¡La serie de Avatar: The Last Airbender ya eligió a sus protagonistas!
Aunque han pasado años desde que Netflix anunció planes para adaptarAvatar: The Last Airbender a una serie live action, ¡finalmente hay noticias y ya revelaron todo el elenco que integrará el programa!
A la cabeza están el showrunner Albert Kim (Sleepy Hollow) y los productores ejecutivos Dan Lin (The Lego Movie), Lindsey Liberatore (Walker) y Michael Goi (American Horror Story), mientras que Roseanne Liang (Shadow in the Cloud) será la coproductora ejecutiva
Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, creadores de la serie original, estaban listos para repetir sus papeles en la nueva adaptación, pero dejaron el proyecto en agosto de 2020,citando diferencias creativas.
El Nuevo Elenco
Por ahora, ya se han elegido cuatro roles clave para el elenco. Gordon Corimer, quien recientemente apareció como Joe en The Stand, interpretará a Aang, el Avatar de 12 años descongelado de un bloque de hielo que es enviado en una misión para salvar el mundo.
Kiawentiio interpretará a Katara, la chica de 14 años que le gusta a Aang. Ella es la última Maestra Agua en la Tribu Agua del Sur después de que la Nación del Fuego la atacara hace años y matara a su madre. Ella y su hermano se unen a Aang en su misión de aprender los cuatro elementos. La actriz es famosa por series como Anne with an E y Rutherford Falls .
Ian Ousley ha sido elegido como Sokka, el hermano de 16 años de Katara que lucha con sus inseguridades acerca de no ser un doblador y su temor de no poder proteger a sus amigos y familiares. Ousley también ha aparecido en algunas series, como 13 Reasons Why de Netflix y Physical with Rose Byrne de AppleTV + .
Para finalizar, Dallas Liu interpretará a Zuko. El maestro fuego de 17 años que su padre lo ha exiliado por mostrar falta de respeto y hablar fuera de turno. Desesperado por capturar al Avatar y recuperar su honor, Zuko es el principal antagonista de la primera temporada. Liu aparecerá en la próxima película de Marvel Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings.
Desaparición en el hotel Cecil es una docuserie que puede captar la atención de los amantes del verdadero género del crimen. Pero, ¿funciona para todo el público?
Desaparición en el hotel Cecil, es la nueva serie documental que explora la muerte de la joven Elisa Lam en el famoso establecimiento de Los Ángeles. La estudiante canadiense llamó la atención luego de desaparecer y ser encontrada muerta en un tanque de agua. El caso, hasta el día de hoy, sigue siendo un misterio.
Alojada en el Hotel Cecil, Elisa, de 21 años, desapareció misteriosamente en febrero de 2013, dejando en el lugar todas sus pertenencias y documentos. Su último registro en vida, fue visto a través por las cámaras de seguridad de uno de los ascensores del edificio, la mostraba agitada, mirando el pasillo y gesticulando frenéticamente, como si se escondiera de alguien. En ese momento (y hasta la fecha), los videos se volvieron virales en las redes sociales por el comportamiento extraño de la joven.
Días después, su cuerpo fue encontrado flotando en uno de los tanques de agua del hotel, sin signos de violencia y en circunstancias inusuales que sirvieron para alimentar teorías de conspiración sobre lo que le había sucedido a la estudiante, un misterio que aún no se ha resuelto.
El Hotel Cecil
La investigación del documental se mezcla con la historia del hotel, inaugurado con gran entusiasmo a principios del siglo XX (y marcado desde el principio por una serie de actos violentos, suicidios y muertes misteriosas) y luego, simultáneamente con la decadencia por el área de Downton de Los Ángeles, que pronto cayó en desgracia y se convirtió en un refugio para asesinos e indigentes en unas pocas décadas.
A partir de entrevistas con empleados, otros huéspedes del hotel y algunos de los investigadores del caso, la producción de Netflix dirigida por Joe Berlinger (Ted Bundy: durmiendo con el asesino) busca comprender la misteriosa muerte de Elisa, además de retratar la historia marcada por hechos macabros en el establecimiento.
Ya con experiencia en retratar casos individuales de delitos notorios y criminales, esta será la primera vez que Joe explora los roles que desempeñan ubicaciones específicas en estos eventos. Por lo tanto el Hotel Cecil será solo el primero de varios lugares que se visitarán en las temporadas de la serie.
El misterio del caso
Una parte central del documental son los detectives de internet que encontramos en la historia, esos investigadores aficionados apasionados por el verdadero crimen que se reúnen en sitios, foros y canales de YouTube dedicados a los casos sin resolver más controvertidos, personas que a menudo desarrollan una pasión por resolver el caso, sin embargo, se alejan cada vez más de la realidad para conducir al terreno de las teorías de conspiración.
En la búsqueda de un culpable a toda costa pasarán de imaginar conspiraciones gubernamentales, temas sobrenaturales y poner como culpable a un cantante mexicano de heavy metal por pasar unos días en el hotel un año antes de la muerte de Elisa debido a sus canciones con contenidos macabros.
El hallazgo del cuerpo en los tanques de la azotea del hotel, no calma su necesidad de verdad, sino que la alienta, empujándolos a buscar pistas sobre la identidad de un posible asesino, porque la posibilidad de que sea un accidente es ni siquiera considerado.
¿Vale la pena verlo?
Esta historia da origen a un fenómeno mundial que ve el florecimiento de múltiples teorías y muchas fantasías para los entusiastas de lo paranormal. En YouTube, se ve, comenta y analiza millones de veces el video. Incluso Ryan Murphy se inspiró en este caso para la historia de la quinta temporada de American Horror Story: Hotel.
Lo malo de la serie, es que le sobran varios episodios, se vuelve muy repetitiva y tediosa en algunas partes. Por otro lado, se inserta el número adecuado de aportes y testimonios, capaces de delinear la situación de forma completa, pero la presencia constante de reconstrucciones, que ya se habían visto en el anterior capítulo, terminan por desesperar.
Aunque, si eres fan de las historias de misterio, el documental te puede resultar llamativo ya que constantemente están sugiriendo muchas alternativas sobre la resolución del caso.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Les gustó el reciente documental de Netflix?
«Madre sólo hay Dos» es una prueba más de la ironía en la audiencia mexicana: es todo un éxito a costa de reacciones en su mayoría negativas.
Las producciones mexicanas siguen llegando a la plataforma de Netflix, convirtiéndose enseguida en tendencia por varios días (incluso semanas completas). Sin embargo, las quejas de este tipo de tramas que son tan repetitivas, forzadas y aburridas siempre salen a relucir en redes sociales.
¿Qué deben hacer los creativos mexicanos para tener contenta a la audiencia? Si hay tanta variedad en gustos y muchos dejan claro que éste no es su favorito, entonces cómo le hace el «género cómico, melodramático, telenovelesco mexicano» donde se encuentran este tipo de series y películas nacionales, para que al final cumpla con su objetivo: ser visto por millones de personas. Los números no mienten, por muy mala que sea y muchas críticas negativas que existan, siempre son de lo más visto en los estrenos.
