VGLY: una serie auténtica sobre la música urbana

VGLY retrata una historia de superación y supervivencia dentro del mundo competitivo de la música urbana latina que se desarrolla en el barrio de la Guerrero en la Ciudad de México. A través de los capítulos los/as espectadores/as podrán ser testigos de cómo un grupo de talentosos jóvenes luchan por cumplir sus sueños mientras se topan con dificultades. 

La serie cuenta con un elenco impresionante formado por Benny Emmanuel (Cosas imposibles), Juan Daniel García Treviño (Ya no estoy aquí), Sasha González (Mar de Fondo), Alex Lago (Rebelde) y el cantautor Natanael Cano. En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con parte de sus protagonistas, quienes nos revelaron más detalles de la historia y la preparación que tuvieron para sus personajes. 

VGLY
Copyright © HBO MAX. 

El reto de cantar y actuar en VGLY

VGLY es de las pocas series mexicanas que muestra la cultura urbana de la música rapera, un género que con el paso de los años se ha popularizado en Latinoamérica que, como toda industria, tiene su parte negativa y positiva. Principalmente, por la alta competencia y rivalidades que se pueden generar en el camino. 

En VGLY veremos rapear por primera vez al actor mexicano, Benny Emmanuel, quien aunque previamente había tomado clases de canto y llegó a audicionar para programas de concursos musicales, no estaba familiarizado con la industria musical y se propuso tomar clases para estar a la altura del personaje. 

“De morro yo quería cantar al principio, hice casting para Código Fama y me gusta es trip, tome clases de canto, después solo actúe, pero VGLY me dio ese chance y retome las clases había un pequeño antecedente”. 

Benny Emmanuel

Emmanuel sintió un poco de presión al ver que la serie tenía en su elenco a verdaderos cantantes famosos en la industria, como lo es Natanael Cano, una razón que lo motivó a exigirse cada vez más para el personaje. Mientras que Cano, quien es famoso por sus éxitos como Amor Tumbado y AMG, le fue complicado adaptarse al mundo de la actuación. “Benny tuvo el trabajo difícil, a mí me tocó salir un poco”, explicó el cantautor. “Me tuve que aprender las líneas y hacerlas a mi modo pero me gusto el proceso, siempre disfruté e hice cosas nuevas”.

VGLY
Copyright © HBO MAX. 

Una historia que se siente auténtica 

Sin duda Benny Emmanuel se destaca como el protagonista de la historia por ser un joven complejo con muchos sueños por delante que también debe lidiar con su contexto ya que se dará cuenta que para ingresar a ciertos espacios lamentablemente se necesita de contactos y ciertos privilegios. 

El actor nos platicó que no es ajeno a este tipo de temáticas ya que durante su niñez y parte de su adolescencia creció en barrios del Estado de México, por lo que conoce la situación de estas localidades.  “Yo de entrada viví en barrios, viví en Coacalco, en Ecatepec un rato y hay muchas cosas que recuerdo, como el ambiente de esos lugares y la banda que estaba ahí”. 

Para Beny, crecer en barrios le dio la oportunidad de tener un panorama más amplio y darse cuenta de que “tú decidías si tomar el camino más espinoso o el camino bueno”, aunque para el actor no es necesario irse a los extremos “porque todo es muy subjetivo” y la realidad y oportunidades para cada persona es muy diferente. “Estas cosas me las llevo para bastantes cosas de mis personajes”. 

Por su parte, Natanael Cano detalló que con base a su experiencia en la música, considera que VGLY logra ejemplificar de forma auténtica los problemas de la industria, principalmente, por las rivalidades que se generan. “Este espíritu competitivo, eso es lo que te motiva al final, personalmente me gusta competir y en la serie también”. Además, logró identificarse por lo difícil que es lograr abrirse camino y obtener el reconocimiento.

VGLY ya está disponible en la plataforma de HBO Max

VGLY
Copyright © HBO MAX. 

Exclusiva: ¡Así se prepararon Bella Ramsey y Pedro Pascal para The Last of Us!

En entrevista con Fuera de Foco, Bella Ramsey y Pedro Pascal nos contaron cuáles fueron las claves para interpretar a sus personajes en The Last of Us

Cada vez estamos más cerca del estreno de The Last of Us, una de las adaptaciones de videojuegos más esperadas, pero también más ambiciosas de todos los tiempos. Y es que con Neil Druckmann —creador del juego—, y Craig Mazin —creador de la serie de Chernobyl— a la cabeza del proyecto, han sido varias las promesas respecto a lo que veremos en la pantalla.

No obstante, las grandes promesas también vienen desde su cast, el cual es liderado por Pedro Pascal en los zapatos de Joel, y Bella Ramsey como Ellie.

Ahora, en entrevista exclusiva con Fuera de Foco, los protagonistas de The Last of Us nos contaron cómo fue traducir a sus personajes de un juego a la televisión, y la clave para ser fieles a las versiones originales del mismo a la vez en que le dan su propia voz.

The Last of Us

Del juego al guión

Bella Ramsey da vida a Ellie, uno de los personajes de videojuegos que mayor impacto han generado en las audiencias en los últimos años debido a múltiples factores, entre los que destacan su papel en el “apocalipsis”, el ácido humor con el que se desenvuelve en el juego y en especial, su relación con Joel, la cual se fortalece cuanto más progresa el juego.

Por ello, para los creadores era de vital importancia encontrar a alguien que pudiera tomar todo lo que el personaje representa, y traducirlo a la pantalla. Al final se anunció que Bella Ramsey sería quien interpretaría a la icónica Ellie y aunque en varias entrevistas previas asegura que la producción le sugirió no jugar The Last of Us, admitió haber visto algunos gameplays junto a Pedro Pascal.

Sin embargo, para Fuera de Foco, Ramsey comentó que realmente lo que le ayudó a entender al personaje no fue la historia original, sino el guión escrito por Craig Mazin.

“Gran parte de lo que necesitaba para entender a Ellie, se encontraba directamente en las páginas del guión,” explicó, ahondando en la forma en que el guionista unió esfuerzos con el creador de la franquicia para ser lo más fiel posible a los personajes del juego. “Craig y Neil tomaron todo sobre Ellie, sobre todos los personajes, y lo tradujeron en un guión genial.”

The Last of Us

Una heroína vulnerable

Bella Ramsey explicó que para entender al personaje, tuvo que estudiar a profundidad el guión y descifrar exactamente qué es lo que hace a Ellie una heroína tan compleja y con un terreno tan amplio para recorrer.

“La clave estuvo en reconocerla: en saber identificar su vulnerabilidad y cómo contrasta con su lado más bad-ass” compartió, puntualizando en lo vital de retratar la dualidad del personaje.

“Ellie tiene una naturaleza dura externamente, pero hay también un gran balance en ello y en cómo va cambiando conforme la historia progresa”.

Bella Ramsey, Fuera de Foco.

Ramsey añadió que más allá de ser un personaje rudo, era importante reconocer los momentos en los que “la niña dentro de ella sale a flote”, al igual en que su confianza y actitud la vuelven alguien “mucho más inteligente y audaz y madura que todos en la habitación”.

“Más madura que yo, principalmente” finalizó en broma Pedro Pascal.

The Last of Us

Un Joel trágico

A pesar de que el primer juego de The Last of Us es liderado por Joel, gran parte de su historia gira en torno de su viaje con Ellie, lo que por años ha dejado dudas respecto a su vida antes de la gran misión y varias de sus relaciones con las personas que le rodean.

Para Fuera de Foco, Pedro Pascal compartió que además de ahondar más en su historia y lo que lo convirtió en el hombre que es al comenzar el viaje, trabajó con los guionistas para darle también una profundidad emocional más sólida.

“La serie refleja la experiencia de la pérdida” comentó el actor, quien considera a tal punto el elemento de partida para su personaje en The Last of Us. “La pérdida sucede muy pronto en el día uno del apocalipsis, y para mí, fue una gran oportunidad tener ese anzuelo para trabajar. Aunque es un anzuelo muy trágico”.

Asimismo, Pascal profundizó en las grandes preguntas que girarán alrededor de Joel en la temporada, las cuáles apelarán a su identidad más allá de su rol como padre o protector: “Quién es este hombre? ¿Qué tiene? ¿En qué se convirtió? ¿De qué es capaz?”

No obstante, el actor considera que gran parte de la fortaleza del personaje está en el contraste que genera con Ellie, en quien descubre “lo que necesita para volver a sentirse humano”.

“Convertirse en humano de nuevo es en realidad una amenaza muy grande” aseguró Pascal, quien más allá de creer en el lado positivo de las emociones que el sentido de pertenencia de Joel pueda generar, construyó al personaje como alguien que sabe que llegar a tal punto viene con altos y bajos.

