The Good Place: ¿Revolucionó las sitcoms?

The Good Place, serie creada por Michael Schur, llega a su fin posicionándose como una de las mejores sitcoms de nuestros tiempos.

Recién salido de Parks & Recreation, Michael Schur decidió crear una serie que tratara sobre la filosofía moral, utilizando todos los elementos que conocemos de las sitcoms y representándolas desde otra perspectiva para crear personajes completamente nuevos, en una historia sumamente diferente a la que estamos acostumbrados a ver.

Por más extraño que pareciera el concepto, The Good Place logró bastante éxito, alcanzando 6 nominaciones a los Emmy y potenciando la fama de grandes talentos como Jameela Jamil, D’Arcy Carden y Willam Jackson Harper.

The Good Place acaba de terminar su última temporada con una nota muy alta. Pero, ¿Por qué es tan exitosa? ¿Por qué tanto furor? ¿Michael Schur de verdad podría estar revolucionando el género de las sitcoms?

The Good Place - Michael Schur

La Comedia de Michael Schur

Michael Schur ha creado tres series muy diferentes entre sí, pues además de Parks & Rec y The Good Place, él también es responsable de Brooklyn Nine-Nine. Y aunque todas y cada una de ellas tienen una temática diferente, el estilo de comedia de Schur está sumamente impregnado, y eso es lo que las ha convertido en éxitos rotundos.

Su comedia no se basa en las desgracias de los protagonistas, no tiene pastelazos sencillos, ni humillaciones. La comedia de Michael Schur se basa enteramente en el absurdo y, muchas veces, incluso es un vehículo para que veamos el desarrollo de sus personajes.

Eso es justamente lo que hizo tan interesante a The Good Place. Ya que, tomando como punto central la filosofía moral, tuvo rienda suelta para explorar los clichés más presentes en las sitcoms que todos amamos.

Su idea fue revolucionaria porque no intenta justificar a sus protagonistas, no trata de romantizarlos ni idealizarlos. Eleanor, Chidi, Tahani y Jason son personajes con un montón de defectos que en cualquier otra serie serían la fuente de grandes risas y carisma. Pero Michael Schur se encarga de repetirnos que, a pesar de sus buenas intenciones y su extravagancia, dañaron a muchas personas, se equivocaron, y eso tuvo consecuencias.

La comedia de The Good Place siempre estuvo basada, hasta cierto punto, en un comentario sobre lo que nos parece aceptable y encantador en otras series.

The Good Place - Sitcoms

Una historia Impredecible

Además, Schur sabe complementar sus historias con increíbles secuencias y plot twists, y en The Good Places, esos abundan. Jugar con la idea de un “más allá”, de un “cielo” y un “infierno” era una tarea difícil, y lo más sencillo habría sido contar una historia lineal, desdibujando las nociones de tiempo e incluso dejar la historia seguir situándola en el plano astral.

Pero lo que decidió hacer Schur fue experimentar en cada temporada. De manera que los retos fueran cada vez más grandes, las problemáticas fueran más complejas, y pudiera explorar nuevos conceptos de la filosofía moral.

Por eso, la primera temporada tiene tal vez el mejor plot twist que hemos visto en mucho tiempo, donde nos enteramos que efectivamente, ninguno de los protagonistas podría haberse ganado un lugar en el cielo.

La segunda temporada toca el tema de la monotonía y lo aburrido que se vuelve luchar por ser mejor cuando el tiempo y el espacio no tienen sentido. Y las temporadas 3 y 4 se esmeran en entender cómo nosotros, los seres humanos, tenemos mil oportunidades para crecer y cambiar.

Conforme avanza la serie, las sorpresas y el dinamismo disminuyen, pero se compensa con el gran desarrollo que les dan a sus personajes.

Además, conforme avanza la trama se vuelve más fuerte la crítica a un sistema de creencias que nos obliga a pensar todo en términos de “blancos o negros”. Para Michael Schur y The Good Place, no se puede hablar solamente de “maldad” o “bondad”, ni de “castigos” y “premios”. La moral, la moralidad, y el ser una buena persona es un proceso, que debe seguirse poco a poco.

The Good Place

El Humanismo de The Good Place

Hacer una serie así pudo haber sido sumamente aburrida y sermoneadora. Una crítica sutil a uno de los géneros más amados de la televisión, mezclado con teorías y conceptos filosóficos reales, es a todas luces una idea súper arriesgada que pudo ser horriblemente aburrida. Pero, gracias a sus personajes, The Good Place se convirtió en algo completamente nuevo.   

Esta mezcla de clichés con ideas completamente nuevas la podemos ver en la pareja protagonista: Eleanor (Kristen Bell) y Chidi (Willam Jackson Harper). Una, egoísta y descuidada pero carismática y de buen corazón; el otro, inseguro, indeciso, pero dispuesto a ayudar. La pareja pudo ser sencillamente un caso de “los opuestos se atraen” como hemos visto miles de veces, pero Michael Schur quería demostrar con ellos el poder de juntarse con las personas correctas y de aprender lo que uno pueda de la gente que amamos a nuestro alrededor.

The Good Place

Un caso parecido sucede con Tahani (Jameela Jamil) y Jason (Manny Jacinto). Tahani, rica, poderosa, egocéntrica. Jason, un tipo que nunca entiende lo que está pasando. A todas luces, se miran como personajes que no pueden cambiar, que nunca van a tener un desarrollo importante, y que sólo están ahí para divertirnos con sus peculiaridades. Y aún así, para el final de la serie, ellos también crecieron y tomaron la mejor decisión para vivir en paz en el más allá.

Vaya, incluso Michael (interpretado por el icónico Ted Danson), quien es un demonio encargado de hacer sufrir a las almas de los mortales, crece. Reconoce que hay algo mal en el sistema, y busca cambiarlo.

The Good Place

Un Clásico Instantáneo

La magia de The Good Place está en que hay una exploración de sus personajes muy profunda, en donde Michael Schur los dejó crecer, equivocarse, y retomar el camino. Porque al final, detrás de toda la teoría y filosofía que nos presentó a través de la serie, la idea primordial es que todos podemos convertirnos en mejores personas.

The Good Place nos deja una serie innovadora y diferente, que seguramente podremos revivir una y otra vez y siempre encontraremos algo nuevo. Sin duda, es una serie épica que, poco a poco, marcará un antes y un después en el género de las sitcoms estadounidenses, pues es la primera que nos dice que el cambio es bueno, y todos podemos hacerlo.

Citando al Capitán Holt, de Brooklyn Nine-Nine: “la vida es impredecible. No podemos tener el control de todo. Pero mientras estemos con las personas correctas, podemos solucionar lo que sea”.

The Good Place- 6
¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Qué les pareció The Good Place? ¿Creen que puede cambiar la sitcoms para siempre?

La Hora De Tu Muerte y el Horror de la Tecnología

Este 31 de enero llega a pantallas La Hora De Tu Muerte (Countdown), película dirigida por Julian Dec que presenta otra historia sobre el miedo a la tecnología.

Countdown da pie a cuestionarnos ¿qué es lo que a las multitudes les gusta tanto del género de terror? ¿morbo, falta de empatía, curiosidad? ¿Por qué cada vez más la tecnología es la protagonista de estas cintas?

¿La Hora de tu Muerte logra transmitir ese sentimiento de amor/odio y terror hacia los aparatos tecnológicos? ¿Por qué es que se ha incrustado en la sociedad el temor a que la tecnología nos domine?

La Hora de Tu Muerte-Countdown

¿Qué es lo que nos gusta de las películas de terror?  

Existen muchas razones por las que decidimos ver cine de terror. Muchas veces, es porque queremos entender los propios miedos que trae consigo el ser humano. El miedo es uno de nuestros instintos más básicos, destinados a protegernos de todas esas cosas que podrían causarnos daño.

