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¿American Horror Story está obsesionada con los embarazos?

Publicado en 22 agosto, 2023 el 8:45 pm.

En 2011, American Horror Story conquistó la televisión a través de su reformulación de leyendas urbanas y un nuevo planteamiento de terror directamente de la pluma de Ryan Murphy.

Si bien, dicha temporada se encuentra bastante atrás en el histórico de lo que hoy ya es American Horror Story, algunos de sus elementos se han repetido a lo largo de la serie de manera constante. Y aunque en las recientes temporadas de American Horror Story se han retratado ideas frescas, otras obsesiones particulares de los escritores, tales como los embarazos malditos, ya hacen eco en la siguiente edición de la serie antológica.

Por eso, hoy te presentamos 7 ocasiones en las que la obsesión de la serie con los embarazos y los bebés dio como resultado tramas demasiado bizarras en American Horror Story.

7. El anticristo en American Horror Story: Murder House

El embarazo de Vivien (Connie Britton) en Murder House es una de las tramas más importantes de la temporada y de la serie en general —al influir prácticamente en la historia de la antología hasta su octava temporada—.

Si bien, gran parte de la trama de Murder House se conduce a partir de dicho momento, no por ello toda la situación alrededor del embarazo es menos extraña.

En Murder House, un misterioso hombre vestido en cuero abusa sexualmente de Vivien. Aunque al principio Vivien que se trata de su propio esposo, Ben Harmon (Dylan McDermott), más adelante se revela que era Tate Langdon (Evan Peters) quien estaba detrás de la máscara.

Tate, sin embargo, era uno de los fantasmas atrapados dentro de Murder House, por lo que su asalto a Vivien resulta en un embarazo que une al mundo de los vivos con el de los muertos, y en consecuencia, da vida al anticristo.

El bebé es criado por la madre de Tate, y no es sino hasta Apocalypse —donde spoiler, hay otro embarazo—, que Michael Langdon regresa al universo para devastar al mundo, o al menos intentarlo.

7. Freak Show: Dandy quiere tener bebés freaks a toda costa

Freak Show fue una de las temporadas más experimentales de American Horror Story. Situada en un circo de freaks en la década de los 50, la historia nos narra diferentes historias sobre las perturbadoras desventuras de cada uno de los personajes.

Una de ellas, y tal vez la más atractiva, fue la de Dandy Mott (Finn Wittrock), un joven acaudalado y berrinchudo que quiere unirse al circo sin importar lo que tenga que hacer. Lo rechazan varias veces, por lo que su madre contrata a un tenebroso payaso (que resulta ser un asesino serial) y pronto forman una relación mentor-alumno.

Dandy eventualmente se va construyendo como su propio asesino, no sin antes obsesionarse con Bette & Dott (Sarah Paulson), unas hermanas siamesas que son parte del show.

Dandy tiene una obsesión malsana con tener bebés que también sean freaks, por lo que gran parte de su historia se centra en su relación y cómo intenta casarse con ellas, aunque claramente no tenía intenciones de convertirse en un buen padre de familia.

6. Cult: Kai quiere embarazar a su hermana

American Horror Story: Cult, fue la propuesta de horror que lanzó Ryan Murphy poco tiempo después de que Donald Trump fuera elegido como presidente de Estados Unidos. La historia pretendía indagar en las motivaciones y razones por las que la gente se radicaliza y termina apoyando causas políticas nocivas, pero la historia ofrecía cosas mucho más perturbadoras.

Una de ellas fue la historia de Kai Anderson (Evan Peters), quien precisamente inspirado por la elección de Trump, intentó construir su propio movimiento, y creó un grupo que comienza a aterrorizar la ciudad.

Gran parte de la historia se centra en cómo sus delirios de grandeza evolucionan, al grado en que cree que él puede dar vida al verdadero salvador de la humanidad, por lo que comienza a buscar obsesivamente una esposa para tener descendencia.

Aunque Kai se obsesiona con Ally (Sarah Paulson) una mujer lesbiana, y hace de todo para convertirla en su esposa, en un momento de la tempora él intenta impregnar a su hermana, para que el ADN de su bebé salvador sea “completamente puro”.

Pero esta no será una relación de incesto normal, en su lugar, Kai le propone a su hermana hacer un trío con un detective. Así, mientras el detective tiene sexo con ella, su hermano tendrá al mismo tiempo sexo con un detective.

¿Suena raro? Sí, muy raro. Esta sin duda ha sido sin duda una de las propuestas más extrañas que nos ha presentado American Horror Story. Afortunadamente, la hermana de Kai siempre se negó.

5.- Double Feature: Los Aliens embarazan a todo el mundo

Para conmemorar su aniversario número 10, American Horror Story decidió dividir dos historias en una misma temporada.

Lo que une ambas tramas es la abducción alien. Y aquí, Ryan Murphy de verdad le dio rienda suelta a las teorías de conspiración y todo lo que Estados Unidos creía saber sobre la invasión extraterrestre en 1950. Además de eso, también juega con eventos históricos y cómo las teorías de conspiración han afectado la actualidad.

Aunque es una de las historias más originales de la saga, las dos historias tienen algo en común: los aliens quieren embarazar gente, y no les importa si es hombre o mujer.

Al final, lo que buscan es crear al ser híbrido alien-humano perfecto, algo que estaban buscando desde American Horror Story: Asylum.

4.-Asylum: Lana se embaraza en el manicomio

American Horror Story: Asylum, es lo que consolidó la saga de Ryan Murphy como uno de los shows más perturbadores y transgresores de la televisión en la década de los 2010. Y nadie tuvo más aventuras raras que Lana, el personaje que interpreta Sarah Paulson.

Lana termina en el misterioso manicomio debido a su orientación sexual, y uno de los eventos más traumáticos de su historia es cuando el Dr. Thredson (Zachary Quinto) abusa sexualmente de ella, resultando en un embarazo muy doloroso.

Aunque Lana intenta abortar y utilizar su embarazo para sobrevivir en el manicomio, al final ella sí tiene al bebé, que termina convirtiéndose en un asesino serial como su padre..

Si la historia de Lana no fue suficientemente perturbadora y confusa, rumbo al final también nos muestran a otra mujer embarazada: Grace (Lizzie Brocheré), quien al parecer fue abducida por aliens mientras estaba en el manicomio, pero ella logra tener un final feliz al lado de Kit (Evan Peters).

3-Coven: Cordelia quiere un bebé

Esta es una de las líneas argumentales más debatidas por los/as fans de American Horror Story. La tercera temporada se centra en un aquelarre de brujas que están buscando a su nueva líder, y pronto hay un gran choque intergeneracional entre las nuevas y las viejas hechiceras.

Uno de los temas más importantes de Coven, es que Cordelia (Sarah Paulson) una de las brujas más fuertes del aquelarre y quien se convertirá en la bruja suprema, no puede tener bebés, aunque tiene un gran deseo por tenerlos, al grado en que prueba diferentes métodos tanto clínicos como mágicos, pero nunca pudo deshacerse de su infertilidad.

Como es un tema muy importante en la serie y todo gira alrededor de las brujas, hay muchas teorías sobre por qué no puede tener hijos. Algunas personas creen que murió siendo una niña y su madre, Fiona (Jessica Lange) la trajo de vuelta y por eso se hizo infértil.

Otras teorías apuntan a que, como su esposo, Hank Foxx (Josh Hamilton) resulta ser un cazador de brujas, no permitió nunca que pudieran tener hijos.

Se supone que las brujas supremas recuperan toda salud y su poder soluciona cualquier problema físico que tengan, por lo que es probable que Cordelia ya pueda tener bebés, aunque esa es solo una especulación. Pero el interés alrededor de sus embarazos sin duda es de los detalles más extraños alrededor de American Horror Story y su fandom.

2.- Hotel: La condesa está obsesionada con los niños luego de perder a su bebé

La Condesa Elizabeth (Lady Gaga), se embaraza justo antes de convertirse en vampira, por lo que asiste a la Murder House (en American Horror Story todo está conectado) para practicarse un aborto.

El procedimiento sale mal y eventualmente da a luz a Bartholomew, quien nace desfigurado y no puede desarrollarse bien físicamente, pero ya es un vampiro monstruoso que la condesa mantiene encerrado en la habitación 33 por más de 100 años.

Esto le causa una obsesión enorme con tener hijos saludables, y decide rodearse de niños para “cuidarlos” como una madre amorosa haría. Ella es una vampira, y sus incontables luchas de poder a lo largo de la trama nos muestran lo sádica y fría que es.

¿La condesa sólo buscaba amor y redención? ¿Se siente como una madre fallida? American Horror Story: Hotel nos dejó muchas preguntas al respecto.

1.- Delicate: ¿Emma Roberts cree que su bebé está maldito y que es parte araña?

Así como la Condesa Elizabeth y la Bruja Cordelia, la nueva temporada de American Horror Story se centra en la actriz Anna Victoria Alcott sueña con tener un bebé. Sin embargo, parece que algo o alguien está esforzándose mucho para que no logre su sueño.

Eventualmente, se embaraza, pero desafortunadamente pierde al bebé. ¿O no lo pierde? Entre alucinaciones, bebés y arañas, Emma Roberts, Zachary Quinto Kim Kardashian y Cara Delevingne se preparan para estrenar la nueva temporada el próximo 20 de septiembre, pero los artes promocionales ya nos dejan ver que está historia, nuevamente, estará explorará los horrores de convertirse en madre.

¿Por qué American Horror Story está tan obsesionada con los embarazos?

