Viernes Negro (Thanksgiving) es una película que tomó cerca de 15 años hacerse. La idea original nació de uno de los tráilers falsos que aparecen en Grindhouse, icónica cinta de horror dirigida por Quentin Tarantino y Robert Rodriguez en 2007.
Dirigida por Eli Roth, la película trata sobre un asesino que utiliza una máscara de John Carver, una figura histórica real importante para Estados Unidos, y que comienza una intensa persecución en contra de un grupo de personas en el pueblo de Plymouth, Massachusetts.
Viernes Negro es un slasher en toda su expresión: abunda la sangre, visceras y adolescentes. Pero su historia, enraizada en una de las tradiciones más profundas y sagradas para Estados Unidos, presenta ideas como el consumo capitalista y el abuso de poder de forma irónica, pero contundente.
Esto ha sido producto en gran medida de la evolución de Eli Roth como artista. Actor, director y guionista, Roth poco a poco se ha consumado como toda una eminencia del horror que raya en lo académico, y tenemos las producciones History of Horror como gran prueba de su genio.
En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de hablar con Eli Roth sobre lo mucho que fue cambiando Viernes Negro a lo largo de los años y la visión que tenía sobre la historia que quería contar.
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El largo camino de Viernes Negro
Viernes Negro: una cinta muy estadounidense
A Eli Roth se le ocurrió la idea de Viernes Negro más o menos cuando tenía 12 años. En ese entonces, él y su mejor amigo, Jeff Rendell (quien es productor de la cinta), simplemente les entristecía que entre Halloween y navidad realmente no había ninguna película de horror.
“En general, siempre son películas navideñas o familiares” nos comentó. Roth, en conversaciones con Quentin Tarantino,ha mencionado lo mucho que le gustan las películas que logran mezclar el horror con festividades. Y se ha declarado gran fan de cintas como Black Christmas, La Masacre de San Valentín o Día de la Madre.
Y por eso desde siempre decidió que quería que Viernes Negro se centraría enteramente durante las fiestas del Día de Acción de Gracias. Esta festividad, es uno de los festejos más grandes en Estados Unidos, pues es el momento en el que aprovechan para reunirse con sus familias y seres queridos para dar gracias por los sucesos del año.
Ahora, es considerada una celebración introspectiva e íntima, pero en realidad empezó para conmemorar el inicio de la colonización y exterminio sistemático de los pueblos indígenas en Norteamérica.
John Carver fue uno de los primeros colonizadores que llegó en el barco Mayflower. y Plymouth, el pueblo donde se lleva a cabo la película, fue el lugar donde se dieron los primeros asentamientos colonos.
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La inspiración para la película
Viernes Negro se materializó por primera vez en 2007. Cuando Quentin Tarantino y Robert Rodriguez le pidieron que hiciera un tráiler falso que se presentaría en la cinta de Grindhouse. “Cuando me dijeron ya lo tenía. Íbamos a hacer Viernes Negro. Ya tenía todas las matanzas hechas”. Por lo que realmente les tomó 2 días de grabación después de que terminaron la secuela de Hostal en 2007.
Viernes Negro no es la única película que nació dentro de la producción de Tarantino y Rodriguez, Machete con Danny Trejo, apareció primero dentro de Grindhouse, al igual que la cinta de culto hobo With a Shotgun que se estrenó en 2011.
El tráiler (que pueden encontrar en internet) muestra ya de manera somera la idea: en Día De Acción de Gracias, un hombre persigue adolescentes para asesinarlos de maneras crueles y gráficas. Entre un cuchillo en un trampolín y una cena hecha a base de personas, ese tráiler ya prometía ser una intensa historia que perturbaría la pasividad de las fiestas.
“Pero no había trama. No había historia” nos comentó Eli Roth. “Nos dimos cuenta de que no podíamos simplemente conectar los asesinatos del tráiler”. Además, “el público debía ser capaz de disfrutar la película sin siquiera saber que el tráiler existía” por lo que tener las matanzas hechas no fue suficiente para armar una película completa.
En la última década, cintas como Get Out, Us, Hereditary, Midsommar o The Babadook, han sido películas que además de ser perturbadoras, esconden un profundo mensaje social y político. El género ya no sólo utiliza la sorpresa y el asco para generar sentimientos en la audiencia, el terror puede venir de los problemas más reales de nuestra sociedad actual.
En el marco del Día de Acción de Gracias, es común en Estados Unidos que las tiendas presenten una ola de rebajas durante el fin de semana de los festejos, mejor conocido como “Black Friday” (En México se instauró hace unos años una actividad similar que se llama El Buen Fin).
Y eso fue lo que le dio a Eli Roth el tema para poder crear la historia de Viernes Negro.
“Lo que le pasó a las fiestas es que se han comercializado. Ahora sólo se trata de gente pisoteándose entre sí para conseguir una televisión. Justo después de decir que están agradecidas.
Eso me pareció interesante y una gran manera de empezar en el tema de la avaricia, el dinero, y todos estos temas que están corrompiendo la pureza de esta fiesta”.
Eli Roth, Fuera de Foco
Así, pudo crear para Viernes Negro a un asesino motivado por la venganza, pues aparece justo un año después de que los estragos de una estampida en una tienda llamada “Right Mart” (que se presenta como una clara referencia a Walmart) quedan impunes a pesar de que los grandes dueños del lugar no tenían buenos protocolos de seguridad e hicieron todo lo posible para enterrar el caso.
“Una vez que encontramos el tema de Black Friday y el de la avaricia, le dio al asesino una muy buena razón para vengarse”. Y el resultado fue una película que sí comenta sobre el consumismo extremoy las implicaciones que tienen para un pueblo pequeño, evitando así los clichés morales alrededor del sexo, el género y la adolescencia que suelen presentar los slashers. Además de que nos da una visión completamente diferente y mucho más atractiva del asesino.
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¿Por qué Viernes Negro es única en su tipo?
Con una historia atrapante, contenida y que juega con los convencionalismos del género de horror, Viernes Negro presenta una película con grandes dosis de humor. Y es que, aunque quería hacer una “película que fuera aterradora y perturbadora” Roth nos mencionó que el humor puede ser una gran herramienta para mantener el interés en una cinta de horror.
“El humor puede ser un gran vehículo para conocer a un personaje” nos explicó. “Y el horror y la comedia, cuando funcionan, las reacciones son involuntarias. Reír o asustarse es como estornudar. Tienes que evocar eso en la audiencia, no lo puedes planear”.