Es así como cada generación va construyendo sus propios miedos, viéndose inmerso en su realidad de acuerdo a su contexto social. Por eso, en una época en la que es difícil imaginar un mundo sin tecnología, es natural que veamos películas y series que representen nuestra ansiedad alrededor de ella.

Tal es el caso de éxito que han tenido series como “Black Mirror que, a pesar de no ser terror per se, ocasiona miedo y curiosidad por continuar viendo. Nos deja ver el mal uso y el abuso que se le dan a las nuevas tecnologías, y los personajes y conflictos resultan tan reales, que podemos proyectarnos en ella.

Así como existen los miedos en los que nos proyectamos, otro punto es la tensión que construyen estas historias, resulta tan adictiva que, al llegar a la cumbre del final, y al estar tan predispuestos a un fatídico desenlace cuándo no ocurre esto, lo disfrutamos.

La Hora de Tu Muerte-Countdown-Black Mirror

La Narrativa del terror

La ambientación en las películas de terror, la imagen, el sonido, o el contexto en sí mismo, son aspectos igual de importantes que el argumento y los personajes, pues con eso provocan predispone la activación fisiológicas para las reacciones.

Hay muchas películas que pueden ser predecibles, en el ámbito del terror esto disminuye, pues dentro de todas esas posibilidades, la incertidumbre hace que queramos seguir teniendo más de ese “algo”. Este género es adictivo porque ofrece grandes sensaciones: brincos en el asiento, sudor en las manos, expectativa y sorpresas.

La Hora de Tu Muerte-Countdown-Black Mirror

La Hora de tu Muerte: ¿Logra transmitir miedo?

Countdown relata una historia sobre una aplicación de celular que al descargarla te dice exactamente la hora de tu muerte. 

Todo comienza en una fiesta con un grupo de amigos que descubren una app, que cuenta los años, días, horas, minutos y segundos faltantes para que el fatídico momento llegue. Todo queda entre bromas y risas hasta que las cosas comienzan a tornarse de manera extraña con una primera víctima.

Quinn Harris, enfermera (Elizabeth Lail, protagonista de la serie YOU), será la que se dará cuenta de estas coincidencias, cuando en el hospital para el que ella trabaja conozca a la segunda víctima de esta aplicación.

Quinn, por lo tanto, será quien emprenda una carrera contra el reloj del tiempo que le queda vida para sobrevivir y proteger a su hermana menor, que también ha entrado en este juego macabro.

La Hora de Tu Muerte-Countdown-Black Mirror

El Gran Problema de Countdown

La aplicación no tiene desarrollo, poco podemos saber de su historia o de sus “términos y condiciones de uso”, que es lo que podría darnos más adelante un punto de misterio, mismo que no ocurre.

Golpes de sonido estruendosos y predecibles y diálogos que hacen reír al público sin querer, hacen de esta cinta un ejemplo de “Todo lo que no se debe hacer en una película de terror”.

Además, de pronto presentan algunos personajes y situaciones sacados de un mal chiste de Scary Movie.

No hay aporte que esta película le haga al género. Las cintas con temáticas parecidas que se pueden encontrar en otras plataformas de streaming logran ser mucho más eficientes.

La Hora de Tu Muerte-Countdown-Black Mirror

En Conclusión: ¿Funciona? No, no funciona.

Countdown resulta un tanto confusa, pues a pesar de que las grandes industrias ya saben lo que puede resultar gustoso al espectador, siguen con fórmulas que las personas simplemente no aceptan y no generan nada más.

La tecnología puede ser un punto importante ahora que somos completamente dependientes de ella, pero para que de verdad nos generen sentimientos este tipo de películas, se necesita entender mejor el contexto social en el que está.

Es más interesante ver cómo se relaciona la tecnología con otros problemas, como las enfermedades mentales, la vida fugaz basada en la inmediatez o los problemas socio-culturales, cosas que podrían brindar mayor profundidad a este tipo de historias.

Aquí te compartimos un link de Las mejores diez películas de terror de la década, qué si han funcionado y gustado al espectador.

Doctor Sueño y el aterrador corte de director

El corte de director de la película Doctor Sueño ofrece una fórmula de terror e intriga que funciona por la apasionada visión de Mike Flanagan.

Sobre un largometraje de tres horas percibidas con ligereza, gracias a la serie de inquietantes secuencias que mantienen al espectador al filo de su asiento sobre lo que sucederá a continuación.

Doctor Sueño Corte del Director - Danny Torrance

Doctor Sueño es un proyecto que por momentos extraña el sello del legendario director Stanley Kubrick, sin embargo, la originalidad con que se ve adaptada la historia del escritor Stephen King, y en el corte del director, Mike Flanagan nos obliga a no prestar demasiada atención a ese factor, y recibir con brazos abiertos la propuesta. 


Después de El Resplandor

La historia de Doctor Sueño sucede cuarenta años después de lo acontecido en el aterrador hotel Overlook, en donde el protagonista Danny Torrance, un niño con poderes psíquicos, sufrió un trauma al casi ser asesinado junto a su madre a manos de su propio padre. 

Danny Torrance, ahora como un adulto, carga con los fantasmas de su pasado, que con el pasar de los años ha ido encerrando en cajas mentales, fingiendo que los olvidó, o que aquellos hechos jamás sucedieron.

Doctor Sueño Corte del Director - Danny Torrance

En medio de sus problemas de alcoholismo por reprimir su poder, y deseos de comenzar de cero, conoce a Abra, una niña con sus mismos poderes que es perseguida por un culto vampiro de psíquicos, que aspiran a la inmortalidad mediante el consumo de otras personas con esos mismos poderes. 

Doctor Sueño Corte del Director - Danny Torrance

El pasado que ignoramos

El guión de Doctor Sueño, más allá del mundo sobrenatural que ofrece, expone un aspecto por el cual la mayoría, o todas las personas hemos pasado. Un momento clave de nuestras vidas en el cual todo cambió para siempre, sea tanto positiva como negativamente. 

Doctor Sueño Corte del Director - Danny Torrance

Así como Danny Torrance no fue el mismo desde el momento en que ingresó a ese lejano y frío hotel en las montañas del estado de  Colorado, el espectador no fue el mismo desde alguna experiencia, que con el transcurso de los años consciente o inconscientemente, le forjó la personalidad con la que actualmente interactúa con la sociedad.

Del mismo modo, Doctor Sueño habla de cómo enfrentar esos problemas que acarreamos del pasado para llegar a una liberación, que se ve postergada por negligencia psicológica a través de conductas autodestructivas como lo es el alcoholismo de Danny Torrance, y también su conducta asocial con ligeros tintes aproximados a lo antisocial.


Adaptación hacia la pantalla grande

El reto mayor de toda obra cinematográfica que toma como punto una adaptación literaria, es el explicar la totalidad de la historia en el menor tiempo posible, sin dejar fuera los detalles más relevantes.

Tratándose de una obra del genio del terror Stephen King, siempre hay cierta incertidumbre por cómo se manejará una adaptación, pues sus historias tienden a ser bastante extensas. Por ejemplo su libro Eso, está conformado por 1504 páginas en su versión en español. El Resplandor tiene 599, y la secuela directa de éste tiene 601. Tal detalle las convierte en películas poco prácticas si se llevarán al cine tal cual, pues una página de guión, es alrededor de un minuto de película.

No obstante, el corte del director Mike Flanagan, genialmente carece de vacíos argumentales. Además, posee un ritmo que ni apresura, ni adentra en un lento y pesado viaje de explicaciones, recuerdos o poderes. Por lo tanto hacia el final el espectador se lleva un sentimiento de satisfacción bastante orgánico por el bien decidido orden de presentación de elementos.

