al lado oscuro, al igual que Ultron parecía que sus acciones son parte de un berrinche.

Los Skrulls (Capitana Marvel)

Después de observar como Thanos dejaba destrozados a los Vengadores en Infinity War, el puesto de villano en el UCM tenía la vara muy alta, sin embargo si alguien podía alcanzar tales niveles eran estos alienígenas, pero en la película de Capitana Marvel cambiaron por completo su personalidad.

En la susodicha cinta, los Skrulls son refugiados que buscan un lugar para vivir en paz, mientras en los cómics estos seres siempre han sido los malos per se, teniendo como único objetivo conquistar mundos. Una de las mayores sorpresas anunciadas durante el evento InvestorDay 2020 de Disney fue la serie Secret Invasion, donde esperemos que estos extraterrestres funjan bajo el papel en que todos/as les conocemos.

¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuáles son sus villanos menos favoritos del MCU?

Coming to America 2: ¿Homenaje a la cultura afroamericana?

Publicado en 24 febrero, 2021 el 1:07 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Después de 30 años, Eddie Murphy regresa a interpretar a uno de sus personajes más icónicos en Coming to America 2.

Quizá el nombre de Eddie Murphy nos remita a sus grandes éxitos logrados hacía finales de los 90’s e inicios de los 2000’s: desde cintas live action enfocadas en la comedia como Dr. Dolittle o La guardería de papá, hasta su labor en el doblaje animado en filmes como Mulán -donde daría vida a Mushu- o Sherk -interpretando a Burro-.

Sin embargo el primer largometraje que catapultaría al interprete estadounidense a la fama, sería Un Príncipe en New York: una historia centrada en Akeem, el príncipe de un reino africano ficticio que lleva por nombre Zamunda, quien como dictan las tradiciones al cumplir los 21 años, se le presentará a la mujer con quien deberá casarse.

Pero harto de sentir que cada aspecto de su vida se encuentra predefinido, el se niega aceptar el matrimonio preacordado por sus padres, y junto a su amigo Semmi (Arsenio Hall) decide ir en búsqueda del verdadero amor, propósito que los llevará a viajar a Estados Unidos, específicamente al distrito de Queens en New York.

Lugar donde conocerá a Lisa McDowell (Shari Headley), una mujer independiente, bondadosa e inteligente, de quien inmediatamente caerá enamorado e intentará conquistar sin revelar su verdadera identidad.

En la conferencia de prensa suscitada en torno a la secuela, Eddie Murphy rememora como dicho filme fue la “primera película exitosa en todo el mundo, donde el cast estaba repleto de personas pertenecientes a la comunidad negra”. Y no se equivoca, pues además de tener un éxito rotundo en taquilla, la obra fue nominada a la categoría de Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje para la edición de 1989 de los Premios Óscar.

Louie Anderson quien da vida a Maurice en la primera entrega, ejemplificó como este impacto del público se ha visto reflejado en aspectos como la creación de un restaurante idéntico al McDowell’s, además de las incesantes preguntas que durante años le han realizado sobre si existiría una segunda entrega.

Y finalmente, después de 30 años y tres borradores de guión, el próximo 5 de Marzo mediante la plataforma streaming de Amazon Prime Video, podremos disfrutar la segunda parte de Un Príncipe en Nueva York.

La importancia de la representación

En la conferencia dividida en tres paneles, donde participaron desde viejos/as conocidas/os como Shari Headley o Arsenio Hall, hasta nuevas caras como el mismísimo Wesley Snipes o KiKi Layne, las risas y el sentimiento de comunidad fue una constante evocada en cada una de las ponencias.

Aunque por momentos los/as involucradas/os hacían referencia a las experiencias vividas durante la primera filmación, o recordaban cuales eran sus escenas favoritas -donde unas de las más mencionadas fueron aquellas suscitadas en la barbería-, los principales temas de conversación giraron en torno a las novedades del segundo filme.

Quizá el más resonado entre las voces femeninas fue el poder que se le otorgó a las mismas desde el guión hasta la filmación, donde desde su perspectiva a través de la trama se buscó y logró enviar un mensaje de empoderamiento, pues la hija de Akeem: Meeka (Kiki Layne), cuestionará las tradiciones de Zamunda que dictan que una mujer no puede gobernar el país.

Además que constantemente se mencionó con júbilo la escena final: la cual por lo mencionado se desarrolla una enorme fiesta, donde se hizo gala de elegantes vestuarios dignos de la realeza.

Representación que para la interprete KiKi Layne, le impresionó desde la cinta de 1988, pues fue la primera imagen en que ella observó una “realeza negra” en televisión, situación que recuerda haberla empoderado, al igual que hace uno años realizó Black Panther.

Por cierto, se les escapó que en esta última secuencia, así como Samuel L. Jackson fungiría como el invitado estrella de la primera entrega, en esta la aparición especial residirá en la figura de Morgan Freeman.

