Vin Diesel comenta que Rápidos y Furiosos 9 explorará el pasado de Toretto antes de convertirse en un criminal.
Se acerca el estreno de Rápidos y Furiosos 9, y como pudimos apreciar en el último tráiler de la cinta, la franquicia cada vez aborda sucesos más espectaculares, ya que inclusive sus protagonistas viajarán al espacio. Sin embargo en una entrevista con Entertainment Weekly, Vin Diesel comentó que la cinta también explorará tramas íntimas.
Esto debido a que los eventos de su novena entrega nos presentarán la historia de Dom Toretto antes de convertirse en un criminal, situación que irá de la mano con el desarrollo del personaje de John Cena: Jakub, el hermano ficcional de Vin Diesel.
“Todo el mundo esta emocionado por la nueva película, pero para quienes hayan visto todos los filmes de la franquicia, este será aún más especial. Ya que explorará eventos previos al primer largometraje, lo que les permitirá entender mejor el mismo. ¿Dónde estaba Dom antes de convertirse en Toretto? ¿Cuáles eran sus influencias? Esa es una historia con un gran trasfondo y muy divertida de ver.”
Vin Diesel a Entertainment Weekly.
Rápidos y Furiosos 9 se estrenará en cines el 25 de Junio del 2021. Será dirigida por Justin Lin –quien estuvo a cargo de la tercera, cuarta, quinta y sexta entregas de la serie-, y estará protagonizada por Vin Diesel, John Cena, Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Chris “Ludacris” Bridges, Cardi B, Sung Kang, Helen Mirren y Charlize Theron.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona Rápidos y Furiosos 9 ?
El guionista de Falcon and the Winter Soldier: Malcolm Spellman, reveló que Spider-Man iba a tener un cameo en la serie.
El último episodio de Falcon and the Winter Soldier nos dejó una serie de grandes y emocionantes momentos, protagonizados por Sam Wilson y Bucky Barnes, quienes detuvieron el ataque del grupo radicalizado conocido como los Flag Smashers.
Pero en la preparación de este instante, se quedó en el camino una idea que hubiera sorprendido a toda la audiencia, ya que se tenía planeado un cameo de Spider-Man en la batalla final, lo que hubiera significado el reencuentro entre el Soldado del Invierno, Falcon y el Hombre Araña, tras su pelea en Civil War.
Esto fue confirmado en una entrevista al portal Inverse, por el guionista en jefe de la serie: Malcolm Spellman, quien mencionó que Kevin Feige rechazó la idea desde un inicio, ya que a pesar de que la historia ocurra en New York, esto no significa que Spider-Man tuviera que hacer su aparición, ya que los cameos deben ocurren “de manera orgánica”.
“Claro que Kevin Feige me dijo: ‘No. Detente’. Escucha, cuando por primera vez apareces en estos proyectos, en tu mente piensas que vas a poder usar a todos los personajes que componen el Universo Cinematográfico de Marvel. Pero siempre te preguntan, ‘¿Esta persona pertenece a esta historia? No puedes sacar y meter personajes sólo porque te gustan. Tienen que ocurrir de manera orgánica.’”
Dirigida por Kari Skogland, Falcon and the Winter Soldier esta protagonizada por Anthony Mackie, Sebastian Stan, Emily VanCamp y Wyatt Russell. Toda la primera temporada se encuentra disponible en Disney+.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les hubiera gustado ver a Spider-Man en Falcon and the Winter Soldier?
Lupita Nyong’o conversó sobre filmar la secuela de Black Panther ante la ausencia de Chadwick Boseman.
Lupita Nyong’o: intérprete ganadora de un Oscar en 2014 por su trabajo en 12 años de esclavitud, se encuentra promocionando Super Sema, una serie animada enfocada en el público infantil exclusiva de YouTube, la cual narra la historia de una niña afrodescendiente que a través del poder de la ciencia salva al mundo futurístico de Dunia.
En el programa la intérprete realiza la voz de Mamá Dunia, y al respecto conversó con Yahoo Entertainment, en donde además de expresarse feliz en como Super Sema incrementa la visibilidad de comunidades poco representadas, también respondió cuestionamientos en torno a su participación en el Universo Cinematográfico de Marvel, y específicamente enBlack Panther, la cuarta película más taquillera en la historia.
Nyong’o pronto volverá a Wakanda (en realidad Atlanta) para comenzar a trabajar en la producción de la secuela deBlack Panther, la cual será dirigida de nuevo por Ryan Coogler, y se enfrentará a la ausencia de su intérprete protagonista: Chadwick Boseman, quien falleció en Agosto de 2020 debido a un cáncer de colon.
La susodicha intérprete era muy allegada al actor, y sobre la experiencia de volver al set sin su presencia comentó:
“La gente me pregunta, ‘¿Te emociona volver?’ Emoción no es palabra correcta. Me encuentro en un estado muy meditativo cuando se habla de Black Panther 2. Su fallecimiento aún resulta demasiado crudo para mí.”
Ante estas palabras la voz de la actriz comenzó a quebrarse, mencionando:
“Ni siquiera puedo imaginarme como será pisar el set y no tenerlo allí. Pero al mismo tiempo tenemos un líder en Ryan, que se siente similar a nosotros/as. Y su idea, la forma en que ha reconstruido la película es muy respetuosa a la perdida que hemos experimentado Así que realizarla se siente espiritual y emocionalmente correcto. Y con suerte, lo que espero con ansias es volver a estar juntos y honrar lo que comenzó con nosotros, manteniendo su luz, porque Chadwick nos dejó con ello.”
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué esperan de Black Panther 2?
Iron Man era una película de la que nadie esperaba nada. ¿Cómo es que dio inicio a uno de los universos cinematográficos más grandes de la historia?
Iron Man, del director Jon Fraveau, inició el universo compartido más importante que la década de 2010, una saga cinematográfica que todos conocemos como la “Marvel Cinematic Universe”. Nuestro querido universo de superhéroes de Marvel se originó con Iron Man que nos acompañó durante 10 largos años. El largometraje es, por tanto, el primer capítulo de la llamada Infinity Saga como parte de la fase uno que consta de seis películas que presentan algunos de los personajes principales de Marvel, como The Incredible Hulk (2008) ,Iron Man 2 (2010), Thor (2011), Capitán América: El primer vengador (2011), Los Vengadores (2012).
Iron Man no sólo se ha ganado el corazón de los fanáticos, sino también de la crítica que definitivamente lo ha apreciado. El filme fue nominado en los oscars de 2009 en la categoría de efectos especiales y mejor edición de sonido. ¿cómo logró convertirse en el éxito que es ahora? ¡Eso es lo que Mónica Castellón, Alejandro Ohtokani y Becka Salas explotarán el día de hoy!
