El Libro del Amor: ¿Una Comedia Romántica Diferente?

Platicamos con el talento detrás de El Libro del Amor y nos dijeron cómo buscan reinventar las comedias románticas

«El Libro del Amor» (Book of Love) presenta la historia de Henry (Sam Claflin), un escritor decepcionado porque su novela fue un total fracaso en Inglaterra. Sin embargo, su historia resulta un rotundo éxito en México, por lo que lo invitan a hacer una gira promocional en el país.

A su llegada, Henry descubrirá la verdadera razón detrás de ese logro en ventas: la traductora mexicana María Rodríguez (Verónica Echegui) ha reescrito su historia, convirtiéndola en una apasionante novela erótica. Al principio, el autor está colérico, pero con el paso del tiempo toda esa aventura se convertirá en una gran lección, especialmente cuando comienza a conectar de una manera inesperada con María.

Analeine Cal y Mayor, Verónica Echegui y Horacio Villalobos nos compartieron cosas muy interesantes sobre algunos aspectos de la película y acá te los compartimos.

El Libro del Amor

No es sólo una Comedia Romántica

El cine mexicano tiene el estigma de “sólo producir comedias románticas” por ser supuestamente el género más redituable en el país. Aunque no todas logran ser del gusto del público, hay películas que logran destacar por esos pequeños detalles que las alejan de la «fórmula clásica» que solemos encontrar. Y El Libro del Amor es una cinta que busca precisamente romper con esa preconcepción:

¿Cómo lo lograron? La directora Analeine Cal y Mayor nos comparte: «Me gusta que no llegó a mis manos como la típica comedia romántica donde el objetivo es encontrar pareja o que uno es muy feliz si no tienes pareja. Trata completamente de otra cosa: son dos personajes que su sueño es ser escritores, como uno lucha por ello y le cuesta llegar a dónde quiere y por otro lado se me hizo muy original y muy divertido esta traducción que le hace María».

Durante la travesía de Henry y María en la película, se menciona que esos cambios en la traducción son para “darle a la gente lo que busca” en un libro romántico. Pero, ¿Esta producción mexicana también busca el mismo objetivo? Al respecto, Verónica Echegui comenta: «siento que es complejo saber qué es lo que el público quiere. Por eso, lo que más me gustó de la película es que hablaba de una historia sólida y aunque era una comedia, no pretendía hacer reír «porque sí».

Había otros temas que hacían de esta historia algo mucho más y que va más allá, por ejemplo las barreras interculturales, cómo entre ambos chocan y cómo se juzgan porque no entienden el mundo del otro, hasta que se van descubriendo el uno al otro, descubren que estaban equivocados y que al final el amor es universal y el lenguaje es universal“.

El Libro del Amor

La Química más allá de los Personajes

Algo que se le puede atribuir a El Libro del Amor es la naturaleza con la que sus protagonistas se desenvuelven en la pantalla. Verónica y Henry Claflin logran hacer que en cada interacción sientas esa tensión, incertidumbre que eventualmente provoca la conexión entre Henry y María.

Podrá existir una diferencia de idiomas, pero la actriz nos compartió que la relación en este aspecto fue facilísima: “desde el primer día. Es un encanto (Henry Claflin), es muy buena persona, es muy sencillo, cercano, se puede hablar con él de todo y luego además es muy divertido. Yo amo este trabajo y lo que hago es lo que más me apasiona, si es encima con gente buena lo agradezco infinito. Yo no quería que se terminara esa peli nunca“.

Horacio Villalobos también disfrutó de este proyecto y primero nos describió lo que fue su personaje Pedro, “Es el representante del editorial en México, es libre con su personalidad y de alguna manera se convierte en el «celestino» para que los personajes de María y Henry tengan su encuentro amoroso, además de ser el que aporta gran parte de la comedia“.

También señaló: «el personaje de Pedro me iba como un guante, la verdad, soy una persona con rasgos muy marcados y soy un actor que le va a tener siempre que poner su personalidad de alguna manera, poco o mucho, al personaje. Entonces no le aporté nada, es un personaje muy bien escrito y lo único que hice fue disfrutarlo de verdad».

La química en este proyecto traspasó la pantalla y se notaba incluso en la producción. Según nos cuenta Verónica, la química que tenían en el set era tan grande que no importaban las brechas del lenguaje al momento de hacerse amigos y al final la directora tenía que poner orden: «Analeine a veces venía y nos decía: ¡Que os calleis ya, que sois muy pesados!”».

Por su puesto que la directora con una gran sonrisa nos compartiría que «estaba todo el tiempo con bromas, aguantándose la risa como niños pequeños, fue muy divertido. Los dos son actores muy generosos, los dos se escuchan, se apoyan y es completamente un gran equipo de comedia romántica. Una actuación depende tanto también de la otra persona que sea generoso, que te escuché, que tú puedas reaccionar y es vital que los dos se apoyen».

El Libro del Amor

México: ¿Cuna de Talento?

En el Libro del Amor, la obra de Henry tiene un gran éxito en México, panorama que no se aleja de la realidad, pues nuestro país en muchas ocasiones ha sido fundamental para impulsar a nuevos talentos y que alcancen un mayor reconocimiento con el arte que crean.

Sobre esto, Horacio opina que “Lo que sucede es que por ejemplo, en la película, el libro escrito por Henry es una intensidad y María lo transforma en una novela erótica y como es buena escritora, evidentemente hace un libro que conecta con los hombres y mujeres de México.

¿Por qué aquí funciona? Porque México es una sociedad conservadora, el mexicano aún es conservador, es culpígeno, somos la mayoría católicos, tenemos esos atavismos de las religiones judío-cristianas; y entonces en una sociedad así, algo que es chispeante, morboso y «calenturiento», funciona a la perfección.

Ahora, si hablamos de un asunto de malinchismo, también es cierto, somos un poco malinchistas. Además también depende mucho del buen trabajo que ha hecho Pedro para promover el libro, porque en México, no somos muy lectores, entonces el que haya gustado la traducción de María, pero la firma en la portada sea el nombre de un autor británico, son aspectos que pueden influir mucho, es cuestión de reconocimiento, no lo sé“.

El Libro del Amor

¿Conocerían a su autor favorito?

Finalmente, jugamos un poquito con la trama de El Libro del Amor para que Analeine y Verónica nos confesaran si conocerían a sus autores favoritos y si se atreverían a cambiar la historia de un libro escrito por alguien más:

«Bueno, no sé, creo que hay libros que me hubiera gustado leer cómo esa misma historia la vivía una mujer. Libros en los que han sido protagonistas hombres, simplemente me gustaría que el mismo libro se rescribiera pero vivido por una mujer. Tengo 800 libros en casa que me he leído y ahora mismo me preguntas esto, se me viene «Cumbres Borrascosas», pero este no es el caso de lo que te estoy diciendo, pero me he quedado en blanco… Sabes, a mí me hubiera gustado «La Metamorfosis» de Kafka, me gustaría ver la misma experiencia vivida por una mujer de esa época», nos platicó Verónica luego de pensarlo detenidamente.

Por su parte, Analeine nos confesó: «a mí me hubiera gustado haber conocido a Edgar Allan Poe, para ver si era así de oscuro o no. Saber de estos personajes que escriben de literatura gótica, me gustaría saber si son así en su vida real».

El Libro del Amor, producción de Zima Entertainment ya está en as salas de cine y es una buena alternativa si quieres disfrutar de una historia sencilla y entretenida. Ustedes cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué libro reescribirían y qué harían si conocieran a su autor?

Cuarentones: ¿Queda vida después de los 40?

Tuvimos la oportunidad de platicar con Erick Elías, Gaby Espino y Adal Ramones sobre los mensajes y moralejas de Cuarentones

El cine mexicano nos ha dejado claro que hasta la historia menos pensada puede ser adaptada al cine. Y además, a veces oueden dejarnos mensajes que nos harán reflexionar sobre esas situaciones que están más presentes de lo que imaginamos en la vida de los cinéfilos y cinéfilas.