Pero en esta ocasión, ¿Por qué «Madre sólo hay Dos» logró posicionarse entre las más vistas? Acá te contamos un poco sobre ello.
Una Confusión es la Causante de la Peculiar Historia
La trama gira alrededor de Ana (Ludwika Paleta) y Mariana (Paulina Goto), dos mujeres con estilos de vida completamente diferentes y que por azares del destino terminan dando a luz en el mismo hospital. Después de unos meses, ambas son notificadas de que sus bebés fueron intercambiados accidentalmente al nacer, por lo que deben cambiarlos para que estén con la mamá correcta.
Este suceso, sumado al gran cariño que le tomaron al bebé con el que en un principio llegaron a casa, las lleva a tomar medidas por el bien de sus hijas. A pesar de no tener nada en común y de no soportarse la una a la otra, elaboran un plan para adaptarse a su nueva realidad y así construir una familia muy peculiar. Claro, sin imaginar que descubrirán secretos, dándose cuenta que entre ellas hay más conexión de lo que parece.
Más de la Misma Fórmula Mexicana
La serie no aporta nada nuevo a lo que ya se ha visto una y otra, y otra vez en un producto mexicano. Una comedia básica que llega a lugares muy comunes en el cine mexicano: la «familia perfecta» que no resulta tan perfecta, la irresponsabilidad de los jóvenes, la indecisión de los protagonistas, el drama de las parejas. La importancia de la amistad, el aprendizaje y experiencias. El estigma entre el rico y el pobre.
Pero eso no es todo, la serie se tropieza también al momento de tratar otro tipo de temas más actuales, como la maternidad y la paternidad, la comunidad LGBT,. La libertad de creencias, los conflictos de pareja. Y es que trata de explorar tantos temas, pero no logra cuadrarlos bien con la historia personal ni en el desarrollo de sus personajes. Dando como resultado mensajes conflictivos e ideas problemáticas sobre lo que buscaban explorar.
Además, en Madre Sólo Hay Dos, a pesar de que se está contando una historia inusual, tiene el mismo toque característico de cualquier capítulo de estos programas de televisión abierta que te intentan dejar una enseñanza para que aprendas con el ejemplo.
Entonces… ¿Por qué el éxito de Madre Sólo Hay Dos?
Madre Sólo Hay Dos sabe utilizar los clichés para convertir una historia extravagante en algo no tan ridículo. Claro, sin dejar a un lado que la historia retrata un caso extremadamente raro y muy poco probable en México, de esos que pensamos que sólo suceden como comedia. Pero desafortunadamente, la negligencia médica y sus consecuencias son más reales en este país de lo que quisiéramos aceptar.
Pero al final de cuentas, como sucede en las producciones mexicanas, cumple con lo que otras producciones comerciales exitosas han presentado y que de manera inexplicable gustan a una gran parte de la audiencia.
Si «Todos» odian estás producciones, ¿Por qué permanecen en tendencia por tanto tiempo?
«Madre sólo hay Dos» ha desatado críticas muy negativas en la comunidad, contrastando con quienes se atreven a defenderla. La realidad es que lo único que podría parecer atractivo –si es que logras terminar la serie– es su final, aunque tampoco es cosa del otro mundo dejar abierta la respuesta a las interrogantes más importantes de la historia.
También es cierto que series como esta, ofrecen una alternativa a las buenas producciones y gran variedad de contenido que llega a todos los servicios de streaming con los que contamos actualmente –si es que alguien se queja de eso– o por qué no, simplemente como un distractor para los menos exigentes.
Quizá la verdadera respuesta está en que es la curiosidad por ver el «ahora con qué salieron» o será probablemente que hay una especie de placer culposo por las películas y series mexicanas… lo que hace que producciones de este tipo logren mantenerse en tendencia.
Pese a todo, se ha mantenido en los primeros lugares del top de popularidad en Netflix e incluso ya está confirmado que «Madre sólo hay Dos» contará con una segunda temporada.
Ustedes cinéfilas y cinéfilos ¿Ya vieron la serie, díganos qué opinan sobre ella?
Cielo de medianoche es la primera película protagonizada por George Clooney en Netflix que cuenta una misteriosa catástrofe en el universo.
La película se desarrolla en un futuro próximo, en dos lugares: el desierto ártico y el espacio. En el primero, conocemos a Augustine (George Clooney), un científico que se negó a evacuar un complejo de investigación después de que una misteriosa catástrofe tocará a la humanidad. En el segundo, conocemos a Sully (Felicity Jones) y sus compañeros astronautas (Tiffany Boone, Demián Bichir, David Oyelowo) en una misión por regresar. Alertados por Augustine, quien les insiste en no regresar a la Tierra, los miembros de la tripulación se enfrentan a la incertidumbre de lo que decidan. Sin embargo, existe un nuevo problema para Augustin, al descubrir a una niña que se esconde en su casa y ahora depende de él.
Cielo de medianoche es una adaptación de la novela distópica de ciencia ficción Good Morning, Goodnight de Lily Brooks-Dalton y la película es dirigida por George Clooney.
La soledad y la resiliencia
La historia se desarrolla en 2049 y, como se mencionó, el mundo conocido ya no existe. Por ello, desde hace años se lanzan misiones de reconocimiento en busca de nuevos planetas habitables. La película nunca menciona cómo ha ocurrido la catástrofe, es irrelevante en este caso, simplemente ya no existe la esperanza y Augustine solo espera pacientemente el final.
La reflexión sobre la resiliencia y el desarrollo humano que propone la historia aporta mucho al mostrar lo que son capaces ante la adversidad y la supervivencia los seres humanos. La soledad y la prueba del tiempo son puntos fuertes para entender más al protagonista, principalmente, para llegar a la conclusión que necesita tener un propósito para seguir aferrándose a vivir.
Algo muy sentimental de la película, y que llega en un momento oportuno, es la necesidad de volver a casa y estar con las personas que amas; o estar en comunicación con las personas que amas. Todas estas cosas se han vuelto difíciles en este nuevo y extraño contexto en el que vivimos.
George Clooney como director
Tenemos una gran cantidad de largometrajes que hablan de la búsqueda de nuevos mundos habitables, la humanidad en crisis y el apocalipsis. El cine estadounidense en particular nos ha cedido la mayoría de estas obras, aunque este tipo de narraciones siempre tiene una firma particular que hace que esta categoría de títulos a veces se parezcan entre sí. Cielo de medianoche es una película de ciencia ficción que, en principio, sigue las elecciones de cualquier película perteneciente a este género, pero que mantiene su propia esencia con su simpleza.
En cuanto a los efectos especiales son excelentes y bastante creíbles, inyecta una grata dosis de adrenalina a la película. George Clooney crea una cinematografía excepcional con un trabajo ambicioso de notable diseño, que en al menos una ocasión también ofrece una solución narrativa emocional y visualmente memorable.
Las imágenes de Clooney, imaginativas y construidas sobre la elegante y maravillosa banda sonora de Alexandre Desplat (The Shape of Water , Grand Budapest Hotel) proporcionan bastante a la película al generar la esperanza e intimidad de la historia.