Como pueden ver, los embarazos trágicos son una constante en el universo de AHS. Y Ryan Murphy, al parecer, tiene una fijación muy particular en asegurarse que sus personajes sufran por sus deseos de traer nuevas generaciones al mundo.

Algunas personas critican la tendencia de Murphy como algo sexista, ya que la mayoría de sus personajes femeninos sufren traumas debido a problemas relacionados con su estirpe, con el embarazo o por abuso sexual.

Otras personas creen que es una forma barata de darle dramatismo a sus historias, que de por sí son raras. Ya que usualmente la audiencia empatiza más con una mujer embarazada o cuando hay un bebé o infante de por medio.

Sea cual sea la respuesta, es interesante pensar que en 7 de 11 temporadas (aunque en realidad es una temática que se repite en casi toda la saga, con diferentes niveles de rareza), el embarazo y sus complicaciones ha sido el tema central de American Horror Story.

Top LGBT: ¡Películas y Series que marcaron la cultura queer!

Publicado en 24 junio, 2023 el 6:20 pm.

Escrito por Staff Fuera de Foco

El mes de de junio es conocido por ser el mes del orgullo LGBT. Y aunque ahora se trata más sobre festejar la diversidad, las diferencias y lo lejos que se ha llegado en términos de inclusión, en realidad el mes está dedicado a conmemorar las manifestaciones de Stonewall en Manhattan durante 1969.

Estas manifestaciones fueron fundamentales para empujar los derechos de la comunidad LGBT para poder vivir sin sufrir persecuciones policiales o abusos por parte de las instituciones. Es un mes que honra la lucha por poder salir de las sombras para vivir con libertad.

Y aunque no lo crean, uno de los medios que ha evolucionado conforme la lucha lo hace es el cine. Cuando Hollywood comenzó a censurar películas con temáticas queer, cineastas comenzaron a buscar formas de representar a grupos LGBT de diferentes formas. Hubo cineasta como Alfred Hitchcock, que incluía a sus personajes para desafiar la censura de la época, pero también hubo quienes fomentaron clichés y que se convirtieron en estereotipos.

Como la comunidad LGBT es un grupo que ha sido perseguido y señalado por sus preferencias sexuales, también ha aprendido a adaptarse, a cambiar y a luchar por integrarse mejor en la sociedad. Y aunque no lo parezca, el cine y las series han sido herramientas muy fuertes para crear una sensación de comunalidad, creando así también la llamada “cultura queer”, que busca incluir la historia y el arte LGBT que se ha hecho a lo largo de la historia.

La comunidad LGBT ha sido representada de diferentes maneras a lo largo de la historia del cine y la televisión. Y por eso, aquí les dejamos algunos ejemplos de personajes e historias que se han vuelto parte de la llamada cultura queer.

Películas que han impactado más la cultura LGBT

Los Villanos de Disney

La historia de Disney es un gran ejemplo de cómo la cultura puede incluir ciertas características dentro de sus ficciones que terminan conectando con un grupo de personas que las comparten. Y es que, durante muchos años, los villanos de sus afamados éxitos animados se han ido posicionando poco a poco como íconos queer.

Aunque nunca ha sido de manera explícita, la manera en la que se han construido es claramente queer. Hay ejemplos como el de Úrsula, cuyo diseño está inspirado en la drag queen Divine y que en español dio vida la artista Serena Olvido, haciéndola uno de los personajes de Disney con más influencia queer.

Pero también existen villanos como Scar, Hades, Ratigan, Cruella o el gobernador John Ratclife, personajes que se presentaban como los grandes opuestos de los protagonistas y que desafiaban las convenciones de su género. Y aunque ahora son considerados grandes personajes de la cultura pop, en un principio fueron concebidos como una forma cliché de representar las características asociadas a la comunidad LGBT como algo “malvado” o “depravado”.

Sin embargo, el amor por las películas y la increíble construcción de personajes han hecho que la comunidad LGBT+ los reclame como suyos, y al hacerlo, resignifican la identidad de los personajes y su impacto cultural. Siguen siendo los villanos de sus historias, pero ahora son alabados por sus números musicales o su inteligencia, abriendo así la conversación sobre los clichés alrededor de la comunidad.

Este es un ejemplo de cómo la cultura cambia y evoluciona, pero también nos sirve como ejercicio para comparar cómo eran concebidas las temáticas queer dentro del cine, y hasta son una buena herramienta para entender cómo a través de imágenes la humanidad percibe historias y detalles culturales que se perpetúan y se convierten en ideas preconcebidas.

Rocky Horror Picture Show

El Show de Terror de Rocky es sin duda uno de los títulos que a la fecha es uno de los clásicos más grandes de la cultura queer. La cinta musical de Jim Sharman de 1975 se volvió bandera de la liberación sexual, y el rechazo a las normas sociales, a través de la burla de los estereotipos que existían en ese entonces sobre la comunidad LGBT y el purismo excesivo de la sociedad estadounidense.

The Rocky Horror Picture Show explora también un gran espectro de géneros y sexualidades, siendo el Dr Frank-N-Furter (Tim Curry) un “dulce travesti de la Transylvania transexual.”

Si bien a su estreno la cinta fue duramente criticada por no compartir los valores americanos, poco a poco se volvió uno de los materiales de culto que a la fecha cuentan con una gran comunidad que la celebra.

Un sinfín de artistas queer, y en especial drag queens, se han inspirado a partir de los estilos mostrados en cada uno de los personajes, siendo una de las películas que más impacto ha tenido en diversas generaciones de jóvenes LGBT+.

Hedwig and the Angry Inch

Estrenada en 2001, esta película se convirtió en una de las mejores propuestas de cine LGBT casi de inmediato. Inspirada en el mito que presenta Platón en su obra “Simposio” sobre como la humanidad siempre busca a su otra mitad, la cinta cuenta la vida de Hedwig, una cantante drag que vive la caída del Muro de Berlín desde la perspectiva de la Alemania Oriental.

Conmovedora y con una gran oferta musical, Hedwig and the Angry Inch arrasó en los Festivales de Sundance, Berlin, Independent Spirit, GLAAD y muchos más, y todavía es considerada como una de las representaciones más interesantes sobre la identidad de género.

Carol

Basada en la novela de The Price of Salt, Carol retrata la relación entre dos mujeres en la década de 1950, un tiempo donde además de ser un gran estigma, la homosexualidad era incluso penada.

La cinta sigue el viaje de Therese (Rooney Mara) luego de enamorarse de Carol (Cate Blanchett) una mujer casada cuya sexualidad pone en juego a toda su familia, pues la cinta de Todd Haynes hace énfasis en los grandes retos de la comunidad queer en términos de prejuicios sociales, y el riesgo de perder la custodia de sus hijos.

Carol ha tenido un gran impacto en el cine queer al aumentar la visibilidad y calidad de las historias LGBT (y en especial de las historias lésbicas) en el cine a través de contextos históricos distintos y también empujando a la creación de películas queer con valores de producción más altos.

But I’m a Cheerleader

La sátira But I’m a Cheerleader expone temáticas LGBT+ controversiales, como las terapias de conversión, en una comedia que tiene por fin criticar las prácticas pseudocientíficas y problemáticas de tales métodos.

Y es que además de abrir la conversación alrededor de las terapias de conversión, But I’m a Cheerleader también explota temas de búsqueda de identidad queer a través de Megan (Natasha Lyonne), quien al ser enviada al campamento descubre que en efecto es lesbiana, en lugar de “corregir” su orientación.

Asimismo, la cinta de Jamie Babbit reta los roles y estereotipos de género, retratando diversos tipos de mujeres queer quienes no siempre encajan con la visión que la sociedad tiene de ellas.

The Babadook

Otro ejemplo de cómo una película no tiene que retratar temas abiertamente LGBT para que resuene con la comunidad y que se convierta en una herramienta de identidad cultural. The Babadook empezó como una película que mezcla el horror con el drama para contarnos la historia de una mujer sumida en la depresión que se da cuenta que un monstruo la acecha a ella y su hijo.

La película pronto se convirtió en una cinta de culto, y su popularidad produjo un meme que bromeaba como El Babadook en realidad era una entidad LGBT que desafiaba los valores cis, blancos y heterosexuales. La broma fue creciendo, grandes estrellas queer se sumaron, y pronto la figura del Babadook se convirtió en un ícono queer.

Este es un ejemplo de cómo la cultura resignifica y adopta diferentes herramientas culturales que se convierten después en símbolos de unión para una comunidad. Y además, es una muestra de cómo ha evolucionado también la conversación sobre temas LGBT en internet.

Películas que han impactado más la cultura LGBT

Glee

Glee llegó a la televisión en 2009 cuando la representación de personajes queer era escasa, especialmente en su elenco principal. Desde su primer episodio, comenzó a centrarse en las luchas de los adolescentes con el romance, la identidad y las orientaciones sexuales con personajes como Kurt Hummel (Chris Colfer), Santana López (Naya Rivera), Brittany (Heather Morris), Blaine (Darren Criss), Dave Karofsky (Max Adler), Unique Adams (Alex Newell), entre otros.

Si bien Glee trataría la vida de los jóvenes en competencias de coros de espectáculos, este solo fue un pretexto para profundizar en las dificultades que pueden llegar a enfrentar los jóvenes en la secundaria cuando están explorando su sexualidad y comienzan a enamorarse. Asimismo, de manera individual, la historia explorar la vida de cada personaje, uno de los más importantes es Kurt, quien se ha refugiado en la música y la moda para expresarse libremente, dado que tiene miedo de salir del closet frente a su padre, un hombre viudo dueño de una mecánica que aparentemente podría llegar a ser aterrador, sin embargo, a lo largo de los episodios se convierte en un padre comprensivo que apoya a Kurt a seguir sus sueños.