En «Cuarentones», veremos a César (Erick Elías) un chef exitoso y dueño de un restaurante italo-mexicano junto con su gran amigo y socio Paolo (Adal Ramones), alguien alegre e introvertido que le demostrará que lo apoyará y estará para él de forma incondicional. Poco antes de cumplir cuarenta años, César descubre repentinamente que su esposa le ha ocultado durante mucho tiempo algo importante sobre su hijo y su relación.

Deprimido y en crisis, tiene que enfrentar, junto a Paolo, un certamen para los Mejores Pequeños Restaurantes de México que se lleva acabo en Cancún. Durante el tiempo que dura el concurso conocerá a Naomi (Gaby Espino), quién le ayudará a lidiar con las sorpresas que se presentan en la vida.

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Gaby Espino, Erick Elías y Adal Ramones, sobre algunos detalles de la cinta y ésto fue lo que nos comentaron.

Cuarentones

El Entorno de la Película

Adal Ramones nos compartió que Cuarentones «aborda esta crisis de la mediana edad y cómo enfrentarla, además de la actitud y con quién nos rodeamos. Cualquiera se puede hundir en una crisis o salir de ella gracias a esa actitud. Siento que ese es el tono de la película, de cómo Paolo y la chica hermosa de la película (Naomi) le dan los tips de cómo puede sortear este obstáculo».

Precisamente para Gaby Espino, quien interpreta a Naomi, complementó los comentarios de Adal Ramones:

«le da a César esas herramientas, porque le cuenta derrepente como le ha hecho ella durante su vida a través de las experiencias que ha vivido y cómo ha salido a flote después de esas situaciones y que hay que ver la vida desde otra perspectiva. Cada vez que se presentan situaciones no tan buenas, buscarles el lado positivo, porque al final tienes que salir adelante y queda en ti cuánto tiempo te toma, pero al final tienes que salir adelante para seguir viviendo. Después de los cuarenta queda muchísima vida, entonces le hace ver a él que todavía hay esperanza y que todavía hay mucho por vivir y por disfrutar».

Por su parte, el protagonista, Erick Elías, resalta que en Cuarentones: “César está afectivamente conectado con todas las enseñanzas y que se apoya mucho en una amistad dentro de este bajón que nos pasa en muchos momentos donde sentimos que el mundo se nos va a acabar y no tenemos cómo salirnos. Siempre es como agarrarnos de alguien, a parte de tomar la vida de una manera más ligera y positiva, siempre es bueno tener a alguien que está contigo y te hace ver o darte cuenta que no todo está terminado».

Cuarentones

Libertad en la Comedia

En Cuarentones la ironía y el sarcasmos de los personajes es de lo más característico de la historia. A todo le tratan de sacar algo gracioso para contrarrestar estos bajones de ánimo que pueden ocasionar los acontecimientos que están viviendo.

Había momentos en los que parecía que los actores improvisaban. Y, al respecto, Adal mencionó que «pudimos ponerle nuestra manera de decir las líneas y que había ciertas frases que debían ser exactas, pero en los ensayos el diálogo lo hacíamos muy nuestro y sí, derrepente hay una escena en el aeropuerto, por ejemplo, donde improvisamos unas líneas entre Erick y yo, que les gustaron y se quedó, pero fue en ese momento“.

Adal nos confesó que muchas tomas terminaron fuera del metraje, pero que realmente no hubo problema en no tener tanto espacio para improvisar, ya que Erick y él se esforzaron por hacer suyos los diálogos:

Entonces si hubo cosas que se quedaron en la sala de edición por temas de la extensión de la película y otras que sí entraron, pero realmente lo hicimos muy orgánico, teníamos las líneas y dijimos “vamos a tratar de decirlas como el personaje y más fluida”, porque hay que recordar que el guion de Cuarentones fue escrito por Pietro (el director), en italiano y luego tuvo que hacerse al español».

Cuarentones

¿Quién Influye más en la Resolución de la Trama?

A lo largo de la cinta, Cuarentones presenta interacciones, en ocasiones muy breves, pero que van directo al punto de brindar un consejo, un apoyo o un comentario para tratar de hacer que César se sienta mejor y supere lo que está pasando. Buscando también el hecho de hacer a un lado esos problemas y enfocarse en su compromiso inmediato de ganar el concurso.

Para ello, la influencia de Paolo y Naomi serán fundamentales, por lo que Sofía considera que ambos tienen mucho que aportar, pues «Naomi viene con esa nueva actitud y Paolo tiene ese apoyo con su amigo, entonces todo tiene un balance, los dos personajes ayudaron mucho a César a salir de su situación».

Sin embargo, Erick considera que en Cuarentones no sólo ellos dos se encargarán de influir en César, sino que también el personaje de su hijo, ya que «es muy importante el ser papá, porque eso también mueve mucho y por más que te den consejos y todo, el tener presente que todo es por un hijo, eso también cambia mucho en la mente y el pensar de alguien así».

Sobre este punto de vista sobre el personaje del hijo, Adal añadió que «los hijos son los maestros del hombre, realmente los hijos vienen a darnos una cátedra de vida» y que efectivamente es una pieza fundamental en la historia.

¡El Juego del Calamar llega a Minecraft!

Una versión de El Juego del Calamar se llevará a cabo en Minecraft.

El Juego del Calamar se convirtió en 2021 en la serie más vista de Netflix, esto gracias a sus más de 142 millones de reproducciones, pero el impacto del programa surcoreano se ha extendido más allá de la plataforma, y ha inspirado a diversos/as creadores/as de contenido en plataformas como Youtube o Twitch, quienes han llevado de maneras increíbles esta ficción a la realidad o al mundo de los videojuegos.

Primero fue el reconocido youtuber Mr Beast quien recreó los escenarios y cada una de las pruebas del programa, las cuales llevarían a un/a afortunada/o a ganar un premio de 456 mil dólares, quien finalmente fue definido mediante el clásico juego de las sillas. Pero además diversos/as usuarios/as han recreado virtualmente mapas que nos llevan a revivir lo sucedido en el drama coreano, esto gracias a juegos como Roblox, Fortnite y Minecraft.

De hecho, en este último videojuego se está suscitando un evento ampliamente comentado en redes sociales, y en Fuera de Foco te contamos de que se trata.

El Juego del Calamar

Un calamar en forma de cubos

Un gran proyecto en Minecraft impulsado por afamados streamers de Twitch como AuronPlay, Rubius y Komanche, han regresado a El Juego del Calamar a las tendencias de las redes sociales.

Lo anterior se logró gracias a un mundo virtual similar al de la serie que fue creado por AleCuatro en el susodicho videojuego, donde 150 de los/as creadores/as más relevantes de Twitch buscarán llevarse un premio de 100 mil dólares.

A lo largo de 6 días que comprenden del 19 al 24 de enero del 2022, los/as participantes se enfrentarán en desafíos similares a los que vimos en la afamada serie de Netflix, además de otras nuevas pruebas que están inspiradas en juegos de la infancia hispana y latinoamericana.

La competencia podrá verse mediante Twitch Rivals, o el canal particular de su creador/a de contenido favorito/a.


1er día de Competencia

Los primeros dos juegos dentro de El Juego del Calamar en Minecraft fueron el ya conocido «Luz Verde, Luz Roja» y «Las Escondidas“, en este último cada participante contaba con 5 minutos para buscar su escondite, y pasaron a la siguiente ronda quienes no eran encontrados por los guardias durante 15 largos y angustiosos minutos.

La primera jornada ha sido todo un éxito, la categoría de Minecraft en Twitch llegó a más de 800 mil espectadores durante el evento, los chats de cada stream eran una locura y el ambiente de tensión en ambas pruebas fue impresionante.

Aún quedan muchas sorpresas por ver, y definitivamente vale la pena seguir la competencia en cualquiera de los canales de los/as 121 participantes que continuan vivos/as en la misma. Los horarios para disfrutar en directo de este evento son los siguientes:

El Juego del Calamar
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué opinan?

Tú Eres mi Problema: ¡Un emotivo roadtrip familiar!

