Josh Gad lamenta no haber explorado con más profundidad la identidad queer de LeFou en La Bella y la Bestia
La versión de live action de Disney de La Bella y la Bestia estrenada en 2017 se promocionó como la primera película de Disney que mostraría un personaje abiertamente gay en LeFou (Josh Gad), el secuaz de Gastón. Sin embargo, el público no quedó satisfecho debido a que jamás se profundiza en su vida y solo aparece en momentos escasos.
Las únicas escenas que insinúan la sexualidad de LeFou son solamente dos: Una es a través de un número musical en donde elogió al villano Gaston por su físico y sus proezas. La otra, fue rumbo al final del filme, cuando la cámara lo muestra brevemente bailando con un hombre. Ahora, el actor se abrió en una entrevista con The Independent y comentó Disney podría haber ido más allá con su primer personaje queer.
“No fuimos lo suficientemente lejos como para decir: ‘Mira qué valientes somos’. Lo que lamento es que se haya convertido en “el primer momento explícitamente gay de Disney” y nunca se pretendió que lo fuera. Nunca tuvo la intención de ser un momento por el que deberíamos elogiarnos, porque, francamente, no creo que lo hayamos hecho justicia a lo que debería ser un verdadero personaje gay en una película de Disney. Ese no era LeFou”.
Josh Gad
No es la primera vez
Josh Gad explicó que si los productores y actores mencionaron que incluirían un personaje abiertamente gay, debieron profundizar más en el tema, y no sólo utilizar un par de escenas para mostrar “representación”, aunque en realidad no aporta
“Si vamos a darnos palmaditas en la espalda, entonces, maldita sea, deberíamos haber ido más allá con eso”, continuó el actor. “Todos merecen la oportunidad de verse a sí mismos en la pantalla, y no creo que hayamos hecho lo suficiente, y ciertamente no he hecho lo suficiente para hacer eso”.
Josh Gad
Desde la película de 2017, otros personajes de Disney han sido presentados como explícitamente queer. Uno de ellos fue el oficial Spector en Onward, cuya pareja se menciona brevemente en la película. Tiempo después, presentaron a McGregor (interpretado por Jack Whitehall) en Jungle Cruise y Artie en Cruella.
No obstante, Disney ha recibido duras críticas parecidas a las de Gad en el pasado, por acciones como eliminar un de beso entre personas del mismo sexo enStar Wars: The Rise of Skywalker y lanzar versiones editadas deAvengers: Endgameen donde se censuró la única escena LGBT+ de la película,
Andy Serkis reveló que el Alfred de The Batman no fungirá como una figura paterna para el héroe de DC.
En las anteriores adaptaciones cinematográficas de Batman el personaje de Alfred siempre ha fungido como una figura paterna para el héroe de DC, sin embargo en el filme más reciente de Bruce Wayne las cosas no serán así, tal y como reveló el más reciente intérprete del icónico mayordomo: Andy Serkis, esto en una entrevista con Digital Spy:
“Es un ex soldado que ha trabajado con los servicios secretos, el cual no cuenta con las habilidades emocionales para fungir como un padre. Ese factor funge como un elemento central en nuestra relación, y realmente estoy agradecido de que tenga un nuevo enfoque”.
Vete ya si no encuentras motivos para seguir conmigo
Tras lo anterior, el afamado histrión que diera vida a Gollum en el Señor de los Anillos, detalló que su relación con el Batman de Robert Pattinson se encuentra en un punto muy complejo:
“No verás la relación convencional entre Alfred y Batman donde juntos enfrentan a los enemigos. En este punto, Alfred está en la línea de fuego de Bruce, todo lo que representa -el status quo y su lealtad a la dinastía Wayne- está siendo cuestionado por Bruce. Tienen una relación muy fracturada”.
El próximo 2 de marzo del 2022 podremos ver esta nueva aproximación entre Bruce Wayne y Alfred, esto una vez queThe Batman -película dirigida por Matt Reeves– llegue a salas mexicanas.
Aunque dice que nunca le creerán, Andrew Garfield asegura que por ahora no planea regresar como Spider-Man
Spider-Man: No Way Home sigue siendo una de las mayores hazañas en la historia del cine gracias a que se juntó al trío de superhéroes interpretados por Tom Holland, Andrew Garfield y Tobey Maguire. Gracias a su éxito, los/s fanáticos/as comenzó a pedir que se realizara Amazing Spider-Man 3ahora que comprobaron que Garfield merecía tener su trilogía.
Sin embargo, en una entrevista conVariety, Garfield confirmó que por el momento no tiene planes para regresar a Spider-Man. “Todos me llamarán mentiroso por el resto de mi vida. Soy el chico que gritó lobo”, haciendo referencia a las múltiples ocasiones en las que negó su participación en No way Home a pesar de las imágenes detrás de escena se filtraron en línea. “Pero por ahora, no tengo planes de regresar como Spider-Man”.