La Tragedia de Marvel Cómics
Es gracioso pensar que el Universo Cinematográfico de Marvel empezó precisamente porque la compañía estaba a punto de quebrar y tuvo que vender sus activos más preciados a diferentes productoras, las cuales terminarían por iniciar el boom superheróico que cambió la manera de ver el cine por completo. Pero vamos por partes.
A finales de 1996, la industria del cómic estaba sufriendo una grave crisis y Marvel fue una de las editoriales más afectadas. La gente pronto se dio cuenta que las historietas con portadas lenticulares no necesariamente subirían su valor en el futuro, rompiendo la burbuja especulativa que se había creado en 1992 con La Muerte de Superman y llevando a Marvel cómics a declararse completamente en bancarrota.
Para evitar que cerrara sus puertas, el CEO de Marvel en ese entonces, Ronald Perelman, compró la compañía Toy Biz y las mezcló para crear Marvel Enterprises con el fin de generar dinero a través de la venta de mercancía licenciada.
Pero todo este drama tampoco fue suficiente para asegurar la vida de Marvel, por lo que se vieron obligados a vender nuevamente sus franquicias más populares a diferentes productoras para tener un poco de dinero fácil y rápido.
Vendió a los X-Men a Fox por 2.6 millones de dólares, así como Daredevil y otros personajes menores. Asimismo, a pesar de que la poderosísima compañía Constantin Films no había hecho ninguna otra película de los 4 Fantásticos después de la terrible producción sobre el equipo que hicieron en 1994 y que Marvel les pagó para quemar, también logró renegociar con Marvel para que los derechos de estos héroes siguieran con ellos y con Fox.
Por otro lado, Sony compró personajes como Ghost Rider y Punisher, pero el que realmente quería fue Spider-Man, por el cual pagó tan solo 7 millones de dólares. De hecho, Marvel estaba tan desesperado por morralla que en la negociación de Spider-Man le propuso a Sony obtener los derechos de superhéroes menores comoIron Man, Black Panther, Ant-Man y Thor por 18 millones de dólares, pero la compañía consideró que eran personajes muy poco populares y no creyó que llegaran a ser redituables.
Así, Marvel consiguió suficiente dinero para seguir operando, sin saber que gracias a su venta, la industria cinematográfica daría una nueva vida a sus superhéroes a través de enormes y muy lucrativas películas blockbuster.
El Boom del Cine de Superhéroes
Fox comenzó la primera trilogía de X-Men a finales de los 90 con Bryan Singer a la cabeza. La trilogía fue muy exitosa comercialmente, generando $1.6 mil millones de dólares y, salvo la tercera, tuvo buena recepción crítica. Pero lo mas importante que hizo la primera parte de X-Men fue el ser una de las primeras pelis de superhéroes pensada primero como película y luego metiendo el factor Superheróico. Bryan Singer quiso crear una historia de varios inadaptados que, casualmente, tenían vivían en una mansión llena de niños súper poderosos.
Esta idea se consolidó al inicios de los 2000, que trajo consigo el boom de las películas de superhéroes de este estilo. Y uno de los mayores referentes fue el genial trabajo que hicieron Sam Raimi y Tobey Maguire con Spider-Man, cuya trilogía recaudó más de 7.5 mil millones de dólares y fue aclamada por la crítica.
Del otro lado de la cancha, teníamos a Warner con la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan, la cual también fue un éxito en crítica y taquilla y seguía esta línea de aterrizar a los Superhéroes en un contexto real haciendo una grandes películas antes que grandes superhéroes.
Y funcionó. Los blockbusters comenzaron a llenarse de tipos en mallas, y si bien hubo varios fallos como el Daredevil de Fox, el Ghost Rider de Sony o el Hulk de Universal, en general los ejecutivos de cine estaban contentos y usaban billetes de $100 dólares como servilletas.
El espectador de cine normal fue introducido a personajes que nunca había visto y los fans de cómics estaban extasiados: Por fin Hollywood tomaba en serio a los superhéroes y estaban invirtiendo millones de dólares en producir grandes películas sobre personajes que amaron durante tanto tiempo.
Pero aparentemente, el único que no estaba disfrutando de este nuevo boom, era Marvel.
El Atropellado Inicio del MCU
Desde el 1996 La casa de las Ideas había creado su división de Marvel Studios para entrarle al juego cinematográfico, pero hasta el momento solo habían podido co-producir las películas de X-Men, Daredevil y los 4 Fantásticos, pero más en un rol creativo que en un rol de socio de negocios.
La compañía seguía muy débil, si bien seguían ganando dinero de la venta de juguetes de sus personajes popularizados por las películas, muy poco dinero de estos blockbusters realmente llegaba a las arcas de Marvel..
Querían desesperadamente entrar al negocio cinematográfico y hacer películas ellos solitos, no bajo la sombra de estas grandes productoras. Pero también sabían que ya habían vendido sus activos más valiosos y que tampoco tenían el capital para aventurarse en algo por si solos.
Y entonces en el 2003 llegó un héroe sin capa, el único que si creía en el potencial de Marvel: un agente de talentos llamado David Maisel.
Maisel convenció a Marvel de crear su propia compañía productora, hacer películas de las propiedades que todavía tenía y quedarse con las ganancias. Tras muchísima duda interna en Marvel al final accedieron, y para conseguir un poco de dinero, hipotecaron todos, pero todos los derechos de sus personajes que le quedaban a la compañía Merrill Lynch para conseguir un crédito por $525 millones de dólares y producir sus primeras películas.
Los personajes que puso en garantía y con los que contaba para hacer su nuevo emprendimiento eran Ant-Man, el Capitán América, Black Patther, Cloak & Dagger, Doctor Strange, Hawkeye, Nick Fury, Power Pack y Shang Chi, así que comenzaron a crear planes para producir películas alrededor de ellos.
Pero poco después de ese préstamo y en lo que seguían planeando sus inicios, los derechos de Iron Man, que había vendido a New Line Cinema, regresaron a Marvel porque New Line nunca se animó a hacer una peli de un billonario egocéntrico que nadie conocía.
Incluso Hulk volvió a Marvel poco antes de comenzar con el Universo Cinematográfico de Marvel, solo que Universal se quedó con los derechos de distribución, significando que las películas que se hicieran en solitario de Hulk las vendería Universal, por ende quedándose gran parte de la lana.
David Maisel se convirtió en el chariman de Marvel Studios y de presidente de producción pusieron a un chavillo de 27 años que había ayudado en las películas de Spider-Man y X-Men. Un ñoño comiquero que confiaba en el proyecto y tenía un gran amor por los personajes: Kevin Feige.
Tenían el dinero, tenían un equipo que amaba el material de origen y tenían a los personajes básicos que podían conformar a los Vengadores. No era mucho, pero era suficiente.La moneda estaba en el aire, si Marvel acertaba lograría entrar al negocio cinematográfico y tal vez incluso competir contra Sony, Warner y Fox.
