El director Alonso Ruizpalacios presentó en el Festival Internacional de Cine de Berlín “La Cocina”, cinta que es protagonizada por Rooney Mara.
Con la idea de presentar una mirada diferente a “la industria de la alta cocina”, la película compite por el premio del Oso de Plata en el Festival.
La película es una ambiciosa propuesta que podría dar mucho de qué hablar en 2024. Pero habrá que esperar a las primeras reacciones del festival.
Durante la reciente edición delFestival de Cine de Berlín, el director mexicanoAlonso Ruizpalaciospresentó su próxima película: La Cocina. Inspirada en la obra de teatro del mismo nombre escrita por Arnold Wesker en 1959, nos sumerge en las entrañas de una cocina de tamaño industrial de un popular restaurante en el Times Square de la ciudad de Nueva York.
El proyecto es protagonizado por Rooney Mara, quien es conocida por su papel en La chica del dragón tatuado (2011), que le valió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz, y Carol (2015), por la cual ganó el Premio del Festival de Cine de Cannes a la Mejor Actriz y recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto.
Si bien durante varios años en la historia del cine hemos visto diferentes historias sobre el detrás de un restaurante y la industria alimentaria, La Cocina, podría brindarnos una nueva perspectiva al ser una metáfora al capitalismo. A continuación te explicamos todo lo que reveló Alonso Ruizpalacios sobre esta cinta que compite para llevarse el Oso de Oro en el prestigioso festival.
Alonso Ruizpalacios asistió por primera vez al Festival de cine de Berlín hace casi diez años con Güeros, una película con la que obtuvo el premio a Mejor Opera Prima y, desde entonces, ha cosechado diversos éxitos como Museo yUna película de policías. Pero, esta vez, el director mexicano presenta una película totalmente diferente que expone las problemáticas de la industria restaurantera y, a su vez, la explotación laboral que viven los indocumentados en Estados Unidos.
La historia tiene lugar en el restaurante ficticio The Grill de Manhattan, en donde ha desaparecido dinero en efectivo de la caja registradora y todos los cocineros indocumentados, provenientes de diversos países, son puestos bajo escrutinio. Particularmente Pedro (Raúl Briones), quien está enamorado de Julia (Rooney Mara), una camarera estadounidense que no está preparada para una relación seria. El dueño del Grill, Rashid, ha prometido ayudar a Pedro con sus trámites legales. Sin embargo, el mundo de Pedro se hace añicos cuando sale a la luz una revelación inesperada sobre Julia.
Para Alonso Ruizpalacios, La Cocina, es básicamente una película antiporno-comida. “Quería mostrar el otro lado de la industria alimentaria donde la conveniencia es más importante que la calidad de los alimentos. Es una metáfora del capitalismo corporativo”, afirmó durante la conferencia. El drama fue filmado en los estudios Churubusco de la Ciudad de México y, para preparar a su elenco, el director organizó lecciones de cocina y largos ensayos de improvisación durante al menos tres semanas antes del rodaje.
De igual manera, Alonso Ruizpalacios le dio a cada uno de los actores una copia de Kitchen Confidential, el libro del difunto Anthony Bourdain que cuenta todo lo que sucede en las cocinas de los restaurantes. “Ahora he aprendido el arte de pedir en restaurantes”, afirma Briones. “El libro me ayudó mucho a comprender el papel del chef, a comprender la meticulosa defensa de sus herramientas: el cuchillo, la tabla de cortar, etc”.
A su vez, Rooney Mara, señaló que Alonso Ruizpalacios hizo este proceso de ensayo “realmente largo”, como “un campo de entrenamiento en cocina” para todos los chefs y camareras que resultó ser una “experiencia increíble” para todos los artistas involucrados.
Imagen: Getty Images | Deadline
Una película llena de talento
Curiosamente, Alonso Ruizpalacios aseguró que siempre tuvo en mente a Rooney Mara para protagonizar La Cocina, desde que comenzó a escribir el guion, debido a la “intensidad especial” que impregna en cada uno de sus personajes. “Dice mucho sin decir una palabra”, pero también por el contraste que hacía con Briones en cuestión de personalidades.
Por su parte, para el actor ganador de tres Premios Ariel por sus trabajos en Asfixia, Una Película de Policías y El Norte sobre el Vacío,aseguró que el inglés fue un reto para interpretar a este personaje. “Bueno, dominar el inglés no es tan difícil como podría pensarse. Sin embargo, lo que resultó más complicado fue actuar en inglés”, afirmó Briones.
El actor también adelantó que La Cocina esta está llena de música y cuenta con una meticulosa mezcla de sonido. “Su trabajo en el sonido, las distintas voces, acentos e idiomas, todo ello sirve para realzar el comentario artístico de la película”, señala Briones. Mientras que Alonso Ruizpalacios, añadió que una de las escenas más desafiantes fue una toma única de 14 minutos que era “como una coreografía compleja, como una escena de batalla”.
Carol de Todd Haynes se ha posicionado como una de las películas queer preferidas del público, en especial durante fechas navideñas
Todd Haynes agradeció el apoyo que la cinta ha recibido desde su estreno en 2015, asegurando que la pasión del público por la historia la ha hecho volver cada año.
El director señaló que desde que se filmó la película, Carol poseía una atmósfera icónica gracias al trabajo de sus actores y equipo creativo, por lo que se pronunció satisfecho de que la cinta sea considerada un clásico.
Todd Haynes ha hecho historia en el cine al ser una de las voces queer más interesantes de los últimos años. Pues, desde su trabajo en Velvet Goldmine, Far From Heaven y pasando por Carol para llegar hasta May December, el trabajo de Haynes ha sido sumamente aplaudido por audiencias alrededor del mundo.
Sin embargo, uno de sus títulos más destacados ha logrado ganarse incluso un status de “clásico” entre las audiencias queer es Carol. Es por eso que ahora, durante una entrevista con el portal IndieWire, Todd Haynes reveló qué es lo que cree que hace tan especial a la película y por qué estaba destinada a convertirse en un clásico del cine.