No fue fácil guardar el secreto
A pesar de que Andrew Garfield no considera regresar como Spider-Man, sin duda tiene una carrera en la actuación que lo mantendrá ocupado gracias a su reciente éxito Tick, Tick… ¡Boom! del director Lin-Manuel Miranda, que le valió una nominación a los premios de la Academia como Mejor Actor.
No obstante, Miranda también es una de los fanáticos que estaba totalmente emocionado por la posible participación de los tres superhéroes y recurrió a Andrew para preguntarle de su misteriosa película. Sin embargo, el director explicó que nunca le quiso decir la verdad.“Siempre lo negó, pero yo estaba allí el día que se filtró”.
Por ello, se armó de valor y le dijo “Hermano, ¿estás en el nuevo ‘Spider-Man?” a lo que el actor realizó una pésima negación. “Me dijo: ‘Cállate, cállate’. Fue la peor actuación que le había visto hacer. Y dije: ‘Tiene que practicar eso, esa negación’, y se volvió muy bueno en eso, pero yo estaba allí cuando lo hizo por primera vez”.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Te gustaría ver a Andrew Garfield como Spider-Man?
Hidetaka Miyazaki, creador de Elden Ring, habló sobre la dificultad en sus videojuegos.
Si bien Elden Ring ha contado con un buen recibimiento de la crítica y los/as jugadores/as, muchos/as han señalado que no se trata de un videojuego sencillo, ya que si deseas avanzar en el mismo antes tendrás que morir en diversas ocasiones: una característica común en la obra del director Hidetaka Miyazaki, quien además de crear el título en cuestión ha sido la mente creativa detrás de Dark Souls o Bloodborne.
Al respecto de la dificultad en sus videojuegos, Hidetaka Miyazaki conversó en una entrevista con The New Yorker, donde si bien se disculpó por los diversos obstáculos que pone en su obra, argumentó sobre la importancia de los mismos:
“Me disculpo con cualquier persona que sienta que mis videojuegos son difíciles, pero sólo quiero que la mayor cantidad posible de jugadores/as experimente la alegría que proviene de superar las adversidades”.
La muerte como inspiración
Tras lo anterior, el creador de Elden Ring confesó que no es un jugador muy hábil e intenta que la muerte en sus videojuegos sea un factor que motive al jugador/a:
“Yo muero mucho cuando juego. Entonces en mi trabajo intento responder a la pregunta: ‘Si la muerte es más que una marca del fracaso, ¿cómo la doto de sentido y la hago disfrutable?’ Así que buscó una manera en la que me gustaría fallecer, una forma divertida, interesante, o que cree una historia que pueda compartir. Morir, renacer, intentarlo y superarlo, quiero que ese ciclo sea disfrutable. En la vida la muerte es terrible, pero en un juego puede ser otra cosa”.
No cambiará
En la misma línea, el creador de Elden Ring mencionó que la dificultad en los videojuegos desarrollados por FromSoftware no es algo que piense cambiar a futuro, pues es la esencia de los mismos:
“Siempre buscamos maneras de mejorar, pero en nuestros juegos, el trabajo duro es lo que le brinda sentido a la experiencia. Así que actualmente no pensamos cambiarlo. Es nuestra identidad”.
Finalmente, Hidetaka Miyazaki rechazó la teoría de que la dificultad en sus videojuegos es circunstancia de los primeros años de vida del creador, quien creció perteneciendo a la clase baja en Japón:
“No diría que mi vida afecta la manera en que hago videojuegos. Una manera más adecuada de ver la dificultad en los mismos sería la resolución de problemas. Todos/as enfrentamos vicisitudes cotidianas y encontrar una respuesta es algo satisfactorio. Y en la vida no hay muchas cosas sencillas que nos den ese sentimiento”.
A pesar de los conflictos entre Rusia y Ucrania, The Batman todavía tiene planeada una fecha de estreno en suelo ruso
Según The Hollywood Reporter, Warner Bros y DC Films tienen planeado continuar con el estreno de The Batman en Rusia el próximo 3 de marzo a pesar del conflicto bélico que se sucita provocado por la invasión rusa a Ucrania.
En medio del tumulto, se reporta que los grandes estudios de Hollywood están pensando en retirar o posponer sus próximos lanzamientos en el país, aunque realmente ninguna compañía ha hecho un posicionamiento oficial al respecto. Sin embargo, cancelar el estreno de una película tan importante como Batman con tan poco tiempo de anticipación, podría representar problemas importantes para WarnerMedia.
En primer lugar, Rusia siempre ha sido un mercado importante para Hollywood. Tan solo con Spider-Man: No Way Home recaudaron 44,5 millones de dólares hasta la fecha. Además, durante el fin de semana del 25 al 27 de febrero, Cyrano de Joe Wright y The Godfather 50th Anniversary de Paramount se estrenaron en Rusia sin ningún cambio. Por otro lado, Uncharted recaudó el fin de semana pasado 3 millones de dólares y Death on the Nile poco más de un millón, lo que representa apenas una caída del 30% con respecto a su fin de semana pasado, de manera que el conflicto no detuvo la asistencia rusa a los cines.
