Aunque pensaron en hacer una gran franquicia de Matrix, el productor de Resurrecciones asegura que por ahora no planean más secuelas
Aunque pasaron casi 20 años entre The Matrix Revolutions y su seguimiento, el público está acostumbrado a recibir The Matrix como una trilogía, debido a esto una nueva series de películas sería una propuesta muy interesante. No obstante, el productor Matrix Resurrections,James McTeigue, reveló paraCollider que actualmente no existen planes para más secuelas.
“Por el momento, es sólo la película que has visto. No tenemos ninguna precuela en mente. No tenemos ninguna secuela en mente. No tenemos ninguna otra trilogía en mente”.
James McTeigue
¿La posibilidad está cerrada?
Eso no significa que nunca volveremos a ver una historia de Matrix. La conclusión de la cuarta película deja un espacio para que la historia continúe: por ejemplo, podrían contar qué sucedió durante las seis décadas previas a Resurrections.Al respecto, el productor comentó que el futuro también depende de la imaginación de la audiencia.
“Creo que la película también funciona porque está abierta a la interpretación del público, como lo que ocurrió en esos 60 años antes de que volvieran a pescar a Neo, o Thomas Anderson a Neo”, dijo McTeigue. “Cuando Neo y Trinity están allí al final, y hablan con el analista, ¿qué quieren decir realmente con que van a cambiar? Así que creo que está por ahí, pero no está en nuestro campo de acción en este momento”.
La especulación sobre una nueva trilogía también podría adquirir fuerza gracias a que Ann Sarnoff, la directora ejecutiva de Warner Bros, confirmó que los directivos de Warner están interesados en expandir la franquicia si Lana Wachowski se une, por lo que solo nos queda esperar para saber si el universo de Matrix continuará.
En Fuera de Foco recopilamos algunas de las mejores series que nos dejó el 2021.
2021 está a punto de terminar, y con ello vale la pena recopilar todas aquellas series que nos hicieron transitar por una montaña rusa de emociones y reflexiones, por lo que el staff de Fuera de Foco les presenta las mejores series del presente año.
The White Lotus
La miniserie de HBO nos cuenta cuenta cómo un grupo de vacacionistas en un lujoso resort hawaiano se ven envueltos en un asesinato, sin embargo la real esencia del programa es la sátira que realiza sobre la gente privilegiada, en donde nos muestra que el orden de la sociedad no cambiará.
Only Murders in the Building
Tres vecinos de un complejo de apartamentos de Nueva York: Charles-Haden Savage (Steve Martin), Mabel Mora (Selena Gomez) y Oliver Putnam (Martin Short), intentarán resolver el misterio de una muerte ocurrida en su edificio.
Lo mejor de esta serie es que combina la comedia y el misterio de una manera perfecta, la cual logra que el espectador no pueda dejar de ver los episodios que además poseen una banda sonora espectacular.
Maid
Esta miniserie dramática de Netflix fue creada por Molly Smith Metzler (Orange Is The New Black), y se encuentra basada en un libro autobiográfico de Stephanie Land titulado Maid: Hard Work, Pay Low and a Mother’s Will To Survive, donde se nos narra la historia de una joven madre soltera que sufre maltrato por parte de su novio, y se dedica a limpiar casas para poder ofrecerle una vida mejor a su hija Maddy (Rylea Nevaeh Whittet).
La serie se llevó aplausos por tocar un tema sensible en la sociedad como es la violencia doméstica, y las pocas oportunidades que tienen las mujeres cuando intentan salir de su casa para buscar justicia
Loki
Tras robar el Teseracto, Loki (Tom Hiddleston) aparece en un desierto en donde es detenido y conducido a la Autoridad de Variación Temporal, una organización fuera del espacio-tiempo que le juzgará por sus crímenes. En el proceso, el villano podrá evitar la eliminación de su existencia si colabora con la organización para salvar el flujo temporal del multiverso, el cual es amenazado por una de sus variantes.
La serie de Disney+ se destacó por mantener una trama emocionante de principio a fin, en donde vemos como los personajes principales van evolucionando y cambiando su temperamento para terminar satisfactoriamente. Asimismo, el programa aportó nuevas historias para el MCU que pueden tener un verdadera repercusión en el futuro.
Mare of Easttown
La miniserie de misterio retrata la vida de Mare Sheehan (Kate Winslet), una policía que investiga una serie de asesinatos y desapariciones en una pequeña localidad de Pensilvania. Aunque la trama principal del programa siempre gira en torno al trabajo de la protagonista, se destaca por romper los clichés de las series policiacas, y se lleva los aplausos por su inteligente escritura y giros inesperados.
El programa destaca por la manera en que los guionistas eligen contar el misterio, suspenso y drama, lo que hace que no puedas dejar de ver los episodios. Por otro lado, la actuación de Kate Winslet es destacable al mostrarnos a una mujer que pasa por una depresión severa al mismo tiempo que intenta seguir con su vida normal.
Succession – Temporada 3
El galardonado drama de HBO se convirtió en un gran éxito en sus dos primeras temporadas, satirizando y desafiando la élite multimillonaria de New York. En esta nueva temporada, el patriarca de la familia Logan Roy (Brian Cox) es traicionado por su hijo Kendall (Jeremy Strong), al exponer la corrupción de la empresa, y ahora la familia se convertirá en una guerra donde cada uno/a tratarán de salvarse para no ir a la cárcel.
Sin duda, el desenlace de esta entrega te dejará sorprendido/a al cerrar de manera perfecta todos los problemas que se habían planteado en esta temporada. Además, el drama familiar nos deja claro que la historia seguirá con una cuarta entrega que seguiría desarrollando la idea de que Logan Roy es indestructible.
El Juego del Calamar
Hubo un período en el año en donde la serie surcoreana se robó la atención de las redes sociales, y todos/as estaban hablando sobre su historia que se centra en un juego mortal en el que los/as concursantes tratan de ganar un premio millonario para resolver sus vidas. El programa recibió elogios por parte de la crítica y obtuvo nominaciones al Globos de Oro, Critics Choice Independent Spirit y Premios Gotham.
Sin duda el principal atractivo de la serie son sus personajes y la interesante historia que deja a los/as espectadores/as con muchas preguntas sin resolver.
Somos
Ambientada en el pueblo de Allende, Coahuila, Somos es una serie que busca retratar los fatídicos eventos que sucedieron en el lugar en 2011, cuando fuerzas armadas del grupo delictivo Los Zetas abrieron fuego a civiles del pueblo, dejando a más de 300 muertos no reconocidos por el Gobierno Federal. La serie fue creada por James Schamus y escrita por Fernanda Melchor: una historia imperdible.
Mezclando artistas con mucha experiencia y amateurs, la historia de 6 episodios nos intenta dar una mirada empática a las vidas de personas a quienes realmente no les une nada, excepto el miedo, el silencio, la violencia y la impunidad que tienen que sobrellevar todos los días debido al azote del narco en México.
Con una desgarradora historia, el show va uniendo poco a poco las historias de diferentes familias que sólo buscan un mejor lugar para vivir y sacar adelante a sus hijos. Somos es, sin duda, una buena mirada al México que nos dejó la guerra contra el narco y lo mucho que tenemos que trabajar para mejorar la situación de seguridad en el país.
It’s a Sin
Esta es la nueva serie de Russell T. Davies, a quien le debemos Queer as folk y tiene un don para la creación de guiones entrañables, el cual nos deleitará con la historia de Ritchie, un joven que dejó la Isla de Wight a los 18 años para mudarse a Londres y comenzar sus estudios como actor, ahí conocerá a sus mejores amigos juntos a los cuales se enfrentará a la pandemia del SIDA y la discriminación.
La serie es una fantástica historia sobre la lucha del sida en la década de los 80’s. Además de ser muy divertida y emotiva, cuenta con un reparto impresionante que logra transmitir un mensaje que actualmente sigue siendo necesario.
Todo va a estar bien
Protagonizada por Lucía Uribe Bracho y Flavio Medina, Todo va a Estar Bien es un experimento interesante que busca explorar cómo son las nuevas estructuras familiares, románticas y sexuales en tiempos tan caóticos y difíciles como los que vive ahora la Ciudad de México.
Uribe y Medina se convierten en Julia y Ruy, una pareja cuya relación está por los suelos, pero intentan llevar una separación amistosa por su hija. Pero entre los abusos, tabúes, rencores, cancelaciones públicas y abogados, su separación se vuelve cada vez más y más complicada.
Esta serie es especial porque sí busca brindar una mirada diferente a cómo vemos el amor, particularmente a través de las telenovelas y series mexicanas, para mostrarnos una visión más honesta y menos cliché de las relaciones románticas y lo que de verdad significa ser parte de una familia.
Amarres
Otra producción local que resultó una gran sorpresa fue Amarres, la serie de HBO Max estelarizada por Gabriela de la Garza cuenta la historia de Ana, una mujer que decide tomar el antiguo oficio familiar de hacer amarres mágicos para evitar perder la custodia de sus hijos en medio de un complicado divorcio.
La serie es sumamente graciosa, pero es interesante ver cómo se centra en la vida de una mujer soltera que busca diferentes maneras para solventar a su familia mientras mantiene su independencia y personalidad. Además de que brinda comentarios interesantes y conmovedores sobre el amor, las relaciones y las decepciones sentimentales.