Imagen: Film4
¿El título más icónico en la filmografía de Haynes?
En ruta para la ceremonia IndieWire Honors, el director Todd Haynes ha compartido más sobre su histórico en el cine, poniendo especial énfasis en cintas queer que le han dado un espacio sumamente sólido dentro de las voces LGBTQ+ de la industria cinematográfica actual.
En especial, el director destacó a Carol, la cinta de 2015 protagonizada por Cate Blanchett y Rooney Mara, de la cual se pronunció agradecido por volverse tan icónica dentro de las audiencias queer.
Carol, situada en Nueva York de 1950, es un romance lésbico que ahora reluce dentro de la filmografía de Haynes, cosa que el director señaló como “muy significativo”, al haber logrado con una “post-vida tan particular” entre el público, quienes repiten la cinta año con año.
“Significa mucho para mí que Carol haya significado tanto para las comunidades de mujeres lesbianas alrededor del mundo. Y luego de pronto, volverse un clásico navideño y ser una película a la que la gente regresa constantemente, me parece maravilloso”
Todd Haynes.
Imagen: Film4
¿Todd Haynes sabía que Carol se volvería un clásico?
Si bien, el éxito de Carol es algo que no se ha desvanecido con los años, no ha sido del todo una sorpresa para Todd Haynes que la cinta se haya vuelto icónica.
Y es que al trabajar de la mano con la diseñadora de vestuario Sandy Powell, Todd Haynes aseguró que desde que se presentaron los primeros diseños de los personajes —mismos que más adelante se volverían un referente en la categoría—, supo que había algo especial detrás de la historia.
“Cuando la estábamos filmando, había algo sobre el vestuario hecho por Sandy que me pareció magnífico e irrepetible” puntualizó el director, destacando la imagen que se construyó alrededor de Therese (Rooney Mara) y de Carol (Blanchett) en los primeros bocetos.
Y, más allá de la ropa, también aplaudió el diseño final de los personajes a través del maquillaje y el peinado, cosa que le pareció sumamente icónica, “al lograr que ambos personajes constrastaran entre sí” pero que también representaran diversas aristas, estatus, personalidad y antecedentes dentro su época.
“Realmente nunca sabes cómo va a resultar una película, y en qué se va a convertir o si funcionará cualquier elemento que estás trabajando.
Pero al verlas, había algo tan icónico en su presencia que pensé, “Wow, esto se siente como que va a llegar verdaderamente lejos”.También lo debo mucho al gran trabajo de Cate y Rooney, por supuesto.
Todd Haynes.
En 2016, Carol fue nominada a 6 categorías dentro de los Premios Oscar, entre ellos Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto para Blanchett y Mara respectivamente, quienes si bien no recibieron la estatuilla de la Academia, sí destacaron en varios otros certámenes, entre ellos, el Festival de Cannes donde también la cinta fue acreedora a la Palma Queer.
El mes de de junio es conocido por ser el mes del orgullo LGBT.Y aunque ahora se trata más sobre festejar la diversidad, las diferencias y lo lejos que se ha llegado en términos de inclusión, en realidad el mes está dedicado a conmemorar las manifestaciones de Stonewall en Manhattan durante 1969.
Estas manifestaciones fueron fundamentales para empujar los derechos de la comunidad LGBT para poder vivir sin sufrir persecuciones policiales o abusos por parte de las instituciones. Es un mes que honra la lucha por poder salir de las sombras para vivir con libertad.
Y aunque no lo crean, uno de los medios que ha evolucionado conforme la lucha lo hace es el cine. Cuando Hollywood comenzó a censurar películas con temáticas queer, cineastas comenzaron a buscar formas de representar a grupos LGBT de diferentes formas. Hubo cineasta como Alfred Hitchcock, que incluía a sus personajes para desafiar la censura de la época, pero también hubo quienes fomentaron clichés y que se convirtieron en estereotipos.
Como la comunidad LGBT es un grupo que ha sido perseguido y señalado por sus preferencias sexuales, también ha aprendido a adaptarse, a cambiar y a luchar por integrarse mejor en la sociedad. Y aunque no lo parezca, el cine y las series han sido herramientas muy fuertes para crear una sensación de comunalidad, creando así también la llamada “cultura queer”, que busca incluir la historia y el arte LGBT que se ha hecho a lo largo de la historia.
La comunidad LGBT ha sido representada de diferentes maneras a lo largo de la historia del cine y la televisión. Y por eso, aquí les dejamos algunos ejemplos de personajes e historias que se han vuelto parte de la llamada cultura queer.
Copyright @ HBO
Películas que han impactado más la cultura LGBT
Los Villanos de Disney
La historia de Disney es un gran ejemplo de cómo la cultura puede incluir ciertas características dentro de sus ficciones que terminan conectando con un grupo de personas que las comparten. Y es que, durante muchos años, los villanos de sus afamados éxitos animados se han ido posicionando poco a poco como íconos queer.
Aunque nunca ha sido de manera explícita, la manera en la que se han construido es claramente queer. Hay ejemplos como el de Úrsula, cuyo diseño está inspirado en la drag queen Divine y que en español dio vida la artista Serena Olvido, haciéndola uno de los personajes de Disney con más influencia queer.
Pero también existen villanos como Scar, Hades, Ratigan, Cruella o el gobernador John Ratclife, personajes que se presentaban como los grandes opuestos de los protagonistas y que desafiaban las convenciones de su género. Y aunque ahora son considerados grandes personajes de la cultura pop, en un principio fueron concebidos como una forma cliché de representar las características asociadas a la comunidad LGBT como algo “malvado” o “depravado”.
