Aguas Siniestras: ¡La Sorprendente filosofía de la cinta!

Aguas Siniestras (Night Swim), a simple vista, tiene una premisa muy sencilla: Ray Waller (Wyatt Russell), un beisbolista retirado por una lesión y añorando sus años de gloria, se muda a una nueva casa con su familia. En ella, encontrará una piscina con una especie de maldición que comenzará a aterrorizar su vida por completo.

Es una premisa aparentemente “tonta”. Pero grandes historias de horror, como las creadas por Stephen King, se basan en las premisas más sencillas de la vida cotidiana: un perro con rabia, un payaso malvado, una fanática dispuesta a hacerlo todo por el artista que ama. El horror se encuentra en cada rincón si sabemos dónde mirar.

Y ese es precisamente el potencial que tiene Aguas Siniestras, una cinta que comenzó como un cortometraje, pero que ahora cimenta algunos detalles que podrían dar paso a una historia con una mitología mucho más grande.

Sobre esto, platicamos con el director Bryce McGuire, quien nos contó la filosofía detrás de Aguas Siniestras y cómo logró profundizar su idea para convertirla en un largometraje.

Aguas Siniestras
Copyright @ Universal Studios

Aguas Siniestras: ¿Cómo convertir un cortometraje en una película?

El cortometraje en el que está inspirada esta película se estrenó en 2014 y dura apenas 4 minutos. En él, un aterrador fantasma acosa a una chica que está en una piscina, quien poco a poco va sintiendo cada vez más la claustrofobia y la vulnerabilidad de estar en el agua. 

“El corto es un ejercicio de ambientación, vibra y concepto” explicó el director en exclusiva para Fuera de Foco. “La idea era centrarse más en la piscina: cómo se modificaban las luces debajo del agua, cuando alguien es jalado hacia abajo. Eso fue algo que quisimos conservar para la cinta porque da miedo”.

Aunque tiene una premisa sencilla, si algo hace bien Aguas Siniestras, es mostrar realmente lo vulnerables que son los seres humanos dentro del agua. Pero de acuerdo a lo que nos dijo el director, él decidió darle un descanso de 3 años a la historia antes de ponerse a trabajar en el largometraje.

“No queríamos simplemente hacer la misma historia otra vez, pero que ahora durara 90 minutos. De verdad necesitábamos una historia y personajes reales.

Y estoy feliz que nos tomamos un tiempo para pensar de verdad qué era lo que queríamos hacer, saber cómo debería o cómo podría ser”.

Bryce McGuire, Fuera de Foco

Una de las grandes diferencias que presenta Aguas Siniestras es Rebecca, uno de los fantasmas que acecha la piscina y que sirve para conocer la historia detrás de la maldición. En realidad, esta primera parte no muestra mucho más, pero a través de ella, conocemos que la maldición acecha los deseos más profundos de quienes habitan la casa.

Así, vemos que la piscina comienza a controlar a Ray, quien está dispuesto a poner a su familia en riesgo con la esperanza de recuperar la fuerza para volver a jugar. Y esa idea, de acuerdo con el director, fue otro de los temas principales de Aguas Siniestras y lo que le da el potencial de expandirse a más secuelas.

Aguas Siniestras
Copyright @ Universal Studios

El sorprendente mito detrás de Aguas Siniestras

Una de las cosas que pensó el director de Aguas Siniestras para construir su historia, fue en “cómo el agua forma parte de diferentes mitos y culturas alrededor del mundo. Si nos vamos a las historias Gaélicas, Celtas, Griegas o los cenotes en México. Todas tienen sus propias historias con el agua”.

Así, la idea de dejar cabos sueltos sobre las familias que fueron afectadas por la piscina de Aguas Siniestras, es una forma de continuar con esta tradición. “Tenemos esta relación en donde el agua da y el agua quita. Todos también tenemos una versión del pozo de los deseos y fue muy emocionante jugar con estas mitologías e incorporarlas a este universo”.

“Yo sabía que no podía tratar sólo de una piscina. Tenía que haber una historia más profunda, más rica, quería honrar los miles de años que tenemos honrando e idolatrando al agua”.

Bryce McGuire, Fuera de Foco

Aguas Siniestras, como historia, juega a la segura con los convencionalismos del género y ofrece una historia sencilla y ligera. Pero sin duda alguna, el trabajo detrás para desarrollar los secretos de la alberca endemoniada podría dar paso a una secuela mucho más grande y ambiciosa.

Aguas Siniestras
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Papá o Mamá: ¿Una Comedia que analiza el divorcio?

Papá o Mamá, la nueva película dirigida por Ernesto Contreras y protagonizada por Silvia Navarro y Mauricio Ochmann, es una comedia que toca un tema bastante peculiar: una pareja al borde del divorcio: Florencia (Navarro) y Vicente (Ochman), reciben grandes oportunidades laborales, pero la pelea por la custodia de sus hijos complica sus planes.

Y es que, en realidad, ninguno de los dos quiere quedarse con la custodia total de sus hijos. Y no es que no los amen, al contrario, simplemente las agendas no cuadran y estas oportunidades son demasiado buenas para dejarlas pasar.

Papá o Mamá es el cuarto remake que se hace de la historia, la cual se estrenó de manera original en 2015. Y en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Mauricio Ochmann y Silvia Navarro sobre qué hace diferente esta versión.

Papá o Mamá
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Ernesto Contreras: El gran eslabón de Papá o Mamá

Papá o Mamá, con una premisa sencilla, tiene muchos momentos que están diseñados para hacer reír a su audiencia. Las locuras que los dos padres cometen contra sus hijos para impactar su decisión es uno de los puntos más fuertes del desarrollo de la historia.

“Todo fue gracias a Ernesto Contreras” nos comentó Silvia Navarro. “Él tiene una gran habilidad para encontrar el ritmo de una escena y hacer que de verdad conecte, no sólo con nosotros como personajes, también a un nivel muy humano”.

Las peripecias de Florencia y Vicente para poder tomar sus respectivas oportunidades laborales pueden parecer una metáfora de cómo a veces los padres lastiman a sus hijos sin saber, especialmente cuando están atravesando procesos como el divorcio, pues la ruptura puede llegar a ser muy tóxica.

Al respecto, Ochmann bromeó diciendo que él pensaba que sus personajes “lo estaban haciendo muy bien”, pero luego profundizó comentando que él creía que “la historia trataba, al final de cuentas, sobre la importancia de hablar, de que el amor perdure y que se puedan construir puentes para que una familia pueda tomar las mejores decisiones”.

Sus tres hijos eventualmente se dan cuenta de lo que ocurre, y ellos mismos toman cartas en el asunto. “Ernesto nos ayudó a crear una atmósfera para intentar descubrir lo que necesitaba esta familia, que en realidad es escucharse” comentó Navarro.

“Todas las familias tienen una forma particular de conectar y comunicarse, y a veces lo que nos parece “tóxico” a unos puede no serlo en otros contextos.

Creo que una parte importante de Papá o Mamá es dejar de juzgar a estas personas y entender que están haciendo lo que consideran mejor para sus familias”.

Mauricio Ochmann, Fuera de Foco
Papá o Mamá
Foto: AZCentral

¿Papá o Mamá podría tener una secuela?

Tanto Mauricio Ochmann como Silvia Navarro dijeron estar encantados de haber trabajado en una historia que es “tan divertida como entrañable”, ya que además aseguraron que tiene un gran potencial para convertirse en una secuela.

“Yo me imagino una película navideña” dijo Mauricio Ochman, mientras que Navarro complementó la idea diciendo que “sería interesante cómo se vería el fin de año con nuestra familia”.