Tú eres mi problema nos brinda una historia poco explorada en el cine mexicano, y en el camino nos comparte lindas enseñanzas.


Tú eres mi problema es una película mexicana que nos cuenta la historia de Sebastián (Santiago Barajas): un adolescente impulsivo que es expulsado de la escuela, esto al mismo tiempo que su madre Luisa (Bárbara Mori) está por conseguir el proyecto por el que tantos años ha trabajado.

Frente a esta situación, Sebastián piensa que escapando de casa y junto a su papá encontrará la solución a sus problemas, sin embargo esta no será una tarea fácil ya que no lo ha visto desde hace años y no sabe nada de su paradero. Por supuesto Luisa no lo dejará solo tan fácil, y juntos iniciarán un viaje lleno de risas y lágrimas que les ayudará a descubrir más sobre su relación de madre e hijo.

Tú eres mi problema

Escenas que te erizarán la piel

Grabada en diversas locaciones de Baja California Sur como La Paz, Los Barriles, La Rivera, El Sargento y San Juan de la Costa, esta película nos permitirá disfrutar de increíbles paisajes de México, pero además nos entrega brillantes interpretaciones de Santiago y Bárbara, quienes tienen una química que nos hace verosímil su relación de madre – hijo, además las situaciones y discusiones que protagonizan no van al extremo: no hay más drama del que debería de haber.

Incluso al estar separados muestran personalidades muy interesantes que reflejan sus conflictos internos, en especial Santiago realiza un gran trabajo en los momentos en que discute con su mamá, los cuales provocan que se te erice la piel, te pasen mil cosas por la mente, y se te salga una que otra lágrima.

Tú Eres mi Problema

El Caos, la Fuerza y la Ausencia

Producida por Talipot Studio, Tú eres mi problema no se inventa circunstancias aisladas o que se sientan fuera de contexto, no se beneficia en su totalidad a ninguno de los personajes, y se tratan muchos temas de interés actuales, los cuales buscan romper estereotipos que existen en la sociedad.

A lo largo del viaje se tratarán temáticas como la ausencia de los padres en un adolescente y sus efectos, la crisis de pertenencia, el impacto de crecer bajo la educación y formación de una mujer, quien se empoderó para sacar adelante a sus hijos, además de la libertad y los límites que merecen los/as infantes durante la crianza.

Durante toda la historia encontraremos consecuencias positivas y negativas frente a las decisiones que toman Sebastián y Luisa, entenderemos porque actúan de la manera en que lo hacen, y en el camino nos compartirán aprendizajes que provocarán la reflexión de la audiencia.

Tú eres mi problema ya está disponible en Amazon Prime Video, y sin duda es una producción que vale la pena ver, pues brinda un digno homenaje a todas las mujeres que solas luchan por sacan adelante a su familia.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Tú Eres mi Problema?

Aquellos que desean mi muerte: ¡Lo nuevo de Angelina Jolie!

Aquellos que desean mi muerte es un thriller protagonizado por Angelina Jolie, ¿Vale la pena verlo?

Aquellos que desean mi muerte es un thriller dirigido por Taylor Sheridan (guionista de Sicario), el cual esta protagonizado por un llamativo elenco, en el cual podemos encontrar a: Angelina Jolie, Jon Bernthal, Aidan Guillen y Nicholas Hoult, quienes participan en una historia que pareciera llena de adrenalina y emociones, pero en realidad adopta un ritmo calmado semejante al de la cotidianidad, el cual termina por mermar el potencial de la historia.

Pero permítanme contarles a detalle todo lo que podrán encontrar en Aquellos que desean mi muerte.

Aquellos que desean mi muerte

Buscando en quien confiar 

La historia del filme gira en torno a un asesor fiscal que ha descubierto información que no debería, y ahora junto a su hijo Connor (Finn Little), son perseguidos por dos peligrosos asesinos. Tras un trágico acontecimiento, será responsabilidad del chico llevar los datos encontrados por su padre, a un medio de comunicación para que estos difundidos. 

Pero no estará solo, pues en los imponentes paisajes de Montana se encontrará con Hannah (Angelina Jolie), una bombera encargada de vigilar los bosques, y quien con tal de ayudar, tendrá que vencer un trauma del pasado relacionado al peligroso incendio forestal que se cruzará en el camino. 

Aquellos que desean mi muerte

¿Le faltó intensidad al incendio?

La cinta tiene elementos que se pudieron explotar más: comenzando por las actuaciones, y terminando con lo que pudo ser un digno homenaje a los bomberos, quienes arriesgan su vida por atender desastres naturales relacionados a incendios, luchando contra las llamas para intentar preservar la naturaleza. Aunque se entiende que no es lo central en la trama, hubiera sido fascinante una secuencia de estos héroes contra el devastador incendio. 

Las secuencias de acción no son las que estamos acostumbrados/as a ver en el género, pero de igual forma se disfrutan por la manera en que son manejadas, mérito de los dos despiadados perseguidores interpretados por: Aidan Guillen y Nicholas Hoult. Lamentablemente su contraparte que es Jon Bernthal -quien da vida a un experimentado policía-, no tiene esa presencia, aunque hace un buen trabajo en los momentos que aparece en pantalla. 

En este aspecto la dupla entre Angelina y Finn funciona bastante bien, destacando una escena en la que conectan a nivel emocional tras contarse aquella parte del pasado que les marcó. Aunque para ellos el ritmo calmado de la película juega a favor, generando una sensación de inquietud sobre posibles peligros, esto suele cortar el desarrollo de los hechos en la trama. 

El final esta lleno de sucesos: con un abrumador fuego que termina con todo a su paso, se lleva a cabo la última lucha por la supervivencia. Medina Senghore, quien interpreta a la esposa del policía, toma más de protagonismo y se añade a la batalla. 

Visualmente el largometraje apuesta por un paisaje imponente, dominado por el naranja del fuego, y la oscuridad de un bosque bajo la penumbra de la noche, lo que le permite al relato, obtener un desenlace adecuado y entretenido, compensando la falta de acción a lo largo de la narrativa.

Aquellos que desean mi muerte

En conclusión… 

La trama puede llegar a sentirse dispersa, ya que deja algunos cabos al aire. Las actuaciones tienen sus altibajos, al igual que los momentos de mayor importancia, los cuales podrían ser buenos para algunos, mientras para otros les resulten tediosos. Aunque los efectos del fuego en el incendio forestal, generan un escenario inmejorable para el final.

A pesar de contar con algunos clichés y ser un tanto predecible, no llega a ser del todo una película mala, pero es verdad que algo le hace falta.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Aquellos que desean mi muerte

El Gran Showman: ¡Top 4 Lecciones que nos dejó!

¡Todo lo que hay detrás del show también vale la pena!

El día de hoy, 9 de abril llega al catálogo de Disney Plus. El Gran Showman, unaacinta llena de coreografías increíbles, vestuarios dignos de un gran espectáculo, personajes que nos hubiera gustado conocer más, acrobacias, hazañas y muchas enseñanzas. 

Representando la biografía de Phineas Taylor Barnum (Hugh Jackman), un visionario que decide emprender uno de sus sueños para llegar a crear el «Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus». Acá conoceremos el denominado «Espectáculo más grande de la Tierra», cómo fue que se originó y la forma en que cambio por completo el mundo del entretenimiento. 

Cabe mencionar que la adaptación de la vida de Taylor Barnum se toma muchas libertades en pos de contar una historia inspiradora. En realidad, sus eventos de circo estaban llenos de abuso y crueldad, especialmente hacia los animales, ya que se tienen registros que los quemaba con tubos calientes y no le importaba la seguridad de sus artistas.

Pero bajo la dirección de Michael Gracey, El Gran Showman logró tener una nominación al Oscar por Mejor Canción y ganó el Globo de Oro en la misma categoría, además de que también obtuvo las nominaciones a Mejor Actor de Comedia o Musical y Mejor Película de Comedia o Musical. 