Pero si Marvel fallaba, perderían a los pocos personajes que le quedaban y probablemente volverían a la bancarrota.
Una sola posibilidad en 5 millones… Y el resto es historia.
El fénix Downey Jr
Sin embargo Marvel no fue el único ente que resurgió de las cenizas con la primera entrega de Iron Man, pues también el protagonista Robert Downey Jr. vivió algo similar.
El intérprete estadounidense se erigió como una de las estrellas más potentes en el Hollywood de los 80 y 90, protagonizando desde narrativas juveniles como Weird Science o The Pick-up Artist, hasta filmes de corte autoral como Natural Born Killers o Chaplin (1922): este último largometraje inclusive la valió un Golden Globe a Mejor Actor y una nominación al Oscar en la misma categoría.
Pero toda su carrera se iría a pique cuando a finales de los 90, su adicción a las drogas lo llevo un año cárcel. Tras su rehabilitación a inicios de los 2000, ninguna producción quería relacionarse con el actor, y durante años Downey Jr. se esforzó para volver a las grandes ligas hollywoodenses, aunque sin mucho éxito.
Dentro de aquellos tiempos complicados, su mejor trabajo se suscitó en Kiss Kiss Bang Bang(2005), un filme dirigido por Shane Black-quien posteriormente dirigiría Iron Man 3-, y el cual llamaría la atención de un cineasta desconocido por aquella época: Jon Favreau.
Quien al ser contratado para dirigir la primera entrega de Iron Man, no se lo pensaría dos veces, no existía mejor opción que Robert Downey Jr. para dar vida Tony Stark, ya que como el mismo realizador mencionó: “Nadie entendía mejor al personaje que él.”
Esto último quizá encuentre su explicación en que al igual que Iron Man, Downey Jr. era una personaje que había estado en la cima, tocado fondo, y resurgido como un hombre nuevo.
Lo demás es historia, Robert Downey Jr. se convirtió en una de las figuras más icónicas de la cultura pop en la última década, además ser el actor mejor pagado, pues como informó Variety, su participación en Civil War le simbolizó un pago de 40 millones de dólares.
Jon Favreau: Del indie al pop
Iron Man también simbolizó la solidificación de Jon Favreau en la industria Hollywoodense. El camino del realizador neoyorkino comenzó más de una década atrás, cuando se mudó a Los Ángeles con la esperanza de alcanzar el estrellato.
Tras años de fungir como personaje secundario en películas como Batman Forever o la serie Seinfeld, el intérprete se cansó de esperar y comenzó a escribir sus propios filmes, de donde surgiría Swingers: una comedia de 1996 co protagonizada por Favreau y Vince Vaughn, la cual se convertiría en un éxito del cine indie.
Más tarde bajo la misma dupla protagonista, Favreau debutaría como director en otra cinta aclamada por el circuito indie: Made (2001), prestigio que continuaría en ascenso con la comedia navideña con Will Ferrell: Elf (2003). Situación que le permitiría ser considerado para producciones más grandes como Zathura (2005), la cual sería un fracaso en taquilla y crítica frenando su meteórico ascenso.
Sin embargo Kevin Feige confiaría su única carta en él para encargarse de Iron Man, y bueno, tomó la decisión correcta, pues junto Robert Downey Jr. establecerían las bases de los filmes más exitosos en la actualidad.
Razón que llevaría Disney a volver a confiar en el director para revivir algunas de sus franquicias más representativas, como El Libro de la Selva y El Rey León, donde su éxito se replicaría con enormes ingresos en taquilla. Algo similar a lo que haría años más tarde al revitalizar Star Wars mediante The Mandalorian.
¿Cuál fue el resultado?
Iron Man es una mezcla muy agradable de sorprendentes efectos especiales y acción, pero también deja espacio para la lectura del hombre dentro de la armadura. El director nos muestra a Tony Stark, quien luego de una vida de soltero decide cambiar y hacer todo lo que esté a su alcance para remediar los errores del pasado.
La historia inserta no solo momentos de pura acción de entretenimiento, sino que va a crear un personaje más profundo marcando un camino de crecimiento y maduración personal que lo lleva a reconsiderar por completo su destino y el sentido mismo del mundo que lo rodea, trazando en sí mismo una fuerza y una voluntad desconocidas para él. Todo se muestra a través de una cuidada dirección y una buena edición que sabe mezclar bien los momentos.
Las interpretaciones de los personajes son casi perfectas, sobre todo la de Robert Downey Jr., quien interpreta al millonario con mucha naturalidad, dando una gran prueba de que prácticamente nació para hacer este papel.
¿Qué les parece, cinéfilas y cinéfilos? ¿Conocían toda la historia de Iron Man?
La serie live action de Green Lantern para HBO Max, comienza a anunciar su elenco, y uno de los primeros en unirse es el actor Finn Wittrock.
Finn Wittrock: intérprete afamado por su participación en American Horror Story, se une al elenco de la nueva serie de HBO Max protagonizada por Green Lantern, en donde dará vida a Guy Gardner, personaje que es descrito por The Hollywood Reporter como: “una enorme masa de masculinidad, la cual como se muestra en los cómics, es la encarnación del híper patriotismo en la década de los 80’s. Y aún así, es de alguna manera agradable.”
El portal menciona que el productor ejecutivo Greg Berlanti, había mantenido una serie de conversaciones con el cineasta Ryan Murphy, con la finalidad de conocer la disponibilidad de Wittrock, ya que también será el protagonista de la segunda temporada de Ratched. Pero ya que la susodicha producción aún no tiene fecha de inicio, Murphy accedió a que el intérprete tomara como proyecto prioritario la serie de DC.
Creado por John Broome y Gil Kane: Guy Garden apareció en los cómics por primera vez en 1968, donde ha acompañado a Hal Jordan y John Stewart como un miembro en la Tierra de Green Lantern Corps.
HBO Max también reportó, que en los próximos días se dará a conocer al actor que interpretará al clásico Green Lantern: Alan Scott, además de liberar la sinopsis del programa:
“Green Lantern reinventa el clásico de DC a través de una historia que abarca décadas y galaxias, comenzando en la Tierra en 1941, con el primer Linterna Verde: Alan Scott, el agente del FBI que esconde en secreto su homosexualidad, y en 1984, con el engreído macho alfa Guy Gardner y la mitad alienígena Bree Jarta. A ellos se unirán otra multitud de Linternas, desde los favoritos en los cómics hasta héroes nunca antes vistos.”
Aún no hay una fecha de estreno para el programa.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona la nueva serie de Green Lantern?