Sin embargo, el amor por las películas y la increíble construcción de personajes han hecho que la comunidad LGBT+ los reclame como suyos, y al hacerlo, resignifican la identidad de los personajes y su impacto cultural. Siguen siendo los villanos de sus historias, pero ahora son alabados por sus números musicales o su inteligencia, abriendo así la conversación sobre los clichés alrededor de la comunidad.
Este es un ejemplo de cómo la cultura cambia y evoluciona, pero también nos sirve como ejercicio para comparar cómo eran concebidas las temáticas queer dentro del cine, y hasta son una buena herramienta para entender cómo a través de imágenes la humanidad percibe historias y detalles culturales que se perpetúan y se convierten en ideas preconcebidas.
Imagen: Villanos Codificados como LGBT |Izzi Rae | Twitter
Rocky Horror Picture Show
El Show de Terror de Rocky es sin duda uno de los títulos que a la fecha es uno de los clásicos más grandes de la cultura queer. La cinta musical de Jim Sharman de 1975 se volvió bandera de la liberación sexual, y el rechazo a las normas sociales, a través de la burla de los estereotipos que existían en ese entonces sobre la comunidad LGBT y el purismo excesivo de la sociedad estadounidense.
The Rocky Horror Picture Show explora también un gran espectro de géneros y sexualidades, siendo el Dr Frank-N-Furter (Tim Curry) un “dulce travesti de la Transylvania transexual.”
Si bien a su estreno la cinta fue duramente criticada por no compartir los valores americanos, poco a poco se volvió uno de los materiales de culto que a la fecha cuentan con una gran comunidad que la celebra.
Un sinfín de artistas queer, y en especial drag queens, se han inspirado a partir de los estilos mostrados en cada uno de los personajes, siendo una de las películas que más impacto ha tenido en diversas generaciones de jóvenes LGBT+.
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Hedwig and the Angry Inch
Estrenada en 2001, esta película se convirtió en una de las mejores propuestas de cine LGBT casi de inmediato. Inspirada en el mito que presenta Platón en su obra “Simposio” sobre como la humanidad siempre busca a su otra mitad, la cinta cuenta la vida de Hedwig, una cantante drag que vive la caída del Muro de Berlín desde la perspectiva de la Alemania Oriental.
Conmovedora y con una gran oferta musical, Hedwig and the Angry Incharrasó en los Festivales de Sundance, Berlin, Independent Spirit, GLAAD y muchos más, y todavía es considerada como una de las representaciones más interesantes sobre la identidad de género.
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Carol
Basada en la novela de The Price of Salt, Carol retrata la relación entre dos mujeres en la década de 1950, un tiempo donde además de ser un gran estigma, la homosexualidad era incluso penada.
La cinta sigue el viaje de Therese(Rooney Mara) luego de enamorarse de Carol (Cate Blanchett) una mujer casada cuya sexualidad pone en juego a toda su familia, pues la cinta de Todd Haynes hace énfasis en los grandes retos de la comunidad queer en términos de prejuicios sociales, y el riesgo de perder la custodia de sus hijos.
Carol ha tenido un gran impacto en el cine queer al aumentar la visibilidad y calidad de las historias LGBT (y en especial de las historias lésbicas) en el cine a través de contextos históricos distintos y también empujando a la creación de películas queer con valores de producción más altos.
Copyright @ 20th Century Studios
But I’m a Cheerleader
La sátira But I’m a Cheerleader expone temáticas LGBT+ controversiales, como las terapias de conversión, en una comedia que tiene por fin criticar las prácticas pseudocientíficas y problemáticas de tales métodos.
Y es que además de abrir la conversación alrededor de las terapias de conversión, But I’m a Cheerleader también explota temas de búsqueda de identidad queer a través de Megan (Natasha Lyonne), quien al ser enviada al campamento descubre que en efecto es lesbiana, en lugar de “corregir” su orientación.
Asimismo, la cinta de Jamie Babbit reta los roles y estereotipos de género, retratando diversos tipos de mujeres queer quienes no siempre encajan con la visión que la sociedad tiene de ellas.
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The Babadook
Otro ejemplo de cómo una película no tiene que retratar temas abiertamente LGBT para que resuene con la comunidad y que se convierta en una herramienta de identidad cultural.The Babadookempezó como una película que mezcla el horror con el drama para contarnos la historia de una mujer sumida en la depresión que se da cuenta que un monstruo la acecha a ella y su hijo.
La película pronto se convirtió en una cinta de culto, y su popularidad produjo un meme que bromeaba como El Babadook en realidad era una entidad LGBT que desafiaba los valores cis, blancos y heterosexuales. La broma fue creciendo, grandes estrellas queer se sumaron, y pronto la figura del Babadook se convirtió en un ícono queer.
Este es un ejemplo de cómo la cultura resignifica y adopta diferentes herramientas culturales que se convierten después en símbolos de unión para una comunidad. Y además, es una muestra de cómo ha evolucionado también la conversación sobre temas LGBT en internet.
Imagen: The Babadook como ícono LGBT | BBC
Películas que han impactado más la cultura LGBT
Glee
Glee llegó a la televisión en 2009 cuando la representación de personajes queer era escasa, especialmente en su elenco principal. Desde su primer episodio, comenzó a centrarse en las luchas de los adolescentes con el romance, la identidad y las orientaciones sexuales con personajes como Kurt Hummel (Chris Colfer), Santana López (Naya Rivera), Brittany (Heather Morris), Blaine (Darren Criss), Dave Karofsky (Max Adler), Unique Adams (Alex Newell), entre otros.
Si bien Glee trataría la vida de los jóvenes en competencias de coros de espectáculos, este solo fue un pretexto para profundizar en las dificultades que pueden llegar a enfrentar los jóvenes en la secundaria cuando están explorando su sexualidad y comienzan a enamorarse. Asimismo, de manera individual, la historia explorar la vida de cada personaje, uno de los más importantes es Kurt, quien se ha refugiado en la música y la moda para expresarse libremente, dado que tiene miedo de salir del closet frente a su padre, un hombre viudo dueño de una mecánica que aparentemente podría llegar a ser aterrador, sin embargo, a lo largo de los episodios se convierte en un padre comprensivo que apoya a Kurt a seguir sus sueños.