Continuando bajo la temática previa a este último paréntesis, actrices como Garcelle Beauvais destacaron la experiencia de filmar en los estudios de Tyler Perry, conocidos como el Black Hollywood, pues fue emocionante reflexionar como la cultura afroamericana ha dado grandes pasos en su incursión en la industria del entretenimiento cinematográfico, lo que permite hablar de un antes y después en la lucha por los derechos de la comunidad negra en Estados Unidos: “Este es un nuevo mundo y eso es bueno” expresó.

A pesar de esto último, Murphy expuso que su intención mediante estas clase de relatos y representación, es de subvertir la dinámica de narrativas a las que se ha encasillado al grupo susodicho, donde se les suele enfocar en tragedias, sin embargo: “también tenemos el derecho de contar otras historias, donde nos veamos como la realeza o hablemos sobre el amor.”

Finalmente, se mencionó que Eddie tiene en mente una tercera entrega y que la realización de esta secuela se realizó con mucho amor, por lo que esperan que el público sienta lo mismo.

¡Las joyas que podrás ver en FICUNAM 11!

Publicado en 24 febrero, 2021 el 12:49 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Se acerca FICUNAM 11 y te recomendamos algunas películas que formarán parte de su programación.

Probablemente FICUNAM fue el último festival cinematográfico que muchos/as tuvimos la oportunidad de disfrutar bajo la vieja normalidad: aquella que no contemplaba a “Susana Distancia”, el uso de cubrebocas y constante gel antibacterial.

Aunque aún se vislumbra lejano el instante en que volvamos a compartir ese espacio, vibrando al unísono durante una proyección cinematográfica, el Festival Internacional de Cine de la UNAM se prepara para la realización de su décima primera edición, en medio de la pandemia por COVID – 19.

Por esta circunstancia, la proyección de cortos / largometrajes y charlas con las/os artistas involucrados/as en su realización, se llevarán a cabo en su totalidad vía online, donde plataformas como Cinépolis Klic, MUBI y el micrositio Cine en línea de la Filmoteca, fungirán como el medio a través del cual podremos acceder gratuitamente a los títulos que conforman las selecciones oficiales del evento.

Además de los filmes en competencia, se realizará una retrospectiva al cineasta taiwanés Tsai Ming-Liang: creador de películas como The River, The Hole, Vive L’amour o Dong, por las cuales ha sido galardonado con el León de Oro de Venecia en 1994 o el Premio de la Crítica en Cannes de 1998.

El festival se llevará a cabo del 18 al 28 de Marzo del 2021, y aunque por el momento no se han anunciado los horarios en que se desarrollarán cada una de las proyecciones, recomendamos estar atentos a las diversas redes de FICUNAM.

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Moving On

Dirigida por la cineasta Yoon Dan-bi, este filme surcoreano se centra en la historia de una joven de nombre Ok-joo y su familia, quienes tienen que mudarse a la casa de su abuelo tras el divorcio de sus padres. Lugar donde la protagonista se verá constantemente expuesta al cambio, viviendo momentos inolvidables de alegría y dolor que marcarán su vida.

El largometraje luce como una de las propuestas más interesantes del festival, ya que ha sido comparado con los dramas familiares a cargo del japonés Hirokazu Koreeda: que es la mente detrás de obras como Shoplifters.

Taming the Garden

La directora proveniente de Georgia: Salomé Jashi, narra en este documental la historia del primer ministro georgiano, quien tiene como hobby arrancar de raíz árboles centenarios, para llevarlos a su jardín privado.

Cryptozoo

El segundo largometraje a cargo del estadounidense: Dash Shaw, es una imaginativa película animada que combina una estética psicodélica y mitología de todo el mundo, bajo un lindo mensaje de abrazar la diversidad y respetar la naturaleza.

Así como el anterior caso, este largometraje se presentó en la más reciente edición del festival Sundance, y pueden leer nuestra crítica al respecto dando clic aquí.

I Comete – A Corsican Summer

En un poblado de Córcega, Francia, el verano coloca el tiempo en suspenso: los niños juegan en las calles y los adolescentes disfrutan, mientras las personas adultas conversan sobre el futuro y el paso del tiempo. A través de dicho contexto, el realizador Pascal Tagnati confrontará a sus protagonistas con las heridas que aún se mantienen abiertas.

Liborio

Tras creerle desparecido en un huracán, un campesino vuelve y se le es considerado como una especie de profeta, razón por la cual la gente comienza a seguirlo a las montañas de República Dominicana, donde todo parece estar en paz hasta que el país es invadido por marines estadounidenses.

Destello Bravío

Con guiños de surrealismo y realismo mágico, la directora española Ainhoa Rodríguez, cuenta un relato protagonizado por un grupo de mujeres que habitan en un poblado rural, donde su gente se aferra a las tradiciones tras la llegada de la globalización, situación donde las susodichas se llevarán la peor parte.