El personaje de Kurt también hizo historia al entablar una relación romántica con Blaine, quienes juntos exploran su sexualidad y por primera vez en la televisión vemos una pareja que habla sobre la falta de información para los jóvenes adolescentes queer. Por otro lado, la serie también pone sobre la mesa el bullying que enfrenta la comunidad LGBT+ en las escuelas y como Kurt lo enfrenta.

Pero sin duda una de las parejas que más revolucionó a la televisión fue Santana y Britanny, dos porristas que aparentemente son mejores amigas pero en realidad llevan una relación es secreto desde la primera temporada, en donde dan ligeros guiños de un coqueteo, pero es hasta la temporada dos que Santana comienza a buscar respuestas por los sentimientos que tiene con Brittany.

Y es ahí en donde Glee tiene un gran acierto, porque ejemplifica de manera muy real las preguntas y miedos que puede llegar a tener una adolescente queer. Afortunadamente, en la historia, estos personajes tienen un espacio seguro con sus profesores, Holly Holliday y Will, quienes son los encargados de guiarlos, aconsejarlos y mostrarles que lo que sienten es completamente normal. Por estas razones, y muchas más, Glee es considerada una de las mejores series queer en la historia de la televisión que definitivamente cambió la vida de muchas personas.

Heartstopper

Muchos programas que representan a la comunidad queer a menudo suelen explorar las numerosas pruebas y luchas que enfrentan, sin llegar a disfrutar realmente de su romance. Este no es el problema de Heartstopper, en donde Charlie Spring (Joe Locke), un estudiante de secundaria abiertamente gay se enamora de Nick Nelson (Kit Connor), quien está tratando de descubrir su identidad sexual por primera vez en su vida.

Heartstopper permite ver un romance gay adolencente lleno de emociones positivas, en un ambiente seguro y con respeto. Sin embargo, tampoco deja de lado las problemáticas que podrían enfrentar los personajes al salir del closet con sus amigos y familia, pero sin dejar que eso eclipse la alegría que obtienen los protagonistas al estar juntos.

La serie se las arregla para tener un equilibrio perfecto y eso permite que la comunidad LGBT+ por fin tenga un programa típico adolescente con la emoción del romance, que es un lujo que no suele permitirse a los personajes queer a través de los medios. Aunque se espera que en la segunda temporada se comiencen a explorar temáticas mucho más serias, es importante señalar que la comunidad también merece este tipo de programas en donde los protagonistas no tienen que sufrir todo el tiempo.

Sense8

Sense8 fue la primera serie para Netflix creada por Lana y Lilly Wachowski, la cual sin duda alguna destacó por su acercamiento a la representación LGBT+ en un discurso que además de celebrar la diversidad, apostaba por abordar problemáticas tremendamente humanas.

En sí, la serie explotó diversos aspectos de la identidad, sexualidad y las relaciones de maneras distintas, a través de la conexión de su cluster, los ocho personajes principales quienes compartían un enlace emocional y psíquico.

Entre ellos destacaba Nomi Marks, una mujer transgénero cuya identidad no dependía solamente de su lucha diaria ante los conflictos de la comunidad trans, sino que brillaba al ser uno de los elementos del cluster que apostaban por el activismo.

Sin embargo, también Sense8 fue una de las primeras series en retratar la relación entre una mujer transgénero y una mujer cisgénero, Amanita (Freema Agyeman), volviéndose parteaguas en la representación de relaciones queer.

Por otro lado, Lito Rodriguez, interpretado por Miguel Ángel Silvestre, era un actor mexicano gay quien vivía en el closet, lidiando con los problemas de vivir en una sociedad machista e híper masculinizada donde las cámaras le pedían ser un personaje todo el tiempo.

Sense8 apostó siempre por una gran apertura de temáticas y representación LGBT+, lo que lo vuelve indudablemente parte de la cultura queer actual.

Orange Is The New Black

Orange is the new Black fue una de las primeras series que estrenó Netflix y que le otorgó sus primeros premios Emmy y prestigio a nivel internacional. La vida sobre Piper Chapman (Taylor Schilling) una mujer que llega a prisión por transportar dinero proveniente del narcotráfico, hizo historia no solo por presentar temáticas LGBT+, sino por incluir en su elenco principal a mujeres queer afrodescendientes en la televisión.

OITNB no se conformaba en solo contar historias de amor, sino en profundizar en temas más complicados, como el racismo, el acoso sexual, las enfermedades mentales, la misoginia, estre otros. También creó íconos inesperados como Laverne Cox, una mujer transgénero afrodecendiente que con su personaje narra los problemas que enfrentan las mujeres trans encarceladas.

La serie demostró que las historias queer y diversas pueden ser programas queridos y galardonados y si bien, no fue la primera serie en representar relaciones femeninas lésbicas, sí fue la primera que las narra un espectro más amplio más allá de la sexualidad, ya que tiene otros tipo de problemáticas y vidas.

Pose

Lanzada en 2018, POSE se desarrolla en la ciudad de Nueva York a finales de los años ochenta, cuando dentro de la comunidad LGBT+ comenzaron a protestar por sus derechos y, en especial, para exigir que las autoridades investigarán sobre medicamentos que combatieran a la pandemia del SIDA, que en ese momento, apenas comenzaba a llevarse la vida de muchas personas, pero como se pensaba que era un virus exclusivo de la comunidad LGBT+ los médicos no tenían intereses en investigar.

Esta es apenas una de las muchas problemáticas que engloba a POSE, quien también hizo historia al tener la mayor cantidad de actrices afrodescendientes trans en la televisión estadounidense como protagonistas. Además, la escritora y activista Janet Mock, se convirtió en la primera mujer trans afrodescendiente en escribir para televisión.

A través de sus protagonistas el programa engloba la violencia, inseguridad alimentaria, discriminacion y abuso laboral que llegan a enfrentar las mujeres trans en su vida. Asimismo, POSE muestra que las personas queer pueden llegar a formar su propia familia y espacio seguro, de modo que hay episodios muy sentimentales en donde las protagonistas se aman, se apoyan y forman una comunidad para ser resilientes juntas.

La comunidad de POSE también hizo historia cuando Billy Porter ganó su primer Emmy a los 50 años en 2019 por su papel como Pray Tell, convirtiéndose en el primer hombre afrodescendiente abiertamente gay en ganar el premio. La actriz trans Mj Rodríguez, obtuvo el mismo reconocimiento como Mejor Actriz en un programa de drama por su papel principal como Blanca Rodriguez-Evangelista.

La Veneno

A mediados de la década de los 90, Cristina Ortiz “La Veneno” irrumpió la televisión española para subvertir y contrarrestar los prejuicios de la época. Su carisma y talento la llevó a ser una de las figuras más importantes de la televisión madrileña, y por eso la violencia y misterio alrededor de su muerte son lamentablemente parte de su leyenda.

Pero en la serie de HBO, el legado, impacto e importancia de esta artista es recuperado gracias a las interpretaciones de las actrices Jedet e Isabel Torres, que de cierta manera demuestra cómo ha evolucionado el mundo con respecto a la representación y derechos trans y lo mucho que falta por hacer, por lo que es una propuesta de cultura LGBT+ que resultó muy diferente.

¡7 producciones que debes ver si te gustó The Northman!

Publicado en 15 abril, 2022 el 7:05 am.

Escrito por Staff Fuera de Foco

**Si te gustó The Northman, en Fuera de Foco te recomendamos otras 7 producciones que podrían ser de tu agrado.**

The Northman ha llegado a los complejos cinematográficos de México, y mediante la historia de un vikingo (interpretado por Alexander Skarsgård) que busca vengar la muerte de su padre (Ethan Hawke) y rescatar a su madre secuestrada (Nicole Kidman), el filme de Robert Eggers ha cautivado a diversas audiencias a nivel mundial.

Si tu formas parte de este grupo te tenemos una buena noticia, pues en Fuera de Foco te recomendamos 7 producciones similares a The Northman que podrían ser de tu agrado.

The Revenant

Al igual que The Northman, esta cinta de Alejandro Gonzalez Iñárritu cuenta una historia de venganza protagonizada por Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), quien decide ir en búsqueda del hombre que asesinó a su hijo.

La película fue ampliamente galardonada durante la ceremonia de los premios Óscar en 2015, esto al obtener la estatuilla a Mejor Director, Actor (para Leonardo Dicaprio) y Fotografía (para Emmanuel Lubezki).

Gladiator

Otra épica que comparte con The Northman el sentimiento de venganza por parte de su protagonista. Este filme enmarcado dentro del Imperio Romano nos cuenta la aventura de Máximo (Russell Crowe), el cual se convertirá en un gladiador con la esperanza de asesinar al emperador Cómodo (Joaquin Phoenix), quien en su momento ordenó la muerte de su familia.

La película sin duda te gustará gracias a sus impresionantes batallas e historia de suspenso. Además ganó cinco Premios Óscar, entre los cuales podemos encontrar los galardones a Mejor Película, Diseño de Vestuario, Sonido y Efectos Visuales.

Cómo entrenar a tu dragón

Si bien lo único que comparte esta cinta con The Northman es que los/as protagonistas son vikingos, este filme animado es imperdible gracias a una historia centrada en un adolescente llamado Hipo (Jay Baruchel), el cual vive en una sociedad donde luchar contra dragones es una forma de vida, sin embargo romperá los moldes establecidos al hacerse amigo de un carismático dragón.