En conclusión, Clooney realizó una película nada despreciable que forma parte del resurgimiento de la ciencia ficción de Hollywood este año y logra alimentar la imaginación apoyándose en la situación del mundo actual.
La película Cielo de medianoche ya se encuentra disponible en Netflix.
Aquí te dejamos el trailer
¿Qué opinan cinefilias y cinéfilos?¿Les gustó Cielo de medianoche?
Gambito de Dama es una mirada diferente a la vida dentro de la URSS y que sigue empujando por narrativas feministas en la cultura pop.
El modelo de Netflix sigue siendo estrenar decenas de series y películas por mes para que sus usuarios siempre tengan algún contenido nuevo para ver. Pero ya lo hemos dicho muchas veces: cantidad no es calidad. De ese exagerado número de nuevas producciones muy pocas son las que realmente valen la pena, y cada vez son menos. Sin embargo, el gigante del streaming esporádicamente nos regala alguna joyita perdida. En esta última categoría es donde encuentra su lugar Gambito de Dama.
Esta miniserie de siete capítulos, basada en la novela homónima de Walter Tevis, es la segunda producción del guionista y director Scott Frank (Logan, Un Romance Peligroso) para Netflix. La primera es la subvalorada Godless. Gambito de Dama no solo es ampliamente superior, sino que probablemente sea la mejor producción que el streaming estrenó este año.
¿De qué va?
En pocas palabras, vamos a seguir la historia de Beth Harmon, una joven huérfana (Anya Taylor-Joy en la adolescencia/adultez, Isla Johnston en la niñez) que casi de casualidad descubre que es un prodigio en el ajedrez. Beth pasará de practicar con un conserje en el sótano del orfanato, a jugar en las grandes ligas con los principales maestros de este deporte lúdico. Por supuesto el camino no será nada fácil y deberá lidiar con su pasado y sus demonios internos en un ambiente ultra machista.
La miniserie, ambientada entre los años ’50 y ’60, fue vendida como un thriller psicológico, pero, aunque utiliza varios recursos de este género, es en esencia una épica deportiva. La historia de superación viene de la mano del paso de niña a adulta de la protagonista, porque también estamos ante un relato del subgénero coming-of-age. Las partidas de ajedrez se entrelazarán con el primer amor, la menstruación y el despertar sexual.
Claro que el drama no será ajeno, ya que la tragedia hará volar alfiles y peones por los aires en varias oportunidades. Beth no solo se refugiará en el ajedrez para tratar de domar las fieras que hay en su mente, sino que desde pequeña ira desarrollando una fuerte adicción por las pastillas y el alcohol.
¿Por qué hay que verla?
Esta sólida y entretenida historia está cimentada por un enorme y cuidado trabajo técnico, que resulta bastante inusual en el mundillo de las series. Si bien en los últimos años la televisión ha entregado producciones muy destacables, los tiempos y el lenguaje televisivo siguen siendo distintos al cinematográfico. Scott Frank, que dirige todos los capítulos, intenta alejarse de las convenciones televisivas habituales para relatar la historia de un personaje complejo y contradictorio. Y el resultado es exitoso.
Al muy logrado desarrollo de personajes –no solo de Beth, sino también de varios secundarios, en especial su madre adoptiva– se le debe sumar un gran trabajo a la hora de reproducir las partidas, que por supuesto son muchas. El ajedrez no es un juego fácil de filmar, pero aquí de forma muy inteligente se utilizan varios recursos para que en ningún momento resulte tedioso o repetitivo. Y este acierto también se le atribuye a Anya Taylor-Joy. La actriz nacida en Argentina ya había demostrado su talento en La bruja,Fragmentado, o la reciente Emma y se consolida como uno de los grandes talentos actorales de su generación. Sus enormes y expresivos ojos, sus gestos, el movimiento de sus manos, son suficiente para transmitir lo que sucede en el tablero.
Gambito de Dama resulta en un show formidable que puede hablar de feminismo sin ejercer presiones exageradas y que además muestra una mirada poco convencional de los soviéticos y los conflictos geopolíticos de la Guerra Fría, época en la que acontece la historia. El show se distancia de esa imagen demonizada de los comunistas que Hollywood alimentó por años, reflexiona y los humaniza. La miniserie de Scott Frank es auténtica, adulta, efectiva, puede jugar de forma elegante con la mixtura de géneros y eso basta para convertirla en una de las grandes sorpresas de este 2020.
¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Ya vieron Gambito de Dama?
Lo nuevo de The Umbrella Academy, más que una innovación en el género, recae en la manera de cómo ejecutan cada elemento ya visto en otras producciones.
Tanto tiempo de espera en verdad que valió la pena para poder ver los nuevos capítulos de The Umbrella Academy, la adaptación del cómic homónimo creado por Gerard Way, pues ha resultado todo un éxito para la plataforma de Netflix. Y con esta nueva temporada, ha demostrado que no todas las segundas partes son malas.
Como toda adaptación siempre habrá un sector inconforme con el más minucioso detalle que no se ha respetado del producto original y de lo que se ha añadido o quitado por los productores de la plataforma. Pero acá nos enfocaremos en lo que sucede en televisión y encontrarás las razones por las que no te puedes perder esta segunda temporada.
Un nuevo apocalipsis por evitar
Durante la temporada pasadaCinco (Aidan Gallagher) advirtió a los Hargreeves (tantas veces) que usar sus poderes para escapar del apocalipsis de Vanya (Ellen Page) en 2019 era arriesgado. Bueno, para variar tenía razón: el salto temporal dispersa a los hermanos en los primeros tres años de la década de 1960, lo inexplicable es que aterrizan en el mismo lugar de la ciudad de Dallas, Texas.
Luego de haber estado atrapados en el pasado durante años, han construido vidas y han seguido adelante, seguros de que son los únicos que sobrevivieron. Cinco es el último en aterrizar y lo hace justo en medio de un día del juicio final, resultado de la interrupción del grupo en la línea de tiempo.
Ahora, Umbrella Academy debe encontrar una manera de reunirse y descubrir qué causó el nuevo fin del mundo, para así detenerlo y regresar su línea de tiempo.
Todo mientras son perseguidos por un trío de despiadados asesinos suecos. Además de una nueva dirección en La Comisión y el regreso de una rival muy conocida.
La acción, la personalidad y el soundtrack es por mucho lo mejor
La producción, y en especial estos tres elementos, levantan por completo lo que podría ser una serie más del montón. Su historia en conjunto no es muy llamativa del todo. Vaya, estamos hablando del típico grupo de superhéroes que deben reunirse y salvar al mundo de un gran villano o de un inminente final.
Sin embargo, de manera individual destacan demasiado las tramas que aborda en esta temporada. Temas como el racismo, la comunidad LGBT, las adicciones, las sectas, entre algunos otros. Desarrollados además de forma que lleguemos a empatizar con alguno de los personajes, aunque algunos empiezan de gran forma y se van cayendo conforme avanza la historia (lo siento, Luther).
La personalidad de los integrantes de The Umbrella Academy es de destacarse sobre todo en Klaus (Robert Sheehan) y Cinco que se han mantenido como los favoritos al desenvolverse de manera tan natural en la interacción con cualquiera que se presente en su camino.