“Ser humano representa emociones y amar, pero también estar dispuesto y ser capaz de todo para no experimentar esa clase de pérdida otra vez.”

Pedro Pascal, Fuera de Foco.

Próximamente la entrevista completa en Fuera de Foco.

The Last of Us
The Last of Us estrena el 15 de Enero en HBO y HBO Max.

Original Sin: ¿Reinventará los clichés del género de horror?

Bailee Madison y Chandler Kinney, protagonistas de Pretty Little Liars: Original Sin nos cuentan sobre la visión femenina de las historias de terror y la importancia de recuperar su poder.

La esperada serie Original Sin, segundo spin-off de Pretty Little Liars finalmente llega a HBO Max y arranca su nueva historia con tres episodios de estreno. Pero, ¿qué hace a esta serie diferente a lo que hemos visto antes?

Creada por Robert Aguirre-Sacasa (Chilling Adventures of Sabrina), Original Sin nos lleva a Millwood, un pueblo donde dos décadas atrás, una serie de tragedias y asesinatos hicieron del lugar un escenario de terror. En la actualidad, un grupo de chicas de diferentes orígenes e historias y con sus propios problemas, son atormentadas por “A”, una figura misteriosa que les hará pagar por un pecado secreto cometido por sus padres hace veinte años, además de los suyos.

No obstante, aunque en esencia la estructura es muy parecida a aquella planteada por Pretty Little Liars, Original Sin llevará a la audiencia a un viaje mucho más cercano a una historia de terror, homenajeando de paso a los slashers que marcaron la década de 1980.

Platicamos con Bailee Madison y Chandler Kinney, quienes interpretan a Imogen Adams y Tabby Haworthe respectivamente, sobre su experiencia con el terror y por qué pronto Original Sin se volverá también un ícono del género y de las series teen.

Original Sin

El terror desde la perspectiva femenina

El género slasher y el terror en general nos ha dejado con diversos arquetipos que, aunque han mutado, permanecen vigentes a la fecha. Uno de estos clichés es el de la chica final o la final girl, una joven que se mantiene virgen, virtuosa y es “correcta”, en contraste al resto de los personajes que la rodean, haciendo de cierta manera que estas “cualidades” sean el motivo por el cuál es la única digna de sobrevivir al asesino o monstruo que acecha la historia..

El término final girl ha cambiado, pero en esencia sigue representando esa inocencia que perdura ante el trauma y empoderando a los personajes femeninos para enfrentarse a alguna gran amenaza, sea un fantasma, un asesino en serie o incluso el destino. Respecto a esta visión de las historias de terror y cómo Original Sin pretende cambiar el juego, Chandler Kinney comenta: 

Vivir el género de terror desde la perspectiva de Tabby fue algo muy muy especial. A lo largo de la temporada la vemos trabajar en sus propios proyectos de cine y se da cuenta que la visión masculina es predominante en el terror.[…] Ella aborda ese tema en sus películas, el por qué el cine siempre toma de víctimas a las mujeres, y el impacto que tiene para ella consumir esa clase de contenido como una mujer joven.

Chandler Kinney para Fuera de Foco.

Asimismo, afirmó que el viaje de las protagonistas girará alrededor del control y la experiencia de los personajes “siendo arrebatadas de su poder en circunstancias y situaciones diferentes, y cómo luce cuando intentan recuperarlo”.

Original Sin

Recuperar el poder

El misterioso “A” se ha convertido en un ícono de las historias de suspenso. El ente que conoce los secretos de todos los personajes, y cuya misión es atormentarlos por diversión, es algo que caracterizó a la primera serie de Pretty Little Liars y que en esta nueva versión toma una forma física que recuerda a Michael Myers en Halloween. Las protagonistas de Original Sin contaron qué representa para ellas una figura como “A” y el control que ejerce sobre las Mentirosas.

“Con Imogen en específico, la presencia de A y lo que pasa a su alrededor, se da a través de las preguntas ¿qué sucede cuando alguien arrebata tu fuerza? ¿Dejas que se la lleve o haces lo que sea necesario para recuperarla? A es una de esas personas, a las que Imogen está dispuesta a encarar. 

Bailee Madison para Fuera de Foco.

Además, la actriz añadió que es la primera vez que puede sumergirse de lleno en un personaje, donde “hace a un lado a Bailee y deja que Imogen tome su lugar”. Dicha experiencia la acercó emocionalmente mucho más a Imogen, quien al principio se encuentra en una posición de dolor, drama y superando un trauma, además de estar embarazada. A lo largo de la temporada sin embargo “su lado badass sale a la luz, y se vuelve implacable en su búsqueda por justicia y verdad”.

En palabras de Chandler, “A” también encarna una lucha por “recuperar la autonomía de sus vidas” y es a fin de cuentas el medio que termina reuniendo a las chicas y formando un equipo.

“Creo que la gente va a estar muy emocionada por ver nuestra versión de “A”, la cual es una figura muy ácida y cruel en muchos sentidos. Eso será muy interesante para la audiencia, ver cómo a “A” se le ocurren nuevas formas de torturar a la chicas, lo que lo hace aterrador pero también adictivo.”

Chandler Kinney
Original Sin

Terror, drama y una sangrienta cultura pop

Original Sin es un homenaje al cine de terror, por lo que en el camino las referencias a clásicos como Halloween, Pesadilla en la Calle del Infierno, Carrie pero también a cintas más recientes como Midsommar, Hereditary, Get Out, Us entre otras, estarán a la orden del día. Además de responder a guiños clásicos, la historia también buscará sostenerse por su propio horror, experiencia que Kinney y Madison, afirman que la directora Lisa Soper —quien estuvo a cargo de 5 episodios esta temporada— logró magistralmente. 

Siempre quise saber cómo se hacían las cosas en estas historias, cómo se hacían algunos stunts, qué clase de sangre falsa se usaría. Con Original Sin, pudimos ver de primera mano todos los elementos para crear terror desde la cinematografía, y a través de los bocetos en la lista de rodaje. Fue hermoso poder ver eso en acción con Lisa Soper, quien es una genio del terror y entiende las dinámicas y elementos que lo hacen tan atractivo. 

Chandler Kinney.

Kinney también comentó que para prepararse para el papel de Tabby, vio varios clásicos e intentó estudiar lo más posible sobre cómo se realizan las producciones detrás de cámara.

“Tuve que investigar mucho para entrar a la mente de Tabby, que es realmente extensa. Es una mente muy intelectual y estudiada, así que investigué, vi muchas películas e hice lo mejor por entender las referencias.”

Chandler Kinney.

Más allá del terror, algo que también caracterizará a Original Sin son las dinámicas entre sus personajes. Bailee Madison explica que “no saben que se necesitan mutuamente hasta que entran en la vida de la otra” puesto que no comenzarán siendo amigas, dando más terreno a la historia para crear los lazos entre las cinco.

“Unirse va a ser mejor para ellas, a pesar de las circunstancias bajo las cuáles se da su amistad. Van a verse por primera vez y al mismo tiempo también van a sentirse vistas por primera vez.”

Bailee Madison.

¡Los primeros tres episodios de Pretty Little Liars: Original Sin ya están disponibles en HBO Max!

Original Sin

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¿Por qué Gilmore Girls es una de las mejores series?

Gilmore Girls, después de 20 años, sigue siendo una de las series más exitosas y originales que nos hemos encontrado

En uno de sus viajes, la escritora Amy da con una posada alfombrada de otoño, donde los clientes se servían el té por sí mismos y todos parecían conocerse entre sí. “¿Quién ha montado todo este set de rodaje para mí?”, exclamó. Esa misma noche comenzó a escribir Gilmore Girls en una de las libretas de su hotel. A eso le siguió cientos de guiones más y la dirección de una de las series más aclamadas del presente milenio. El 17 de enero celebramos el cumpleaños de Amy Sherman Palladino, guionista y directora del tv show Gilmore Girls.

¿Cómo imaginan a la joven Amy? Su padre es nada menos que el comediante Don Sherman, y fue de sus viejos vinilos de The 2000 year old man, donde comenzó a empaparse de la comedia. Fue guionista de Roseanne y participó como bailarina en el musical Cats. Fue conocida por su obsesión a que cada palabra reproducida por los actores fuera idéntica al libreto, por rodar escenas de 10 páginas en una sola toma o escribir guiones de 80 páginas para producciones de 50. Una mujer excéntrica e ingeniosa, pero directa. Muy a lo Gilmore Girls.

Y es que si algo caracteriza esta serie, es efectivamente su ingenio y excentricidad. Pero, ¿cómo funciona? ¿Qué es lo que la convirtió en una de las series más destacadas de Estados Unidos? Acompáñanos a descubrirlo.