Doctor Sueño Corte del Director - Danny Torrance

Por otro lado también está el cumplir con las expectativas de esencia que ofrecen las páginas de un libro. Sobre todo si se trata de una premisa que aborda lo sobrenatural y el terror, y que en este caso, hay un antecedente trazado por el mencionado Stanley Kubrick. Que en su momento es referenciado y honorado en las escenas que tienden al recuerdo y a la acción en el hotel Overlook y los acontecimientos posteriores a éste.

Al final de todo, ésta versión de Doctor Sueño te arrastra hacia un terrorífico viaje de traumas psicológicos y poderes psíquicos que te arrinconan en tu asiento sin posibilidad de salida. 


El Corte del Director de Doctor Sueño se encuentra exclusivamente en servicios de streaming, video on demand, y DVD o Blu-Ray. No desaproveches la oportunidad de sudar por tres horas seguidas, al filo de cada momento asfixiante de la trama.


Saint Seiya T2: ¿Netflix corrigió el rumbo?

Hace algunos meses, Netflix nos regaló la primera temporada de una nueva versión de Saint Seiya, o como lo conocemos en América Latina: Los Caballeros del Zodiaco. Uno de los anime más afamados de la historia.

Saint Seiya- Los Caballeros del Zodiaco

Un mal comienzo para Saint Seiya

Desde el anuncio de este proyecto, las expectativas de los fans fueron altas. desafortunadamente, una vez que la temporada se estrenó, estas quedaron muy en el suelo.

El producto final fue duramente criticado. El cambio de sexo de Shun de Andromeda, el doblaje, la historia, fueron los puntos más atacados de esta nueva versión a cargo de Netflix, que no sólo quedó mucho a deber, sino que muchos sintieron que esta serie fue totalmente innecesaria y que no aportaba nada a la franquicia de Los Caballeros del Zodiaco.

Parece que la decepción fue tanta, que las expectativas en esta segunda temporada fueron inexistentes. Apenas hubieron menciones en redes sociales, y los tráilers lanzados no provocaron mucho impacto.

La verdad, la primera temporada fue desastrosa, Pero ¿finalmente pudieron corregir los errores de la primera temporada y darnos algo mucho mejor?

Desafortunadamente, el cosmos no se está elevando en esta nueva temporada de Saint Seiya, y es que están repitiendo los mismos errores del pasado.

Saint Seiya- Los Caballeros del Zodiaco

Una Pésima Construcción de Personajes

Está bien que los fans más antiguos llevan años conociendo a los protagonistas, saben y ubican a la perfección las formas de ser de cada uno de Los Caballeros del Zodiaco. Pero, para aquellos tal vez estén acercándose a la historia por primera vez, van a tener un serio problema, porque los personajes no tienen ningún tipo de tratamiento ni evolución. De hecho, todos los personajes son bastante planos.

Las libertades creativas

En la temporada anterior, se tomaron muchas libertades. Los cambios en la historia fueron bastantes, y había varios de los que se pudo sacar mucho provecho, toda la trama alrededor del personaje de Vander Graad que, en la primera temporada, fue una de las que más prometía fue relegada a un papel casi de relleno. Si bien ya se le dio conclusión a este arco no deja de sentirse que se pudo haber hecho más.

La fugaz acción

Uno de los mayores atractivos que tienen los Caballeros del Zodiaco son los combates. Tanto la serie original como los spin-offs nos han entregado enfrentamientos memorables, desafortunadamente, lo condensado de la historia castiga este aspecto, los combates son rápidos y poco espectaculares, sobre todo considerando que al tener la ventaja del CGI se pudo aprovechar mucho más.

Saint Seiya- Los Caballeros del Zodiaco
Saint Seiya es una de las series de anime más queridas en latino américa.

No todo es malo

Saint Seiya sigue siendo visualmente sobresaliente, tiene mucho cuidado en algunos detalles, pero, al final, lo visual no es suficiente para sustentar la historia. Incluso los guiños al manga original están ahí, pero tampoco son suficientes para cambiar lo insípido de esta versión.

En conclusión

Tristemente, la segunda temporada de Saint Seiya tampoco alcanza el séptimo sentido. Aunque sí me parece que hay una notable mejoría con respecto a la anterior, es obvio que la serie está apuntando a dar algo grande en el futuro, sobre todo considerando que la tercera temporada va a entrar en la etapa mas interesante de la historia: las 12 casas.

Saint Seiya- Los Caballeros del Zodiaco

Me parece que esta temporada está mejor ejecutada que la anterior, pero no por eso la calidad mejoró. Se quitaron los momentos innecesarios de comedia, incluso hay un ligero avance en el doblaje, el cual también fue duramente criticado.

Aún no sabemos si Saint Seiya seguirá o si se unirá a la lista de series que se quedarán inconclusas.

Saint Seiya- Los Caballeros del Zodiaco
¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿ustedes sí pudieron sentir el poder del cosmos tras ver la nueva temporada de Saint Seiya?

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5 Datos Curiosos de Jojo Rabbit

¡Jojo Rabbit se acaba de estrenar en cines! Una cinta diferente que te hace ver todo a través de los ojos de un niño cegado por la propaganda nazi que lo rodea. Una premisa tan compleja debe tener muchas curiosidades detrás de su realización, y por eso, aquí les tenemos un listado con lo datos más curiosos de Jojo Rabbit.

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Antes de pasar al listado de curiosidades de Jojo Rabbit, comencemos hablando de la trama de esta cinta:

<< Jojo Betzler (Roman Griffin Davis) es un solitario chico alemán que pertenece a las juventudes hitlerianas. Su mundo se pondrá patas arriba cuando descubre que su madre, Rosie (Scarlett Johansson), una mujer soltera, está escondiendo a Elsa (Thomasin McKenzie), una joven judía, en su propia casa. Ayudado por su amigo imaginario, Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda. >>

Ahora que ya sabemos de qué va esta sátira llamada Jojo Rabbit, vayamos con sus datos curiosos.

Adaptación de libro

Esta película es una adaptación libre de la novela de ficción histórica titulada Caging Skies (El cielo enjaulado) de la autora belga y neozelandesa Christine Leunens.

Este libro se sitúa en un pueblo alemán ficticio a finales de la segunda guerra mundial. Ahí, seguiremos las aventuras de Jojo Betzler y las peripecias que tendrá que hacer para poder sobrevivir en un mundo tan caótico.

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Taika Waititi y su obsesión con la SGM

Taita Waititi es el director de esta película y también participa como actor al darle vida al amigo imaginario de Jojo: Hitler. Muchos se han preguntado por qué Waititi decidió empezar un proyecto cinematográfico como este, a lo que él respondió:

“Mi abuelo peleó contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial y siempre me ha fascinado esa época y esos eventos. Cuando mi madre me habló acerca del libro Caging Skies, de la autora Christine Leunen, me atrajo el hecho de que era contado a través de la mirada de un niño alemán adoctrinado por adultos a odiar”

Por ello, Waititi afirma que esta cinta es de vital importancia para intentar comprender lo que pasaba por la mente de los más pequeños durante aquellos duros momentos de la segunda guerra mundial.

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¿Cómo encontraron al Jojo Perfecto?

Waititi comentó en varias entrevistas que la adaptación del libro a guión de cine fue el proceso más sencillo. Sin embargo, lo que más trabajo llevó fue encontrar a un niño perfecto para que pudiera personificar al protagonista Jojo y que pudiera llevar la película sobre sus hombros.

Por ello, él, junto con su equipo de casting, vieron más de 1000 cintas de audiciones de niños de Nueva Zelanda, Australia, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá y Alemania. Sin embargo, cuando conocieron a Roman Griffin se dieron cuenta que habían encontrado al Jojo perfecto para este proyecto.

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¡México Presente en Jojo Rabbit!

Mayes C. Rubeo es la diseñadora de vestuario de esta cinta. Ella es mexicana y, con este proyecto, debuta en los Premios de la Academia. En una entrevista, ella comentó que “La clave para las imágenes era que todo en la película se viera desde el punto de vista de un completo inocente”. Además, es importante mencionar que ella ya había trabajado junto a Waititi en Thor: Ragnarok.