AHORA MÉXICO

Cosas que no hacemos

Bruno Santamaría nos invita mediante el formato documental, a conocer la historia de Arturo: un adolescente en su proceso para tomar el valor que confiere dar a conocer su homosexualidad quien al mismo tiempo tendrá que enfrentarse a la violencia que irrumpe a su comunidad conocida como El Roblito, entre el límite de Nayarit y Sinaloa.

La mami

La documentalista española Laura Herrero, se centra en el cabaret Barba Azul, lugar donde labora La mami: una mujer encargada del baño femenino que entreteje lazos de confianza con las trabajadoras del lugar, a quienes les proporciona un espacio de apoyo y confianza.

499

A meses de que se cumplan 500 años de la conquista española sobre Tenochtitlán, el documentalista Rodrigo Reyes, mezcla ficción con realidad para analizar en que cosas ha cambiado o no el panorama nacional.

Para ello utiliza la figura de un general que acompañaba a Cortés, el cual inexplicablemente aparece en la actualidad y tendrá que repetir el sendero que significó una de sus grandes glorías: viajando de Veracruz a la CDMX, donde será enfrentado a escuchar y observar diversas historias de las personas que habitan este país y como sus vidas han sido marcadas por la violencia.

Blanco de Verano

La ópera prima de Ruiz Patterson, narra la historia de Rodrigo: un adolescente que tras la llegada de la nueva pareja de su madre, tendrá que decidir si aceptar su nuevo rol en la familia que se encuentra forjándose, o actuar egoístamente y recuperar toda la atención y cariño de su progenitora.

Así como el anterior caso, este largometraje se presentó en la más reciente edición del festival de Morelia, y pueden leer nuestra crítica al respecto dando clic aquí.

Nomadland: ¿El ocaso del sueño americano?

Publicado en 24 febrero, 2021 el 10:32 am.

Escrito por Rafael Lechado

Nomadland es una conmovedora prueba de que nunca es tarde para volver a empezar

La calidad de una película no siempre se mide por la solidez de su estructura narrativa. Hay filmes cuyo fuerte es la tonalidad y el ritmo, donde a veces se transforman en un personaje más en el argumento. Y en el caso de Nomadland, también se convierten en una delgada línea que separa la realidad de la ficción.

Frances McDormand vuelve a mostrar la tremenda calidad actoral que posee. Aquí encarna a Fern, una mujer que ha quedado viuda y que además ha perdido su trabajo, debido al cierre de una fábrica en Nevada, Estados Unidos. Su mundo se le viene abajo. Y No es para menos, al final, es una mujer de la tercera edad sin seguro social, sin estabilidad laboral y sin un “hogar” en sí.

Entre trabajos temporales y viviendo en su propia camioneta Tipo Van de Carga, irá sobreviviendo lo que ya otros críticos han denominado como el “ocaso del sueño americano”. Y sí que lo es, porque aquí la cineasta Chloé Zhao, directora y escritora, expone de forma sutil el otro lado de Estados Unidos, la otra cara del capitalismo en que hay personas que quedan relegadas de la sociedad.

Sin duda que Nomadland es un filme con alma, que se cocina a fuego lento y con tinte casi documental. Sin embargo, su riqueza recae en breves pero potentes interacciones humanas, acompañadas de paisajes hermosos, fotografía abrumadora y un poderoso performance de su protagonista.

Un viaje de melancolía

La película es una travesía por distintas zonas del oeste de Estados Unidos, en que Fern irá encontrando a una comunidad de nómadas modernos (de ahí el título), que conviven en zonas desérticas como vecinos y buenos samaritanos, ayudándose unos a otros, porque en muchos casos se tienen únicamente a ellos mismos para subsistir.

Basado en un libro escrito por Jessica Bruder, con un título similar pero agregando “Sobreviviendo a Estados Unidos en el Siglo XX1“, Zhao proyecta la vida de personas que sí viven realmente de esa manera. De hecho, para impregnar de ese realismo y autenticidad buscó a nómadas y los metió en el filme, por lo que no son actores profesionales ni mucho menos, sino personas que cuando hablan cuentan sus propias experiencias.

Y son esos intercambios cuando Nomadland gana enorme calidad, porque vemos a una McDormand que sobrepasa la actuación para empatizar como ser humano con esa gente, en el que no necesita hablar demasiado para que entendamos lo que siente. Son esas gesticulaciones y un rostro tosco y a la vez frágil en el que vemos cómo es una mujer lidiando con mucho por dentro.

Fern es una mujer dura, de pocas palabras y decidida; sin embargo tiene momentos en que no puede con su propia vulnerabilidad, incluso la lleva a dudar de si debe proseguir o no con un posible interés amoroso.

¿Esperanza en el desierto?