The Owl House – Temporada 2
The Owl House esuno de los shows más originales que ha presentado Disney Channel, tuvo una segunda temporada tan buena y que desafió tantas barreras, que se siente indignante saber que la compañía decidió cancelarla después de su tercera temporada.
Luz Noceda es una humana que llega a un mundo donde la magia es real e incluso existe una escuela para brujas. Además de hacer grandes y divertidas parodias a otras historias de fantasía como Harry Potter, la serie tiene mensajes muy fuertes sobre las relaciones tóxicas entre hijos y padres, los abusos institucionales y el adoctrinamiento escolar.
Los personajes son realmente entrañables, además de que desafiaron por completo los estándares de censura televisiva al hacer canon que Luz, la protagonista de la historia, tuviera una relación con Amity, una chica que comienza como su rival pero de quien termina enamorada. Pero aún con su corta vida, seguramente esta serie se convertirá en un show de culto.
Misa de Medianoche
Desde 2018, Mike Flanagan ha sorprendido a Netflix con series que son sumamente espeluznantes, pero que su terror nace de una perspectiva completamente psicológica y social, dándonos como resultado algunas de las mejores historias de horror contemporáneo. Y Misa de Media Noche sin duda es una muestra de que todavía tiene mucho que contar.
Aquí, Zach Gilford se convierte en Riley Flinn, un nefasto hombre de negocios que regresa a su pueblo natal luego de servir 4 años en prisión. Con él, llega el misterioso padre Paul Hill (Hamish Linklater), cuya amable personalidad comienza a revitalizar la fe de la ciudad. Sin embargo, cuando extraños sucesos comienzan a pasar nos embarcaremos en un viaje que analiza los límites del duelo y la fe, y cómo el fanatismo y el perdón trastornan la mente de todos.
Arcane
Basada en el exitoso videojuego de League of Legends, Arcanese ha convertido rápidamente en una de las mejores series animadas que ha distribuido Netflix. Dándonos un vistazo a la vida de entrañables personajes del RPG como Vi y Jinx, este show no sólo tiene una animación apabullante, sino que el drama que maneja, la construcción de su universo, y los temas explora hacen que definitivamente sea una de las mejores series que nos ha dejado la plataforma de streaming este año.
Inside Job
Otra serie de Netflix que pasó un poco desapercibida pero sin duda merece una mención especial. En un mundo donde las teorías de conspiración son reales, todas y cada una de ellas están administradas por una organización llamada Cognito Inc, la cual tiene los retos y obstáculos normales de una oficina: horarios terribles, mala paga, pésimas prestaciones y jefes difíciles. Sólo que también tienen el peso del mundo en sus manos.
Este divertido show parodia un montón de series y películas de ciencia ficción mientras se burla de la lógica detrás de las teorías de conspiración. Pero su más grande logro es sin duda la forma en la que desarrolla a sus personajes para hacer comentarios sobre la cultura de trabajo millennial y las relaciones en medio de un mundo dominado por la tecnología.
Jojo’s Bizarre Adventure: Stone Ocean
Jojo’s Bizarre Adventure ha cobrado muchísimas popularidad en los últimos años, especialmente por su capacidad para evolucionar y cambiar, presentándonos aventuras cada vez más raras y personajes tan extraños como entrañables.
En ese sentido, la nueva temporada que pueden ver en Netflix: Stone Ocean, sigue ese curso de una manera muy graciosa y muy original. La nueva heredera Jojo es nada más y nada menos que Jolyne Cujoh, hija de Jotaro Kujo, quien ha sido encarcelada injustamente y debe resolver el misterio sobre el complot secreto que esconde su aprehensión.
Esta historia, además de ser tan extraña e intensa como acostumbra la serie, es una forma genial de explorar la idea del trauma generacional y cómo muchas veces, la mayor herencia que tiene una persona son los problemas que debieron enfrentar sus antepasados.
Maya y los tres
La cultura prehispánica de Latinoamérica posee una amplia e interesante mitología, la cual lamentablemente no suele explorarse fuera de los típicos documentales históricos, sin embargo esta producción del mexicano Jorge R. Gutiérrez aprovecha la misma en esta divertida animación para Netflix.
Maya y los tres cuenta con imaginativos y extraordinarios diseños de mundos y personajes como Mictlán, Acat o Cipactli, los cuales vamos conociendo mediante una típica narrativa del camino del héroe/heroína, en donde nuestros/as protagonistas siguen una filosofía similar a la de Spider-Man: “Si debe ser, es mi deber”.
Wandavision
Esta fue la primera serie de Marvel en estrenarse en Disney+ y fue una entrada por todo lo alto, pues demostró que este tipo de producciones superheroicas pueden abordar temas muy complejos de una forma muy creativa e interesante: aquí la guionista Jac Schaeffer utilizó la historia de Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) para abordar las 5 etapas que componen proceso de duelo: ese complejo tránsito que experimentamos cuando perdemos a una persona querida.
The Beatles: Get Back
The Beatles vivieron sus últimos días como banda a finales de los 60’s, y el documental Let It Be de 1970 nos mostró las fricciones que les separaron, sin embargo la vida siempre está llena de matices, y a pesar de las evidentes problemáticas entre Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, sus últimas días como agrupación también estuvieron marcados por diversas luces.
Y esta serie documental a cargo de Peter Jackson humaniza a las leyendas, nos permiten conocerlos y disfrutarlos con sus luces / sombras: las peleas provocadas por su egos, la manera en cómo se divertían, y la magia que creaban cuando estaban juntos.
Invincible
Cada vez es más difícil destacar en un panorama donde abundan montones de producciones superheroicas, pero esta serie animada de Robert Kirkman lo logró, esto gracias a una historia que entiende que la esencia que forja al héroe/heroína no es su epopeya vs el villano, sino el sacrificio que hay de por medio: priorizar el bienestar social en vez del personal.
Hellbound
El creador de Train to Busan: Yeon Sang-ho, nos entregó esta interesante serie que combina elementos de fantasía con el thriller, la cual cuestiona nuestra tendencia cada vez más creciente de realizar juicios sobre la otredad, los cuáles buscan imponer de manera inquisidora y monopólica lo que está bien y mal.
Hawkeye
A pesar de que fue la serie de Marvel que menor ruido causó en redes sociales, y terminó de una manera muy forzada y tropezada por introducir a personajes que los/as fans querían ver en este universo, esta producción es la segunda mejor serie del UCM, pues en primer lugar posee un guión que sabe explotar los clichés de los género en los que se embarca: el drama familiar navideño, la acción / el misterio, y la comedia.
Además en el camino nos entrega una dinámica muy interesante entre sus protagonistas, quienes al ser polos opuesto se enfrentan y complementan por igual, a la vez que nos muestra una vulnerabilidad en sus personajes que es refrescante en un universo narrativo donde la mayoría se presentan como invencibles.
Por último la dirección de Bert y Bertie en los primeros episodios es de largo la mejor de todas las producciones de Marvel: juega y comunica a través de su paleta de colores, plantea una divertida narrativa mediante su montaje interno y externo, de manera que en ambos sentidos añade elementos de comedia visual. Ojalá veamos más de ellas en un futuro cercano.
Cinéfilos y Cinéfilas, ¿Cuál fue su serie favorita del 2021?
En redes sociales criticaron al actor Benny Emmanuel por querer ser Miles Morales, pues el personaje es puertorriqueño, no mexicano.
Benny Emmanuel, el joven actor mexicano que saltó al estrellato por protagonizar el show de Cartoon Network: La CQ, acaba de decir en redes sociales que está muy interesado en convertirse en el Miles Morales live-action del Universo Cinematográfico de Marvel. Eso desató una gran controversia en redes sociales debido a la idea de que un actor mexicano interpretara a un personaje de identidad afro-puertorriqueña.
El tema sobre si el origen de un/a artista importa al momento de dar vida a un personaje es una discusión muy extensa, que no sólo abarca el tema de raza, sino también de género y sexualidad. ¿Por qué causa tanta controversia? ¿Cualquier artista debería poder interpretar el rol que sea? ¿Cuáles son los verdaderos límites? ¡Averigüemoslo el día de hoy!
¿Por qué nos importa la identidad de un Personaje?
Una de las razones por las que la identidad racial de un artista importa reside desde los inicios de Hollywood. Particularmente por el uso de la llamada “Black Face” o “Yellow Face”, que consistía en que actores/actrices caucásicos/as se pintaban la cara de negro y fingían ser afrodescendientes, o bien utilizaban prostéticos para asemejar los rasgos de una persona de origen asiático.
Miles de artistas del calibre de Judy Garland, Fred Astaire, Mickey Rooney en la época dorada de Hollywood participaron en esto. Ese era un problema grande para la industria, pues lo hacían debido a las estrictas leyes de segregación que impedían que artistas afrodescendientes pudieran trabajar en Hollywood. Y además, la forma en la que se desenvolvían sus personajes estaba hecha para mofarse a través de clichés de ese grupo de personas. O bien, para mostrar cómo, desde la perspectiva caucásica, debía comportarse una minoría para poder pertenecer a la sociedad.
En esta época, la blackface se usaba deliberadamente para mandar mensajes nocivos sobre un grupo de personas y para mantenerlas separadas de la cultura cinematográfica, solamente por las ideas racistas de la época. Los tiempos cambian, y aunque ya se permite que artistas de color tengan la oportunidad de interpretar diferentes roles, el problema sistémico es tan grande, que no sólo todavía estos grupos están lejos de tener las mismas oportunidades que las etnias caucásicas, sino que ya se demostró que eso tiene grandes consecuencias económicas para la industria de Hollywood en general.