Las secuencias de acción en las que podemos escuchar increíbles canciones, nos dejan con un grato sabor de boca y nos emocionan para seguir adelante con cada capítulo. Disfrutamos ver en pantalla la química, pero no de todo el equipo junto, sino cuando están haciendo dupla con alguno de sus hermanos. Además el humor ácido que ha manejado sigue siendo sensacional.
Vanya y Diego por aparte…
Dos son los personajes que en esta temporada de Umbrella Academy terminan por romper un poco el ritmo del grupo, ¿De forma positiva o negativa? Lo más justo sería decir que un poco de los dos.
Por un lado, está Vanya que, desde la temporada pasada, no termina por ser del gusto entre una parte de la audiencia. En esta temporada, lo más destacado es el romance que mantiene en el lugar donde le dan refugio y la demostración de su increíble poder al que llegará. El problema recae en que, después de ver el ritmo tan acelerado de los demás personajes, su trama de autodescubrimiento alenta un poco la trama.
Por su parte, Diego (David Castañeda) pasó de ser el tipo más rudo, mandón, con aires de grandeza y liderazgo; a ser completamente todo lo contrario tan solo por el hecho de enamorarse. Un cambio exagerado y repentino. Participa en varias de las escenas más destacadas de la temporada, pero en realidad el no sobresale.
Y ya que estamos en estos aspectos entre buenos y malos, los suecos que parecía serían la peor pesadilla en esta temporada, la verdad hacen que extrañemos demasiado a Cha-Cha y Hazel. Mientras, La Comisión toma de nuevo un papel importante y Pogo protagoniza una escena muy melancólica.
¿Nos están cansando los superhéroes?
A pesar del buen recibimiento en su primera semana y el hype que generaron sus avances antes de ser estrenada, The Umbrella Academy parece que no ha tenido el mismo impacto ni la presencia en la discusión de los seriéfilos que tuvo su primera temporada. Incluso en esta sección del «Top 10» en la plataforma, no logró mantenerse en primer lugar por mucho tiempo.
Muy probablemente, la gran cantidad de producciones del género de superhéroes, explotado principalmente por Marvel, ha terminado por influir en la atención del espectador en todos estos proyectos a pesar de ser buenos, reduciendo además el interés por ver «más de lo mismo».
En Conclusión, The Umbrella Academy…
Mantiene su estilo y el humor característico en cada capítulo, colocándola entre las favoritas de Netflix. Las historias en individual son buenas, te mantiene entretenido con los enfrentamientos entre los Hargreeves y quién se interponga en su camino, acompañados del especular soundtrack que junto a la personalidad de Klaus y Cinco, valen por completo la serie. La evolución de los personajes te deja con ganas de ver más sobre ellos.
Las sorpresas no son muchas pero abren posibilidades y sobre todo alternativas que necesitarán buscar para no caer en lo repetitivo y perder esa popularidad e interés que aún hay por esta peculiar familia de superhéroes. La clave está en ese espectacular final de temporada.
Ante esa inminente tercera temporada, The Umbrella Academy tendrá que buscar caminos diferentes que les permitan continuar con el éxito que ha tenido y no se conviertan en superhéroes del montón.
Control Z no es nada arriesgada, y quizá no aporta nada nuevo al género… pero te logras identificar más con las situaciones al apegarse a una dura realidad.
Con una segunda temporada recién confirmada, el éxito de Control Z se ha puesto a discusión entre quienes la han amado, y quienes simplemente la han sumado a una más del monto de producciones destinadas a un público adolescente y que no causa relevancia ni emoción alguna.
Lo cierto es que, a pesar de seguir con elementos que ya se han visto anteriormente en Netflix, Control Z tiene aspectos que destacar, como su elenco, la capacidad de la historia para mantenerte atrapado y el tratar con problemas más apegados a la realidad de muchas instituciones educativas. Y, por supuesto, lo peligroso que puede resultar todo lo que subimos a redes sociales e internet.
Es por eso que acá te contamos por qué deberías de darle una oportunidad a la serie para adolescentes que ha cobrado popularidad.
Una historia sin secretos
Todo marcha con normalidad en «El Colegio Nacional» con miras a la fiesta de fin de año. Mientras se llevan a cabo los preparativos, Sofía (Ana Valeria Becerril) observa desde su lugar favorito cómo todos sus compañeros realizan sus actividades cotidianas y se reúnen de la misma forma que otros días. Hasta que un hacker filtra y exhibe ante toda la comunidad los secretos de algunos alumnos del Colegio.
Es entonces que la escuela entra en un caos donde las vidas de Raúl (Yankel Stevan), Javier (Michael Ronda), Natalia (Macarena García), Isabela (Zion Moreno), Gerry (Patricio Gallardo), Pablo (Andrés Baida) y Luis (Luis Curiel) se verán afectadas y sufrirán cambios muy importantes.
Este suceso despertará el interés de Sofía por descubrir quién está detrás del increíble hackeo, para tratar de evitar que siga ocurriendo y cada vez más personas resulten afectadas, lo que provocará que entable conversación con quien menos lo imaginó e incluso tenga que estar en los lugares menos pensados.
¡Un increíble cast!
Por fin alguien se dió cuenta que para representar a un grupo de adolescentes en esta etapa escolar, no es necesario recurrir a un reparto con gran experiencia y gran madurez, sino que se necesitan actores y actrices que reflejen esa juventud y den con este perfil de estudiante para lograr que los jóvenes frente a la pantalla empaticen con cualquiera de ellos, e incluso se puedan ver representados en alguna de las historias individuales. Además, la frescura y química que el elenco de Control Z muestra en cada capítulo, aporta a que la historia se desenvuelva de mejor manera.
Cabe destacar que la personalidad que le imprime el cast a cada uno de los personajes protagonistas y la forma en cómo se van transformando con los eventos de la historia, es de lo mejor que tiene esta producción, es lo que te permite relacionarlo más con lo que sucede en la vida real, todo se siente muy natural.
Nada lejos de la realidad
Cada uno de los casos que se presentan en Control Z, son un crudo reflejo del día a día de miles de estudiantes que sufren de bullying por parte de los que se creen «superiores», de aquellos que reciben críticas por su orientación sexual, de esos a los que hacen ver como inferiores o catalogan como «bichos raros» por el hecho de ser diferentes.
Además, la historia se centra en la frustración provocada por estar en boca de todos a causa de la filtración de algo íntimo. Y, quizá lo más interesante que plantea Control Z, es ver el absurdo actuar de las autoridades de una institución educativa ante éstos y muchos más problemas.
Sin embargo, las situaciones se siguen presentando en un ambiente de clase media alta e incluso clase alta, que a pesar de no estar exentos de todos los problemas mencionados anteriormente, dificulta que una parte de la audiencia se vea identificada o representada al cien por ciento.
Pero el impacto de cada caso es increíble, se logra percibir la desesperación, la impotencia, el nerviosismo, la tensión, la tristeza, el miedo, todos aquellos sentimientos y sensaciones que se dan y se transmiten por el elenco hacia el espectador, simplemente te hacen reflexionar y pensar demasiado.