Nomadland es una película con grandes nominaciones y que cuenta con esa bellísima fotografía en cada plano, con muchas tomas en exteriores y casi siempre en atardeceres, te invita a reflexionar de muchas cosas de la vida adulta, de la familia y del qué nos depara el futuro una vez lleguemos a una edad mayor.

¿Se puede volver a comenzar aún después de los 50, 80, o 100 años? Creo que esta película permite pensar que se puede, aún con decisiones que puedan parecer polémicas o infantiles, como tener una vida de nómada recorriendo largas distancias y con trabajos temporales exigentes y mal pagados.

Pero con lo que más me quedo de Nomadland es definitivamente con esa apertura de corazones de personas reales, que han pasado por situaciones muy difíciles por culpa de un sistema norteamericano que casi nunca en el cine se ve reflejado así.

Necesitaron a una cineasta de origen extranjero para poder plasmar una mirada honesta de las consecuencias del capitalismo en el Siglo XXI.

¡La temporada 12 de Dr. Who llega por primera vez a LATAM!

Publicado en 23 febrero, 2021 el 4:45 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Dr. Who llega a LATAM a través de Europa + y te contamos todos los detalles.

Durante este mes, los usuarios de Europa + podrán disfrutar de una curada selección premium de contenidos que incluye las temporadas más recientes de dos de los shows más amados de la cadena inglesa: Dr. Who y Top Gear, así como cautivantes dramas, shows de estilo de vida e increíbles documentales que harán que la audiencia vea las cosas bajo una óptica completamente diferente.

Europa+, la plataforma digital con lo mejor y más actual de la TV europea en America Latina cuenta con mas de 1,500 horas de programación, estrena a partir del 26 de febrero las temporadas 11 y 12 de Dr. Who, completamente subtituladas y en alta definición. Además del especial festivo Dr. Who: Revolution of the Daleks también estará disponible en los siguientes meses. Esto marca la primera vez que ambos contenidos estarán disponibles en Latinoamérica, con la excepción de Brasil.

Jodie Whittaker regresa como el décimo tercer Doctor para llevar a la audiencia a un nuevo conjunto de aventuras épicas llenas de acción que abarcan el espacio y el tiempo. Acompañada por sus tres mejores amigos, Ryan, Yaz y Graham, la Doctora está lista para enfrentar sus desafíos más difíciles hasta el momento, donde enfrentará aterradores monstruos como los Judoon y Cybermen.

Los nuevos episodios de Dr. Who están destinados a emocionar, asustar y deleitar al público de todo el mundo, además se presentarán estrellas invitadas como Stephen Fry, Sir Lenny Henry CBE, Robert Glenister y Goran Višnjić.

En Dr. Who: Revolution of The Daleks los aficionados podrán apreciar un especial festivo emotivo, lleno de aventuras y protagonizado por increíbles estrellas invitadas así como los adversarios más emblemáticos y mortales de la Doctora quien está encerrada en una prisión alienígena de alta seguridad. Aislada, sola, y sin esperanzas de escapar.

Muy lejos, en la Tierra, sus mejores amigos, Yaz, Ryan y Graham tienen que retomar sus vidas sin ella. Pero no es fácil, los viejos hábitos tardan en morir, especialmente cuando descubren que se está formando un plan inquietante. Un plan que involucra a un Dalek. ¿Cómo puedes luchar contra un Dalek sin La Doctora?

A toda velocidad

También, para los amantes de la velocidad y adrenalina llega la temporada 27 del show automotriz más famoso del mundo, Top Gear. El espectáculo automovilístico más grande del mundo llega con una brillante alineación de conductores: Chris Harris está acompañado por el comediante Paddy McGuinness y la leyenda del cricket Andrew ‘Freddie’ Flintoff, y por supuesto, el Stig. Paddy.

Freddie y Chris afrontan los desafíos más rápidos, apasionantes y difíciles de Top Gear hasta la fecha: llevar sus coches, y ellos mismos, al límite de la resistencia. Desde el calor brutal del desierto de Etiopía hasta la sofocante selva tropical de Borneo, desde la naturaleza salvaje de Islandia hasta el distrito comercial peatonal de una ciudad comercial británica, Top Gear es más grande que nunca.

Mientras que en la pista de pruebas de Top Gear, de fama mundial, un nuevo grupo de celebridades demuestran su destreza al conducir (o no) en el automóvil razonablemente rápido y también enfrentan nuevos desafíos establecidos por los presentadores.

¡Más contenido!

A continuación, las sinopsis de otras series que conforman la oferta premium de BBC Studios disponible en Europa+:

Pure: Una divertida serie que explora la vida de Marnie, quien lucha contra un extraño desorden obsesivo compulsivo conocido como “Pure O”, que produce una avalancha de pensamientos eróticos sin control. La serie brillantemente divertida y emotiva de Kirstie Swain está basada en la aclamada biografía de Rose Cartwright.

