¡Hola cinefilas y cinéfilos! Hace poco llegó a Amazon Prime Video la película de Teen Titans Go. Una producción que desde su creación ha generado mucha polémica y descontento por su drástico cambio en el grupo de jóvenes héroes de DC. Sin embargo, con esta divertida y entretenida cinta buscaron reivindicarse y ser del agrado de la mayoría de los fans de los primeros titanes.
En este artículo te daremos razones suficientes por las que deberías darle una oportunidad a esta película, o si ya la viste, que termines de convencerte si es buena o no. ¡Así que vamos a ello!
5. Tono familiar
Si algo es cierto con el cambio en los personajes de los titanes, es el gran tono de comedia familiar que a pesar de estar presente en casi todas sus escenas, no deja de ser bueno. Recurren a una fórmula humorística clásica con chistes blancos e incluso de pastelazo.
Es una película que puedes disfrutar cómodamente en compañía de los más pequeños de la casa o incluso con la familia completa, las risas no faltarán.
4. Comedia
Ya lo mencionaba en el punto anterior, la película entera está repleta de chistes de todo tipo que logran que no te aburras a lo largo de la historia. Desde referencias a personajes de Marvel, hasta constantes burlas sobre sus contrapartes del Universo Expandido en el cine. Teen Titans Go es una película que destaca por ser graciosa, hasta en secuencias que deberían ser completamente serias, lo que le da un toque peculiar a esta versión de los héroes.
3. Diversidad de personajes
Uno de los puntos más destacables de toda la película (y un lujo que DC puede darse) es poder hacer uso de todos y cada uno de sus personajes en todas sus diversos formatos. Y en esta producción, al tratarse de los titanes buscando tener una película como todos los superhéroes de su universo, vemos posters, cameos animados, secuencias completas y mucho más momentos que incluyen a personajes conocidos como Flash, Linterna Verde, Superman,etc. Además de personajes como Swamp Thing, Atom, Hawkman, Black Lightning y muchos más que no han tenido tantos reflectores pero que brillan por ser grandes guiños dentro de la película.
2. Auto burlas
A lo largo de los años, y con la inminente gran competencia que se convirtió Marvel en el cine para DC, los fans han acribillado hasta el cansancio a la productora por haber hecho adaptaciones que han decepcionado a la gran mayoría de su público. Pero con esta película la empresa de héroes demuestra que han logrado aprender de sus errores y sobre todo, reírse de ellos. Con constantes referencias a la pésima Linterna Verde, “Mi mami también se llama Martha” de Batman V Superman, el éxito de Wonder Woman en cines, DC y Teen Titans Go logran sacar una sonrisa en el rostro del fan de las películas y fan más pequeño de la casa.
1. Cameo de Stan Lee
La mayor y más icónica aparición dentro de esta película es del famoso padre y creador de Spiderman, Stan Lee. Un personaje que contó con recurrentes cameos en las películas de Marvel, pero a manera de homenaje y con un toque de comedia, Warner y DC decidieron incluirlo en la película con un par de apariciones que se llevan por completo la película.
Además de los constantes cameos y referencias de personajes como Spiderman o Deadpool en la película, el más grande y memorable es el del legado más grande en superhéroes como es Stan Lee.
Teen Titans Go está mayormente enfocada para un público infantil, sin embargo con esta entrega logra llenar el ojo de muchos de los fans que nos gusta el mundo de los superhéroes en general. Definitivamente no puedes perderte este gran estreno por la plataforma de Amazon Prime Video que está disponible a partir de este 18 de Septiembre.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Te gusta esta película? ¡Nos gustará mucho leerte!
Sin origen se estrena en salas mexicanas y platicamos con la actriz española, Carla Nieto acerca de su personaje vampiresco.
El director mexicano Rigoberto Castañeda (Kilómetro 31) regresa a la pantalla grande con Sin Origen, una película bastante arriesgada que mezcla los mundos del narcotráfico y los vampiros.
La historia cuenta la vida del narcotraficante, Pedro De Toro y su familia que se encuentran recluidos en una casa / búnker con tecnología de punta en un lugar apartado de la ciudad. Pedro, planea una noche para dejar el cartel de la droga que ha ayudado a crecer gracias a sus conocimientos financieros. Pero, las cosas se pondrán difíciles cuando Lina, una niña enferma de 10 años, llega inesperadamente a la casa de seguridad, al mismo tiempo que un grupo de asesinos profesionales que combinan alta tecnología con armas medievales.
Parece que la familia de Pedro será masacrada por el cartel hasta que se descubra el objetivo de los asesinos: matar a la niña inocente. ¿Es esta niña realmente una niña inocente? o esta situación parece ser más extraña de lo que parece. Las fuerzas oscuras amenazarán a la familia de Pedro, y no habrá escapatoria.
La película es protagonizada por Arap Bethke (La piloto), Paulina Gil (Esta historia me suena), Horacio García Rojas (Diablero), Daniel Martínez (Dogma) y Carla Nieto (Amar en tiempos revueltos).
Entrando al mundo Vampírico
Para interpretar a su personaje la actriz Carla Nieto, se documentó sobre el mundo vampiro, en obras literarias y otras películas. Además, contó que para realizar cualquier personaje humano se prepara más fácil debido a que está en el imaginario colectivo y se pueden obtener referencias fácilmente. Para un vampiro las cosas son completamente diferentes.
“Trate de imaginar cómo se sentiría alguien que ha vivido por tantos años y tiene muchas experiencias en el mundo, que no siente igual, no vive igual y tiene diferentes conceptos de la vida” comentó la actriz al platicar que tampoco quería estereotipar al personaje y por esa razón creó una vampiro a su manera.
La película mezcla dos mundos: el narcotráfico y los vampiros, el hombre que quiere salir de un mundo violento y se enfrentará a diferentes circunstancias muy complejas para obtener su victoria. Carla, explicó que su mundo vampiro es originario de Cataluña y se van México para sentirse más seguro.
Carla Nieto, ya ha tenido experiencias en el el cine de terror con filmes como Rec 3: Génesis y contó que disfruta mucho el género y siente que pocas veces es apreciado por la crítica “casi nunca gana algún premio importante, a pesar de lo difícil que es realizarlo”
¿Ya debemos ir al cine?
Tomando en cuenta la difícil situación mundial por la que pasamos, la actriz invitó al público a asistir a las salas de cine con sus debidas precauciones ya que considera a el cine una herramienta que nos hace soñar y hacer magia. Además, dijo que el cine nos ha salvado del confinamiento
“Lo único que nos saca de la realidad es poner una película o una serie, al estar encerrados en casa muchos recurrimos a esto y creo que eso ha ayudado al cine a llegar a más hogares”
Por otro lado, expresó entre risas que estamos viviendo un momento muy surrealista y que cada día parece más loco que el anterior, así que una película que cuenta historias de vampiros y narcotraficantes no parece tan loco.
“Sin origen es una película que mezcla la ficción con dark fantasy, acción, miedo, suspenso y espero que el público la disfrute mucho”
La película se estrenó hace unos días en el Festival Internacional de cine de Guanajuato que ofrece películas en proyecciones virtuales y en autocinemas por la contingencia actual, y tuvo buena aceptación por parte del público debido a que es un género que es poco explorado en el cine mexicano.
Sin origen ya está disponible en las salas de cine mexicanas. Aquí puedes ver el trailer:
¿Qué opinan, cinéfilas y cinéfilos? ¿Verán Sin origen?
En Landfall, Cecilia Aldarondo retrata la emocionalidad colectiva de Puerto Rico y el mundo.
Probablemente al hablar de Puerto Rico, las primeras imágenes que vengan a nuestra cabeza sean fiestas con el reggaeton de Daddy Yankee o Wisin & Yandel a todo volumen, playas bellísimas o hasta la figura de Walter Mercado. Sin embargo, dichos íconos son claramente insuficientes para representar la cultura e historia en tal territorio.
Lejos de cualquier idealización o estereotipo que podamos forjarnos sobre la isla caribeña, al realizar una semblanza sobre la misma, tendríamos que hablar sobre una nación y su gente en constante pie de lucha, ante la adversidad desencadenada por los golpes de la naturaleza y geopolítica.
Durante la programación online del Festival Internacional de Cine de Guanajuato, tuve la oportunidad y dicha de observar un retrato sobre lo anterior: Landfall, un documental donde su directora Cecilia Aldarondo pinta los lienzos que dieron origen a la incertidumbre, desencanto y resistencia colectiva en la susodicha nación.
El Trasfondo de un Territorio Disputado
En Septiembre de 2017, el huracán María azotó Puerto Rico, se estima que alrededor de 3 mil personas perdieron la vida, muchas otras se quedaron sin sus hogares, se enfrentaron al desabastecimiento de alimento y la imposibilidad de accesar a servicios como la electricidad o el agua. Ante tal suceso el gobierno se mantuvo omiso, y comenzaron una serie de protestas masivas que terminaron en la renuncia de su gobernador: Ricardo Rosselló.
Landfall se ubica en esta temporalidad, sin embargo su narrativa no lineal, ni literal, suele regresar las raíces históricas que generaron la problemática y sentir actual. El filme no es un documento didáctico que repase todos los antecedentes de la isla, pero sí presenta los elementos suficientes que refuercen la tesis que engloba su relato.
El lente de su directora, recorre algunos de los 78 municipios que componen el territorio, se acerca a las zonas agricultoras o rurales, centrando el encuadre en los objetos y espacios que nos permiten entender la devastación que trajo consigo el ciclón. Y a través del montaje de Terra Jean Long, estas imágenes son contrastadas con la lujosidad de los resorts que permanece intacta.
A través de la mencionada oposición, Aldarondo señala uno de los problemas crónicos que se enfrenta su nación -y lamentablemente muchas otras-: la desigualdad acrecentada por los desastres naturales, pero forjada por el colonialismo y gobiernos corruptos.