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  • Escenarios reutilizados

Gran parte de esta película fue filmada en República Checa, Específicamente en las afueras de Praga. Esto debido a que se utilizaron algunas instalaciones que ya habían sido usadas en la vida real por el partido nazi para hacer películas de propaganda. Por ello, la película tiene una gran vibra a la época de la Segunda Guerra Mundial.

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¡Estos han sido algunos datos curiosos de Jojo Rabbit! Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos, ¿conocen algún otro? ¿Qué les pareció la película?

Cindy La Regia: ¿Al rescate de la comedia mexicana?

Cindy La Regia resultó una grata sorpresa llena de diversión, que podrás disfrutar y recomendar sin remordimiento.

Después de 10 años de que dió inicio el interés por parte de la directora Catalina Aguilar Mastretta (Todos Queremos a Alguien) y el director Santiago Limón (Hasta que la Boda nos Separe), en adaptar este personaje creado por Ricardo Cucamonga en sus destacadas tiras cómicas de Cindy La Regia, y luego de un exhaustivo casting para encontrar a la actriz protagonista, por fin llega a la pantalla grande esta versión que conserva toda la esencia característica de las historietas.

Mucho se esperaba que esta cinta iniciaría una especie de UCM (si, un Universo Cinematográfico Mexicano), ya que al final de los créditos de la película Mirreyes vs Godínez (2019), al estilo Marvel, se muestra una escena donde Santi Kuri (Pablo Lyle) recibe una invitación al cumpleaños de una tal «Cindy La Regia». Sin embargo, no pasó a más y la conexión entre ambas producciones quedó en aquellas imágenes post créditos.

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Una trama sencilla, pero atrapante

Cindy (Cassandra Sánchez Navarro) es la niña más fresa de San Pedro Garza García, la zona más «nice» de Monterrey. Toda su vida parece perfecta tras vivir entre tantos lujos… hasta que durante una fiesta, su novio le propone matrimonio y ella lo rechaza, pasando por un momento tan vergonzoso que la orilla a escapar hacia la Ciudad de México. Cuando llega al caos de la capital mexicana, Cindy se encontrará con una nueva aventura marcada por la amistad, la familia, una comedia increíble y sobre todo cosas inesperadas que le enseñaran que hay cientos de posibilidades para vivir.


Personajes con un sello propio

Hace mucho que el cine comercial mexicano no nos regalaba personajes como los que encontramos en «Cindy La Regia», cada uno desarrolla una personalidad tan propia y natural, que permite identificarte con alguno de ellos. Por supuesto que ninguno llega a ser chocante, absurdo, innecesario o se encuentra fuera de contexto. Los momentos en que la trama los necesita es cuando se hacen presentes y agregan ese plus, ya sea de ironía, seriedad e incluso reflexión.  


Los mismos «clichés» de siempre, pero…

No es novedad que la protagonista sea una niña fresa, lo hemos visto cientos de veces; como también es recurrente que conviva con godínez, conozca hipsters o claro, se ligue a algún galán mirrey, entre otros muchos personajes básicos que encontramos actualmente en la pantalla grande. Sin embargo, en esta cinta estos personajes son una gran virtud, no quedan planos ni estereotipados por completo, sino que Cindy los lleva a explorar más allá de lo que son capaces de hacer y de ser. Además, cada uno aporta una enseñanza para Cindy, convirtiéndolos en parte fundamental de la historia y no manteniéndolos sólo como un simple relleno.


Hay que aprender a reír de nosotros mismos

De igual forma pasa con la comedia, es extremadamente frecuente que las producciones mexicanas recurran a los típicos albures, las mentadas de madre o los chistes muy, muy, MUUUUUUY absurdos; pero acá podemos encontrar una sátira a las posiciones sociales, los estereotipos, la sociedad tanto regia como capitalina y un sin fin de temas en los que se sabe respetar un límite. Todo esto con bromas tan sencillas que harán reír hasta al más exigente en el género, la magia está en que quizá recuerdes a algún amigo de provincia que ha visitado la capital o quizá ese amigo hayas sido tú.

El punto es aprender a reír de lo absurdo que puede llegar a ser la vida


La Inclusión y diversidad están presentes

Desde hace algunos años el cine ha dado prioridad a tratar temas de relevancia social en la actualidad, y Cindy La Regia no ha sido la excepción. Con personajes veganos, presencia LGBT, feminismo y la discriminación en sus múltiples manifestaciones, esta cinta procura de manera discreta inculcar los valores necesarios para el respeto hacia todos por igual. Busca además eliminar falsas imágenes que la misma sociedad se ha encargado de inventar sobre estos sectores de la población y lo hace sin la necesidad de exagerar en sus personalidades ni forzandolos a destacar como algo muy correcto o incorrecto.


Busca ser tú mismo, busca ser libre

Sin duda, el mensaje más importante de esta historia es el de libertad, destacando sobretodo en el género femenino, por la naturaleza de la protagonista. La forma en que Cindy rompe las barreras de la esfera en que se mantenía encerrada en Monterrey, para darse la oportunidad de aprender cosas nuevas y experimentar actividades que no había hecho nunca en su vida, es parte fundamental para el desarrollo de su capacidad de elegir lo que quiere, y no, en su vida. Además de descubrir lo que de verdad la hace feliz.

Esta parte sin duda genera al final de la película un interesante debate sobre si habrá tomado la decisión correcta o no.


Con avances poco convincentes, una popularidad del personaje que se remite a redes sociales y un género del cual ya no se espera mucho. Cindy La Regia se postula como una de las mejores películas mexicanas de este año.

Cinéfilos y cinéfilas, ¿Le darán una oportunidad a Cindy La Regia? O se dejarán llevar por las apariencias y la mala fama que tiene el género mexicano en el cine.

Las Memorables Mujercitas De 2020

Mujercitas es, sin duda, la obra más conocida de Louisa May Alcott. la novela gira alrededor de las hermanas March: Meg, Jo, Beth y Amy, que además de los problemas que ya trae la adolescencia, se enfrentan a una difícil situación económica a causa de la guerra civil en su país.

La historia contiene varios elementos biográficos, pues May Alcott se basó en sus familiares y amigos para construir su historia. Así que, de cierta manera, Mujercitas es un retrato de la verdadera lucha de una mujer por su independencia.

Detrás de la familia March

Alcott recurre a Jo, la protagonista de la historia, para que se convierta en su alter ego. Su deseo de triunfar tanto profesional como económicamente, su renuencia al matrimonio, y la gran responsabilidad que tiene de cuidar a su familia, hacen de Jo el personaje perfecto para representar los valores de su autora.

También tenemos a Meg, la mayor de las hermanas. La más conservadora y la que mejor se adapta al ideal femenino de la época. Beth, la tercera hermana, es la única la única de los personajes que conserva su verdadero nombre, pues May Alcott la representó como un homenaje a su fallecida hermana Elizabeth, y en quien Jo/Alcott va a encontrar un gran compañerismo.

Beth carece de salud, de energía y, a diferencia de sus hermanas, es la única que se encuentra feliz en su casa, no desea ir mas allá de lo que su propio hogar le ofrece.

Y por último está Amy, la menor de las hermanas. Ella era, según su propia descripción, “una personita importante “. A veces descrita como egoísta y presumida, sin embargo, sabe su papel en la sociedad y tratara de adaptarse a ella lo mejor posible para un bien propio.

A través de estas cuatro hermanas y su hogar, podemos observar la situación que las mujeres vivían en esa época, la relación que han de tener con sus padres, con su entorno y después con sus futuros maridos.

¿Una Versión Más?