Gal Gadot cumple 36 años y para celebrarlo repasamos el personaje que la lanzó a la fama
Wonder Woman nació en 1941 escrita por William Moulton Marston, unpsicólogo, teórico, inventor y autor de historietas. La historia estuvo fuertemente influenciada por las sufragistas, las primeras feministas defensoras de la anticoncepción. Y también por el poeta griego Safo, a quien su heroína evoca sobre las cajas del cómic editado por All Star Comics, antes de ser asumido por DC Comics. El objetivo de Marston, en ese momento, era promover entre los jóvenes un modelo de feminidad fuerte, libre y valiente, luchar contra la idea de que las mujeres son inferiores a los hombres.
Para defenderse, Wonder Woman tiene un lazo, un arma que le permite a cualquiera decir la verdad que atrapa. Obviamente, también está bendecida con una fuerza increíble, igual a la de los populares superhéroes masculinos de la época. Por último, tiene unos brazaletes mágicos en el antebrazo, que pueden detener cualquier bala. Al cruzarlos, también puede emitir un fuerte rayo de energía. Las historietas de la heroína fueron muy aclamadas, sin embargo, nunca alcanzaron los niveles de popularidad de su contraparte masculina, y después de la muerte Marston, Wonder Woman se convirtió más en una mujer de la época, quedando atrapada en historias de amor y drama.
Wonder Woman en la pantalla
Con la década de 1970, Wonder Woman recuperó importancia y poder con la serie de televisión, que le dedicó de 1975 a 1979 protagonizada por la ex miss World USA: Lynda Carter. El proyecto fue un éxito, que no apostó mucho por esta adaptación. El espectáculo permite fijar en la imaginación a esta mujer fuerte abriendo las puertas a muchas otras superheroínas en los cómics estadounidenses.
Esta es la primera aparición televisiva de Wonder Woman. Y presumiblemente, uno de los primeros papeles protagónicos que consiguió una mujer en la pantalla chica. En esta adaptación, Diana Prince retrata a una mujer en desacuerdo con el estereotipo de la chica en apuros, a menudo el único papel permitido para las mujeres en la ficción. Por lo tanto, ofrece una nueva fuente de inspiración para las mujeres y las generaciones futuras.
En 2017, Wonder Woman cambió su rostro para el primer largometraje dedicado íntegramente a la heroína. El proyecto eligió a Gal Gadot como la encargada de darle vida y cumplir el desafío de darle voz a este icónico personaje. Además, sería la primera superproducción dedicada a una superheroína y dirigida por la cineasta Patty Jenkins.
Esta primera película, repasa los orígenes de Diana Prince, princesa de las Amazonas. Conservada y lejos de cualquier combate durante su infancia, llega al mundo humano, en medio de la Primera Guerra Mundial, y se encuentra enfrentada a la oscuridad del hombre.
Desde su estreno, comenzó a juntar muchos fanáticos y fanáticas al rededor del mundo, la película sonaba como un filme feminista que marcaba una gran importancia para la cultura pop, por ser la primera heroína en tener su propia proyecto en un gran estudio de cine.
Más adelante, llegó la segunda parte“Wonder Woman 1984”, estrenada el 25 de diciembre de 2020 en los Estados Unidos. La película transcurre 75 años después de la primera parte, en plena Guerra Fría. En el tráiler se reveló cierta información, como el regreso a la vida de Steve Trevor, quien interpreta al “flechazo” de Wonder Woman.
Cambios en la industria
La protagonista es una mujer acostumbrada a ganar, moderna y eterna, que lucha contra la injusticia y el engaño, como lo han hecho otras mujeres igualmente épicas. La película de Wonder Woman ha recibido elogios de la crítica, gracias a la representación de una superheroína, sin caer en el estereotipo del objeto sexual.
Wonder Woman se parece mucho a la mujer del siglo XXI, que vive feliz sin un hombre a su lado, ama la vida en sus múltiples expresiones, encuentra el amor a veces y ha superado en gran medida la cultura masculina occidental.
El éxito de Wonder Woman, en lo más alto de la taquilla y el mayor lanzamiento de una película dirigida por una mujer, en realidad acompaña a un movimiento de aceleración del surgimiento de personajes femeninos. A medida que el discurso feminista se ha vuelto más visible gracias a Internet, la industria se ha dado cuenta del deseo de una parte del público por personajes femeninos más fuertes.
La película abrió un gran paso para que los grandes estudios de cines se atrevieran a realizar filmes con protagonistas femeninas, al ver que sí podían ser un éxito en taquilla. Además, marcó un gran avance para que las compañías cinematográficas contrataran a cineastas mujeres.
Próximamente podremos ver la película de Marvel “Eternals”dirigida por la ganadora del Oscar, Chloé Zhao. Además, Emerald Fennell, famosa por su reciente película “Promising young woman”, fue contratada para escribir la próxima película de Zatanna.
Desde sus inicios, Wonder Woman se ha asociado con el movimiento feminista y como un modelo a seguir para las niñas y mujeres jóvenes, pero también para equilibrar la abrumadora masculinidad de los superhéroes en la industria.
Hoy es un buen día para maratonear, aunque sean algunos episodios, de la serie que marco tu infancia
Sin duda, nuestra infancia fue acompañada por grandes series de la televisión que todos los días nos divertían. Los programas de esta lista abrieron el camino para la programación actual y marcaron la pauta para el entretenimiento infantil. Es hora de ponerse nostálgico y mirar hacia atrás algunos de los mejores dibujos animados y programas de televisión que nos gustaban de pequeños.
Hannah Montana
De 2006 a 2011, el éxito de la serie: “Hannah Montana” es evidente. Los espectadores inmediatamente se engancharon con la vida de la joven Miley Stewart ocultando su vida de estrella pop. Además de las canciones, el humor fue uno de los aspectos más destacados de la serie, que a menudo también se encontraba en escenas familiares, especialmente durante las discusiones entre Miley y su hermano Jackson. Además, la cantante siempre estuvo acompañada de sus mejores amigos Lily y Oliver.
Tras su éxito, se realizó una película en 2009 titulada “Hannah Montana: La película” que trataba sobre Miley regresando a su pueblo natal, Tennessee, para conectarse de nuevo con sus orígenes musicales y estar con su familia. Del filme se desprende su famosa canción “The climb”.
Bob Esponja
Bob Esponja es uno de los personajes principales de la cultura pop. Creado por el biólogo marino Stephen Hillenburg, la serie se presentó al mundo después de los premios Kids ‘Choice de 1999. El personaje nunca miró hacia atrás y ahora es el quinto programa animada estadounidense de mayor duración y se ha convertido en cómics, largometrajes, atracciones en parques temáticos, videojuegos, producciones teatrales y más.
Si bien la calidad del programa disminuyó considerablemente a lo largo de los años, no hay duda de que las primeras temporadas no solo fueron excelentes, sino que fueron realmente innovadoras. El espectáculo fue vertiginoso y enérgico, con personajes adorables que reconocerías por la silueta.