Gilmore Girls

Guiones Inteligentes y Representación Generacional

Quizás la característica que define a Gilmore Girls más que ninguna otra cosa es su estilo de guion. Las situaciones planteadas son simples, muchas intrascendentes, pero los diálogos están dotados de un ingenio que sólo Amy nos ha ofrecido. Las charlas son lo que le da cuerpo a la serie, pero no es homogéneo. Cada personaje tiene personalidad propia:

Lorelai (Lauren Graham) es una mujer en sus 30 que, tras quedar embarazada a los 16, lucha por tener una estabilidad económica, escolar, social y por supuesto, de madre. El sarcasmo es lo que más la define, y no necesita ser sínico para funcionar. Por el contrario, está compuesto de simpleza pura. Los huevos del desayuno o la risa del vecino, este tipo de cosas son de las que está rodeado su característico ingenio. Dicho de otro modo, el sarcasmo va con el tono de la serie: es cotidiano y agradable.

A esto hay que agregar las innumerables referencias a música, películas, literatura y cultura pop en general que adopta la serie. Por ejemplo, además de los otros temas, un total de 300 libros son mencionados en las siete temporadas. Por supuesto, tiene la cualidad de hacerlo sin volverse agobiante para el espectador.

Gilmore Girls

La inocencia y sinceridad de Rory (Alexis Bledel) la hacen diferente del típico personaje de la chica adolescente. A pesar de ser destacada en la serie por ser una chica estudiosa, que no busca problemas, cuyo mayor sueño es ir a la universidad de Harvard, no la vemos caer en el estereotipo de la nerd, la niña perfecta, o ninguna extensión de estos. En Rory también encontramos el sarcasmo de su madre, pero como es natural, dotado de más inocencia. Es a opinión, uno de los personajes femeninos adolescente más sinceros y reales que nos ha presentado la televisión.

Los abuelos: Emily y Richard Gilmore, que representan a la clase alta estadounidense en sus años más longevos. La serie representa tres generaciones (y su choque entre ellas): La de Rory con 16 años, Lorelai en sus 30 y los abuelos con más de 70. Por ello, Gilmore Girls parecería no tener un target definido. No parece centrarse en un aspecto juvenil o adulto específico, es una mezcla que equilibra ambas cosas a la perfección. Chicos y grandes se identifican con ella. Más que centrase en una etapa específica, el principal tema de Gilmore Girls es la familia en general. El crecimiento, las clases sociales, las aspiraciones, las congruencias y choques entre todo esto.

Gilmore Girls

Estética Acogedora

Seguimos con lo cotidiano. Aceptémoslo, Gilmore Girls no sería Gilmore Girls sin su estética otoñal-invernal. Las estaciones son un factor importante en la serie, especialmente estas dos. Al inicio del intro vemos un arce con sus hojas coloradas. La paleta de colores está llena de amarillos, marrones y rojizos si se encuentran en otoño, o azules y blancos para los días nublados o el invierno. No solo hablamos de los escenarios, la naturaleza, las casas, las pintorescas tienditas del pueblo de Stars Hollow, también la vestimenta de los personajes.

El poder no está en las estaciones en sí, sino en las referencias que el imaginario cultural posee sobre estas. Yule, navidad, el nacimiento de distintos dioses, festejar el solsticio de invierno: los festejos decembrinos a través de las culturas siempre han sido un símbolo de unidad, convivencia. Entre los vikingos para sobrevivir al frío y atraer buenas cosechas. Los romanos celebraban el regreso del sol. Ahora es en la mayoría de los países la oportunidad para estar con los amigos y la familia.

El invierno siempre ha sido un símbolo de acogimiento y amor. Quedarse en casa, tomar café calientito, estar con los seres queridos. Esas referencias son las que nos trae Gilmore Girls con su estética. La vida en Stars Hollow parece transcurrir pacífica pero llena de pequeñas aventuras. Un sitio donde cualquiera de nosotros se detendría a beber café, a charlar con un desconocido o a observar alguna de sus festividades. En esta serie, el pueblo es un personaje más.

Cotidianidad y Hospitalidad

Al final, la cotidianidad y el acogimiento son las claves de Gilmore Girls. La paleta de colores, el sarcasmo, la vestimenta, el paisaje de Stars Hollow, la familia, los personajes. Todo gira en torno a estos dos elementos. Tan imprescindibles, universales y comprendidos por todo el mundo. Por ello se ha convertido en una serie de culto. Y he aquí la paradoja de Gilmore Girls: El tono que Amy Sherman Palladino le dio a su dirección y guion podría parecer excéntrico sí, pero el resultado es todo lo contrario: Una historia llena de simpleza, personajes entrañables y sinceros. Una prueba de que menos es más.

Gilmore Girls
Seriéfila y Seriéfilo, te invito a disfrutar de la serie completa más el revival 2016 en Netflix. Cuéntanos, ¿qué opinas de Gilmore Girls?

Utopía: La nueva serie sobre teorías conspirativas

Existen múltiples historias que se han adaptado al formato audiovisual abordando el tema de las teorías conspirativas, y Amazon Prime apuesta por Utopia, el remake de una historia que promete dejarte al borde de tu asiento.

¡Hola cinéfila y cinéfilo! ¿Crees en las teorías conspirativas? Si tu respuesta es sí, estoy más que seguro que la serie Utopía te gustará, y si dijiste que no, yo sé que la intriga no te dejará perdértela…

Utopia

¿De qué va Utopia?

La nueva producción de Amazon Studios es una serie thriller conspirativa que aborda el cómo salvar el mundo mientras encuentras tu lugar en él. Centrada en un grupo de fans de los cómics que se conocen en línea y comparten su obsesión por un cómic, aparentemente de ficción, titulado Utopía.

A lo largo de los 8 capítulos de esta primera temporada la historia nos llevará por un camino donde los protagonistas desentierran significados ocultos dentro de las páginas de Utopía, que predicen amenazas para la humanidad. Al darse cuenta que no son solamente indicios de una conspiración, este grupo emprende una aventura peligrosa que los llevará a encontrarse con el famoso personaje central del cómic, Jessica Hyde, quien se une en su misión por salvar al mundo.

Una historia que para el día de hoy, puede ser un tema interesante para la sociedad mundial, ya que trata temas (abordados en la temática de conspiración) como el Zika, ébola y algunas otras enfermedades que estos fanáticos creen fielmente que fueron creados en un laboratorio. Una teoría de conspiración basada en el control mundial basado en erradicar a cierto porcentaje de la población basado en la enfermedad y el miedo. 

Y al vivir en carne propia la cuarentena causada por una pandemia nacida por un virus, rodeados de la desinformación causada por el pánico y el miedo que cubre a la población mundial, esta serie llega en un momento donde podría convertirse en una historia relevante o quizá solo pasar de largo.

Utopia

Elenco

Una vez más y ante su exponencial crecimiento, Amazon reúne a un elenco lleno de grandes talentos que prometen dejar buenas interpretaciones para esta producción. La historia es escrita por Gillian Flynn quien es showrunner y productora ejecutiva, acompañada de Jessica Rhoades (con quién además compartió labores en Sharp Objects). 

El emblemático grupo de fans es interpretado por Ashleigh LaThrop (Becky), Dan Byrd (Ian), Jessica Rothe (Samantha), Desmin Borges (Wilson Wilson), Javon “Wanna” Walton (Grant) y Sasha Lane (Jessica Hyde). Además de que esta serie es protagonizada por el gran actor John Cusack como el Dr. Kevin Christie, quien está tomando su primer papel regular en una serie de televisión.

Entre más personajes regulares y de importancia tenemos a Farrah Mackenzie como Alice, Christopher Denham como Arby, Cory Michael Smith como Thomas Christie y al gran Rainn Wilson como el Dr. Michael Stearns, uno de los personajes más importantes de la historia y que ayudará a los protagonistas a resolver los misterios que encuentren para salvar al mundo.

Fue justamente con Wilson con quien pudimos tener una entrevista y nos contó mucho acerca de su personaje y la importancia de la historia en el contexto actual. 

Se le preguntaron cosas como el desarrollo de su personaje, una posible futura entrega, en qué se basó la historia para re crearse en una versión norteamericana. Pero una de las preguntas que causó mayor impacto durante la entrevista fue si él personalmente creía en teorías conspirativas, a lo que el actor respondió con un rotundo sí. Pero que sus creencias iban más allá de las convencionales sobre el origen de la humanidad y el control mundial mediante diversas fuentes. 