¿Las producciónes mexicanas para adolescentes son iguales a una telenovela?
En la mayoría de los casos (y quizá inexplicablemente) Control Z logra atraparte con su historia, dando crédito precisamente a la gran actuación del joven talento y por supuesto a los temas que han puntualizado en la trama. No obstante, aún con estos elementos, se puede llegar a sentir como simples capítulos de una telenovela genérica.
Pero afortunadamente logran equilibrar un poco la situación con un buen desarrollo de los personajes, haciendo más amenas estas escenas tan dramáticas que suelen hacer perder la credibilidad y atención en una producción mexicana. Además de regalarnos buenos plot twist que resultan sorpresivos o predecibles según lo que vayas deduciendo con la historia.
Hablando del final, solo se puede decir que es vibrante, dramático y engloba la esencia de la serie.
En conclusión, Control Z es…
Control Z está en la delgada línea entre que vale la pena verla y no. Equilibrada con aspectos destacados de actuación e inclusión en la interpretación y desarrollo de las historias individuales, pero con los típicos errores de las series orientadas a un público totalmente juvenil y su afán por enfocar dicha trama en un estatus social alto.
Es la serie que busca generar un impacto por los temas que toca, para prevenirlos y evitar que más casos como los que presenta sigan ocurriendo. Control Z tiene un desenlace muy adecuado a la modalidad y el ritmo de cada capítulo, aspectos que te mantienen expectante y te dan razones suficientes para darle una oportunidad.
Sin necesitar una segunda temporada (que ya está confirmada) donde seguramente sólo alargarán la trama perdiendo el sentido de la historia y también veremos probablemente nuevos estudiantes buscando venganza sobre la persona que resultó ser el hacker.
Control Z resulta ser una opción llamativa e interesante, pero cuéntenos cinéfilos y cinéfilas ¿Ustedes le darán una oportunidad o qué les pareció si ya la vieron?
Eddy es una nueva serie de Netflix que presenta una historia llena de jazz, grandes músicos y mucho drama.
¿De qué se trata?
La serie se centra en Elliot Udo, un músico retirado y son varios problemas personales con su pareja e hija. Él es copropietario de “The Eddy”, un club de Jazz en París con cierto prestigio pero que aún tiene ciertos problemas para mantenerse a flote, como el desinterés de Elliot por involucrase en la administración de lugar, función que se la deja a su amigo y socio, Farid.
A pesar de las buenas intensiones de Farid, terminará metiendo en serios problemas a Elliot y a todo el personal del club cuando los secretos empiecen a salir a flote.
En cada episodio se va desarrollando esta trama, además de que se nos va contando en paralelo las historias de algunos de los miembros de la banda que toca en el Eddy, y cómo su música se alimenta para bien y para mal de sus propias historias.
The Eddy nos nuestra los lazos que las personas crean a través de la música.
Uno de los mayores atractivos
Es sin duda la participación deDamien Chazelle en la dirección de los dos primeros episodios, Además de ser productor de las serie. Este director ganador del premio de la academia ya ha demostrado tener cierto conocimiento del jazz,La La Land y Whiplash son excelentes ejemplos de esto.
La serie aborda este genero de una manera mucho más profunda que con sus trabajos anteriores. Aquí se siente como parte de un todo, aquí sí el jazz forma parte indispensable de la narrativa y que sí aporta tanto a la historia como a los personajes.
Damien Chazelle tiene muy bien entendido como contar historias que involucran música.
The Eddy y el jazz, protagonistas
Eso es algo que la serie trata de dejarnos en claro desde el primer momento. Este club no sólo es un lugar, es “el lugar”. Trata de ser un “Blue Note” o un “Birdland”. En este lugar, no sólo ocurre la historia, se hace la historia. Y Elliot esta dispuesto, y hasta cierto punto obligado, a luchar por este lugar.
Ejemplificando el ambiente en los clubes de jazz
¿Qué hay de la música?
Otro de los protagonistas es sin duda la música. Es cierto que The Eddy habla de músicos que tocan jazz, y definitivamente hay jazz. Pero está mucho más enfocada a un tipo de jazz más moderno, uno un tanto más fácil de escuchar y digerir, lo cual dejará un tanto decepcionados a aquellos que se acerquen a ver esta serie esperando música más al estilo de Coltrane o Parker, o a aquellos que estén esperando un sin fin de referencias a los grandes interpretes del género.
Pero no por eso la música es mala, al contrario, Randy Kerber y Glen Ballard tienen un curriculum impresionante, no solo tocando para grandes artistas si no también componiendo para musicales y películas. Sin duda alguna es su trabajo en la banda sonora de esta serie lo mejor que tiene.
Excelentes músicos interpretaron en vivo la música
El elenco
De hecho, el mismo Randy Kerber forma parte del reparto, como uno de los integrantes de la banda del club. Todos los miembros del ensamble son músicos, además de que la música se grabó en vivo por ellos.
Ellos acompañan a André Holland y Amandla Stenberg quienes interpretan a padre e hija; los protagonistas de la serie.
No todo es perfecto.
The Eddy tiene muy buenos momentos, sobre todo al principio en donde logra engancharte, pero se va relajando con el paso de los capítulos, que es cuando la trama empieza a dar sus giros, alargándola de manera forzada, pero predecible, haciendo que se vaya perdiendo parte del encanto.
Los músicos que forman la banda del club tienen algunas historias bastante atractivas, pero que poco aportan a la historia. Lo cual es un desperdicio total, porque varios de ellos aunque tienen una participación limitada logran mostrar mucho carisma.
En conclusión:
The Eddy es una serie que funciona, sí, te engancha, pero no termina por atraparte, hay mucha calidad en la serie, las actuaciones cumplen, la música es buena, e incluso, como mencioné anterior mente, tiene algunas vueltas de tuerca, pero al final te deja con la sensación constante de que algo le está faltando, que ya has visto algo así muchas veces. Parece ser otra historia más de un padre con problemas con su hija que busca redimirse y cambiar su vida pese a las adversidades. Pero a pesar de todo esto The Eddy podría representar una propuesta bastante entretenida, si le das la oportunidad.
Y sí, al parecer tendremos una segunda temporada de esta serie. Pero, sólo el tiempo decidirá por cuánto tiempo seguirá sonando la música.
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ustedes ya vieron The Eddy?
La Otra Missy debería ser esa película que pones cuando ya no tienes nada, nada, pero en serio nada que ver.
En tiempos de cuarentena nos remitimos a escoger cualquier película o serie que haya en el catálogo de Netflix con tal de distraernos un rato, apostando muchas veces por aquellas que se mantienen dentro del Top 10 de tendencias en la región.
Mala idea en ocasiones, y La Otra Missy puede que sea uno de esos casos, aunque si soportas ver a personas haciendo o diciendo cosas absurdas e ilógicas una y otra y otra vez, quizá sea la opción que has estado buscando para divertirte y no parar de reír.
¿A quién no le ha pasado algo así?