La historia original de Barnum no es algo de qué estar orgullosos. Pero esta película, vista como una simple historia de ficción, está llevada a través de un increíble soundtrack e importantes lecciones de vida que seguro nos inspirarán a seguir adelante. ¡Aquí te presentamos algunas de ellas!

El Gran Showman

Perseguir tus Sueños 

En esta cinta, P. T. Barnum ha visualizado desde pequeño la meta de su vida y va a luchar por ella hasta conseguirla. Al paso del tiempo encontrará inspiración en las personas que más ama, y siempre buscará la manera de llegar sin importar cuánto tiempo se requiera o cuánta inversión necesite. 

Esta historia nos dice que es fundamental nunca rendirse, no importa qué tan inalcalzable o loca suene la idea, si tú lo quieres, debes apostar todo para hacerlo realidad. Quizá tengas que hacer algunos sacrificios, pero al final habrá valido la pena.

El tema «A Millón Dreams» sirve de inspiración para imaginar, luchar y algún día ver frente a ti la oportunidad de vivir ese sueño.

El Gran Showman

Valorar a las Personas que te Apoyan

Si algo aprendemos de los errores que comete el ambicioso showman, es que nunca debemos dejar de lado a esas pocas personas que han creído en nuestros sueños desde un inicio. Debemos mantenerlas incluso si se llega al éxito y saber pedir perdón si algún día les fallamos. 

También nos muestra que el amor y la amistad son un factor importante para conseguir nuestras metas, si sabemos elegir y rodearnos de las personas correctas. No todas las muestras de afecto son sinceras, así que hay que valorar el apoyo que se da de forma honesta y desinteresada. 

No vaya a ser que termines como el protagonista cantando «From Now On» arrepentido de haber perdido a personas que valen la pena y teniendo que empezar de nuevo. 

El Gran Showman

Amar sin Importar las Condiciones

Cómo historia secundaria encontramos el romance entre Phillip Carlyle (Zac Efron) y Anne Wheeler (Zendaya), quienes a pesar de las grandes diferencias que existen en su vida, logran enamorarse desde el primer instante en que se ven. Cuando los sentimientos son sinceros ni siquiera la psocion social puede impedir que dos personas estén juntas. 

Estos dos personajes nos regalan una de las mejores escenas al interpretar «Rewrite The Stars». Además de demostrar que si en realidad se quiere estar con alguien, puedes ser capaz de renunciar a cualquier cosa. Todo depende de la felicidad y los aspectos positivo que te aporte la otra persona. 

El Gran Showman

Aceptarte como Eres

Sin duda el mensaje más destacado e importante en «El Gran Showman» es SER TÚ MISMO. No importa lo extraño que te traten de hacer sentir, las criticas o lo que diga la gente, los defectos que tengas, no importa absolutamente nada; siempre debes sentirte orgulloso de quien eres y mostrarte auténtico. 

«This Is Me» es la canción más representativa y la encargada de regalarnos la mejor escena de toda la pelicula. Muchos se sentirán completamente identificados, debería ser más considerada y la verdad aquella nominación al Oscar debió ser para este tema. 

Así que no permitas que alguien te haga sentir como un «freak», no permitas que alguien te oculte por ser «diferente», nunca permitas que alguien te haga menos por ser tan increíble a tu manera. Ama tu cicatrices, toma fuerza, se valiente, siempre habrá un lugar para ti y gritale al mundo entero: ¡ESTE SOY YO!

El Gran Showman

Ahora que estará en Disney Plus, cuéntenos cinefilas y cinéfilos ¿Cuántas veces verán El Gran Showman? ¿Les gusta este musical o cuál es su favorito? 

Razzies 2021: ¡Todos los Nominados a lo Peor del Cine!

A pesar del complicado año que hubo en la industria del cine, los Razzies  no perdonaron los pocos estrenos que hubo en cines ni aquellos que llegaron a plataformas de streaming 

Los Golden Raspberry (Razzies de cariño) llegan este 2021 a su edición número 41, «premiando» a lo peor que nos ofrece el séptimo arte. En esta ocasión las producciones protagonistas serán «Dolittle» y «365 DNI» con seis nominaciones cada una. Además Robert Downey Jr, Anne Hathaway y la tan esperada Wonder Woman 1984 también aparecen entre las categorías de los anti-Oscares. 

Como ya es costumbre, la entrega se llevará a cabo una noche antes de la ceremonia de los Premios Oscar, por lo que este 24 de abril conoceremos quién será la sucesora de «Cats» como la peor película del año. 

Acá está la lista completa de las nominaciones a los Razzie 2021

Peor Película

365 DNI

Absolute Proof

Dolittle

Fantasy Island

Music

Razzies

Peor Actriz

Anne Hathaway (The Last Thing He Wanted y Roald Dahl’s The Witches)

Katie Holmes (Brahms: The Boy II y The Secret: Dare to Dream)

Kate Hudson (Music)

Lauren Lapkus (The Wrong Missy)

Anna-Maria Sieklucka (365 DNI)

Peor Actor

Robert Downey Jr. (Dolittle)

Mike Lindell (Absolute Proof)

Michele Morrone (365 DNI)

Adam Sandler (Hubie Halloween)

David Spade (The Wrong Missy)

Peor Actriz de Reparto

Glenn Close (Hillbilly Elegy)

Lucy Hale (Fantasy Island)

Maggie Q (Fantasy Island)

Kristen Wiig (Wonder Woman 1984)

Maddie Ziegler (Music)

Peor Actor de Reparto

Chevy Chase (The Very Excellent Mr. Dundee)

Rudy Giuliani (Borat)

Shia LeBeouf (The Tax Collector)

Arnold Schwarzeneggar (Iron Mask)

Bruce Willis (Breach, Hard Kill AND Survive the Night)

Razzies

Peor Director

Charles Band (All 3 Barbie & Kendra movies)

Barbara Bialowas & Tomasz Mandes (365 DNI)

Stephen Gaghan (Dolittle)

Ron Howard (Hillbilly Elegy)

Sia (Music)

Peor Combo en Pantalla

Maria Bakalova & Rudy Giuliani  (Borat)

Robert Downey Jr. y su acento Galés (Dolittle) 

Harrison Ford y su perro CGI (Call of The Wild)

Lauren Lapkus & David Spade (The Wrong Missy)

Adam Sandler y su voz (Hubie Halloween)

Peor Guión

365 DNI

Todas las películas de Barbie & Kendra

Dolittle

Fantasy Island

Hillbilly Elegy

Peor Remake o Secuela

365 DNI

Dolittle

Fantasy Island

Hubie Halloween 

Wonder Woman 1984

Razzies

Cinéfilas y cinéfilos ¿Consideran interesante la entrega de los Razzies o qué opinan sobre ellos? 

Madre sólo hay Dos: ¿Por qué se Adueñó del #1 en Tendencias?

«Madre sólo hay Dos» es una prueba más de la ironía en la audiencia mexicana: es todo un éxito a costa de reacciones en su mayoría negativas. 

Las producciones mexicanas siguen llegando a la plataforma de Netflix, convirtiéndose enseguida en tendencia por varios días (incluso semanas completas). Sin embargo, las quejas de este tipo de tramas que son tan repetitivas, forzadas y aburridas siempre salen a relucir en redes sociales. 

¿Qué deben hacer los creativos mexicanos para tener contenta a la audiencia? Si hay tanta variedad en gustos y muchos dejan claro que éste no es su favorito, entonces cómo le hace el «género cómico, melodramático, telenovelesco mexicano» donde se encuentran este tipo de series y películas nacionales, para que al final cumpla con su objetivo: ser visto por millones de personas. Los números no mienten, por muy mala que sea y muchas críticas negativas que existan, siempre son de lo más visto en los estrenos. 

Pero en esta ocasión, ¿Por qué «Madre sólo hay Dos» logró posicionarse entre las más vistas? Acá te contamos un poco sobre ello. 