Guilt: Los hermanos Max y Jake arrollan accidentalmente a un anciano en una calle oscura. Aunque se las arreglan para ocultar su crimen, cuando las sospechas de que la muerte no fue tan inocente como parecía, la vida de los hermanos comienza a desmoronarse. A medida que su culpa los lleva a un mundo peligroso, pronto descubren que no pueden confiar en nadie. Ni siquiera uno en el otro.

Summer of Rockets: Un thriller semiautobiográfico del escritor ganador de premios BAFTA y Emmy, Stephen Poliakoff. Toby Stephens y Keeley Hawes lideran un elenco estelar. Gran Bretaña, 1958. El empresario Samuel Petrukin involuntariamente se verá involucrado en una trama de espionaje y queda envuelto en una oscura red de engaños ¿En quién puede confiar Samuel? ¿en nadie?

Three Girls: Un conmovedor y poderoso drama sobre una amistad de la infancia, rota por el abuso y las niñas menores de edad traicionadas por el mismo sistema que debería haberlas mantenido a salvo. Basado en las historias reales de las víctimas del escándalo de abuso sexual de Rochdale y realizado con su total cooperación, este tremendamente honesto drama de tres episodios.

Make Me Famous: Un drama que invita a la reflexión y que explora el impacto de la fama rápida en los concursantes de reality shows y sus familias.

Great British Sewing Bee: De los creadores deThe Great British Bake Off llega Great British Sewing Bee llevando a la pantalla a los sastres británicos amateurs más talentosos en una feroz competencia para coronarse como el mejor de la región.

Flora and Ulysses: Los héroes van más allá del MCU

Publicado en 23 febrero, 2021 el 2:14 pm.

Escrito por Becka Salas

Flora and Ulysses llega a Disne+ para recordarnos que los superhéroes van mucho más allá del MCU

Mucho del éxito que ha tenido Disney+ en los últimos años se debe, en gran parte, al increíble catálogo de contenido que la compañía The Walt Disney ya tenía desde hace varios años bajo su sombrilla. Y aunque su oferta de contenido original sigue siendo limitada si la comparamos con otras plataformas de streaming como Netflix y Amazon Prime Video, es imposible negar que no se necesita una gran cantidad de títulos cuando los pocos que se estrenan dominan de inmediato el imaginario colectivo como lo han hecho The Mandalorian y WandaVision.

Sin embargo, con Flora and Ulysses, una divertida película que puede ser fácilmente ignorada por “infantil”, pero que tiene mucho más que ofrecer, Disney nos demuestra que sigue sabiendo ofrecer contenido de calidad para todo tipo de público, aunque se tarde un poco más en llenar su catálogo.

¿Cómo se define un superhéroe?

Flora (Matilda Lawler) es una niña que ama los superhéroes y adora los cómics. Por eso, cuando un extraño accidente en el patio de su casa le da poderes a una pequeña ardilla, Flora emprenderá toda una aventura para averiguar su propósito y ayudar al pequeño Ulysses a convertirse en el mejor superhéroe que puede ser.

La premisa es bastante sencilla. Al final, se centran en las aventuras de una niña y una ardilla CGI con súper poderes. Pero la sencillez no es lo mismo que la simplicidad, y en Flora and Ulysses podemos encontrar temas lo suficientemente interesados que nos mantienen interesados tanto en la historia como en los personajes.

Esta no es la historia de origen de Ulysses y cómo se convierte en un verdadero superhéroe (tipo Superdog de 2007), tampoco es la historia de una mascota que lo soluciona todo con sus grandes habilidades (lo sentimos mucho, Zeus y Buddy). En su lugar, él comienza su entrenamiento superheroico gracias a Flora, ya que antes de conocerlo había perdido por completo la fe, no sólo en los superhéroes, sino en la vida en general.

El Poder de las Historias

Flora ama con mucha intensidad los cómics y los superhéroes. Eso queda muy claro desde el inicio de la película. Sin embargo, cuando la conocemos también está por vender toda su colección al hombre de las historietas de su tienda local y se proclama una “cínica” que es capaz de observar el mundo a su alrededor sin involucrarse sentimentalmente.

Y es que Flora, en realidad, está atrapada en medio de la separación de sus padres: Phyliss (Alyson Hanningan), una exitosa escritora de novelas; y George (Ben Schwartz), un aspirante a escritor de cómics que, cuando su carrera no logra despegar, los problemas económicos y la disparidad de éxito con su pareja se hace simplemente insoportable y deben separarse.

Hannigang y Schwartz hacen una gran mancuerna, no sólo como polos opuestos que se complementan bien en la crianza de Flora, sino también como ejemplos de los difícil, pero posible, que es llevar una separación sana. Flora en ningún momento es presionada a escoger un bando, y los problemas que enfrentan ambos debido a su separación no les impide tener una relación amistosa. Así que Ulysses, más que ser un superhéroe destinado a la grandeza, se presenta en esta familia como una fuerza que les devuelve las ganas de creer, de pensar y de luchar.