Por eso, cree que el hecho de que haya podido capturar el absurdo de situaciones como que “una persona con un pedazo de vidrio en el cuello se arrastre como zombie por una Wafflera”, es lo que hace que la cinta sea muy divertida.
“También creo que el humor es una buena herramienta para que disfrutes un poco más la violencia. Te recuerda que estás dentro de una película, en la historia” comentó.
Viernes Negro, con un gran manejo del misterio, las persecuciones y con asesinatos muy originales, es una cinta que sin duda se convertirá en un clásico del género, y podría dar pie a la llegada de un nuevo monstruo al nivel de Michael Myers o Ghostface. Pero para Eli Roth, lo que más le emociona es que se haya estrenado en cines.
“Muchas cosas se hacen para plataformas, mucho horror sale en televisión. Y un montón de cosas en los cines, con sus contadas excepciones, en su mayoría son reboots o secuelas de otra película,
Así que es raro tener una nueva película de terror con un estreno masivo, me siento muy afortunado”.
Eli Roth, Fuera de Foco
Demostrando que las fiestas no necesariamente son alegría, paz y gratitud, Viernes Negro es una gran propuesta de horror para los/as fans del género que quieran pasar un gran momento en una sala de cine.
El mes de de junio es conocido por ser el mes del orgullo LGBT.Y aunque ahora se trata más sobre festejar la diversidad, las diferencias y lo lejos que se ha llegado en términos de inclusión, en realidad el mes está dedicado a conmemorar las manifestaciones de Stonewall en Manhattan durante 1969.
Estas manifestaciones fueron fundamentales para empujar los derechos de la comunidad LGBT para poder vivir sin sufrir persecuciones policiales o abusos por parte de las instituciones. Es un mes que honra la lucha por poder salir de las sombras para vivir con libertad.
Y aunque no lo crean, uno de los medios que ha evolucionado conforme la lucha lo hace es el cine. Cuando Hollywood comenzó a censurar películas con temáticas queer, cineastas comenzaron a buscar formas de representar a grupos LGBT de diferentes formas. Hubo cineasta como Alfred Hitchcock, que incluía a sus personajes para desafiar la censura de la época, pero también hubo quienes fomentaron clichés y que se convirtieron en estereotipos.
Como la comunidad LGBT es un grupo que ha sido perseguido y señalado por sus preferencias sexuales, también ha aprendido a adaptarse, a cambiar y a luchar por integrarse mejor en la sociedad. Y aunque no lo parezca, el cine y las series han sido herramientas muy fuertes para crear una sensación de comunalidad, creando así también la llamada “cultura queer”, que busca incluir la historia y el arte LGBT que se ha hecho a lo largo de la historia.
La comunidad LGBT ha sido representada de diferentes maneras a lo largo de la historia del cine y la televisión. Y por eso, aquí les dejamos algunos ejemplos de personajes e historias que se han vuelto parte de la llamada cultura queer.
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Películas que han impactado más la cultura LGBT
Los Villanos de Disney
La historia de Disney es un gran ejemplo de cómo la cultura puede incluir ciertas características dentro de sus ficciones que terminan conectando con un grupo de personas que las comparten. Y es que, durante muchos años, los villanos de sus afamados éxitos animados se han ido posicionando poco a poco como íconos queer.
Aunque nunca ha sido de manera explícita, la manera en la que se han construido es claramente queer. Hay ejemplos como el de Úrsula, cuyo diseño está inspirado en la drag queen Divine y que en español dio vida la artista Serena Olvido, haciéndola uno de los personajes de Disney con más influencia queer.
Pero también existen villanos como Scar, Hades, Ratigan, Cruella o el gobernador John Ratclife, personajes que se presentaban como los grandes opuestos de los protagonistas y que desafiaban las convenciones de su género. Y aunque ahora son considerados grandes personajes de la cultura pop, en un principio fueron concebidos como una forma cliché de representar las características asociadas a la comunidad LGBT como algo “malvado” o “depravado”.
Sin embargo, el amor por las películas y la increíble construcción de personajes han hecho que la comunidad LGBT+ los reclame como suyos, y al hacerlo, resignifican la identidad de los personajes y su impacto cultural. Siguen siendo los villanos de sus historias, pero ahora son alabados por sus números musicales o su inteligencia, abriendo así la conversación sobre los clichés alrededor de la comunidad.
Este es un ejemplo de cómo la cultura cambia y evoluciona, pero también nos sirve como ejercicio para comparar cómo eran concebidas las temáticas queer dentro del cine, y hasta son una buena herramienta para entender cómo a través de imágenes la humanidad percibe historias y detalles culturales que se perpetúan y se convierten en ideas preconcebidas.
Imagen: Villanos Codificados como LGBT |Izzi Rae | Twitter
Rocky Horror Picture Show
El Show de Terror de Rocky es sin duda uno de los títulos que a la fecha es uno de los clásicos más grandes de la cultura queer. La cinta musical de Jim Sharman de 1975 se volvió bandera de la liberación sexual, y el rechazo a las normas sociales, a través de la burla de los estereotipos que existían en ese entonces sobre la comunidad LGBT y el purismo excesivo de la sociedad estadounidense.
The Rocky Horror Picture Show explora también un gran espectro de géneros y sexualidades, siendo el Dr Frank-N-Furter (Tim Curry) un “dulce travesti de la Transylvania transexual.”
Si bien a su estreno la cinta fue duramente criticada por no compartir los valores americanos, poco a poco se volvió uno de los materiales de culto que a la fecha cuentan con una gran comunidad que la celebra.
Un sinfín de artistas queer, y en especial drag queens, se han inspirado a partir de los estilos mostrados en cada uno de los personajes, siendo una de las películas que más impacto ha tenido en diversas generaciones de jóvenes LGBT+.
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Hedwig and the Angry Inch
Estrenada en 2001, esta película se convirtió en una de las mejores propuestas de cine LGBT casi de inmediato. Inspirada en el mito que presenta Platón en su obra “Simposio” sobre como la humanidad siempre busca a su otra mitad, la cinta cuenta la vida de Hedwig, una cantante drag que vive la caída del Muro de Berlín desde la perspectiva de la Alemania Oriental.
Conmovedora y con una gran oferta musical, Hedwig and the Angry Incharrasó en los Festivales de Sundance, Berlin, Independent Spirit, GLAAD y muchos más, y todavía es considerada como una de las representaciones más interesantes sobre la identidad de género.
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Carol
Basada en la novela de The Price of Salt, Carol retrata la relación entre dos mujeres en la década de 1950, un tiempo donde además de ser un gran estigma, la homosexualidad era incluso penada.