La versión francesa de Papá o Mamá recibió una secuela en 2016, en donde se centró más en los problemas de la pareja con sus nuevos intereses románticos. Por lo que si le va bien a esta versión podríamos ver una segunda parte.

Papá o Mamá tiene la particularidad de irse por lugares que la audiencia no espera. Y en particular, hay una importante escena (de la que no daremos spóilers) que involucra una casa y parece encapsular la idea completa de la historia.

Sobre esto, Mauricio Ochmann opinó que esa escena “es una muestra de la falta de comunicación que vive la familia” y Navarro complementó diciendo que “también se podía ver cómo el punto en el que se dan cuenta que deben dejar sus diferencias atrás para poder trabajar en lo que es importante”.

Papá o Mamá es una propuesta ideal para navidad que seguramente traerá muchas risas con una historia sencilla. Estrena el 30 de noviembre en las salas de cine en México.

Papá o Mamá
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Héroes: Otra perspectiva de la historia de México

Dirigida por el mexicano Ricardo Arnaiz (La Leyenda de la Nahualá), Héroes, propone ofrecer una versión actualizada de la historia de los niños héroes, el grupo de jóvenes que defendieron el Castillo de Chapultepec en 1847 durante la invasión del ejército estadounidense. 

Aunque la batalla duró 24 horas, Jaime Maqueo, quien interpreta a Fernando Montes de Oca, nos platicó en exclusiva a Fuera de Foco que la película profundiza en el desarrollo de la invasión y la relación que existía entre los cadetes unos días antes del suceso.     

Héroes
Imagen: Instagram Jaime Maquedo

Jaime Maqueo investigó sobre la historia de México 

Aunque la historia de los niños héroes es bastante popular en la historia de México, para la película, el director quería ir más allá de lo que se cuenta en los libros, de manera que emprendió una investigación y, con ayuda del historiador Carlos Ostos, comenzaron a preparar al elenco. 

“Obviamente antes de grabar yo ya tenía una idea de quiénes eran los niños héroes, pero ya que me dijeron que me quedé, dentro de la producción había un historiador muy buena onda que se llama Carlos Ostos que él nos estuvo ayudando para saber cómo era el perfil de nuestros personajes”.

Jaime Maqueo

Aún cuando tenían el apoyo del historiador, Maqueo también emprendió su propia búsqueda y fue cuando se dio cuenta que compartía bastante cosas en común con Fernando Montes de Oca, uno de los seis cadetes. “Tenía muchos hermanos, tenían 5 hermanos y justo mi familia también es muy grande, yo tengo cuatro hermanos, y él era como el hermano de en medio y cuidaba a sus hermanos chiquitos”. 

El elenco también fue muy cuidadoso de utilizar el lenguaje correcto de acuerdo a la época en la que se desarrolla la historia. “No podíamos decir muchas palabras como ok o qué onda”. Sin embargo, Héroes no pretende contar los hechos de una manera muy seria, sino con un lenguaje que acerque al público a la historia. “Tiene ciertos elementos de ficción para que sea más entretenida la película, pero si intentamos ser lo más acertados posibles”, agregó el actor. 

Héroes
Copyright © ANIMEX | LeGRAND Films | New Art

¿Qué hace especial a Héroes?

Héroes no es un documental exacto sobre los hechos, sino una ficción realizada con base en varios libros debido a que es difícil saber si lo que se cuenta sucedió de esa manera, pero sin duda es una buena oportunidad para conocer una parte de México o simplemente ver una película entretenida sobre una batalla. 

Al respecto, Maqueo nos comentó que la cinta “es la historia de los niños héroes como nunca te la han contado” gracias a que el director Ricardo Arnaiz es experto en contar historias extraordinarias como lo logró con La Leyenda de la Nahualá. “Yo creo que eso nos da un plus, porque todos los actores nos entregamos completamente al proyecto y obtuvimos un buen resultado”.

Asimismo, el actor señaló que la película quiere “quiere dar un mensaje de la hermandad en los mexicanos” a través de la historias de estos jóvenes cadetes, porque después de todo, eran niños que no estaban listos para vivir una experiencia tan difícil. “Al final se convierten en sus hermanos, estas en una escuela militar, convives todo el día con tus amigos, entonces son hermanos”, añadió. “Esta película nos enseña el lado humano de los niños héroes, no solo que eran unos soldados listos para pelear, eran jóvenes de entre 12 a 18 años que no estaban estudiando para ser soldados”.

Héroes también cuenta con las actuaciones de Mike Alva Jr (Juan de la Barrera), David Durán (Francisco Márquez), Andrés Vázquez (Agustin Melgar), Tavo Betancourt (Juan Escutia) y Joshua Ponce de León (Vicente Suárez). 

Héroes
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The Quiet Girl: ¿El cine siempre es universal?

La Niña Callada (The Quiet Girl) es una película que poco a poco ha ido ganando notoriedad y puede convertirse en un clásico de culto. Utilizando el irlandés como idioma primordial, la cinta dirigida por Colm Bairéad estuvo presente en la pasada edición de Los Premios Óscar, y ha sido aclamada por la crítica. 

La cinta presenta una historia contenida y pequeña, en donde una niña Cáit (Catherine Clinch), que tiene problemas en la escuela y también debe lidiar con un entorno familiar volátil, se va a pasar un verano con un familiares lejanos. 

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con el director Colm Bairéad sobre por qué la película ha sido tan exitosa. 

The Quiet Girl
Copyright @ CineCanibal | The Quiet Girl

¿Por qué The Quiet Girl tomó al mundo por sorpresa? 

The Quiet Girl es el primer largometraje de Bairéad, por lo que dice que no sabe si “esto pasa cada que se hace una película nueva”. Su cinta ha sido catalogada una de las mejores historias de la reciente década, y se ha hablado mucho sobre cómo logra preservar el idioma irlandés, ya que de hecho también es la primera película 100% en ese idioma que llega a las preseas de La Academia. 

Pero para Bairéad, este probablemente es un proceso natural del cine, pues “una vez que sale un filme, lo que debes ver es cómo se encuentra con una audiencia”, y asegura que realmente tiene muy poco control sobre eso.

“Creo que el cine es como criar a un hijo/a. Llega un momento en el que te das cuenta de que no te pertenece. 

Así que realmente nunca sabes, cuando la estás haciendo. No anticipamos este nivel de éxito, jamás imaginé que esta película pudiera llegar a territorios como México o Argentina”. 

Colm Bairéad, Fuera de Foco

El compromiso parece que es parte de su éxito. “Nosotros sólo nos enfocamos en contar la historia de Cáit. En que la película fuera un ejercicio de empatía, de compasión y de entendimiento, que la gente de verdad se pusiera en sus zapatos”.

Cáit pasa mucho tiempo en soledad, nerviosa por no tener un buen desempeño escolar y por las reprimendas de sus padres. Cuando llega a la casa de sus familiares, ella ya está acostumbrada a pasar desapercibida, pero poco a poco va formando una relación con sus tíos. 

Lo que más llama la atención de The Quiet Girl es que, fiel a su título, los momentos más importantes ocurren sin diálogos, a través de miradas o momentos sencillos y rápidos. El cariño que construye Cáit con sus tíos se va dando día con día, a través de pequeños momentos cotidianos.

Al respecto, el director nos comentó que la razón por la que decidió guiar la narrativa así es por la forma en la que está escrita Foster, la novela de Claire Keegan en la que está basada. 

“[Foster] es un cuento corto-largo, como lo define su autora. tiene 80-85 páginas y nos cuentan todo desde la perspectiva de Cáit, quien va narrando cosas que le pasan o cómo recuerda su vida durante ese verano. 

Yo no quería usar flashbacks, no quería tener que ir de un lugar a otro. Así que decidimos usar el silencio, los espacios. Usar miradas, creo que es una forma de honrar la historia original”. 