“…Claro que creo en las teorías conspirativas, sé que son muy populares en estos días, pero en las teorías que yo creo, son un poco diferentes. Hay teorías conspirativas acerca de empresas de Petróleo, empresas de energía con el tema de detener el cambio climático. De hecho tuité el otro día y leí un artículo al respecto, sobre cómo las compañías de Petróleo quieren hacer creer a todos que el plástico es completamente reciclable, así ellos pueden hacer mucho más plástico y todos lo hacen. Yo compré esta botella (muestra la botella en la conferencia), la terminó y la voy a tirar en los reciclables y harán nuevo plástico. Es seguro, saludable y muy fácil de usar. Así que esa es la clase de teorías conspirativas que creo, basadas en ciencia, hechos y realidades. Son la clase de teorías que nos puedes esconderle al mundo.”

Rainn Wilson para Fuera de Foco en entrevista por Utopía.
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Sabemos que esta nueva serie está inspirada en su versión inglesa (Utopia) que no culminó su historia al final de su segunda temporada. Y por motivos desconocidos, la producción decidió no dar un cierre a esta versión de la historia, para dar pie a este remake encabezado por Gillian Flynn como su productora ejecutiva.

Esta nueva serie se estrenará en Amazon Prime Video este 30 de Octubre para México y todo Latinoamérica. 

¿Qué dices, cinéfila y cinéfilo? ¿Verás esta producción sobre teorías conspirativas? ¡Queremos saber qué opinas!
¡No te puedes perder a todos los ganadores de los Premios Ariel 2020!

Top 6 Apps que todo Cinéfilo necesita en su vida

¿Eres todo/a un/a cinéfilo/a? ¿Aspiras a serlo y no sabes cómo mantenerte al tanto con todas las novedades del mundo del cine? ¡Pues has llegado a la nota adecuada! Aquí en Fuera de Foco nos hemos decidido a armar la primera parte de lo que debería ser la guía esencial para todo cinéfilo en materia de aplicaciones para teléfono y sitios web que debes tener en tu barra favoritos. ¡Esperamos que te lleves algo nuevo de esto!

IMDb: Internet Movie Database

La base de datos de las películas. Todas las películas en el mundo, estrenadas o por estrenar, están aquí; si no la encuentras, es porque no existe. En este sitio (también tiene su aplicación móvil) podrás encontrar absolutamente toda la información sobre películas, televisión y videojuegos.

¿A qué me refiero? Elenco, crew de producción, biografías personales, resúmenes de trama, trivias, calificaciones, reseñas de fanáticos y de críticos profesionales… ¡Y mucho más! En IMDb hay más de 6.5 millones de títulos (incluyendo episodios) y cuenta con 10.4 millones de personalidades dados de alta.

Cinéfilo

Puedes crear tu cuenta opcionalmente y comenzar a calificar contenido, escribir reseñas, hacer listas y, sobre todo, tener toda la información del mundo del cine al alcance de tu mano. ¿Qué estás esperando?

JustWatch: la guía del streaming

¿Te ha pasado que quieres ver una película en casa, pero no sabes en qué plataforma de streaming o de VOD (video on demand) está disponible? ¿No quieres entrar a cada una de ellas hasta encontrarla? Tenemos la solución perfecta para ti y se llama JustWatch.

Entrando al sitio web o descargando la aplicación móvil, nos encontraremos con una plataforma en donde, al seleccionar la región en la que nos encontramos (recordemos que cada servicio de streaming ofrece un catálogo distinto en cada región del mundo), tenemos toda la libertad del mundo para buscar la película o serie que queremos ver y rápidamente nos arrojará múltiples resultados para que opciones no nos falten.

Cinéfilo

¡Se acabaron las pérdidas de tiempo buscando catálogo por catálogo! JustWatch llegó a salvarnos.

Letterboxd: la red social de los cinéfilos

Para conocer, debatir e intercambiar ideas con cinéfilos en todo el mundo. En Letterboxd uno tiene la oportunidad de explorar infinidad de títulos para así calificarlos, reseñarlos e interactuar con aquellas personas que también lo han hecho.

La posibilidad de hacer listas, llevar un diario, medir las estadísticas que tanto tú como tus amigos han tenido en el año y llevar un registro de actividad son más de las características que podemos encontrar tanto en el sitio web como en la aplicación móvil. Completamente imprescindible para un/a cinéfilo/a.

Cinéfilo

Rotten Tomatoes: contra el mito

Rotten Tomatoes es un sitio web que tiene muy dividida a la gente. Unos creen que el % es la calificación de la película, otros dicen que se compran críticos y hay quienes simplemente no están de acuerdo con cómo este sitio tiene tanto poder de influencia popular en las series y películas.

El sitio de los jitomates podridos es esencial para los cinéfilos a quienes les concierne lo que la crítica (principalmente) y/o la audiencia dice sobre las películas que quieren ver. La manera en la que este portal funciona es juntando la cantidad de críticas positivas (calificación de 6 o 7 hacia arriba o letras C o B en adelante) que un filme o una serie tiene.

Es muy consultada por cinéfilos debido a la popularidad con la que goza el sitio y porque los mejores críticos del mundo están certificados como tomateros. Te dejamos el video de Gaby, nuestra directora, explicando exactamente cómo funciona Rotten Tomatoes.

Gaby nos platica acerca de RT

RunPee: porque los cines no tienen botón de pausa

Quizá pienses que esto es una broma, pero la verdad es que esta es la aplicación móvil que necesitabas. Si eres de esas personas con vejiga que no coopera cuando bebes el refresco de tu combo, seguramente te resistes las ganas de ir al baño en la sala de cine o, en todo caso, sales y te pierdes partes importantes de la peli. Eso se acabó.

Run Pee es una aplicación que te proporcionará los mejores peetimes (momentos para ir al baño) y, además, te explica por texto lo que te estás perdiendo. ¿Cómo funciona? En cuanto inicie la película debes empezar el cronómetro en la aplicación y te irá notificando cuándo es el mejor momento para abandonar la sala. Basta ya de sufrimientos y entérate de lo que te pierdes.

Cinéfilo

Fuera de Foco: las mejores noticias, críticas, tops y artículos

¡No podía faltar EL MEJOR sitio web para encontrar la actualidad del cine, las series y la cultura pop en general! En Fuera de Foco tenemos un equipo de cinéfilos, seriéfilos, geeks y amantes de dicha cultura dedicados completamente a entregarte la mejor información sobre este mundo que nos apasiona tanto.

En este sitio web encontrarás críticas de las últimas novedades en el entretenimiento, tops en donde rankeamos películas, celebridades, series y videojuegos; noticias, entrevistas, videos de YouTube, nuestro podcast… ¡Y mucho más!

¿Qué opinan, cinéfilas y cinéfilos? ¿Nos faltó algún otro sitio u otra aplicación? ¡Ponlo en los comentarios para agregarlo en la secuela de esta guía esencial de un cinéfilo!

10 años de La Red Social: La verdad detrás de Facebook

¡Hola, cinéfilas y cinéfilos! Este año se cumplen 10 años de una de las películas que han dado una perspectiva diferente sobre las redes sociales, que hoy en día predominan en nuestra vida del día a día. ¡Hoy hablamos de la red social! El origen de Mark Zuckerberg y Facebook.

¿De qué trata la red social?

Una historia que nos narra la historia de cómo Mark Zuckerberg desarrolló el monstruo de red social que hoy en día es posicionado como el más grande de todos en número de interacciones y usuarios en línea.

Interpretado por Jessie Eisenberg, la historia comienza con la vida universitaria de Mark en Harvard y cómo sus relaciones personales son las culpables de crear un sitio que califique a las mujeres de su universidad para saber “quién es más bonita que quién”.

Una página que además de denigrante, logró tirar los servidores de Harvard y esto lograra un castigo ejemplar por parte de la universidad para con Zuckerberg. Gracias al apoyo de uno de sus mejores amigos, Eduardo Saverin, Mark toma inspiración de una idea sobre una red social para Harvard y junto con su amigo, logra financiar y crear Facebook en solo 3 meses.

La producción de La red social tiene una excelente narrativa anacrónica que logra tomar escenas futuras donde los mejores amigos se demandan por incumplimiento de contrato, engaño y mucho más cargos, contándose desde la corte y desde el cuarto de Harvard donde nació todo. Una forma de ver la historia desde una perspectiva completamente diferente.

la red social socios
Jesse Eisenberg y Andrew Garfield en La red social

El gran impacto de la película y la red

La película en sí, generó mucha polémica y morbo a su alrededor, ya que todas las biografías siempre hablan de toda la historia que hay detrás de una gran creación para la humanidad. Y el caso de Facebook no es la excepción, ya que todo mundo quería saber el verdadero origen de un sitio tan potente y grande que logra conectar a personas del mundo entero y quién era el genio detrás de la historia. 