Madre Sólo hay Dos

Una Confusión es la Causante de la Peculiar Historia

La trama gira alrededor de Ana (Ludwika Paleta) y Mariana (Paulina Goto), dos mujeres con estilos de vida completamente diferentes y que por azares del destino terminan dando a luz en el mismo hospital. Después de unos meses, ambas son notificadas de que sus bebés fueron intercambiados accidentalmente al nacer, por lo que deben cambiarlos para que estén con la mamá correcta.

Este suceso, sumado al gran cariño que le tomaron al bebé con el que en un principio llegaron a casa, las lleva a tomar medidas por el bien de sus hijas. A pesar de no tener nada en común y de no soportarse la una a la otra,  elaboran un plan para adaptarse a su nueva realidad y así construir una familia muy peculiar. Claro, sin imaginar que descubrirán secretos, dándose cuenta que entre ellas hay más conexión de lo que parece. 

Madre Sólo hay Dos

Más de la Misma Fórmula Mexicana

La serie no aporta nada nuevo a lo que ya se ha visto una y otra, y otra vez en un producto mexicano. Una comedia básica que llega a lugares muy comunes en el cine mexicano: la «familia perfecta» que no resulta tan perfecta, la irresponsabilidad de los jóvenes, la indecisión de los protagonistas, el drama de las parejas. La importancia de la amistad, el aprendizaje y experiencias. El estigma entre el rico y el pobre.

Pero eso no es todo, la serie se tropieza también al momento de tratar otro tipo de temas más actuales, como la maternidad y la paternidad, la comunidad LGBT,. La libertad de creencias, los conflictos de pareja. Y es que trata de explorar tantos temas, pero no logra cuadrarlos bien con la historia personal ni en el desarrollo de sus personajes. Dando como resultado mensajes conflictivos e ideas problemáticas sobre lo que buscaban explorar.

Además, en Madre Sólo Hay Dos, a pesar de que se está contando una historia inusual, tiene el mismo toque característico de cualquier capítulo de estos programas de televisión abierta que te intentan dejar una enseñanza para que aprendas con el ejemplo.

Madre Sólo hay Dos

Entonces… ¿Por qué el éxito de Madre Sólo Hay Dos?

Madre Sólo Hay Dos sabe utilizar los clichés para convertir una historia extravagante en algo no tan ridículo. Claro, sin dejar a un lado que la historia retrata un caso extremadamente raro y muy poco probable en México, de esos que pensamos que sólo suceden como comedia. Pero desafortunadamente, la negligencia médica y sus consecuencias son más reales en este país de lo que quisiéramos aceptar.

Pero al final de cuentas, como sucede en las producciones mexicanas, cumple con lo que otras producciones comerciales exitosas han presentado y que de manera inexplicable gustan a una gran parte de la audiencia. 

Madre Sólo Hay dos

Si «Todos» odian estás producciones, ¿Por qué permanecen en tendencia por tanto tiempo? 

«Madre sólo hay Dos» ha desatado críticas muy negativas en la comunidad, contrastando con quienes se atreven a defenderla. La realidad es que lo único que podría parecer atractivo –si es que logras terminar la serie– es su final, aunque tampoco es cosa del otro mundo dejar abierta la respuesta a las interrogantes más importantes de la historia. 

También es cierto que series como esta, ofrecen una alternativa a las buenas producciones y gran variedad de contenido que llega a todos los servicios de streaming con los que contamos actualmente –si es que alguien se queja de eso– o por qué no, simplemente como un distractor para los menos exigentes. 

Quizá la verdadera respuesta está en que es la curiosidad por ver el «ahora con qué salieron» o será probablemente que hay una especie de placer culposo por las películas y series mexicanas… lo que hace que producciones de este tipo logren mantenerse en tendencia.

Pese a todo, se ha mantenido en los primeros lugares del top de popularidad en Netflix e incluso ya está confirmado que «Madre sólo hay Dos» contará con una segunda temporada. 

Ustedes cinéfilas y cinéfilos ¿Ya vieron la serie, díganos qué opinan sobre ella? 

Érase Una Vez: ¿Hace honor a los clásicos personajes?

Érase una vez… un sueño sobre la unión de dos personajes muy conocidos en la cultura de fantasía. Ahora que esta idea llega al cine, nos deja claro que lo que hace falta no es más de lo mismo

¿Alguna vez imaginaron el origen de algún personaje de aquellos cuentos que conocieron desde pequeños? O más aún, ¿Se han imaginado juntar a esos personajes en un solo relato? Si alguna vez han estado en esta posición, entonces la película Érase una Vez les debió haber parecido una idea espectacular.

Bajo la dirección de Brenda Chapman, esta película une los mundos de los autores J.M. Barrie, conocido por ser el genio detrás de Peter Pan; y Lewis Carroll, quien nos llevó por el agujero del conejo en Alicia en el País de las Maravillas). Para sumar expectativas en su historia, tiene a Angelina Jolie y David Oyelowo como protagonistas. Pero, ¿de verdad hizo realidad nuestros sueños?

Érase una vez

Un Crossover que nos Invita a Seguir Soñando

En Érase una Vez nos sitúa antes de que Alicia se adentrase en el País de las Maravillas y de que Peter se convirtiese en Peter Pan y viviera en Nunca Jamás, y resulta que ambos eran hermanos. Sus vidas cambian después de que el mayor de los hijos, Littleton, muere en un trágico accidente, causando que Alicia y Peter intenten salvar a sus padres de los tormentosos tiempos que se avecinan. Pero, finalmente, las circunstancias los llevan a verse obligados en elegir entre su hogar y su imaginación.

Creando una antesala para los viajes que todos conocemos y amamos, «Érase una vez» incita a todos los espectadores a nunca dejar de soñar como si fuéramos tan solo niños y vivir grandes aventuras, aunque sea en la imaginación. Su mensaje parece indicarnos que esa es una buena forma de enfrentar los problemas que se atraviesan en la vida, aunque el panorama no luzca nada alentador en realidad.

Érase una vez

Detalles que los Fans disfrutarán

Durante toda la película vamos a encontrar claras referencias a lo que ya sabemos de ambos personajes: El conejo blanco y su reloj, la hora del té, la maldad de la reina roja, la bondad de la reina blanca, las peleas de piratas, campanita, los niños perdidos y muchas – pero en verdad – muchas más cosas que caracterizan a Alicia en el País de las Maravillas y Peter Pan. 

El problema está en que son contadas las ocasiones en que se aporta algo realmente «nuevo» a lo que ya conocemos, incluso al tratar de explicar de dónde surgen los objetos, gustos y características que han hecho tan conocidos a estos personajes.

Otro gran problema, es que la introducción de todos estos orígenes, podrían chocar un poco con las historias originales. Algo que por supuesto, a los más exigentes y amantes de las obras literarias no les gustará para nada. 

Érase una vez

¿Un Cast Controversial?

Como ya es costumbre en estas épocas, en «Érase una vez» la polémica por cambiarles características físicas a los personajes es de nueva cuenta algo que da de qué hablar. Y es que, al parecer, siempre habrá ese sector de los espectadores que critican, atacan y se niegan a los cambios generados por la inclusión. Sin tomar en cuenta que el único propósito es dejar en claro que cualquiera se puede convertir en su personaje favorito. 

Los jóvenes actores Keira Chansa (Alicia) y Jordan A. Nash (Peter Pan), hacen un buen papel de protagonistas, se adueñan de la cinta e intentan con todas sus fuerzas llevar a buen camino la desalentadora historia que nos ofrece Érase una Vez. Es perceptible ese espíritu de niño y la madurez que les deja su experiencia. La forma en que imaginan sus mundos y tratan de resolver los problemas siempre se mezcla con una inocencia literalmente de cuento de hadas.

Por otra parte, Angelina Jolie, quién es presentada como la actriz estelar, y David Oyelowo, tienen participaciones destacadas en puntos específicos de la trama y su presencia como padres es bastante honesta. Lo interesante de ellos es la forma en que se ven afectados por los problemas y será ésto lo que desencadene la actitud de los niños para tomar un mayor peso en la historia.

Érase una vez

Y entonces, ¿vale la pena?