Colm Bairéad, Fuera de Foco

The Quiet Girl se convirtió así en una película fascinante, que uno va adentrándose gracias a la increíble química de sus estrellas. Y de acuerdo con su director, este era un experimento que hicieron conscientemente.

The Quiet Girl
Copyright @ CineCanibal | The Quiet Girl

¿El cine siempre es una historia universal? 

The Quiet Girl, aparentemente, cuenta la vida de una familia rural irlandesa. “Uno de mis más grandes sorpresas es que a pesar de tener una especificidad cultural muy particular, hay una cualidad universal en los temas que exploramos y ha tocado a mucha gente alrededor del mundo. Eso fue sorprendente” nos comentó. 

El director complementó su respuesta diciendo que siente que “todos los/as artistas tal vez esperan estos momentos, este tipo de historias en donde no tengan que depender tanto del diálogo y puedan hacer otras cosas”.

El director buscaba también ”explorar cómo Cáit se relaciona con su entorno y ambiente” por lo que se esforzaron en crear un diseño de producción “que no sólo representara la realidad de la vida rural en Irlanda, sino que también fuera cambiando conforme la relación de la niña con sus tíos se vuelve más y más profunda”. 

“Creo que eso abre mucho diferentes niveles de interpretación” nos comentó el director, cosa que cree que fue una experiencia sorprendente, ya que una de las lecturas inesperadas que ha recibido The Quiet Girl, “es que me han dicho mucho que también revela mucho de las experiencias de las infancias trans”.

“Al final, no sabes el impacto que tendrá una escena, no sabes el impacto que tendrá un final ambiguo cómo el nuestro. Cuando hablas de crecer, familia y relaciones, realmente nunca sabes qué tipo de emoción vas a causar. 

Y eso es interesante, porque creo que hicimos una película que honra una cultura, pero también inspira otros significados”. 

Colm Bairéad, Fuera de Foco

The Quiet Girl es una película diferente que pide prestarle mucha atención, pero su historia es tan cautivadora que sin duda vale la pena experimentarla en una pantalla de cine.

The Quiet Girl
Copyright @ CineCanibal | The Quiet Girl

Blanquita: Un Retrato difícil sobre el abuso infantil

Blanquita es una película muy compleja. Inspirada en el infame Caso Spiniak, el cual causó conmoción en Chile porque se descubrió una red de pederastia orquestada por el empresario Claudio Spiniak. La película pretende mostrar las dificultades de las denuncias de abuso, la impunidad, y los miles de intereses que hacen que se violen derechos y se silencien a las víctimas. 

Pero el caso, en la vida real, fue uno de los casos que cimbraron no sólo los sistemas judicial, penal y político de Chile, también fue un caso que se ha convertido en uno de los ejemplos de periodismo mediático más sensibles del mundo, pues la violencia que sufrieron varias víctimas infantiles fueron olvidadas por la presencia de Gema Bueno, una testigo que se volvió clave por denunciar secuestro y abuso por parte de un prominente senador, pero cuyo testimonio resultó ser falso. 

Blanquita no busca hacer un retrato fidedigno del caso. Es una ficción que pone en el centro la mirada de una joven azotada por una serie de abandonos e ineficiencias institucionales, que se vuelve el centro de atención de un caso muy delicado. 

En Fuera de Foco, platicamos con el director de Blanquita: Fernando Guzzoni sobre el objetivo de la película y cómo la ficción ayuda a entender y denunciar la realidad. 

Blanquita
Cortesía: Piano Distribución

Blanquita: Usando la Ficción para entender la realidad 

La película de Blanquita se inspira en este delicado caso y en el personaje de Gema Bueno, pero en realidad es una ficción que relata el peregrinar de una joven que siempre vivió en centros institucionales, y que desde niña sufrió abusos, sólo que no en el marco del caso que se está investigando. 

“Creo que el trabajo de un autor, cineasta documental o un periodista son trabajos legítimos y diferentes. Pero yo no tengo esa vocación” nos contó el director, quien admitió que para él, lo más importante es poder hablar de sus obsesiones y preocupaciones. “Yo no tengo esa vocación. Y creo que en este caso, la verdad oficial no alcanzaba a capturar toda su complejidad”. 

Conforme la historia avanza, Blanquita tiene que aceptar que no todo lo que dijo es verdad y que eso la puede meter en graves problemas tanto a ella como a su bebé. Pues aunque los peritos judiciales, médicos y psicológicos dictan que sufrió abusos, su versión no concuerda con lo que dijo sobre la figura de un prominente político y su caso de abuso, aunque puede describir cada parte de su cuerpo a la perfección. 

Entre estas tensiones, ella también se debe enfrentar a un sistema judicial que duda constantemente de ella, así como instituciones religiosas y docentes que buscan desesperadamente desestimar su versión de los hechos. 

Al respecto, el director nos comentó que el caso real “tenía la necesidad de la oficialidad. De domesticar la religión, de poner un eslogan y una especie de muralla entre buenos y malos. La vida no es así, así que vi la necesidad de hacer un reverso, para entender cómo la realidad me había impregnado a mi, presentarla [en la cinta] y entonces que se haga un diálogo conmigo”. 

Blanquita
Cortesía: Piano Distribución

¿Cómo lidiar con la imparcialidad? 

Para el director de Blanquita, hablar de imparcialidad realmente no le interesa, porque cree que “se crea una realidad tan dicotómica que realmente no alcanza a dilucidar las realidades de todos los personajes y cómo se entretejen”. En la película, Blanquita recibe ayuda de un padre (Alejandro Goic) que la defiende y lucha por ella a pesar de conocer toda la verdad de su caso, y que está dispuesto a cuestionar a su congregación por la forma en la que buscan desestimarla y cerrarlo. 

Para Guzzoni, era muy importante entonces “mostrar a una sujeta, femenina, que necesita ser atendida, mirada. Cuya identidad ha sido usurpada por la calle, por la institución, por los abusos, y que además vive en un cuerpo históricamente disciplinado por el poder racial”. 

Durante nuestra plática, el director mencionó que “en la búsqueda de imparcialidad, estos matices se pierden”, por lo que él entabló largas conversaciones con la actriz principal, una joven que apenas debutó en su primer trabajo actoral y que no tiene educación como actriz. Pero para él, lo importante era dialogar sobre el personaje, encontrar sus matices, las opiniones y lo que querían transmitir, elemento que sólo el cine puede proporcionar. 

“Yo lo que quería era crear un sujeto con autodeterminación y que con eso ella colisionara con ella misma”, para que entonces pudiera ser un símbolo de las ideas que Blanquita, como película, quería transmitir. 

“Entonces, [Con Laura] construí al personaje de la mano, con su opinión, para saber si quería entrar al juego o no. Entendimos pronto que este personaje iba a ser muy difícil, así que construímos juntos su sonoridad, cómo movía su cuerpo, su registro vocal. 

¿Qué hacía cuando dudaba? ¿Cuando no estaba? Todo eso es algo que un personaje puede transmitir a través de una imagen. Y con eso se arma una idea que puede ser explorada más allá de la ficción”. 

Fernando Guzzoni, Fuera de Foco
Blanquita
Cortesía: Piano Distribución

¿Por qué hacer cambios en la historia? 

El Caso Spiniak se dio en 2003, una década en donde la tecnología todavía no estaba en su apogeo y la información no corría con tanta rapidez como lo hacen las redes sociales. Ese es otro cambio importante que propone Blanquita, pues el director conscientemente hizo ambigua la temporalidad, pero lo hizo más cercano a cómo vivimos la tecnología ahora. 

“Quería mostrar cómo las instituciones del siglo pasado, que supuestamente tenían una lógica más rígida, no han logrado modificarse tanto. 