Utilizar una blackface era intentar contar la perspectiva de una persona de color desde una visión caucásica, impidiendo que una persona verdaderamente afrodescendiente tuviera el papel. Esta fue una práctica similar a la que deben enfrentar los/las artistas trans, quienes históricamente también han sido representados en el cine y las series a manera de burla o como algo horripilante. Historias incluso como Psycho de Alfred Hitchcock o El Silencio de los Inocentes, van más allá al intuirnos que cualquier hombre que rompa las normas de género tiene problemas mentales y puede ser peligroso.
La Verdadera Inclusión Forzada
Sin embargo, el caso de la representación LGBTTTIQ+ es todavía más complicado, pues están los intentos de representación positivos que terminan marginalizando y limitando la presencia de más diversidad sexual en Hollywood. Experimentos como el de La Chica Danesa,en donde Eddie Redmayne, un actor cisgénero interpreta a Lili Elbe, una mujer real que fue de las primeras personas en recibir una cirugia de reasignación de género a finales del siglo XIX.
¿Por qué escoger a un hombre cisgénero? Si al final de la película se quitará el maquillaje y seguirá su carrera como hombre, reforzando el estereotipo hollywoodense de que las mujeres trans en realidad son hombres disfrazados que escogen ese estilo de vida y pueden dejarlo cuando sea. ¿Por qué no darle el papel a una verdadera persona trans? Que no sólo agradecería el poder participar, sino que también impregnaría a la historia de una perspectiva diferente pues podría extrapolar sus experiencias para construir a su personaje.
Al respecto, el comediante Billy Eichner le dijo al sitio de noticias Deadline en 2020 que por eso la actitud de Hollywood es bastante hipócrita, pues dicen apoyar a la comunidad donando dinero para ciertas causas, pero siguen marginalizando las historias y artistas LGBTTTIQ:
“Nosotros/as tenemos la experiencia en vida para llevar el matiz intelectual de ella a la pantalla grande. Yo no necesito sentarme con un grupo de 30 personas gays para averiguar lo que significa ser gay. Yo sé lo que es, y nadie lo sabe mejor que mis amigos y yo. Necesitamos dejar la idea de que si una persona gay interpreta a un personaje gay no es actuar, pero si una persona hetero lo hace, le damos un Óscar”.
Comentarios como los de Eichner sacan a relucir por qué los argumentos que encontramos en redes sociales, que abogan porque “el chiste de actuar es pretender” o ironías vacías como “Chris Hemsworth es australiano, pero puede interpretar a alguien de Asgard”. Construir un personaje es construir a una persona, alguien que va a tener un físico específico (Hemsworth no será de Asgard, pero su fisonomía se acerca mucho al del dios nórdico); y también tendrá experiencias y opiniones que serán resultado de su estrato socioeconómico, origen y sexualidad.
¿Actores de a deveras?
Y para un/una artista es convertirse en alguien diametralmente diferente, pero que de cierta manera comparten ciertos rasgos. Christian Bale no tiene nada que ver con el vicepresidente Dick Cheney, por lo que su transformación es brutal. Pero no deberíamos pretender que Bale no sabe lo que es vivir como un hombre rico y blanco en Estados Unidos en constante contacto con grupos de poder. Se debe preparar mucho, sí, pero su papel está informado porque comparte rasgos sociales identitarios con Cheney.
Pero la transformación de Christian Bale en El vicrepresidente tiene otra capa de la que se habla mucho: el inmenso compromiso del actor por desfigurar por completo su imagen para perderse en su papel. Este método es sumamente celebrado en Hollywood y es una de las razones por las que artistas como Meryl Streep son tan reconocidas. Leonardo DiCaprio alcanzó su Óscar luego de comer carne cruda y nadar en temperaturas bajo cero de verdad. Lady Gagaconfesó que se quedó dentro del personaje de Patrizia Reggiani por 18 meses y su nombre suena mucho para la temporada de premios 2022.
Si bien es una habilidad increíble, no debería ser la única métrica con la cual juzgar “el compromiso” o “las habilidades” histriónicas de un/a artista, pues no tomamos en cuenta las consecuencias que deja atrás. Lady Gaga eventualmente confesó que el pertenecer en la piel de Patrizia por tanto tiempo tuvo estragos en su salud mental. Y las estrellas de Succession dijeron que estaban muy preocupadas por la forma en la que el compromiso de Jeremy Strong lo afectaba a él y su desempeño con sus compañeros/as.
Eso sin tomar en cuenta que realmente también dependen de estructuras económicas, familiares y sociales que les permiten invertir tanto tiempo y esfuerzo en ese papel, y luego simplemente regresar a su vida real. Aunque casos como los de Gaga y Strong si ponen en duda cuánto vale gastarte tanto para encarnar a alguien más.
Además, es muy limitado pretender que una persona puede realmente abarcar todo el espectro de experiencias, opiniones, perspectivas y vidas que al final del día terminan por inspirar las historias que vemos en el cine. Lo genial del arte es que muchas personas puedan transmitir su voz al mundo, no que sólo cierto tipo de personas, quienes históricamente han estado y siguen en el poder, intenten “incluir” a otros grupos creando historias “para ellos”.
¿Y el caso de Benny?
El caso de Miles Morales es especial porque aquellas personas que argumentan que el papel lo debe interpretar una persona puertorriqueña, no hablan sobre que Miles tiene en realidad dos identidades: una ascendencia boricua por el lado de su madre, pero afroamericana por el lado de su padre.
Entonces, en estricto sentido, Miles es una persona afrolatina que, aunque no sea un tema saliente en Estados Unidos, se acerca a la idea de mestizaje que conocemos en México. Por eso el caso de Benny Emmanuel como Miles Morales en el MCU sería prometedor e interesante. No sólo estaría potenciando la carrera en Hollywood de una estrella en ascenso 100% mexicana, sino que nos obligaría a discutir cuál es la identidad latina. Desde la perspectiva de representación en México, la presencia de Benny incluso daría un poco de visibilidad a las personas afrodescendientes latinas.
Y como Miles es en realidad estadounidense, nos obligaría a repensar qué diferencias o similitudes hay entre una persona que nació y creció en algún país de América Latina y una descendiente de migrantes que ha vivido toda su vida inmersa en la cultura de estadounidense. Y así, buscar mejorar y promover una representación más amplia de la comunidad latina en Hollywood.
Todo eso son discusiones que no hemos tenido todavía, que el cine nunca ha explorado y que sólo producciones tan grandes como las de Marvel podrían potenciar para que el resto del mundo las viera y hablara de ellas.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les gustaría ver a Benny Emmanuel como Miles Morales?
Para regresar como Spider-Man en No Way Home, Tobey Maguire sólo pidió una cosa a los guionistas.
The Hollywood Reporter conversó con Chris McKenna y Erik Sommers -guionistas de Spider-Man: No Way Home-, y revelaron que Tobey Maguire sólo les pidió una cosa para volver a interpretar al héroe arácnido: “Tobey quería que fuéramos muy minimalistas con respecto a lo que conocemos de su personaje”.
Tras lo anterior, ambos guionistas conversaron sobre la difícil tarea que incluir a los Spider-Man de Tobey Maguire y Andrew Garfield en No Way Home, esto debido a tenían que respetar las personalidades originales de ambos personajes y al mismo tiempo no caer en el fan service hablado:
“Constantemente nos preguntábamos: ¿En qué punto de su vida están estos personajes al entrar en la película? (…) Realmente queríamos ser fieles a los personajes que Tobey Maguire y Andrew Garfield interpretaron en sus respectivas películas. (…) No sólo queríamos salir y decir: ‘¡El Spider-Man de Tobey está dirigiendo Peter Parker Industries!’. Sólo queríamos dar pequeños indicios de ello y no caer en el fan serviceexpositivo”.
Chris McKenna
Con la ayuda de Spider-Man
Al respecto de esto último, Erik Sommers declaró que tanto Tobey Maguire como Andrew Garfield fueron de gran ayuda para construir sus personajes, y que ambos brindaron ideas que elevaron la historia de No Way Home:
“Tuvieron grandes ideas que elevaron la historia que estábamos escribiendo, le agregaron capas y un arco que perfeccionó la idea en torno a que estos dos muchachos ayudaban al personaje de Tom Holland. Específicamente hay un momento crucial y moral en que le ayudan a atravesar el clímax de la película”.
Finalmente, Chris McKenna reveló que Andrew Garfield estuvo muy contento con la exploración que su Spider-Man tendría en No Way Home:
“Andrew realmente amó la idea de que su personaje sigue torturado por aquello sucedido en Amazing Spider-Man 2 (la muerte de Gwen Stacy), y cómo eso lo hizo evolucionar de manera que podría aportar algo al Peter Parker de Tom Holland, pues ahora podría decirle: ‘Empatizo contigo. Sé lo que estas pasando'”.
Diversos géneros cinematográficos han inspirado Star Wars, ¿quieres conocer cuáles?
Star Wars es una de las franquicias del séptimo arte más famosas de la historia, y aunque la misma suele clasificarse como una ciencia ficción, lo cual claramente es cierto, este universo también cuenta con muchos elementos de otros géneros cinematográficos, y tras el estreno de El libro de Boba Fetten Disney+ es una buena oportunidad para hablar de aquellos relatos que han inspirado este mundo.