La verdad es que «Érase una vez» no deja un mensaje que quede marcado en quienes vean la cinta. No hay algo que nos logre sentir identificados ni tampoco algún suceso particular que pase a la memoria y marque en realidad ese inicio para las aventuras que Alicia y Peter viven después. 

Tampoco se siente muy definido si la audiencia a la que va dirigida esta historia es una generación nueva o va hacia aquellos que han vivido con las dudas del origen de estos personajes. De igual forma, sea para chicos o grandes, será simplemente un experimento más para ver el fin de semana. Sin duda será preferible regresar a ver y disfrutar las producciones que ya existen de la mano de Disney

Queda claro que la industria del cine necesita URGENTEMENTE de la creatividad de los escritores, para generar productos originales y dejar a los clásicos en paz con tanto remake, reboot, live action y experimentos de este tipo. 

Ustedes, cinéfilas y cinéfilos ¿Le darán una oportunidad a «Érase una vez» o están en contra de que se cambien a los personajes clásicos? 

100% Lobo: ¿Un Gran Mensaje a costa del Entretenimiento?

En 100% Lobo, Freddy nos enseñará que sólo necesitamos aceptarnos tal como somos.

Una propuesta que llega desde Australia, bajo la dirección de Alexs Stadermann, que ofrece un argumento bastante conocido y explorado en películas animadas. Incluso esta historia por momentos nos hace recordar otra muy conocida como lo es «El Rey León».

Aspectos rescatables, personajes fáciles de recordar, un ritmo algo tedioso para ser una cinta infantil; pero ¿vale la pena verla?, acá te contamos un poco más sobre 100% Lobo.

100% Lobo

La Historia del Pequeño Lobo

Freddy Lupin pertenece a una gran familia de hombres lobo y está a punto de descubrir el aspecto que tomará cada que la luna llena se haga presente por las noches. Sin embargo, cuando llega el tan anhelado día, la apariencia que toma no es para nada la que esperaba. Todo apunta a que es una «maldición» o castigo de la Luna por haber perdido el anillo más importante de la familia.

Ahora, Freddy tiene que emprender una aventura para recuperar el valioso objeto de los Lupin, superar los retos que le pone la vida y demostrar que es un verdadero lobo para ocupar el lugar que le pertenece en la manada.

En este camino también descubrirá oscuros secretos dentro de su núcleo familiar y sobre todo, aprenderá en compañía de un grupo de perritos callejeros, el verdadero valor no de su nueva apariencia sino de la persona que hay detrás de su transformación.

100% Lobo

Tú Decides qué Lobo Quieres Ser

A pesar de que la premisa sobre «Ser tú mismo» la hemos visto cientos de veces en diferentes producciones, «100% Lobo» cumple su objetivo de fomentar la cultura de la aceptación, el encontrar una identidad propia, y sobretodo, no ser lo que los demás quieren que seas. 

En un mundo lleno de estereotipos absurdos, este tipo de películas caen bastante bien, sobre todo para tratar de llegar a nuevas generaciones que deben estar cada vez más conscientes de la importancia de decidir sobre sus vidas y mostrarse como ellos quieran, sin importar las críticas o la aceptación de su propia familia. 

Claro que también es un llamado a todos aquellos adultos que siguen viviendo en ideas erróneas y que deben de cambiar ya de mentalidad, para comenzar a aceptar que estamos en tiempos distintos donde lo que antes estaba «bien visto» o era «correcto», hoy en día ya no lo es más. 

100% Lobo

Los Demás Personajes También Deberían de Buscar su 100%

Desafortunadamente deja mucho que desear siendo entretenimiento para niños, ya que fácilmente le puedes perder el interés a lo que ves en pantalla. A pesar de que sí cuenta con personajes llamativos, como el propio Freddy y el grupo de perros que lo acompañan en su aprendizaje: Luna, Fiera, Amix y Bruno; y la señora Cordero.

Sin embargo, hay muchos personajes que no aportan nada interesante ni tienen participaciones relevantes pero los tratan de meter para «ayudar» a la historia. Además, dos villanos que ni fusionándolos lograrían hacer un papel decente. Primero Máximo Ruin, quien se obsesiona con el tema de los lobos y busca «venganza» contra ellos después de presenciar una desgracia en el pasado, pero no logra hacer mucho y nunca se siente como un verdadero peligro.

Por otro lado,y el tío Timo que al estilo de Scar en El Rey León, se quiere quedar con el control de la manada para llevar a cabo su malévolo plan, solo que a este lobo le faltó la ambición, la presencia y la personalidad de un buen villano.

100% Lobo

Mensajes que se Sienten Incompletos

Otro aspecto que si bien tenía un buen propósito, no termina por ser bien completados, es sobre esta probabilidad de hablar sobre el abandono de mascotas y la importancia de que los padres acepten a sus hijos por lo que éstos decidan ser. 

Son temas que están bien representados, pero que se podrían haber abordado con un poco más de profundidad e impacto para brindar una verdadera reflexión. Las historias que arroparían estas dos temáticas le hubieran otorgado una nostalgia increíble a la cinta, ya que se verían más involucrados sus compañeros perros de la calle y por supuesto su papá.

100% Lobo

Así que, 100% Lobo es… 

Una buena cinta en cuanto al mensaje que representa, pero que probablemente no termine por convencer del todo. Freddy te causará ternura con su aspecto, quizá hasta te motive un poco a seguir sus pasos, pero no esperes momentos «memorables» durante su aventura. Tampoco son tan «épicas» las confrontaciones contra los villanos aunque tampoco son malas, hay una que otra sorpresa en la trama y algunos momentos que resultan divertidos. No hay nada que reclamarle a la calidad de la animación, cuida cada detalle de lo que una noche de luna llena puede brindar y los personajes tienen diseño increble. 

Pero al final, la razón para pensar en darle una oportunidad, es que a los más pequeños les dejará un gran aprendizaje sobre aceptar aquello que nos hace únicos.


La animación siempre ha sido pieza clave para la transmisión de valores hacia los más pequeños y poco a poco se va adaptando a los nuevos tiempos, pero ¿Lo están haciendo bien sin dejar a un lado un buen entretenimiento?

Cinéfilas y Cinéfilos, ¿Ustedes le darán una oportunidad? ¿Qué otra película recuerdan con este tipo de mensaje? 

Anne Hathaway: De Princesa a Reina de Hollywood

Anne Hathaway se ha convertido en una de las actrices más destacadas de Hollywood desde su primera aparición en «El Diario de la Princesa», llegando a participar en diversos géneros del cine e incursionar incluso en el doblaje con la película de «Río» (2011). 

Es curioso que la mayoría de los papeles por los que es recordada son secundarios o en su caso co-protagonicos, algunos elogiados y otros no tanto. Así que acá daremos un pequeño repaso a algunos de ellos a lo largo de su carrera. 

Anne Hathaway

¿Quién era antes de la fama?

Anne Jaqueline Hathaway, nació en Brooklyn, Nueva York un 12 de diciembre de 1982. Es hija de la actriz de teatro Kate McCauley y del abogado Geraldston Hathaway. Su nombre coincide con el de la esposa del dramaturgo y poeta inglés William Shakespeare, pero eso es mera casualidad y un gran dato curioso. 

Fue educada bajo bajo valores católicos muy estrictos, incluso durante su infancia y parte de su adolescencia tenía la idea de convertirse en monja. Pero su relación con la Iglesia Católica cambió cuando tenía 15 años, tras saber que su hermano Michael era gay: “Me di cuenta de que mi hermano mayor era gay y yo no podía apoyar una religión que no apoyara a mi hermano”

Acudió al Millburn High School, en el que se graduó. Continuó estudiando arte dramático en la Paper Mill Playhouse de Nueva Jersey y al poco tiempo se inscribió en la New York University’s Gallatin School of Individualized Study. Además estudió baile en el Broadway Dance Center de Nueva York y, dio dos conciertos en el Carnegie Hall, como primera soprano.