Hay movimientos contraculturales, está en apogeo el movimiento feminista, las redes sociales. Y aún así sigue está misma asimetría en el acceso a la justicia. Se sigue sosteniendo igual”. 

Fernando Guzzoni, Fuera de Foco

El director entendía que estaba tocando temáticas difíciles, “pero era una mirada en donde no se estuviera moralizando, que no se interrogara desde un lugar complaciente o flagelante, el personaje no podía ser solamente un mártir. Había que desmenuzar la complejidad del ser humano. No quería poner una mirada asistencialista a los personajes”. 

Blanquita es un retrato difícil sobre la impunidad y el silencio que acompaña los casos de abuso infantil, así como la facilidad con que las instituciones políticas, jurídicas y religiosas silencian a las víctimas y las culpan por los problemas. Y resulta una cinta muy intensa que nos hace repensar lo que se está haciendo, en realidad, por ponerle un alto a esos temas. 

¡Ya está disponible en cines nacionales!

Blanquita
Cortesía: Piano Distribución

¿Cómo construyó Margot Robbie su versión de Barbie?

Margot Robbie está a punto de hacer historia en Hollywood. No sólo porque ya se convirtió en la primera actriz que interpreta a Barbie en una película live-action, sino porque este es uno de los proyectos más grandes y ambiciosos que ha tenido como productora, pues ha revisado cada detalle de esta producción. 

Traer a la vida a Barbie fue un trabajo monumental, no sólo por el meticuloso diseño de producción, también por la ambiciosa historia que diseñó la directora Greta Gerwig junto con Noah Baumbach, pues promete ser todo un viaje existencialista y feminista. 

Construir a una Barbie que no sólo refleje alegría, confianza y despreocupación ante los obstáculos de la vida es muy difícil. Y Margot Robbie nos contó en qué se inspiró para construir a este nuevo personaje. 

Margot Robbie
Foto: Fuera de Foco

¿Cómo construyó Margot Robbie a Barbie? 

En una plática que sostuve con Margot Robbie durante su visita a México, ella me comentó que discutió mucho con Greta Gerwig sobre cómo acercarse al personaje, y aunque les costó trabajo encontrar el tono correcto, se dieron cuenta que lo que necesitaban todos los personajes de Barbieland “era que siempre se movieran con decisión”. 

Según Margot Robbie: “No es que [Barbie] no sea inteligente. Ella es muy inteligente, simplemente no ha sido expuesta a muchos conceptos a los que los humanos sí: la vergüenza, el cinismo”, por lo que era muy importante para la actriz encontrar un balance que pudiera transmitir eso.

“ Ella no tiene un concepto sobre sentirse cohibida hasta que llega al mundo real. No quería resultar sosa, o poco inteligente. Como dije, ella es ingenua en algunos aspectos hasta que entra al mundo real”. 

Margot Robbie, Fuera de Foco

De acuerdo con lo que me contó, Margot Robbie, ella y Greta Gerwig trabajaron mucho para encontrar el balance y lograr eso, pero no fue hasta que encontraron el podcast de What Lies Beneath, (que pueden escuchar aquí) sobre una mujer que no tiene introspección. 

“Ya sabes, la voz que tienes en tu cabeza que constantemente, al menos para mi, narra todo lo que está pasando, o lo que pasará, o lo que nunca pasará” nos comentó Margot Robbie. “Esa mujer no tiene esa voz, y no es que no sea inteligente, es muy inteligente, tiene un PhD, fue a Stanford y así, Sólo no es introspectiva”. 

Ese podcast les permitió entender cómo tenía que ser la filosofía y la forma en la que se movían en Barbieland, ya que así lograron mezclar la ingenuidad y confianza extrema que gozan todas las muñecas. 

Margot Robbie
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Y cómo impactó eso a todos los personajes de Barbieland?

“decidimos que la novedad de estarse moviendo mucho como muñecos era divertido por unos minutos, Pero no quieres estar toda la película con ese tipo de restricciones de movimiento” nos comentó Margot Robbie sobre la forma en la que la idea de no tener una voz introspectiva impactó la forma en la que se movían. 

Y es que, según la actriz “Greta quería que todo el mundo se moviera con mucha certeza, porque Barbie tiene certeza sobre todo” y así, buscaron impregnar la fisicalidad de cada personaje de una sensación “teatral”. “Así estén en el fondo, se tienen que mover como en teatro. Cuando los ves haciendo compras, se mueven con una decisión de tipo: Miren, estoy comprando cosas”. 

Esta idea fue esencial para contrastar Barbieland con el mundo real, ya que “la fisicalidad siempre tenía un propósito, una certeza. Así que era moverse sin encogerse como a veces lo hacemos en la vida. Creo que es algo muy humano de repente… encogerse, hacerse a un lado, cubrirse de alguna manera”. 

Con eso, pudieron expresar también físicamente la crisis existencial que Barbie experimenta una vez que entra al mundo real. 

“Creo que la única regla con la que nos quedamos, es que antes de que Barbie tuviera su crisis existencial, ella no duda antes de hablar, 

No cuestiona nada de lo que dice, no hay incertidumbre en su vida hasta que empieza a pensar en la muerte”.

Margot Robbie, Fuera de Foco

Las primeras reacciones sobre Barbie han alabado la historia, el estilo, la película y la perfilan para tener una muy fuerte presencia en la temporada de premios, por lo que seguramente veremos y hablaremos mucho sobre Margot Robbie todo el año. Por lo pronto, sólo nos queda esperar al estreno de Barbie el 20 de julio para conocer cómo se conjuntó esta filosofía con toda la trama de la película. 

Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Cómo Insidious revolucionó el Cine de Terror?

Insidious se estrenó hace 13 años y nadie esperaba que fuera pionera en el cine de terror de la época. Protagonizada por Patrick Wilson y dirigida por James Wan, la historia sobre una familia acechada por una poderosa fuerza maligna pronto dio origen a otras 4 películas. 

Insidious también ha sido la franquicia que posicionó a Blumhouse como una de las productoras más eficientes, grandes y queridas de Hollywood. Las 4 películas que se han lanzado a salas de cine han tenido un presupuesto combinado de 26.5 millones de dólares y han recaudado más de 542 mdd. Sin contar que muchas de sus jump-scares ya también han pasado a la historia del cine de horror. 

Con la última entrega de Insidious a la vuelta de la esquina, platicamos con Jason Blum y Patrick Wilson sobre cuál ha sido el verdadero legado de la saga. 

Insidious
Copyright @ Sony Pictures

¿Insidious inició una nueva ola de cine de terror? 

Blumhouse actualmente es conocida por ser una productora que logra hacer grandes historias con poco presupuesto. Entre Get Out, Split, Us, Upgrade, The Purge, Happy Death Day y Paranormal Activity, la agencia se ha convertido en una de las empresas más rentables de la industria. 

Pero no siempre fue así. De hecho, antes de que lograran todo eso, Jason Blum nos contó que tanto él como James Wan estaban en un bache creativo. “James estaba en la cárcel de directores porque había hecho un par de cintas para Universal que no funcionaron realmente […] Y a mi, constantemente me decían que Paranormal Activity había sido un golpe de suerte y que jamás podría hacer otra película de terror exitosa”. 

Y entonces, James Wan le propuso comenzar con la historia de Insidious. Me lo propuso y me dijo que tenía que ser PG-13 porque él había hecho SAW y quería hacer algo diferente”. A Jason Blum le encantó la idea de Insidious desde que se la propuso, pero después vino otro obstáculo: hacer la película con poco presupuesto. 

Blum nos comentó que le ofreció un millón de dólares a Wan para financiar la primera cinta de Insidious, un presupuesto sumamente bajo, pero al final, la cinta terminó recaudando poco más de 99 millones de dólares a nivel mundial. 