Esta comedia relata la historia de Tim Morris (David Spade), un hombre que tras romper con su compromiso de matrimonio, decide experimentar con las citas a ciegas. En una de éstas conoce a Missy (Lauren Lapkus), una chica extrovertida que no se cansa de hablar y cometer actos tan hilarantes para ella, lo que provoca que Tim la considere como una lunática y busque a toda costa la forma de huir.
Meses más tarde, Tim conocería por accidente en un aeropuerto a Melissa/Missy (Molly Sims), de quién se enamora después de descubrir que tienen una serie de gustos iguales, ella le da su número y prometen hablarse para terminar con esa plática tan interesante.
Con la convivencia anual del trabajo tan cerca, Nate (Nick Swardson) le propone a su amigo Tim que lleve a Missy como acompañante al lujoso hotel en Hawai para que ahí la conquiste, éste no lo piensa demasiado y le manda un mensaje con la propuesta, a lo que ella responde muy entusiasmada que si. Pero cuando llega el momento de realizar el viaje, se da cuenta que ha cometido el peor error y ahora tendrá que pasar unas insoportables vacaciones a lado de la otra Missy.
Una comedia complicada
El género que tiene como objetivo hacerte reír hasta el cansancio, recurre con más frecuencia de lo que muchos desearían a cosas como: la exageración de las actitudes bobas, darle características extremas a la persona que todo le sale mal o que habla, habla y habla sin parar; volviéndo la situación más que divertida, una verdadera tortura.
El error que han cometido muchas de las cintas de este tipo, es que lo hacen de forma muy ilógica y en el peor momento para causar risa, peor aún, gastan las mismas bromas que hemos visto en repetidas ocasiones en la pantalla.
En La Otra Missy pasa precisamente ésto y nada funciona, a pesar de tener una trama poco vista, cuenta con personajes poco desarrollados y que actúan sin sentido alguno. Probablemente se deba a que Lauren Lapkus ha declarado en diversas entrevista, que se le dio bastante libertad a su personaje (Missy) e incluso se le permitió improvisar algunas escenas.
Si bien puede verse tan cómoda en su papel, la actitud es tan exagerada que sueles empatizar con la desesperación que siente Tim por librarse de ella. En realidad son muy pocas las escenas dónde te sacarán una risa franca y porque en realidad fue gracioso el momento, pero por lo general todo se siente fuera de tiempo. Ni siquiera Rob Schneider logra aportar la comedia que acostumbra mostrar en sus películas.
Nunca dejes de ser tú mismo
Al menos Missy da una muestra de la importancia de no cambiar tu forma de ser, ni siquiera por tener a alguien a tu lado. Después de haber sido rechazada por Tim en una ocasión y tratar de ser ocultada durante todo el periodo vacacional, Missy siempre busca la forma de mezclarse entre todos, convivir, no para de sonreír y conserva de principio a fin la misma actitud extrovertida.
El verdadero reto es llegar al final de La Otra Missy, para darse cuenta que a pesar de ser insoportable, podría valer la pena aguantar una persona así, con esa dosis de locura que te orilla a vivir grandes aventuras o te hace sentir complementado. Quizá sea lo único positivo que muestra toda la película, pues de alguna forma hace valorar a esas personas que tratan de darle un poco de buena vibra a lo cotidiano y son capaces de cualquier cosa por provocar una sonrisa.
Además logra mostrar algunos mitos sobre la compatibilidad y el amor, ya que con la confusión entre ambas Missy, Tim resolverá la diferencia entre lo que disfruta y lo que solo es una coincidencia cuando de buscar pareja se trata.
En conclusión
La Otra Missy no es para nada la opción más indicada si eres de aquellos que no toleran las actitudes ridículas o las bromas muy tontas para provocar una risa, pues su principal problema es la exageración en lo absurdo. Los personajes no tienen gran desarrollo y la historia se siente un tanto desaprovechada. Sin embargo para aquellos que ríen por cosas tan simples como una caída repentina, pasarán momentos divertidos y entretenidos.
Cinéfilos y cinéfilas, ¿Le darán una oportunidad a esta cinta de la productora de Adam Sandler o ya no confiaran en el Top 10 de Netflix?
¿Alguna vez han sentido que no saben para qué son buenos?
Valeria, la nueva serie española adaptada de un éxito de ventas de Elisabet Benavent, nos sumerge en la vida cotidiana de Valeria, Lola, Carmen y Nerea, cuatro amigas madrileñas que se acercan lentamente a los treinta y que, entre historias de amor complicadas, preguntas internas y decepciones profesionales buscarán solucionar sus vidas sin rumbo, pero siempre saben que se tienen la una a la otra.
Valeria se encuentra en medio de una crisis debido a que no puede escribir la primera novela y se pregunta si realmente es buena en su profesión, al mismo tiempo que atraviesa un período difícil en su relación con Adrián, su esposo, qué ya no parece quererlo realmente.
¿Diferencias con el libro?
Los lectores que ya habían tenido la oportunidad de seguir las aventuras de Valeria gracias a la saga de Elisabet Bonavent , han expresado algunas reservas sobre las elecciones de los guionistas pues consideran que tiene muchos cambios con la novela.
¿Qué pasa si la serie no está a la altura del libro? Es bastante natural querer que la historia sea fiel al libro, y seguramente no es irrazonable juzgarla, en parte sobre qué tan bien cumple con esas expectativas, pero para las personas que no leyeron el libro o no están tan apegadas a la historia la serie es agradable de seguir y algunos de los temas son oportunos.
Por otro lado, la gente suele decir que uno debe juzgar una historia por sus propios méritos y no prestar atención a los asuntos de fidelidad al libro, pensar en lo complicado que es adaptar ocho capítulos con tantos detalles. A veces, lo que funciona en la página simplemente no funciona en la pantalla.
¿Vale la pena verla?
Valeria brinda frescura y libertad en el catálogo de Netflix y nos aleja de las recientes ficciones españolas originales de la plataforma. Tiene una deliciosa mezcla de humor y romance, la verdadera fuerza de Valeria reside en sus heroínas y sus intérpretes.
Diana Gómez encarna perfectamente a esta personaje infeliz en el amor pero llena de sueños y deseos. A su alrededor, Silma López , Paula Malia y Teresa Riott traen una autenticidad real a sus personajes. Lola, poliamorosa que vive una historia complicada con un hombre casado, Carmen, la buena novia enamorada en secreto de su colega de trabajo, y Nerea, una abogada que no se atreve a confesar a sus padres que ella es lesbiana.
Las cuatro figuras centrales de la serie no sólo se definen por sus historias del corazón y la diversidad de sus ideas, sus sexualidades y los problemas que enfrentan, aportan riqueza adicional a muchos temas que son tabúes como las relaciones abiertas, la liberación sexual y el machismo tóxico.
Por otro lado, el triángulo amoroso en el que se encuentra Valeria, entre su esposo Adrián y su enamorado Víctor le agrega drama a la serie muy potente, además el coqueteo de Valeria con Víctor es emocionante y su química es poderosa.