Hasta ahora, los cines en Rusia no están bajo el control del gobierno ruso sino de empresas privadas. Sin embargo, la mayoría de las plataformas de publicidad en los medios son de propiedad estatal y eso hizo que los ejecutivos comenzaran a preguntarse si era correcto seguir con el plan de estrenos en el mercado ruso.
De acuerdo a una entrevista anónima que obtuvo de Hollywood Reporter, un ejecutivo en Hollywood asegura que ya se está discutiendo el problema: “Si EE. UU. y sus aliados quieren aislar a Rusia del resto del mundo, entonces, ¿Cómo seguiríamos adelante y estrenaríamos nuestras películas allí?”. una ejecutivo agregó: “¿Cómo puede alguien anunciar sus películas en los medios estatales ahora mismo en Rusia?”.
La Cosa No Mejora
A pesar de que los estudios hollywoodienses no se han posicionado sobre el conflicto, es probable que se vean afectados por la decisión de la Unión Europea de expulsar a Rusia del sistema bancario global SWIFT, además de que las casas de cambio rusas se mantendrán cerradas por lo menos todo el lunes 28 de febrero.
Sin recursos financieros, posible que los estudios no puedan recuperar dinero de sus socios de distribución rusos. La organización desempeña un papel fundamental en el mundo financiero y cualquiera que quiera transferir dinero a través de las fronteras no tiene más remedio que utilizar SWIFT.
Esta problemática se suma a que, durante el fin de semana, la Academia de Cine de Ucrania pidió un boicot internacional al cine ruso a través de una petición en Change.org que propone dejar de otorgar licencias de sus películas y series para Rusia, que los festivales internacionales prohíban las películas rusas de sus carteleras y que los productores internacionales pongan fin a cualquier trato comercial con empresas rusas.
“Le instamos a rescindir todos los contratos con ellos”, dice la petición. “Recuerda que la empresa que utilizará tus películas paga impuestos al presupuesto ruso, que financia al ejército que violó las fronteras de un estado independiente y compra misiles para bombardear a la población civil de Europa”.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Ya esperas el estreno de The Batman?
Pokémon presentó a los iniciales de Escarlata y Púrpura, además de una nueva serie animada centrada en la región de Hisui.
The Pokémon Company lanzó un video presentando las primeras imágenes de las dos versiones de su nuevo videojuego: EscarlatayPúrpura, las cuales serán desarrolladas por Game Freak y tendrán su estreno en Nintendo Switch a finales del 2022.
Ambas versiones del videojuego forman parte de la novena generación de Pokémon, y las mismas prometen adentrarnos en una aventura de mundo abierto, donde podremos elegir entre 3 nuevas criaturas para que nos acompañen desde el inicio del juego: Sprigatito, Fuecoco y Quaxly.
Sprigatito es un pokémon de tipo planta que es caprichoso y busca atención, Fuecoco es de tipo fuego y se le describe como un personaje relajado que hace las cosas a su propio ritmo, mientras que Quaxly es tipo agua y se le cataloga como una criatura seria y ordenada.
¿España inspira la nueva región?
Como los/as jugadores/as de Pokémon saben, en cada generación de la franquicia se nos presenta una nueva región que tiene como inspiración algún sitio del mundo, y como señala ComicBook, el territorio que veremos en EscarlatayPúrpura estará basado en España, pues en el avance del videojuego hay diversas referencias a dicho territorio, como un lago similar al de Sanabria, un sitio que se asemeja a la Basílica de la Sagrada Familia, e inclusive vemos diversos molinos que podrían ser referencia a la novela de Don Quijote.
Aún se desconocen muchos detalles sobre las diferencias que tendrán EscarlatayPúrpura, sin embargo conocemos que dependiendo de la versión que juegues tendrás ropa distinta.
¡Anuncian nueva serie!
Por otro lado, The Pokémon Company (vía Polygon) también anunció la realización de una serie animada, la cual se estrenará en algún punto del 2022 y estará basada en la región de Hisui, lugar donde se desarrolla el más reciente videojuego de la franquicia Pokémon Legends: Arceus.
Si bien desconocemos muchos detalles de esta nueva producción, la noticia vino acompañada de una imagen donde vemos a un entrenador caminando en un bosque nevado, lugar donde es seguido por la criatura Hisuian Zorua.
Además, también se describió a este programa como una serie online, por lo que es probable que se trate de una pequeña producción que se estrene en los canales oficiales de Pokémon en Youtube, así como sucedió con otros títulos como Evolutions, Twilight Wings y Generations.