La forma en la que organizan el presupuesto y estrenan sus cintas, pronto se convertiría en uno de los grandes fuertes de la compañía, ya que siempre han apostado por un presupuesto pequeño y una gran recaudación para asegurar que sus cintas sean un éxito. 

“Le dimos un millón y él hizo Insidious. [Después del éxito de Insidious] Blumhouse lo había hecho otra vez. Insidious fueron la base de Blumhouse, no exisitía la compañía de la forma que es si no fuera por ella”. 

Jason Blum, Fuera de Foco
Insidious
Copyright @ Sony Pictures

¿Una historia sobre trauma familiar? 

La nueva cinta de Insidious se sitúa 10 años después de los eventos de la cuarta entrega. Ahora, Dalton (Ty Simpkins) ya está en la universidad y tiene una relación muy fría con sus padres. Y cuando eventos sobrenaturales comienzan a acecharlo, deberá enfrentar sus más grandes traumas. 

La cinta se basa mucho en los eventos de la primera y segunda parte para construir su dilema central. Ya que Dalton poco a poco recuerda la fatídica noche en que su padre (Wilson) intentó asesinar a él y a su familia cuando fue poseído por el icónico Lipstick-Face Demon. Y así, cuando deben enfrentarse a la incertidumbre de The Further, también debe desentrañar el daño que sufrió toda su familia. 

Según Patrick Wilsonquien en esta entrega también asumió la silla de dirección: “yo propuse que la cinta se centrara sólo en Josh y Dalton. Era una versión muy básica de la historia que terminó siendo Insidious 5”. De acuerdo con lo que nos contó, quería que la historia fuera más sobre un padre reconciliándose con sus hijos, pero pronto reconoció que hacía falta un eslabón: Rose Byrne, quien interpretó a su esposa en las entregas anteriores. 

“[Insidious 5] siempre buscó abordar el trauma y los eventos de la segunda película, pero de manera diferente. Decir que no existe tal vez no fue la forma correcta de lidiar con el trauma. 

Necesitaba al menos recurrir a la persona que tenía el secreto y preguntar: ¿por qué no me lo dijiste? Quería que hubiera esa ruptura en la relación”. 

Patrick Wilson, Fuera de Foco

La última entrega de Insidious se convirtió entonces en una exploración sobre el trauma generacional, el perdón y la forma en la que los padres esconden la verdad para proteger a sus hijos. Un cierre muy ambicioso que no sólo le da cierre a las ideas principales de la saga, brinda un final digno a todo el viaje de los personajes. 

Insidious
Copyright @ Sony Pictures

Chris Hemsworth: ¿Qué diferencias hay entre Thor y Extraction?

Chris Hemsworth es el gran protagonista de Extraction 2, una de las cintas de acción más ambiciosas de Netflix. La primera parte se estrenó en 2020 y se convirtió en la película original más exitosa de la plataforma, pues 99 millones de usuarios vieron la cinta durante sus primeras 4 de semanas de estreno. 

La segunda película resultó todavía más ambiciosa que la anterior, pues no sólo presenta grandes secuencias de acción (incluyendo una con duración de 21 minutos), también se adentra mucho en la psique de Tyler Rake (el personaje de Chris Hemsworth), para mostrarnos su lado más humano y vulnerable. 

Con una intensa historia y una preparación exhaustiva, tuvimos la oportunidad de hablar con el director Sam Hargrave y con el propio Chris Hemsworth sobre la preparación que toma crear la historia de Extraction. 

Chris Hemsworth
Copyright @ Netflix

Chris Hemsworth y los diferentes tipos de acción 

Chris Hemsworth es una de las estrellas de acción más grandes de Hollywood. Y en entrevista, cuando hablamos sobre la preparación física que tiene que atravesar de proyecto en proyecto, él nos comentó que su preparación “depende mucho de cómo es el proyecto y lo que va a requerir físicamente de mí”. 

Al respecto, el director Sam Hargrave dijo que también depende del tipo de acción y el tipo de actor que debe realizarla. “La acción tiene que estar hecha a la medida del actor, para que se sienta cómodo y pueda hacerlo lo mejor que pueda”. 

Y como ejemplo, Chris Hemsworth detalló exactamente qué tan diferente es su preparación física para interpretar a Thor y Tyler Rake. 

“Para Thor, es levantar un montón de peso, consumir muchas calorías, adquirir más volumen 

Para esta, era más sobre funcionalidad, flexibilidad, movimiento. Así que mi entrenamiento entre proyectos depende de lo que viene después”.

Chris Hemsworth

Sin embargo, durante la entrevista, el actor nos confirmó que “su salud mental es sumamente importante” por lo que confesó que le cuesta un poco de trabajo poder relajarse después de un proyecto que haya sido muy demandante. 

“Si un proyecto es intenso, es emocional y físicamente exhaustivo y tienes un nivel muy alto de adrenalina, encontrar una forma de apagar eso o separar esa experiencia en tu tiempo de descanso, suele ser una transición complicada” nos comentó. por eso Chris Hemsworth comparó su proceso con regresar de una zona de guerra. 

“Así que, cuando llego a mi casa. Digo: Tranquilo, Chris, Siéntate. Ya no estás en la zona de guerra del proceso creativo. […]

Después es lo mismo: un tiempo a solas, de silencio, con seres queridos. Recargarme, y luego regresar”. 

Chris Hemsworth, Fuera de Foco
Chris Hemsworth
Copyright @ Netflix

¿Una historia de acción muy diferente? 

Tanto el director como Chris Hemsworth nos confesaron que Extraction es una película de acción muy inusual, ya que también tiene una profundidad emocional que no se ve mucho en este tipo de cintas. 

“Creo que si no hay una profundidad emocional que resuene con la audiencia, entonces la acción no tiene el mismo efecto” nos comentó el actor, por eso siente que ha sido muy “divertido” explorar la culpa, vergüenza, autodesprecio y odio hacia sí mismo que siente el personaje de Tyler Rake. 

Para el actor, que está acostumbrado a interpretar papeles superheróicos, cree que su personaje en Extraction es un tipo de héroe diferente, ya que a pesar de que es una figura muy trágica, de todas formas está dispuesto a sacrificarse por los demás. 

“Todos somos imperfectos, todos cometemos errores. Pero, ¿qué hacemos de aquí en adelante con él? En lugar de vivir en el pasado, ¿cómo vivimos hacia adelante? 

Creo que él todavía es alguien que está dispuesto a ponerse en peligro sin importarle su seguridad, salud y bienestar para proteger a los más vulnerables. También confronta y admite sus fallas. Para mí, eso es heroico”.

Chris Hemsworth, Fuera de Foco

De acuerdo con las mentes creativas de Extraction, el proceso para crear una película de acción con tal nivel emocional viene de una larga y profunda colaboración. “Todas las escenas de acción resultaron mucho más grandes a cómo yo las imaginaba, pero eso se dio por el diálogo que tenía con Chris [Hemsworth]” nos comentó el director. 

A todas luces, se ve que este es uno de los proyectos más ambiciosos de Chris Hemsworth, y con todo el trabajo y preparación que ha llevado a cabo para darle más profundidad al personaje de Tyler Rake, es muy claro que su objetivo es volver a romper récords en Netflix

Chris Hemsworth
Copyright @ Netflix

Supergirl: ¿Cuál es su futuro dentro del DCEU?

Supergirl, el personaje que Sasha Calle interpreta en The Flash, es una de las nuevas y más emocionantes adiciones que presentará la película cuando estrene el próximo 9 de junio. Y al ser la primera Kara Zor-El que veremos en pantalla grande, su presencia es también una de las figuras más importantes de la cinta. 