La cinta sigue el viaje de Therese(Rooney Mara) luego de enamorarse de Carol (Cate Blanchett) una mujer casada cuya sexualidad pone en juego a toda su familia, pues la cinta de Todd Haynes hace énfasis en los grandes retos de la comunidad queer en términos de prejuicios sociales, y el riesgo de perder la custodia de sus hijos.
Carol ha tenido un gran impacto en el cine queer al aumentar la visibilidad y calidad de las historias LGBT (y en especial de las historias lésbicas) en el cine a través de contextos históricos distintos y también empujando a la creación de películas queer con valores de producción más altos.
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But I’m a Cheerleader
La sátira But I’m a Cheerleader expone temáticas LGBT+ controversiales, como las terapias de conversión, en una comedia que tiene por fin criticar las prácticas pseudocientíficas y problemáticas de tales métodos.
Y es que además de abrir la conversación alrededor de las terapias de conversión, But I’m a Cheerleader también explota temas de búsqueda de identidad queer a través de Megan (Natasha Lyonne), quien al ser enviada al campamento descubre que en efecto es lesbiana, en lugar de “corregir” su orientación.
Asimismo, la cinta de Jamie Babbit reta los roles y estereotipos de género, retratando diversos tipos de mujeres queer quienes no siempre encajan con la visión que la sociedad tiene de ellas.
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The Babadook
Otro ejemplo de cómo una película no tiene que retratar temas abiertamente LGBT para que resuene con la comunidad y que se convierta en una herramienta de identidad cultural.The Babadookempezó como una película que mezcla el horror con el drama para contarnos la historia de una mujer sumida en la depresión que se da cuenta que un monstruo la acecha a ella y su hijo.
La película pronto se convirtió en una cinta de culto, y su popularidad produjo un meme que bromeaba como El Babadook en realidad era una entidad LGBT que desafiaba los valores cis, blancos y heterosexuales. La broma fue creciendo, grandes estrellas queer se sumaron, y pronto la figura del Babadook se convirtió en un ícono queer.
Este es un ejemplo de cómo la cultura resignifica y adopta diferentes herramientas culturales que se convierten después en símbolos de unión para una comunidad. Y además, es una muestra de cómo ha evolucionado también la conversación sobre temas LGBT en internet.
Imagen: The Babadook como ícono LGBT | BBC
Películas que han impactado más la cultura LGBT
Glee
Glee llegó a la televisión en 2009 cuando la representación de personajes queer era escasa, especialmente en su elenco principal. Desde su primer episodio, comenzó a centrarse en las luchas de los adolescentes con el romance, la identidad y las orientaciones sexuales con personajes como Kurt Hummel (Chris Colfer), Santana López (Naya Rivera), Brittany (Heather Morris), Blaine (Darren Criss), Dave Karofsky (Max Adler), Unique Adams (Alex Newell), entre otros.
Si bien Glee trataría la vida de los jóvenes en competencias de coros de espectáculos, este solo fue un pretexto para profundizar en las dificultades que pueden llegar a enfrentar los jóvenes en la secundaria cuando están explorando su sexualidad y comienzan a enamorarse. Asimismo, de manera individual, la historia explorar la vida de cada personaje, uno de los más importantes es Kurt, quien se ha refugiado en la música y la moda para expresarse libremente, dado que tiene miedo de salir del closet frente a su padre, un hombre viudo dueño de una mecánica que aparentemente podría llegar a ser aterrador, sin embargo, a lo largo de los episodios se convierte en un padre comprensivo que apoya a Kurt a seguir sus sueños.
El personaje de Kurt también hizo historia al entablar una relación romántica con Blaine, quienes juntos exploran su sexualidad y por primera vez en la televisión vemos una pareja que habla sobre la falta de información para los jóvenes adolescentes queer. Por otro lado, la serie también pone sobre la mesa el bullying que enfrenta la comunidad LGBT+ en las escuelas y como Kurt lo enfrenta.
Pero sin duda una de las parejas que más revolucionó a la televisión fue Santana y Britanny, dos porristas que aparentemente son mejores amigas pero en realidad llevan una relación es secreto desde la primera temporada, en donde dan ligeros guiños de un coqueteo, pero es hasta la temporada dos que Santana comienza a buscar respuestas por los sentimientos que tiene con Brittany.
Y es ahí en donde Glee tiene un gran acierto, porque ejemplifica de manera muy real las preguntas y miedos que puede llegar a tener una adolescente queer. Afortunadamente, en la historia, estos personajes tienen un espacio seguro con sus profesores, Holly Holliday y Will, quienes son los encargados de guiarlos, aconsejarlos y mostrarles que lo que sienten es completamente normal. Por estas razones, y muchas más, Glee es considerada una de las mejores series queer en la historia de la televisión que definitivamente cambió la vida de muchas personas.
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Heartstopper
Muchos programas que representan a la comunidad queer a menudo suelen explorar las numerosas pruebas y luchas que enfrentan, sin llegar a disfrutar realmente de su romance. Este no es el problema deHeartstopper, en donde Charlie Spring (Joe Locke), un estudiante de secundaria abiertamente gay se enamora de Nick Nelson (Kit Connor), quien está tratando de descubrir su identidad sexual por primera vez en su vida.
Heartstopper permite ver un romance gay adolencente lleno de emociones positivas, en un ambiente seguro y con respeto. Sin embargo, tampoco deja de lado las problemáticas que podrían enfrentar los personajes al salir del closet con sus amigos y familia, pero sin dejar que eso eclipse la alegría que obtienen los protagonistas al estar juntos.
La serie se las arregla para tener un equilibrio perfecto y eso permite que la comunidad LGBT+ por fin tenga un programa típico adolescente con la emoción del romance, que es un lujo que no suele permitirse a los personajes queer a través de los medios. Aunque se espera que en la segunda temporada se comiencen a explorar temáticas mucho más serias, es importante señalar que la comunidad también merece este tipo de programas en donde los protagonistas no tienen que sufrir todo el tiempo.
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Sense8
Sense8 fue la primera serie para Netflix creada por Lana y Lilly Wachowski, la cual sin duda alguna destacó por su acercamiento a la representación LGBT+ en un discurso que además de celebrar la diversidad, apostaba por abordar problemáticas tremendamente humanas.
En sí, la serie explotó diversos aspectos de la identidad, sexualidad y las relaciones de maneras distintas, a través de la conexión de su cluster, los ocho personajes principales quienes compartían un enlace emocional y psíquico.