Famosos creadores de memes dieron su opinión sobre por qué Euphoria resultó tan memeable y cómo eso ayudó a su éxito
Una cosa es segura después del intenso y dramático final que tuvo Euphoria: la serie creada por Sam Levinson fue un rotundo éxito no sólo en vistas, sino también en redes sociales. Tan solo durante la semana del 17 al 23 de enero,fue la serie más comentada en Twitter, Facebook, Instagram y Youtube con 8,3 millones de interacciones únicas. Sin embargo, una de las publicaciones mas comunes y virales son lo memes de los protagonistas.
Shane Tilton, autor del libro “Meme Life”, explicó a NBC que los memes son básicamente “el lavado de ojos” que necesita debido a que las fuertes temáticas de Euphoria generan ansiedad y la hacen “memeable”: “Pueden transmitir una serie de emociones en una variedad de situaciones, lo cual es el forraje ideal para los creadores de memes”.
De acuerdo con Tilton, muchas personas se pueden sentir demasiado identificadas con los eventos de la serie, y al ser temas tan difíciles eso puede generar ansiedad y tristeza después de ver el show: “Los memes ayudan también a lidiar con las fuertes situaciones que ocurren en el show. Uno ve a su personaje favorito lastimado o dolido, pero una vez que la situación se hace un meme ya no es tan difícil de ver o de entender”.
La razón por la que vemos más memes apenas se estrene un nuevo episodio es porque ahora el programa “se basa en el caos y en imágenes realmente cinematográficas”, dijo Tilton. Incluso se ha sugerido que el escritor del programa, Sam Levinson, intenta capitalizar la cultura de los memes, sabiendo que potencialmente pueden atrapar a más audiencia: “No me sorprendería si las salas de escritores intentan incorporar esas perlas que creen que la audiencia obtendrá, pero no creo que ese sea su enfoque principal”.
Los memes se vuelven virales
Un meme en particular creció en popularidad en tiktok cuando los/as usuarios se vestían “normales” mientras se escuchaba la voz de Calamardo de Bob Esponja diciendo: “¿Y por qué no usas uniforme?”. Luego, la persona regresa vistiendo un atuendo más elaborada haciendo alusión a “Si fuera a la escuela de Euphoria”.
Euphoria también ha provocado que se realicen club de fans para que cada domingo se pueda comentar el episodio y publicar memes. Uno de ellos es el de Santana, de 25 años, originaria de Brasil, que le comentó a NBC cómo creó la cuenta tres años después del cuarto episodio de la primera temporada y ahora cuenta con 204.000 seguidores.
Santana dijo que ha habido al menos un meme destacado en cada episodio, ya sea el personaje de Zendaya, Rue, haciendo muecas mientras ve una obra de teatro en la escuela o Lexi Howard de Maude Apatow mostrando talento. “La gente en las redes sociales estaba lista para hacer un meme sobre algo y todo, y cómo esto lleva la serie a un nivel diferente es una locura”, dijo Santana. “Todos están conectados para compartir, crear y publicar, llevando el programa a personas de todo el mundo”.
El fenómeno FOMO
Muchas personas que no han visto Euphoria terminan viendo los memes en sus redes sociales y experimentando FOMO: Miedo de Perderse algo (Fear of Missing Out en inglés). Esta expresión se acuñó por primera vez en 2019 por “El efecto Bird Box” después de que la película de Netflix se hiciera viral gracias a la fuerte cultura de los memes que la rodea.
“Vi EUPHORIA solo por los memes, pero maldita sea, este es un buen programa”, escribió un usuario de Twitter . “Acabo de darme cuenta de que la ansiedad y mis altibajos me acompañarán de por vida y este programa hace que se sienta más normal y más fácil de sobrellevar”.
Otro usuario escribió que necesitaba ver la serie para “saber qué significan todos los memes, así que estoy pensando en aguantarme y seguir viéndolo, pero honestamente me da ansiedad”.
Los SAG Awards 2022 nos dejaron grandes momentos, y recapitulamos algunos de los mejores.
Anoche se realizó la edición número 28 de los Premios del Sindicato de Actores (SAG Awards como se les conoce en inglés), y la ceremonia celebrada en el Barker Hangar de Santa Monica (California, Estados Unidos) nos dejó con una serie de momentos que pasarán a la historia, y en Fuera de Foco recapitulamos algunos de ellos.
¡CODA hace historia!
La película CODA sigue cosechando éxitos, pues se llevó el premio al Mejor Elenco de una Película, lo que la convierte en el primer largometraje con un cast predominantemente sordo en recibir el galardón.
Algo similar a la situación de Troy Kotsur, histrión que en el susodicho filme interpreta a Frank Rossi, papel por el cual levantó la presea a Mejor Actor de Reparto por encima de artistas como Ben Affleck (The Tender Bar), Bradley Cooper (Licorice Pizza), Jared Leto(House of Gucci) y Kodi Smit-McPhee (The Power of the Dog).