El personaje de Kurt también hizo historia al entablar una relación romántica con Blaine, quienes juntos exploran su sexualidad y por primera vez en la televisión vemos una pareja que habla sobre la falta de información para los jóvenes adolescentes queer. Por otro lado, la serie también pone sobre la mesa el bullying que enfrenta la comunidad LGBT+ en las escuelas y como Kurt lo enfrenta.
Pero sin duda una de las parejas que más revolucionó a la televisión fue Santana y Britanny, dos porristas que aparentemente son mejores amigas pero en realidad llevan una relación es secreto desde la primera temporada, en donde dan ligeros guiños de un coqueteo, pero es hasta la temporada dos que Santana comienza a buscar respuestas por los sentimientos que tiene con Brittany.
Y es ahí en donde Glee tiene un gran acierto, porque ejemplifica de manera muy real las preguntas y miedos que puede llegar a tener una adolescente queer. Afortunadamente, en la historia, estos personajes tienen un espacio seguro con sus profesores, Holly Holliday y Will, quienes son los encargados de guiarlos, aconsejarlos y mostrarles que lo que sienten es completamente normal. Por estas razones, y muchas más, Glee es considerada una de las mejores series queer en la historia de la televisión que definitivamente cambió la vida de muchas personas.
Copyright @ 20th Century Studios
Heartstopper
Muchos programas que representan a la comunidad queer a menudo suelen explorar las numerosas pruebas y luchas que enfrentan, sin llegar a disfrutar realmente de su romance. Este no es el problema deHeartstopper, en donde Charlie Spring (Joe Locke), un estudiante de secundaria abiertamente gay se enamora de Nick Nelson (Kit Connor), quien está tratando de descubrir su identidad sexual por primera vez en su vida.
Heartstopper permite ver un romance gay adolencente lleno de emociones positivas, en un ambiente seguro y con respeto. Sin embargo, tampoco deja de lado las problemáticas que podrían enfrentar los personajes al salir del closet con sus amigos y familia, pero sin dejar que eso eclipse la alegría que obtienen los protagonistas al estar juntos.
La serie se las arregla para tener un equilibrio perfecto y eso permite que la comunidad LGBT+ por fin tenga un programa típico adolescente con la emoción del romance, que es un lujo que no suele permitirse a los personajes queer a través de los medios. Aunque se espera que en la segunda temporada se comiencen a explorar temáticas mucho más serias, es importante señalar que la comunidad también merece este tipo de programas en donde los protagonistas no tienen que sufrir todo el tiempo.
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Sense8
Sense8 fue la primera serie para Netflix creada por Lana y Lilly Wachowski, la cual sin duda alguna destacó por su acercamiento a la representación LGBT+ en un discurso que además de celebrar la diversidad, apostaba por abordar problemáticas tremendamente humanas.
En sí, la serie explotó diversos aspectos de la identidad, sexualidad y las relaciones de maneras distintas, a través de la conexión de su cluster, los ocho personajes principales quienes compartían un enlace emocional y psíquico.
Entre ellos destacaba Nomi Marks, una mujer transgénero cuya identidad no dependía solamente de su lucha diaria ante los conflictos de la comunidad trans, sino que brillaba al ser uno de los elementos del cluster que apostaban por el activismo.
Sin embargo, también Sense8 fue una de las primeras series en retratar la relación entre una mujer transgénero y una mujer cisgénero, Amanita (Freema Agyeman), volviéndose parteaguas en la representación de relaciones queer.
Por otro lado, Lito Rodriguez, interpretado por Miguel Ángel Silvestre, era un actor mexicano gay quien vivía en el closet, lidiando con los problemas de vivir en una sociedad machista e híper masculinizada donde las cámaras le pedían ser un personaje todo el tiempo.
Sense8 apostó siempre por una gran apertura de temáticas y representación LGBT+, lo que lo vuelve indudablemente parte de la cultura queer actual.
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Orange Is The New Black
Orange is the new Black fue una de las primeras series que estrenó Netflix y que le otorgó sus primeros premios Emmy y prestigio a nivel internacional. La vida sobre Piper Chapman(Taylor Schilling) una mujer que llega a prisión por transportar dinero proveniente del narcotráfico, hizo historia no solo por presentar temáticas LGBT+, sino por incluir en su elenco principal a mujeres queer afrodescendientes en la televisión.
OITNB no se conformaba en solo contar historias de amor, sino en profundizar en temas más complicados, como el racismo, el acoso sexual, las enfermedades mentales, la misoginia, estre otros. También creó íconos inesperados como Laverne Cox, una mujer transgénero afrodecendiente que con su personaje narra los problemas que enfrentan las mujeres trans encarceladas.
La serie demostró que las historias queer y diversas pueden ser programas queridos y galardonados y si bien, no fue la primera serie en representar relaciones femeninas lésbicas, sí fue la primera que las narra un espectro más amplio más allá de la sexualidad, ya que tiene otros tipo de problemáticas y vidas.
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Pose
Lanzada en 2018, POSE se desarrolla en la ciudad de Nueva York a finales de los años ochenta, cuando dentro de la comunidad LGBT+ comenzaron a protestar por sus derechos y, en especial, para exigir que las autoridades investigarán sobre medicamentos que combatieran a la pandemia del SIDA, que en ese momento, apenas comenzaba a llevarse la vida de muchas personas, pero como se pensaba que era un virus exclusivo de la comunidad LGBT+ los médicos no tenían intereses en investigar.
Esta es apenas una de las muchas problemáticas que engloba a POSE, quien también hizo historia al tener la mayor cantidad de actrices afrodescendientes trans en la televisión estadounidense como protagonistas. Además, la escritora y activista Janet Mock, se convirtió en la primera mujer trans afrodescendiente en escribir para televisión.