Western
George Lucas creció en la época dorada de los westerns (40’s a 60’s), y claramente los mismos tenían que inspirar su obra más conocida.
Muchos westerns utilizan el vasto, abierto y desolado escenario del oeste como metáfora de la naturaleza cruel del mundo, y Star Wars no es diferente. El planeta natal de Luke Skywalker: Tatooine, es un vasto y vacío mundo desértico con escasos recursos y una enorme presencia mafiosa gracias al gobierno del Clan Hutt.
Otro elemento catalizador de estos relatos es la venganza: un pistolero que recorre el desierto en búsqueda de la persona que mató a su familia. Y de manera similar, la motivación inicial de Luke para unirse a Obi-Wan Kenobi y convertirse en Jedi, se da en el momento en que ve a las tropas del Imperio quemando su granja familiar y tras percatarse que han matado a sus tíos.
Obviamente las motivaciones de Luke para luchar en la rebelión cambian a medida que avanza la saga, pero su razón inicial para luchar es vengar la muerte de su familia y localizar a los asesinos.
Por otro lado los westerns también inspiraron la historia de The Mandalorian, no sólo a nivel de ambientación, sino también en la historia del protagonista interpretado por Pedro Pascal, quien sigue el clásico rol del lobo solitario que encuentra a un niño abandonado (Baby Yoda) y forma un vínculo paternal con él, lo que provoca su evolución y eventual redención.
Horror
Si bien ninguna de sus producciones ha explorado en su totalidad el género, el universo de Star Wars tienen algunos guiños al mismo mediante la presencia de figuras fantasmales que le se presentan a los/as protagonistas, además de los diversos monstruos que hemos visto a lo largo de la franquicia.
Fantasía
Star Wars tiene un montón de elementos arquetípicos de la fantasía: tales como la presencia de un sabio mago (Yoda), un joven elegido (Luke), y la lucha del bien contra el mal. Además la magia se ve representada en la aparición de elementos como la Fuerza, los misterios de la Orden Jedi, o el lado oscuro de la tradición Sith.
Espionaje
Este género cinematográfico lo podemos ver reflejado en la misión que tienen los/as protagonistas en la saga original y Rogue One para destruir la Estrella de la Muerte, en donde los/as mismos/as tienen que investigar a su enemigo para encontrar su debilidad, lo que les llevará a estar frente a impactantes revelaciones.
Además la futura serie de este universo protagonizada por Andor (Diego Luna), la cual fungirá como precuela de Rogue One, tiene todo el potencial para seguir explorando este tipo de narrativas, pues el personaje es un espía de la República.
Comedia
La comedia siempre ha estado implantada en el universo de Star Wars, y regularmente es el bando de los buenos quien se encarga de incluir este tono a la saga: desde algunos chistes mesurados que realizan los jedis, hasta personajes como Jar Jar Binks que sólo están ahí para fungir como un alivio cómico.
Artes Marciales
Para nadie es un secreto que Los siete samuráis de Akira Kurosawa inspiró los combates dentro del universo Star Wars, el cual simplemente cambió las katanas por los lightsabers, pero a lo largo de la saga también hemos podido disfrutar de combates físicos, como aquel realizado por Chirrut Îmwe en Rogue One.
Gansters
El submundo criminal es una parte fundamental de la historia en Star Wars, a tal grado que uno de sus personajes principales como Han Solo (Harrison Ford) formaba parte de este espectro pues era un contrabandista.
Pero no es el único afamado nombre de la franquicia que se desenvuelve en el mundo de los cazarrecompensas, piratas y estafadores, pues otros personajes como Lando Calrissian, Boba Fett y Jabba el Hutt, también suman a la saga estas tonalidades que nos llevan a explorar la miserable colmena de escoria y villanía de A New Hope, y el Palacio de Jabba en The Return of the Jedi.
Dwayne Johnson incluso dijo que le parecía “manipulador” que Vin Diesel mencionara a sus hijos y a Paul Walker
Apenas el mes pasado, Vin Diesel sorprendió a sus seguidores de instagram cuando le pidió a la estrella de cine, Dwayne Johnson, que “cumpliera” su destino y aceptara regresar a filmar la despedida de la famosa franquicia junto a todo el elenco.
En dicha publicación, el actor externó que Johnson era extrañado por los/as fanaticos/as y que las puertas siempre iban a estar abiertas para su esperado regreso. “Lo digo por amor, debes aparecer, no dejes la franquicia colgando, tienes un papel muy importante que jugar. Hobbs no puede ser interpretado por ningún otro. Espero que esté a la altura de las circunstancias y cumpla su destino”, escribió Diesel.
Al respecto, Johnson, quien interpretó a Luke Hobbs en cuatro entregas de la franquicia, así como en el spin-off Hobbs & Shaw de 2019, le dijo a CNN en una entrevista que estaba en desacuerdo con la publicación de Diesel en Instagram.
“Le dije a [Diesel] directamente que no regresaría a la franquicia. Fui firme pero cordial con mis palabras y dije que siempre apoyaría al elenco y siempre apoyaría a la franquicia para que tuviera éxito, pero que no había ninguna posibilidad de que regresara”.
Dwayne Johnson
¿Johnson vs Diesel?
Diesel reveló que la publicación fue un claro ejemplo de “manipulación” y no le gustó que nombrara a sus hijos y al fallecido actor Paul Walker para convencerlo. “Déjalos fuera de eso. Habíamos hablado de esto hace meses y llegamos a un claro entendimiento”, agregó el actor.
Por último, Dwayne Johnson puntualizó que no tiene ningún problema con el resto de la familia de Rápidos y Furiosos y que les desea un gran éxito para la décima entrega de la franquicia. “Mi objetivo desde el principio fue terminar mi increíble viaje con esta increíble franquicia con gratitud y gracia”, dijo Johnson. Asimismo, externó que las historias pueden brillar sin él y confía en la capacidad de la franquicia para dar buenos resultados a la audiencia. “Realmente deseo a mis antiguos compañeros de reparto y miembros del equipo la mejor de las suertes y el éxito en el próximo capítulo”.
Conversamos con Astrid Rondero y Fernanda Valadez sobre la importancia de la diversidad en el cine.
Astrid Rondero y Fernanda Valadezson dos de las voces más reconocidas por la crítica y audiencia del cine nacional, y esto lo lograron con apenas el estreno de sus respectivas óperas primas: Los días más oscuros de nosotras (2017) y Sin Señas Particulares (2020).
Curiosamente ambos proyectos son resultado de su colaboración artística, y actualmente no se conciben los mismos sin su talento y trabajo en conjunto, pero ¿cómo empezó todo? Astrid Rondero nos brindó la respuesta en una entrevista para Fuera de Foco:
“Nos conocimos en 2008 mientras filmaba mi tesis: En Aguas Quietas, entonces un compañero muy querido me dijo angustiado que no podía acompañarme porque se tenía que ir a trabajar, pero me dijo que me apoyaba llevándome una chica que cursaba su primer año en el CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica), la cual era Fernanda”.
Una conexión inmediata
Astrid menciona que desde ese momento en el set se volvieron muy cercanas: “Había una afinidad muy especial, desde el inicio sentí que podía confiar plenamente en ella”.
Y tras 13 años dichas sensaciones aún se mantienen, para Fernanda Valadez las razones de esto derivan en que ambas “compartimos ideas en lo creativo, sentimos la escritura como parte fundamental de hacer cine, y somos muy complementarias en nuestro carácter y habilidades”.
El cine como plural
Una de las cosas que más llama la atención de la colaboración entre ambas cineastas, es que siempre dialogan de sus proyectos de manera conjunta, lo que sorprende en una industria donde todo el crédito de una película se suele sostener en el elenco o director/a.
Las realizadoras se encuentran conscientes de esta situación, por lo que a través de esos detalles buscan abogar por el reconocimiento colectivo de un filme, tal y como menciona Astrid Rondero:
“Como trabajadoras del cine parecía que una iba a servirle a alguien para que esa persona se llenara de gloria. Ese no es nuestro objetivo, el cine mexicano está lleno de creativos/as en todas las áreas, una película está llena de gente talentosa, y que no todo este centrado en una figura es algo que se ha ido transformando con nuestra generación”.
La susodicha cineasta mexicana piensa que este cuestionamiento a los puestos de poder es aún más claro en “el cine de mujeres y el de la disidencia, del cual Fernanda y yo venimos. Siempre ponemos en tela de juicio quien tiene la última palabra, y creo que las películas la tienen más allá de quienes las hacemos”.
Tras lo anterior la realizadora mexicana reconoce que si bien ella y Fernanda son las caras más visibles de los proyectos, ellas sueñan con que se les recuerde como cineastas que “querían que se le diera más reconocimiento al crew detrás de una película”, por lo que destacó el nombre de diversas mujeres que trabajaron con ellas en Sin Señas Particulares, tales como la fotógrafa Claudia Becerril o la histrión Mercedes Hernández.
Un crew desde la disidencia
Curiosamente en este último filme todo el equipo creativo se encuentra conformado por mujeres o personas pertenecientes a una minoría, y al respecto Fernanda Valadez describe este acto como:
“Una decisión consciente, no en el sentido de ‘Le doy una oportunidad’, sino en el sentido de que me estoy beneficiando de las capacidades y experiencia de estas personas talentosas, a quienes la industria cinematográfica no necesariamente les abre las puertas”.