La ideología imperialista ha estado históricamente presente sobre la que sus conquistadores califican como la “isla del encanto”. Primero España y luego Estados Unidos han impedido a las/os pobladores de sus tierras la libertad de auto regularse. Pero su documentalista se centra en las acciones de los segundos, pues son los que han puesto el dedo en la llaga, en base a dos formas de colonialismo: el militar y empresarial.
El primero autodeterminando territorios como Vieques para la ocupación de un ejercito que pueda actuar contra cualquier “desorden” en el lugar, mientras los segundos expulsan a las comunidades originarias de sus hogares, con la finalidad de establecer recintos turísticos o empresas libres de impuestos.
Estos últimos se pintan solos. Ejemplificados bajo la imagen de unos agentes inmobiliarios o empresarios en el área de blockchain, el material filmado devela personalidades mitómanas, que ante el público verborrean sobre sus intenciones eco friendly y colaboración con las poblaciones nativas, mientras en lo privado únicamente conversan sobre sus intenciones económicas y el discurso que las mismas, son un favor de llevar modernidad a una tierra “primitiva”.
Discursos a los que el montaje suma un stock surrealista donde podemos observar lugares históricos siendo utilizados como campos de golf y comerciales donde las fábricas se vanaglorian de sacar a los agricultores del campo.
Una Historia de Corrupción
Posteriormente, la directora se enfoca en la corrupción estatal traducida en una deuda de 72 mil millones de dólares, su desatención a la población y la inacción de un gobierno estadounidense que se excusa en que Puerto Rico, como “Estado Libre Asociado” no se le puede brindar las mismas garantías y apoyos civiles comunes del cuidadano/a estadounidense.
Mediante la fotografía de Pablo Álvarez Mesa y la narración en voz off de algunas personas entrevistadas, la cineasta entreteje una narrativa que a través de la metáfora audiovisual, aborda poéticamente y lejos del amarillismo, la fuerza de la naturaleza, el dolor que aún persiste por las/os perdidos, la intranquilidad por el mañana en quienes aún recorren sus tierras.
En repetidas ocasiones, se escuchan voces que expresan como el desastre provocado por el huracán, les despertó y permitió ver “lo jodido que ya estábamos”. Aldarondo captura en sus imágenes los sentimientos que encuentran eco en la sociedad. “Esta generación y las siguientes no tenemos nada” sentencia el coro.
Las empresas y el estado le quitaron confianza y fuerza a su gente, las/os abandonaron ante un futuro incierto mientras se siguen aprovechando de los mismos y dificultando su existencia: trabajos peor remunerados, impuestos más altos, incapacidad de elegir democráticamente a un grupo de personas que defiendan el interés del pueblo. Situación que los obliga a salir del lugar donde crecieron o quedarse y constantemente luchar.
El documental retrata esa resistencia que se forja en los parques o cenas, que intenta retomar lo que les fue robado mediante iniciativas colectivas: esa fuerza de la unión capaz de retirar a un presidente de su puesto.
Una Vida en Lucha
Sin embargo, también dibuja ese sentimiento bajo el que todas/os podríamos sentirnos identificados: “Yo no quiero vivir la vida entera luchando”. Millennials/centennials quisiéramos bailar y cantar del amanecer al anochecer. Pero el panorama adverso ante el cual estamos parados, nos requiere en la protesta y lucha, mientras arrebata la capacidad de disfrutar.
Y si, hablo en plural, porque la realidad que viven las/os puertorriqueños no es independiente del territorio, simboliza una emocionalidad colectiva que recorre el globo, dominado por políticas neoliberales.
Aunque en las secuencias finales se vive la victoria del pueblo, Aldarondo no cae en el engañoso júbilo. “Quitamos la cabeza, pero el monstruo aún queda ahí” pronuncia. Todavía no es momento de descansar y la luz al final del túnel, se encuentra lejos de vislumbrarse.
Los Live Action prometían ser un nuevo experimento para Disney, pero ahora se han transformado en algo muy diferente
Cuando las plataformas de streaming comenzaron a presentar más contenido original, las salas de cine las consideraron como una amenaza, pues se encontraban a mayor disponibilidad del público, a menor costo y con un catálogo variado. En enero del presente año, tan sólo Netflix contaba con 139 millones de suscriptores.
La situación puso en alerta a las productoras, pues esperaban que la asistencia a las salas disminuyera. En consecuencia, estudios cinematográficos como Walt Disney Pictures, en una búsqueda por adaptarse y hacer competencia al streaming, decidieron que su mejor arma sería que la nostalgia y realizar adaptaciones “Live Action” producciones que utiliza principalmente personas u objetos reales en lugar de animados, de sus historias más exitosas.
Un estudio publicado en 2014 por la revista Journal of Consumer Research, indica que los consumidores tienden a comprar impulsivamente aquello que les recuerde su infancia o algún otro momento agradable de su vida. La nostalgia esfuma el deseo de ahorrar porque, al ser una emoción agradable, hace sentir a las personas menos forzadas.
Disney decidió utilizar esta estrategia encaminada a llegar a un mercado millennial, quienes fueron los que crecieron con el renacimiento de Disney/Pixar en los 90. Además, son ahora los que ya se están incorporando al mercado laboral, tienen mayor poder adquisitivo, y algunos estudios apuntan que sus gastos están muy enfocados a apoyar causas sociales y consumir productos que tengan un alto valor emocional para ellos.
¿Cómo es que Disney adoptó la estrategia de producir Live Action cada año? ¿De verdad está funcionando?
El comienzo
El primer live action de Disney del que se tiene registro es El libro de la selva en 1994, que aunque no fue el éxito en taquilla al que Disney está acostumbrado en estos tiempos, fue bien recibida entre la crítica y los fans. Después llegaron 101 dálmatas y 102 dálmatas, donde se inmortalizó a la actriz Glenn Close como la única y verdadera Cruella De Vil.
Pero la verdadera era de Disney utilizando esta técnica llegó en 2010 con el estreno de Alicia en el país de las maravillas de la mano de Tim Burton. La cinta no tuvo un buen recibimiento por parte de la crítica principalmente por el tono de la cinta, pues decían que era un filme oscuro que se alejaba del cuento de fantasía que todos esperaban. Pero aún así, logró una gran recaudación en taquilla, pues acumuló más de 1 mil millones de dólares.
Fue así como 4 años después una nueva versión de Maléfica protagonizada por Angelina Jolie vio la luz. Aquí, Disney buscó reivindicar un poco a la villana de la Bella Durmiente al presentarnos su historia y sus motivaciones. Y aunque nuevamente la crítica y los fans se mostraron escépticos ante la re-invención, la película recaudó casi 800 millones de dólares.
Un año después llegó la versión live action de La Cenicienta (2015), que parecía mejor recibida por la crítica. Pero El Libro de la Selva de Jon Favreau es hasta el momento, la adaptación live action mejor recibida por la crítica y el público, pues ahora ostenta 94% de aprobación en Rotten Tomatoes y recaudó 966 millones de dólares en taquilla.
La Primera Desilusión
Hasta en el momento, Disney nos había presentado historias que, si bien no eran del agrado de todo el público, buscaban innovar un poco tanto en su historia y sus efectos especiales. Maléfica contaba un cuento de hadas desde otra perspectiva, y El Libro de la Selva se posicionó como una versión más oscura y amenazante de su pasado animado. Y dado el éxito que tenían todas estas películas, parecía que los live action de Disney siempre iban a triunfar.
Sin embargo, cuando se estrenó Alicia a través del espejoapenas un mes después que El Libro de la Selva, las cosas se empezaron a complicar. Este filme no sólo es el peor calificado entre la crítica, (aún ahora tiene apenas 29% de aprobación), sino que solamente recaudó 299 millones de dólares en taquilla, dejando claro que la gente no siempre iba a apoyar los Live Action de Disney sólo por la nostalgia.
Los Live action: ¿De verdad son necesarios?
Después, llegaronLa bella y la bestia (2017),Christopher Robin (2018),Dumbo(2019) yAladdin(2019). Todas estas películas han tenido un desempeño diferente en taquilla, por ejemplo, la película protagonizada por Emma Watson recaudó 1.2 mil millones de dólares mientras que la nueva adaptación de Whinnie Pooh no alcanzó ni los 200 millones.
Pero las críticas dejaron de ser tan duras con estas nuevas adaptaciones, ya que parecía que la actitud alrededor de estos Live Action había cambiado, en lugar de ser historias diferentes y atractivas, ya se habían vuelto una costumbre. La audiencia aceptó que posiblemente estos Live Action no iban a ser tan buenas como su versiones animadas, pero la maquinaría de Disney se sigue asegurando que sean considerados grandes blockbusters y siguen siendo una buena fuente de entretenimiento para el público infantil, por lo que son opciones sencillas y fáciles de consumir.
Aún así, El rey león (2019) ha sido uno de sus Live Action más controversiales. La crítica especializada se quejó amargamente de que esta cinta era una copia exacta de la película estrenada en 1994, pero sin el brillo y luz característicos que habían convertido al filme noventero en un clásico. Sin embargo, a una parte de la audiencia le gustó el diseño de personajes y los efectos especiales encaminados a crear con lujo de detalle todos los personajes. Pero realmente la duda persiste: ¿de verdad son necesarios?
El Futuro de Los Live Action de Disney
Finalmente, hace unos pocos días se estrenó Mulán. Contrario de El rey león, Mulán cuenta con una historia algo diferente a la animada, la trama de la cinta fue justificada con que se quería hacer una más fiel a la cultura china, causando molestia en el publico porque no se contaría con el personaje Mushu ni las emblemáticas canciones. Pero las primeras reacciones de este nuevo live action no fueron muy favorables, tanto críticos como la audiencia alegaban que la historia y las escenas no tienen sentido. Nuevamente, nos estábamos enfrentando a un caso de una adaptación innecesaria.