A través de sus protagonistas el programa engloba la violencia, inseguridad alimentaria, discriminacion y abuso laboral que llegan a enfrentar las mujeres trans en su vida. Asimismo, POSE muestra que las personas queer pueden llegar a formar su propia familia y espacio seguro, de modo que hay episodios muy sentimentales en donde las protagonistas se aman, se apoyan y forman una comunidad para ser resilientes juntas.
La comunidad de POSE también hizo historia cuando Billy Porter ganó su primer Emmy a los 50 años en 2019 por su papel como Pray Tell, convirtiéndose en el primer hombre afrodescendiente abiertamente gay en ganar el premio. La actriz trans Mj Rodríguez, obtuvo el mismo reconocimiento como Mejor Actriz en un programa de drama por su papel principal como Blanca Rodriguez-Evangelista.
Copyright @ 20th Century Studios
La Veneno
A mediados de la década de los 90, Cristina Ortiz “La Veneno” irrumpió la televisión española para subvertir y contrarrestar los prejuicios de la época. Su carisma y talento la llevó a ser una de las figuras más importantes de la televisión madrileña, y por esola violencia y misterio alrededor de su muerte son lamentablemente parte de su leyenda.
Pero en la serie de HBO, el legado, impacto e importancia de esta artista es recuperado gracias a las interpretaciones de las actrices Jedet e Isabel Torres, que de cierta manera demuestra cómo ha evolucionado el mundo con respecto a la representación y derechos trans y lo mucho que falta por hacer, por lo que es una propuesta de cultura LGBT+ que resultó muy diferente.
Rooney Mara revela cómo su mala experiencia en la nueva versión de Nightmare On Elm Street influyó en su carrera
La renombrada actriz nominada al Oscar Rooney Mara ha construido una carrera sólida en Hollywood gracias a su trabajo en películas premiadas como Nightmare Alley de Guillermo del Toro, La chica del dragón tatuado de David Fincher y Carol de Todd Haynes. Sin embargo, la actriz explicó que estuvo a punto de abandonar su carrera luego de participar en A Nightmare on Elm Street en 2010.
Durante una plática en el podcast de LaunchLeft,Rooney Mara platicó sus razones para casi abandonar su carrera y el cómo su participación en la famosa película de terror le hizo ser más selecta en sus proyectos a futuro.
Rooney Mara en ‘A Nightmare on Elm Street’ de 2010. Tomada de: Entertainment Weekly
¿La peor experiencia de su carrera?
Rooney Mara interpretó a Nancy en la nueva versión del original de Wes Craven estrenada en 2010 que volvía a contar la historia de Freddy Krueger, un asesino en serie con carne quemada y cuchillas con forma de uñas que reclama a sus víctimas a través de sus sueños. Esta es una de las franquicias de terror más icónicas en la historia de Hollywood, pero durante la entrevista, la actriz detalló que la película dirigida por Samuel Bayer ha sido la peor experiencia de su carrera, aunque prefirió no entrar en detalles.
“Unos años antes de [La chica del dragón tatuado], había hecho un remake de Pesadilla en Elm Street, que no fue una buena experiencia. Tengo que tener cuidado con lo que digo y cómo hablo de ello. Llegué a la conclusión, en la que todavía vivo, de que no quiero actuar a menos que esté haciendo cosas que siento que tengo que hacer. Así que después de hacer esa película, decidí: ‘Vale, no voy a actuar más a menos que sea algo que me haga sentir así'”.
Rooney Mara
Durante una entrevista previa en 2011, Mara le dijo a Entertainment Weekly que ni siquiera estaba interesada en participar en A Nightmare on Elm Street porque la película no era “para lo que me inscribí” lo que provocó que se desanimará y se replanteará su carrera como actriz. “Si así van a ser mis oportunidades, entonces no estoy tan interesada en actuar”, agregó Mara.
Rooney Mara en ‘A Nightmare on Elm Street’ de 2010. Tomada de: IMDb
Gracias a David Fincher continuó con su carrera
Continuando con la plática, Rooney Mara explicó que después de la decepción que se llevó conn A Nightmare on Elm Street, su participación en La chica del dragón tatuado de David Fincher la hizo volver a apasionarse de su carrera. .
“David realmente me tomó bajo su ala. Se convirtió en mi mentor de muchas maneras. Se preocupó mucho de asegurarse que yo supiera que tenía una voz y que mi opinión significaba algo. Constantemente me empoderaba, lo que creo que realmente afectó el resto de mis elecciones a partir de entonces”.
Rooney Mara
En la actualidad, Mara es una de las actrices más importantes de la industria que se ha caracterizado por participar en proyectos que siempre son bien recibidos por el público y la crítica especializada. Recientemente participó en la cinta Women Talking, una historia sobre un grupo de mujeres en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia que luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia.
Rooney Mara será la protagoniza de la nueva película de Alonso Ruizpalacios: La Cocina, y te contamos todo lo que sabemos del proyecto.
Tras laborar junto a Guillermo del Toro en Nightmare Alley, Rooney Mara volverá a colaborar con el cineasta mexicano: Alonso Ruizpalacios, pues tal y como informa Andrés Olascoaga -editor digital de Televisa– mediante Twitter, será la protagonista de la más reciente cinta del creador deUna película de policías: la cual lleva por título La Cocina.
Rooney Mara protagonizará 'La cocina', la nueva película de Alonso Ruizpalacios ('Güeros', 'Museo', 'Una película de policías').
La cinta, que actualmente se filma en la Ciudad de México, está basada en la obra homónima de Arnold Wesker.
Tal y como informa Olascoaga, el filme está basado en una obra teatral homónima de Arnold Wesker, la cual nos cuenta la historia de un grupo de personas de diversas nacionalidades que trabajan en la cocina de un restaurante en Nueva York, esto durante una mañana muy ocupada en el establecimiento.