Valeria nos enseña lo valioso de las amistades
La amistad muchas veces nos puede salvar y ayudar en momentos donde nosotros mismos no sabemos para dónde correr. Valeria es una serie que te enseña que la amistad es un valor muy importante que los humanos no deberíamos perder jamás.
No importa qué tan diferentes seamos de personalidad, al encontrar verdaderas amistades sabemos que tenemos un hombro en donde llorar y con quien compartir nuestras alegrías. El cuarteto de la serie siempre está para apoyarse y salir adelante. Las actrices transmiten mucha química entre ellas y eso trae como consecuencia que la serie funcione, cada una de ellas se complementa y aporta diferentes cosas a la historia.
Muestra diferentes ideas del amor
En Valeria el amor tiene diferentes puntos de vista para lograr una diversidad de opiniones, pero el personaje principal está por pasar difíciles momentos en su matrimonio que la hace pensar en la pregunta: ¿El amor tiene fecha de caducidad? Siempre es difícil dejar ir algo que te hizo feliz, ver cómo se agota el tiempo y simplemente no podía mantener unidas a dos personas que pensaban que eran inseparables. Pero aferrarse a algo solo por lo que solía ser no es una buena idea.
La serie también aborda la idea de las relaciones abiertas que recientemente han tenido más popularidad. Lo tratan de una manera bastante positiva, sin embargo, las cosas ya van mal en la relación de Valeria y no parece ser una buena opción pensar en salvar las cosas así. A pesar de eso, la serie siempre trata de exponer muchos puntos de vista para tener una variedad de ideas sobre los temas del amor actual.
Conclusión
Es un programa que intenta transmitir algo más profundo que la historia de una mujer joven que quiere una unión con todo en su vida. Valeria tiene esa conexión con sus amigos, no hay duda de eso, pero también quiere esa conexión con su esposo y su trabajo, y no está obteniendo eso de ninguno de ellos.
Lo divertido de la serie es que los actores habitan sus personajes de manera bastante inmediata. Lola es sexualmente aventurera y no tiene problemas para ser una destructora de hogares, y piensa que si rompe un matrimonio, “ese es su problema”. Carmen es incómoda y no confía en sí misma, a pesar de su divertido sentido del estilo y su trabajo de alto poder. Nerea es leal y muy inteligente, solo tiene miedo de mostrar quien realmente es.
La serie muestra la vida madrileña entre discusiones interminables alrededor de una cerveza en la terraza, noches con amigos de fiesta y un soundtrack muy bueno.
Fundado en 1992 por Peter Neufeld y Barry Scheck, Proyecto Inocencia busca exonerar a los condenados injustamente, a través de los avances revolucionarios en las pruebas de ADN y la reforma de la justicia penal. La organización ha logrado la libertad de 367 personas mediante pruebas de ADN, incluidas 21 que cumplieron condena en el corredor de la muerte.
La serie examina un aspecto diferente del sistema que puede fallar durante un caso: la evidencia, los testigos y el juicio. En cada arco, se siguen uno o dos casos desde sus primeros días a través de los juicios y cómo los abogados de Proyecto Inocencia trabajan para revocar las condenas
Los abogados del proyecto explican que la organización recibe alrededor de un par de miles de cartas al año, todas de personas que afirman estar encarceladas injustamente, desafortunadamente, sólo pueden llegar a aproximadamente el 1% de los casos.
Los casos
Los abogados detallan una serie de casos en los que la escasa evidencia fue presentada ante el jurado como definitiva cuando la ciencia realmente no la respaldaba. Los primeros episodios destacan a un hombre que defiende su testimonio de odontología forense incluso después de que se haya demostrado que está equivocado. No solo las marcas de mordida no coinciden, no hay evidencia real.
En otros capítulos se detalla los peligros de apoyar un caso en el testimonio de un testigo ocular. Los dramas judiciales nos han capacitado para pensar que los testigos son lo mejor para un fiscal. Pero, estos capítulos aclaran cuán inexacto puede ser un testimonio, debido a que hay hombres tras las rejas simplemente porque alguien los señaló. Personas inocentes están en prisión durante décadas antes de que Proyecto Inocencia se involucra. Pero una vez que asumen un caso, se compromete por completo con el largo viaje y el arduo trabajo que conlleva la exoneración.
¿Por qué verla?
Es una de las mejores series de crímenes verdaderos, va mucho más allá de la fórmula típicamente sensacionalista para exponer un retrato completo de las fallas de el sistema de justicia, es una visita obligada para cualquier persona interesada en saber cómo funcionan las leyes estadunidenses.
La serie provoca que te involucres en las historias y entiendas como con un sistema permite que personas claramente inocentes pasen años encerradas, es otra historia sobre la injusticia que cambió la forma en que la gente miraba todo el sistema.
El sistema de justicia
Nos encontramos con presos de todos los ámbitos de la vida, pero todos parecen tener una cosa en común: carecen de los recursos para luchar por su libertad. El documental expone como existen reformas que mejorarán el sistema para hacerlo más justo y equitativo, pero la mayoría no se respetan.
En “la evidencia”, se critica que la ciencia es poco confiable para la condena después de que se demuestre que está equivocada en diferentes casos. Los capítulos de “Los testigos” examinan los testimonios de testigos oculares para demostrar cómo las historias pueden cambiar en momentos de intenso estrés. Finalmente, en los capítulos finales que analizan “El juicio”, se discute la intimidación de testigos, la imposición y la supresión de pruebas.
Gracias a estas organizaciones, en los últimos años se ha visto un cambio dramático, y la reinvestigación de casos controvertidos ha dado como resultado la revocación de un número de condenas injustas, sobre todo los hombres que se hicieron conocidos como los Cinco de Central Park.
Conclusión
Proyecto Inocencia es potente porque muestra cómo las convicciones erróneas no solo destruyen vidas individuales, sino que también tienen un impacto en la ciencia, en lo que se toma en serio como una evidencia legítima, debido a que en casi la mitad de los casos del Proyecto Inocencia, la ciencia forense fue mal aplicada o mal utilizada.
Las últimas docuseries de crímenes verdaderos de Netflix demuestran una vez más tener una investigación increíble, hay una variedad de entrevistas, desde investigadores, fiscales, científicos acusados y forenses.
Hace algunos días llegó a NetflixAtypical, una serie que, a mi parecer, es de las mejores producciones que tiene la plataforma en la actualidad, no sólo por su calidad cinematográfica, si no también por el compromiso social con el que aborda sus distintas temáticas.
Si bien no es de las producciones más llamativas en streaming, o de las que más menciones genera en redes sociales, sí es una de las que tiene una muy buena base de fans que definitivamente estaban esperando por esta temporada.
¿De que trata Atypical?
Atypicalnos cuenta la historia de Sam Gardner, un chico autista, y de los intentos que hace su familia por protegerlo del mundo. Pero con el paso de la historia y con un poco de ayuda extra Sam irá demostrando que está más listo para el mundo de lo que se puede pensar.