Mujercitas se ha adaptado ocho veces, y A pesar de haberse creado en un contexto histórico muy específico, sabe transformarse y presenta una visión diferente de la mujer y su importancia en la sociedad con cada iteración. Por eso, es importante descubrir qué aportaciones dio Greta Gerwig para actualizar la historia.

En la versión de 1994, por ejemplo, era muy fácil que el personaje con el que más se lograra empatizar fuera Jo, y causa curiosidad preguntarnos: ¿Por qué la mayoría de la audiencia sigue queriendo identificarse con ella?

¿Qué es lo que la hace tan inolvidable? En la película del 94, Winona Ryder le da vida a Jo, y su interpretación fue tan entrañable que la hizo merecedora de una nominación como Mejor Actriz en los Premios de La Academia.

Sin embargo, se podría decir que Jo es el personaje favorito de todos porque, en versiones anteriores, la historia y las otras hermanas March se presentaban de una manera plana. Jo era la única que se levantaba en contra del orden establecido y la única que cuestionaba las ideas y decisiones de su familia.

Mujercitas según Greta Gerwig

Greta Gerwig opta por dar una perspectiva diferente al contar la histria a manera de flashbacks, pues así intercala los recuerdos de nuestra protagonista, y nos deja ver a las hermanas March ya adultas.

Después de Winona Ryder, era inimaginable que alguien más lograra tomar la piel de Jo. Sin embargo, Saoire Ronan hace suyo el papel en esta nueva adaptación, al mostrar a un personaje todavía más feroz y decidida, sin las restricciones de amores románticos.

En la versión de 2019 también se permite darle mucha carga a Amy, y por lo tanto muchos que no habían logrado empatizar en su antecesora con este personaje se logra en esta cinta.

Además, parece que Gerwig se pone en la piel de cada una de las hermanas March, pues pretende entenderlas y darnos la perspectiva de cada una, dando una explicación lógica y válida a todo lo que hacen.

Así, a pesar de que muchos lograremos identificarnos con el valiente espíritu de Jo, ahora también podemos empatizar más con Amy. Un personaje comúnmente concebido como la más antipática de las hermanas March, pero que gracias al talento de Florence Pugh, deja ver que la feminidad y la sutileza no están peleados con la astucia y la inteligencia. Ya sumergido en sentimientos, terminas por querer a cada una de las hermanas March.

Emma Watson y Los Derechos de la Mujer  

Cabe destacar que, actualmente, Emma Watson, es una voz de lucha a favor y por los derechos de la mujer, y es muy común verla en papeles que revindican la figura femenina en el cine. Por eso, parece un poco extraño que haya aceptado interpretar a Meg, la hermana más conservadora que usualmente es representada simplemente como la antítesis de Jo. Sin mayores aspiraciones ni sueños de los que la sociedad le dicta.

Pero su momento más memorable en Mujercitas, es cuando le dice estas contundentes palabras a Jo: “El hecho de que mis sueños sean diferentes a los tuyos no significa que sean menos importantes”

Ahí, nos deja ver que no importa cuál sea el sueño que las personas persigan, se gozará de los mismos derechos y ninguno debe ir por encima del otro, ya que todos son igual de importantes. Y Watson, poniéndose en la piel de una mujer tradicionalista, nos muestra que la lucha feminista es, en el fondo, una lucha por la libertad de decidir.

Mujercitas - 1
Emma Watson in Columbia Pictures’ LITTLE WOMEN.

Veredicto

Mujercitas es, sin duda, una película perteneciente a toda generación. Abre la puerta a reformular este tipo de adaptaciones con la voz de nuevas generaciones. No carece de encanto, ni de fidelidad a su libro para todo aquel que lo leyó.

Para quienes no lo hicieron, incita a que te intereses por los clásicos muchas veces olvidados y por nuestras queridas hermanas que permanecerán siempre en el corazón de muchos y muchas.

¡Cinéfilas y Cinéfilos, cuéntanos! ¿Quién es tu hermana March favorita?

¡Te invitamos a la Premiere de Dolittle!

Dolittle, el único doctor que puede hablar con los animales regresa a la pantalla grande.

Encarnado por Robert Downey Jr, en su primer rol post Marvel, y listo no sólo para salvar a los animales que tanto adora, sino también a la mismísima Reina Victoria, la icónica gobernante de Inglaterra en el siglo XIX.  La película que llegará a las salas mexicanas el 31 de enero y nos promete muchas risas y entretenimiento.

Dr Dolittle

¡Una historia de otro tiempo!

Está vez nos encontramos con Dr. Dolittle en Inglaterra, quien vive en reclusión acompañado solamente de sus amigos animales tras la trágica muerte de su esposa (Kasia Smutniak). Sólo la extraña enfermedad de la reina lo hará salir a enfrentar de nuevo el mundo acompañado de Stubbins, un joven amante de los animales que lo idolatra.

Para encontrar la cura al envenenamiento de la reina, Dolittle y compañía tendrán que navegar a lugares remotos, como un reino dominado por el pirata Rassouli (Antonio Banderas) y una extraña isla habitada por una criatura mucho más peligrosa de lo que el celebre doctor está acostumbrado a manejar.

El mar y los piratas no es lo único que tienen que evitar, Dr. Blair Müdfly (Michael Sheen), un rival y antiguo compañero universitario de Dolittle, estará persiguiéndolos durante todo el camino, empeñado en que nuestros héroes no cumplan con su cometido.

Dr Dolittle

Los humanos detrás de los animales

Si bien el cast humano cuenta con el mismísimo Iron Man, Michael Sheen y Antonio Banderas, el elenco de los animales es espectacular, tanto en su idioma original como en español.

En inglés, la película cuenta con las voces de varios actores galardonados y hasta un luchador de la WWE. Emma Thompson interpreta a la perica Poly, Rami Malek al orangután Chee-Chee, John Cena al oso polar Yoshi, Kumail Nanjiani a Plimpton la avestruz, Octavia Spencer a  Dab-Dab el pato, Tom Holland a Jip el perro con lentes, Craig Robinson a Kevin la ardilla,  Ralph Fiennes a Barry el tigre, Selena Gómez a Betsy la Jirafa y  Marion Cotillard a Tutu el zorro.

Mientras tanto, en  español latino, el cast es integrado tanto por actores como influencers del calibre de Regina Orozco (Poly), Daniel Giménez Cacho (Barry), Dalia Gutmann (Dab-Dab), Paul Stanley (Chee-Chee), Andrés Navy (Jip), Faisy (Plimpton), Verónica Toussaint (Tutu), Fonseca (Kevin), Michelle Rodríguez (Ginko), Laura Tobón (Betsy).

¡Fuera de Foco te lleva a ver Dolittle!

Solo tienes que contestar la siguiente trivia y podrás ser uno de los ganadores de pases cuádruples para asistir a la función el domingo 26 de enero a las 11:00 am en Cinépolis Perisur, Cinépolis Forum Buenavista, Cinépolis Satélite o Cinemex Antara.

Para ganar, comenta con la respuesta a estas preguntas:

  • Sí pudieras hablar sólo con 3 animales, ¿cuáles serían?
  • Menciona un actor de doblaje que participa en esta película
  • Si pudieras convertirte en un animal, ¿cuál sería?

¿Qué esperas, Cinéfila y Cinéfilo? ¡No te pierdas esta historia!

¿Por qué deberías conocer a Greta Gerwig?

Greta Gerwig regresa con su segunda película como directora: Little Women, una nueva adaptación del clásico de la literatura estadounidense de 1868, de la autora Louisa May. Alcott. 

La película de 1994 (dirigida por Gillian Armstrong), logró que Winona Ryder ganara el Oscar como mejor actriz interpretando a Jo. Pero, Gerwig toma una perspectiva que promete ser muy brillante. Para lograr esto, recurrió a un elenco de grandes estrellas: Meryl Streep, Emma Watson, Saoirse Ronan, Laura Dern, Timothée Chalamet y Louis Garrel. 