Como dicen “Nunca le vas a dar el gusto a nadie”, y a lo largo de una década Disney ha optado por diferentes estilos y acercamientos para crear sus versiones live action. Sin embargo, tanto en el caso de copias exactas, como El Rey León, o reinvenciones extremas como con Mulán, está quedando claro que estas adaptaciones realmente no están dejando huella en la historia del cine ni entre la audiencia como lo hicieron sus antecesoras animadas.
Para los siguientes años, Disney ya tiene confirmadas 6 nuevas adaptaciones Live Action, entre ellas Cruella, La sirenita y una secuela de El Rey León. Pero Disney debería de optar por más contenido original, con experimentos diferentes que puedan acercar a las nuevas audiencias al mundo mágico de Mickey Mouse. Porque por lo pronto, estos Live Action parecen indicar que lo que le importa a la compañía realmente es el desempeño en taquilla, no reinventar ni actualizar sus clásicos.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿De verdad son necesarios los Live Action de Disney?
¡Trolls: World Tour ya estrenó en cines! la película de Universal Pictures y DreamWorks Animation, regresó con una fantástica nueva aventura de Poppy y Branch.
Luego del retraso de la esperada película Trolls: World Tour, la cinta dirigida por Walt Dohrn, y David P. Smith, había tenido su lanzamiento a través de plataformas de streaming el pasado abril de 2020, incluyendo plataformas como Apple, Amazon y Comcast, donde logró recaudar en tres semanas un total de 100 millones de dólares, logrando un récord y la rápida recuperación de la inversión de su producción estimada en 90 millones. Esto la posicionó como una pionera de esta nueva era digital en entretenimiento.
Trolls: World Tour ya llegó a cines mexicanos y te contamos por qué es una historia que merece la ovación de la audiencia. Ya desde su primera entrega, “Trolls” demostró que aún queda mucha imaginación por explorar y que la magia forma parte de los grandes cuentos, y la premia de su secuela es simplemente encantadora.
¿De qué va?
Trolls: World Tour cuenta la historia de una intrépida Poppy, quien atraída por conocer nuevos mundos, descubre junto con sus amigos Branch, Biggie, Tiny Diamond, Cooper, Satin y Chenille, la fuerza de la música y como su diversificación es capaz de formar nuevas fuerzas y lazos de amistad.
En su camino, conocerán a nuevos personajes trolls, quienes nos llevarán a recorrer diferentes estilos musicales como el pop, el jazz, techno, country, Funk, y la música clásica, al lado de sus respectivos expertos en el tema musical. Por supuesto la aventura no puede comenzar sin un contratiempo que obligue a nuestros pequeños amigos a tomar decisiones.
Con la aparición de Barb, la reina de los trolls rockeros decidida a destruir todo sonido que no sea rock, Poppy deberá defender el valor de la música, a partir de las emociones que evoca a cada troll, demostrando que las diferencias no importan y todos tiene la libertad de ser felices con sus propios gustos.
Poppy tendrá que defender su mundo lleno de color, ante un malvado troll que aun tienes mucho que aprender de los demás.
La transición de la industria cinematográfica
Trolls ha sido de las pocas películas que respondió positivamente a la era digital, en un momento de crisis en el mundo del entretenimiento, donde las salas de cine del mundo tuvieron que cerrar y las distribuidoras tuvieron que posponer indefinidamente muchos de sus proyectos.
Ante un drástico cambio en la forma de exhibir material cinematográfico, Trolls: World Tour resultó un éxito digital. Visto también como un experimento promocional ante la crisis sanitaria que enfrenta el mundo, Trolls también abrió el debate entre el público sobre el regreso a cines o la adaptación a la digitalización.
Por supuesto, elementos de la industria como John Fithian, presidente y director ejecutivo de la Asociación Nacional de Dueños de Cines (NATO), defendió la importancia de la experiencia en cines tradicionales.
Sin embargo, Universal respondió que consideraría próximos estrenos en video on-demand. Situación que demuestra el impacto económico y cultural de las nuevas formas de consumir entretenimiento, durante circunstancias adversas, como el cine en la nueva normalidad.
¿Ofreció algo distinto?
¡Sí, y nos encanta! Trolls: World Tour nos lleva junto a la colorida Poppy y sus amigos a una nueva aventura y funciona muy bien; la historia se desarrolla en torno a una lucha por la defensa de los géneros musicales, a través de una travesía rítmica y dinámica, demostrando que no solo las segundas partes son buenas, sino que también se pueden replantear.
La cinta anterior nos contaba la historia de cómo Poppy, salva al mundo mágico de los trolls de un posible nuevo monstruo dictador, que resulta en un ser con la misma capacidad de amar que todos tenemos, además defiende la belleza de cada troll con la fuerza que emana de sus corazones.
Trolls es una película animada que funciona por el carisma de sus personajes y las hermosas lecciones que nos enseña; volviéndola una opción familiar llena de sentimientos arrebatadores que te enganchan desde las primeras escenas.
Una cinta sin pretensiones que acaparó a los usuarios en internet, promete ser una de las historias más divertidas para chicos y grandes; el encanto de los pequeños trolls, nos invita a recorrer todo un musical donde seguramente encontraras un espacio para ti.
Estamos seguros que Trolls: World Tour, no decepcionará las expectativas y aunque aún no existan condiciones sanitarias 100% seguras, vale la pena considerar esta cinta en tu lista de próximas noches de película.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ya vieron Trolls: World Tour?
¡Te contamos lo sucedido en la ceremonia más prestigiosa de la industria cinematográfica mexicana: los premios Ariel 2020!
Entre las contundentes y poderosas consignas de la colectiva Ya es Hora, la victoria apabullante de Ya No Estoy Aquí, además de las constantes fallas técnicas, se llevó a cabo la entrega número 62 de los premios Ariel. Te narramos en 5 puntos lo sucedido:
1.- Pronunciamiento de la colectiva Ya es hora MX
Hace más de un año, diversas mujeres de la industria cinematográfica se unieron con la intención de acabar con el machismo imperante en la misma. Así nacieron diversos proyectos como un podcast donde se reflexiona sobre la mirada femenina y representación de mujeres en el cine, la creación del protocolo contra el acoso, y la creación de vínculos con otras colectivas de América Latina.
Tales avances fueron anunciados con júbilo por parte de la colectiva al inicio de la ceremonia, aunque destacaron que dichas acciones “son punto de partida para garantizar la participación y representación de las mujeres”.
Con el pañuelo rojo atado a la muñeca o cuello, a lo largo de toda la ceremonia, las mujeres que se llevaron una estatuilla expresaron la importancia de garantizar espacios equitativos, donde las mismas puedan desempeñarse con tranquilidad.
Quizá, en esta linea el momento más potente fue aquel donde Lucía Álvarez, al recibir su Ariel de Oro expresó lo siguiente:
“Agradezco a los cineastas que vieron en mi sólo talento y capacidad profesional, que no realizaron ninguna acción denigrante respecto al hecho de que fuera mujer (…) Soy una sobreviviente en un medio complejo y una orgullosa madre soltera que ha sabido capotear los incidentes de acoso y menosprecio que lamentablemente todavía vivimos a diario las mujeres de este país. (…) No queremos intimidaciones, desprecios, provocaciones, devaluaciones, ni acosos. Queremos respeto, valoración, reconocimiento, crédito, confianza. (…) Dedico este Ariel a todas las mujeres de México que luchan día a día en obtener un merecido lugar en cada una de sus profesiones.”
Tomando como punto de partida este discurso maravilloso, cabría reflexionar sobre esa pelea cotidiana de las mujeres en la industria y como las nominaciones eran un reflejo de ello, el ausentismo de las mismas en categorías como Guión, Ópera Prima o Fotografía, hablan de un camino bastante largo que aún queda por recorrer, pues como lo mencionaron las mismas: “una industria que no tiene confianza, ni respeto por las mujeres que trabajan en ella, seguirá siendo violenta, sesgada, poco diversa e incluyente.”
2.- Goleada de Ya No Estoy Aquí
Esta película fue el gallo de la noche para muchos/as, sus terkos y cumbias rebajadas se robaron nuestro corazón, por lo que sus 10 premios probablemente nos tengan muy contentos/as. Se llevó las categorías de mejor Vestuario, Sonido, Maquillaje, Diseño de Arte, Edición, Fotografía, Revelación Actoral, Guión Original, Dirección y Película.
Su director: Fernando Frías de la Parra animó a quienes deseen hacer cine, a realizarlo con el corazón: “no desanimarse cuando escriben 80 correos y no les contestan, o se les rechaza un proyecto, es un camino difícil“ sentenció.
Cabe destacar que la película más premiada y aclamada por el público, también fue la que contó con mejor distribución, aspecto que suele ser uno de los grandes problemas del cine mexicano, ante salas de distribución dominadas por la producción estadounidense.
3.- Contra los recortes a la cultura
Históricamente, la industria cinematográfica mexicana se encuentra en incertidumbre. Tras la desaparición de Foprocine y el peligro que suceda lo mismo con Fidecine (fondos del estado que permiten la producción fílmica en este país), las diversas voces en la ceremonia conformaron un coro que desaprueba dichos recortes presupuestales, pues como declaró el cineasta David Zonana tras ganar en la categoría de ‘Ópera Prima’: “necesitamos que esos apoyos se mantengan para que más voces puedan surgir”.
4.-¿Y la animación Mexicana?
Aunque hay una gran variedad de nombres y talento en cuanto a animación nacional se refiere, la categoría de ‘Mejor Largometraje Animado’ fue un chiste, SÓLO DOS producciones estuvieron nominadas: Día de Muertos y Olimpia, porque fueron las únicas dos películas animadas y nacionales estrenadas.