Drake y Josh
La serie de Nickelodeon contaba las aventuras de los nuevos hermanos Drake y Josh luego de que sus padres se casaran. La comedia familiar también incluye a su hermanastra Megan, una pequeña malvada que disfruta hacerle travesuras.
Drake era un mujeriego apuesto pero tonto, Josh era un ratón de biblioteca con habilidades sociales limitadas, y sus personalidades conflictivas se combinaron para una serie demasiado corta que dejó a los fanáticos pidiendo más.
Lizzie McGuire
La serie fue protagonizada por Hilary Duff interpretando a una niña de 13 años, que intenta entender los cambios en la etapa de su adolescencia. Sus íntimos amigos, Miranda y Gordo, le ayudarán a superar los problemas y demostrar que pueden superar cualquier cosa. La serie abordaba problemas relacionados con los adolescentes, como enamoramientos secretos, con la ayuda de una versión animada del personaje principal que apareció para expresar el monólogo interior de Lizzie.
Rugrats
¿Quién hubiera pensado que un programa sobre niños pequeños confundidos y neuróticos se convertiría en una de las caricaturas más antiguas de Nickelodeon? El imperio Rugrats incluye 13 temporadas de televisión animada de calidad, tres largometrajes, una serie derivada y dos especiales. Y desde entonces Carlitos ya nos advertía que no era divertido ser adulto.
La serie contaba las aventuras de unos bebés encabezados por Tommy Pickles, Chukie Finster, Phily y Lily DeVille, Susie Carmichael, Kimi Finster y el hermano menor de Tommy, Dylan Pickles. Claro que como toda buen programa, tenían un obstáculos los personajes, en este caso la prima de Tommy, Angélica Pickles, que disfrutaba atormentar a los bebés.
Zoey 101
Antes de que quisieras con ir a la universidad, soñaste con ir a Pacific Coast Academy, el internado de California donde Zoey Brooks y su hermano Dustin vivieron una vida aparentemente perfecta. El grupo de amigos poco convencionales de Zoey, disfrutaron de aventuras mientras estudiaban. Además, nos regaló productos fantásticos que poblaron su universo. Ver a alguien romper una botella de Blix o detenerse en un scooter Jet X fue pura euforia.
Wizards of Waverly Place
En 2007, Disney Channel nos invitó a seguir las aventuras de los niños Russo: tres jóvenes magos ( Justin, Alex y Max ) que ocultan sus poderes a la sociedad y a sus amigos para poder vivir una vida aparentemente normal. Los hermanos obtienen sus poderes de su padre Jerry, que era un mago, pero que prefirió renunciar a sus poderes para casarse con Theresa, la mortal que amaba. Su vida diaria no se detiene solo con los problemas que pueden encontrar los estudiantes, también tienen que entrenar para una competencia mágica, que decidirá cuál de los tres niños de la familia tendrá la oportunidad de retener sus poderes mágicos.
Gracias a su éxito, esta serie superó la marca de los cien episodios, incluido un cruce con Zack y Cody: gemelos a bordo y Hannah Montana. Además, esta serie generó dos películas originales en 2009 y 2013, también en Disney Channel.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuál serie les recuerda su infancia?
La primera temporada de Invincible ha llegado a su fin: ¿Se trata de una de las mejores series de Superhéroes?
Es innegable que el éxito taquillero de las películas del Universo Cinematográfico de Marvel, han permitido que durante la última década abunden las producciones relacionadas al mundo superheroico, en el cual hemos tenido la oportunidad de experimentar diversos rangos en esta narrativa: desde grandes crossovers como Avengers Endgame, futuro posapocalípticos como en Logan, exploraciones realistas y cínicas como en The Boys, e inclusive parodias como Thunder Force.
Los resultados entregados por este subgénero han sido dispares, lo que en conjunción con la sobresaturación de relatos similares, han generado un cierto escepticismo en una parte de la audiencia -entre la cual me identifico-, sin embargo de vez en cuando podemos encontrar algunas joyas que logran transgredir esas barreras y destacarse sobre el montón. Y el caso más reciente de esto es:Invincible.
Serie animada basada en los cómics homónimos del guionista Robert Kirkman y el dibujante Cory Walker estrenados en 2003, la cual sigue la historia de Mark Grayson (Steven Yeun): un chico común que se encuentra cursando la preparatoria, y a la vez lidia en secreto con la presión de la sombra de su padre: el superhéroe más poderoso del planeta: Omni-Man (J.K. Simmons), el cual lidera a un grupo conocido como Los Guardianes del Globo -una especie de Liga de la Justicia-.
La historia se complica cuando al mismo tiempo que Mark comienza a desarrollar sus superpoderes, a excepción de su progenitor, todos las personas que conforman al susodicho grupo que defiende a la Tierra son asesinados, lo que lo lleva a involucrarse con otra serie de jóvenes héroes / heroínas para salvaguardar al planeta.
¿Qué significa ser un héroe?
La principal virtud de Invinciblereside en el guión escrito por Robert Kirkman y Cory Walker, quienes componen una narrativa redonda que se divide en tres niveles que fungen como vasos comunicantes: el íntimo, epopéyico y la colusión entre ambos.
Sobre el primero: lo íntimo, el relato estipula una pregunta y respuesta que resultan esenciales en este subgénero -y las cuales muchas producciones se equivocan al ignorar pensando que el coolness es lo importante- y es fundamental si desea establecer las motivaciones que hacen ser un héroe a tu protagonista, y me refiero al dilema de Spiderman.
Este cuestionamiento fue planteado por Sam Raimi en la primera entrega de El Hombre Araña, y se erige bajo las palabras del tío Ben: “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”, y para que la audiencia entienda esto, la historia suele comprometer al protagonista en una problemática donde tiene que decidir entre su bienestar personal o ayudar a otras personas.
Si la respuesta gira en torno a sacrificar lo primero para obrar por lo segundo, tendremos un héroe, para Invincibleesto es fundamental, no sólo para las/os espectadores/as sino también para la trama, ya que en caso de que la contestación sea la contraria, se acrecienta el peligro que corre la seguridad del mundo.
Y por esto la serie dedica todo un episodio para brindar la replica al susodicho dilema, el cual nos permite entender porque Mark Grayson esta del lado bueno, sacrificando la alegría que le supone su relación amorosa con Amber (Zazie Beetz) para salvar la vida de la pareja sentimental de su mejor amigo.
Pero el programa no sólo funciona al nivel de un coming of age, sino también a nivel epopéyico, ya que cuenta con una serie de brutales peleas que nos hacen recordar que su creador también es el autor de The Walking Dead.
Debo confesar que en cuanto a la violencia explícita se refiere, en sus inicios el show me causaba bastante ruido, ya que en un primer nivel este suele ser un recurso amarillista para ocultar la no profundidad de un relato, y en segundo plano una vez que la trama estipula que un personaje puede causar los niveles de daño que vemos en el primer episodio, corres el riesgo de afectar la verosimilitud del relato cuando en una situación similar esto no vuelva a ocurrir.