Su primera aparición en la pantalla fue en una serie titulada «Asuntos de familia» (1999), que tan solo se emitió una temporada. Para posteriormente hacer su salto a cines con «The Other Side of Heaven» junto a Christopher Gorham, sin embargo la primera película en la que pudimos verla fue en El Diario de la Princesa. Esta actuación la catapultaria a participar en películas como: «Havoc» (2005), «Brokeback Mountain» (2005), «Becoming Jane» (2007), «Súper Agente 86» (2008), «Ocean’s Eight» (2018), «Maestras del Engaño» (2019) y más recientemente en la nueva adaptación de «The Witches» (2020). 

Anne Hathaway

Escribió Fama en las Páginas de su Diario

Anne Hathaway no pudo tener un mejor debut en su carrera en la pantalla grande, pues lo haría ni más ni menos que con Disney en «El Diario de la Princesa» (2001). En ella interpreta a Mia Thermopolis, una adolescente tímida de San Francisco, quien sufre un cambio repentino en la vida cuando se entera de que es una verdadera princesa. Ella es la heredera de la corona de un pequeño reino europeo llamado Genovia. Tendría tanto éxito que saldría una secuela en el 2004, pero no tuvieron el mismo resultado.

Anne Hathaway

La Moda que la Convirtió en Tendencia 

Pese a su actuación en las cintas de Disney, Anne consolidó su carrera en el cine hasta su aparición en «El Diablo Viste a la Moda» (2006). Dónde Meryl Streep como Miranda Priestly, se encargaría de hacerle imposible la vida al personaje de Hathaway, Andy, una universitaria recién graduada que consigue trabajo como la asistente de esta «diabólica» editora en la prestigiada revista Runway.

La película se convirtió en una de las más exitosas de aquel año y fue aceptada tanto por la crítica, como por todo aquel que la veía. 

Anne Hathaway

Su Reinado en las Maravillas 

Años más tarde regresaría a Disney para ser Mirana, la Reina Blanca en «Alicia en el País de las Maravillas» (2010) y «Alicia a través del Espejo» (2016), aún a pesar de no ser participaciones del todo destacadas, el personaje logró mantenerse en el gusto de los fanáticos de la actriz, debido a lo mucho o poco que aporta a las adaptaciones de las obras de Lewis Carroll. 

Anne Hathaway

Los 3 minutos que le valieron un Oscar

La actuación más sobresaliente de su carrera ha sido la de Fantine en «Les Miserables» (2012), una mujer que vive una trágica historia, al tratar de mantener a su hija mientras tiene que lidiar con una cruel sociedad que no se cansa de rebajarla. Su interpretación de «I dreamed a dream» se convirtió en uno de los momentos más icónicos del cine contemporáneo al reflejar el desgarrador dolor que vive el personaje de Anne Hathaway.

Se dice que su tiempo total en pantalla en la película es de alrededor de 15 minutos y su interpretación musical duró solo 3 minutos, ese tiempo fue lo que le valió ganar el Premio Oscar a Mejor Actriz de Reparto. Además ganó el Globo de Oro, el BAFTA y el SAG; en la misma categoría. 


Su Huella en el Mundo de los Superhéroes

Otro papel duramente criticado en la carrera de Anne, fue el de Gatúbela en «Batman: The Dark Knight Rises» (2012). Sin embargo, esta interpretación de Selina Kyle encajó a la perfección con el estilo que Christopher Nolan le imprimió a la trilogía del caballero de la noche. Lo que la convirtió en uno de los personajes femeninos más destacados dentro de las adaptaciones de cómics e incluso fue más considerada en la temporada de premios que el propio Christian Bale. 

Anne Hathaway

Su Carrera hasta las Estrellas

Una vez más bajo la dirección de Nolan, bajo un proyecto bastante desafiante que al final logró tener un éxito parcial al ser elogiada por mucho y catalogada como aburrida por otros, éste fue «Interstellar» (2014). Hathaway interpreta a la Dra. Brand, pieza clave en el viaje a las estrellas, ya que sus conocimientos son fundamentales para el cumplimiento de la misión, llevándola a tomar decisiones que no siempre serán las correctas.

Anne Hathaway

Su Reencuentro con la Moda

Quién iba a pensar que casi 10 años después, Anne Hathaway se convertiría en lo que juró destruir, al interpretar a Jules Ostin en la cinta «Pasante de Moda» (2015). Jules es una obsesiva y cruel fundadora/directora de la compañía de moda por Internet About the Fit, que aprenderá una gran lección de Ben Whittaker (Robert De Niro) quien ha sido contratado como su asistente personal. Cabe destacar que su éxito fue mayor con su llegada al catálogo de Netflix. 

Anne Hathaway

Una increíble actriz que destaca por su actuación y belleza, ha cautivado al mundo del cine. Para ustedes, cinéfilas y cinéfilos ¿Cuál es el personaje que más recuerdan de Anne Hathaway?

El Camino de Xico: Un Llamado a Defender la Naturaleza

En El Camino de Xico,iremos de la mano de un perrito Xoloitzcuintle y dos valientes niños, viviremos una aventura que destacará la importancia de preservar nuestra diversidad natural y cultural.

La nueva producción de Ánima Estudios, productora que podemos recordar por la saga de Las Leyendas, sigue siendo fiel a mostrar la riqueza cultural que tiene nuestro país y enseñarnos a valorar aquello que nos identifica como mexicanos.

En esta ocasión «El Camino de Xico», nos llevará a explorar una cruel realidad sobre la destrucción de los recursos naturales, mientras conocemos la historia fantástica que existe en este poblado.

El Camino de Xico

¿Cuál es su mágica historia?

La tranquilidad de un pequeño poblado llamado San Jaime de las Jaibas cambiará drásticamente cuando un grupo de empresarios intente destruir la montaña que por años ha protegido y arropado al pueblo. Ante ésto, Copi, junto a su mejor amigo Gus y su mascota Xico, un perro xoloitzcuintle, se adentran en una aventura al interior de la montaña para salvar aquel patrimonio natural que les pertenece.

Conforme avanza la travesía, descubrirán que todo depende de Xico, quien deberá encontrar la valentía y el poder que habita dentro de él para salvar a la montaña y a todos los habitantes de San Jaime de las Jaibas.

Camino de Xico

Más Leyendas pero sin Leo San Juan

El parecido con sus cintas hermanas del estudio Ánima es innegable. Desde el espíritu aventurero de los niños, los personajes místicos de la cultura mexicana, la propia animación y las historias que rodean a éstos. Pero para nada es una desventaja o un error, sino que se sienten bastante positivas estas características, algo fresco a lo que se venía haciendo con esa saga de «Leyendas».

En «El Camino de Xico» la comedia no se siente tan fluida, los modismos mexicanos claro que están presentes, pero las bromas y chistes se sienten fuera de contexto, la mayoría no dan risa o ya son muy –pero muuuuuy– recurrentes en cintas mexicanas.

La ventaja es que la historia de algún modo logra mantenerte atento y cumple su objetivo de transmitir un mensaje claro para aquellos niños y niñas que ya pueden percibir esta parte de una película (y claro también para aquellos mayores que gozan de ver películas animadas).

El camino de Xico

Animación que te Transporta a otro Mundo

Si bien está claro que no es la más perfecta de las animaciones, es otro punto que juega mucho a su favor, lejos de ser algo que perjudique la experiencia de la historia. Cada secuencia nos hace sentir como si las imágenes plasmadas en las páginas de un libro se fueran moviendo y relatando la historia.

Los personajes lucen llamativos, Ánima siempre ha tenido la buena costumbre de tener detalles característicos de las diferentes culturas antiguas, respetando la originalidad de sus relatos y la forma en que describen los antepasados mexicanos a las historias que se tratan de llevar a la pantalla.

La forma de representar a los guardianes que hace referencia la película de Xico, es lo más destacado, al imprimirles una personalidad que busca dejar huella en el espectador, haciendo que los recuerdes por su historia, su temple o hasta por hablar en verso. Sin mencionar el colorido que llega a tener el interior de la montaña junto a sus pocos personajes que lo habitan.