Pero presentar a una gran Supergirl no es el único trabajo que debe cumplir The Flash. Como es la película que se supone dará inicio al nuevo universo cinematográfico de DC que prepara James Gunn, también tiene el peso de ser una despedida al universo que hemos visto antes, además de presentarse como la primera cinta que se hace en live-action del velocista escarlata. 

¿Cómo integraron a Supergirl en esta historia que lleva más de una década contándote y por qué Sasha Calle era la indicada para tomar la batuta? ¡Platicamos con el director Andy Muschietti, la productora Barbara Muschietti y con la mismísima Sasha Calle al respecto. 

Supergirl
Foto: Fuera de Foco | Entrevista Sasha Calle

Supergirl: Una figura Trágica

En los cómics y las versiones más conocidas de Kara, ella es la prima mayor de Kal-El que llega a la Tierra para protegerlo, aunque al final sus naves se separan y se pierden, por lo que vive un tiempo como una adolescente normal. 

En la versión de Superman que presentó Zack Snyder, Clark Kent (Henry Cavill) se debate constantemente sobre si debe interferir en la vida de los humanos y salvarlos. La Supergirl de Sasha Calle enfrenta una situación similar en la cinta de The Flash, pero mucho más intensa, ya que ella tuvo una experiencia completamente diferente tras su llegada a la Tierra. 

“La particularidad de esta Supergirl es que es una figura trágica. Es uno de los grandes personajes de la película, aunque no es protagonista y tiene ese rol agridulce” nos comentó Andy Muschietti sobre la importancia del personaje en la historia.

La historia de Supergirl en The Flash, que hace eco al icónico cómic de Red Son, la presenta secuestrada en un campo en Rusia, por lo que sólo ha conocido el lado más oscuro del ser humano. Parte de la trama en su historia es aprender a confiar en los seres de la Tierra y preguntarse si valen la pena ser salvados, y aunque se parece mucho al dilema del personaje de Henry Cavill, el hecho de que ella sufra tantas vejaciones, pero se deje inspirar por los heroicos actos de Batman y Flash, es uno de los componentes más interesantes de la película.

El peso emocional de la historia era algo que le importaba mucho a Andy y Barbara Muschietti, quienes nos comentaron que esa era la condición que pusieron al momento de aceptar desarrollar la historia. 

“Lo primero que le pedí al estudio es que me dejaran explorar ese tronco emocional y hacerlo suficientemente poderoso como para soportar el resto de la historia. 

Tuvimos mucha suerte, hicimos esta película en circunstancias durísimas, durante toda la pandemia, con unos protocolos imposibles. […] Se iban cerrando departamentos, pero no la película. Y lo logramos. 

Barbara & Andy Muschietti, Fuera de Foco
Supergirl
Foto: Fuera de Foco | Entrevista Barbara & Andy Muschietti

¿Volveremos a ver a la Supergirl de Sasha Calle? 

“Me interesaba mucho dejar la puerta abierta para nuevas incursiones” nos comentó Andy Muschietti, sobre el personaje de Sasha Calle, quien alabó su trabajo y confesó que era un gran fan de su estilo. “Desde que la vi por primera vez me habló, su presencia, su habilidad, también su vulnerabilidad. Sabía que era perfecta. Cuando la ví, sabía que era ella”. 

Al respecto, Sasha Calle nos comentó que “hizo [al personaje] con demasiado amor, esfuerzo y en equipo” por lo que no puede esperar a que el público la vea en pantalla, pero insinuó también que, aunque no sabe cuál será el futuro de su personaje, le emociona mucho la idea del multiverso. 

“El personaje está en un medio. La verdad no sé, pero yo no veo la hora de contar más historia y que el mundo conozca a Supergirl. […]

En el nuevo inicio hay mucho espacio para la creatividad y para jugar”

Sasha Calle, Fuera de Foco

Barbara Muschietti también nos comentó que Supergirl “es un personaje muy latino en su esencia” y que eso era algo que de verdad buscaron incorporar en la película. “Es tan aguerrida, tan pasional. Fuerte, pero al mismo tiempo muy vulnerable, teníamos que tener a Sasha”.

La moneda está en el aire y el mundo está esperando qué tan lucrativa resulta The Flash para saber qué le espera a los personajes de la película. Pero sin duda, la Supergirl de Sasha Calle es quien más destaca en la historia, por lo que seguramente tiene un brillante futuro en el Universo Cinematográfico de DC.

Supergirl
Copyright @ Warner Bros Discovery

FICG38 | La Frontera Invisible: ¿Por qué humanizar a las fuerzas armadas?

La Isla Socorro es el lugar en donde se desenvuelven los eventos de La Frontera Invisible, uno de los documentales más interesantes que se presentaron en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, pues en un momento en donde el tema de la militarización es uno de los más controversiales y difíciles que atraviesa el país, este documental aboga porque entendamos el lado más humano de las fuerzas militares. 

La difícil tarea corrió a cargo de Mariana Flores Villalba quien lleva investigando el tema desde 2008. Lo que empezó como una curiosidad por entender el lugar geográfico, que en realidad es una isla volcánica perteneciente al estado de Colima, pronto se volvió también un estudio sobre la precarización, la impunidad, el abandono y cómo los seres humanos pueden llegar a hacer lo que sea por tener una vida mejor. 

Y en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Villalba y con el productor, Carlos Hernández Vázquez sobre la película. 

La Frontera Invisible
Cortesía: Calouma Films | La Frontera Invisible

La Frontera Invisible: Un Retrato Difícil de México.

La Frontera Invisible recabó entrevistas de diferentes personas que por diferentes motivos terminaron siendo parte de las filas de la marina. La mirada de Flores Villalba expone sus vidas desde la cotidianeidad y cómo sobrellevan ser parte de un sistema tan violento y difícil, ya que ellos no son parte de las filas de élite de la milicia mexicana, sino que, en palabras de la directora “en realidad son sólo carne de cañón”. 

Así, hay personas que esconden de sus familiares que son parte de la organización militar, otras que sufren de traumas de estrés postraumático por los enfrentamientos. 

“La milicia no era lo que es ahora, en ese tiempo, desde mi entender y creo que desde el entendimiento popular” nos contó Villalba sobre sus primeras motivaciones para empezar a hacer el documental. “Yo quería contar la historia del lugar y de su gente […] Y conforme fue pasando el tiempo, la isla se fue transformando y cobró otras dimensiones y entonces me interesó saber cómo vive esta gente”. 

La filmación comenzó entre el 2017 y el 2018, y para el productor, La Frontera Invisible “ha sido también un ejercicio de convicción, de poder entender este tema que nos afecta a todos/as de maneras que van mucho más allá, pero teniendo una sensibilidad para poder tener un rumbo a pesar de los cambios”. 

Villalba nos comentó que una parte difícil ha sido “plantarse con la convicción de querer entender a esta gente más allá de todos los cambios que se han suscitado en el país”. 

“Se trata de querer traspasar esas cosas que son tan sólidas y tan esquemáticas y ver los matices, los grises, cómo traspasa esta violencia terrible que tenemos a todos […]

Le quitamos el velo de la institución de las personas que conforman la Secretaría de Marina, en este caso, y eso lo que nos dio fue la capacidad de entender quiénes son estas personas y que ha pasado con su vida desde que se unieron, y cómo a veces es gente que no sabía a lo que se estaba enfrentando”. 

Mariana Flores Villalba, Fuera de Foco
La Frontera Invisible
Cortesía: Calouma Films | La Frontera Invisible

Un Documental hecho con Convicción

La Frontera Invisible muestra un difícil retrato de las pocas oportunidades que viven en la Isla Socorro. Y en un punto, muchas personas que se presentan en el documental coinciden en que en el lugar sólo hay dos opciones: o te unes a las filas de la milicia o a las del narcotráfico. 