Sin embargo esto no sucede con Invincible, ya que como lo expliqué y continuaré detallando, la complejidad de la historia se encuentra bien construida, pero ¿entonces que sentido narrativo tiene la misma? Bueno, este detalle alimenta a la trama en tres sentidos: a nivel íntimo refuerza la idea de sacrificio del protagonista, establece la importancia de su existencia ante un peligro real y latente al que se enfrentan las personas en este mundo, además de dimensionar la capacidad destructiva del antagonista.
Esto último nutre al universo que se encuentra entre el coming of age y la acción: un thriller que de manera constante nos mantendrá al filo de asiento, y que conforma el coctel que hace al penúltimo y último episodio tan emocionantes.
No todo es el protagonista
Pero a lo anterior debemos sumar, como el mundo de Invincible forja una narrativa donde además de una mitología apasionante como la que se nos presenta a través de Hellboy, Robot o Chica Monstruo, existen personajes secundarios con arcos evolutivos intrigantes como Titan (Mahershala Ali) a través de quien exploramos las desiguales sociales que existen en este universo.
O Atom Eve (Gillian Jacobs), quien además de enfrentarse a problemas amorosos como Invincible, la vemos lidiar con su familia por problemáticas de género, ya que en especial su papá, la presiona para cumplir roles predefinidos que requieran el acompañamiento de una pareja masculina, lo que la lleva a independizarse. Pero además se cuestiona si sus superpoderes sólo tienen utilidad en los combates epopéyicos, por lo que decide retirarse de las mismas y apoyar en situaciones de menor magnitud.
También son interesantes los pequeños pero importantes cambios que Robert Kirkman y Cory Walker hicieron a su propia obra, desde aspectos como que Los Guardianes del Globo pudieran defenderse de sus asesinatos, hasta elementos más importantes como el darle personalidad y sueños a Atom Eve, quien en los cómics se percibe como una personaje que sólo esta ahí para ser el respaldo emocional del protagonista.
Por todo lo expuesto, Invincible me parece una de las franquicias más interesantes en la actualidad, logrando algo que ninguna producción superheroica había alcanzado desde Spiderman 2: entender que la esencia que forja al héroe/heroína, no es su epopeya vs el villano, sino el sacrifico que hay por medio: priorizar el bienestar social en vez del personal. Una obra imprescindible del subgénero que me atrevo a especular se asentará como un clásico, y por lo tanto: una de las mejores series en lo que llevamos del 2021.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Invincible?
La nueva película de David Cronenberg: Crimes Of The Future, comenzará rodaje en Grecia durante el verano.
2014 fue la última ocasión que tuvimos la oportunidad de observar una película de David Cronenberg -autor de filmes como La Mosca oCrash–, pero pronto tendremos una nueva cinta del realizador canadiense: Crimes of the Future, tal y como informaDeadline, la cual comenzará a filmarse en Grecia durante el verano.
Al respecto el productor del largometraje: Robert Lantos, con quien Cronenberg ha colaborado en Eastern Promises, eXistenZ, y Crash, declaró que: “Atenas es la locación perfecta para la película, ya que esta hecha a la medida para la visión única de David, sobre un futuro que se entrelaza con el pasado.”
Esta última declaración es curiosa, ya que el título de la nueva cinta del director rememora a una de sus obras homónimas de 1970, la cual gira en torno a una plaga generada por un cosmético, que mata a todas las mujeres sexualmente maduras del mundo.
Se desconoce si la trama del largometraje tendrá algo que ver con la historia descrita, pero Deadline revela que la producción estará protagonizada por Viggo Mortensen, Léa Seydoux, y Kristen Stewart, a la vez que será producida por Neon y Serendipity Point Films.
En Febrero Viggo Mortensen -quien ha colaborado con el cineasta en A History of Violence y Eastern Promises– comentó a CQ, que el guión de este relato es algo que Cronenberg “escribió hace mucho tiempo. Ahora lo refinó y quiere filmarlo.”
Además de su reunión con Mortensen y Lantos, Crimes of the Future también simbolizará el recuento de Cronenberg algunas/os de sus viejos/as colaboradores, como la diseñadora de producción: Carol Spier (Crash, Dead Ringers), y el compositor Howard Shore (A History of Violence).
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona el nuevo proyecto de David Cronenberg: Crimes Of The Future?
El guionista de Falcon and the Winter Soldier: Malcolm Spellman, defiende la decisión de haber matado a Battlestar.
Tras una semana de su final, Falcon and the Winter Soldier continúa dando de que hablar, y esto debido a que su guionista y showrunner: Malcolm Spellman, defendió la decisión de matar al personaje de Lemar Hoskins (Battlestar) en la serie.
En una conversación suscitada en el podcast: Fade to Black, Spellman explicó la razón por la cual él y los demás escritores, sintieron que era lo correcto asesinar el papel que daba vida Clé Bennet, ya que este instante colocaría a su mejor amigo John Walker en la posición que la trama requería:
“De las películas que he visto desde principios de los 80’s hasta la actualidad, el propósito del personaje afrodescendiente es el de servir al protagonista blanco, quien al seguir su camino se olvida del primero. En el 99% de las ocasiones, ya sea un afrodescendiente o una mujer, este personaje esta para ser asesinado cerca del final del acto dos.”
Ante lo anterior, Spellman menciona que le pareció correcto para la narrativa matar a Lemar, ya que “Nos lo ganamos al contar todas las demás historias con un profundo corazón.”
En lo que respecta a la decisión de evitar el uso de términos como racista en el show, el guionista citó a la subtrama que involucra a Isaiah Bradley, el primer súper soldado afrodescendiente:
“Tienes que ser tonto para no ver de lo que estamos hablando. Digo Isaiah esta arruinado y con diversas cicatrices emocionales. ¿Al usar palabras no estaríamos disminuyendo su problemática cuando se levanta la camisa? ¿Sabes que imágenes te vienen a la cabeza cuando ves eso? ¿Qué palabras podríamos usar para superarlo?”
Dirigida por Kari Skogland,The Falcon and the Winter Soldier esta protagonizada por Anthony Mackie, Sebastian Stan, Emily VanCamp y Wyatt Russell. Toda la primera temporada se encuentra disponible en Disney+.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció la decisión de matar a Battlestar?
Uma Thurmancelebra 51 años y aprovechamos para enlistar algunas de sus mejores películas
Cuando miras la carrera de Uma Thurman, tienes muchas opciones para elegir. Con casi 50 largometrajes en su haber, ha incursionado en todos los géneros, desde la comedia hasta las voces de dibujos animados.