Para Astrid Rondero la participación de este grupo de personas que provienen desde la disidencia enriquece a todos/as, y menciona que si bien aún falta mucha diversidad en el cine, actualmente “vemos una pluralidad que no habíamos visto antes. Es importante reconocer lo ganado, hacer un análisis de eso, y trabajar para suceda aquello que falta”.
El trabajo del Estado
En voz de la ya mencionada cineasta, para que continúen apareciendo nuevas y diversas voces, la figura estatal debe proporcionar el contexto adecuado para que ello suceda:
“La única forma en la que en México sigan habiendo estas voces es que se hagan más robustos los presupuestos del gobierno en términos del arte. No hay otra forma. Es una cuestión mundial, los gobiernos tienen que garantizar el acceso plural a la cultura de toda la sociedad”.
Según lo dicho por la realizadora mexicana, sin estos presupuestos estatales que financian la realización cinematográfica, tanto ella como Fernanda Valadez “nos habríamos tardado más en realizar una película, o a lo mejor ni siquiera lo hubiéramos logrado. El testamento de estos fondos son las maravillosas voces y películas disidentes”.
¿Un negocio rentable?
Fernanda Valadez concuerda con esta última idea, pues como menciona el “cine independiente siempre ha estado vinculado al financiamiento público en todo el mundo, ya que es muy difícil que sea rentable por todos los monopolios que existen, que antes eran los grandes conglomerados que exhiben cine y ahora se han trasladado a las plataformas streaming”.
Sobre esto último, la susodicha artista mexicana reconoce que la pandemia por Covid-19 agravó la situación para aquellos filmes independientes que quieren encontrar su sitio en las salas cinematográficas, las cuales están siendo cada vez más acaparadas por grandes títulos:
“Que sólo una película se exhiba en muchos de los complejos cinematográficos del mundo, responde a tratar de recuperar o mantener un negocio que se ha visto muy afectado por la pandemia”.
Por lo anterior la cineasta piensa que son importantes los espacios de exhibición independiente y la formación de públicos, pues “si la audiencia mexicana va a salas y la exhibición de películas nacionales es rentable, vamos a tener un negocio más sano que permita un mínimo retorno a películas independientes, el cual se pueda redistribuir a filmes mexicanos con voces distintas”.
¿Y el cine superheroico?
Astrid Rondero concuerda con los anteriores argumentos, y suma que lo ideal sería que películas como Spider-Man: No Way Home lleven a la gente de nuevo a las salas, y “por lo menos un 30% de esas personas salgan a ver otro tipo de películas”.
Repuesta ante la cual cita una reciente entrevista con el cineasta Paul Thomas Anderson, en “donde dice que el cine no pierde nada porque toda la vida ha existido los blockbusters, eso no tendría porque hacer que el cine bueno deje de existir. Ojalá Spider-Man permita que la gente vuelva al cine”.
¿Salas o streaming?
Con respecto al lugar en donde se exhiben sus películas, Astrid Rondero menciona que no “quiero sonar viejita porque una no puede ponerse en ese plan, pero hay algo muy especial que pasa en las salas de cine, es un acto público de convivencia que no puede ser sustituido por la soledad de nuestros espacios, es una experiencia colectiva y de celebración donde la gente va a ver un largometraje en las mejores condiciones”.
A pesar de su cariño por los complejos cinematográficos, la cineasta piensa que “lo ideal sería mantener estos dos espacios (salas y streaming)”, de manera que la audiencia pueda disfrutar primero de la experiencia de ver un filme rodeado de personas, y luego verla desde la comodidad de sus hogares.
Referente a lo anterior, Fernanda Valadez destaca que si bien se aproxima una nueva oleada de la pandemia por Covid-19, espera que la misma no sea grave y las personas puedan continuar volviendo a las salas, pues “el cine es uno de los espacios más seguros”.
¿Cómo narrar la violencia?
Finalmente la conversación se centró en el más reciente proyecto de ambas realizadoras: Sin Señas Particulares, el cual arrasó en la última edición de los Premios Ariel donde levantó 9 galardones -entre ellos el de Mejor Película-.
La cinta nos narra la historia de una madre que busca a su hijo desaparecido, y a lo largo del trayecto vemos de manera no amarillista los diversos estragos que la violencia ha dejado en México. Frente a esa situación, Astrid Rondero menciona que este tipo de narrativa es resultado del tiempo en que vivimos:
“La forma en que contamos la violencia viene de los períodos en que estamos. Quizá en algún momento lo gráfico venía a despertarnos, pero creo que hemos visto muchas tripas y eso no nos ha permitido comprender el horror de la guerra en la que está sumergido México. Eso nos preguntamos para esta película, ¿Cómo contamos lo más terrible que subyace a las tripas?”
Tras lo anterior la susodicha co escritora de este proyecto menciona que sólo el tiempo les dirá si la manera en que abordaron la problemática fue correcta. Y Fernanda Valadez aprovecha la oportunidad para aclarar que desde sus perspectivas no hay una forma correcta o incorrecta de filmar la violencia:
“Astrid y yo siempre estaremos del lado de la libertad de expresión, como creadoras de la disidencia no podemos decir ‘Esto se puede y esto no’. Sería una censura. Pero lo reflejado en la película es lo que creímos más conveniente para la misma en términos humanos y emocionales, los cuales buscamos que tuvieran una congruencia en términos de producción, pero esa es una reflexión que cada equipo de cineastas debe plantearse”.
¿De qué manera terminar con la violencia?
Tras ver las diferentes producciones que abordan la problemática de la violencia en México, Fernanda Valadez comparte una pregunta con la audiencia: ¿Cómo acabar con estos círculos viciosos?, y para brindar la respuesta la cineasta admite que viene de un proceso de inocencia, donde “teníamos la esperanza que con un cambio de gobierno y tomando ciertos dispositivos políticos / económicos, las cosas iban a solucionarse de inmediato, y hemos visto que no es así”.
Tras lo anterior la realizadora mexicana piensa que este es un problema arraigado a un sistema repleto de desigualdades, pero piensa que el primer paso para acabar con las problemáticas sería resolver la impunidad:
“Somos un país donde el 90% de los crímenes quedan impunes, también necesitamos más acceso a bienes sociales como la salud o educación que permitan una sociedad más equitativa, esto más allá de las demagogias y propagandas políticas”.
Por último Fernanda Valadez cree que también es importante “asumirnos corresponsables, pues en nuestra sociedad hay diversos puntos de complicidad. Más allá de los gobiernos en turno: ¿Qué nos corresponde como sociedad?”.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué opinan de las palabras de Astrid Ronderoy Fernanda Valadez?
En Fuera de Foco recopilamos algunas de las mejores películas que nos dejó el 2021.
2021 está a punto de terminar, y con ello vale la pena recopilar todas aquellas películas que nos hicieron transitar por una montaña rusa de emociones y reflexiones. Así que el staff de Fuera de Foco les presenta las mejores cintas del presente año.
The French Dispatch
Mediante diversas historias que componen la última edición de una revista, Wes Anderson nos entrega la película más virtuosa de su cinematografía, tanto a nivel técnico como emocional.
En el primer apartado el cineasta realiza una masterclass de composición visual, cada encuadre es una pintura detallada capaz de transitar entre la quietud y el vértigo, entre el live action y la animación 2D o stop motion, además de navegar entre la nostalgia del blanco / negro y el amor en el uso de una paleta colorida. Elementos que combina con un bellísimo soundtrack de Alexandre Desplat.
Referente a lo segundo, es probable que este filme sea el más emocional de su autor, pues cada uno de los relatos enLa Crónica Francesase guía por la nostalgia y el amor que sentimos por lo que nos rodea: los lugares, las personas, la comida y sus historias.
Don’t Look Up
Adam Mckay utiliza la sátira para contarnos una historia apocalíptica, la cual es igualmente divertida y aterradora por lo que nos dice sobre cómo la sociedad del espectáculo nos ha conquistado, y cómo nos ha quitado humanidad nuestra adoración por la mera representación, el engagement y aquello que genera dinero. A la vez que ha alejado nuestra mirada de aquellas situaciones que verdaderamente son necesarias de resolver.
Técnicamente también se trata de uno de los largometrajes más virtuosos de Adam Mckay, quien además de condensar a nivel de guión temas muy complejos, destaca en el uso de los runing gags y la manera en que utiliza el montaje externo para fortalecer el tono del relato, y brindar mayor dinamismo a la historia.
Selva Trágica
La cineasta mexicana Yulene Olaizola utiliza la leyenda maya de la Xcabay para dialogar las dinámicas de poder en la sociedad, la manera en que la masculinidad tóxica permea en la violencia ejercida en nuestras dinámicas y discursos.
El filme contó con 12 merecidas nominaciones a los Premios Ariel, y posee una contenida y maquiavélica interpretación de Indira Rubie Andrewin, la cual recuerda al trabajo de Jessica Harper y Dakota Johnson en sus respectivas Suspiria.
Curiosamente la cinta tiene una narrativa con tintes del horror y fantasía que combina con el western y el cine de aventuras.
Una Película de Policías
Alonso Ruizpalacios realiza en esta película uno de los ejercicios narrativos más interesantes de los últimos tiempos, pues combina el documental y la ficción para dialogar sobre la policía en México, lo que le permite construir un relato de muchos grises: que por un lado humaniza a las personas que componen a las fuerzas policiacas, pero por otro se mantiene crítico ante los vicios sistemáticos de las estructuras de poder.