“Lo más difícil, para mí, fue comprometerme con esta visión, no quitar el dedo del renglón de querer contar la historia desde la perspectiva de esta gente” nos contó Villalba. Y al respecto, Hernández Vázquez complementó que “con todo lo que pasa y la información que recibimos, eso es difícil, pero es una responsabilidad que se debe respetar cuando haces este tipo de producciones, para contar todo con una aproximación a la verdad”. 

El dúo nos contó que fue un arduo proceso vivir la experiencia de la Isla Socorro, “pero quería que el lugar fuera un personaje por sí mismo” nos comentó Villalba. “Quería que la gente viera este lugar de contrastes, de cómo es un paraíso y una prisión, de cómo el sistema institucional está tan roto que no permite que veamos más allá de los problemas más duros que nos aquejan, y como eso parece que hace una especie de círculo vicioso”. 

La Frontera Invisible se presentó en el marco del FIC de Guadalajara, pero tendrá su estreno internacional en el Festival Internacional especializado en documentales de Alemania: DOK Leipzig en octubre, por lo que esperamos que pueda llegar pronto a todas las salas de cine nacionales.

FICG38 | Un Reino Para Todos Nosotros: Animación con consciencia política

Un Reino Para Todos Nosotros es la tercera película que dirige el cineasta mexicano Miguel Ángel Uriegas y estuvo presente en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG 38). Esta nueva cinta muestra la historia de Fran y Serendin, dos hermanos que viven en el pueblo ficticio de El Gran Arrabal y sueñan con llegar a El Reino, un territorio lejano en donde supuestamente sus sueños se pueden contar. 

Esta es una historia sumamente política, y por la manera en la que conjunta la ciencia ficción y la magia para presentar atmósferas y paisajes que conjuntan la tecnología con la naturaleza, se podría decir que forma parte de la corriente artística de “eco-ficción”. 

Pero Un Reino Para Todos Nosotros también es una cinta sumamente política que aboga por presentar las diferentes aristas del tema migratorio. Y en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Uriegas sobre por qué le parece tan importante que el cine, y la animación, hablen de temas políticos. 

Un Reino Para Todos Nosotros
Cortesía: Calouma Films | Un Reino Para Todos Nosotros

Un Reino Para Todos Nosotros y las aristas de la migración

Un Reino Para Todos Nosotros se produjo en mancuerna con el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), y de acuerdo con Miguel Ángel Uriegas, lo que buscaban con la cinta era “atacar varias cosas para integrarlas en una sola historia, porque tiene varias analogías al mundo real”.

Los sueños particulares de Sefardin por llegar al Reino en busca de mejores condiciones de vida, sin duda resuenan con la idea generalizada que se tiene sobre la migración, especialmente del sur del continente americano hacia el Norte. Pero las similitudes no se quedan ahí, los hermanos protagonistas deben tomar un tren llamado La Bestia para llegar a la tierra prometida. 

Sin embargo, a lo largo de la historia vamos descubriendo más sobre el mundo de El Gran Arrabal, que se muestra como un paraíso que es cooptado por otras fuerzas corruptas, y aunque muchos grupos de personas viven precarizados, también se muestran felices. 

Para el director, esto no fue intencional, ya que en Un Reino Para todos nosotros él buscó activamente “presentar con dignidad la situación de las personas que se desplazan” pues le parece “que debemos alejarnos del cliché que se tiene sobre las razones de la movilidad”. 

“En Latinoamérica, nosotros no entendemos el tema del vagabundismo como en Estados Unidos […] Porque no tenemos un sistema tan cerrado en donde si no pagas impuestos no existes. 

En lugares como México, si alguien no paga impuestos y vive en condiciones difíciles, puede también tener una comunidad, un trabajo. A mi no me interesaba poner El Gran Arrabal como un lugar horrible porque no necesariamente es así, muchas veces se viven en lugares hermosos, pero en condiciones paupérrimas por culpa de un sistema opresor”. 

Por eso, para Uriegas era sumamente importante “mostrar la migración con todas sus aristas. Sefardin busca un lugar mejor, pero luego aparece un gigante y se vuelve una película de desastres naturales, y entonces se habla del desplazamiento natural. Hay gente que se va porque quiere, desde su privilegio” para dar un panorama completo de lo que significa la experiencia migratoria.

Un Reino Para Todos Nosotros
Cortesía: Calouma Films | Un Reino Para Todos Nosotros

Una Animación con Consciencia Política 

Para el director, Un Reino Para Todos nosotros sí podría tomarse como una carta de denuncia “a los países de primer mundo que se la pasaron explotando los recursos naturales en los 80 y 90 y que ahora ellos mismos son los que castigan a los que no han disminuido su huella de carbón” y la forma en la que la naturaleza y el ecosistema de la película parece un ente vivo dentro de la cinta es una forma de que veamos cómo “el tema es mucho más amplio y complejo”. 

“Pongan atención a los fondos y a las formas de la película” nos contó el director. “A mi me gustan mucho los fondos coloridos, y apostamos por tener una fotografía bonita y vibrante, para compensar las limitaciones presupuestarias que tuvimos con el uso de la cámara”. 

A pesar de las limitaciones, “lo que a él le interesaba era poder expresar a través de arte una visión con consciencia social, siempre me ha gustado hacer este tipo de historias y siempre lo he hecho. Creo que si ya estás aquí, si puedes producir, entonces hay que buscar hacer un mensaje que resuene”.

Un Reino Para Nosotros se presentó en el marco del FIC de Guadalajara. 

¡Elizabeth Olsen opina sobre el caso real de Love and Death!

Elizabeth Olsen tiene una fascinación muy interesante por el caso real de Candy Montgomery, una ama de casa que fue acusada de asesinar a la amante de su marido, Betty Gore en 1980. 

El juicio fue sumamente mediático y el veredicto causó mucha conmoción. En parte porque el asesinato fue excesivamente violento, ya que la ama de casa apuñaló a Gore 41 veces con un machete, pero también por el tipo de defensa que utilizó Montgomery para justificar el asesinato, ya que siempre aseguró que lo que hizo fue en defensa propia, y que Gore la había atacado primero con el arma.

El juicio se llevó a cabo en el condado de Wylie, Texas e involucró a personas que tenían vidas suburbanas clase-medieras normales. Montgomery era una ama de casa, esposa y devota cristiana, al igual que Gore, por lo que nadie podía creer que fueran capaces de tal atrocidad. 

Entre hipnosis, polígrafos y controversiales declaraciones sobre su vida íntima, Candy Montgomery fue declarada inocente tras 8 días de juicio. Elizabeth Olsen tuvo la oportunidad de meterse en su piel para la serie de Love and Death en HBO Max, y ella misma ha dicho que ha sido uno de sus roles más retadoras y que más le han gustado en su carrera. 

Y ahora, en exclusiva, Elizabeth Olsen habló en exclusiva con Fuera de Foco sobre lo que opina sobre la resolución real del caso y cómo lo discutió con otras personas. 

Elizabeth Olsen
Imagen: Entrevista Gaby Meza | Fuera de Foco

¿Qué opina Elizabeth Olsen sobre el caso real?

La serie de Love and Death nos cuenta, a través de saltos temporales, las tensiones que se iban construyendo entre Montgomery y Gore mucho antes del ataque. Así,conocemos detalles íntimos de sus vidas, sus parejas, sus relaciones y cómo su rivalidad en cada ámbito afectaba su salud mental. 