La estrella nació el 29 de abril de 1970 en Boston. Su padre, Robert Thurman, era un experto en estudios budistas indo-tibetanos en la Universidad de Colombia y el primer occidental en convertirse en monje budista. Su madre, Nena, es una psicoterapeuta convertida que también se dedicó al modelaje.
Fue mientras estaba en un internado en Massachusetts cuando la torpe joven se enamoró del teatro. Después de aparecer en varias obras escolares, ganó un papel en una producción independiente de The Crucible. Una noche, dos buscadores de talentos de Nueva York estaban entre la audiencia y la llevaron hacia Broadway.
A la edad de 18 años, Uma consiguió su primer papel principal, en la comedia para adolescentes Johnny Be Good. Después, causó una gran impresión en los fanáticos con su interpretación de Venus en Las aventuras del barón Munchausen. Después de realizar actuaciones memorables en películas como Batman y Robin y Pulp Fiction, ganó el papel principal en el thriller Gattaca.
Aquí está nuestra selección de las mejores películas de Uma Thurman
Dangerous Liaisons
Cuando apenas tenía 18 años , Uma Thurman apareció frente a la cámara de Stephen Frears para su adaptación de Dangerous Liaisons junto a Glenn Close y John Malkovich. Ella interpreta a Cécile de Volanges una enamorada del caballero Danceny interpretado por Keanu Reeves. Su actuación fue muy destacada y lanzó su carrera.
Pulp Fiction
Gracias al éxito de Pulp Fiction, su carrera explotó. Ella interpreta el papel de Mia Wallace, la esposa de un líder del hampa. Recordamos en particular la escena en la que baila el twist con John Travolta en un comedor. La escena ganó el premio MTV Movie Award a la mejor escena de baile ese año. Su actuación fue aclamada una vez más y fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto.
Gattaca
Estrenada en 1998, la película de Andrew Niccol es una obra maestra de ciencia ficción. Thurman interpreta a Irene en un mundo donde la eugenesia se ha convertido en la norma. Los gametos de los padres se clasifican y seleccionan para concebir hijos perfectos. Los empleadores utilizan en secreto las pruebas de ADN para contratar a su personal. Y los empleados que no tienen un buen ADN, terminan automáticamente con tareas de baja categoría.
Batman y Robin
Esta fue la última entrega de la tetralogía Burton/Schumacher dentro de la serie fílmica de Batman. En esta historia, Batman y Robin deben evitar que la Hiedra Venesosa, interpretada por Uma Thurman, y el Sr. Frío congelen hasta la muerte a la humanidad para repoblar el planeta con plantas mutantes. La película fue un éxito y recaudó 238.2 millones de dólares en todo el mundo. Y a pesar de que la crítica y audiencia por igual detestaron la película, la interpretación de Thurman logró cautivar a la audiencia y, a la fecha, es considerada como la mejor interpretación en live-action del personaje de Hiedra Venenosa.
Kill Bill vol. 1 y 2
Esta fue la segunda colaboración con Quentin Tarantino para su película sobre la venganza. Uma interpreta a una joven novia en busca de quien la dejó por muerta después de haber asesinado a todos los presentes en la ceremonia de su boda. La novia pasará los dos episodios buscando a Bill para vengarse. Para este papel, Uma tuvo entrenamiento intensivo en artes marciales para preparar las muchas escenas de pelea. Cada episodio le valió una nominación al Globo de Oro a la Mejor Actriz .
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuál es su película favorita de Uma Thurman?
Afamadas/os escritores/as se han unido al #DisneyMustPay, para exigir las regalías correspondientes a sus trabajos.
En los últimos días afamados autores/as como Neil Gaiman, Chuck Wendig, Tess Gerritsen y Mary Robinette Kowal, se han unido a la campaña #DisneyMustPay: la cual se forjó con la intención de presionar a la compañía del ratón, para que la misma pagará las regalías correspondientes a sus escritores/as asociados/as con sus diversas propiedades.
Esto último comenzó tras un informe en The Guardian, donde se reportaba que Alan Dean Foster, creador de las versiones novelísticas de Star Wars y Alien, acusaba a Disney de no pagarle sus regalías.
Tras hacerse públicas estas declaraciones, diversas organizaciones del gremio forjaron un frente común, compuesto por The Science Fiction and Fantasy Wirters of America, Author’s Guild,Horror Writers Association, National Writers Union, Novelists, Inc., y Romance Writers of America and Sisters in Crime.
Las cuales comenzaron a enterarse de otros casos donde Disney ha ignorado su responsabilidad de pagar las regalías correspondientes, en especial en lo que respecta a las propiedades intelectuales de LucasFilm, Marvel y 20th Century Fox.
Al respecto el grupo de trabajo que defiende los derechos de los/as escritoras/es, lanzó un comunicado a través de su página web donde menciona lo siguiente:
“Ya que Disney se ha negado a cooperar con nosotros para identificar a los/as autoras/es afectados/as, el #DisneyMustPay nos ayudará a contactar a todas las personas que han sido dañadas. Necesitamos que escritores/as, lectoras/es y fans, nos ayuden a alertar los/as autoras/es que quizá puedan formar parte de esta situación.”
Además el conjunto de organizaciones ha alentado a las/os lectores a hacer uso del hashtag en redes sociales, comprar el trabajo de las/os autores/as involucradas/os de los cuales si reciban regalías.
Mary Robinette Kowal, autora y presidenta de The Science Fiction and Fantasy Wirters of America, expuso que:
“Las/os escritores/as deben recibir sus pagos estipulados, los contratos deben ser honrados. Disney ha respondido a un puñado de autores/as que les hemos enviado. Desafortunadamente, este grupo de trabajo ha tenido que intervenir varias veces, para garantizar que el proceso continúe.”
Al respecto un representante de la compañía del ratón, declaró: “Estamos revisando de manera cuidadosa todos los pagos relacionados a las regalías, los cuales quizá no se hayan realizado como resultado del proceso de integración de estas adquisiciones, y realizaremos los pasos correspondientes de ser el caso.”
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué opinan sobre el #DisneyMustPay?
Es el día internacional de la danza, y para celebrarlo recordamos 7 icónicas escenas de baile en el cine.
En 1911 Ricciotto Canudopublicó el Manifiesto de las siete artes: donde el dramaturgo italiano calificaba al cine como el séptimo arte, la suma final entre la máquina y sentimiento, esto significaba que la cinematografía sintetizaba las demás bellas artes: la arquitectura, escultura, pintura, música, danza y poesía/literatura.
Así que desde su nacimiento, el cine y baile han mantenido una relación simbiótica que nos ha regalado algunas de las mejores secuencias fílmicas, por lo que hoy en el Día Internacional de la Danza, es un buena excusa para recordar 7 icónicas escenas de baile.
7.- Mother (2009)
Este filme de Bong Joon-ho se centra en la madre de un hijo que es acusado como el culpable de un asesinato, quien hará todo lo que se encuentre en su manos para demostrar ¿su inocencia?