Lo anterior lo convirtió en el primer actor en la historia en ganar el ya mencionado premio, circunstancia a la cual se refirió durante su discurso:
“He sido miembro del Sindicato de Actores desde 2001 y ahora siento que finalmente soy parte de la familia. Sé que todos saben lo que es ser un actor hambriento. En ese entonces solía dormir en mi auto u en el camerino detrás del escenario. Gracias a todos/as por su apoyo, por brindarme los servicios de interpretación de señas y creer en nosotros/as, actores/actrices sordos/as”.
¡Brian Cox habla sobre conflicto Ucrania-Rusia!
Durante los últimos días diversas figuras del entretenimiento se ha pronunciado sobre el conflicto entre Ucrania y Rusia, y Brian Cox no fue la excepción, pues cuando subió al escenario para levantar el premio de Mejor Elenco en una Serie de Drama para Succession, denunció que a diversos/as artistas se les está prohibiendo pronunciarse sobre el susodicho problema político:
“Es una situación horrible y está afectando a muchas personas, entre ellas muchas de nuestra profesión. Se les está amenazando que no pueden decir ni una palabra sobre Ucrania. Y creo que todos/as deberíamos unirnos por esas personas que no les gusta lo que está pasando. Deberíamos unirnos para celebrar a los/as artistas de allá y esperar que puedan hacer un cambio. Creo que pueden”.
El legado de una carrera
Helen Mirren recibió el Premio a la Trayectoria, y la histrionisa que ganara el Oscar a Mejor Actriz en 2007 por su papel en The Queen, brindó un emotivo y divertido discurso que dedicó a cada uno de los/as artistas con los/as que ha trabajado:
“Quiero agradecer a los/as actores/actrices. Gracias por su humor, las risas, generosidad, inteligencia, energía y dedicación que ponen a nuestra profesión. Juntos/as reímos, lloramos, preocupamos, cambiamos de ropa, vomitamos y sufrimos diarrea”.
Dedicatoria de Michael Keaton
El Premio a Mejor Actor en una serie limitada o película para TV fue otorgado a Michael Keaton, esto por su papel como el doctor Samuel en la serie Dopesick, la cual dialoga sobre la adicción a los opioides, tema que ha afectado de manera directa al histrión tal y como reveló en su discurso de aceptación:
“Cuando hablamos de la adicción en Dopesick, la forma de curar el problema es aceptar que hay uno. Hay una desigualdad masiva en el mundo y hay que lidiar con ella. Tengo la suerte de hacer algo que podría mejorar la vida de alguien, debido al tema de la serie quiero dedicar este premio a mi hermana Pam y sobrino Michael, a este último lo perdí por las drogas y me duele”.
¡Todas las premiaciones!
TV
Mejor Actor en una serie limitada o película para TV
Murray Bartlett (The White Lotus) Oscar Isaac (Scenes From a Marriage) Michael Keaton (Dopesick) *GANADOR Ewan McGregor (Halston) Evan Peters (Mare of Easttown)
Mejor Actriz en una serie limitada o película para TV
Jennifer Coolidge (The White Lotus) Cynthia Erivo (Genius: Aretha) Margaret Qualley (Maid) Jean Smart (Mare of Easttown) Kate Winslet (Mare of Easttown) *GANADORA
Mejor Actor en una serie dramática
Brian Cox (Succession) Billy Crudup (The Morning Show) Kieran Culkin (Succession) Lee Jung-jae (Squid Game) *GANADOR Jeremy Strong (Succession)
Mejor Actriz en una serie dramática
Jennifer Aniston (The Morning Show) Jung Ho-yeon (Squid Game) *GANADORA Elisabeth Moss (The Handmaid’s Tale) Sarah Snook (Succession) Reese Witherspoon (The Morning Show)
Mejor Actor en una serie de comedia
Michael Douglas (The Kominsky Method) Brett Goldstein (Ted Lasso) Steve Martin (Only Murders in the Building) Martin Short (Only Murders in the Building) Jason Sudeikis (Ted Lasso) *GANADOR
Mejor Actriz en una serie de comedia
Elle Fanning (The Great) Sandra Oh (The Chair) Jean Smart (Hacks) *GANADORA Juno Temple (Ted Lasso) Hannah Waddingham (Ted Lasso)
Mejor elenco de una serie dramática
The Handmaid’s Tale The Morning Show Squid Game Succession *GANADOR Yellowstone
Mejor elenco de una serie de comedia
The Great Hacks The Kominsky Method Only Murders in the Building Ted Lasso *GANADOR
Mejor elenco de dobles en una serie de comedia o drama
Cobra Kai The Falcon and the Winter Soldier Loki Mare of Easttown
Squid Game *GANADOR
CINE
Mejor Actor
Javier Bardem (Being the Ricardos) Benedict Cumberbatch (The Power of the Dog) Andrew Garfield (Tick, Tick… Boom) Will Smith (King Richard) *GANADOR Denzel Washington (The Tragedy of Macbeth)
Mejor Actriz
Jessica Chastain (The Eyes of Tammy Faye) *GANADORA Olivia Colman (The Lost Daughter) Lady Gaga (House of Gucci) Jennifer Hudson (Respect) Nicole Kidman (Being the Ricardos)