Noche de fuego
La película mexicana fue seleccionada para representar al país en los Oscar 2022, y obtuvo una mención especial del Jurado en el Festival de Cannes. El filme es dirigido por Tatiana Huezo y cuenta la historia de tres jóvenes mujeres que viven en un pueblo ubicado en la Sierra de México azotado por el crimen organizado. Las jóvenes intentan sobrevivir mientras pasan desapercibidas para huir de la violencia.
Aunque las películas sobre el crimen organizado han inundado a nuestro país, Noche de Fuego aborda el tema de una manera delicada al centrarse en cómo el narcotráfico afecta a las mujeres y niñas de México. Además la dirección de Tatiana Huezo es de lo más destacable del año, y se acompaña con asombrosas actuaciones de sus protagonistas.
Annette
La reciente película musical francesa cuenta la historia de un terrorífico comediante -al que da vida Adam Driver- y una cantante de ópera -interpretada por Marion Cotillard-, quienes tienen una hija llamada Anette.
El nacimiento de la niña dará un giro inesperado a la historia que desencadenará diversos crímenes y problemas, en donde se dejará ver cómo la industria puede llegar a explotar el talento de una menor a niveles inhumanos. El filme fue nominado al Globo de Oro y fue la película inaugural del Festival de Cannes.
Annette es un musical surrealista que se destacó por su increíble elenco y la crítica social sobre la violencia de género, además del fanatismo descontrolado que podemos llegar a sentir los seres humanos.
Tick… tick… BOOM!
Basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, la película sigue a un aspirante a compositor de obras teatrales que trabaja de camarero en Nueva York, esto mientras escribe su próximo gran musical. Jon también se ve presionado por su novia Susan, quien está cansada de poner las aspiraciones profesionales de su novio por delante de su propia vida, lo que hace que el protagonista se sienta abrumado y se pregunte si su sueño merece la pena.
El proyecto fue nominado a Mejor Película en los Globos de Oro y Critics Choice, los cuales reconocieron el labor actoral de Andrew Garfield, quien obtuvo nominaciones en ambas premiaciones.
La película se destaca por mostrar cómo el escritor logró cumplir su sueño, esto al darse cuenta que las historias que valen la pena contar son aquellas en las que somos honestos/as con nuestra preocupaciones.
A Quiet Place 2
A pesar de que este filme se siente como un relato transitorio para una tercera entrega, John Krasinski confirma que es un director que busca salirse de las normativas del medio hollywoodense, pues basa su estructura narrativa en silencios y tensión, lo cual se contrapone al canon estadounidense de cortes frenéticos y talkies.
Dune
La esperada película de Denis Villeneuve logró obtener varias nominaciones a los Critics Choice, por lo que seguramente alcanzará varias menciones en los premios Oscar del próximo año.
La historia narra la vida en Arrakis, un planeta del desierto en manos de la Casa de los Atreides, el cual cuenta con una de las materias primas más valiosas de la galaxia y una droga capaz de amplificar la conciencia. Es así como el duque Leto (Oscar Isaac), su esposa Jessica (Rebecca Ferguson), y su hijo Paul Atreides (Timothée Chalamet), llegan al planeta con la esperanza de recuperar el renombre de su casa, pero se verán envueltos en una trama de traiciones y engaños.
Dune es una buena épica que espera introducir al público a una nueva franquicia, además destaca por sus planos generales espectaculares y una extraordinaria banda sonora de Hans Zimmer.
King Richard
Este largometraje es sencillo en su realización, pero está potenciado por un guión que más allá de contarnos los mejores momentos en la carrera de tenistas de Serena y Venus Williams, ahonda en su crianza bajo la tutela de su padre Richard y su madre Oracene, la cual les permitió a las deportistas lograr el éxito más allá de las canchas: una vida plena y sana en lo mental.
Godzilla vs Kong
Probablemente el mejor blockbuster del año, pues si bien su narrativa es simple y funcional para mostrarnos peleas épicas entre Godzilla y King Kong, el relato aporta mediante la aparición de Mechagodzilla un trasfondo temático que emula la filosofía esencial detrás de estos filmes: el cual nos muestra que los verdaderos monstruos son los vicios de nuestra especie.
The Mitchells vs The Machines
Los creadores de The Lego Movie ySpider-Man: Into the Spider-Verse regresaron con una historia salvaje de guerra entre una familia y una legión de robots controlados.
El proyecto combina una emotiva historia con CGI y material dibujado a mano que logra una estética única en tonos de arcoíris. Sorprende que el filme no obtuviera una nominación a los Critics Choice Awards como Mejor Largometraje Animado.
La película es una buena opción para ver en familia por tener una historia fresca y divertida, en donde se muestra el verdadero valor de una familia, y además se hace una crítica hacia el avance descontrolado de la tecnología.
Evangelion: 3.0+1.0
El rebuild de la obra más famosa de Hideaki Anno nos entregó un lindo final a la franquicia, pues vemos a cada uno/a de los/as personajes involucrados/as encontrando la luz: liberándose de la máquina, permitiéndose amar, y aceptando la alegría / dolor que viene de relacionarnos con otros/as como parte del eterno retorno de nuestra naturaleza de erizos.
Spider-Man: No Way Home
La esperada película de Marvel finalmente llegó para confirmar el multiverso y mostrar a personajes de todas las películas anteriores de Spider-Man. La trama se desencadena por el deseo que tiene Peter Parker de ser olvidado por el mundo, por lo que pedirá ayuda a Doctor Strange en un evento que sale mal y le obligará a descubrir lo que realmente significa ser un superhéroe.
Aunque la película tiene sus puntos bajos en el guión, es realmente una carta de amor a todas las películas de Spider-Man que generó nostalgia en la audiencia. Además muestra cómo el Peter Parker de Tom Holland ha madurado, y ahora comenzará a ser un superhéroe que anteponga el bienestar de otros/as al suyo.
Yo, Fausto
La ópera prima de Julio Berthely combina los tabúes que hay alrededor de las enfermedades mentales con la idea del mito de Fausto, además nos presenta una exploración del peso que pueden llegar a tener las estructuras patriarcales en una familia mexicana en la psique de una persona.
Guerra de Vecinos (Netflix)
Las comedias mexicanas tienen en general una mala reputación. Sin embargo Guerra de Vecinos es una historia graciosa que sabe explotar los clichés y prejuicios existentes en la sociedad mexicana, esto para traernos una historia conmovedora sobre aceptarse a sí mismo y superar las barreras que nos ponen las clases sociales.
El show cuenta la historia de Leonor (Vanessa Bauche), una mujer de clase media-baja que por azares del destino termina viviendo en una mansión en una de las privadas más caras de la Ciudad de México. Ahí hará una enemistad con Sylvia (Ana Layevska), una mujer que considera a Leonor y su familia como una invasora y verdadera amenaza a su lujoso estilo de vida.
Aunque a ratos sí cae en el ridículo y los chistes fáciles, es raro encontrar una propuesta interesante que ofrece una perspectiva diferente a las historias de la vida diaria en México.
Titane
Julia Ducurnau nos ofrece una exploración sobre lo que nos vuelve humanos y lo que nos permite amar, y mediante el camino nos recuerda que todavía puede haber filmes que se queden con nosotros durante un buen tiempo, que nos reten a discutir sus temáticas, a conocer a sus personajes, y que nos hagan sentir.
The Power of the Dog
Jane Campion dirige este western protagonizado por Benedict Cumberbatch: quien da vida a Phil, un vaquero que utiliza a su hijo para atormentar a su hermano George (Jesse Plemons) y su esposa Rose (Kirsten Dunst).
Benedict Cumberbatch se convierte en un hombre atrapado por los demonios de sus expectativas y un ciclo de violencia que lo viene persiguiendo desde el momento en el que nació. Definitivamente, una de las películas que estarán muy presentes en la temporada de premios de 2022.
Lamb
Este horror folk nos narra la historia de una pareja sin hijos descubre un misterioso recién nacido en su granja de Islandia. El potencial de crear una familia les trae mucha alegría, pero también podría destruirles.
Pig
Esta película protagonizada por Nicolas Cage nos cuenta la historia de un hombre que regresa a su ciudad natal con la intención de recuperar a su querida cerda que le ha sido robada.
A pesar de que sea imposible evitar las comparaciones con la más reciente saga de Keanu Reeves: John Wick, esta historia se centra más en ser una meditación sobre los sentimientos de desesperanza y desolación que llevan al personaje de Cage a sumergirse en la violencia. Eso no significa que el actor no de rienda suelta a su vibra maniática para entregarnos también escenas perturbadoras.
Cinéfilos y Cinéfilas, ¿Cuál fue su película favorita del 2021?
La directora de Eternals reveló que el final original era mucho más oscuro y triste
Los fanáticos de Marvel en todas partes se sorprendieron cuando el cantante Harry Styles hizo su aparición como Eros en una escena posterior a los créditos deEternals. A pesar de que sólo apareció unos minutos en pantalla, el héroe insinúa que ayudará al equipo de superhéroes en un futuro, pero Eros (junto con el resto del elenco) originalmente estaba destinado a tener un destino mucho más oscuro, según la directora del filme, Chloé Zhao.