Se trata de un extraordinario thriller que constantemente subvierte nuestras expectativas, y cuenta con una sublime interpretación de Hye-ja Kim en el papel de la matriarca protagonista, quien nos regala dos de las escenas más icónicas de baile en la historia del cine: ubicadas al principio y final de la cinta respectivamente.
En la secuencia de títulos que abre la película, observamos a Kim bailando en la soledad de un campo, con un rostro inexpresivo, y unos movimientos que de manera paulatina van adquiriendo libertad. No es hasta el desenlace de la narrativa que entendemos la razón de su danza, la catarsis que simboliza despojarse de la carga sobre sus hombros mediante el olvido, y el significado del azul como el color de la muerte.
6.- Silver Linings Playbook (2012)
Trasagredir al amante de su esposa,Pat (Bradley Cooper) fue internado en un hospital psiquiátrico, y al salir intenta reconstruir su vida reuniéndose con la mujer que ama, para cumplir este objetivo el susodicho conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), quien se ofrece a ayudarlo con la condición de que participen en un concurso de danza.
Como suele ser costumbre en los filmes de David O. Russell, el resultado es un tanto irregular, sin embargo la escena de baile entre Cooper y Lawrence hacia el final del largometraje, vale cada uno de los 8 Oscars a los que fue nominada la película, entre los cuales Jennifer se llevó el de Mejor Actriz.
En una danza de tres tiempos, el manejo de montaje y uso de la cámara es espectacular, la escena transita de la sensualidad del latín soul de Don’t You Worry ‘Bout A Thing de Stevie Wonder, a la explosividad del rock a cargo de The White Stripes en la canción Fell in Love with a Girl, y finalmente a la intimidad cómica y emocional de un jazz a cargo de Dave Brubeck.
5.- Magic Mike XXL (2015)
En esta entrega, los Reyes de Tampa están a punto de retirarse de su vida como strippers, pero quieren hacerlo por todo lo alto, y en el camino nos entregan una de las escenas más ingeniosas y divertidas de la secuela protagonizada por Channing Tatum.
Richie -personaje a quien da vida Joe Manganiello– no encuentra su motivación para bailar, y tras pedirle que sea el mismo, sus compañeros le ponen el reto de hacer sonreír mediante su danza, a la chica que atiende un pequeña tienda departamental.
Así Manganiello entra al lugar en el cual suenaI Want It That Wayde los Backstreet Boys, y comienza a realizar su sensual rutina llamando la atención de la cajera explotando una bolsa de Cheetos, vertiéndose agua sobre su cuerpo y logrando su objetivo.
4.- Intouchables (2011)
Amigos intocables -su nombre en Latinoamérica- es una conmovedora cinta francesa que narra la amistad forjada entre dos hombres: un aristócrata cuadripléjico y su cuidador.
El largometraje co-dirigido por Oliver Nakache y Éric Toledano cuenta con una serie de grandes escenas, pero quizá la más emblemática ocurre en el cumpleaños de Philippe (François Cluzet), cuando su cuidador: Driss (Omar Sy) decide romper la solemnidad del evento, cambiando la música clásica que ambientaba el mismo, y reproduciendo la canción de Earth, Wind & Fire: Boogie Wonderland.
Al igual que sucede en la escena, la coreografía de Omar Sy al ritmo r&b y funk de la afamada canción, nos contagia la alegría y ganas de bailar de sus protagonistas.
3.- Another Round (Druk,2020)
Este largometraje gira en torno a un grupo de docentes, que experimentan con el alcohol para revertir el estancamiento personal en que se encuentran, la ganadora a Mejor Película Internacional en la más reciente edición de los Premios Óscar, simbolizó para su director: Thomas Vinterberg, una catarsis al proceso de duelo que significó la muerte de su hija.
Y este camino, es similar al que experimenta Mads Mikkelsen en la cinta, la cual cierra con una de las mejores escenas que nos entregó el cine durante el último año, donde el intérprete danés, después de una difícil travesía marcada por las pérdidas, se entrega a un efusivo baile donde celebra la vida, al son de What A Life de Scarlet Pleasure.
Sobre esta secuencia, el actor mencionó para Variety lo siguiente:
“Fue un reto extraño. Anteriormente fui bailarín, ¡Pero eso fue hace 30 años! Thomas quería una escena ambivalente: ver a un hombre que al mismo tiempo quisiera volar y caerse. Tenía miedo que eso pudiera resultar pretensioso en un filme tan realista. Después me di cuenta que tenía razón, pues se trataba sobre el viaje interno del personaje. Él perdió y ganó algo cercano. Quisimos reflejar eso en el baile, lo sentí liberador.”
2.- Beau Travai (1999)
Galoup (Denis Lavant) es un sargento de la Legión Extranjera en Djibouti, África, que comienza a sentir atracción, celos, y odio por uno de los soldados más sobresalientes. Sentimientos que motivarán un enfrentamiento entre estos dos hombres, en un tiempo donde se encuentran sumergidos en la cotidianidad militar de tiempos pacíficos.
En este filme la directora francesa: Claire Denis, utiliza la novela Billy Budd de Herman Melville, como el medio para reflexionar en torno a la masculinidad, ante la cual su protagonista se encuentra atrapado, lo que le hace sentirse frustrado y molesto, ya que es incapaz de expresar sus emociones.
Sin embargo esto parece cambiar en la última escena de la cinta, donde Galoup se encuentra sólo en un club nocturno, en el cual comienza a sonar la mítica The Rhythm of the Night de Corona. Bajo el ritmo del eurodance, Denis Lavant tiene un instante catártico a través de la danza, donde los momentos llenos de furia, liberan a su protagonista.
1.- La La Land (2016)
La película que le simbolizó a Damien Chazelle el Premio Óscar a Mejor Dirección, la cual gira en torno a la historia amorosa de Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling) cuenta con una serie de hipnotizantes secuencias, entre las cuales podemos encontrar los diversos números musicales, como la cita entre ambos personajes en el Observatorio Griffith de Los Ángeles, California.
Sin embargo, la mejor secuencia de baile se encuentra en aquella filmada en el Griffith Park, donde mientras Sebastian acompaña a Mia a su auto, existe una de esas brillantes transiciones entre realidad y fantasía que caracterizan al filme, en la cual comienza a sonar la composición de Justin Hurwitz: Lovely Night.
Esto nos entrega una divertida primera parte que se fundamenta en lo vocal y las pequeñas acciones, las cuales posteriormente darán entrada a un sección instrumental, donde la pareja protagonista se entrega por completo a un baile estilo tap, donde el dinamismo de los movimientos se extrapola a los movimientos de una cámara, que filma todo en un ensoñador plano secuencia con Los Ángeles de fondo.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué otra escena de baile añadirías?