Little Women siempre ha sido una historia que ha dado mucho de que hablar, una novela autobiográfica de Alcott que captura sus propias experiencias de vida mientras crecía en la época de la Guerra Civil de Massachusetts, por lo que es apropiado que Gerwig cuente la historia en retrospectiva.  Gerwig demostró con Lady Bird ser una gran directora que puede convocar actuaciones memorables y contar historias brillantes.  

Greta Gerwig-1

La carrera de Greta Gerwig

Greta Gerwig estudió filosofía y literatura en la Universidad de Barnard en Nueva York, en dónde estableció un grupo de improvisación, escribió obras de teatro y musicales. Más tarde, se convirtió en el ícono del “mumblecore”, un movimiento de pequeñas películas independientes estadounidenses basadas en la improvisación e interpretadas por actores no profesionales.  La carrera de Greta Gerwig despegó en 2010 gracias a Greenberg una comedia dramática junto a  Ben Stiller . 

Greta Gerwig se había destacado por sus habilidades de actuación, luego, con su talento, sorprendió a un público más amplio en las películas de Noah Baumbach ( Frances Ha ) y Woody Allen ( a Roma con amor). 

Greta Gerwig


En el año 2017 Greta Gerwig decide dirigir su primera película: Lady Bird que cuenta la historia sobre la  relación madre-hija, en la que brilla la actriz Saoirse Ronan, en esta película logra transmitir la nostalgia asociada a los años de secundaria.  El filme empezó a ganar gran popularidad en los festivales más importantes y logró una nominación al Oscar en la categoría de mejor director, este hecho fue bastante importante debido a que en el año 2017 surgió el movimiento #MeToo y causo gran admiración que una mujer se estuviera destacando en este rubo.

A diferencia de los Globos de Oro de ese mismo año, en la que Gerwig no fue nominada lo que provoco que la actriz Natalie Portman al momento de anunciar la categoría protestara diciendo: “Y he aquí los nominados, todos exclusivamente masculinos” .

El pasado 13 de enero se anunciaron las nominaciones al Oscar y muchas personas empezaron a quejarse en redes sociales debido a que Greta Gerwig fue ignorada en la categoría de mejor director.

Hasta la fecha, sólo cinco mujeres han sido nominadas para el Globo de Oro a Mejor Director, incluidas Barbra Streisand y Kathryn Bigelow dos veces cada una, además de Jane Campion, Sofia Coppola y Ava DuVernay. Solo hay cinco para los Oscar, entre ellos Greta Gerwig, por Lady Bird.

La situación de las mujeres en el séptimo arte es complicada, la responsabilidad iniciada por el movimiento #MeToo no se aplica sólo a la conducta sexual inapropiada en el lugar de trabajo, también en la falta de contratación de directoras.

En 2018, con su primer largometraje, Greta Gerwig se convirtió en la quinta mujer en competir en la categoría de Oscar al mejor director. Ella estaba rodeada por cuatro hombres y la estatuilla la ganó Guillermo del Toro por La forma del agua . Durante esa noche, algunas actrices se tomaron la libertad de recordar cómo el cine seguía siendo un club de hombres.

Greta Gerwig

La representación femenina

Como industria, Hollywood actúa de acuerdo con la oferta y la demanda. En los últimos años, la mayoría de las voces femeninas se han alzado contra el cine estadounidense: actrices, directores e incluso críticos señalan la falta de representación femenina en la pantalla. Un colectivo harto de ver solo hombres heroicos, por lo tanto, se forma una nueva perspectiva cinematográfica: la crítica toma en cuenta la importancia de las representaciones en la pantalla.

No es suficiente mostrar a varias mujeres en la pantalla para que el trabajo se jacte de ser una película femenina. La representación en el cine es una necesidad: necesitamos tantos héroes hombres, mujeres, transgénero o no binarios, de todas las nacionalidades porque representan a la humanidad. Darle vida a esas historias es dejar ver una nueva posibilidad para las niñas: un sueño de cine en el que puedan imaginar otra cosa que no sean estereotipos.

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En conclusión 

Gerwig se ha convertido de inmediato en su propia historia de éxito y en un símbolo del futuro de grandes películas. Las adaptaciones de “Little Women” se han transformado en las favoritas a lo largo de los años, por tantos momentos clave de la trama y los temas tan poderosos que trata.

Louisa May Alcott mostró a mujeres jóvenes que tenían grandes sueños, que querían empujar las barreras de la sociedad y su llamado sigue siendo verdadero y necesario en la actualidad. 

Por otro lado , hace unos días se dio la noticia de su nuevo proyecto coescrito junto a  Noah Baumbach, sobre una adaptación en pantalla de Barbie, la muñeca icónica que será interpretada por Margot Robbie y que busca destruir los estereotipos sexistas de esta figura pop. 


Cinéfilos y cinéfilias , Little Women se estrena en México el próximo 24 de enero  ¿la esperan?




Drácula: El Nuevo Vampiro de Netflix

Adaptaciones a la obra Drácula hay muchas y de distintas formas. Desde películas y videojuegos, hasta animaciones, pero siempre son bienvenidas las nuevas intenciones. Así se siente la versión que lanzó hace poco Netflix.

La producción es un trabajo en conjunto entre la BBC One y Netflix, con lo cual salió de resultado tres episodios de una duración aproximada de hora y media cada uno, a como nos tiene acostumbrado las series británicas. Y vaya que se siente la influencia británica en este apartado.

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Mark Gatiss y Steven Moffat son los encargados de desarrollar esta serie, que para los que no conocen dichos nombres, es importante recalcar que forman parte de los escritores de Sherlock, un gran programa que te recomiendo que lo veas.

Volviendo a Drácula, esta historia se mueve en tres momentos distintos con semejanzas a la novela original escrita por Bram Stoker, aunque tomándose suficientes libertades para crear un producto único, con estética llamativa, visceral en ocasiones y un protagonismo enriquecedor del Príncipe de los Vampiros.

Castillo de Drácula

Por la duración de cada capítulo se puede sentir casi como que son películas, que se complementan muy bien entre sí porque van forjando el carácter y personalidad de su protagonista.

El eje central sin duda es Drácula, interpretado con una enorme gracia y elegancia por Claes Bang, actor danés que ya se había ganado un lugar de prestigio por la película The Square (2017).

Él es quien va conduciendo la narrativa desde las sombras, en un mundo en que las sombras dominan casi por completo a la luz.

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El primer episodio se centra en el castillo de Drácula en Transilvania, o más bien en la experiencia traumática del abogado Jonathan Harker al hacer el papeleo para que el de los colmillos pueda viajar a Inglaterra.

De ahí se desprenden momentos terroríficos mientras Harker, deforme y enfermo, comenta todo lo ocurrido a unas monjas en un convento. La trama luego va cambiando de ritmo y aumentando la emoción, por lo cual es mejor no comentar más.

Deméter

Muchos recuerdan del libro original la parte del barco Deméter, aquel en que Drácula es transportado hacia el Nuevo Mundo, Inglaterra, y en el cual tenía que llevar tierra del lugar donde habita para no perder sus poderes.

Los personajes que se va encontrando en este particular barco va desde nobles, científicos hasta jóvenes que pasan por su primer experiencia en el mar.

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El terror irá de a poco inundando este barco cuando empiezan a desaparecer personas, convirtiéndose en secuencias de película de suspenso, bajo el manto de la sonrisa pícara y astuta de un Drácula indomable.

A pesar de la tensión y un poco de horror, vale señalar que cada capítulo tiene dosis apropiadas de comedia, con frases conceptuales y a la vez jocosas que alivian los nervios de los personajes.

Identidad del Vampiro

Pero es en el tercer capítulo en que ocurren la mayor cantidad de twists, porque hasta ahora lo que he contado es sin spóilers, así que no mencioné al segundo protagonista de la trama, ya que es mejor que ustedes mismos lo descubran.