Mejor Actor de Reparto
Ben Affleck (The Tender Bar) Bradley Cooper (Licorice Pizza) Troy Kotsur (CODA) *GANADOR Jared Leto (House of Gucci) Kodi Smit-McPhee (The Power of the Dog)
Mejor Actriz de Reparto
Caitríona Balfe (Belfast) Cate Blanchett (Nightmare Alley) Ariana DeBose (West Side Story) *GANADORA Kirsten Dunst (The Power of the Dog) Ruth Negga (Passing)
Mejor elenco de una película
Belfast CODA *GANADOR Don’t Look Up House of Gucci King Richard
Mejor elenco de dobles en una película
Black Widow Dune The Matrix Resurrections No Time to Die *GANADOR Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
Masacre de Texas prometía revivir la franquicia y darle un aire nuevo, pero los errores que comete le dan mala fama al renovado género slasher
Netflix lanzó recientemente la nueva entrega de la icónica franquicia de La Masacre de Texas. Si son fans del género, seguramente se han dado cuenta (y ha sido de gran agrado) el ver que estamos viviendo por una especie de resurgimiento del subgénero slasher.
Después de un par de intentos fallidos de revivir algunas de sus franquicias más icónicas por medio de (pésimos) remakes a inicios de la década pasada, como con Viernes 13 y Pesadilla en la Calle Elm, los asesinos más famosos del séptimo arte han vuelto a dominar los gritos de la audiencia.
El que inició este sangriento comeback fue uno de los que popularizó el género en primer lugar: Michael Myers, con su renovada saga de Halloween de la mano de Blumhouse; Candyman llegó para agregarle su estilo a la nueva ola de «terror elevado»; Ghostface regresó para diseccionar la cultura de las secuelas legado en la nueva entrega de Scream, e incluso Chucky ya trajo de vuelta su saga principal en la pantalla chica.
Y aunque en su mayoría estos regresos han sido bien recibidos tanto por fans como la crítica profesional, el último en regresar a la pantalla, el amante #1 de las motosierras Leatherface, no gozó la misma suerte con la nueva Masacre de Texas.
Mal tiempo para una mala película
Originalmente planeada para un estreno en cines en 2021, de la mano de los productores y guionistas Fede Álvarez y Rodo Sayagues (mismo equipo creativo detrás del reboot de Posesión Infernal de 2013 y No Respires en 2016), la cinta fue pospuesta indefinidamente y vendida a Netflix a último minuto, después de que el estudio se preocupara por sus pésimos resultados en funciones de prueba. Y al ver la entrega, es fácil ver el por qué…
La Masacre de Texas es una mala película, y sería una mala película sin importar cuando es que hubiera sido estrenada debido a su mal guion que sigue al pie de la letra los clichés del género, dirección floja que carece de algún tipo tema central, personajes insoportablemente genéricos y el nunca realmente conseguir algo que se sienta como una realización o justificación para revivir esta franquicia más allá de los fines económicos.
Esta es una película que pareciera pensar que todo lo que los fans del terror quieren es sangre y gore sin sentido, y aunque ciertamente no lastima que tu película tenga una body count alta, la primera entrega de Masacre de Texas en realidad tiene una cantidad mínima de gore en pantalla, logrando su efectividad por medio del ambiente y tensión de su dirección.
Sin embargo, es una mala película que tuvo la mala suerte de estrenarse justo después de que la nueva entrega de Scream diseccionara este tipo de secuelas hasta su núcleo. Y una de las reglas más importantes que se establece en el más reciente misterio de la saga creada por Wes Craven en 1996 es: todo se trata de la original. Y más específicamente se refiere a la Final Girl original.
Victoriosas entre gritos
La «Final Girl» (o «Chica Final») es el término que se le otorga a las protagonistas de las cintas de terror que, a pesar de los múltiples obstáculos que enfrenta a lo largo de la cinta, logra sobrevivir y escapar de las garras del asesino. Y los comebacks más exitosos para este tipo de franquicia saben que un slasher solamente es tan efectivo como su final girl.
Las nuevas entregas de Halloween han hecho de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) una verdadera badass lista para enfrentar frente a frente al temible Michael Myers, todas las secuelas de Scream han mostrado a Sydney Prescott (Neve Campbell) como alguien increíblemente capaz de confrontar y derrotar a quien sea que esté portando la máscara de Ghostface en esa ocasión en particular, incluso las recientes historias de Chucky le han mostrado su debido respeto a Andy Barclay (Alex Vincent), el Final Boy del Muñeco Diabólico.