Valhalla Rising

Esta cinta sigue a un guerrero nórdico llamado One-Eye (interpretado por Mads Mikkelsen) y un niño, los cuales forman parte de una cruzada cristiana en búsqueda de la Tierra Santa, sin embargo, en su lugar se encuentran con un territorio desconocido donde son asaltados por fuerzas invisibles y visiones oscuras.

La película fue dirigida por Nicolas Winding Refn justo antes de dar vida a su clásico largometraje Drive, y cómo es característico en la filmografía del cineasta, la narrativa está compuesta en su mayoría por una narrativa visual y llena de simbolismos.

The Green Knight

El sobrino del rey Arturo (Dev Patel), se embarca en una aventura épica para demostrar su valía ante su familia y la corte, lo cual espera lograr al enfrentarse al “caballero verde”: un misterioso gigante que pondrá en riesgo su cabeza.

La cinta se encuentra dirigida por David Lowery (A Ghost Story), un realizador que de manera similar a Robert Eggers tiene un toque autoral muy palpable, tanto en el tono oscuro de sus filmes como en una narrativa que se sustenta mediante poderosos visuales.

The Vikings (1958)

Esta película protagonizada por el legendario Kirk Douglas es, de acuerdo a los comentarios de Robert Eggers, todo lo contrario a lo que intentaban hacer con The Northman. Sin embargo, esta épica batalla entre dos hermanos que pelean su derecho al trono, fue una de las primeras historias épicas basadas en mitología nórdica que cautivaron por completo a Hollywood, y su sentimiento épico es muy parecido al que tiene la nueva cinta del cineasta estadounidense.

Sus actuaciones, el dinamismo, el hecho de que no son los típicos vikingos clichés con cascos y cuernos, hizo que la película fuera un rotundo éxito, aunque con el tiempo ha recibido muchas críticas por ser demasiado dramática y aburrida. Sin embargo, esta es una buena forma de acercarse a la mitología nórdica mientras vemos en tiempo real lo mucho que ha evolucionado el cine.

Ragnarok (Netflix)

Esta serie presenta a versiones modernas de dioses nórdicos, esto mediante una narrativa que pone la urgencia del cambio climático como una de las formas en las que se manifiesta el fin del mundo, mientras tanto los protagonistas deben descubrir poco a poco quiénes son y cuál es su verdadero destino.

La forma en la que construyeron a los personajes es muy interesante y destaca la intriga que crean entre la familia Jutul y Magne, además el protagonista que es en realidad la reencarnación de Thor es genial. Sin duda, es una gran forma de acercarse a esta mitología mientras vemos un drama adolescente con muchos matices.

**Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les gustó The Northman?**

¡4 Películas que debes ver tras Animales Fantásticos 3!

Publicado en 13 abril, 2022 el 6:45 pm.

Escrito por Staff Fuera de Foco

**Si te gustó Animales Fantásticos 3, en Fuera de Foco te recomendamos 4 películas que podrían ser de tu agrado.**

Este fin de semana llega a los cines Animales Fantásticos: Los Secretos de Dumbledore, la tercera entrega de la saga spin-off de Harry Potter, en la cual veremos a Newt (Eddie Redmayne), Tina (Katherine Waterston), Queenie (Alison Sudol), Jacob (Dan Fogler) y Dumbledore (Jude Law) enfrentarse contra Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen), quien planea dar lugar a una guerra mágica sin precedentes.

Aunque existen muchas películas que involucran entidades mágicas, aquí te enlistamos 4 filmes que seguramente te gustarán si disfrutaste Animales Fantásticos 3, las cuales involucran atracos inesperados, guerras mágicas y conflictos de ideas.

Trilogía de La Gran Estafa

Hace unos días, Eddie Redmayne comparó la narrativa de Animales Fantásticos 3 con esta trilogía, esto al describir la cinta en cuestión como un relato “de atracos en un mundo mágico“, por lo que resulta indispensable recomendar los tres largometrajes de La Gran Estafa.

Estos últimos nos cuenta la historia de Danny Ocean (George Clooney), un carismático ladrón que quiere robar 150 millones de dólares de tres casinos de Las Vegas, por lo que se reúne con otros diez atracadores para cumplir su objetivo, entre quienes destaca Rusty Ryan (Brad Pitt).

Now You See Me

Animales Fantásticos 3 no es la primera cinta en unir el mundo de los atracos y el de la magia, pues esto ya fue hecho por Now You See Me: filme que nos cuenta la historia de un grupo de magos famosos a nivel mundial gracias a las ilusiones que realizan en sus espectáculos. Sin embargo, se verán envueltos en un escándalo cuando el FBI se pone a investigarlos por robar a diferentes bancos y hombres poderosos.

La película tiene una secuela de 2016 que inicia la trama un año después de su escape del FBI, en donde nos muestran a los cuatro magos protagonistas volviendo a la luz pública, regreso que se verá empañado por la aparición de nuevo enemigo se propone arruinar su golpe más espectacular y peligroso hasta la fecha.

The Prestige

Si bien este filme no es propiamente uno de atracos, los giros en la trama nos harán sentirlo como tal. Además la trama principal gira en torno a la magia, pues este relato de Christopher Nolan se centra en Robert Angier (Hugh Jackman): un ilusionista respetado que se obsesiona con uno de los trucos de su rival Alfred Borden (Christian Bale), del cual buscará obtener la respuesta de cómo se hace, dando lugar a una narrativa que cambiará para siempre su vida.

The Manchurian Candidate

Esta no es una película sobre magia ni sobre peleas de grandes hechiceros. De hecho, este es un thriller político situado en la Guerra Fría. ¿Por qué recomendarles algo así? Bueno, la tercera entrega de Animales Fantásticos 3 básicamente trata sobre Grindelwald intentando subir los escalones de la élite política mágica, y para hacerlo hará uso de toda la manipulación y engaños a su disposición, así sea manipular la mente del joven Credence (Ezra Miller).

Algo similar ocurre en The Manchurian Candidate, una película de 1962 protagonizada por Frank Sinatra, la cual trata de cómo a un joven le lavan el cerebro para que se asegure de que el próximo presidente esté del lado de “los comunistas”. La película es un thriller inquietante que cuenta un poco sobre cómo se forman los líderes populistas, y las intrigas que se tejen en la historia son una clase magistral de actuación y dirección, las cuales seguramente apreciarán los/as fans que les gustaron los juegos mentales entre Dumbledore y Grindelwald.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les gustó Animales Fantásticos 3?

Top 7: ¡Documentales para entender la lucha feminista!

Publicado en 8 marzo, 2022 el 11:40 am.

Escrito por Staff Fuera de Foco

Con respecto al día internacional de la mujer, les presentamos 7 documentales que les ayudarán a entender la lucha feminista.

En un país donde mueren asesinadas 10 mujeres al día, según las cifras del Instituto Nacional de Estadística, y donde la impunidad llega al nivel escandaloso del 97% de los casos, según datos de la propia Fiscalía General de la República, el movimiento feminista cada vez se ha empoderado más en los últimos años para lograr un cambio verdadero.

La historia ha sido testigo del largo camino del feminismo, y los documentales han ayudado a dar voz a aquellas mujeres que han permanecido calladas durante años por miedo a las represalias. Y en Fuera de Foco recopilamos algunos de estos proyectos que te ayudan a entender cómo surgió el movimiento feminista desde diferentes partes del mundo.

#Female Pleasure

Este documental de Barbara Miller nos presenta 5 relatos protagonizados por mujeres, las cuales en diferentes partes del mundo y desde diferentes profesiones se encuentran luchando en contra de ideologías y acciones machistas.

Por un lado, tenemos a Deborah Feldman, una escritora americana exiliada de la comunidad judía ortodoxa por desafiar los preceptos que imponen sobre las mujeres. Por otro encontramos a Leyla Hussein, una psicoterapeuta somalí que lucha en contra de la mutilación genital femenina. A la vez nos encontramos a Megumi Igarashi, una escultura japonesa que fue detenida por la policía debido a su obra que busca romper tabúes de la sexualidad femenina.

También podemos encontrar a Doris Wagner, una ex monja que sufrió de abuso sexual por parte de un miembro del clero, y a Vithika Yadav: un activista india que lucha por los derechos sexuales y de género.

Las 3 muertes de Marisela Escobedo

Después de que el feminicidio de su hija quedara impune por los errores del sistema judicial de México, Marisela Escobedo, una luchadora madre sin miedo alguno, inicia una cruzada incansable para intentar hacer justicia, encarcelar al asesino y exponer al sistema de justicia mexicano durante el gobierno de Felipe Calderon.

Tras años de exponer al gobierno mexicano, la activista fue asesinada frente al palacio de Gobierno de Chihuahua, lo que significó para muchas mujeres la burla del estado por su lucha. Sin embargo, su muerte inspiró a la gente a levantarse en contra de los feminicidios.

Period. End Of Sentence.

El proyecto ganador en 2018 a Mejor cortometraje documental en los Oscar, cuenta como en un pueblo rural de Delhi (India), las mujeres han comenzado una revolución pacífica. Su lucha es contra el estigma de la menstruación.

Durante generaciones, las mujeres de dicha localidad no han tenido acceso a productos de primera necesidad, viéndose obligadas en muchos casos a abandonar sus trabajos o incluso los colegios en los que estaban estudiando. Sin embargo, un día una compañía instala en el pueblo una máquina dispensadora de compresas que les permite crear sus propios productos.

The Punk Singer

Este documental del 2013 sigue la historia de la artista Kathleen Hanna, quien fuera vocalista de las bandas Bikini Kill y Le Tigre, además de una de las protagonistas de riot grrrl: un movimiento contracultural feminista que surgió en la música punk a inicios de los 90’s en Estados Unidos.