El Camino de Xico

El Mensaje Social

La intención de «El Camino de Xico» es contundente: Hacer consciencia sobre la importancia de proteger, y cuidar nuestros recursos naturales, porque tarde o temprano la Naturaleza se cobra el daño que le hacemos.

La urbanización y la ambición de los empresarios por expandirse hasta el más lejano rincón de la Tierra, sin importar la destrucción de flora y fauna de una región, es una realidad poco alentadora que vivimos actualmente. Sin dejar a un lado a los gobiernos que permiten que lo más valioso de su país (su biodiversidad), sea destruido.

Esta historia busca que no solo los más pequeños aprendan a valorar la naturaleza que tenemos a nuestro alrededor y se haga conciencia sobre la importancia de cuidar las áreas verdes que aún hay a lo largo del país; sino también es un llamado a preocuparnos por lo que estamos haciendo bien o mal a nuestras propias fuente de vida.

El Camino de Xico

En Conclusión…

«El Camino de Xico» es una gran opción para ver en familia, para que chicos y grandes reflexionen sobre el daño que se le está haciendo al planeta. Es una cinta animada con una historia no tan compleja, con una aventura discreta y visualmente buena. Las pequeñas historias que se narran a tipo de leyendas o creencias resultan un gran plus por lo interesantes que son. Dando como resultado una buena opción para estos días.


La animación mexicana siempre ha tenido muchas limitantes. Sin embargo, nos ha regalado buenas propuestas y entrañables o divertidas historias. A ustedes cinéfilas y cinéfilos ¿Les han gustado las producciones de Ánima Estudios? ¿Qué creen que le hace falta a la animación mexicana para destacar en el cine?

Los 5 Mejores Personajes de Sean Connery

Sean Connery dejó este mundo hace unos días, pero sus increíbles papeles y sus grandes películas dejarán una marca profunda en la historia del cine.

El actor que dio vida al primer Agente 007 falleció a los 90 años de edad, dejando participaciones dignas de recordar en la historia de la pantalla grande. Durante su carrera, interpretó al Rey Arturo en «First Knight», a Marko Aleksandrovich Ramius, un capitán del submarino más moderno de la Unión Soviética en «The Hunt for Red October», al mentor Juan Sánchez Villalobos Ramírez en «Highlander», Draco en «Dragonheart», entre muchos otros papeles siempre caracterizados por el dinamismo y gran interpretación del actor. 

Connery ha dejado personajes significativos en el cine de su generación, por los que sin duda será más recordado por siempre. Para honrar su memoria y su gran trabajo, te contamos un poco sobre la carrera del gran Sean Connery y sobre los personajes que lo convirtieron en una verdadera leyenda.

Sean Connery

El Camino de Connery para llegar al Cine

Thomas Sean Connery, escocés de ascendencia irlandesa, nació en Edimburgo, Escocia, el 25 de agosto de 1930. Se crió en una familia común de clase media. En la parte académica, nunca fue muy amante del estudio y los libros, por lo que abandonó el colegio a temprana edad para ayudar a la economía familiar trabajando como repartidor de leche.

Posteriormente se alistó en la Marina Real Británica, etapa que tuvo que abandonar debido a problemas de salud derivados de una úlcera gástrica. Durante largo tiempo, Connery exploró diversas actividades y colecciono innumerables experiencias como modelo, fisicoculturista, futbolista e incluso llegó a conseguir el respeto de la pandilla Valdor, uno de los grupos delectivos más importantes de Escocia al derrotar a sesis de sus miembros en una pelea a puño limpio.

Fue a los 20 años de edad cuando descubrió su verdadera vocación al participar como parte del coro en la producción musical «South Pacific» de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein. En la segunda mitad de los años 50, Sean debutó en el cine con papeles secundarios en películas como «Ruta Infernal» (1957) de Cy Endfield, «La Frontera Del Terror» (1957) de Terence Young, «Brumas De Inquietud» (1958) de Lewis Allen, entre otras pequeñas producciones. 

Sería hasta 1962 cuando su carrera se iría por las nubes tras ser elegido para interpretar al agente James Bond en la película «007 Contra El Doctor No» (1962), dirigida por Terence Young. Su larga trayectoria tendría títulos como: «El Día Más Largo» (1962), «Marnie, La Ladrona» (1964), thriller psicológico de Alfred Hitchcock, «La Ofensa» (1973) de Lumet, «Asesinato En El Oriente Express» (1974), «La Casa Rusia» (1990), «Los Últimos Días Del Edén» (1992) y más; Su última película fue «La Liga De Los Hombres Extraordinarios» (2003).

Sean Connery

James Bond, el Agente que le dio Todo

Sean Connery interpretó al icónico agente 007 en 7 ocasiones. Desde 1962 y hasta 1983 en las películas: «Dr. No» (1962), «From Russia with Love» (1963) de Young, «Goldfinger» (1964) de Guy Hamilton, «Thunderball» (1965) de Young, «You Only Live Twice» (1967) de Lewis Gilbert, «Diamonds Are Forever» (1971) de Guy Hamilton y «Never Say Never Again» (1983) de Irvin Kershner.

Para gran parte de los fanáticos del agente británico más famoso en el mundo del espionaje y las operaciones secretas, la interpretación que realizó en este periodo Sean Connery ha sido la más destacada de toda la saga que hasta la fecha sigue vigente. Y sin duda, fue el personaje que más fama le dio al actor.

Sean Connery

Fray Guillermo de Baskerville y la Nobleza de su Interpretación

Pero Bond sólo sería el inicio. Una vez terminada esa etapa, el actor escocés tomaría un camino que le permitiría ser reconocido más allá del 007. Comenzando por la controversial cinta «El Nombre de la Rosa» (1986), interpretando a un fraile franciscano encargado de resolver un misterio en la abadía de la Orden de San Benito ubicada al norte de la península itálica en aquel siglo XIV. 

Guillermo de Baskerville es uno de los promotores de la ciencia y el razonamiento lógico, facultades mal vistas para la época de la inquisición y penadas hasta con la muerte. La personalidad que le imprime Connery a la adaptación de la obra de Umberto Eco es tan buena que le llevó a ganar un premio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión.

Sean Connery

El Galardonado Jim Malone 

«The Untouchables» (1987) fue el proyecto que le valió su única nominación a un premio Oscar en toda su carrera, misma que terminó ganando como Mejor Actor de Reparto.

En ella, Sean interpretaría a un honesto policía de la vieja escuela, a quien el protagonista le pide que se una a su grupo para acabar con Al Capone. A pesar de que su personaje, Jim Malone, termina siendo asesinado, las escenas en las que aparece terminan siendo memorables dentro de la película.

Sean Connery

Henry Jones Sr., el Padre del Mejor Aventurero del Cine 

Durante la tercera entrega de la saga dirigida por Steven Spielberg, Indiana Jones and The Last Crusade (1989), Henry Jones ha sido secuestrado por los nazis, puesto que posee un diario con la información necesaria para localizar el mítico objeto. 

Éste personaje que representa Connery es fundamental en la trama, tanto así que es el encargado de hacer evolucionar al personaje de Indiana Jones y dejar en la audiencia un mensaje claro sobre la relación que debe existir entre un padre y su hijo.


De Agente Secreto al Ex-espía John Patrick Mason 

En «The Rock» (1996) interpretó al único hombre que en el pasado fue capaz de escapar con vida de Alcatraz, a este hombre se le conoce como «La Roca»: un exagente secreto británico del SAS llamado John Mason. Ahora, este astuto criminal, tendrá que colaborar con el Gobierno para infiltrarse en una de las prisiones más seguras del mundo y de la que ya había escapado una vez, para rescatar a un grupo de rehenes y evitar una catástrofe en la ciudad de San Francisco. 

Para muchos, las secuencias de acción en esta cinta son consideradas como de las mejores en su época. 

Sean Connery

Si bien Sean Connery siempre será mayormente recordado por dar vida a James Bond, ¿cuál es su personaje favorito de este actor, cinéfilas y cinéfilos?