Pero lo que nadie esperaba era la honestidad que la cinta representaría en cuanto a Mark como persona y todo lo que hizo por lograr su sueño. Un hombre que se abrió paso sobre la gente sin importar las consecuencias que habría o a quiénes podría dañar.

la red social sean parker
Jesse Eisenberg y Sean Parker en La red social

Jesse Eisenberg: Uno de sus mejores y más difíciles papeles

Jesse se enfrentó a uno de los papeles más desafiantes que ha tenido como actor en Hollywood. Eisenberg es una persona que ha luchado toda su vida contra el trastorno obsesivo compulsivo, y para su suerte el personaje de Mark era alguien con este mismo trastorno.

Luchar contra su propio trastorno, interpretando a alguien que lo tiene fue un reto completamente diferente en su carrera actoral. Sin embargo logró una interpretación increíble de un creador de Facebook que se convirtió en un referente para su futuro artístico. 

la red social jesse eisenberg
Jesse Eisenberg como Zuckerberg en La red social

Verdades y mentiras de La red social

A pesar de que el filme está en su gran mayoría compuesto por la verdadera vida de Zuckerberg y el desarrollo de Facebook, existen algunas inconsistencias dentro de la historia que fueron creadas por fines únicamente dramáticos y la historia se adaptara bien a un guión cinematográfico.

VERDADES

  • Facesmash cerrado.

Una de las verdades que se retratan primero en la red social es cómo Mark crea un sitio que califica a las mujeres basados en los votos de las personas que se conectan. Un sitio que casi tira los servidores de Harvard y la causa del castigo de Zuckerberg.

  • Tarjetas de presentación.

La historia nos presenta a Sean Parker (Justin Timberlake), creador de una plataforma de música gratis quien es admirador del trabajo de Zuckerberg y busca ser su socio a como dé lugar. 

En una de las escenas, Parker le habla a Mark de cómo los jóvenes deben empezar a ser vistos como empresarios y que no cualquiera pueda robar sus ideas. Por lo que le dice que cuando tenga tarjetas de presentación, estas digan “I´M CEO, BITCH”. Y esto lo hizo realmente el creador de Facebook al tener sus primeras oficinas.

  • Zuckerberg deja Harvard

Para nada es un secreto este punto, al ver que la plataforma crecía como nunca. Mark decide dejar la universidad para potenciar su empresa en California y crecer junto con Parker.

  • Facebook nació por una ruptura

Otro punto muy acertado fue el origen, y como primer escena de la película vemos a nuestro protagonista ser cortado por su pareja, y por supuesto esto es cierto. Al querer distraerse de su ruptura por un tiempo, él piensa que debe ocuparse en algo importante y es cuando en una madrugada, crea Facesmash en Harvard, el resto es historia…

MENTIRAS

Si bien, como lo mencioné antes, casi todo es verdad, hay cosas que no pasaron y no son ciertas en absoluto.

  • Vida amorosa

Si bien, el origen de Facebook se da por una ruptura, Mark conoció a su actual esposa en el segundo año de la universidad, Priscila Chan, con quien ha permanecido hasta la actualidad. ¿Todo lo contrario de la película no? 

  • Reducción de acciones de Severin

La película planteó que Mark redujo las acciones de Eduardo Severin de un 30% a un 0.03%. Sin embargo, la reducción en un inicio fue hasta un 10% y al día de hoy se ha reducido considerablemente. 

Una vez más, con fines dramáticos (y para que el espectador odiara a Mark o sintiera lástima por Eduardo) la historia cambió los porcentajes reales.

  • Acusación de canibalismo

Uno de los momentos más graciosos/ridículos de la producción es cuando a Eduardo se le acusa de canibalismo animal forzado por un acto cometido en la universidad.

Un diario ve a Eduardo cuidando a un pollo en una cafetería, como parte de su iniciación en una fraternidad universitaria. Y la acusación nace de la acción de Eduardo de alimentar al pollo con pollo, lo que posteriormente lo llevaría a una acusación grave por parte de la universidad y que lo afectaría como socio de Facebook. 

Este acto fue completamente inventado para la película con fines dramáticos…o ¿cómicos? 

Este año se conmemoran 10 años del estreno de esta fantástica producción que nos da otro punto de vista de una de las mejores redes sociales que han existido en el internet.

la red social inicio
¿Qué opinan, cinéfilas y cinéfilos? ¿les gusta esta película? ¿Crees que es la mejor actuación de Eisenberg? ¡Queremos leer sus opiniones!
¡No te pierdas nuestro TOP de películas de Octubre en Netflix!

Batman: Top 5 Mejores interpretaciones

“No es quien soy… sino qué hago… eso es lo que me define”- Batman (Batman Begins)

¡Hola cinéfil@! Como sabes, hoy estamos celebrando Batman Day, y como parte de nuestra celebración queremos darles nuestro TOP de mejores Batmans en el cine. Desde Adam West hasta Robert Pattinson para definir quién es el mejor y más fiel al personaje del caballero de la noche.

Hay que recalcar que para definir los lugares de este top nos basamos en diferentes aspectos para calificar a las diferentes versiones (director, historia, villanos, trajes, etc) y que sea una escala justa basándonos en lo que los grandes actores que encarnaron al murciélago nos han entregado en sus películas.

5. George Clooney 

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De todas las diferentes versiones que vimos del vigilante de Ciudad Gótica, la versión de Clooney es la que por mucho deja que desear al espectador. Desde un tono demasiado oscuro de la película para una trama tan cómica con villanos, diálogos y una historia que fácilmente podría verse como una parodia de la gran interpretación de Adam West. Y tomando en cuenta a sus predecesores (Keaton y Kilmer) la interpretación de este Batman deja demasiado que esperar de un actor de la talla de Clooney.

4. Val Kilmer

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Este actor fue el encargado de llevar a cabo el cierre de la trilogía de Tim Burton que fue iniciada originalmente con el Batman de Michael Keaton, con todos los cambios posibles que Warner tuvo que hacer, desde la salida de Tim Burton como director hasta Keaton fuera del papel del murciélago. 

Val Kilmer logró interpretar a un vigilante de gótica un tanto rescatable de lo malo que pudo haber sido, ya que dentro de esta entrega se erotizó demasiado al personaje al grado de que la trama se centraba en una relación sin sentido como una doctora y se dejaba de lado a los grandes personajes como Acertijo. Quien logra salvar a la película por la enorme interpretación de Jim Carrey como Edward Nygma, el personaje más acertado y menos forzado de todo el filme.

La culpa de esta versión del murciélago no es culpa directa de nadie, ya que se buscaba culminar la trilogía con Keaton y Kilmer de la mano de Schumacher rescataron lo que pudieron para terminar esta saga de historias.

3. Ben Affleck

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Con una apariencia sacada directa del comic The Dark Knight Returns, Ben Affleck tenía todo para poder interpretar al mejor Batman en las versiones cinematográficas, sin embargo, las malas decisiones de DC y Warner Bros orillaron a que este Murciélago dejara a deber mucho a los fans más entusiasmados con la versión de su héroe, quien por fin sería incluído en la Liga de la Justicia formalmente.

La película donde nos presentan a Batfleck es en Batman V Superman: Dawn of Justice, donde junto con Wonder Woman buscan derrotar a Doomsday. Una buena presentación de un Batman maduro, prácticamente retirado y con toda la experiencia posible… sin embargo esto queda hasta ahí, ya que en posteriores apariciones, el guión y la dirección una vez más juegan en contra de la interpretación del murciélago de Gótica, ya que nos muestra a un Bruce Wayne cada vez menos capaz o quizá con una esencia no tan determinante como pudo haber sido.

Batfleck tiene aún dos oportunidades para redimir a su personaje con la entrega del Snyder´s Cut y Flashpoint, que esperamos no sean las últimas entregas como Batman de este gran actor.

2. Michael Keaton

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Keaton nos regaló, de la mano del gran Tim Burton, la primera versión de un Batman más serio y más oscuro con Batman y Batman Returns. Una entrega donde vimos a Jack Nicholson en una gran interpretación de Joker y en su secuela tenemos al Pingüino encarnado por Danny DeVito.

Este Batman retoma cómics más serios y mucho más profundos del Caballero de la Noche y fue una saga de películas que cautivó al público por el gran desarrollo, buenas narrativas, además de villanos bien fundamentados y desarrollados. Fue una completa lástima ver la culminación de una trilogía que fue muy bien llevada por Burton y estelarizada por Michael, llevada a menos con otros referentes al mando.

Michael Keaton se gana el merecido segundo lugar de este top por lograr traer a un vigilante memorable, heróico y muy representativo de su época.