La Nueva Estrategia de Disney

Para Flora and Ulysses, Disney otra vez volvió a convocar los talentos de una talentosa pero novata voz en el medio gracias a Lena Khan, quien después de dirigir la gran comedia de The Tiger Hunter, se agradece verla en una propuesta tan diferente y a la vez tan importante gracias a la gran plataforma de la que goza Disney+. La directora le da una visión más íntima, con algunos giros inesperados que hacen que Flora and Ulysses se diferencie de otras películas originales del estilo de Disney Channel.

Además, Khan volvió a contar con la participación de Danny Pudi (Community), un actor cuyo talento para la comedia física es tan grande que, aún vestido con todo el estilo de un aniquilador de ardillas, levanta todas las escenas que protagoniza y las convierte en momentos verdaderamente divertidos y entrañables.

Además, en Flora and Ulysses queda claro la habilidad que tiene Disney para mostrar el gran catálogo de propiedades intelectuales que tiene. Ya sea poniendo a Flora discutir con el chico de las historietas sobre si Spider-Man o Kylo Ren son más fuertes, o soltando casualmente la frase “I love you 3000” en una conversación casual. Y aunque no es necesariamente invasivo ni estorba para la historia original, tal vez esos guiños sean suficientes para atraer más espectadores.

Algunas bromas no son tan buenas, y los animales CGI siguen siendo animales CGI. Pero gracias a un elenco bastante bueno y coordinado en una historia con mucha honestidad y corazón, que además subvierte las expectativas del género de superhéroes, se puede decir que Flora and Ulysses es una bonita sorpresa que no deberían dejar pasar. Si ya nos estamos quedando por The Mandalorian y WandaVision, ¿por qué no darle oportunidad a algo diferente?

¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les gustó Flora and Ulysses?

¡El legado de Daft Punk en el cine!

Publicado en 23 febrero, 2021 el 12:27 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

A lo largo de su exitosa carrera musical, Daft Punk mantuvo una estrecha relación con el cine, y tras su separación repasamos sus mejores colaboraciones.

Durante la cultura rave experimentada en Europa durante los 90’s, surgieron diversas discográficas independientes que abrieron espacios para el surgimiento de nuevos talentos. Así en 1992, un grupo de amigos comenzó a tocar -sin mucho éxito- en los clubes nocturnos de Versalles bajo el seudónimo Darlin’ por lo que el guitarrista de la banda: Laurent Brancowitz, decidió abandonar a Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo, para unirse a otra agrupación a la que probablemente conozcan por sus colaboraciones en el cine de Sofia Coppola: Phoenix.

Sin embargo esto no detuvo a los integrantes restantes, quienes continuaron experimentado en el mundo de la música electrónica, navegando a contracorriente de la mescolanza de géneros y tempos rápidos que caracterizaba a conjuntos como The Chemical Brothers, Fatboy Slim o Prodigy.

Así bajo el sendero del minimalismo, Thomas y Guy-Manuel tomarían los verbos despectivos con que su anterior trabajo fue descrito por la revista Melody Marker, para titular al nuevo grupo: Daft Punk. Nombre bajo el cual, con tan sólo cuatro placas discográficas, conquistó los charts mundiales y se hizo acreedor de 6 Premios Grammy.

Tras 28 años de carrera, ayer 22 de Febrero del 2021, la agrupación francesa ha anunciado mediante su redes sociales que se separa, por lo que a manera de homenaje y aprovechando su fuerte conexión a la industria cinematográfica, repasaremos las icónicas colaboraciones entre ambos mundos.

Amor a primera vista

1997 fue el año que Daft Punk lanzaría su primer álbum: Homework, trabajo que los llevaría al alto consumo. Éxito que reforzarían bajo una serie de videoclips musicales que estrenarían bajo una colección titulada: D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes, donde nombres como Michel Gondry, Spike Jonze o Roman Coppola participan en la dirección.

El futuro cineasta de largometrajes como Being John Malkovich o Her, sería encargado de llevar al audiovisual Da Funk: el sencillo que catapultó al conjunto a la fama. Para ello, Jonze optaría por un cámara en mano para seguir A un perro antropomorfo, que recorre las calles de New York con una pierna enyesada, vistiendo ropa urbana y cargando un estéreo portátil donde reproduce la susodicha canción.

Con la música mezclándose con los diversos sonidos / diálogos que caracterizan las calles neoyorkinas, el cineasta estadounidense compondría una divertida tragicomedia.

Posteriormente Roman Coppola, afamado guionista de diversas películas pertenecientes a Wes Anderson, como: Isla de Perros, Viaje a Darjeeling o Moonrise Kingdom (esta última le valdría una nominación a los Premios Óscar en el 2012), da vida a Revolution 909, que aunque estéticamente sea bastante genérica, compone una divertida trama donde una chica a punto de ser arrestada observa una mancha de tomate en la camisa del oficial, detalle que la remite a todo el proceso que involucró que dicha salpicadura llegara allí.