En una reciente entrevista conEmpire, Zhao habló sobre la multiplicidad de temas que tuvo la película y cómo fue el presentar a un grupo completamente nuevo de superhéroes en Marvel. Y ahí, confesó que originalmente tenía pensado un final sumamente oscuro para su historia, pues implicaba que les borraran la memoria a estos nuevos protagonistas y regresaran con sus parientes inmortales.
“Solía terminar con todos en la nave, las mentes borradas y simplemente yendo a otro planeta, como ‘The Twilight Zone’. Recuerdo que cuando se volvió negro, todos decían: ‘No sé qué hacer’. Y pues es el MCU, tienes que seguir emocionado por lo que sigue después”.
Chloé Zhao.
Sin embargo, eventualmente la cineasta consideró que esta conclusión sería “demasiado sombría” y definitivamente hubiera colocado a Eternals como una de las películas más melancólicas del MCU.
¿Cómo tomó la decisión?
Por otro parte, Zhao explicó que nunca se ha quedado con el final que escribe en el guion y prefiere descubrir la conclusión en el proceso de edición. “La edición es un tercio del proceso de realización de una película”, agregó la cineasta. Es así como fue encontrando cuál era el final correcto para Eternalsy explicó que mientras estaban filmando, era difícil poder imaginar cómo se debería dar un final adecuado a los personajes.
La conclusión que decidió fue cuando los miembros supervivientes de la tripulación de Eternals se teletransportan a una nave en el espacio después de salvar a la Tierra y a la humanidad con ella. Fue así como encontraron a Eros y Pip the Troll, los nuevos personajes que aparecen en la nave de los Eternals, para advertir que algo malo está sucediendo y que necesitan ayudar.
Te presentamos las películas más votadas para ser nominadas a los premios Razzie 2022
Los premios Golden Raspberry, mejor conocidos como Razzies, representan el lado cínico de la crítica y el público en general, y es casi como la versión opuesta de los premios de la Academia. En su mayor parte, los Razzies nominan a lo peor del año y se burlan de las producciones menos destacables.
En los Razzies, hay premios que se otorgan al Peor Actor, Peor Actor de Reparto, Peor Actriz, Peor Actriz de Reparto, Peor Película, entre otros. Ahora que el año está por terminar y los estrenos del 2021 ya terminaron, es buen momento para predecir quién conformará la lista y la página gamblingsites.com comenzó a generar apuestas para votar por la película que más hayas odiado en el año. A continuación te la presentamos los mas votados.
Spiral – From the Book of Saw (+4000 votos)
Desde su estreno, las críticas comenzaron a ser despiadadas con la nueva película que se desprende del universo terrorífico de Saw. Aunque el actor Chris Rock es uno de los mejores comediantes de todos los tiempos, parece que en las historias dramáticas no es tan convincente y no terminó por gustar al público.
Si bienSpiral hace un valiente intento de presentar algunas ideas nuevas y temas un poco más elevados, no le da a Saw el gran impulso que necesitaba para recuperar la relevancia y terminó por ser odiada.
Los inadaptados (+2200 votos)
La película se anunció por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2019 que fue esperada por combinar elementos de Ocean’s Eleven y The Losers. Sin embargo, la actuación de Pierce Brosnan como Richard Pace, un caballero ladrón de la vieja escuela, no fue tan conveniente. Por otro lado, el proyecto no sirvió en la taquilla y terminó por ser uno de los mayores fracasos del año.
Space Jam – Un nuevo legado (+1400 votos)
Aunque la película prometía traer la nostalgia y la emoción de los personajes de la primera entrega de Space Jam,el proyecto no convenció a la crítica y obtuvo una puntuación del 25% en Rotten Tomatoes frente a un 79% por parte de la audiencia. En consecuencia, la película fracasó en taquilla en parte por los efectos de la pandemia de coronavirus y su estreno simultáneo en HBO MAX. En este momento es difícil predecir cómo estas nuevas estrategias le afectaron al proyecto y sirve como otro ejemplo de las nuevas tendencias que apunta al empoderamiento de las plataformas de streaming.
La guerra del mañana (+ 600 votos)
La película de ciencia ficción protagonizada por Chris Patt recibió críticas mixtas, mientras que los/as fanáticos/as se dividen entre los que disfrutaron de la película y los que parecían odiarla por completo. Principalmente el debate se concentraba en estar a favor de las divertidas escenas de acción y, por otro lado, otros se quejaban de los agujeros de la trama. Las opiniones también destacan que el concepto de viajar en el tiempo para ayudar a salvar el mundo, es bueno, pero la ejecución fue un fracaso y la actuación de Pratt fue considerada exagerada.
El stand de los besos 3 (+800 votos )
El final de El stand de los besos 3 de Netflix no fue la mejor conclusión para la película de comedia romántica para adolescentes, además, la franquicia ya se ha extendido demasiado y las tramas de los personajes ahora parecen forzadas, por lo que el público ahora se pregunta por qué se han hecho tantas entregas de la misma historia.
Una de las razones por las que el final no logró satisfacer, es porque pasó por alto las experiencias universitarias de Elle, e ignoró el crecimiento personal de la protagonista, especialmente cuando los personajes de repente parecían mucho más maduros después del salto de tiempo.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuál es su favorita para los Razzies?
Emma Watson y Rupert Grint admitieron que pensaron en abandonar la franquicia de Harry Potter.
Con motivo del aniversario número 20 del primer filme de la franquicia, el elenco de Harry Potter se reunió para filmar un especial titulado Regreso a Hogwarts, el cual llegará el 1 de enero del 2022 a HBO Max, y según lo informado por Daily Mail cuenta con un instante donde Emma Watson y Rupert Grint -quienes respectivamente dieran vida a Hermione y Ron– admiten que pensaron abandonar las afamadas películas.
Según lo informado por el susodicho medio, en un momento del especial Rupert Grint le menciona a Emma Watson: “Tu llegaste a considerar salirte de la franquicia. Nunca platicamos de ello”, lo cual confirmó la histrión mediante las siguientes palabras:
“Sí, creo que estaba asustada. No sé si alguna vez sentiste un punto de inflexión donde pensabas que esto era para siempre. Fue mientras se filmaba La orden del Fénix que las cosas se pusieron complicadas para todos nosotros. La fama finalmente había llegado a lo grande.”
¿Por qué nunca lo habían platicado?
Tras esta respuesta Rupert Grint declaró que también tuvo sentimientos similares, y llegó a contemplar “como sería la vida si me tomara un día. Nunca platicamos de ello. Supongo que lo estabamos pasando a nuestro propio ritmo, simplemente viviamos el momento”.
Daniel Radcliffe -quien diera vida a Harry Potter– se sumaría a la conversación para mencionar que nunca platicaron sobre sus sentimientos porque “Eramos unos niños. Como alguien de 14 años nunca iba a voltear con alguien de 14 años y preguntarle: ‘¿Todo esta bien?’”.
Al respecto, Emma Watson admitió a sus compañeros que después de experimentar ese período de duda “ nadie tuvo que convercerme para llevar a cabo las películas, los/as fans genuinamente querían que tuviera éxito. Y nosotros realmente nos cuidamos la espaldas”.
Fuera de Foco platicó con la directora y actriz mexicana Ángeles Cruz sobre su experiencia en la industria cinematográfica
Ángeles Cruz es una actriz, guionista y directora de cine mexicana reconocida con el Premio Ariel y La Palmita EFM del XVI Tour de Cine Francés por sus destacados proyectos como La tiricia o de cómo curar la tristeza, La Carta, Arcángel y, recientemente,Nudo mixtecoque formó parte del Festival Internacional de Cine de Morelia.
Cruz nos platicó que su carrera ha sido un viaje en donde considera que tiene historias para contar muy trascendentales que no puede sacarlas de su cabeza y fue así como decidió pasar de ser actriz a directora de cine. “Empecé escribiendo historias pensando que yo quería actuar y me di cuenta que me importaba tanto que no era necesario estar enfrente de la cámara”. Asimismo, la cineasta comparó la sensación de escribir con el agua. “Cuando te sumerges y empiezas a respirar a bajo eso es para mi, contener la respiración y soltar poco a poco”.
¿Hay más oportunidades para las mujeres en el cine?
Durante los últimos años, el cine mexicano comenzó a ser dirigido por más mujeres, incluso, los festivales de cine a nivel internacional comenzaron a darles más espacio en sus premiaciones. Sin embargo, la brecha aún es amplia y la mayoría de los proyectos aún son dirigidos por hombres.
Al respecto, Ángeles Cruz comentó que este avance se debe a una lucha que ha durado años y es liderada por mujeres que ni siquiera conocemos. “Ellas se han encargado de ir abriendo camino y colarse en los festivales y en los jurados”, agregó.
Además, destacó que existen muchas mujeres que han sido “tumbadas” por tratar de lograr la igualdad en el cine. “Gracias a ellas estamos aquí, entonces para mi eso es el vínculo entre todas las cineastas del mundo”, explicó la directora. “No existe el suelo parejo, no hay equidad y, sin embargo, sin saberlo, somos una red compleja de solidaridad”.
¿Cómo comenzar a escribir?
El proceso para comenzar a escribir una película es difícil, en un principio, te enfrentas a una hoja en blanco en donde no sabes por dónde comenzar. No obstante, Cruz externó que para ella, las historias siempre la han elegido. “Sucede que no puedo dejar de pensar en una historia, me paso con La tiricia o de cómo curar la tristeza, fue por algo muy cercano, una persona me contó que había sufrido un abuso de niña y yo no pude responder, soy muy torpe con los sentimientos y eso pasó hace cuarenta años”.