Mención Honorífica

Adam West
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La versión de Batman de Adam West es muy diferente a lo que nuestras generaciones están acostumbradas a ver de este personaje, ya que West está basado en un vigilante de Gótica de los años 50 en adelante. El cual tenía un tono mayormente humorístico y buscaba salvar a su ciudad del crimen de una manera menos violenta o quizá menos realista.

Sin embargo, el papel de Adam West tiene una relevancia inimaginable para el desarrollo del futuro del personaje, ya que sin esta base no se hubiera logrado concretar otro tono o versión del murciélago, por tanto nunca hubiésemos visto a Keaton, Affleck o Bale en la piel de Bruce Wayne. 

Una mención especial al Batman que logró hacer posible el camino de uno de los personajes más amados del mundo de cómics de superhéroes.

1. Christian Bale

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Si hablamos de adaptaciones fieles, realistas, contundentes y memorables, el Batman de Christian Bale debe liderar la lista.

Con una sublime presentación del personaje en el año 2005, Christopher Nolan nos introduce a un mundo donde Batman “podría existir”, donde una Ciudad Gótica enfrenta problemas enormes y realistas como la economía, corrupción, crimen organizado y muchas cosas más. El origen de Bruce Wayne se remonta más allá de la motivación de hacer justicia por la muerte de sus padres y se expande a buscar justicia por Ciudad Gótica, defendiéndola de la destrucción por parte de grandes villanos como Ra’s Al Ghul, Scarecrow, Joker, Bane y algunos otros más.

Nolan creó un pequeño universo donde era posible que existieran vigilantes que dieran esperanza a los ciudadanos de que las cosas podrían cambiar para bien. La interpretación de Bale es increíble, además de ser un buen Bruce Wayne, logra ser el Batman más serio, determinado y oscuro de todas sus versiones, ya que tiene convicciones y pensamientos más enfocados en salvar a su ciudad y seres queridos sin importar el precio.

Por esto y mucho más es que la trilogía del Caballero de la Noche del señor Christian Bale, puede ser considerada como la mejor y la más representativa de este gran personaje de los cómics.

PATTINSON: EL NUEVO BATMAN

Batman

Ahora DC nos presenta a otro Batman que llevará un universo por aparte del universo cinematográfico que está desarrollando. Hasta el momento se sabe que será interpretado por Robert Pattinson, actor reconocido por grandes películas como El Faro, Agua para Elefantes, Harry Potter y por supuesto la saga de Crepúsculo. Una decisión un tanto polémica pero que sin duda puede llenar los zapatos de ser el Caballero de la Noche.

Esta nueva saga de películas cuenta con la participación de Collin Farrell (El Pingüino), Zoë Kravitz (Catwoman), Jeffrey Wright (Jim Gordon), Paul Dano (Acertijo) y Andy Serkis (Alfred Pennyworth). Un elenco con demasiado talento que pinta para ser una saga de películas llenas de acción, espionaje y excelentes actuaciones.

¿Crees que Battinson esté al nivel de los anteriores?

¿Tú qué opinas, Cinéfila y Cinéfilo? ¿A quién pondrías en primer lugar? ¡Nos gustará mucho leer tus comentarios!
¡Mira aquí nuestro TOP de mejores películas de Christopher Nolan!

Scott Pilgrim Nos explica el Amor Millennial

Scott Pilgrim vs the World explora las relaciones amorosas milennial de una forma original.

Hace exactamente 10 años que conocimos por primera vez a Scott Pilgrim, un adolescente que creyó haber encontrado al amor de su vida en Ramona, la mujer de sus sueños (literalmente). La cinta ‘Scott Pilgrim Vs. The World’ , fue adaptada del cómic creado por Bryan Lee O Malley y trascendió por sus referencias a la cultura pop y el uso de onomatopeyas para emular el formato de cómic. Pero si quieren saber más curiosidades de esta cinta pueden darle click aquí .

Aquí, nosotras vamos a aterrizar justo en las relaciones amorosas que nos presenta una de las cintas más recordada por la generación Millenial.

El plot de ‘Scott Pilgrim Vs. The World’ narra la historia de un ventiañero baterista que comienza a salir con Kinves Chau (Ellen Wong), una chica menor que él, cuyo perfil parece favorecer los intereses de Scott (Michael Cera), quien terminó una relación complicada con otra chica. Pero todo da un giro cuando ve en sueños a una hermosa chica que termina por conocer en la vida real: Ramona Flowers. Tras comenzar a salir con ella, descubre que tiene siete exnovios malvados con los que tendrá que enfrentarse si quiere “ganarse “ a la chica.

El Dilema de Scott Pilgrim

Mientras que Scott Pilgrim lucha con cada uno de sus ex novios, Knives se siente traicionada, así tenemos a protagonista entre dos chicas: una que parecer ser una revelación divina del cielo, aun cuando sea una completa desconocida. Y otra que, a pesar de mantener una relación cercana, es únicamente una forma de llenar un hueco en la vida amorosa del protagonista.

Scott Pilgrim

¿Con quién se quedará Scott? Lo curioso es que esta historia tiene dos posibles finales: el alternativo y el real. Tal vez la respuesta a esa pregunta no sea ninguna de las que esperamos.

El personaje de Knives puede ser la chica conservadora de colegio católico que cree en el amor idealizado, pero tiene una ventaja: es real. El personaje es planteado a toda su expresión, sufre cuando Scott la deja, pero finalmente la vemos pelear con seguridad a poco tiempo de que acabe la película, el personaje tiene un desarrollo.  Por otro lado, Ramona Flowers es una chica irreal, que no le dirige a Scott más de 20 palabras en toda la cinta.  En el final real, Scott Pilgrim y Ramona Flowers se alejan hacia una misteriosa e interespacial puerta. En el final alternativo Scott se va con queda con Knives y la escena donde Ramona pasa por la puerta representa una aceptación por la decisión final del protagonista.

Las dos chicas de sus sueños

El término Manic Pixie Dream Girls fue acuñado por el crítico Nathan Rabin en 2007, cuando habló de la protagonista de Elizabethtown (2005).  “Las Manic Pixie Dream Girls están ahí para ayudar a los hombres inseguros a perseguir su propia y egoísta felicidad. Yo acuñé aquel término para criticar el sexismo cultural, para intentar que le fuese más difícil a los escritores masculinos disimular su condescendencia al proyectar fantasías masculinas de mujeres ideales como personajes realistas”.

Otro ejemplo más que claro podría ser Ruby de Ruby Sparks (2012), personaje que de por sí ya posee una naturaleza irreal: hablamos de una chica creada por la mente de un inseguro escritor que luego del rompimiento de su última relación, está en busca de la mujer perfecta Finalmente el protagonista termina por exigirle a la chica cada vez más y no saciarse nunca.

Manic Pixie Dream Girl: Una chica excéntrica y que tiene poco desarrollo en la historia, y existe para servir a la evolución del protagonista hombre, no cabe duda de que nuestra Ramona Flowers cabe en esta categoría perfectamente. En la cinta, este personaje llega como un espíritu misterioso y excéntrico que el protagonista pretende usar como la solución a todos sus problemas, pero que finalmente no lo logra.

Scott Pilgrim

Por un lado tenemos a una Manic Pixie Dream Girl ¿y por el otro? Aunque Knives no cabe totalmente en el término, se acerca bastante en la parte de ayudar al personaje a encontrar su egoísta felicidad. ¿Qué pasa con las chicas en Scott Pilgrim? ¿Por qué da la impresión de que tenemos a un protagonista inestable que solo está usándolas para sentirse mejor? Aun cuando parezcan chicas en extremos opuestos, tienen más que común de lo que parece.

Ambas son chicas que Scott eligió, en cierto sentido, como una herramienta para tratar de lidiar con sus problemas. En el caso de Knives está más claro, desde el punto en que quiso salir con ella solo porque encontró útil su imagen de niña conservadora, hasta podría decirse que entra en el papel de “la otra chica de sus sueños”. Con Ramona no es tan diferente, de alguna forma desde que Scott puso sus ojos en ella como “la chica que iba a arreglar su vida”, sin conocerla ni un poco, significó solo otra estrategia más.

Después de leer esto parece que la respuesta está más que clara. La verdadera pregunta no es ¿Knives o Ramona?, sino ¿Por qué a Scott le gusta usar a las chicas para solucionar sus problemas de inseguridad? En un final ideal, Scott Pilgrim deja ir a ambas mujeres y se va directito a terapia.

En Fuera de Foco te invitamos a revivir una vez más la historia de cinta ‘Scott Pilgrim Vs. The World’ en su décimo aniversario. ¡Cuéntanos qué piensas!

She-Ra: ¡Mucha Diversidad y Diferentes Personajes!