Entre ellos destacaba Nomi Marks, una mujer transgénero cuya identidad no dependía solamente de su lucha diaria ante los conflictos de la comunidad trans, sino que brillaba al ser uno de los elementos del cluster que apostaban por el activismo.
Sin embargo, también Sense8 fue una de las primeras series en retratar la relación entre una mujer transgénero y una mujer cisgénero, Amanita (Freema Agyeman), volviéndose parteaguas en la representación de relaciones queer.
Por otro lado, Lito Rodriguez, interpretado por Miguel Ángel Silvestre, era un actor mexicano gay quien vivía en el closet, lidiando con los problemas de vivir en una sociedad machista e híper masculinizada donde las cámaras le pedían ser un personaje todo el tiempo.
Sense8 apostó siempre por una gran apertura de temáticas y representación LGBT+, lo que lo vuelve indudablemente parte de la cultura queer actual.
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Orange Is The New Black
Orange is the new Black fue una de las primeras series que estrenó Netflix y que le otorgó sus primeros premios Emmy y prestigio a nivel internacional. La vida sobre Piper Chapman(Taylor Schilling) una mujer que llega a prisión por transportar dinero proveniente del narcotráfico, hizo historia no solo por presentar temáticas LGBT+, sino por incluir en su elenco principal a mujeres queer afrodescendientes en la televisión.
OITNB no se conformaba en solo contar historias de amor, sino en profundizar en temas más complicados, como el racismo, el acoso sexual, las enfermedades mentales, la misoginia, estre otros. También creó íconos inesperados como Laverne Cox, una mujer transgénero afrodecendiente que con su personaje narra los problemas que enfrentan las mujeres trans encarceladas.
La serie demostró que las historias queer y diversas pueden ser programas queridos y galardonados y si bien, no fue la primera serie en representar relaciones femeninas lésbicas, sí fue la primera que las narra un espectro más amplio más allá de la sexualidad, ya que tiene otros tipo de problemáticas y vidas.
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Pose
Lanzada en 2018, POSE se desarrolla en la ciudad de Nueva York a finales de los años ochenta, cuando dentro de la comunidad LGBT+ comenzaron a protestar por sus derechos y, en especial, para exigir que las autoridades investigarán sobre medicamentos que combatieran a la pandemia del SIDA, que en ese momento, apenas comenzaba a llevarse la vida de muchas personas, pero como se pensaba que era un virus exclusivo de la comunidad LGBT+ los médicos no tenían intereses en investigar.
Esta es apenas una de las muchas problemáticas que engloba a POSE, quien también hizo historia al tener la mayor cantidad de actrices afrodescendientes trans en la televisión estadounidense como protagonistas. Además, la escritora y activista Janet Mock, se convirtió en la primera mujer trans afrodescendiente en escribir para televisión.
A través de sus protagonistas el programa engloba la violencia, inseguridad alimentaria, discriminacion y abuso laboral que llegan a enfrentar las mujeres trans en su vida. Asimismo, POSE muestra que las personas queer pueden llegar a formar su propia familia y espacio seguro, de modo que hay episodios muy sentimentales en donde las protagonistas se aman, se apoyan y forman una comunidad para ser resilientes juntas.
La comunidad de POSE también hizo historia cuando Billy Porter ganó su primer Emmy a los 50 años en 2019 por su papel como Pray Tell, convirtiéndose en el primer hombre afrodescendiente abiertamente gay en ganar el premio. La actriz trans Mj Rodríguez, obtuvo el mismo reconocimiento como Mejor Actriz en un programa de drama por su papel principal como Blanca Rodriguez-Evangelista.
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La Veneno
A mediados de la década de los 90, Cristina Ortiz “La Veneno” irrumpió la televisión española para subvertir y contrarrestar los prejuicios de la época. Su carisma y talento la llevó a ser una de las figuras más importantes de la televisión madrileña, y por esola violencia y misterio alrededor de su muerte son lamentablemente parte de su leyenda.
Pero en la serie de HBO, el legado, impacto e importancia de esta artista es recuperado gracias a las interpretaciones de las actrices Jedet e Isabel Torres, que de cierta manera demuestra cómo ha evolucionado el mundo con respecto a la representación y derechos trans y lo mucho que falta por hacer, por lo que es una propuesta de cultura LGBT+ que resultó muy diferente.
Conversamos con el director de Swallow: Carlo Mirabella-Davis, y esto fue lo que nos contó.
Swallowes el primer filme de ficción del cineasta Carlo Mirabella-Davis, quien nos cuenta la historia de Hunter(Haley Bennett): una ama de casa que tras embarazarse desarrolla la compulsión por ingerir objetos peligrosos. Tras enterarse de esto, su esposo Richie (Austin Stowell) y familia comienzan a vigilarla, y conforme avanza la historia la prisión en que se encuentra se vuelve más evidente.
Durante una conversación con Fuera de Foco, Carlo Mirabella-Davis nos comenta que esta historia se inspira en su abuela, una mujer que el director describe como “una ama de casa de los 50’s, que vivía en un matrimonio triste y desarrolló diversos métodos de control, tales como lavarse de manera compulsiva las manos, se gastaba cuatro barras de jabón al día y 12 botellas de alcohol isopropílico a la semana”.
Ecos personales
El ya mencionado cineasta argumentó que su abuela desarrolló estas obsesiones debido a que “buscaba un orden en un tipo de vida en la que cada vez sentía menos control”, sin embargo confesó que las vivencias externas no fueron las únicas que inspiraron el relato en cuestión, pues:
“Todo lo que escribes viene de un lugar personal, y hay veces que me he sentido como Hunter, no exactamente en ese contexto, pero sí empatizo con sentirse alineado y buscar cumplir con lo que otras personas quieres que seas”.
Las características perfectas para el papel
Swallow cuenta con una brillante interpretación protagónica de Haley Bennett, quien a partir de pequeños gestos faciales permite entender a la audiencia la presión a la que se encuentra sometida, la inconformidad con la que vive, y la pasión que experimenta al sentirse en control de la situación.
Precisamente, los matices en la interpretación de Haley Bennett fueron la razón por la que Carlo Mirabella-Davis decidió contar con la afamada histrionisa como Hunter:
“Necesitábamos a alguien que pudiera transmitir este relato psicológico con muchos detalles y empatía, especialmente en lo que no se dice: las reacciones. Haley es una brillante actriz y es muy buena dando matices a las emociones de Hunter”.