La guerra contra las mujeres

Este documental expone los abusos sexuales que sufrieron diversas mujeres y niñas durante las guerras suscitadas en tres continentes diferentes. Rodado durante tres años, el proyecto denuncia la pasividad de la comunidad internacional en un asunto tan indignante. Las protagonistas cuentan lo que han sufrido para romper con el estigma y tratar de evitar que a otras mujeres les suceda lo mismo.

El documental incluye diversas entrevistas a mujeres como Bakira Hasecic, que se dedica a perseguir y llevar ante la justicia a los serbios que abusaron sexualmente de mujeres en los campos de concentración durante la guerra. Mientras que también conocemos la historia de Jane Mukuninwa, quien cuenta cómo se ha sometido a ocho operaciones para tratar de que le reconstruyan su aparato reproductor y así poder tener hijos/as.

Nosotras

Este cortometraje documental dirigido por la cineasta Natalia Beristain, dialoga desde diversas voces sobre los múltiples tipos violencia que enfrentan las mujeres en México, y la importancia que supone la lucha feminista en el país. El mismo se puede vercompletamente gratuito en Youtube.

Somos Fuego

Somos Fuego es un proyecto narrado por Vivir Quintana, el cual a través de voces de activistas y defensoras de Derechos Humanos, se nos cuenta la historia de algunas mujeres que han padecido los efectos de la violencia de género. En este sentido, el filme expone estos terribles fenómenos que hoy dejan cifras devastadoras.

Además, el documental no sólo expone el contexto social de dichas violencias, sino que también nos muestra peticiones que buscan erradicar la violencia hacia las mujeres en México a través de activistas como Atziri Ávila, defensora de Derechos Humanos e integrante del Observatorio Ciudadano Nacional del Feminicidio, Ana Yeli Pérez, Directora de Justicia Pro Persona, Belegui López, Integrante de la Red Intercultural de Refugios, Fernanda Aguilar, activista feminista, Marcela Hernández, integrante del Frente Nacional por la Sororidad, Rogelia González, Presidenta de la Red Intercultural de Refugios y Yaira Velázaquez, abogada feminista

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otro documental añadirían a la lista?

¡5 Películas para Entender el cine de Ivan Reitman!

Publicado en 14 febrero, 2022 el 3:50 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Tras el fallecimiento de Ivan Reitman, recordamos algunos de sus mejores trabajos.

Hoy se anunció el fallecimiento de Ivan Reitman a los 75 años, y esto simboliza la pérdida de uno del cineastas más afamados en la industria hollywoodense, quien además de Los Cazafantasmas nos entregó un montón de risas a lo largo de su filmografía.

Al respecto, su familia realizó un comunicado (vía The Associated Press) en donde mencionaron que su esperanza es que los filmes realizados por Ivan Reitman sean recordados por siempre, y buscando hacer honor a ello en Fuera de Foco realizamos un repaso por algunas de las cintas más relevantes en su carrera.

My Super Ex-Girlfriend

Dos años antes de que comenzara el furor en torno al cine superheroico gracias a Iron Man, Ivan Reitman realizó esta comedia protagonizada por un treintañero de Nueva York llamado Matt(Luke Wilson) que se enamora de Jenny Johnson (Uma Thurman), una chica que resulta ser una superheroina.

Lamentablemente las cosas en la relación no salen bien y Matt decide terminar con Jenny, sin embargo ella no desea lo mismo y utilizará sus poderes para mantener al personaje de Luke Wilson a su lado.

Si bien este largometraje podría ser calificado por muchos/as como anticuado debido a la representación de un personaje femenino histérico que sólo obra en torno a un hombre, este filme realizó algo curioso al mostrarnos a personajes masculinos que al final son sólo secundarios en un escenario donde brillan Uma Thurman y Anna Faris.

Los Cazafantasmas

La obra más famosa de Ivan Reitman no podía faltar en esta lista, y es que dio vida a uno de los filmes más icónicos de los 80’s, esto gracias una historia que combina elementos de terror y comedia, donde la alineación forjada por Ernie Hudson, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Bill Murray, además de la presencia de Sigourney Weaver, dieron inicio a una franquicia que actualmente continua siendo una de las más queridas por el público.

Desde sus emblemáticos trajes hasta sus enemigos fantasmas y la canción homónima de Ray Parker Jr., esta cinta ha sido homenajeada hasta el cansancio por series como Stranger Things, y en los últimos años Hollywood ha seguido entregándonos productos derivados de la misma, como un reboot femenino en 2016 y una secuela con nuevos protagonistas lanzada en 2021 bajo el nombre Ghostbusters: Afterlif e.

Kindergarten Cop

En este filme que combina la comedia, el romance y la acción, Arnold Schwarzenegger interpreta a John Kimble, un veterano y rudo detective que se encuentra en búsqueda de un narcotraficante llamado Cullen Crisp. Sin embargo, sólo hay una manera de llegar a él y atraparlo: mediante su hijo Dominic, por lo que deberá hacerse pasar como el profesor de su guardería.

Twins

Este largometraje lleno de risas, acción y un romántico pero conmovedor final, nos cuenta la historia dos gemelos que descubren su existencia hasta que son mayores. Por lado tenemos a Julius (Arnold Schwarzenegger): un hombre con un cuerpo fuerte pero ingenuo, mientras que por el otro costado nos encontramos a Vincent (Danny DeVito): un hombre mujeriego que se dedica a estafar.

La dinámica de opuestos complementarios dio lugar a un filme que en 1988 recaudó 216 millones de dólares, de los cuales sus dos protagonistas e Ivan Reitman se llevaron el 40 % de los ingresos en taquilla.

Stripes

Esta cinta de 1981 simbolizó la primera colaboración entre Ivan Reitman y Bill Murray, quien da vida a un personaje que tras ser despedido de su trabajo y abandonado por su novia se une al ejército, lugar donde da lugar a un escándalo internacional que podría desatar un conflicto armado.

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Jackass: ¡Los 5 momentos más icónicos de la franquicia!

Publicado en 4 febrero, 2022 el 2:34 pm.

Escrito por Alejandro Ohtokani

Jackass Por Siempre llega a los cines y al respecto recordamos algunos de los momentos más icónicos de la franquicia.

Jackass fue uno de los programas insignia de MTV a inicios de los 2000, el cual debido a su éxito se trasladaría a la pantalla grande, donde a lo largo de 6 películas el equipo dirigido por Johnny Knoxville nos ha mostrado una gran cantidad de acrobacias peligrosas y dinámicas de humor escatológico.

Debido a lo anterior y al estreno de su más reciente cinta: Jackass Por Siempre, en Fuera de Foco les recordamos 5 de los momentos más icónicos que nos has dejado la franquicia.

Poo Cocktail Supreme (Jackaas 3D)

Jackass está llena de momentos asquerosos, los cuales probablemente han hecho a la audiencia taparse los ojos en vísperas de no acabar regurgitando como los camarógrafos o los mismos integrantes, y quizá uno de lo momentos que mejor representa esto fue Poo Cocktail Supreme.

La susodicha dinámica consistió en amarrar a Steve-O dentro de un baño portátil, el cual fue sujetado con dos cuerdas elásticas que al subir y bajar constantemente agitarían todos los elementos del sitio, dando como resultado que su protagonista quedara embarrado de una mezcla de excremento y orina.

The High Five (Jackaas 3D)

Ideada por Johnny Knoxville y Wee-Man, esta dinámica consistía en una mano gigantesca que al tomar impulso golpeaba fuertemente a los integrantes de la agrupación, los cuales no esperaban el impacto.

Probablemente las dos víctimas más divertidas de este gag son Ehren y Bam, pues el primero llevaba cargando diferentes sopas que se desparramaron sobre todo su cuerpo, mientras al segundo le rompen unos paquetes de harina en un golpe directo.

Department Store Boxing (Jackass: The Movie)

A lo largo de su historia la franquicia se ha caracterizado por su irreverencia, y quizá uno de los mejores ejemplos es Department Store Boxing, donde Johnny Knoxville y el boxeador profesional conocido como Butterbean tienen una pelea en una tienda departamental.

La dinámica ya era maravillosa desde que veías la cara de confusión con la que los/as compradores/as reaccionan a las entradas de Knoxville y Butterbean, las cuales replican las de una pelea de box profesional, pero todo mejora aún más cuando en cuestión de segundos Butterbean derriba Knoxville ante la mirada atónita de las personas en la tienda.

Dildo Bazooka (Jackass 3.5)

Probablemente la dinámica más icónica de este filme nos fue regalada por una bazuca diseñada para dispara dildos, la cual tenía como objetivo golpear el trasero de Brandon Novak, lo cual lograría.

Fireworks Wake Up (Jackass: The Movie)

Probablemente unos de los personajes más famosos de la franquicia son los papás de Bam Margera, los cuales constantemente fueron el blanco de bromas pesadas por parte de su hijo, quien llegó a meter a su hogar a un cocodrilo y hasta una persona vestida de gorila que realizó todo un destrozo, pero quizá la más divertida fue Fireworks Wake Up.

La dinámica consistía en despertar a sus padres con la explosión de una enorme cantidad de fuegos artificiales, la reacción es brutal.

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Top 5: ¡Personajes que Anne Hathaway podría ser en el MCU!

Publicado en 3 febrero, 2022 el 6:18 pm.

Escrito por Staff Fuera de Foco

Se rumorea que Anne Hathaway podría unirse al Universo Cinematográfico de Marvel, pero ¿qué personaje podría interpretar?