Esto derivado de los altos costes de producción que supone levantar una película de tales características y para las cuales no hay industria en México. Muchas veces quienes participan en producciones de este estilo lo hacen bajo condiciones muy precarizadas, como lo resalto el hashtag #AnimationPaidMe, o por el puro amor al arte, como los/as estudiantes de la UNAM que participaron en la creación del filme de J. M. Cravioto. Mucho que mejorar al respecto.
5.- Problemas en la producción
Hacer cine en México, muchas veces es más un acto de fe, pues la remuneración económica detrás es casi inexistente. Como exponía el director Julián Hernández mediante su Twitter, “no hay dinero para nada, todas las instituciones tienen el presupuesto recortado al mínimo, sólo cobran los técnicos”.
Por lo tanto se valora el esfuerzo de quienes estuvieron involucrados/as en la creación de un evento que celebra nuestra filmografía nacional, además que la misma se realiza bajo el contexto de la pandemia y eso significa explorar nuevas plataformas y narrativas para la realización del evento.
Sin embargo, se trató de una ceremonia que se sintió improvisada, larguísima y accidentada: anuncios de nominaciones que se suscitaban hasta en dos ocasiones, extensos discursos bajo dos tipos de encuadres estáticos, lo cual la hacía visualmente aburrida y una música que no encajaba con la atmósfera.
Hubo errores de conexión, los cuales pueden ocurrir, pero mínimo darle la oportunidad de participar nuevamente a las personas afectadas, por ejemplo Mónica del Carmen no contó con la oportunidad de expresarse tras recibir su premio.
Verónica Toussaint y Roberto Fiesco le echaron ganas en su conducción, pero al ser de personalidades muy distintas chocaban mucho, al punto de que se les notaba incomodos.
Todo esto, terminó conformando una velada agridulce y poco entretenida.
Hay mucho que aplaudirle a nuestra cinematografía y las personas que trabajan en ella, pero aún queda mucho que hacer y ganar para crear una industria diversa, equitativa y justa.
Así que sin más dilación, les comparto la lista de ganadoras/es de los premios Ariel 2020:
MEJOR PELÍCULA:
Kenya Márquez / Asfixia
Julio Hernández Cordón / Cómprame un revólver
Hari Sama / Esto no es Berlín
José María Yázpik / Polvo
Fernando Frías de la Parra / Ya no estoy aquí
DIRECCIÓN:
Kenya Márquez / Asfixia
Julio Hernández Cordón / Cómprame un revólver
Hari Sama / Esto no es Berlín
José María Yázpik / Polvo
Fernando Frías de la Parra / Ya no estoy aquí
ACTOR:
Benny Emmanuel / Chicuarotes
Xabiani Ponce de León / Esto no es Berlín
Armando Hernández / La paloma y el lobo
Luis Alberti / Mano de obra
José María Yázpik / Polvo
ACTRIZ:
Verónica Langer / Clases de historia
Edwarda Gurrola / Luciérnagas
Mariana Treviño / Polvo
Cassandra Ciangherotti / Solteras
Giovanna Zacarías / Sonora
ÓPERA PRIMA:
Edgar Nito Arrache / Huachicolero
Carlos Lenin Treviño Rodríguez / La paloma y el lobo
David Zonana / Mano de obra
Axel Muñoz / Noches de julio
COACTUACIÓN MASCULINA:
Raúl Briones / Asfixia
Sóstenes Manuel Rojas / Cómprame un revólver
Daniel Giménez Cacho / Chicuarotes
Adrián Vázquez / Polvo
Juan Manuel Bernal / Sonora
COACTUACIÓN FEMENINA:
Mónica del Carmen / Asfixia
Dolores Heredia / Chicuarotes
Bárbara Mori / El complot mongol
Ximena Romo / Esto no es Berlín
Dolores Heredia / Sonora
LARGOMETRAJE DOCUMENTAL:
El guardián de la memoria / Marcela Arteaga
Familia de medianoche / Luke Lorentzen
Oblatos, el vuelo que surcó la noche / Acelo Ruiz Villanueva
Una corriente salvaje / Nuria Ibáñez Castañeda
Vaquero de mediodía / Diego Enrique Osorno
LARGOMETRAJE DOCUMENTAL:
Día de muertos / Carlos Eduardo Gutiérrez Medrano
Olimpia / J. M. Cravioto
GUIÓN ADAPTADO:
Sandra Becerril / Desde tu infierno
Sebastián del Amo / El complot mongol
John Sayles y Guillermo Munro Palacio / Sonora
GUIÓN ORIGINAL:
Julio Hernández Cordón / Cómprame un revólver
Rodrigo Ordoñez, Max Zunino y Hari Sama / Esto no es Berlín
David Zonana / Mano de obra
Alejandro Ricaño y José María Yázpik / Polvo
Fernando Frías de la Parra / Ya no estoy aquí
FOTOGRAFÍA:
Alfredo Altamirano / Esto no es Berlín
Diego Tenorio / La paloma y el lobo
Tonatiuh Martínez Valdéz / Polvo
Serguei Saldívar Tanaka / Sonora
Damián García / Ya no estoy aquí
CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN:
Adelina / Ana Portilla
Dalia sigue aquí / Nuria Menchaca
Eclosión / Rita Basulto
El tigre sin rayas / Raúl Morales Reyes
Hant Quij Cölpaxl Hac (La creación del mundo) / Antonio Coello
CORTOMETRAJE DOCUMENTAL:
A 3 Minute Hug / Everardo González
Abrir la tierra / Alejandro Zuno
El valiente ve la muerte sólo una vez / Antonio Coello
La bruja de Texcoco / Alejandro Paredes y Cecilia VIllaverde
Lorena, la de los pies ligeros / Juan Carlos Rulfo
CORTOMETRAJE DE FICCIÓN:
5:03 AM / Abril Schmucler
Encuentro / Iván Löwenberg
La bruja del fósforo paseante / Sofía Carrillo
Las desaparecidas / Astrid Domínguez Ortega
Una canción para María / Omar Deneb Juárez
DISEÑO DE ARTE:
Carlos Lagunas / Belzebuth
Ivonne Fuentes / Cómprame un revólver
Diana Quiroz / Esto no es Berlín
Bárbara Enríquez y Carmen Guerrero / Polvo
Taísa Malouf Rodrigues y Gino Fortebuono / Ya no estoy aquí
EDICIÓN:
Lenz Claure / Cómprame un revolver
Rodrigo Ríos Legaspi, XImena Cuevas y Hari Sama / Esto no es Berlín
Miguel Schverdfinger / Polvo
Valentina Leduc y Jorge García / Sonora
Yibrán Asuad y Fernando Frías de la Parra / Ya no estoy aquí
EFECTOS ESPECIALES:
Ricardo Arvizu / Belzebtuh
Ricardo Arvizu / Feral
José Manuel Martínez / Huachicolero
Alejandro Vázquez / Sonora
José Martínez / Ya no estoy aquí
EFECTOS VISUALES:
Othón Reynoso, Thomas Boda, Jonatan Guzmán, RIcardo Robles, Paula Siqueira, Juan Lazzarini, Amilcar Herrera, Cris Cruz, Eddie Mendoza, Cyntia Navarro / Belzebuth
Alejandro Iturmendi / Esto no es Berlín
Javier Velázquez / Huachicolero
Alejandro Miranda, Fantasm / Sanctorum
Sasha Korellis, Catherine Tate / Ya no estoy aquí
MAQUILLAJE:
Roberto Ortiz / Belzebuth
Adam Zoller / Cómprame un revólver
Maripaz Robles y Cristián Pérez Jauregui / El complot mongol
Karina Rodríguez / Esto no es Berlín
María Elena López e Itzel Peña García / Ya no estoy aquí
MÚSICA ORIGINAL:
Yolihuani Curiel, Sofía Orozco y Fernando Arias / Asfixia
Aldo Max Rodríguez / Belzebuth
Alberto Torres / Cómprame un revólver
Galo Durán / Sanctorum
Jacobo Lieberman / Sonora
SONIDO:
Isabel Muñoz Cota, Christian Giraud, Alejandro de Icaza, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc / Belzebuth
Javier Umpierrez y Damián del Río / Esto no es Berlín
Alejandro Ramírez, Enrique Greiner, Miguel Ángel Molina, Raymundo Ballesteros y David Muñoz / La paloma y el lobo
Raúl Locatelli, Pablo Lach / Sonora
Javier Umpiérrez, Yuri Laguna, Olaitan Agueh, Michelle Couttolenc y Jaime Baksht / Ya no estoy aquí
PELÍCULA IBEROAMERICANA:
A vida invisível (La vida invisible) / Karim Aïnouz (Brasil)
Dolor y gloria / Pedro Almodóvar (España)
La odisea de los Giles / Sebastián Borensztein (Argentina)
Monos / Alejandro Landes (Colombia)
Retablo / Álvaro Delgado y Aparicio L (Perú)
REVELACIÓN ACTORAL:
Azul Giselle Magaña Muñiz / Asfixia
Johanna Heidi Fragoso / Asfixia
Eduardo Banda / Huachicolero
Juan Daniel García / Ya no estoy aquí
Coral Puente / Ya no estoy aquí
VESTUARIO:
Cynthia López / El complot mongol
Gabriela Fernández / Esto no es Berlín
Adela Cortázar / Polvo
Gabriela Fernández / Sonora
Magdalena de la Riva y Gabriela Fernández / Ya no estoy aquí
Conversamos con la actriz nominada al Ariel por Clases de Historia: Verónica Langer y el director Marcelino Islas.
Clases de Historiaes el relato de dos mujeres: una maestra que recientemente acaba de ser diagnosticada con cáncer y una estudiante rebelde. Aunque en distintos momentos de su vida y con personalidades opuestas, ambas encontrarán en su unión el complemento perfecto.