El susodicho cineasta también mencionó que Bennett realiza una brillante trabajo en Swallow ya que interpreta a la perfección las diversas máscaras que Hunter tiene, la primera es aquella donde refleja “la alegría plástica de lo que su esposo quiere que sea”, la segunda es otra donde muestra “su dolor y dudas”, y la última es “su verdadero ser”.
Una ayuda estética
Pero la interpretación de Haley Bennett no es el único apartado donde Swallow cuenta con matices, pues la estética forja un contraste entre lo plástico y grotesco, que tal y como menciona Carlo Mirabella-Davis, refleja el debate ante el cual se enfrenta su protagonista:
“En la superficie, vemos una casa luminosa donde todo es moderno y está limpio, pero debajo hay algo siniestro, y esto me permitió explotar diversos elementos corporales en las obsesiones de Hunter, las cuales a su vez son la manera de rechazar esa figura de mujer que le es impuesta, una realidad donde no es humana. Ese contraste me fascina”.
¿Cómo romper las dinámicas de poder?
Si bien las figuras masculinas no son las únicas que forman parte de la opresión que Hunter experimenta en Swallow, si son una gran parte de la problemática, y el cineasta en cuestión reveló que esta dinámica en torno a las opresiones patriarcales es algo que desde hace tiempo le interesaba dialogar en una película, en especial por un importante período en su vida:
“Siempre me ha interesado el género y cómo la sociedad sitúa restricciones a quienes se identifican con lo femenino. En mis 20’s me identifiqué como mujer, fue un momento maravilloso que me abrió los ojos, porque cuando creces como hombre no te percatas de los sexismos en la sociedad, nos criamos bajo una sensación arraiga de privilegio y opresión, los cuales ejercemos aunque no nos demos cuenta”.
Actualmente Carlo Mirabella-Davis se identifica como hombre, y piensa que el papel que deben asumir quienes se identifican con el género masculino es el “aprender a escuchar a personas que experimentan cotidianamente la opresión”, y añade:
“Los hombres no debemos dar por hecho que estamos haciendo lo correcto, hay que constantemente cuestionarnos, examinarnos, y asumir que tenemos una venda sobre los ojos con respecto este pasado que nos determina. Si un hombre nunca se cuestiona y dice que todo esta bien, allí hay una importante problemática”.
¿Hemos superado las barreras?
El cineasta ya mencionado no sólo le interesa dialogar sobre el género bajo los anteriores términos, sino también en el plano cinematográfico, donde se declara gran fanático de los filmes de horror y thriller, razón por la cual buscó unirlos:
“Amo la mezcla de géneros y Swallow es el resultado ella, pues tiene horror psicológico, drama domestico y comedia negra. Creo que vivimos una época muy interesante para los géneros cinematográficos, donde grandes películas como Get out oThe Babadookutilizan los mismos como un medio para explorar aspectos sociales o internos”.
Si bien en el plano cinematográfico Carlo Mirabella-Davis ha logrado superar las barreras impuestas por los géneros, similar a lo que realiza Hunter en Swallow, el cineasta siente que en la vida cotidiana aún no lo hace:
“Estoy trabajando en ello. Cuando haces un filme regularmente es una cosa aspiracional. Pero espero que las personas puedan ver la cinta y conectar con algo dentro de la misma, como ese sentimiento que te hace preguntarte: ¿Quién soy? ¿Cómo me liberó psicológicamente de los traumas y sus barreras? Tengo esa esperanza”.
Guillermo del Toro prepara una serie antológica para Netflix, pero ¿de qué trata y quienes participarán?
Cabinet of Curiosities es una serie antológica producida porGuillermo del Toropara Netflix, la cual es descrita por la plataforma streaming como una “colección de historias sin precedentes que definen el género y buscan desafiar las nociones tradicionales del horror. De lo macabro a lo mágico, del gótico a lo grotesco o espeluznante.”
El comunicado de Netflix menciona que los 8 cuentos seleccionados, de los cuales dos pertenecen al cineasta mexicano, cobrarán vida gracias a diversos/as directoras/es y escritores/as elegidas/os de manera personal por Guillermo del Toro.
Algunos de los nombres más destacados de la producción son el de la directora de The Babadook: Jennifer Kent, quien se reencontrará con la protagonista del susodicho filme Essie Davis, la cual compartirá pantalla con Andrew Lincoln (The Walking Dead). Además otros episodios contarán con la realización de la cineasta Ana Lily Amirpour (A Girl Walks Home Alome At Night) y Panos Cosmatos (Mandy).
¡Todo el equipo creativo de Cabinet of Curiosities!
Episodio 1: Dirigido y escrito por Jennifer Kent, este capítulo basado en una historia de Guillermo del Toro contará con las interpretaciones de Essie Davis (The Babadook), Andrew Lincoln (The Walking Dead) y Hannah Galway (Sex/Life).
Episodio 2: Dirigido por David Prior (The Empty Man), este capítulo se encuentra escrito por David S. Goyer (The Dark Knight) –quien se baso en una historia corta de Michael Shea– y protagonizado por F. Murray Abraham (Mythic Quest), Glynn Turman (Ma Rainey’s Black Bottom) y Luke Roberts (Ransom)
Episodio 3: Tim Blake Nelson (Watchmen), Elpidia Carrillo (Euphoria), Demetrius Grosse (Fear The Walking Dead) y Sebastian Roché (The Man in the High Castle) protagonizarán este capítulo escrito por Regina Corrado (Deadwood) –quien se inspiró en una historia de Guillermo del Toro-, y dirigido por Guillermo Navarro (Godfather of Harlem).
Episodio 4: Lee Patterson (Curve) escribe esta historia inspirada en un cuento corto de H.P. Lovecraft, la cual será dirigida por Keith Thomas (Firestarter) y protagonizada por Crispin Glover (River’s Edge) y Ben Barnes (Shadow and Bone).
Episodio 5: Este capítulo dirigido por Panos Cosmatos (Mandy) es escrito por Aaron Stewart-Ahn y protagonizado por Peter Weller (Star Trek Into Darkness).
Episodio 6: Mika Watkins (Origin) escribe este capítulo inspirado en un relato corto de H.P. Lovecraft, el cual será dirigido por Catherine Hardwicke (Twilight). Aún se desconoce al elenco.
Episodio 7: Vincenzo Natali (Hannibal) dirige y escribe este capítulo protagonizado por David Hewlett (See).