Curiosamente, durante una entrevista con Excélsior en 2018 Alonso Ruizpalacios ya había develado el relato detrás del filme en cuestión, el cual describió como “una historia sobre una cocina de migrantes mexicanos en Nueva York. Tiene algo que ver con el cortometraje que hice en 2008: Café paraíso, no es una continuación pero es de esa misma temática”.
Café Paraiso nos cuenta la historia de Gallo (Tenoch Huerta) y Chúi (José Sefami): dos inmigrantes mexicanos que trabajan en una cocina multicultural en Los Ángeles. Mientras los vemos laborar en la hora pico, Gallo se encuentra ensayando su renuncia heroica con la esperanza de recuperar su juventud, dignidad y hasta ganar el amor de Susan (Sophie Alexander-Katz).
Más detalles del filme
Si bien desconocemos muchos detalles sobre la trama y el elenco que acompañará a Rooney Mara, gracias al video compartido por Olascoaga, podemos apreciar que la histrionisa ya mencionada interpretará a una camarera, y el largometraje está siendo filmado en blanco y negro: una característica que Ruizpalacios ya ha utilizado en Café Paraiso y su ópera prima Güeros.
Actualmente la película está siendo filmada en la Ciudad de México, y según The Film Stage, posteriormente el rodaje se moverá a Nueva York. La fecha de lanzamiento de esta cinta se desconoce, pero el mismo medio especula con la posibilidad de que podamos verla en algún festival hacia finales del año, aunque aclara que lo más probable es que llegue a salas en 2023.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona el nuevo proyecto de Rooney Mara?
Nightmare Alley es lo nuevo de Guillermo del Toro, y tratamos de descifrar por qué es una película tan distinta a los otros trabajos del director.
Al cine de Guillermo del Toro se le conoce por sus monstruos, pero eso no es del todo correcto. Sería mejor decir que el cine de Guillermo del Toro se define por buscar humanidad en las criaturas que acechan las sombras, por atreverse a mirar en la oscuridad, hacer un retrato de la crueldad del ser humano y de la bondad de lo diferente. El cine del mexicano encuentra la belleza en el horror y la saca a la luz.
Y en Nightmare Alley, lo que buscó fue hacer un experimento que fuera exactamente el inverso de esta visión que ya es tan característica del cineasta tapatío.
De los monstruos Fantásticos a los Monstruos Reales
Stanton Carlisle (Bradley Cooper) es un hombre que, en busca de una vida nueva, termina subiendo los peldaños de la jerarquía de un carnaval hasta convertirse él mismo en un mentalista durante la década de los 40. Y el carnaval es todo lo que podríamos esperar de una película de Del Toro: un mundo tan sorprendente como aterrador, lleno de una magia especial pero también de sangre, venganza, rencor y personajes sumamente complejos.
Guillermo del Toroha querido hacer una película basada en la novela Nightmare Alley de William Lindsay Gresham desde 1993, cuando terminó de filmar la película Chronos. En entrevistas, el tapatío ha explicado que en ese momento nadie quería apostar por él y era poco probable que pudiera obtener los derechos del material original, así que tuvo que esperar a que su fama se cimentara con La Forma del Agua para poder iniciar este proyecto.
Por eso, en una sesión de preguntas y respuestas a la que Fuera de Foco tuvo la suerte de asistir, Guillermo nos comentó que antes “tenía una visión más centrada en el carnaval y en su gente. Me hubiera centrado más en los geeks, en cómo vivían y sus complejas historias. Seguramente habría más homenajes a Tod Browning o Barnum. Eso lo pensé durante muchos años. Pero ahora, después de ver todo lo que está pasando, los gobernantes que estamos teniendo, la polarización en redes sociales, me di cuenta que era la oportunidad para contar una historia sobre la búsqueda de la verdad”.
Conforme avanza la película, el violento pasado de Stanton se hace presente y comienza a tener estragos en su vida, la cual depende por completo del estatus y las mentiras.
“Stanton es un personaje que sólo usa máscaras y máscaras porque no quiere enfrentarse a sí mismo, huye de la verdad. ¿Qué pasa cuando la verdad lo alcanza? ¿Qué pasa cuando se caen esas máscaras? Esas máscaras son parte de todo, de la sociedad, de nosotros. ¿Qué pasa cuando se caen?
Guillermo del Toro
Explorando el Cine Noir
Esa es una de las razones por las que Del Toro se alejó de la fantasía e incursionó en el género del noir, el cual ha definido como la verdadera tragedia mitológicade Estados Unidos:
“Lo que yo entiendo como Noir es la verdadera oscuridad del realismo americano […] Es la poesía de la desilusión y el existencialismo. La tragedia entre los que tienen y los que no, y como los que no tienen nada intentan imponer su ambición con violencia y al final terminan adorando a un dios vacío: el dinero. Es literalmente una exploración de la otra cara del Sueño Americano”.
Es interesante que Del Toro haya situado su película durante los años del ascenso de Hitler al poder, no sólo por la idea de un líder populista que obtiene poder a base de la manipulación y explotación de los sentimientos de desesperanza de millones de personas, sino porque es también la época en la que Estados Unidos logra salir de la gran depresión y comienza su camino para convertirse en la potencia más grande del mundo.
Y entonces Stanton sigue el viejo camino del sueño americano: comienza lavando establos y está ansioso por aprender todo lo que puede de Clem Hoatley (Willem Dafoe), el director del circo que tiene un sentimiento de lealtad sumamente fuerte, pero que sabe exactamente lo que se necesita para romper a un hombre. Pero la tragedia está en que nunca entendió las advertencias de Pete (David Strathairn), un mago en decadencia que termina por convertirse en su mentor y le enseña los secretos del mentalismo.
La Esencia de un Monstruo
Con eso, Stanton viaja a la ciudad y encuentra gran éxito, y aquí es donde la película regresa al terreno de los monstruos que Guillermo del Toro conoce muy bien, sólo que esta vez, en lugar de enseñarnos que los monstruos también son personas, ahora se pregunta: ¿Cómo se crean en primer lugar?