Con motivo de la celebración de los premios más importantes en la industria mexicana: los Ariel, y la nominación realizada a Verónica Langer, una de las protagonistas del susodicho filme, tuvimos la oportunidad de conversar con la actriz y director que dieron vida a esta historia.
Conociendo el Proceso Creativo
Después de dos filmes oscuros para su persona como Martha y La Caridad, Marcelino Islas Hernández tuvo la idea realizar un cine más luminoso. Y para ello, bajo su ideología de hacer familias en el cine, decidió reunirse con la actriz Verónica Langer, quien nos confesó lo siguiente “Acabando de filmar La Caridad, Marcelino me dijo ‘te quiero escribir una película’, comenzó a hacerlo, me dijo cual sería mi papel y me sentí muy feliz”.
Precisamente sobre el proceso de escritura que conllevó Clases de Historia, su director nos relató lo siguiente: “Yo escribía y una vez al mes nos íbamos a tomar un café, le leía los avances en el guión y ella modulaba ciertos detalles del mismo”. A lo que la interprete agregó: “Discutimos cuestiones puntuales como ciertos diálogos, la enfermedad de Miss Vero, su relación con su marido y Eva”.
Sobre las experiencias que le permitieron construir su personaje, Verónica expresó que “En muchos casos encuentras canales comunicantes entre las historias propias y la ficción. Mi vida no es como la de Miss Vero, sin embargo todos tenemos momentos de tristeza o motivación, y eso permite ponerme en la piel de quien interpreto.”
¿Por qué centrarse en Personajes Femeninos?
Por otro lado, el cineasta se sinceró sobre aquello que lo motivó a centrar su narrativa en personajes femeninos “Ante la ausencia de mi papá, crecí en un contexto rodeado por mujeres: mi mamá y hermana. Entiendo que hay una gran falta de representación en pantallas de las mismas, apenas el 5% de la películas nominadas (a los premios Ariel) cuentan con una protagonista. No comparto género, pero me siento muy cómodo explorando la feminidad, intento acercarme con mucho respeto.”
Respecto al trabajo en set, Marcelino confesó que las únicas instrucciones que brindó a Verónica fueron referentes hacia el trazado escénico. A la vez que la intérprete resaltó que siempre hay cosas nuevas en el rodaje: “La escena final era muy bonita, pero cuando nos tocó hacerla ya estaba atardeciendo y aún nos faltaba subir el cerro que aparece. Todo estaba en contra, pero eso pasa al filmar, las dificultades se convierten en virtudes.”
Ambos concordaron en que durante el proceso, su amistad creció más: “nos convertimos en cómplices, compartimos la misma idea” comentó el realizador, mientras la artista destacó el entendimiento entre director y actriz, pues “eso ayuda a trabajar más a gusto”.
¡La tercera vez en los premios Ariel!
La actuación de Langer en esta película, le confirió su sexta nominación a los Ariel, ya lo ha ganado en dos ocasiones, primero por Miroslava en 1993 y posteriormente en 2017 por La Caridad, su primera colaboración con Marcelino. A propósito de ello, el cineasta expresó: “Estoy muy contento por la racha, hemos estrenado dos películas juntos y ambas han representado nominaciones para Verónica.
Por su parte, la intérprete manifestó: “Siento mucha alegría. Siempre da mucho nervio y felicidad que reconozcan tu trabajo. Lamento que Marcelino no este nominado, ha hecho una gran labor y posee una trayectoria muy importante, pero bueno, la nominación es una forma que se reconozca la película.”
La deuda del Cine Mexicano con las Mujeres
Hace unos días, la galardonada actriz expresó en un conversatorio de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC), que el cine mexicano le tiene una gran deuda a las mujeres. Con respecto a la presencia de la mismas en el desarrollo de la profesión, nos comentó que piensa que la industria fílmica va en camino a saldar ese adeudo: “Todas/os tenemos la vista en encontrar la paridad de género en todos los ramos, sin embargo existe un camino importante que recorrer. Hay que seguir puntualizando hasta que suceda, nunca estará de más.”
Y acotó: “El cine mexicano nos debe a las mujeres muchas historias, nos pasan miles de cosas y se nos encasilla en estereotipos de novia, chica guapa, abuelita o mamá. Nosotras también somos profesionistas, lingüístas, secretarias de Estado, doctoras, mil cosas más. Hay muchas historias por narrar en el mundo femenino, queda mucho por hacer y ganar contando esos relatos.”
Finalmente, acerca de la situación del cine mexicano frente al COVID-19 y los posibles recortes del prepuesto estatal a la industria, Verónica expresó que:
“Lo de la pandemia es ineludible, a ver como sale el mundo entero. Con respecto a los recortes yo no estoy desacuerdo con quitar esos fondos, aunque bien se buscan otras alternativas. Esperemos a ver como se define esta situación, ojalá no afecte, porque el cine ha demostrado su valía: es una carta de presentación como país. Y no sólo eso, además es una fuente de trabajo. Esperemos que esta situación finalmente permita que la industria se siga desarrollando, aunque todas/os debemos ser conscientes de las limitaciones propias que imponga el contexto post crisis mundial.”
A lo que Marcelino añade que ya existían problemas importantes previos a la pandemia: “Muchas películas nacionales no se ven porque las salas están ocupadas por el cine estadounidense. La industria se dejó de mover mucho tiempo y aún falta encontrar como hacer sustentable la misma, no es posible que se recaude apenas el 25 % del costo que supuso su producción” sentenció.
La entrega de los premios Ariel será el 27 de Septiembre, y se transmitirá en vivo mediante el Facebook de la AMACC y Canal 22.
Ratched, lo nuevo de Ryan Murphy, es un complicado laberinto que no siempre funciona.
Desde el momento que se lanzó el tráiler de Ratched, era obvio que estaba en el universo de Ryan Murphy y no solo porque la serie tenía a Sarah Paulson de protagonista, sino por todo el estilo teatral que caracteriza a las series del director. Murphy, firmó un contrato masivo con Netflix en 2018, estimado en más de $300 millones para brindarles series de calidad. Y hasta el momento, llegaron a la plataforma series como: The Politician , Hollywood y Ratched.
La serie cuenta la historia de una enfermera que sirvió en la Segunda Guerra Mundial (uno de los pocos detalles clave compartidos entre la película y el programa). Mildred viaja a la pequeña ciudad de Lucia, en el norte de California, decidida a que la contraten como enfermera en el hospital psiquiátrico, sin importar lo que cueste, es aquí cuando vemos la astucia e inteligencia que tiene el personaje para manipular las situaciones a su antojo y estar un paso más adelante de todos .
Ratched: Una Historia Complicada
El primer episodio comienza con una ola de asesinatos cometidos por Edmund Tolleson (Finn Wittrock) en la casa de varios sacerdotes católicos, una escena de violencia muy explícita que da a la serie una nota oscura e inquietante y marca el tono de lo que está por venir. Después de su arresto, Tolleson es enviado al hospital para una evaluación psiquiátrica por el Dr. Richard Hanover (Jon Jon Briones), más adelante, conocemos que la verdadera razón por la que Mildred está tan decidida a conseguir un trabajo en el instituto es para estar cerca de Edmund.
El hospital está dirigido por el Dr. Hannover, un hombre que lucha contra los demonios personales mientras dirige una institución con fondos insuficientes, con la ambición de brindar tratamiento de vanguardia a los enfermos mentales, junto con su adorada enfermera jefe Betsy Bucket (Judy Davis). El hospital, es un antiguo spa de descanso para los ricos, su exuberante decoración y su entorno sereno contrastan marcadamente con sus extraños y macabros acontecimientos que ocurren.
Otras subtramas se enredan con la narrativa: las maquinaciones del grosero gobernador Wilburn (Vincent D’Onofrio), que quiere que la rápida ejecución de Edmund sea su plan de campaña para una próxima reelección; la creciente atracción de Mildred por la secretaría de prensa del gobernador Gwendolyn Briggs (Cynthia Nixon) y el romance de Edmund con Dolly (Alice Englert), una enfermera en formación; una búsqueda secundaria que involucra a dos pacientes lesbianas en la instalación; los intentos del Dr. Hanover de curar a Charlotte Wells (Sophie Okonedo), una paciente con trastorno de personalidad múltiple; y los intentos de la súper rica Sra. Osgood (Sharon Stone) de asesinar al Dr. Hanover por arruinarle la vida a su hijo Henry (Brandon Flynn).
Si eso suena un poco agotador, es porque lo es: individualmente, cada uno de estos hilos es lo suficientemente fascinante, pero tenerlos juntos en una temporada significa que ninguno de ellos tiene el espacio para respirar realmente.
Reinventando la historia: ¿Funciona?
La serie a veces parece estar humanizando a Mildred, que enfrenta deseos sexuales reprimidos y tiene un sentido retorcido de cómo ayudar a las personas con enfermedades mentales. Dado que los antecedentes de Mildred no son lo suficientemente interesantes como para completar la primera temporada de ocho episodios, los creadores agregan secretos oscuros y actos horribles para la mayoría del elenco de apoyo, y como ya es costumbre en las historias de Murphy, el programa tiene muchas historias secundarias.
Ratched, cuenta con un elenco bastante fuerte, incluidos los actores principales Sarah Paulson (Mildred Ratched) y Finn Wittrock (Edmund Tolleson). Además, la historiatiene la estética característica de Ryan Murphy que, a su manera, es muy distintiva con una preferencia a los colores pasteles, los marcos interiores y exteriores magníficamente construidos y un acercamiento de horror y lujo.
Como lo hizo en Hollywood, Murphy crea aquí una versión de la década de 1940, con autos que son demasiado brillantes, atuendos que son de colores cálidos e interiores que parecen museos de arte en lugar de espacios comunes. El director establece una técnica de bañar la pantalla en un solo color sobresaturado cuando los personajes logran algún tipo de catarsis emocional.