Episodio 8: Ana Lily Amirpour (A Girl Walks Home Alome At Night) dirige este capítulo escrito por Haley Z. Boston (Brand New Cherry Flavor) –quien se inspiró en un relato corto de Emily Carroll-. Aún no se anuncia el elenco.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona la serie de Guillermo del Toro para Netflix?
Halloween sin duda será diferente este año. ¡Pero el cine siempre estará ahí para hacernos una tenebrosa compañía!
¡Por fin llegó Halloween! Y aunque no podamos celebrarlo con grandes fiestas de disfraces, reuniones o pidiendo dulce o truco, el cine siempre será una buena opción para celebrar lo oculto y lo macabro. Lo mejor de todo, es que en últimas épocas hemos tenido grandes exponentes que han cambiado el género y que sin duda pasarán a la historia como grandes clásicos, aunque a veces sea difícil escoger entre la gran cantidad de contenido que tenemos disponibles.
¡Pero no se preocupen! Para que tengan una noche de terror, el equipo de Fuera de foco les recomienda aquí 8 recientes películas que son perfectas para un maratón tenebroso este Halloween 2020. ¡No se las pueden perder!
Hereditary
La genialidad de Hereditary es que no abusa de jump scares o del gore para asustar, es más bien la relación de una familia pasando tragedias sumamente fuertes por pérdida de seres queridos, sumada a una serie de acontecimientos espantosos; que se hace fácil empatizar y comprender a sus protagonistas. Por ende, sufrir con su agonía y pavor cuando se desata lo peor.
Filmada de una manera en que el miedo se vuelve orgánico y que las situaciones cambiantes se vuelven una constante sensación de desconcierto, de no saber qué es lo peor que puede pasar, es una obra absolutamente perfecta de terror, que desde mi punto de vista la vuelve un clásico. Y sí, en medio de todo hay sectas diabólicas con sacrificios terroríficos.
-Rafael Lechado
El Babadook
The Babadook nos muestra la historia de Amelia (Essie Davis), quien después de seis años de la violenta muerte de su marido, no logra recuperarse y viviendo con ese pesar, ha buscado la forma de educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que aparece en sus sueños y amenaza con matarlos.
La verdadera pesadilla comienza cuando un extraño libro de cuentos titulado “The Babadook” aparece en su casa, Samuel asegura que el Babadook es la criatura con la que ha estado soñando. Al poco tiempo sus alucinaciones se vuelven incontrolables y su conducta cambia de forma impredecible. Amelia, sin entender lo que pasa, se ve forzada a medicarlo, pero también comienza a sentir en el entorno una presencia siniestra que la hace pensar que los temores de su hijo podrían ser reales.
The Babadook no sólo te saca buenos sustos con lo que verás en pantalla sino que también jugará con tu mente y te demostrará lo poderosa que puede resultar tu imaginación. La cinta con la que debuta Jennifer Kent como directora, no recurre a lo exagerado ni sangriento del género y aún así logra mantenerte en una atmósfera de tensión/angustia permanente, donde explorarás diferentes niveles de miedo. ¡Sin duda una opción perfecta para este Halloween!
-Ángel Sánchez
La Bruja
Robert Eggers consigue comunicarnos gran tensión con esta película, de manera primordial, tememos por el personaje principal, pero esta angustia surge de la empatía que construimos con ella a medida que atravesamos sus enfrentamientos con los demás personajes. La bruja es una gran película sobre la sugestión, al principio, podemos estar convencidos de que el punto de la película equivale a denunciar el fanatismo religioso que empuja a un pacto con el Diablo. La brujería es un arma para ajustar cuentas en la familia, un juego de engaños que mantienen los colonos debido a sus creencias religiosas.
Después, La bruja ofrece un punto de vista de la condición de la mujer en las sociedades occidentales. La acusación de brujería se desplegó por ese siglo, ya sea que se trate de maternidad o sexualidad, el problema en esta pequeña comunidad es frenar la vitalidad de una joven que quiere ser más libre. En el contexto de este tiempo, una mujer liberada de estas limitaciones solo puede ser un monstruo al que desterrar.
–Mónica Castellón
¡Huye!
Para dejar en claro que el cine de terror todavía seguía vivo, llegó Get Out, dirigida por Jorgan Peele. Más allá de asustar al espectador, provoca desubicación. El pánico así, no proviene de una amenaza específica, sino de la sensación de no saber qué ocurre o que ocurrirá. Lejos de utilizar recursos bruscos, la película juega con movimientos y expresiones sutiles que sumergen al espectador en la psique de los personajes. Atravesando momentos de comedia, el ritmo va en crescendo con su elemento más destacable: la paranoia. El secreto de Get Out es este: juega con el miedo al miedo.
Es una cinta que se toma la libertad de ir por su propio rumbo, de involucrarnos lentamente en el terror y en las situaciones que rozan lo paranormal para no dejarnos escapar. Además, es preciso mencionar que esta cinta no se queda sólo en el terror, sino que abarca diversos géneros, pasando por el humor, el romanticismo y nos lleva de la mano hasta plantarnos una crítica social contundente.
La película inicia con una pareja de jóvenes enamorados quienes están atravesando un momento importante: él ha sido invitado a conocer a los padres de su novia. ¿Lo incómodo? En esta reunión, él va notando cómo los padres y familiares de su pareja no se sienten a gusto con el color de piel que tiene, pero pronto pasa de ser algo incómodo a ser una experiencia macabra cuando se ve envuelto en situaciones inquietantes que lo mantendrán, literalmente, pegado al sillón del espanto.
Get Out es de esas cintas que se disfrutan más cuando se analiza cada detalle, cada conversación y cuando nos dejamos sumergir por el terror y la desesperación de cada escena
-Fanny Llamas & Laly Arce
El Faro
Robert Eggers no es otro típico director del terror convencional y banal que Hollywood ha explotado hasta el hartazgo en los últimos quince años. Con The Lighthouse, su segundo largometraje, vuelve a entregar un relato tan solemne como hipnotizador. Ambientada a fines del siglo XIX, la película que cuenta con enormes actuaciones de Willem Dafoe y Robert Pattinson, juega con el terror, el suspenso y el surrealismo de forma exquisita.
El faro es una película densa, pero eso no la hace menos inquietante o perturbadora. Es una fascinante historia que toma elementos de la mitología y la literatura para exponer la masculinidad de dos hombres marcados por la soledad y la locura. Una pieza autoral donde la frontera entre lo real y lo imaginario se vuelve cada vez más difusa, a medida que la culpa y el deseo precipitan a los personajes a un viaje psicológico sin retorno.