Y esta recuela de Masacre de Texas llamó la atención de los fans de Leatherface al ser la primera entrega de la saga en traer de vuelta a la final girl del largometraje de 1974, Sally Hardesty. Aunque el personaje no es interpretado por su actriz original, Marilyn Burns, debido a su fallecimiento en 2014, pasando ahora a manos de la actrizOlwen Fouéré, se tenía la esperanza que fuera un digno homenaje o continuación a su historia.
Un legado merece más respeto
A pesar de solamente haber contado con una aparición en la primera entrega de su franquicia, Sally Hardesty es considerada una de las final girls más icónicas, puesto que muchos consideran que es el personaje que inició el tropo. Aunque la popularidad del slasher suele acreditársele al éxito de la primera cinta de Halloween de John Carpenter en 1978, Tobe Hooper fue quien le dio al género uno de sus primeros hits con La Masacre de Texas original en 1974.
Así fue que Sally se convertiría también en una de las primeras scream queens del terror moderno y, en efecto, la catálisis para la teoría de la chica final. Y ante la naturaleza tan brutal de los eventos de la película, la victoria de Sally ante un monstruo tan despiadado y, aparentemente, desalmado tal como lo es Leatherface, su victoria es uno de los momentos más catárticos del cine de terror.
Por lo tanto, su trato en el reciente estreno de Netflix ha ocasionado el enojo de muchos fans. Sin adentrarnos al territorio de spoilers, el regreso de Sally se siente como una manera barata de apelar a nada más que la nostalgia más barata de referenciar a la original con la presentación de una Sally que no tiene nada que asemeje algo siquiera cercano a un arco más allá de una copia barata de la caracterización de Laurie Strode en su respectiva recuela.
Y lo más decepcionante de todo es que nos presentan con una escena, que bien podría haber sido una excelente inversión del cliché de la confrontación final entre el asesino y la final girl. Optando por una alternativa mucho más meditativa y que le niega el cierre emocional que muchas protagonistas suelen tener, sino reflexionando mucho más sobre la naturelaza de la saga y Leatherface en sí… antes de desechar eso por completo junto con todo lo que hizo tan icónico e importante para el género a este personaje, decidiéndose por el peor cierre imaginable para su historia.
Si La Masacre de Texas tan solo fuera una secuela/reboot malo más del montón, eso sería una cosa. Pero lo que le ha ganado el repudio de una base tan leal como lo son el fandom del terror, es que rompió la regla de oro: se metió con la original…
¿Qué opinan, cinéfilos? ¿Ya vieron la nueva versión de Masacre de Texas en Netflix?
Los derechos de las series de ALF fueron adquiridos por Shout! Factory, quienes planean llevar la franquicia al streaming.
Deadline reporta que los derechos de transmisión de ALF en streaming fueron adquiridos por Shout! Factory, empresa que también planea lanzar nuevo contenido de la franquicia.
Si bien por el momento se desconocen detalles sobre las nuevas producciones de la franquicia, si se sabe que los 102 episodios de la sitcom protagonizada por el icónico alien adoptado por la familia Tanner -los cuales fueron transmitidos en la NBC durante 1986 y 1990-, llegarán a la plataforma streaming Shout! Factory TV. Esto exclusivamente para Estados Unidos, y en compañía de las series animadasALF: The Animated Series, ALF Tales y la película Project: ALF.
¡Los creadores se pronuncian!
Tras el anuncio, Tom Patchett y Paul Fusco -los creadores del icónico alien- expresaron su alegría al mencionar:
“Esta es la casa que nuestro querido personaje ha estado buscado. Queremos traerle a la gente esta franquicia de una manera que nunca antes han visto, con nuevo contenido y metraje restaurado que nunca se ha visto. Este es el momento que los/as fans del afamado alien habían estado esperando”.
Por otro lado, Gene Pao -vicepresidenta ejecutiva de estrategia digital de Shout! Factory– declaró que este nuevo acuerdo “no sólo permitirá a los/as fans de la franquicia volver a engancharse con la misma, sino también permitirá que nuevas personas la conozcan”.
Licorice Pizza es una historia de amor, una oda nostálgica a los 70, y un testimonio de lo complicado que son las relaciones.
Licorice Pizzaes una historia nostálgica sobre la adolescencia en los 70 en el Valle de San Fernando, California. También es una historia de amor entre dos personas que deben aprender a lidiar con su diferencia de edad. Es una introspección interesante sobre las dinámicas de poder que se generan en las relaciones afectivas. Y es una celebración de la familia y amigos que el director Paul Thomas Andersonha hecho en el camino.