Sin embargo, el mejor videoclip de la colección correría a cargo de la dirección de Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind), quien realiza un trabajo milimétrico en Around the World, donde en una sola locación cuatro grupos: esqueletos, hombres alargados, momias y robots, coluden alrededor de una estructura circular y dos escaleras.

El trabajo coreográfico es un locura de las buenas, ya que cada paso realizado por cada uno/a de sus protagonistas involucrados/as, sigue con precisión cada una de las diferentes pistas / ritmos que componen a la canción, elemento que conforma un hipnotizante y extraordinario espectáculo visual.

Trabajando con el ídolo

Para su segunda placa de estudio: Discovery, la banda pensaría en un ídolo de la infancia para ilustrar las canciones que se volvieran himnos de la primera década de los 2000’s. Se trataba de Leji Matsumoto: creador de mangas que marcaron la infancia de los integrantes mediante series animadas como Capitán Harlock, en quien encontraron a la persona indicada para el proyecto, debido a su relación con la ciencia ficción, y las tonalidades de drama / romance que impregnaba a sus relatos.

Bajo la supervisión del japonés y la dirección de Kazuhisa Takenouchi -quien anteriormente había trabajado para la Toei Animation en títulos como Dragón Ball o Sailor Moon-, en 2003 se estrenaría Discovery Interstella 5555: un filme que sigue el secuestro y rescate de una banda de electropop extraterrestre.

Presentada en la edición número 56 del Festival de Cannes, la película animada bajo una estética de anime psicodélico, sin diálogos y con ligeros efectos sonoros, cada de las canciones que componen el álbum, pasando por clásicos como One More Time, Harder, Better, Faster, Stronger o Digital Love.

Su recibimiento fue mixto, desde la BBC que la calificó como: “una delicia visual y auditiva de proporciones intergalácticas.” Hasta la revista Empire que la definió de la siguiente manera: “Esta bien si te gusta la banda, se tratará de algunos dibujos animados que tocan acerca de su álbum. Para todos los demás, simplemente tonto.”

Intercambiando labores

Tras 5 años, Daft Punk volvería en 2005 con Human After All, pero en esta ocasión no buscarían una gran figura en el mundo del séptimo arte para realizar videoclips de canciones como Robot Rock o The Prime Time of Your Life. Todo lo contrario, pues Guy-Manuel y Thomas Bangalter, incursionarían en la cinematografía como guionistas y directores de una película titulada: Daft Punk’s Electroma, donde además la banda sonora no corrió a cargo de los franceses, sino de Steven Baker.

A pesar de esto, la cinta se encuentra protagonizada por ambos integrantes de la agrupación, quienes son representados en sus enigmáticos atuendos de robot, y bajo una narrativa repleta de simbolismos visuales y largas secuencias fundamentadas en el montaje interno, donde dichos androides intentan demostrar su humanidad en un mundo donde todos/as se han convertido en autómatas, lo que los hace ser constantemente señalados y les obliga a buscar nuevos caminos donde puedan encontrarse.

Sin mencionar más detalles sobre su desenlace, una de sus escenas finales sería usada años posteriores en su video de despedida, pero en su momento, lo expresado en el filme fungiría como una metáfora que anunciaba que el conjunto musical no se encontraba alineado a los deseos de la industria a la cual pertenecía, y a pesar de las malas críticas recibidas tras su último trabajo, ellos continuarían creando el contenido que ellos deseaban, bajo su propio ritmo.

Un año después del estreno de la cinta en Cannes, cumplirían dicha promesa bajo el desarrollo de una de las giras más ambiciosas y espectaculares: Alive 2007, la cual demostraría que nunca dejaron de estar en lo más alto, encantando a los grandes públicos alrededor y haciéndolos acreedores de sus primeros Grammys.

Para 2010, sorprendieron con su participación en la película de Disney, Tron: Legacy, donde en compañía de Joseph Trapanese, el grupo compuso 37 canciones para la banda sonora del largometraje -entre las que destacó Derezzed-, además de realizar un cameo en el mismo. Josep Kosinski, director de la cinta, se refirió al trabajo de los susodichos como una mezcla de orquesta y elementos electrónicos.

Epílogo

Si bien para su último álbum: el Random Access Memories -estrenado en el 2013-, fue nula la relación entre el mundo del cine con éxitos como Get Lucky, Lose Yourself to Dance o Instant Crush, aún contamos con la oportunidad de una colaboración entre ambos mundos en la canción Gust of Wind, donde la composición realizada entre Pharrell Williams y Thomas / Guy Manuel, vería la luz en un videoclip dirigido por Edgar Wright, el creador de la Trilogía del Cornetto, Scott Pilgrim vs. the World o Baby Driver.