-Joe Capurro
La Cabaña del Terror
La Cabaña en el Bosque, es una película que puede ser graciosa, extraña y aterradora durante todo el tiempo. Todo bajo un buen equilibrio.
La historia inicia como cualquier otra típica película de terror adolescente «un grupo de jóvenes pasan un fin de semana en una cabaña en lo profundo del bosque» Pero lo que comienza como una película cliché del género, no tarda en empezar a sorprenderte conforme se va desarrollando la trama. La originalidad y la sátira con la que se manejan los clichés del género, han logrado posicionar a esta película como una de las favoritas de la audiencia en los últimos años.
–Alex Mier.
Estación Zombie
Train to Busan/Estación Zombie es un título que es merecedor del género de suspenso y terror por su apuesta por contar una nueva versión de la invasión zombie. Los relatos terroríficos y un tanto gráficos, es la especialidad del cine asiático, y con esta entrega logran contar una historia que atrapa al espectador de inicio a fin, sin caer por completo en muchos clichés del cine de terror o el uso excesivo de la temática zombie.
Train to Busan es una gran película que se logra quedar como una de las mejores del género suspenso y terror que, si bien, no logra llegar a tomar el título de “clásico de terror”, es un gran título que puedes disfrutar bastante en épocas de halloween.
-Ángel Maldonado
Midsommar
Después de haber captado todas las miradas en el género del horror con Hereditary (El Legado del Diablo), Ari Aster nos entregó en 2019 su segundo largometraje que sirvió para consolidarlo dentro del género: Midsommar. En ella, vemos a un grupo de amigos visitar Suecia para asistir a un festival local muy popular, pero la sorpresa llega cuando una serie de eventos violentos y misteriosos comienzan a presentarse por parte de un culto pagano.
En Midsommar nos encontramos con un largometraje absolutamente traumatizante, surreal y bizarro en donde la audiencia no puede creer lo que está viendo en la pantalla. Aster llegó a romper todos los paradigmas y los estereotipos del terror; empezando con provocarnos miedo real a plena luz del día, de ahí su gran relevancia y la importancia de ella. Si eres de esas personas que no se asustan fácilmente y no te incomoda perturbarte, esta película es perfecta para ti.
–Juan Pablo Lagunes
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Qué películas verán este Halloween?
Durante años el cine de terror ha sido menospreciado por gran parte de la crítica y del público. Y aunque no se puede negar que el género tuvo un importante declive durante la década de los 2000’s, en la actualidad el terror es uno de los géneros más cotizados por los jóvenes directores.
Si el siglo pasado el cine de terror entregó cintas como The Exorcist, Rosemary’s baby, The Omen, Halloween o la película de culto Poltergeist; este siglo el género nos ha brindado gratas experiencias como Hereditary, The Witch, The Invitation, The Conjuring, entre muchas otras.
Por esto mismo, y aprovechando que estamos en la que, a mi parecer, es la mejor época del año, he decidido hacer un top 5 de los que me ha mi parecer son los máximos exponentes del género en la actualidad.
No esperes ver nombres como Wes Craven o Alfred Hitchcock, pues en este top sólo se considerará a directores y directoras que estén en activo y cuyos filmes se han estrenado en los últimos años.
Sin más rodeos, vamos a empezar.
5. Jennifer Kent
Esta directora australiana cuenta hasta el momento con sólo dos largometrajes en su carrera como directora. Pero ambos filmes se han encargado de dejar marcados a más de una persona, siendo The Babadook su obra más aclamada hasta el momento.
La habilidad de Jennifer Kent para dejar temblando a más de uno está más que comprobada, y personalmente estoy ansioso por ver qué más nos tiene preparada esta directora.
4. James Wan
James Wan es, probablemente, el máximo ícono del cine de terror en la actualidad.
De su cabeza han salido películas como las dos primeras partes de The Conjuring, las dos primeras partes de Insidious, y la primer película de Saw. Pero además de sus películas más populares, el director ha indagado en otro tipo de géneros, siendo el encargado de Aquaman y la séptima parte de Rápidos y Furiosos.
La próxima película de terror dirigida por James Wan será Malignant, la cual, tras ser reprogramada a causa de la pandemia, se encuentra sin fecha de estreno actualmente.
3. Jordan Peele
La historia de Jordan Peele es difícil de creer. Pues de ser un genio de la comedia, pasó a ser uno de los directores de terror más importantes de la actualidad, y esto con sólo dos largometrajes en su filmografía.
Tanto Get Out, como Us, son películas con un alto grado de crítica social y racial, contadas desde el horror, el suspenso y en ocasiones un poco de humor negro.
La ópera prima del director neoyorkino rompió quinielas al ser nominada por La Academia a mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guión original; siendo ganadora de éste último.
El próximo proyecto de Jordan Peele será la nueva película de Candyman, la cual está programada para el 2021 y que es escrita y producida por él.
2. Robert Eggers
Robert Eggers cuenta también con sólo dos largometrajes en su filmografía, siendo The Witch y The Lighthouse sus únicas películas hasta el momento.
El estudio y análisis que se ve reflejado en cada una de sus películas ha sido magistral, logrando aterrar a la audiencia con el contexto de sus historias, más allá de lo que realmente esté pasando en la imagen.
Aunque no me malinterpreten, pues la dirección de escena y la dirección actoral de Robert Eggers es espectacular, y ver a Anya Taylor-Joy en The Witch y a Willem Dafoe y Robert Pattinson en The Lighthouse de verdad fue una experiencia increíble y sus actuaciones dejaron con los pelos de punta a más de uno.
Estuve muy tentado en poner a Robert Eggers en primer lugar, pero si no lo hice fue porque ambas películas han sido más dirigidas a un nicho mucho más limitado, por lo que la complejidad de sus filmes podría intimidar a más de uno.
Menciones honoríficas
Hacer este top fue muy complicado, pues tuve que dejar fuera a muchas directoras y directores que pudieron entrar a este top fácilmente.
Por esto mismo no puedo dejar de mencionar a directores y directoras como David F. Sandberg, Karyn Kusama, Paco Plaza, Issa López, Scott Derrickson, Julia Ducournau y Leigh Whannell.
Si no conoces la filmografía de alguno de estos directores, no pierdas el tiempo y comienza a buscar sus películas.
1. Ari Aster
Ari Aster es todo lo que el cine de terror necesitaba desde hace años. Un director arriesgado, talentoso y capaz de incomodar y aterrorizar a la audiencia aún terminada la película.