De esta parte final debo decir que no es del agrado de todos, por ser el cambio más importante de la obra original, quizás la mayor libertad creativa que se tomaron los desarrolladores. Aún así, cumple con seguir contando parte de la historia escrita por Stoker, al situar a personajes que muchos sabemos forman parte de esta leyenda.

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Y como veredicto, quiero decir que el ending me pareció poético, arriesgado al lanzar un nuevo significado a qué significa ser Drácula, cuál es el motivo de sus poderes y porqué ha sido inmortal por siempre.

Drácula es una serie que en niveles de producción cumple bien, tampoco es de esperar grandes secuencias de acción y un gore retocado a la perfección.

De todas maneras, con lo que tiene ocupa los recursos de una manera correcta, para que nos sintamos a gusto bebiendo de su sangre y aprendiendo más del más grandioso y mítico vampiros de todos los tiempos.

  
¡Cuéntanos tú, Cinéfila Cinéfilo! ¿Te gustó está nueva adaptación de Drácula?

¿Por qué nos encanta Malcolm el de Enmedio?

Malcolm el de Enmedio (o el humor de la clase media) es una serie de comedia que se estrenó hace 20 años, exactamente el 9 de enero del 2000. Pero aún con el pasar del tiempo, tiene el privilegio de ser una de las pocas series que seguimos viendo sin aburrirnos.

El clásico de la televisión, que cuenta la historia de un niño genio que a su vez es el hermano de enmedio, también nos narra las dinámicas cotidianas de una familia de clase media a través de situaciones cómicas y a veces desesperantes. Retratando así la situación de familias reales en el día a día de países del primer mundo, como Estados Unidos, y del tercer mundo, como México. Siendo ese detalle una de las claves de su éxito en el país y en el resto de Latinoamérica


Todos Somos La Familia de Malcolm

La familia de Malcolm el de Enmedio está conformada por el padre, Hal (Bryan Cranston); Lois, la madre (Jane Kaczmarek); el hijo mayor Francis (Christopher Masterson); Reese, el segundo hijo (Justin Berfield), el tercer hijo, Malcolm (Frankie Muñiz), Dewey quien por la mayor parte de la serie fue el hijo menor (Erik Per Sullivan) y el pequeño Jaime (James y Lukas Rodríguez). Aunque en el último capítulo se muestra a una Lois con prueba de embarazo positiva, no tomaremos en cuenta a ese bebé, porque nunca le vimos como tal en pantalla. 

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El diseño familiar es una decisión de brillo, ya que una familia de cualquier parte del mundo puede sentirse identificada. Salvo por algunos aspectos que acarrean los personajes por ser creados para una serie estadounidense, éstos son mínimos, al grado de ser características que pasan a segundo o hasta un tercer plano.

Así, Malcolm El de Enmedio enfatiza ciertas situaciones, como la lucha entre hermanos (física, verbal y psicológica), la relación padres-hijos, la calidad del vínculo afectivo entre los padres (que es bastante fuerte) y el cómo beneficia o afecta al hogar, y claro, la convivencia social con personajes ajenos a su núcleo. 

Por otro lado, el no ridiculizar a los personajes desde una intención de mofa es otro de los aciertos por los cuales se da la popularidad de la serie. Caso contrario de otros contenidos (mexicanos, por ejemplo) que escriben con piedad al personaje pobre por ser pobre, y ridiculizan al rico por ser rico.

La serie, en este caso, se centra en hacer humor usando las situaciones como vehículo, en las cuales los personajes terminan afectados o beneficiados por una acción realizada por ellos mismos. Por ejemplo, faltar a clases, copiar en un examen, fumar a escondidas o faltar al trabajo cada viernes.


Crecimos con los Personajes

A pesar del nombre ‘Malcolm el de Enmedio’, Malcolm no es el protagonista como tal, ya que comparte tiempo en pantalla con cada uno de los miembros de su familia y otros personajes secundarios (los Krelboyne, cadetes de la militarizada, empleados del Grotto, etc).

A la vez que vemos a Malcolm con sus problemas, en el inter Hal, Lois, Francis, Reese, Dewey y Jaime son mostrados lidiando con sus propias tramas, igual de hilarantes y entretenidas.

Vimos crecer en pantalla a toda la familia de Malcolm, tanto física como patológicamente, lo hicieron junto con nosotros. Sin embargo, eso no crearía química sin el impecable diseño de personajes.

Cada miembro de la familia está construido para aportar algo distinto a la trama y que esta avance. Personajes inconfundibles e irrepetibles en la historia de la televisión que nos atraen como imanes y que provocan la difícil tarea de tener un favorito absoluto. 

Hal es un apasionado de la vida y de su esposa con grandes habilidades en ramos tanto artísticos (pinta el cuadro más increíble de la historia) como físico-matemáticos (crea un robot desde cero). Pero que no alcanzan la plenitud por el tiempo que invierte en relaciones sexuales con su esposa.

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Lois es la sargento temperamental de la familia, gracias a ella hay ‘orden’ en la casa (tres comidas a tiempo, ropa limpia y planchada, etc). Pero sobre todo, ese instinto para oler los problemas en que se meterán sus hijos, yendo así un paso adelante. 

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Francis, el hermano mayor, quien es visto siempre como figura de lo que es ser “buena onda”, se mantiene ausente en la casa por su estancia en una escuela militarizada. Pero, aún así, afecta la dinámica familiar por sus acciones en la institución. 

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Reese, por su cuenta, es un bravucón cabeza hueca de tiempo completo. De actitud antisocial en la casa y escuela, pero que al final defiende a sus hermanos de otros bravucones, y que demuestra su amor a ellos y a sus padres al usar su increíble talento para cocinar. 

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Malcolm, alguien un tanto asocial con un coeficiente intelectual de 165, cada capítulo rompe la cuarta pared al hablarle directamente al público (detalle poco utilizado en las series). Constantemente salva a su familia de los problemas con la genialidad del diseño de sus planes, pero otras veces éstos no salen como uno piensa. Su vida termina siendo tal y como su madre lo planeó para él, desde qué amigos tener, hasta a qué se iba a dedicar.

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Dewey es quien parece el verdadero hermano de enmedio, porque a lo largo de toda la serie es ignorado por su familia en muchas situaciones. Lo olvidan en México, no asisten a las actividades escolares que encabeza, no toman mayor relevancia a su talento musical ni a su potencial inteligencia que, de acuerdo a varios comentarios, podría igualarse o superar a la de Malcolm. 

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Jaime es el hermano menor, al cual en realidad vimos muy poco. Pero con sus participaciones podemos constatar que es alguien inteligente, pero que no gusta de hablar mucho. De hecho sus primeras palabras fueron ‘cállate, mamá’. También podemos decir que es igual de apasionado que su padre, pero con mala suerte, pues a su corta edad ya le han roto el corazón.

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ÉXITO EN LATINOAMÉRICA

El programa aún permanece en la grilla de programación de canales de televisión abierta en México y otros países. Claro, la trama no podría simpatizar mejor en una región del mundo donde el contexto socio-económico agoniza por una escasa diversidad de oportunidades, de empleos, educación, deficiencia en servicios públicos y para rematar, economías inestables. 

Malcolm el de Enmedio es una serie estadounidense que no restriega en cada capítulo una bandera o un himno. Ni tampoco vende a un país como un paraíso. Sino que expone el viaje de la vida a través de los años de cualquier núcleo familiar sin ‘privilegios excesivos’.

Los hijos nacen, se pelean, los padres los calman, vacían el refrigerador, la economía les afecta, alguno de los padres pierde el empleo, los padres buscan como sobrevivir, hacen la despensa, los hijos crecen, devoran la despensa, se van a la universidad y los padres envejecen.