Años posteriores a dicha producción audiovisual, la cual contó con los icónicos cascos de la agrupación flotando como si fueran naves especiales, apenas supimos de la banda: algunas presentaciones especiales en los Grammys o colaboraciones con Parcels o The Weeknd.

Y cuando muchos/as pensamos que quizá se acercaba el momento para un nuevo álbum, la agrupación ha anunciado su separación, sin embargo las canciones y sus colaboraciones en el mundo cinematográfico, continuarán resonando harder, better, faster stronger en los corazones / mentes del público.

¡Top 10 Datos que no sabías sobre Amelie!

Publicado en 23 febrero, 2021 el 12:45 am.

Escrito por Susana Díaz

Amélie es una película francesa que cumple 20 años encantándonos mediante su historia de romance.

Amélie es una película francesa estrenada en 2001, centrada en la vida de una joven camarera que se plantea como objetivo arreglar la vida de los demás, recorrido en el cual vivirá una encantadora historia amorosa.

Dirigida por Jean- Pierre Jeunet -quien coescribió el guión junto al novelista Guillaume Laurant-, la obra se trata de la segunda película en habla francesa con mayor recaudación en taquilla a nivel mundial. Éxito que además se vio reflejado en 5 nominaciones a los Premios Óscar, y sus galardones a Mejor Película y Director en los Premios César.

Para celebrar su aniversario número 20, ¡Fuera de Foco te comparte 10 datos curiosos sobre Amélie!

Desde Inglaterra, Emily Watson

Desde que observó su interpretación en Rompiendo las olas (1996), el director Jean-Pierre Jeaunet quedó encantado del trabajo realizado por Emily Watson, razón por la que pensó en ella para interpretar el papel de Amélie Poulain. Sin embargo, la actriz rechazó la proposición ya que no quería estar lejos de su casa.

De Emily a nuestra querida Amélie

Mientras caminaba por las calles de París, Jeunet observó un póster de la cinta La Belleza de Venus en donde aparecía la actriz Audrey Tautou. Tras convocarla al casting, el director cuenta que se escondió para ocultar su emoción al verla, quedando sorprendido por su apariencia de ojos oscuros e inocencia.

Des Deux Moulins

Des Deux Moulins: la cafetería donde Amélie labora en el largometraje, se ha hecho tan famosa como la Torre Eiffel. El dueño del lugar ubicado en la Rue Lepic del barrio Montamartre, quería vender el lugar y jubilarse porque se encontraba cansado, sin embargo reconsideró tal decisión tras convertirse en un sitio que los turistas visitan recurrentemente para tomarse una foto.

Colores por aquí y allá

Quizá uno de los elementos más característicos en la cinta, resida en la vistosa fotografía de Bruno Delbonnel, quien expuso lo importante que era para su persona, que cada personaje/ambientación contara con su propia paleta de colores. Por ejemplo, el rojo que recubre el departamento en que habita Amélie, fue elegido con la intención de proyectar calidez.

Sin embargo no fue nada sencillo lograr esto último, ya que en este caso en particular tuvieron que viajar hasta Alemania para filmar dichas escenas.

¿Una película llena de clichés?

A pesar de sus diversos éxitos, la película fue receptora de fuertes críticas. El blog de Mrs. Morlock, ha recopilado diversos textos en donde se crítica al director de filmar solo los clichés de la sociedad parisina. Entre ellos se encuentra la opinión del periódico L´Humanité, quien calificó a la cinta como fascista, al no representar la diversidad que caracteriza a París.

¿Soundtrack original?

Otro de los elementos característicos del film, reside en su soundtrack. La elección surgió cuando el director viaja en automóvil y escuchó las composiciones de Yann Tiersen, quedó tan enamorado de la música que compró toda su discografía, usando varios de sus temas en la película.

Aunque la mayoría de la banda sonora no fue compuesta originalmente para la obra, la canción El vals de Amélie es una excepción.

Una Audrey muy Amelie

Como inspiración de lo realizado por su personaje en el largometraje, la actriz protagonista tiene una colección fotográfica, compuesta por cada uno/a de las/os reporteros/as que la han entrevistado.

Los gnomos existen

La historia del gnomo del jardín del padre de Amélie, se basa en una serie de sucesos ocurridos en la década de los noventa en Francia e Inglaterra.

Aquí no los queremos tanto…

A pesar de su éxito mundial, la cinta no fue querida en el Festival de Cine de Cannes, donde el director del festival de la rivera francesa: Gilles Jacob, comentó: “La película no es interesante. Tiene talento, pero se equivocó de tema”.

De París a Broadway

Mientras Jeunet escribía el guión, se preguntó a si mismo “¿Quién se interesará en esta porquería?” Hoy sobra decir la fama que posee el filme y la cantidad de personas que lograron conectarse con la protagonista, a tal punto que su historia ha llegado a Broadway.