El Universo Cinematográfico de Marvel se encuentra en constante expansión, y por lo tanto también lo está la lista de actores y actrices que se suman a proyectos futuros, y según información del portal Giant Freakin Robot, la estrella Anne Hathaway está en conversaciones para dar vida a un papel importante dentro de este mundo superheroico.

Hathaway no es ajena a los superhéroes ya que en el pasado participó como Catwoman en The Dark Knight Rises de Christopher Nolan. Desafortunadamente, no se ha confirmado para qué personaje podría estar compitiendo en lo referente al MCU, por eso en Fuera de Foco enlistamos algunos papeles que definitivamente serían perfectos para ella.

Susan Storm

Desde que Disney adquirió Fox el rumor sobre un posible reinicio de los Los Cuatro Fantásticos adquirió más fuerza, y definitivamente Marvel incluirá un elenco estelar para emocionar a sus fans, por lo tanto agregar a Anne Hathaway en el papel de Susan Storm sería una excelente opción.

La Dra. Susan, también conocida como la Mujer Invisible, era una estudiante universitaria antes de estar expuesta a altos niveles de radiación cósmica, esto cuando su novio el Dr. Reed Richards la llevó al espacio junto a su hermano menor Johnny Storm y el piloto Ben Grimm.Como consecuencia, juntos se convirtieron en los Cuatro Fantásticos, un equipo de aventureros que exploró el espacio, el tiempo y salvaron al mundo de amenazas.

Susan Storm ya fue interpretada por Rebecca Staab en la película de 1994:The Fantastic Four, y también por Jessica Alba en la película de 2005: Fantastic Four, y su secuela de 2007 Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer.

Jessica Jones

Definitivamente Krysten Ritter es la actriz perfecta para esta personaje como lo demostró en la serie que protagonizó para Netflix, y después de la aparición de Charlie Cox y Vincent D’Onofrio en el Universo Cinematográfico de Marvel, donde volvieron a dar vida respectivamente a Daredevil y Kingpin, los/as fans han pedido el regreso de la susodicha actriz como Jessica Jones.

Pero si Marvel desea introducir a esta personaje a su universo con una nueva actriz, probablemente la mejor opción sería Anne Hathaway, pues además de poseer un rango actoral similar al de Krysten Ritter con la capacidad de entregarnos poderosos momentos contenidos, a lo largo de su filmografía la histrionisa también ha demostrado tener un gran carisma, un aspecto que siempre es necesario para los tintes cómicos de los filmes de Marvel.

Jean Grey

Uno de los grandes personajes de X-Men que seguramente tendrá una aparición en el universo de Marvel será Jean Grey, no sólo porque es una de las mutantes más afamadas, sino porque su poder es tan grande que sin duda podría estelarizar grandes películas, y su historia tiene el potencial para ser toda una saga.

Si bien muchos/as esperan el regreso de Famke Janssen, quien dio vida a la personaje en la trilogía de Bryan Singer, es poco probable que Marvel quiera utilizar exactamente a los mismos artistas de la saga de Fox para su universo cinematográfico (ya lo vimos con Evan Peters en WandaVision). Por lo que Anne Hathaway sería una gran candidata para heredar el manto de la fénix oscura, ya que tiene el estilo, talento y la juventud para comprometerse con las largas historias de Marvel.

Spider-Woman

En una reciente entrevista con People, Tom Holland reveló que le gustaría ver una mayor diversidad en las historias de Spider-Man, por lo que quizá sería bueno ver a personajes como Miles Morales y Spider-Woman en la pantalla grande.

Si Marvel desea hacer caso a sus palabras y realizar un proyecto centrado en la versión femenina del héroe arácnido, probablemente una de las mejores actrices para el papel sea Anne Hathaway, pues además de ya poseer experiencia filmando escenas de acción -esto gracias a su papel como Gatúbela en The Dark Knight Rises-, la histrionisa de 39 anos podrías brindarnos una versión madura del personaje, la cual podría fungir como una especie de tutora para el Spider-Man de Tom Holland.

Jackpot

Jackpot es una superheroína con súper fuerza, agilidad, reflejos y velocidad que ha estado vinculada a Spider-Man desde 2007. La personaje apareció por primera vez en un cómic después de los eventos de Brand New Day, cuando Mephisto disuelve el matrimonio de Peter Parker y Mary Jane, por lo que en un principio muchos/as fans pensaron que se trataba de una versión alterna del interés romántico de Spidey.

En realidad, el nombre lo han portado dos personas: Sara Ehret, una científica indiferente a los quehaceres superheróicos, y Alana Jobson, una chica que de verdad quería convertirse en una superheroína. Sus historias en los cómics siempre han involucrado organizaciones secretas, y que Spider-Man no suele confiar en ella porque no sabe quién es en realidad.

Este es un personaje poco conocido que podría tener mucho potencial dentro de las historias del MCU, especialmente ahora que las variantes y las historias multiversales están a la orden del día, no sería raro verla involucrarse con la versión del Spider-Man de Andrew Garfield.

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¡9 Películas Stop-Motion en lo que esperamos Pinocchio!

Publicado en 24 enero, 2022 el 1:48 pm.

Escrito por Staff Fuera de Foco

**Mientras esperamos Pinocchio de Guillermo del Toro, repasamos algunas producciones stop-motion que debes ver.**

Hoy se estrenaron las primeras imágenes de Pinocchio: un stop motion musical dirigido por Guillermo del Toro que adaptará el afamado cuento de Carlo Collodi, el cual tiene como protagonista a una marioneta que cobra vida y se convierte en un niño travioso y desobediente.

Junto a la dirección del reconocido cineasta mexicano, la película contará con las voces de estrellas como Ewan McGregor (como Sebastian J. Cricket), David Bradley (como Gepetto), además de Tilda Swinton, Christoph Waltz y Cate Blanchett en papeles aún no revelados.

El filme llegará a Netflix en diciembre del 2022, y mientras esperamos su lanzamiento en Fuera de Foco te compartimos 9 producciones stop motion que debes ver:

Los Sustos Ocultos de Frankelda

Esta serie mexicana recientemente se estrenó en HBO Max, e inmediatamente se ganó un montón de fans debido a la creatividad de sus relatos cortos, los cuales están protagonizados por monstruos de la mitología popular clásica como gnomos o brujas y algunas creaciones nuevas como la reina ajolote, quienes se embarcan en relatos que van desde el horror hasta el musical, y poseen una estética del folklore mexicano.

Además cada episodio nos deja una bonita enseñanza: desde hacer frente a tus miedos hasta valorar y abrazar tu personalidad y cuerpo, en especial cuando estas características no cumplen con lo estipulado por la sociedad.

Anomalisa

Duke Johnson y Charlie Kaufman nos cuenta este relato protagonizado por un hombre que se enfrenta a una crisis de la mediana edad de la cual no encuentra salida: todo le parece ordinario y todos/as le parecen lo mismo.

El filme tiene una brillante narrativa onírica que caracteriza a la filmografía de Charlie Kaufman, la cual nos hace empatizar con las sensaciones de su protagonista, la estética cotidiana y el agobiante manejo de sonido nos aprisionan en el mismo lugar.

Mediante lo anterior, Charlie Kaufman nos entrega uno de esos protagonistas característicos de su obra: un hombre con problemáticas internas no resueltas que expresa su peor versión en una relación amorosa que espera lo salve, lo cual al no resolver lo primero nunca sucede.

Coraline

Coraline es uno de los proyectos más destacados en la animación stop-motion gracias a que captura la imaginación infantil como muy pocas películas, lo que permite a los/as espectadores/as identificarse y relacionarse con la protagonista cuando se encuentra con una criatura monstruosa.

La película logró estar nominada al Oscar gracias a su director Henry Selick que ya nos había entregado The Nightmare Before Christmas y James and the Giant Peach, en donde se observa su talento para crear historias originales que combinan elementos de misterio y fantasía.

Kubo

La gente del estudio de animación Laika tiene talento para dar vida a historias increíbles y uno de sus mejores logros sin duda es Kubo. La película animada de fantasía y aventuras está ambientada en Japón y sigue a un niño llamado Kubo que se une a Monkey y Beetle para luchar contra un espíritu maligno.

La animación de la película se destacó por las ingeniosas secuencias de acción de la historia. Los/as críticos/as también apreciaron la voluntad de la película de explorar historias difíciles que no siempre se ven en estas películas.

Isla de Perros

La película cuenta la historia de un futuro donde Japón tiene abundancia de perros y los políticos deciden exiliar a los caninos a una isla donde se tira la basura. Rex, King, Duke, Boss y Chief forman una banda de perros alfa que prometen ayudar a un niño de 12 años que perdió a su mascota en el lugar.

Wes Anderson tiene una filmografía increíble que va desde la muy querida comedia The Grand Budapest Hotel, hasta el drama familiar disfuncional The Royal Tenenbaums. Sus trabajos en la animación también han sido elogiados y con Isla de Perros el cineasta se mantiene fiel a su estilo al utilizar la simetría de los planos y el uso del color que van de acuerdo a la temática y personalidad de sus personajes.

Mr. Fantastic Fox

Fantastic Mr. Fox es la primera película animada dirigida por Wes Anderson en donde un zorro se enfrenta a tres humanos que pretenden matarlo tras los numerosos robos sufridos. Además de contar con las voces de actores de renombre como Meryl Streep y George Clooney, la película también ha sido elogiada gracias a la fantástica banda sonora de Alexandre Desplat.