La nueva She-Ra se posicionó como un gran símbolo LGBT

La adaptación de She-Ra and The Princesses of Power que produjo Dreamworks y transmitió Netflix desde 2018 acaba de finalizar con su temporada número cinco. La serie animada creada por Neolle Stevenson terminó siendo un gran símbolo LGBT y además con una resolución de la villana pocas veces vista.

Salvar el mundo de las garras de Horde Prime pasa totalmente a segundo plano y entramos en un juego donde la exploración de los personajes sale de sus arquetipos de una forma peculiar.  

Villanos: Explorados pero no Victimizados

She-Ra and The Princesses of Power es una de esas series contemporáneas que replantea su concepto de héroe-villano, donde los polos bueno-malo que aparecen totalmente definidos en un inicio se van diluyendo conforme se desarollan los personajes, pero más allá de usar la estrategia de justificación al villano, la historia toma un rumbo donde los personajes de ambos bandos exploran sus emociones viviendo las consecuencias de sus actos, pero también siendo empáticos con el otro.

She-Ra

El concepto de “esquema” en la psicología fue introducido por el suizo Jean Piaget, dicha rama actualmente estudia los patrones de pensamiento y comportamiento en las personas y los conceptualiza en creencias. Si lo ejemplificamos con Catra, la creencia sería “Todos me abandonan” o un “No soy suficiente”.

Estas creencias nacieron en un momento específico de su vida y van repitiéndose en distintas situaciones en las que ella vuelve a sentir ese abandono (muchas veces causado por sus mismas acciones) e intenta repararlo en situaciones de rechazo que sólo terminan por fortalecer esa creencia. La serie de She-Ra and The Princesses of Power aplica bien dicho concepto.

El perfil de personaje de Catra en otras historias hubiera terminado por victimizarse por su pasado y justificarse ante el espectador.

En un inicio intentó escapar de su esquema de abandono y desaprobación (secuelas de los tratos de Shadow Weaver) por las vías incorrectas: primero intentando conseguir la validación de la misma Shadow , luego con Hordak (ambas personas con un sinfín de limitaciones emocionales). Y luego,, al buscar excesivamente el reconocimiento por su deseo de estar hasta arriba para sentirse suficiente. Claramente nada de esto funcionó, hasta que finalmente decidió repararlo en el lugar correcto, con personas que fueron capaces de reconocerla y establecer un vínculo afectivo con ella.

She-Ra

OJO: Esto no significa que exista un borrón y cuenta nueva. Catra, y en realidad todos los personajes de la serie, se ven obligados a enfrentar los roces que sus actos generaron en su relación con los demás.

Lord Hordak es otro ejemplo de ello: Inicialmente se nos presentó como un antagonista malvado y manipulador, cuyas víctimas eran Shadow Weaver y Catra. Después, pasamos a conocer su origen y finalmente lo vemos aprender y rebelarse pero no por ello con un final feliz.

Hay errores que no pueden ser reparados del todo, todos podemos aprender, pero nada evita que vivamos las consecuencias de nuestras acciones, esa idea se repite mucho en el universo de She ra y la Princesas del Poder. Finalmente, la serie explora a unos personajes que salen del arquetipo del protagonista y antagonista, mostrando en el camino cómo las acciones agresivas, paradójicamente, son cometidas como un intento de satisfacer una necesidad emocional.

La Representación de la Diversidad

La serie también presenta personajes multi raciales y LGBT. Aún cuando la historia no gira en torno al tema, el universo de She-Ra and The Princesses of Power se percibe como un mundo donde las relaciones afectivas fluyen en todas direcciones sin poner en duda el valor de cada una de ellas ni por el género, ni por el sentido, (ya sea sólo fraternal o también romántico).

She-Ra

Cabe mencionar que, tanto las series que presentan la diversidad como un tema principal en la trama, que buscan criticar directamente la homofobia y el racismo, son válidas y funcionan igual que otras como She-Ra and The Princesses of Power, donde introducen la diversidad racial y sexual sin enfocar la historia como una crítica, pero sí como una representación de forma natural.

En el universo de She-ra, encontramos a personajes no binarios como Double Trouble, relaciones lésbicas como Netossa y Spinnerella, relaciones gays como los padres de Bow o incluso relaciones que iniciaron con un sentido de hermanos y terminaron por transformarse  en relaciones románticas, como Glimmer y Bow, o Catra y Adora.  Además, encontramos diversidad de razas, tanto en cuestión de color, como de formas corporales: El personaje de Frosta tiene rasgos asiáticos, pero también encontramos rasgos norteamericanos en la protagonista o africanos en el caso de Bow y sus padres.

She-Ra

Decir que es “forzado” representar diversidad en la narrativa porque esta se vuelve el tema central no tiene sentido. El objetivo es enviar un mensaje de fraternidad y de respeto, y mientras ese mensaje exista, el método para hacerlo, la cantidad de personajes, si se introducen directamente o como un subtexto, todo eso termina por importar poco.

Los personajes de She-ra se detienen a juzgarse por sus acciones, pero nunca por los sentimientos afectivos que tienen con los otros. Si bien hubo un espacio a mitad de la serie donde la pareja principal, Adora y Catra, parece salirse del rol de pareja, no cae en lo que hizo Avatar: La Leyenda de Korra cuando introdujo a la pareja de Korra y Asami en el último episodio de la última temporada. La relación amorosa de Adora y Catra comenzó a cimentarse desde los primeros episodios, continuando con la estética sensual de sus peleas, pasando por momentos de total odio pero finalmente terminando por repararse.

She-Ra

Cuando salió la primera imagen de She-Ra and The Princesses of Power hubo un boom en las redes sociales, con el argumento sin sentido de que “el cuerpo de la protagonista no era femenino”. Otra de las cualidades de She-ra es que el género no está limitado, las mujeres son diseñadas con cuerpos atléticos, musculosos o delgados, al igual que los hombres y los no binarios.

La serie emitida por Netflix y producida por Dreamworks está llena de personajes diversos, aventura, un gran desarrollo de personaje, mucho humor, tanto su apartado visual como auditivo dan como resultado una estética que funciona y atrae las miradas de todo el mundo. ¡Es una serie que no te puedes quedar sin ver!

¿Ustedes qué piensan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Qué opinan de She-Ra y las Princesas del Poder?

Animación: ¿Sólo es para niños?

Desde Las connotaciones sexuales de Betty Boop en los años 30, o El Pato Donald usado como propaganda en la segunda guerra mundial en 1943 con el corto “Der Fuehrer’s Face”, que fue premiado por los Oscar, muchos los usos los que se le ha dado a la animación a través de los años y en distintas partes del mundo pero, ¿por qué solemos escuchar que la animación es para niños?

1.Porque era una niñera perfecta.

Alrededor de los años 40, la Tv americana comenzó a transmitir sus primeras series animadas, entre ellas Merrie Melodies del estudio Warner Bros  o los estudios Terrytoons.

El rechazo a la animación por parte de un público adulto también gira en torno a la baja calidad de la animación usando la rotoscopia de los 40 a los 60 y contrastaba grandamente con la calidad un tv show promedio, o en su peor caso la técnica de Syncro Vox, que combina imágenes estáticas con imágenes en movimiento sobre todo en la zona de los labios.

Animación

Los segmentos animados eran cortos de por sí y la televisión también comenzó a usarse de niñera. En resumen, los niños eran los únicos que podían soportar la baja calidad y además era usado como una estrategia para distraerlos. Así los niños se convirtieron en una audiencia fuerte y eventualmente, los productores comenzaron a escribir para su audiencia.

2.Porque la mayoría de productos comercializados son dirigidos a un público infantil. 

La mercadotecnia tiene gran parte de responsabilidad en el asunto. Desde el estreno de los segmentos de Félix el Gato, fue el primer personaje animado en ser comercializado, en forma de muñecos y hasta aviones de la marina.

En 1986, Mattel presentó su línea de juguetes Popples, que luego se adaptaron para una serie de 44 episodios que como se esperaba, aumentó sus  ventas al máximo. Las grandes empresas de juguetes crean productos y los adaptan a la pantalla como estrategia de venta, o por el contrario, comercializan con los productos que estrenan las grandes productoras de cine o series.  

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El punto es que al emitirse una serie que tiene como foco de atención a niños, se asegura la venta de millones de juguetes. Está claro que el estreno de una película dirigida a niños generará mil veces más ganancias que una dirigida únicamente a adultos. Por ello, estudios como Disney o Dreamworks, apuntan a crear un contenido genérico que funciona para toda la familia pero se enfoca directamente a un público infantil. Después de todo, ¡alguien tiene que acompañar al niño al cine! ¡Alguien tiene que comprarles los juguetes!