Fue así como comenzó a interesarse en el tema y ver a las niñas, le generaba preocupación por querer protegerlas. “Empecé a escribir este personaje, me cargó de su miedo y no sabia como sacarlo hasta que hice la película, no podía respirar si no lo hacía y entendí el mecanismo de comenzar a escribir”.
Tiempo después, la cineasta escuchó en su comunidad en Oaxaca que “las lesbianas no existían”, por lo que comenzó a pensar en eso para un nuevo proyecto. “Bueno somos tan absurdos que ni siquiera podemos pensar en las posibilidad del amor sexual entre dos mujeres”, dijo Cruz. Como resultado, nació La carta, un cortometraje que fue elogiado en el Festival Cologne LGBT.
En el caso de Nudo Mixteco, Ángeles Cruz escribió acerca de tres personajes que regresan a su comunidad después de muchos años, por lo que se sentía identificada con la historia. Asimismo, señaló que nunca se detuvo en preguntar si el proyecto tendría éxito o no. “Yo estoy metida en la historias, para mi las mujeres y los hombres y el ser humano sigue siendo algo que necesito indagar”.
¿Cuál fue su mayor reto como actriz?
Cruz comenzó su carrera como actriz en la película sueco-danesa, La hija del puma que trata sobre las masacres ocurridas en Guatemala. Por su trabajo estuvo nominada por la Academia Sueca como mejor actriz y, a partir de ahí, comenzó a interesarse más por la carrera. Sin embargo, Cruz puntualizó que se ha enfrentado a retos en su carrera, principalmente, cuando tiene que decir “no” a los proyectos cargados de estereotipos.
“Esta visión tan corta sobre el cómo vernos a las personas que provenimos de las comunidades indígenas, siempre vernos como gente ignorante, nunca vernos como una persona profesionista, nunca vernos como una persona que puede ser una superhéroe, nunca vernos como una persona que no sea víctima, entonces siempre esa parte cuando conozco una historia y me punza la panza digo no, no puedo con esto”.
Ángeles Cruz
Además, la actriz comentó que le gustaría tocar “todas la gamas de personajes” en su carrera artística, pero solo le ofrecían los mismos papeles. “Eran los mismos personajes victimizados, con todas las características negativas, donde viene alguien a enseñarte que tu puedes salir adelante pero tu no te puedes darte cuenta, porque alguien viene de afuera y te dice”. explicó la actriz sobre las narrativas de la películas que le ofrecían.
¿Cómo financiar los proyectos?
La directora y actriz platicó que hacer cine en México es un reto por tratar de conseguir fondos para tu película y después un distribuidor que se interese en ella. Pero al final, siempre ha encontrado gente que se “sube a su barco creativo” para sacar la historia a flote.
De igual forma, destacó que en México el problema de la distribución es incontrolable y que sus proyectos han sido más fáciles de colocar en el extranjero. Por otro lado, también te enfrentas a la atención del público en donde la competencia es cada vez más fuerte. “Conocí a dos niños de mi pueblo que le pidieron a sus papás que los llevaran a ver El Hombre Araña y aquí son incapaces de ir a ver una película de nosotros”.
Por lo tanto, mencionó que la cultura hollywoodense “se metió en nuestras casas” y ganarse al público ahora es más difícil, “porque tampoco hacemos un cine desechable o por lo menos no lo pretendemos en un principio, el cine es ese lugar en donde podemos cuestionarnos cosas”, puntualizó la directora sobre el cine estadounidense que llega a nuestras carteleras y se beneficia de tener mas salas de distribución.
También por las plataformas de streaming la industria del cine se ha tambaleado y el público prefiere quedarse en su casa para ver de manera más cómoda y económica una película. Aunque, Cruz externó que esta nueva modalidad no la convence del todo debido a que considera que un filme debe verse en la pantalla grande. “No creo que el hecho de llegar a todos lados es que vas a tener calidad”. Por lo tanto, destacó que un filme debe verse sin interrupciones y que las plataformas pueden generar “contenido rápido, digerible y desechable”.
Te presentamos los 5 peores momentos que experimentó la industria cinematográfica en el 2021.
Cada año se encuentra marcado por los claroscuros de la vida, y así como hay buenos momentos también los hay malos, por lo que en Fuera de Foco repasamos los cinco peores sucesos que enfrentó la industria cinematográfica en el 2021, desde incidentes en el set, pasando por el metaverso, y llegando hasta las NFT’s.
Incidente de Rust
El 21 de octubre de este año la industria cinematográfica estuvo de luto, pues la directora de fotografía Halyna Hutchinsperdió la vida durante la filmación de una escena de Rust, esto supuestamente provocado por el disparo de un arma que contenía una bala real.
Aún no se ha determinado quien o quienes son los responsables de este triste acontecimiento, pero más allá de los nombres parece que lo sucedido es el resultado de la precarización laboral que se vive en la industria cinematográfica, pues supuestamente por esta razón diversos/as miembros sindicalizados de la producción abandonaron horas antes la misma, lo que llevó al filme a contratar personas no sindicalizadas a laborar en apartados como los props y efectos especiales.
Curiosamente, las semanas previas a este incidente estuvieron marcadas por las turbulentas negociaciones entre el Sindicato de Trabajadores de la Industria Fílmica y Televisiva (IATSE por sus siglas en inglés) y la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP por sus siglas en inglés), en las cuales la segunda organización se negaba a aceptar cumplir los requisitos de los/as trabajadores/as, quienes pedían jornadas laborales menos largas y un salario digno.
¿Sólo franquicias para las salas?
7 de las 10 películas más taquilleras del 2021 son blockbusters pertenecientes a alguna franquicia: No Way Home, No Time to Die, Rápidos y Furiosos 9, Venom 2, Godzilla vs Kong, Shang Chi y Eternals. Y las 3 restantes pertenecen al particular caso chino: The Battle at Lake Changjin, Hi Mom, y Detective Chinatown 3.
Sumemos a estos datos el desempeño en taquilla de filmes como West Side Story de Steven Spielberg o Nightmare Alley de Guillermo del Toro(por poner algunos de los muchos ejemplos en el año), los cuales apenas recaudaron respectivamente 27.5 millones de dólares y 2.8 millones de dólares.
Posiblemente lo anterior llevó al analista de taquilla para Forbes: Scott Mendelson, a declarar que hemos llegado a un punto donde las películas de mediano presupuesto u aquellas que no pertenecen a alguna gran franquicia, han perdido su lugar en los complejos cinematográficos.
Tras lo anterior, las salas cada vez más podrían estar más acaparados por los grandes títulos, dando lugar a una distribución más desigual y acabando con la diversidad de relatos que podemos ver en la pantalla grande.
Metaverso
Este año Mark Zuckerberg anunció que Facebook cambiaría su nombre a Meta, esto supuestamente porque la empresa quiere reflejar que ya no sólo se encuentran a cargo de una red social, sino de un metaverso: un entorno virtual donde los/as usuarios/as podrán jugar, reunirse, trabajar, crear y compartir experiencias, al cual se podrá acceder desde todos los dispositivos y aplicaciones de la compañía (Oculus VR, Facebook, WhatsApp e Instagram).
Además de que este movimiento busca ser un lavado de imagen en toda regla, asusta que empresas líderes en la actualidad como la ahora Meta o Disney apuesten por la creación de un metaverso, pues frente a la constante explotación mundial de unos recursos finitos y la creciente desigualdad social, ¿es que el único espacio que nos queda vislumbrar con esperanza es la virtualidad? Parece que no entendimos nada de Black Mirror y Ready Player One.
NFT’s en el cine
Los NFTs son archivos digitales -regularmente relacionados a cuestiones artísticas- que muchas personas se encuentran vendiendo, los cuales otorgan a el/la comprador/a una propiedad verificable.
Al respecto, muchas personas en redes sociales han criticado este mercado y lo han calificado como una estafa, esto debido a la facilidad con que se puede copiar un archivo digital, y lo rídiculo que es pagar cantidades inmensas de dinero por poseer los derechos de propiedad de uno.
En lo que respecta al cine, muchas empresas se están subiendo al barco con la esperanza de rascar la mayor cantidad de dinero posible, y en el camino no les ha importado profanar la imagen de figuras reconocidas del séptimo arte, como lo sucedido recientemente con Stan Lee o la demanda que Miramax levantó contra Tarantinopor querer vender NFT’s de Pulp Fiction.
¿Y la diversidad?
Eternals y West Side Story tienen dos cosas en común: ambas cuentan con un/a personaje perteneciente a la comunidad LGBT+ y no pudieron llegar a las audiencias de países como Qatar, Kuwait y Arabia Saudita, donde cualquier contenido referente a los susodichos grupos disidentes está prohibido.
Por otro lado, en países como Corea del Norte un estudiante que contrabandeaba la serie de El Juego del Calamar fue sentenciado a muerte, pues poseen una Ley sobre la eliminación del pensamiento y la cultura reaccionarios, la cual castiga a quienesposeen o distribuyen producciones de países capitalistas como Corea del Sur y Estados Unidos.
Estos dos ejemplos nos hablan de algo en común: la larga lucha que aún nos queda por recorrer en términos de diversidad ideológica, y por lo tanto de libertad.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otro momento añadirían al top?