En esta nueva temporada la serie trata los mismos temas que en las dos temporadas anteriores, siempre de una manera muy orgánica en donde nada se siente forzado. Continuando con el excelente trabajo en cuando los personajes, en ningún momento los caricaturiza o busca hacer burla o hacer un chiste a costa de ellos, especialmente con los personajes que son autistas o tienen alguna condición diferente. Incluso cuando la cantidad de estos personajes aumenta en esta temporada, lo cual hace que muchas otras situaciones puedan ser abordadas mejor, como lo es la etapa de Sam en la universidad.
Autismo e inclusión
Tanto en la televisión como el cine, y siempre será un tanto controversial, es normal que se dude de la precisión con la que esta condición es adaptada, de hecho, en el caso de esta serie sí hay una investigación y cuidado con respecto a la representación del autismo, que se ha llevado poco a poco, sí, pero con mucha responsabilidad. La inclusión también ha ido tomando un papel importante, ya que en esta temporada se da la incorporación de más personajes que presentan ésta y otro tipo de condición.
Nos esperan grandes cambios
En todo sentido, cada uno de ellos va a pasar por alguna situación que los hará experimentar cosas nuevas tanto para bien como para mal. Casey con su repentino cambio de relación con Izzy y como estos nuevos sentimientos van a afectar su relación con Evan, con su familia y por supuesto, con ella misma. Elsa y Doug, afrontando una especie de fracaso/rescate de su matrimonio. Sam, finalmente da el gran paso de entrar en la universidad y veremos cómo tiene que afrontar no sólo los desafíos propios de su condición autista, sino también los típicos desafíos que cualquier otro joven enfrenta como lo es llevar su noviazgo y su relación con su mejor amigo, en especial cuando un nuevo personaje podría llegar a echar todo a perder.
Todo esto es puesto en escena con lujo gracias al excelente trabajo que realiza el elenco, Jennifer Jason Leigh, Michael Rapaport, Brigette Lundy y Keir Gilchrist interpretan sobresalientemente a los Gardner y, claro, debemos dar el mérito al equipo de escritores comandado por Robia Rashid.
Algo que es importante recalcar es que Atypical no es una serie dramática, no está cargada de momentos tensos o que lleven al llanto, pero tampoco es una comedia simplona en la que te la pases riendo a carcajadas. Es una historia muy familiar muy bien llevada y contada. Y sus 10 capítulos que conforman cada temporada son garantía de que se la van a pasar muy bien.
¿Ustedes ya vieronAtypical? Cuéntenos que les pareció. ¿Esperan una cuarta temporada?
En el octavo Cabos Film Festival se demostró que un festival de cine es un espacio libre, en donde por sobre todas las cosas, se celebra al séptimo arte. Una ocasión especial en donde personas apasionadas se reúnen para ver, escuchar, hablar y aprender de cine. Toda persona es bienvenida, sin importar clase social, color de piel, preferencia sexual, nacionalidad o si gusta de las comedias románticas.
Asistí por primera vez al Festival Internacional de Cine de Los Cabos, el cual celebró su edición número ocho en este 2019, misma que demostró el potencial que tiene México en el cine.
México con lente hacia el futuro
Con una soberbia selección de cuarenta y dos increíbles películas de países como México, Estados Unidos, Canadá, Francia, Japón, Macedonia del Norte, etc., además de legendarios invitados como el actor Robert De Niro presentando el trabajo más reciente de Scorsese, y a Yalitza Aparicio como voz de las mujeres en la industria; el Cabos Film Festival comprobó su liderazgo a nivel continental en cuanto a cine.
Aun con ocho escasos años de haber emprendido este macro proyecto, el equipo detrás de la selección y eventos no bajan su calidad. Al contrario, mantienen su ambiciosa visión, a tal grado que sólo descansan un día de los trescientos sesenta y cinco días del año.
El resto del calendario lo invierten visitando festivales de cine alrededor del mundo. Desde el Cannes Film Festival, a Sundance, al Toronto, Venecia, Berlín, entre otros gigantes; buscando así las mejores y más frescasvisiones cinematográficas.
Incluso con el prestigio mundial al que se ha hecho acreedor este Festival, cineastas, casas productoras y distribuidoras buscan por sí mismos un espacio en la agenda de Cabos.
Apretujada agenda
Una larga opción de películas y actividades pueden resultar en complicaciones para los más entusiasmados asistentes al festival, si no se ofrecen ‘tiempos de tolerancia’. Aunque claro, por más que uno lo desee, resultaría imposible asistir a la totalidad de eventos.
Pero en la octava edición del Cabos Film Festival, varias películas en la agenda se empalmaron entre sí, y con otras actividades. Provocando que se acudiera a la sala con la proyección o la charla magistral ya empezada. Esto no es un problema mayor, frente a una organización general que se acerca a lo perfecto. Sí es un detalle a mejorar en las próximas entregas, lo que podría solucionarse con iniciar con actividades algo más temprano, o con minutos de tolerancia para trasladarse de sala a sala.
Cabos en los próximos años
En las futuras ediciones, para escalar aún más en presencia a nivel mundial, el Cabos Film Festival debe apostar por el aumento de su agenda. De los cinco días que usualmente ocupa para celebrar al cine, tener una duración de al menos una semana para tener un mayor número de películas, actividades, y tiempo de disfrutar de la mayoría.
Si ponemos de ejemplo a los festivales más prestigiosos del mundo, tenemos desde nueve días al Festival Internacional de Cine de Morelia. Diez días del Berlinale. Once días del Festival Internacional de Cine de Venecia, y doce días del Festival de Cannes. Por lo que, siete días sería un tiempo óptimo para darse aún más espacio dentro de la industria.
Aunado a lo anterior, posicionar el prestigio del Palmar (premio a las películas de la Selección Oficial y Selección México Primero) es otro de los retos a alcanzar dentro de éste mundo. Que un Palmar resuene tanto como un León de Oro/Plata, un Oso de Oro/Plata o un Astor del Festival Internacional de Cine de Mar de Plata.
Además, ampliar las categorías que pueda galardonar un Palmar, ayudaría en gran medida a obtener ese prestigio y clase que se propone. Por ejemplo, reconocer al mejor director, mejor actor y actriz, mejor guión y mejor fotografía, con un Palmar del Cabos Film Festival.
Cualquier cosa es posible con el simple hecho de imaginarlo. ¿Quién pensaría que se estrenaría una obra del legendario Martin Scorsese con presencia de Robert De Niro? Ahora sólo resta proponerse objetivos, y lograrlo. En su momento, tal vez hasta se obtenga la categoría “A” para el Cabos Film Festival.
Cine mexicano a la alza
Desde hace varios años el cine mexicano ha entrado en un momentos de productividad y esperanza. Como espectadores debemos apoyar los proyectos que propongan los trabajadores de la industria. Hay que asistir a los ciclos y muestras de cine, salas de proyección alternativas o de cines más pequeños, y no dejar pasar la oportunidad de vivir un festival como el Cabos Film Festival o el FICM.
En México ambos festivales son dos colosales proyectores de sueños para quienes trabajan, y desean unirse en algún momento a la industria.
Por ahora finalizó el Festival Internacional de Cine de Los Cabos con un excelente sabor de boca. Habrá que ver las sorpresas que tendrá en 2020.