El diseño de producción del asilo mental clínico, teñido de verde azulado y el diseño de vestuario de los conjuntos de finales de los 40 de Mildred hacen que la serie se sienta como un sueño. Ryan Murphy tampoco deja a un lado sus temas favoritos con Ratched, ya que cuenta varias historias con temática LGBT, algo que hace en la mayoría de sus series.
En Conclusión
Y si ya conocen su nombre es simplemente porque la serie toma el personaje de la enfermera Ratched en Alguien voló sobre el nido del cuco, la mítica película de Milos Forman protagonizada por Jack Nicholson estrenada en 1975, que recibió 5 Oscars. La serie Ratched es, por tanto, una precuela de la película , que desarrolla el pasado de esta famosa Mildred y los motivos que la empujaron a volverse completamente loca.
En conclusión, Ratchedpodría haber merecido algunos episodios menos, ya que a veces se sienten largos, y algunos arcos de la historia podrían haber sido prescindibles para centrarse más en la historia principal. Ya sea por una escritura intencionada de suspenso o por el hecho de que Netflix ya ha dado luz verde a una segunda temporada , el final es lo más alejado de la satisfacción, por lo tanto, la crisis del hospital, sus metas personales de Mildred, su vida amorosa y la política, no pueden resolverse del todo.
¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos?¿Les gustó Ratched?
Enola Holmes se posiciona como un nuevo ícono feminista. ¿Por qué es importante?
Según Aristóteles, el ethos no es otra cosa que: el carácter que se adquiere a lo largo de la vida. Por medio de acciones, la persona se va haciendo así misma. Aquí es preciso preguntarnos si el ethos que elegimos se nos ha impuesto a nosotros mismos o es algo que se elige de manera consciente, tanto para los hombres como para las mujeres.
Se puede deducir que los roles de comportamientos y actitudes para hombres y mujeres se han impuesto socialmente. El arte y la cultura han jugado un papel muy importante a la hora de crearlo, pues el ser humano ha utilizado las diferentes formas de arte como herramientas para reflejar su propia realidad, su contexto y su cosmovisión, así como sus ideas y opiniones sobre diversos temas. Y, como los hombres han sido históricamente los artífices, distribuidores y primeros consumidores de los productos culturales, se puede decir que el arte y la cultura le han servido también como espejo.
Gracias a eso, tenemos ejemplos como Hércules, Odiseo, Aquiles, Superman, Batman y podría seguir la lista de miles de figuras en los qué un hombre se puede ver como espejo, reflejado y buscar una inspiración. Pero, ¿qué hay en el caso de personajes femeninos?
¿Cómo es el ethos femenino?
¿Qué es lo qué pasa con nuestras heroínas? Si bien han existido, no se puede comparar el número y tampoco se pueden nombrar con tal fluidez. De las mujeres en la literatura, tenemos a personajes como Ana Karenina o Madame Bovary, viviendo una vida sin sentido. Sensibles, inteligentes, en una vida que apenas y les pertenece. Ana Bolena siempre se presenta como una mujer guillotinada. Juana de Arco muere en la hoguera. Siempre culpables, nunca victoriosas.
Es por este tipo de personajes que se debe pensar más en cuál es el lugar que ocupa la mujer en la cultura, pues es mucho mayor del que se suele pensar. Y en la época actual, cuando la paridad de género es cada vez más importante, también ha aumentado el interés por la creación de personajes que se conviertan en inspiraciones y reflejen la evolución tanto de la mujer como del feminismo.
Básicamente, así como históricamente se se han construido cientos de personajes masculinos que han constribuido de una u otra forma a su ethos, se necesita que se haga lo mismo con personajes femeninos, sin la necesidad de caer en las agendas políticas e ideológicas. Se necesita a una heroína que se construya a sí misma, con sus experiencias, sus virtudes y fracasos. Se necesita algo como Enola Holmes.
Se buscan Heroínas como Enola Holmes
Enola Holmes llegó a la plataforma de streaming Netflix el pasado 23 de septiembre, y la razón por la qué ha despertado gran interés en el espectador es porque el apellido Holmes es mundialmente conocido, pues es la hermana del queridísimo detective Sherlock Holmes.
Enola te toma de la mano para mostrarte mucho de los roles qué la mujer ha tenido qué cumplir a través de todo este tiempo, la lucha del Sufragio Femenino, y el querer más de lo qué la sociedad te permite. Es una película abiertamente feminista, pero que lo presenta a través de la esperanza y el deseo de que haya un futuro mejor.
Enola Holmes, además de ser una película feminista, es una película divertida, ya que la historia está dirigida para un público infantil. Pero al ver que ella es una mujer que se nutre, que lucha, que trabaja, que se equivoca y que vuelve a empezar, deja claro que Enola no es sólo una mujer fuerte e independiente, es una mujer que quiere convertirse en heroína e inspirar a las nuevas generaciones.
Con Enola Holmes se entrega una producción original, con una protagonista femenina interpretada por Millie Bobby Brown, y no se construye alrededor de alguien sino por sí misma. Si bien, la película no cuenta con el toqué de Sir Arthur Conan Doyle si qué funciona por sí misma, siendo mucho más que una nueva versión en una larga franquicia, y poniendo en el centro a una heroína con su propio ethos.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿A ustedes también les inspiró Enola Holmes?
Enola Holmes de Netflix pone en el centro de la discusión una pregunta ya muy usada: ¿Es necesario ser totalmente fiel a la obra original?
La adaptación de contenido literario al audiovisual es siempre motivo de discusión. Ya sea reboots, retellings o adaptaciones que recién llegan a plataformas audiovisuales, hemos visto miles de veces consumidores convertirse en rígidos críticos ante cómo se representan las historias y personajes que siguen con entusiasmo.
Después tenemos la norma errónea de “Si la obra no presenta cuidadosamente cada aspecto de lo leído/visto en la obra original, entonces la convierte en una mala obra”. Otros, por su lado, lo que critican es la sobre explotación que se le da a una historia en el medio audiovisual, explorando a un personaje en más de una forma considerada como “vendible” y que termina por alterar el sentido de un personaje o una historia.
Como ejemplo tenemos a lo que sucedió con el personaje de Shera (She-Ra and The Princesses of Power), que fue dessexualizado en su diseño y además resignificado para hablar entre líneas de orientación sexual y género. Estas situaciones disgustaron a gran parte de los seguidores de la serie ochentera, que reclamaban la disminución de edad que se le hizo al personaje y la tachaban de ideológica. Otro caso similar, fueron las críticas hacia Halle Bailey, actriz elegida para interpretar en la nueva versión que prepara Disney de La Sirenita, por no ser blanca como el personaje adaptado en 1989.
“Esa no es Shera” o “Esa no es Ariel”, fue en este caso, pero esta frase ha sido usada un sinfín de veces para referirse a cualquier personaje que ha sido resignificado para la actualidad. El problema con la frase “Este no es..”, es que los personajes no son personas reales, sino una construcción de comportamientos que tienen como objetivo narrar historias. Si los cambios en el personaje de Shera o la nueva Ariel, tienen la oportunidad de hablar de temas concernientes a la actualidad, de hablar a favor de los derechos humanos, entonces es más que adecuado. Por supuesto, no se limita a esto.
Si algún personaje es alterado porque simplemente se le quiso dar una connotación diferente, es igualmente válido. En resumen: Es importante ser conscientes de que la Shera de los ochenta no es la Shera actual, así como tampoco Ariel del 89 es la que está por venir, son otra oportunidad de explorar a un personaje y esto está bien.
No todo es miel sobre hojuelas. No cabe duda que el principal propósito para realizar estos cambios a una obra siempre será volverá vendible en el mercado actual, y muchas veces esta es la causa real del enojo de los seguidores. Pero también está ese otro porcentaje de seguidores que desaprueban estos cambios con el único criterio de la fidelidad en la representación la historia. La pregunta es, más allá de que el principal propósito para resignificar una obra sea explotarla, ¿qué tan importante es que la historia sea fiel a su origen? ¿Cuáles son las ventajas de que no sea así?
Permite hablar de nuevos temas
En este terreno llegó Enola Holmes, película dirigida por Harry Bradbeer y basada en las novelas escritas por Nancy Springer, que nos presenta a la hermana del afamado detective Sherlock Holmes, protagonista de las novelas policiacas de Arthur Conan Doyle. Es claro que la industria de Sherlock Holmes carga ya con un número grande de seguidores y rápidamente comenzaron las especulaciones, la mayoría en torno a la presentación de un personaje inexistente en las novelas: la hermana menor de Sherlock.
La hermana del detective Enola Holmes (Millie Bobbie Brown), se embarca en la aventura de buscar a su madre Eudora (Helena Bonham Carter), una sufragista que lucha por el voto femenino. En el camino tendrá que lidiar el mismísimo Sherlock (Henry Cavill) y su otro hermano Mycroft (Sam Claflin), además de envolverse en la desaparición de un joven marques. La película toca temas como la represión de la mujer, y convierte a la madre de Sherlock en una mujer activista por el voto femenino y a la hermana de Sherlock en una niña que fue criada para la lucha, la observación y en general, para ser una detective y una mujer independiente.
Una de las ventajas de resignificar una historia es explorarla en un sentido que permita hablar de temas necesariosy/o distintos a los que toca la obra original. En este caso, la cinta hace énfasis en cómo los hermanos Holmes, solitarios e impulsivos, son vistos por la sociedad como ingeniosos detectives, y por otro lado, sus igualmente solitarias e impulsivas hermana y madre, son vistas como un par de mujeres rebeldes y problemáticas.
Durante la cinta, vemos a Enola nadar contra la corriente de sus hermanos, quienes insisten en educarla para ser una esposa, más allá de una mujer. Aun cuando la historia se desarrolla en los 1800, este es un problema más actual de lo que parece. La obra original de Sherlock Holmes en esencia no toca temas de esta índole. Así que sí: Adaptar el retelling de Nancy Springer significa representar a las inexistentes hermana y madre de Sherlock en la obra original. Pero si ello aporta para hablar del oprimido papel de la mujer en la sociedad, más que una falla, se convierte en una oportunidad.