Como si fuera una ley de este top, Ari Aster también cuenta solamente con dos largometrajes hasta el momento: Hereditary y Midsommar. Pero estos dos filmes han dejado marcada a más de una persona y la aprobación de ambas ha sido un éxito.
Al igual que Robert Eggers, es difícil decir cuál de sus dos películas ha sido mejor, pues las dos han sido espectaculares.
El cine de Ari Aster está lleno de simbolismo, de terror, de suspenso y de drama. Y estoy seguro de que no soy el único que espera con ansías lo próximo que nos entregue este director de apenas 34 años.
Conclusión
El cine de terror está más vivo que nunca. Y aunque sigue siendo menospreciado muchas veces, creo que esta tendencia va a ir desapareciendo y poco a poco comenzaremos a ver más películas de este género compitiendo en distintos premios y festivales de cine.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuáles son sus directores de terror favoritos?
En México se estrenan casi una película de terror a la semana. Sólo dos películas estrenadas el año pasado recaudaron más de 900 millones de dólares de taquilla mundial; películas que sus costos de producción fueron mucho menores: It y Get Out. El cine de terror es un buen negocio y no es casualidad que nuestro país y Corea del Sur sean de los que más consumen este tipo de género. En Netflix podemos ver algunas de éstas; películas independientes y de países que no los considerábamos como creadores de este tipo de cine.
He aquí una lista de las mejores películas del género, que puedes encontrar en la plataforma:
Under the Shadow
¿Una película de terror de Irán? El cine iraní nos ha entregado dramas muy profundos sobre la vida en ese país. El cine de género, casi inexistente, está alcanzando fama internacional con A Girl Walking Home Alone at Night (2014) de Ana Lily Ampour; y ahora con el joven director iraní-inglés Babak Anvari.Under the Shadow está ambientada durante el conflicto bélico entre Irán e Irak de los años ochenta. Mientras sucede todo esto, un espíritu acosa a una familia, aplicando el contexto político al terror sobrenatural.
Estación zombie (Train to Busan)
Una de las mejores películas del 2016, Estación Zombie es otro ejemplo de cómo un subgénero puede ser revitalizado con propuestas interesantes y ser un éxito en taquillas. El director coreano Sang-ho Yeon nos trae una de las mejores películas del género zombi con una historia brutal y con mucha adrenalina. La historia trata de un padre de familia que va a llevar a su hija a la ciudad coreana de Busan; pero de repente una invasión ataca toda la ciudad y un infectado entra al tren, provocando su propagación y ataque inmediato.
Starry Eyes
Hollywood; la ciudad de las esperanzas de jóvenes actrices y actores por los reflectores, la tierra de los sueños, o de las pesadillas… Depende que tipo de cosas desees. El precio de la fama, podríamos decir. Esta cinta dirigida por los directores Kevin Kolsch y Dennis Widmyer; recuerda a veces al Bebé de Rosemary de Polanski, y a la terrible historia de la Dalia Negra, llevada a la pantalla por Brian De Palma.
Gerald’s Game
Stephen King es un prolífico escritor de terror, especialmente en la vida cotidiana. Un marido que desea saciar sus fantasías con un giro inesperado. Es tan disciplinado que casi cada año publica algo, ya sea novela, cuento o guiones para televisión. No siempre es bien trasladado sus propuestas el cine; pero esta película del director Mike Flanagan muestra ser una buena adaptación del escritor estadounidense. Flanagan ya había dado muestras de ser un buen director del género con películas como Oculus y Hush; quien ahora se encargará de la continuación del clásico de Stanley Kubrick, y del mismo King, The Shining.
The Babadook
Las directoras mujeres cada vez más están tomando papeles importantes en la industria del cine y el del terror no se ha quedado atrás. El año pasado pudimos ver cómo varias de ellas tuvieron gran éxito comercial, como la directora Patty Jenkins y Wonder Woman. Esta historia es acerca de un ser llamado el Babadook, un tipo de Coco u Hombre del costal que acosa a quienes lo invocan en la oscuridad. Una película más australiana que se ha caracterizado por ser cada vez más importante al género.
1922
Otra adaptación de Stephen King, ubicada justo en la época histórica previa a la gran depresión de los años 30 y posterior a la Primera Guerra Mundial. Una pareja vive en las periferia de la ciudad, en un granja. La esposa es millonaria y heredera de la misma, mientras el esposo sólo trabaja ahí. Él conspira junto con su hijo por la propiedad, desconociendo que la venganza de sus actos pueden venir de ultratumba.
La noche del demonio (Insidious)
Justo ahora que estamos en plena época de secuelas y remakes, es cuando podemos volver a las primeras películas que empezaron todo. Insidious, la primera parte creada por el dueto James Wan y Leigh Whannell, quienes ya establecieron una franquicia junto con El Conjuro, Annabelle y próximamente La monja. En esta primera entrega, vemos a una familia es acosada por espíritus mientras intentan entrar a nuestro mundo. El pequeño hijo de familia cae es una especie de coma que le impide despertar; mientras estos espíritus merodean la casa de la familia. Nunca volverás a escuchar la música de Tiny Tim de nuevo igual.
I Am Not a Serial Killer
Extraña cinta independiente sobre la vida de John Wayne Cleaver, un joven con tendencias homicidas, como muchísimas otras películas más, pero en este caso con un giro inesperado al final de la misma. A veces parecida a las películas de paranoia, como La ventana indiscreta de Hitchcock o Disturbia; al final John que tiene que enfrentar al verdadero asesino, que se da cuenta de su oscuro secreto. Con un Christopher Lloyd (Back to the Future) ya en decadencia pero que sigue cautivándonos con sus actuaciones.
Voraz (Raw)
Una de las mejores películas del género. La ópera prima de la directora Julia Ducournau, provocó desmayos en su estreno en el festival de Toronto. Más que terror, tiene varias escenas que revuelven el estómago. Ambientada en una escuela de Veterinaria, Justine descubre un sabor nuevo de la que se vuelve casi adicta; al mismo tiempo que enfrenta el madurar y la vida independiente.
It comes at night
Finalmente, estas cintas que se estrenaron el año pasado que son “lentas”, o slow burns, en donde más bien el problema es lo que no vemos. En México, se estrenó la cinta Las tinieblas, del director mexicano Daniel Castro Zimbrón; muy del estilo de esta película dirigida por Trey Edward Schults, en donde vemos a una familia enclaustrada en una cabaña, sin poder salir, en un futuro no muy lejano en donde ya no queda nada y hay que sobrevivir a como dé lugar.