La respuesta que da Guillermo del Toro en Nightmare Alley es sencilla: los monstruos se crean dentro de las grandes oficinas y grupos de élite donde se traman corrupciones, engaños y abusos. Stanton busca venderse como un vidente salvador para personas adineradas que buscan encontrarle sentido al mundo y a su dolor, sin importarle la salud mental de su esposa Molly (Rooney Mara) o que tenga que esculcar los secretos industriales de la psicóloga Lilith Ritter (Cate Blanchett).
La película entonces hace una exploración profunda sobre la ira masculina que lleva a la misoginia, los círculos de violencia, el peligro de los traumas no procesados y del dinero. Y contrario a sus otras películas, aquí la catarsis no llega cuando se descubre que los monstruos y los marginados sí pueden encontrar la felicidad, llega cuando un hombre por fin acepta su verdad y descubre que se ha convertido en uno.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les gustó a ustedes Nightmare Alley?
Rooney Mara dará vida a Audrey Hepburn en una nueva película, pero ¿quién fue esta personalidad?
The Guardian informa que una película biográfica de Audrey Hepburn está en producción, y la misma será protagonizada por Rooney Mara (Carol / The Girl With the Dragon Tattoo), mientras que la dirección correrá a cargo de Luca Guadagnino (cineasta conocido porCall Me By Your Name), el cual dará vida a un guión de Michael Mitnick.
Posterior a esta información, diversas personas comenzaron a preguntarse quien es la personalidad a la cual interpretará Rooney Mara, y en Fuera de Foco te contamos la historia de una las figuras que marcó la historia del séptimo arte durante los años 50’s y 60’s: Audrey Hepburn.
Un inicio complicado
Como resultado de un matrimonio entre una aristócrata neerlandesa llamada Ella Van Heemstra y un diplomático británico de nombre Joseph Victor, el 4 de mayo de 1929 nacía en un barrio de Bruselas (Bélgica): Audrey Hepburn.
Sus primeros años de vida los pasaría en Inglaterra pero no serían sencillos, pues a los 6 su padre la abandonaría y a los 10 tendría que mudarse con su madre a Holanda, esto con la esperanza de alejarse del conflicto en torno a la Segunda Guerra Mundial. Lamentablemente esto no sucedería y Alemania impondría su dominio en dicho territorio.
A pesar de lo anterior, Audrey Hepburn se las arregló para estudiar ballet y se dice que realizaba recitales de baile en donde recaudaba fondos para la resistencia, sin embargo esto no evitó que sufriera anemia y otras enfermedades respiratorias que posteriormente terminaron con su carrera como bailarina.
Sus primeros pasos en la actuación
Afortunadamente la guerra terminó en 1945 y Audrey Hepburn comenzó a estudiar actuación, lo que la llevó a participar en un filme independiente que se filmaría en Mónaco (Francia). Allí su actuación cautivaría a la escritora Sidonie-Gabrielle Colette, quien la invitó a participar en una obra teatral que adaptaría su novela Gigi para Broadway en 1951.
En aquel lugar Audrey Hepburn volvería a cautivar la mirada de alguien más: el cineasta William Wyler, quien le ofreció participar en 1953 en su película Vacaciones en Roma, en la cual interpretó a una joven princesa que intercambia la carga de la realeza por un día de aventuras y romance con un reportero (al cual da vida Gregory Peck).
Allí Audrey Hepburn cautivaría al mundo entero mediante una interpretación en donde combina la elegancia e inocencia, y esto la llevó a ganar el Oscar a Mejor Actriz en el mismo año, lo que a su vez provocó que el resto de esa época y la siguiente participará en otros grandes filmes hollywoodenses que la harían volver a ser considera a un Premio Óscar.
Quería ayudar a los demás
En 1954 participó enSabrina: un filme de Billy Wilder donde dos hombres se disputan su amor, y luego en 1959 participaría en Historia de una monja, un filme donde da vida a una mujer que abandona su vida acomodada para ingresar en un convento con la esperanza de poder llegar a trabajar en un hospital del Congo, donde ayudaría a personas de bajos recursos.
Curiosamente este personaje posee una cualidad que Audrey Hepburn llevaría a cabo en la vida real, pues entre 1988 y 1992 fue Embajadora de Buena Voluntad de Unicef, en donde apoyaría a infantes de bajos recursos de África, América del Sur y Asia. Por esto en 1992 recibiría el Premio Humanitario Jean Hersholt.
Una vida lejos de los reflectores
Pero regresando a su carrera artística, la afamada actriz también dejó huella al protagonizar Breakfast at Tiffany en 1961, en donde interpreta a una joven neoyorquina que se enamora de un escritor, dando lugar a un filme que se recuerda por sus momentos románticos y la elegancia con que Audrey Hepburn porta un vestuario diseñado por Hubert de Givenchy: uno de los diseñadores de moda más famosos de la historia.
Tras esto, en 1963 la histrión decidió alejarse de la caótica sofisticación de Hollywood y se mudó al poblado de Tolochenaz-sur Morges en Suiza. Ocasionalmente seguiría participando en uno que otro filme como Wait Until Dark, el cual le valió otra nominación a los Premios Óscar en 1968, sin embargo las siguientes décadas de su vida las experimentaría alejada de los reflectores, apareciendo de vez en cuando para hablar de sus acciones benéficas.
Finalmente en 1993 y a los 63 años, Audrey Hepburn falleció debido a complicaciones derivadas de su cáncer de colon, pero su huella en la industria cinematográfica sigue vive y pronto será explorada por Rooney Mara en una biopic.
Hoy es el Día Internacional Contra la Homofobia y para celebrarlo Mónica Castellon y Becka Salas les presentan 8 películas LGBT indispensables para festejar que el amor está ganando. ¡No se las pierdan por nada del mundo!