Permite explorar a un personaje en otras facetas
Otra de las ventajas de que cualquier historia no sea fiel a su origen es la capacidad para explorar detalles del personaje ignorados por la versión original. En Enola Holmes, se explora el lado imperfecto del detective más perfeccionista de todos los tiempos. Holmes siempre fue conocido por su pensamiento deductivo y su poco interés en asuntos generales, incluyendo problemas sistemáticos sociales. Lo general para Sherlock no era de gran importancia, los pequeños detalles sí. En este caso, la película hace énfasis en el nulo interés del personaje en temas políticos.
La historia transcurre a finales de los 90 de los 1800, aproximadamente veinte años antes de que se aprobara la ley del voto femenino a mayores de 30 años en Reino Unido, y aproximadamente treinta años antes de que se aprobara a partir de los 21. Aunque no se habla de ello directamente, sí queda claro que la madre de Enola es parte de una organización radical con pintas terroristas a favor del voto femenino, cosa de la que sus hijos, los hermanos Sherlock y Mycroft Holmes, están poco enterados y además, que no aprueban del todo. Por primera vez vemos a un Sherlock al que no se le atribuye la única verdad, sino a un personaje cuyas opiniones también son erróneas.
Por otro lado, se explora el lado vulnerable del detective. Sherlock Holmes logra hacer a un lado el importante caso del marqués perdido que se le ofrece, para buscar a su hermana menor. A diferencia de su hermano Mycroft, muestra su capacidad para poner a sus seres querido por sobre todas las cosas y a su manera, brindar afecto. Más que alterar la personalidad del personaje, veo esto como la exploración de un lado inherente al personaje, y que aun así, no fue excesivamente radical a su personalidad.
Por otra parte, permite sacar al personaje de su zona de confort. ¿Qué pasaría si Sherlock tuviese un hermano? Enfrentar a Holmes con un familiar cercano que vive a la sombra de su talento fue una decisión interesante. Una ventaja más de resignificar una historia es poner al personaje en situaciones jamás exploradas, esto al final permite que el personaje siga desarrollándose y se generen nuevas perspectivas de él. La actitud sensata de Holmes ante un hermano que se está dejando llevar por sus emociones es una faceta que humaniza todavía más al personaje. Salir de la zona de confort no solo en cuestión de narrativa, sino también técnica. Ambientar una historia con nueva o nueva tecnología, explorar diseños, colores distintos que transmitan otro tipo de sensaciones.
Enola Holmes es una película que cumplió su función: Narrar otra faceta del personaje que creó Arthur Conan Doyle. El Sherlock de Nancy Springer no es el Sherlock de Holmes, y eso es válido. Recuerden: La obra original siempre permanecerá ahí. Si uno necesita visitar a su personaje favorito siempre puede regresar, pero por lo pronto, asumamos y celebremos el poder de resignificación que tienen las historias.
¿Ustedes qué opinan, cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les pareció válida la resignificación de Enola Holmes?
Trolls World Tour, la película que pasó a la historia del debido a la pandemia que nos azotó a principios de año, por fin llega a salas mexicanas. ¡Platicamos con Belinda, Benny Ibarra y María José al respecto!
Trolls World Tour tenía planeado dar la bienvenida a la primavera en cines con una buena dosis de color, alegría y música. Sin embargo, después de que la pandemia nos azotara, se descubrió que esta cinta tenía un destino mucho más grande: ser una de las cintas que comenzarían a cambiar la manera en la que vemos el cine.
Universal decidió lanzar Trolls World Tour a través de Video on Demand en el mercado estadounidense, y rápidamente recaudó más de 100 millones de dólares, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia en servicios de pago por evento en internet. Tomando en cuenta que el estudio se llevó casí el 100% de lo que Trolls hizo en taquilla, se consideró un éxito rotundo sin precedentes.
Afortunadamente, Trolls World Tour logró llegar a cines mexicanos. Y es que gracias a sus intensos colores y una divertida historia, el director Walt Dohrn nos vuelve a llevar al reino del pop de Poppy, donde todos los trolls viven en alegría. Sin embargo, un grupo de rockeros intentarán apoderarse de todos los géneros musicales para que nunca más haya diversidad en el mundo, por lo que será tarea de nuestros icónicos amigos evitarlo.
Haciéndole honor a su filme antecesor, Trolls World Tour depende mucho de la música y de las voces de sus protagonistas, que en inglés corren a cargo de grandes artistas como Anna Kendrick, Kelly Clarkson, Justin Timberlake y Anthony Ramos. Así que para traducir esta cinta a una audiencia internacional, era justo y necesario que artistas con mucha experiencia también prestaran su voz y su experiencia para mantener el estilo y brillo característico de Trolls.
Por eso, en español Belinda interpreta a Poppy, Benny Ibarra da vida a Ramón y Maria José se une al elenco como la villana de la historia, la Reina del Rock Barb. En Fuera de Foco platicamos con ellos sobre esta historia y lo que significa para el mundo de la música y para sus fans.
La Película que cambió la historia
Si bien Trolls World Tour centra toda su historia alrededor de la música y por eso todos los actores que prestan sus voces tienen una amplia experiencia en la industria musical, es una experiencia sumamente diferente prestar su voz y actuar para dar vida a un personaje animado, y Belinda concuerda en que es un reto completamente distinto:
“Hacer doblaje sí es más complicado de lo que parece, porque obviamente el esfuerzo es mucho mayor. No es como estar en una conversación normal, cuando estás en una película tienes que tener más energía, tienes que hablar más rápido, tienes que hacer que los labios de la muñequita cuadren con lo que estás diciendo en el momento que tiene que ser.
Entonces es mucho más complicado. Darle un sentido y una emoción es difícil, ¡pero también es más divertido! Cuando ves el resultado del trabajo, del esfuerzo y ves a tu personaje en la pantalla cobrar vida, sabiendo que tú le diste tu voz y tu personalidad, no hay nada más bonito”.
Parte de la emoción de dar vida a un personaje animado, es que el actor de voz le puede impregnar ciertos aspectos de su personalidad, de manera que sea un personaje más único. Sin embargo, Benny Ibarra dijo que no se identifica en lo más mínimo con Ramón: “Él es divertido, sin duda, pero muy precavido, cosa que yo no soy. Yo actúo más por intuición, aunque a veces me meta en problemas. Él es más mesurado, un poco gruñón y amargado. Pero el cree en el amor, y de repente por eso su mundo se pone de cabeza, porque este mundo cuadrado en el que vive, es destruido por el amor”.
En su lugar, María José mencionó que ella siente un cariño muy especial por la villana de la historia. “Barb es una troll con una personalidad explosiva y muy apasionada. Aunque también es vulnerable y condescendiente, pero creo que todos tenemos un poquito de todos los trolls, algo que admiro de Bárbara es su gran valentía”.
Belinda interpreta a Poppy, el personaje principal de la historia que parece haber sido creado para ella, ya que tanto Benny como María José dijeron: “Belinda es como Poppy porque es una ternurita: es rosita, fresita y todo lo terminado en -ita. También tiene una personalidad muy brillante, le gusta el pop y es muy amiguera y amorosa. Además de que tiene mucha energía”.
Una Historia de Amor y Paz
Trolls hablar en gran medida de cómo la paz y la armonía puede ser alcanzada universalmente a través de la cooperación y el entendimiento, esa es la razón por la que se centra tanto en la música. Todos estamos de acuerdo de que el arte musical es una herramienta muy útil para acercarnos a nuevas culturas, historias y orígenes, pero María José tiene en mente una canción muy específica que podría unir al mundo entero: “La vida es mejor cantando. Creo que esa canción encierra increíble lo que trata de decir la película. Es una canción que nos marcó a todos en México y Latinoamérica, y si la música une y es cura de todo, está canción lo ejemplifica. Y la vida sí es mejor cantando”.
Una Película que Celebra las Diferencias
Los diferentes géneros musicales que presentan en Trolls World Tour parecen ser una bonita celebración a las diferencias, pues al final la moraleja de la historia es que todos, sin importar nuestras particularidades, tenemos derecho a ser felices y a vivir plenamente.
Esa es una de la magia que tienen los artistas y actores, ya que ellos justamente pueden explotar sus diferencias para inspirar a otras personas y bridar una perspectiva diferente al mundo a través de su arte. Benny Ibarra está muy consciente de su plataforma y su responsabilidad, pues al respecto opina:
“Lo importante es que la gente que te regala su tiempo, se merece verte transparente. Se merece verte ser humano. Es claro que vivimos en este mundo una realidad conflictiva, que siempre es una lucha de egos y separación. Entonces, al estar juntos en un concierto cantando una canción pasa algo muy mágico, y es que todo el mundo respira al mismo tiempo para cantar las mismas estrofas.
Para mi, la diferencia principal que tienen los artistas es que deben ser honestos. diferencia es ser un honesto. Me gusta pensar que soy un espejo muy claro para reflejar todo, mis enseñanzas, mi experiencia, mi personalidad, deseando inspirar a otros”.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Verán Trolls World Tour?
La Nueva Normalidad obligó a los cines del mundo a cambiar la manera en la que íbamos y veíamos películas en la pantalla grande. ¿Cómo ha sido la experiencia hasta ahora?
¡Hola cinéfilas y Cinéfilos! Como ya saben, los cines retomaron sus actividades después de casi medio año cerrados por la pandemia de COVID-19, y a pesar de que sigue siendo considerada una acción premeditada por parte de los gobiernos, la gente ha comenzado a asistir a los complejos de cine alrededor de todo el país y se ha vuelto una experiencia completamente diferente con la nueva normalidad.