Otro caso que vale la pena tocar es el estreno de Ana y Bruno, película animada del director Carlos Carrera que toca temas como las enfermedades mentales y la muerte. En un inicio el tráiler del film mostraba una inocencia de la que la película carecía en la realidad, dicho de otra forma, lo vendieron como un producto excesivamente infantil.

Animación

Por consiguiente, muchos padres de familia llevaron a sus hijos a las salas de cine y gran parte terminó en disgusto con los tintes oscuros de la historia. Reclamos de papas inundaron las redes sociales y finalmente el equipo de producción modificó la sinopsis de la misma. La pregunta es ¿por qué se ven forzados a infantilizar una película para presentarla en cines? Es simple: Si no, no entraría al mercado.

3. Porque es “Irreal”.

Además del tema de mercado, está el factor social. Mil factores nos han llevado a la falsa creencia de que aquello que es irreal, que no se desarrolla en un contexto tangible a lo humano, es cosa de niños o juventud, de hecho, la narrativa de fantasía ya sea audiovisual o literaria, también se lleva su rebanada del pastel.

El tema se ha estigmatizado tanto, que actualmente la mayoría de tv shows considerados para adultos se limitan a enfatizar en su contenido sexual, uso del lenguaje no apto para menores y violencia exagerada, esto erróneamente le da una categoría de “realista”.  Todo llegó al grado de que si una serie o película animada no cumple con alguno de estos requisitos, se le etiqueta como infantil.

4. Porque es demasiado “suave”.

Por supuesto que la percepción es errónea, pero se suele pensar que lo presentado en dibujos animados es más suave, más sutil, menos real y por lo tanto causa un impacto menor en el espectador al representar situaciones de violencia o sexo. La animación oriental, sobre todo el anime de Japón, es el ejemplo perfecto para ello. Desde la cultura mexicana lo “suave” se suele asociar con lo infantil y con lo femenino.

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Aun cuando el estilo tiende a ser más realista y juega con la animación de forma que escenas violentas resultan aún más aterradoras que la realidad, se sigue etiquetando en México como contenido infantil y por esto mismo, es tan mal visto por algunos sectores.

Factores comerciales, psicológicos y hasta sociológicos no solo han infantilizado a la animación en todas sus formas, también han implantado la idea errónea de que la animación es un género, cuando estamos hablando de un medio, que usa diversas técnicas para contar historias y generar experiencias de entretenimiento.

Este día del niño puedes festejar viendo algunas series o películas animadas de tu infancia, pero recuerda: La animación no es solo para niños y es un medio lleno de posibilidades. ¡Feliz día del niño!

Frozen 2: Superando expectativas

Cuando parece que una secuela está destinada a ser un fracaso cinematográfico, llega Frozen 2 y grita ¡Libre soy! El boom de su antecesora se basó en la capacidad de adaptación que Disney demostró al romper con el paradigma del “Vivieron Felices, marido y mujer”, presentando en un primer plano a la hermandad por sobre el amor de pareja, además del tremendo éxito musical del soundtrack y lo integral de presentar a dos personajes femeninas, una morena y una blanca que terminó por provocar empatía en un gran público infantil.

Por eso podemos decir que Frozen 2 logra resignificar una industria que parecía sobre explotada.

Todo Cambia

Así como la primera cinta pretendía significar una renovación para la formula Disney, esta cinta transfiere ese mensaje al argumento principal de la historia. La cinta habla de cambio y la incapacidad de lo permanente. Cuando la estabilidad parece acoger la vida de Ana y Elsa, una voz misteriosa aparece para anunciar la llegada del inminente cambio.

Frozen 2 presenta un mensaje más maduro, donde ambas hermanas sucumben ante el miedo a la evolución y se embarcan en un viaje donde aprenderán que nada se queda quieto nunca y siempre habrá algo más allá. “Temíamos que los poderes de Elsa fueran demasiado para este mundo, ahora esperamos que sean suficientes”. Una poderosa frase que resume el mensaje de la película. Las circunstancias cambian y lo que una vez parece mucho, tal vez después no alcance.

Todo está en constante transformación en la cinta: presenciamos a un Olaf más inteligente, que en la primera cinta pasó por un proceso de descubrimiento de un mundo nuevo y ahora lo reconocemos como un ser más consiente que raya en el existencialismo. Disney transformó un personaje con humor sobre explotado en un elemento que abona a la historia. Aquí otra cualidad de Frozen 2: ¡Hay un equilibro más que evidente entre el humor y el drama!

Ana sigue temiendo por su hermana y como resultado la vemos discutir y ponerse a la defensiva con Kristoff en varias ocasiones, finalmente es obligada a destruir para poder ver renacer su mundo. Elsa enfrenta su propio destino sola y acepta su verdadera identidad, aunque eso signifique cambiar su mundo por completo.


La liberación de Frozen

Frozen 2 tiene una lectura más amplia que su predecesora y eso es porque las acciones de los personajes tienen un sentido en común: el cambio. Además, la historia de los poderes de Elsa justifica sucesos de la cinta pasada que hacen que la el universo de Frozen cobre un sentido más lógico y maduro.

De alguna forma, estos elementos permitieron que un público adulto empatizara más profundamente con los personajes. La cinta ofrece a aquellos niños que hace cuatro años vivieron el sueño con la primera parte, gocen ahora de una secuela que les exige mayor reflexión, pero la misma diversión. La precuela basó todo su éxito en la música y aunque las canciones de Elsa parecen tener una intención similar a Let  it go, en general la industria vuelve con un repertorio de piezas musicales más sobrias y una historia más consistente. ¡Frozen 2 le está apostando al argumento narrativo!

 

No se puede dejar atrás el fabuloso trabajo visual de la cinta, sobre todo en animación y el diseño del vestuario y elementos mágicos. Definitivamente la secuencia donde Elsa intenta sobrepasar la ola hasta que llega a la isla es una de las mejores que Disney nos ha brindado desde hace años.

Frozen 2 es lo que nadie se esperaba: Una película épica, con un argumento y mensaje más coherente y maduro que no se sostiene por la música. ¡La vida da sorpresas!

¡Te invitamos a echarle un ojo a Frozen 2, una de las secuelas Disney que ha sobrepasado a su predecesora!

After: ¿En qué falló?

Hace pocos días se estrenó After en todos los cines latinoamericanos. Esta cinta se basa en el libro del mismo nombre escrito por Anna Todd. Los comentarios sobre ella han sido bastante diversos. Muchos fans aseguran que es una excelente adaptación, mientras que otros afirman que salieron decepcionados de las salas. Por ello, me he dado la misión de averiguar cuáles son los puntos en los que falla After en la gran pantalla.


  • Tessa y Hardin no evolucionan

Como ya se ha comentado antes, estos dos personajes forman una relación tóxica en la saga de libros, pero esto no es lo que vemos en la película. Aquí aparecen sumamente cambiados y con personalidades muy diferentes a lo que esperábamos de ellos. Por un lado, es positivo que la película no muestre una relación llena de peleas y celos para que las fans más pequeñas de la saga no piensen que ésa es una relación normal y esperable entre dos jóvenes. No obstante, esto también tiene un punto negativo ya que los personajes no poseen un gran conflicto que resolver y han sido despojados de toda su historia personal.

Lo mejor hubiera sido explorar más a fondo a los personajes para poder crearlos de forma tridimensional, con propósitos claros y personalidades complejas. Sin embargo, lo que vemos en la cinta son dos personajes que no saben a dónde dirigirse y sin una personalidad clara ni interesante.


  • Sin destino claro

Otro de los grandes errores de After es no tener un hilo conductor que guíe todas las acciones de los personajes hacia un destino claro. Por ello, como espectadores no sabemos hacia dónde camina la cinta ni por qué los personajes actúan de una u otra manera. Un claro ejemplo de ello es la escena en la que Tessa entra en la editorial para una entrevista de trabajo, pero nunca se vuelve a mencionar esto en la cinta ni cómo repercute en su historia.


  • Escenas faltantes

Un tema importante que circula en redes sociales es la comparación entre los tráilers que promocionaron la película y el producto final. Muchos afirman que los avances prometían algo que nunca se vio en la cinta y estoy de acuerdo con esto.Los tráilers prometían una película llena de sensualidad, conflictos y mucho drama. Sin embargo, lo que vimos en las salas de cine es una historia de romance adolescente que se sitúa en una universidad, una trama poco compleja y que se resuelve utilizando diversos clichés del género. Además, en los avances nos muestran una personalidad de Hardin compleja y con conflictos, al verlo romper cosas y lleno de frustración. En el corte final de la película, todo esto fue omitido.


¿Cuál es su opinión sobre After, cinéfilos y cinéfilas? ¿Están de acuerdo con estos errores o añadirían algunos más?