La cinta se caracteriza por tener pequeños giros en la trama que explotan durante el desarrollo de la trama. La dirección del cineasta es tranquila (como la mayoría de sus proyectos), sin sobresaltos que se combina con una serie de encuadres perfectamente conectados entre sí.

Gritos en el pasillo

Esta película española se siente por sí misma como una historia de Guillermo del Toro. Estelarizada por cacahuates, nos cuenta las tétricas aventuras de un hospital psiquiátrico, en donde el pasado y el presente se mezclan, así como los horrores que se suscitan dentro de la institución.

La película utiliza el stop-motion de una forma sumamente ingeniosa para darnos una película que se siente tétrica, pero el drama entre los personajes también le da una dimensión mucho más compleja.

Box Trolls

Otra película de los estudios Laika, esta vez la aventura se centra en un huérfano que se hace amigo de unos trolls que viven en la basura y que juntos lucharán para proteger su hogar. La cinta nunca pierde la vibra fantástica, y los extraños diseños de sus personajes los hacen sumamente atractivos y diferentes.

Una opción sencilla para acercar a los/as más pequeños/as al mundo de la animación stop-motion y la fantasía oscura.

The Maker

Una extraña criatura parecida a un conejo lucha contra el tiempo mientras intenta hacer su más grande creación. De eso trata la animación stop-motion del director Christopher Kezelos, que con una ambientación tétrica y un cuarto lleno de artefactos peligrosos, nos da una vibra muy parecida a la que nos dio el teaser que acabamos de ver protagonizado por Sebastian J. Cricket.

Aunque parece una premisa sencilla, en realidad esta es una historia densa y existencialista, en donde las definiciones del ser, el tiempo y la nada se desdoblan en una historia surreal. Sin duda, una gran opción si quieren ver algo diferente en el terreno del stop-motion.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otra producción stop motion añadirían al top?

Top 5: ¡Mejores Momentos del Cine en 2021

Publicado en 23 diciembre, 2021 el 7:11 pm.

Escrito por Mónica Castellón

La industria cinematográfica nos entregó grandes momentos en este 2021, y te contamos los 5 mejores.

Definitivamente los últimos 12 meses han sido interesantes para la industria del entretenimiento, y aunque ciertamente no hemos superado del todo la pandemia el mundo ha comenzado a recuperar cierta normalidad, lo que nos entregó varias noticias que nos hicieron festejar en este 2021.

En Fuera de Foco enlistamos cinco de estos momentos, los cuales incluyen películas esperadas por el público, series exitosas, artistas ganando demandas y teorías confirmadas, esto como un buen recordatorio para aprovechar al máximo los últimos días del año y recibir el 2022 con positividad.

Scarlett Johansson demanda a Disney

En julio, la actriz Scarlett Johansson emprendió una demanda en contra de Disney por incumplimiento de contrato, esto debido a que el estudio decidió estrenar Black Widow en Disney+ y en salas al mismo tiempo . Según las declaraciones de la compañía, esto sucedió por las restricciones mundiales que existían por el coronavirus.

Aunque esta situación no le gustó a la actriz, al final ambos llegaron a un acuerdo y Scarlett Johansson recibió más de 40 millones de dólares como indemnización. Tiempo después se dio a conocer que la famosa seguirá colaborando con Disney y parece que todo quedó en buenos términos.

Más allá de lo logrado por la histrión, este caso sentó un precedente para todo el talento que se siente a negociar nuevos contratos con Disney, tal y como ya sucedió en las negociaciones para Cruella 2: donde según Matthew Belloni de The Hollywood Reporter, Emma Stone utilizó la demanda de Black Widow para obtener un mejor contrato.

Además la victoria de Scarlett Johansson sobre Disney simboliza un importante avance en la industria cinematográfica para las mujeres, pues la compensación recibida se encuentra a la par de la recibida por sus contrapartes masculinas.

Por ejemplo cuando Warner Media negociómuchos de sus contratos con el talento que estaba ligados al desempeño de taquilla, el estudio le pagó 10 millones de dólares a Gal Gadot y Patty Jenkins por estrenar Wonder Woman 1984 en los cines y en HBO Max, mientras que en una situación similar le pagó 20 millones a Denzel Washington por The Little Things.

Britney es libre

Este año se estrenaron 3 documentales de Britney Spears, los cuales expusieron la tutela a la cual la cantante fue puesta por parte de su padre Jamie Spears.

Primero conocimos Framing Britney Spears, el cual sacó a la luz los abusos que sufrió la cantante por parte de su padre. Más adelante se estrenó Controlling Britney Spears, otro documental especial del New York Times que habló sobre cómo veían la tutela personas cercanas a la cantante. Finalmente llegó Britney Vs Spears, el cual hablaba sobre cómo su padre espiaba a la cantante y se encargó de aislarla de sus seres queridos/as.

No obstante, después de 13 años y meses de intensas batallas legales, Britney Spears pudo obtener su libertad en noviembre, lo que significó una gran victoria para la cantante que fue sometida a un trato cruel por parte de los medios y su familia en la primera década del 2000.

Snyder Cut

En 2017 se estrenó la versión de La Liga de la Justicia dirigida por Joss Whedon, la cual contó con una mayoría de críticas negativas por parte de la audiencia. Tiempo después, los/as fans de DC acudieron a las redes sociales para pedir el Snyder Cut, pues Zack Snyder iba a ser el director original del proyecto, sin embargo abandonó el mismo en la etapa de postproducción por asuntos personales.

Así fue como HBO Max dio luz verde al proyecto en el 2021, y por fin el esperado Snyder Cut pudo ver la luz con una duración de cuatro horas que complació a todos/as los/as fans del cineasta. El éxito fue tan bueno que se convirtió en la película más comentada en Twitter durante el 2021, y los/as usuarios/os aún reclaman que se re-establezcan los planes que tenía el cineasta para el universo cinematográfico de DC.

SpiderVerse confirmado

Si bien durante mucho tiempo se comentó sobre el posible spiderverse en No Way Home, el estudio trató de mantener la noticia en secreto durante mucho tiempo, y fue hasta su estreno que los/as fans pudieron ver que todos los rumores eran reales.

La película generó tanta emoción que la taquilla de Spider-Man: No Way Home fue un éxito en su primer fin de semana al recaudar 600 millones de dólares a nivel mundial, lo que la convirtió en la tercera película de la historia con mayor recaudación en su lanzamiento. Asimismo, ahora es el filme con mayor recaudación en su fin de semana de lanzamiento al juntar 260 millones de dólares, logrando superar a Avengers: Infinity War.

El juego del Calamar

El Juego de Calamar se convirtió en la serie más vista en la historia de Netflix. Las redes sociales se inundaron de imágenes del programa, y durante semanas la conversación sólo giró alrededor de la susodicha producción.

La serie de Corea ya confirmó una segunda temporada, aunque aún no se confirma una fecha de lanzamiento ni los/as histriones que regresarán. Sin embargo, el creador Hwang Dong-Hyu mencionó en una entrevista que se tomaría su tiempo para escribir la historia, así que aún tendremos que esperar un buen tiempo.

Más allá del éxito numérico y como todas las nuevas producciones de Corea del Sur, la serie posicionó entre la discusión cotidiana una pregunta muy importante: ¿es el modelo neoliberal de endeudamiento y competencia el que debería continuar rigiendo nuestras sociedades? La respuesta de El Juego de Calamar es que NO.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Cuál fue su momento favorito del 2021?

Top 10: ¡Los mejores momentos de la franquicia Matrix!

Publicado en 22 diciembre, 2021 el 3:58 pm.

Escrito por Mónica Castellón

En Fuera de Foco enlistamos las 10 escenas más icónicas de la franquicia Matrix.

Cuando The Matrix llegó en 1999 el mundo quedó asombrado por dos razones: la profundidad filosófica de una narrativa que nos sitúa en futuro apocalíptico donde los humanos están conectados a una computadora, y las secuencias de acción innovadoras que combinan artes marciales con tiroteos.

Si bien las dos secuelas (The Matrix Reloaded y Revolutions) fueron recibidas con menos euforia, la historia de Neo (Keanu Reeves) buscando liberar las mentes de quienes viven en la simulación se quedaron grabadas en el inconsciente colectivo, por lo que se decidió crear una nueva entrega titulada Matrix Resurrections que ya ha llegado a cines.

Así que en celebración del nuevo filme de la franquicia, en Fuera de Foco repasamos los eventos más relevantes de la trilogía original.

El tiroteo en el lobby

Una de las escenas más famosas de toda la franquicia es cuando Neo y Trinity (Carrie-Anne Moss) se infiltran juntos en una instalación custodiada, esto con la finalidad de rescatar a Morpheus (Laurence Fishburne). La secuencia es recordada por su increíble trabajo de acrobacias y una melodía impresionante.

La lucha final de Neo y el Agente Smith

Mientras Morpheus y su equipo están luchando contra las máquinas para determinar el destino de Zion en Matrix Revolutions, Neo se ve atrapado en una lluvia torrencial para tener su brutal enfrentamiento final con el Agente Smith.

Es así como en cámara lenta comienzan a golpearse rodeados por un ejército de otros Agentes, los cuales luchan entre relámpagos cayendo a su alrededor. La escena está llena de acción y efectos espectaculares para mostrar todo el poder de Neo.

Battery

La escena se centra en el discurso que da Morpheus a Neo para explicar cómo funciona Matrix, en la cual se nos da una mirada sombría al futuro de la humanidad y se nos dice que todos/as vivimos en una simulación.

Neo vs múltiples Smith

En esta secuencia del segundo filme vemos cómo Neo lucha contra múltiples versiones del Agente Smith, y apenas simboliza el inicio de una montaña rusa de emociones que obviamente estará cargada de muchísima más acción.