Por otro lado, las situaciones expuestas a lo largo de 151 capítulos, divididos en un total de siete temporadas, recuerdan al espectador que al final de todo, la familia es lo que queda. Sin importar las peleas que surjan por cualquier situación trivial, prevalece un vínculo entre hermanos y padres. La unión familiar se mantiene fuerte, sobre todo cuando se alcanza la madurez o cuando surge un enemigo en común.

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Para una región tan apasionada y unida a la familia, aquel detalle es más que importante. Repercute en nuestro subconsciente, que tiene registro de aquellas peleas a golpes, o al filo verbal de crueles groserías con nuestros hermanos, que perdían importancia con el tiempo. O al instante cuando un archienemigo familiar aparecía, o cuando el número de los integrantes de la familia comenzaba a crecer. 

Una de esas series que marcó el corazón de toda una generación. Un fenómeno cultural latinoamericano, al cual sólo podría compararse con el caso de la obra de Akira Toriyama: Dragon Ball Z.


MALCOLM, SIEMPRE CON NOSOTROS


Una historia de hace veinte años que aún nos provoca carcajadas, y que en su momento, mantuvo pegados al sofá a millones de familias alrededor del territorio hispano, entre risas y silencios incómodos (por reflejarse en alguna situación).

Y, por supuesto, también nos hizo cantar ‘Boss of me now de They Might be Gigants a la par que se preguntábamos por los fragmentos de películas y programas de televisión de la secuencia de créditos de apertura.

¡Cuéntanos, cinéfila y Cinéfilo! ¿A ti te gustaba Malcolm El de Enmedio? ¡Comenta con nosotros!

The Outsider: ¿Le hace justicia a Stephen King?

The Outsider es la nueva serie de HBO basada en una de las últimas novelas del queridísimo Stephen King, que ya te habíamos anticipado.

Con Richard Price (The Wire y The Night Of) a cargo de los guiones y con Jason Bateman (Ozark) como director de los primeros dos episodios, inicia este relato que utiliza todos los elementos del policial para contar un thriller espeluznante con elementos sobrenaturales.

¿De Qué va?

El cuerpo del pequeño Frankie Peterson, de once años, aparece mutilado en uno de los tantos bosques que caracterizan a Georgia en el sur de los Estados Unidos. El encargado de esclarecer el atroz crimen es Ralph Anderson (Ben Mendelsohn), un veterano detective de la pequeña ciudad donde ocurre el asesinato.

Con varios testigos asegurando haber visto al asesino cubierto de sangre en instantes posterior al crimen, con la aparición de huellas dactilares en el cuerpo del niño, con el vehículo donde se cometió el crimen y con videos de cámaras de seguridad que confirman la teoría de los testigos, el caso parece estar resuelto.

Sin embargo, hay pruebas de que el único acusado se encontraba a más de cien kilómetros de la escena del crimen en el momento del homicidio.

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Terry Maitland (Jason Bateman), entrenador de béisbol infantil, es apresado en pleno partido por la policía, acusado de haber descuartizado al pequeño Frankie. Todas las pruebas son contundentes, a pesar de que él no se encontraba en la ciudad el día del homicidio. ¿Cómo es eso posible?

¿Puede una persona estar en dos lugares al mismo tiempo? De esos interrogantes se nutrirá el oscuro drama de HBO que partirá del clásico policial hacia el terreno del thriller sobrenatural cuando una misteriosa presencia comience a merodear cerca de los personajes.

¿Cumple lo que promete?

Los primeros dos capítulos se desenvuelven en una atmósfera gris y oscura, para mostrar el escenario donde acontece la trama. Bateman se toma su tiempo para profundizar sobre la historia y el dolor de los personajes mientras nuevas pistas hacen y deshacen las hipótesis de los investigadores.

La serie tiene un aire a True Detective y quizás ese sea el gran problema de los primeros episodios. Pese a los indicios de la presencia de algún ente misterioso, no hay ningún elemento novedoso que la diferencie de las decenas de producciones que se estrenaron desde la primera temporada de la serie de Nic Pizzolatto.

Si bien el show cumple con creces, tiene una fotografía sombría y una banda de sonido bien lograda, hasta el momento no es nada que no hayamos visto. Sin embargo, la curiosidad por saber qué pasó con el niño Peterson y quien es (o qué es) esa misteriosa presencia que aparece vigilando a los protagonistas a lo lejos, es muy fuerte.

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La Bendición de Stephen King

El mismo Stephen King le dio el visto bueno a la serie y dijo que era una de las mejores adaptaciones que se habían hecho para televisión. Recordemos que en el último tiempo la pantalla chica le dio lugar a Castle Rock, Mr. Mercedes, 11.22.63, adaptaciones correctas de las populares obras del autor. Sin hablar de las propuestas cinematográficas que llegaron en los últimos años.

Con grandes actuaciones, incluso de personajes secundarios que se roban varias escenas, The Outsider es una gran apuesta para los fanáticos de las novelas de Stephen King y para los amantes de las series nórdicas y policiales.

Sus dos primeros capítulos se toman el tiempo en presentar las piezas del rompecabezas, pero una vez entrados en la investigación policial el relato avanza y no se detiene. HBO después de un excelente 2019, comienza el año con un show que promete bastante.

The Outsider se emite todos los domingos por HBO a las 23hs. y posteriormente está disponible en HBO GO.

¡Cindy La Regia te invita a su Premiere Exclusiva!

Cindy La Regia es la nueva comedia mexicana que está dando mucho de qué hablar.

¿No ubicas a Cindy La Regia, Goeey?

Creada por Ricardo Cucamonga, Cindy La Regia comenzó como una serie de historietas cómicas que contaban la historia de una chica rica de San Pedro, Nuevo León y sus aventuras con el amor, sus amistades y su familia.

Cucamonga se esmeró en crear una historieta ligera y divertida que, al mismo tiempo, logra ser una buena sátira sobre las costumbres, creencias y actitudes de la clase media y media alta mexicana. De hecho, una gran parte de su carisma se basa en que uno puede fácilmente identificarse con el día a día de Cindy. Todos conocemos a alguien como ella, o somos como ella.

La simpatía y naturalidad de Cindy La Regia la han convertido en un favorito instantáneo, produciendo, además de sus tiras cómicas digitales, 3 libros en lo que se hablan sobre bodas, rompimientos y cómo ser una niña tipo bien.

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Tipo, ¿Y la película qué o qué?

Cindy La Regia se ha convertido en una verdadera celebridad. Tanto, que los directores Catalina Aguilar Mastretta y Santiago Limón decidieron hacer una película sobre el personaje. Sólo que, esta vez, trasladarán a Cindy a la Ciudad de México.

En la cinta, veremos como Cindy intenta ganarse la vida en la ciudad, luego de dejar plantado en el altar a su novio perfecto. La actriz Cassandra Sánchez Navarro (Sitiados: México) será la encargada de darle vida Cindy, pero el elenco principal también contará con Regina Blandón (Mirreyes vs. Godínez), Isela Vega (Dora La Exporadora y la Ciudad Perdida) y Diego Amozurrutia (Gossip Girl: Acapulco).

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¡Cindy te invita al cine!

¿Quieres ver Cindy La Regia antes que nadie y de manera muy exclusiva? ¡Tenemos 10 pases dobles para ti! La cita es el próximo martes 21 de enero a las 7 pm en Cinépolis Oasis Coyoacán.

¡Ganar es muy sencillo! Sólo tienes que responder tres preguntas:

  • ¿En qué otra película mexicana apareció Cindy La Regia?
  • ¿Cómo se llama el creador de Cindy La Regia?
  • Menciona otra película o serie en la que haya actuado Cassandra Sánchez Navarro.
¿Te vas a Lanzar a ver Cindy La Regia? ¿Qué esperan, cinéfilas y cinéfilos?