Cinépolis y Cinemex han hecho mucho énfasis en cómo ellos han adaptado todas las medidas necesarias para que todos sus asistentes y colaboradores se encuentren seguros en este regreso a una de las actividades favoritas de muchos de nosotros. ¿Pero qué tan efectivos son?
Espacios sanitizados y nuevo sistema.
El asistir ahora a algún cine es diferente desde el momento en que pones un pie dentro de la instalación, ya que los espacios han sido modificados a manera de seguir los estrictos protocolos de higiene que solicita el gobierno. Previo al ingreso al complejo cinematográfico, se le revisa al comensal la temperatura con termómetro de infrarrojos, se limpia el calzado con tapete sanitizante en la entrada del cine y se proporciona gel antibacterial siempre que se necesite.
Para esto, el personal completo utiliza cubrebocas, careta y el uniforme que portan es utilizado únicamente en el área de trabajo. Además de que se implementaron circuitos para el ingreso al cine, a salas, dulcería, cafetería y baños. Un sistema que llevado a cabo conforme marca la regla, es una gran estrategia para evitar la mínima posibilidad de contagio del virus.
Entrada a complejo de Cinépolis (El cine en la nueva realidad)
Servicio y atención al cliente.
Dentro de este sistema, Cinépolis, mediante un vídeo que ha circulado por redes sociales, exhorta a sus clientes a comprar sus boletos mediante la aplicación de la empresa o por medio de la página de internet y así evitar el intercambio de efectivo o boletos físicos al momento de ingresar a una sala.
Por otro lado, el servicio de dulcería es una de las secciones que busca cuidar mucho más la higiene al momento de preparar y entregar los alimentos en la barra de venta. Un sistema de sanitización constante que tras cada venta pone en duda su funcionamiento debido a las filas y aglomeraciones que se crean mientras el comensal espera su orden.
Dulcería de Cinépolis (El cine en la nueva realidad)
Nuevo sistema Para Entrar a las Salas
El ingreso a las salas es algo completamente nuevo, ya que en cines convencionales, estamos muy acostumbrados a presentar los boletos con un miembro del personal que verifica nuestra entrada y entramos a la sala que corresponde. Pero con los cambios que han surgido con respecto al servicio, se beneficia a aquellos que compren en línea con la verificación QR en la entrada al área de dulcería para posteriormente entrar directamente a su sala sin la necesidad de una segunda verificación. Una pequeña ventaja sobre el sistema anterior que te detenía un par de minutos en el punto de chequeo.
Nueva Normalidad: Nuevas Alternativas
Si bien estas medidas parecen funcionales, algunos expertos aseguran que las salas de cine son los lugares donde se pueden producir un mayor número de cadenas de contagio, por lo que mucha gente todavía no se siente segura de asistir a los complejos. Por lo mismo, se ha puesto más atención en otro tipo de opciones de entretenimiento, como los son los autocinemas. ¿Quién dijo que no se podía disfrutar de una película desde un espacio con el que convives todos los días como lo es tu auto?
Estos atractivos complejos son perfectos para ir en pareja, en familia o con amigos, ya que con un solo boleto pueden ingresar hasta 4 personas por vehículo. Con un estilo retro, una pantalla de más de 100m2 de alta definición, el audio transmitiendo desde una estación de radio emanando de tu propio auto, la mejor comida y, sobre todo, espacios seguros y libres de virus en cada momento harán que tu visita a un autocinema sea una experiencia increíble.
Si bien este tipo de complejos ya existían en la ciudad de México gracias a proyecto como el Autocinema Coyote y el Autocinema Platino Cinemex, en el interior de la república se puede ver que ya comenzaron a aprovechar este formato.
Por eso, durante la pandemia Querétario vio nacer a Cinema Wolf, autocinema que, como dicen ellos, llegó para quedarse. Es una excelente opción para vivir esta experiencia de la mejor y más divertida manera. Puedes revivir la magia del cine con películas amadas por el público acompañando tu estadía con las palomitas más deliciosas, unos exquisitos nachos y una amplia variedad de foodtrucks como Takari Sushi, Eleven Anclas, Tacos El Garcita y hasta las donas más extravagantes de Habemus Donuts. Sin duda, Wolf es un gran exponente de cómo podemos ver películas sin estar expuestos a virus de ninguna forma.
El nuevo sistema ¿afectó o mejoró la experiencia?
Salas de cine (El cine en la nueva realidad)
No cabe duda que el COVID-19 llegó para cambiar muchas de las cosas como las conocíamos, pero desde el punto de vista de un cinéfilo que disfruta de la experiencia de las salas de cine, mejoró en muchos aspectos pero afectó algunos otros.
El hecho de asistir a estos lugares y disfrutar de una buena película no se vio afectado, incluso la atención por parte del personal mejora la experiencia y uno se logra sentir en un segundo hogar caracetrizado por la limpieza y protección para disfrutar de un gran filme.
Sin embargo, el convivir con un grupo de amigos, sentarte a disfrutar de un café antes o después de una función, tener a mucha gente acompañándote en la sala y sentir las emociones que genera la película reflejadas en la gente, cambió por completo. Si bien es relajante sentarse en compañía de un amigo, sin tener personas alrededor, el hecho de ver las salas de cine y el complejo en general tan vacío o tan falto de emoción podría hacerte sentir que no estás tan cómodo como antes.
Pero no todo es negativo, ya que, como se mencionaba previamente, esto puede ser una experiencia totalmente nueva y agradable que incluso podría ser preferible para mucha gente en este nuevo formato de experiencias en el cine.
El cine en la nueva normalidad nos ha alcanzado, y puede que a muchos no les agrade, pero afrontamos cambios en todas las actividades fuera de casa y el cine es una de las principales cosas que ha cambiado. Para bien de nuestra salud y puede que quizá para mal de la experiencia, el cine tiene un nuevo formato y quizá sigamos adaptándolo por mucho tiempo más.
¿Tú qué opinas, Cinéfila y Cinéfilo? ¿Ya están listos para regresar al cine en la Nueva Normalidad?
El término “bizarro” muchas veces es mal empleado para describir algo en extremo raro. Sin embargo, se ha popularizado tanto la palabra que lo aplicaremos para describir la superficie de lo que es Dorohedoro, anime disponible en Netflix.
A mi parecer, una de las razones por las que Dorohedoro ha destacado tanto este año es por tener una propuesta estética fabulosa, detallista, artística y con toques modernos que vibran bien a lo que debe dictar la modernidad.
La trama está cargada con humor negro, un poco de gore, violencia, acción, oscuridad y personajes bastante complejos. Eso sí, es una serie que sabe que tiene un hilo argumental a veces más enredado de lo que debería, aunque parece que esa es la idea: confundir y no tomarse a sí mismo demasiado en serio. Se trata más de la experiencia del viaje que comprender absolutamente todo lo que ahí encontramos.
¿De qué trata?
Desde el momento en el que uno pone los ojos en el póster o el tráiler de Dorohedoro, es evidente quién es su personaje principal: Caimán, un hombre con cabeza de lagarto que está en una ciudad muy peculiar, llamada The Hole.
Ahí es donde reside este sujeto que en realidad no recuerda quién es, pues un hechicero lo transformó en lo que es ahora. Y sí, eso es un punto fundamental en este anime, está lleno de hechiceros, capaces de controlar una especie de polvo negro, o más bien humo, que emana de alguna parte de su cuerpo.
No todos los hechiceros tienen los mismos poderes; algunos pueden curar personas, otros pueden ser divididos en pedacitos y no fallecer y otros pueden transformar absolutamente todo en un hongo (que haya tanta presencia de hongos en este anime me parece una pista de por qué Dorohedoro es tan psicodélico).
El punto es que Caimán, junto a Nikaido, su compañera, buscan al hechicero que lo transformó, por ello cada vez que encuentran a uno en The Hole lo que hace es abrir su gran boca y tratar de comerse la cabeza de su víctima, para que la persona que habita dentro de Caimán pueda ver si es o no el hechicero que lo transformó.
Una vez que Caimán retira su boca a la persona, hace siempre la misma pregunta “¿Que dijo el hombre de dentro de mi cabeza?”… ¿Bastante raro, no?.
Más capas de lo que parece
En esta búsqueda del responsable de que ahora tenga cabeza de reptil es que el anime vamos conociendo más personajes y más explicaciones de qué tipo de mundo es, ya que The Hole es una zona semi-abandonada. Pero es importante destacar que este es un mundo donde mandan los hechiceros, pues los humanos comunes y corrientes son vistos como conejillos de india.
Y en este mundo de hechiceros, que a la vez están medio controlados por unos demonios alados, se encuentra En, quien se podría decir que es el villano de la historia. Es un jefe corporativo de una empresa que vende productos a base de hongos. (¿Ven? Los hongos están en todas partes
Además, En tiene su propio grupo de mafiosos, matones fieles como lo son Noi y Shin (¡personajazos!), y Fujita y Ebisu, otros grandes elementos que suman muchísimo a la dinámica de este anime tan especial.
Sin duda que Dorohedoro, a medida que avanzan los episodios se va poniendo mejor, con una historia de misterio casi detectivesca que va agregando puntos a buen ritmo, pero igual con esos espacios para el humor negro y el absurdo que definitivamente ponen a prueba toda la creatividad y locuras que alguien puede situar en un mundo lleno de hechiceros, semi-humanos y perros que reviven gente.
Veredicto
La versión anime de este manga del 2000 fue lanzada en 2020 y rápidamente llegó a Netflix, lo cual es de agradecer. Cuenta de 12 episodios y aparentemente hay seis OVA’s (que espero también suba Netflix).
Si te gusta el anime que te haga explorar el talento japonés cuando tiene creatividad pura y libre, y si disfrutas el humor negro cruel y directo, Dorohedoro realmente es para que ya te lo pongas a maratonear.