Elizabeth Olsen ha comentado en otras entrevistas que ella piensa que Candy “de verdad creía que lo había hecho en defensa propia y que estaba justificado”. La actriz, como la mayoría de las personas que presenciaron el juicio, nunca han dudado de que ella lo haya hecho, por eso, cuando fue declarada inocente levanta mucha controversia,

Las bases para declararla inocente se presentan en la serie, ya que utilizaron tratamiento de regresión hipnótica para que contara su versión de los hechos y luego la sometieron a una prueba con polígrafo, en donde se reveló que ella decía la verdad sobre los eventos del altercado. 

Como a muchas personas, la resolución le causó conflicto a Elizabeth Olsen, por lo que decidió discutir el caso con diferentes familiares y amigos/as antes de comenzar a prepararse, ya que “quería entender si se podía usar la hipnosis en la corte, si era un mal juicio, o si simplemente ese era el sistema que nos tocó tener”. 

Por eso, discutió con un amigo de la familia que es abogado penalista. “Y su opinión es que esta es la mejor versión del sistema de justicia que tenemos y que no se podía imaginar el juicio yendo en otra dirección. Pero eso no significaba que estuviera bien o mal, simplemente ese es el sistema que tenemos” nos contó. 

Elizabeth Olsen nos contó que entiende por qué “el juicio hace enojar a la gente”, pero no se podía hacer más si se utilizaron todas las herramientas posibles para que tuviera un juicio eficiente. 

“Ella fue enjuiciada por un crimen muy específico, y si fue intencional. Eso es lo único que estás defendiendo, no puedes meter un montón de cosas más. 

Para mí, se trata de que es el mejor sistema que tenemos”. 

Elizabeth Olsen, Fuera de Foco

En otras entrevistas, Elizabeth Olsen ha dicho que ella piensa que “Candy Montgomery sí creía que no había hecho nada malo y que había actuado en defensa propia”, por lo que de verdad quería explorar “cómo el trauma y el shock generaban procesos mentales para justificar lo que había pasado“.

Elizabeth Olsen
Copyright @ HBO Max

¿Su personaje más difícil? 

“Definitivamente era un personaje muy afuera de mi. Me tenía que poner un disfraz completo diario” nos comentó Elizabeth Olsen sobre cómo construyó al personaje para la serie, ya que asegura que la actriz “es alguien que va por el mundo desde un lugar masculino. Femenino, pero masculino” un contraste muy fuerte con Candy, quien era una ama de casa modelo, como se esperaba en la década de los 80. 

“piensas también en el periodo de tiempo y lo que era apropiado donde vivían. Así que pienso en modales, manierismos […]”, Pero lo que más le gustó de interpretar al personaje, según Elizabeth Olsen, a quien le fascina interpretar a personajes conflictivos, fue que Candy Montgomery “tenía un punto de vista más allá de una realidad súper auténtica”. 

“ En el verano antes de empezar, estuve como por 2 o 3 meses intentando descubrir cómo esta mujer hablaba y caminaba en el mundo.

¿Cómo fue esta mujer de niña? ¿Cómo interactúa con el mundo siendo una mujer? Creo que ella es alguien que utiliza ser mujer para su beneficio”. 

Elizabeth Olsen, Fuera de Foco
Elizabeth Olsen
Copyright @ HBO Max

¿Cómo le gustaría continuar con la historia? 

En recientes entrevistas, Elizabeth Olsen había dicho que le gustó tanto su experiencia en Love and Death que le gustaría regresar al personaje, y por eso nos comentó qué partes de su historia le gustaría explorar. 

“Los años que llevaron a su divorcio me parecen fascinantes” nos confesó. “Porque creo que intentaron hacer funcionar su matrimonio tanto como pudieron, y a veces piensas que tal vez lo van a lograr, si él estuvo con ella a lo largo de todo esto”. 

También nos dijo que le gustaría explorar “cómo se volvió terapeuta”, pero no cree que se pueda hacer a través de una secuela, ya que la serie “empieza y termina donde debe hacerlo”. 

Elizabeth Olsen
Copyright @ HBO Max

Ya pueden ver a Elizabeth Olsen en Love and Death a través de HBO Max

VGLY: una serie auténtica sobre la música urbana

VGLY retrata una historia de superación y supervivencia dentro del mundo competitivo de la música urbana latina que se desarrolla en el barrio de la Guerrero en la Ciudad de México. A través de los capítulos los/as espectadores/as podrán ser testigos de cómo un grupo de talentosos jóvenes luchan por cumplir sus sueños mientras se topan con dificultades. 

La serie cuenta con un elenco impresionante formado por Benny Emmanuel (Cosas imposibles), Juan Daniel García Treviño (Ya no estoy aquí), Sasha González (Mar de Fondo), Alex Lago (Rebelde) y el cantautor Natanael Cano. En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con parte de sus protagonistas, quienes nos revelaron más detalles de la historia y la preparación que tuvieron para sus personajes. 

VGLY
Copyright © HBO MAX. 

El reto de cantar y actuar en VGLY

VGLY es de las pocas series mexicanas que muestra la cultura urbana de la música rapera, un género que con el paso de los años se ha popularizado en Latinoamérica que, como toda industria, tiene su parte negativa y positiva. Principalmente, por la alta competencia y rivalidades que se pueden generar en el camino. 

En VGLY veremos rapear por primera vez al actor mexicano, Benny Emmanuel, quien aunque previamente había tomado clases de canto y llegó a audicionar para programas de concursos musicales, no estaba familiarizado con la industria musical y se propuso tomar clases para estar a la altura del personaje. 

“De morro yo quería cantar al principio, hice casting para Código Fama y me gusta es trip, tome clases de canto, después solo actúe, pero VGLY me dio ese chance y retome las clases había un pequeño antecedente”. 

Benny Emmanuel

Emmanuel sintió un poco de presión al ver que la serie tenía en su elenco a verdaderos cantantes famosos en la industria, como lo es Natanael Cano, una razón que lo motivó a exigirse cada vez más para el personaje. Mientras que Cano, quien es famoso por sus éxitos como Amor Tumbado y AMG, le fue complicado adaptarse al mundo de la actuación. “Benny tuvo el trabajo difícil, a mí me tocó salir un poco”, explicó el cantautor. “Me tuve que aprender las líneas y hacerlas a mi modo pero me gusto el proceso, siempre disfruté e hice cosas nuevas”.

VGLY
Copyright © HBO MAX. 

Una historia que se siente auténtica 

Sin duda Benny Emmanuel se destaca como el protagonista de la historia por ser un joven complejo con muchos sueños por delante que también debe lidiar con su contexto ya que se dará cuenta que para ingresar a ciertos espacios lamentablemente se necesita de contactos y ciertos privilegios. 

El actor nos platicó que no es ajeno a este tipo de temáticas ya que durante su niñez y parte de su adolescencia creció en barrios del Estado de México, por lo que conoce la situación de estas localidades.  “Yo de entrada viví en barrios, viví en Coacalco, en Ecatepec un rato y hay muchas cosas que recuerdo, como el ambiente de esos lugares y la banda que estaba ahí”. 

Para Beny, crecer en barrios le dio la oportunidad de tener un panorama más amplio y darse cuenta de que “tú decidías si tomar el camino más espinoso o el camino bueno”, aunque para el actor no es necesario irse a los extremos “porque todo es muy subjetivo” y la realidad y oportunidades para cada persona es muy diferente. “Estas cosas me las llevo para bastantes cosas de mis personajes”. 

Por su parte, Natanael Cano detalló que con base a su experiencia en la música, considera que VGLY logra ejemplificar de forma auténtica los problemas de la industria, principalmente, por las rivalidades que se generan. “Este espíritu competitivo, eso es lo que te motiva al final, personalmente me gusta competir y en la serie también”. Además, logró identificarse por lo difícil que es lograr abrirse camino y obtener el reconocimiento.

VGLY ya está disponible en la plataforma de HBO Max

VGLY
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