Una mujer fantástica
Una mujer fantástica (2017), ganadora a Mejor Película Extranjera en el Óscar 2018, del director Sebastián Lelio y protagonizada por Daniela Vega, cuenta la historia de Marina, una mujer transexual que vive feliz con un hombre mayor divorciado, Orlando.
Una noche, Orlando muere después de una cena romántica. Marina no tiene derechos como la novia de Orlando, y luego de ese suceso ella debe abandonar su departamento. Tampoco es bienvenida en el funeral, y sufre amenazas y agresiones brutales.
La película logra exponer por qué se necesitan derechos para todas las personas de la comunidad LGBT. Vega es excepcional al llevar al espectador de la felicidad a la melancolía y nos hace salir con un sentimiento de lucha.
Yo Soy Simón
Yo Soy Simón (2018) es una comedia sencilla y predecible, y eso es justamente lo que la hace tan especial. Aquí no hay un gran drama, no hay un gran conflicto por la sexualidad de Simon (Nick Robinson) y no hay mil obstáculos a vencer. Es sólo la historia de un chico homosexual que busca la mejor manera de decirle la verdad a sus amigos y familiares mientras fantasea con descubrir quién es su admirador secreto.
Dentro de todas las luchas por los derechos civiles, todos los tabúes que deben romperse para obtener respeto y lo difícil que es aceptarse en un mundo donde la representación LGBT sigue siendo mínima, que aparezca una película que nos recuerde que no estamos solos, y que no importa cómo seamos, siempre habrá alguien que nos ame. Es una bocanada de aire fresco.
Carol
Carol dirigida por Todd Haynes y protagonizada por Cate Blanchett (Carol) y Rooney Mara (Therese) cuenta la historia de dos mujeres en la década de 1950. Carol es una mujer casada con un hijo que un día conoce a Therese en una tienda departamental, una joven aspirante a fotografía.
Carol comienza a sentir una atracción por Therese. El espectador se vuelve parte de su secreto pues los personajes no pueden vivir en libertad su amor por las consecuencias que esto implicaría, ya que Carol teme que le puedan quitar a su hija. Es una película con mucho corazón que conmovió a toda la comunidad LGBT.
The Miseducation of Cameron Post
Estamos en una época en donde la creencia general es que la libertad ganó. Pocos se ponen a pensar que todavía en 2019 existen terapias de conversión y siguen siendo aceptadas en nuestra sociedad. Con esto en mente, Chlöe Grace Moretz se convierte en Cameron, una chica que es enviada a un campamento de conversión cristiano.
La película define los horrores de esas terapias, la tortura física, psicológica y moral que deben soportar quienes son obligados a ir. Pero también muestra la esperanza, la fuerza y el compañerismo que se pueden lograr cuando uno se siente parte de un grupo unido.
Es otra de las películas LGBT imprescindibles para entender la lucha por los derechos. Sin duda se volverá un referente del género.
Desobediencia
Desobediencia (2018) es dirigida por Sebastián Lelio y protagonizada por Rachel Weisz (Ronit) y Rachel McAdams(Esti). Cuenta la historia de amor entre dos mujeres que viven restringidas en una comunidad religiosa.
Ronit regresa a casa cuando su padre, el Rabino de la comunidad, muere. Ahí se reencuentra con el amor de su adolescencia: Esti, que ahora está casada. Poco a poco van descubriendo que la felicidad no se logra escondiendo su amor.
Desobediencia es una película que construye un poderoso retrato de una relación secreta y difícil, desarrollada por dos excelentes actuaciones. McAdams es notable como una mujer que quiere huir de la estabilidad de un matrimonio en el que no tiene todo su corazón, simplemente porque no es lo que realmente quería de su vida.
But I’m a Cheerleader
Dentro de las muchas joyas escondidas que hay a principios de los 2000, But I’m a Cheerlader (1999) es sin duda una de las mejores. La película gira en torno a Megan (Natasha Lyonne), una chica que es enviada a un campo de conversión gay.
La película es una comedia ácida que se burla de lo absurdos y dañinos que son ese tipo de lugares, mostrando que muchas veces sólo fomentan el autodescubrimiento y la aceptación de las preferencias sexuales de una persona.
Además, también denuncia a todas las personas que por ignorancia o miedo intentan “arreglar” algo que no está roto. Sin duda, es una de las mejores películas LGBT que existen, y se llevarán una gran sorpresa cuando la vean.
La vida de Adèle
La vida de Adèle es una película francesa dirigida por Abdellatif Kechiche y protagonizada por Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos. Narra la vida de una adolescente que descubre el amor y el deseo con una mujer.
Las actuaciones logran transmitir esa atracción con el primer amor y comprendemos que este no es para siempre. La película generó controversia tras su estreno en el Festival de Cine de Cannes 2013 por el tema de la sexualidad.
Tras la película, la canción I Follow Rivers de Lykke Li se volvió popular entre la comunidad LGBT.
La Doncella
La Doncella (2016) es una película coreana dirigida por el famosísimo Park Chan-wook. Situada en la época de la ocupación japonesa durante la Segunda Guerra Mundial, un estafador conocido como el Conde Fujiwara (Ha Jung-woo) intenta engañar a Lady Hideko (Kim Min-hee), la heredera de una familia muy adinerada.
El Conde necesita ayuda con su plan, así que contrata a Sook-Hee (Kim Tae-ri), una ladrona experimentada para que se haga pasar por su nueva ama de llaves, pero las cosas no salen como estaba planeado.
La trama está llena de giros inesperados y mil sorpresas, pero lo mejor que tiene la película es la química de las protagonistas y su lucha por encontrar el amor y la independencia en una época machista y misógina es impecable, tanto que ganó La Palma de Oro en Cannes 2016. Si tienen Netflix, ¡corran a verla ahora! Sin duda es la mejor película LGBT de la década.
¿Qué les parecen estas películas LGBT cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuáles faltaron?