Kung Fu

En esta escena Morpheus enfrenta en un duelo de Kung Fu a Neo, quien desea demostrar cada una de sus habilidades de pelea. Este momento le demostró a la audiencia que la película en cuestión es más que sólo efectos especiales, y las acrobacias son algo que también trabaja muy bien.

La lucha por Sion

La secuencia mostró un lado más humano de las peleas llenas de balas y bombas características de la franquicia, pues la misma nos muestra a la gente de Sion uniéndose para salvar lo que queda de su mundo.

La persecución en la autopista

Trinity y Morpheus intentan salvar al Keymaker en el acto intermedio de The Matrix Reloaded, y su camino los lleva por una autopista muy transitada en la cual los agentes se acercan constantemente a ellos, lo que provoca una escena de acción llena de tensión y destrucción.

Esquivando balas

Fácilmente la toma más icónica de la trilogía, en ella los agentes comienzan a dispararle a Neo, quien descubre que tiene la capacidad de esquivar todas las balas, pues sus movimientos son igual de veloces.

La muerte de Trinity

Después de un aterrizaje forzoso Neo descubre que Trinity fue herida, y a tan sólo unos minutos para el final de la trilogía de Matrix se despide entre lágrimas de Neo, quien se embarca en la última misión para salvar a la humanidad.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otro momento añadirían al top?

¡Los 5 personajes más letales del cine de terror y horror!

Publicado en 31 octubre, 2021 el 6:40 am.

Escrito por Staff Fuera de Foco

Halloween es un buen momento para recordar a los personajes más letales del cine de terror y horror.

¡Halloween ha llegado! Y que mejor manera de celebrarlo que realizando un maratón de cine de terror y horror, el cual a lo largo de la historia del séptimo arte nos ha dejado una amplia variedad de entidades sobrenaturales, a quienes como audiencia tememos debido a lo mortíferos que pueden ser, y por ello en Fuera de Foco decidimos realizar un top 5 de los personajes más letales.

Michael Myers

Este personaje fue creado por John Carpenter y Debra Hill en 1978, viste una máscara blanca y un traje de mecánico azul, y en las películas se nos muestra como un asesino despiadado que demuestra tener un potencial sobrenatural, el cual le hace casi inmortal como hemos visto en los diversos filmes que ha protagonizado.

La cosa

En la película de 1951 conocimos que unos seres de Marte realizaron unos experimentos que salieron mal, los cuales dieron vida a una criatura que devoró a todos/as a su alrededor, y posee la capacidad de transformarse en los seres que come para así tomar por sorpresa a sus víctimas. De alguna manera el ser cae en la Tierra y el resto es historia.

En 1982 John Carpenter realizó su propia adaptación del relato y nos mostró lo aterrador que este personaje puede ser, pues el mismo basa su estrategia en el precepto “divide y vencerás”, se mimetiza con su entorno, y al menos que se vea expuesto al fuego no hay manera de descubrirlo, por lo que probablemente seas una presa fácil para el ser.

La entidad de It Follows

Esta película del 2014 dirigida por David Robert Mitchell, nos presenta a una entidad sobrenatural que forma parte de una maldición que se transmite manteniendo relaciones sexuales, la cual persigue a sus víctimas hasta quitarles la vida.

Claramente el concepto resulta aterrador debido a que como víctima sólo puedes ganar tiempo, puedes la maldición se puede transmitir a otra persona pero una vez que acabe con la misma volverá por ti. Psicológicamente esta entidad nos causa mucho más terror porque la misma es una analogía a las enfermedades de transmisión sexual.

La maldición de Evil Dead

El filme dirigido por Sam Raimi nos presenta una maldición generada por un libro encuadernado en piel humana y escrito con sangre conocido como el Necronomicón, del cual tras recitar algunos pasajes se llama a diversos espíritus que habitan en el bosque y van búsqueda de víctimas, de las cuales toman control hasta dejarlas sin vida.

Ash (Bruce Campbell) logra hacerles frente a estos espíritus pero en el camino pierde a sus amigos/as, novia, y un brazo. Así que en todo caso de encontrarnos frente a esta maldición, lo más probable es que no salgamos con vida.

Chucky

Child’s Play es la primera película de la franquicia que cuenta la historia de origen de Chucky. La trama muestra a un asesino en serie llamado Charles Lee Ray acorralado por la policía en una juguetería, por lo que se le ocurre usar un hechizo vudú para transferir su alma en un muñeco cerca de él, y así nace Chucky: el muñeco asesino.

La franquicia continuó con gran éxito mediante Child’s Play 2 y 3. Ocho años después lanzaron La novia de Chucky, en conocemos a su pareja sentimental llamada Tifanny, quien en un intento por resucitar a Chucky se convirtió en una muñeca. Posteriormente estrenaron El hijo de Chucky, en donde un joven muñeco llamado Glen se convierte en su descendencia.

En 2013 revivieron la franquicia con La maldición de Chucky y estrenaron el Culto de Chucky en 2017. Sin embargo los filmes ya no fueron tan exitosos y hasta el 2019 llegó Child’s Play: un reboot en donde nuevamente se cuenta como un muñeco de alta tecnología se convierte en asesino. Recientemente se estrenó una serie en Star + que explora más sobre el origen del muñeco.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otro personaje del cine de terror y horror hubieran añadido?

¡Top 10 Datos que no sabías sobre Amelie!

Publicado en 23 febrero, 2021 el 12:45 am.

Escrito por Susana Díaz

Amélie es una película francesa que cumple 20 años encantándonos mediante su historia de romance.

Amélie es una película francesa estrenada en 2001, centrada en la vida de una joven camarera que se plantea como objetivo arreglar la vida de los demás, recorrido en el cual vivirá una encantadora historia amorosa.

Dirigida por Jean- Pierre Jeunet -quien coescribió el guión junto al novelista Guillaume Laurant-, la obra se trata de la segunda película en habla francesa con mayor recaudación en taquilla a nivel mundial. Éxito que además se vio reflejado en 5 nominaciones a los Premios Óscar, y sus galardones a Mejor Película y Director en los Premios César.

Para celebrar su aniversario número 20, ¡Fuera de Foco te comparte 10 datos curiosos sobre Amélie!

Desde Inglaterra, Emily Watson

Desde que observó su interpretación en Rompiendo las olas (1996), el director Jean-Pierre Jeaunet quedó encantado del trabajo realizado por Emily Watson, razón por la que pensó en ella para interpretar el papel de Amélie Poulain. Sin embargo, la actriz rechazó la proposición ya que no quería estar lejos de su casa.

De Emily a nuestra querida Amélie

Mientras caminaba por las calles de París, Jeunet observó un póster de la cinta La Belleza de Venus en donde aparecía la actriz Audrey Tautou. Tras convocarla al casting, el director cuenta que se escondió para ocultar su emoción al verla, quedando sorprendido por su apariencia de ojos oscuros e inocencia.

Des Deux Moulins

Des Deux Moulins: la cafetería donde Amélie labora en el largometraje, se ha hecho tan famosa como la Torre Eiffel. El dueño del lugar ubicado en la Rue Lepic del barrio Montamartre, quería vender el lugar y jubilarse porque se encontraba cansado, sin embargo reconsideró tal decisión tras convertirse en un sitio que los turistas visitan recurrentemente para tomarse una foto.

Colores por aquí y allá

Quizá uno de los elementos más característicos en la cinta, resida en la vistosa fotografía de Bruno Delbonnel, quien expuso lo importante que era para su persona, que cada personaje/ambientación contara con su propia paleta de colores. Por ejemplo, el rojo que recubre el departamento en que habita Amélie, fue elegido con la intención de proyectar calidez.

Sin embargo no fue nada sencillo lograr esto último, ya que en este caso en particular tuvieron que viajar hasta Alemania para filmar dichas escenas.

¿Una película llena de clichés?

A pesar de sus diversos éxitos, la película fue receptora de fuertes críticas. El blog de Mrs. Morlock, ha recopilado diversos textos en donde se crítica al director de filmar solo los clichés de la sociedad parisina. Entre ellos se encuentra la opinión del periódico L´Humanité, quien calificó a la cinta como fascista, al no representar la diversidad que caracteriza a París.

¿Soundtrack original?

Otro de los elementos característicos del film, reside en su soundtrack. La elección surgió cuando el director viaja en automóvil y escuchó las composiciones de Yann Tiersen, quedó tan enamorado de la música que compró toda su discografía, usando varios de sus temas en la película.

Aunque la mayoría de la banda sonora no fue compuesta originalmente para la obra, la canción El vals de Amélie es una excepción.

Una Audrey muy Amelie

Como inspiración de lo realizado por su personaje en el largometraje, la actriz protagonista tiene una colección fotográfica, compuesta por cada uno/a de las/os reporteros/as que la han entrevistado.

Los gnomos existen

La historia del gnomo del jardín del padre de Amélie, se basa en una serie de sucesos ocurridos en la década de los noventa en Francia e Inglaterra.

Aquí no los queremos tanto…

A pesar de su éxito mundial, la cinta no fue querida en el Festival de Cine de Cannes, donde el director del festival de la rivera francesa: Gilles Jacob, comentó: “La película no es interesante. Tiene talento, pero se equivocó de tema”.

De París a Broadway

Mientras Jeunet escribía el guión, se preguntó a si mismo “¿Quién se interesará en esta porquería?” Hoy sobra decir la fama que posee el filme y la cantidad de personas que lograron conectarse con la protagonista, a tal punto que su historia ha llegado a Broadway.