Con una paleta de cálidos colores, un gran soundtrack y mucho estilo, PTA nos presenta al carismático Gary Valentine –interpretado por Cooper Hoffman, hijo del legendario actor Philip Seymour Hoffman, gran amigo y colaborador de Thomas Anderson- un precoz adolescente que a sus 16 años ya es un actor consolidado y un empresario aventurero. Aunque Valentine oscila entre diferentes negocios con una confianza y autoestima poco usual para su edad, sus hazañas en realidad están encaminadas a sorprender a Alana Kane (Alana Haim), una veinteañera de la que se enamora mientras tomaba fotos para el álbum de la escuela.
La añoranza por tiempos más simples
Anderson nos adentra a una época más despreocupada pero igual de cambiante a través de notas periodísticas, música y sucesos importantes. Por ahí se ve un promocional deGarganta Profunda en un periódico mientras se habla de la crisis del petróleo en las noticias. Alana y Gary transitan ese mundo con la ingenuidad y añoranza adolescente, con consecuencias tan divertidas como peligrosas. Esta es sin duda la película más optimista de PTA.
La cinta está parcialmente inspirada en la vida de Gary Goetzman, otro gran amigo y productor de un montón de películas de Anderson, y su protagonista Alana Haim es parte de la exitosa banda de pop Haim Sisters, con la cual el susodicho trabajó dirigiendo algunos videos musicales. Curiosamente la amistad que forjaron en esos momentos lo llevó a decidir que toda la familia Haim participaría en la cinta y la cercanía de todos es palpable en la película, pues las actuaciones se sienten relajadas y casuales, dando un sentimiento de intimidad especial entre sus protagonistas.
La historia de amor entre Gary y Alana es especial. A pesar de haber recibido críticas por la representación de una relación con una diferencia de edad muy grande, en realidad la película se preocupa mucho por mostrar qué es lo que realmente evita que puedan estar juntos. Alana es quien constantemente lo rechaza argumentando su edad, y aunque su conexión es innegable y terminan pasando una cantidad descomunal de tiempo juntos, ella más bien busca un amor lo suficientemente estable para poder sacarla del estancamiento en el que está.
Y es que contrario a Gary, quien tiene la habilidad de convertir sus más grandes sueños en realidad, Alana sigue viviendo con sus padres, sin muchas opciones para el futuro y sin un rumbo fijo. Realmente, ser su chaperona en el tour promocional de una serie y luego su socia en un negocio de camas de agua son los eventos más interesantes e importantes que le han ocurrido en su vida, y es lo que la motiva después a buscar incluso una carrera en la política.
Así, Alana conoce a una serie de hombres maduros y exitosos, provocando la oportunidad para incluir cameos sumamente divertidos (Sean Penn y Bradley Cooper son particularmente graciosos en esta película). Y aunque en un principio casi todos merecen su respeto y admiración, pronto descubre que su personalidad no dista mucho de la de un niño de 15 años, excepto que sus acciones tienen consecuencias más difíciles y más dolorosas para la gente a su alrededor.
¿Son Como Niños?
Esto permite explorar, hasta cierto punto, la tendencia que existe en el mundo de infantilizar a la mujer, sin importar realmente quiénes sean o de donde vengan. Alana es manipulada y acosada por diferentes figuras masculinas, pero también vemos cómo un dueño de restaurantes intercambia esposas mientras sean japonesas, aunque él no hable japonés ni tenga la más mínima intención de entenderlas.
Es gracioso y bastante burdo ver cómo hablan de las grandes hazañas y logros de estas figuras masculinas, mientras sus acciones los muestran como niños inmaduros, pero es en esos momentos en los que Alana se pregunta si la edad de verdad tiene que ver con el amor, o si el amor se trata de encontrar a alguien con quien poder sentirse segura y libre.
Gary, por otro lado, atestigua los intentos de Alana por buscar una nueva vida. A veces frustrado por su relación, a veces celoso, pero siempre intentando aparentar que es mucho más de lo que ella ve. La edad es lo único que diferencia a Gary de los otros personajes exitosos masculinos en la película, pero gracias a Alana aprende también lecciones importantes sobre el abuso, la manipulación, y los sacrificios que implican querer a alguien.
En cierto sentido, es curioso ver como, a pesar de la edad, la relación de Alana y Gary se desarrolla como si fueran niños, y es la inocencia detrás de su enamoramiento, la cual perdura a través de las vicisitudes más raras, lo que hace que su relación sea sumamente cautivadora.
Licorice Pizza es una cinta íntima y divertida, que nos transporta no sólo a una época más sencilla, y también nos busca recordar cómo es sentir un amor inocente, al grado en el que nos hace preguntarnos: ¿de qué sirve ser “adulto” en primer lugar?
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les gustó Licorice Pizza?
El lanzamiento de Elden Ring en PC está teniendo diversos problemas.
Elden Ring es un videojuego de rol desarrollado por FromSoftware, el cual nos cuenta una historia de fantasía, acción y aventura, ambientada en un mundo creado por Hidetaka Miyazaki y el creador de Game of Thrones: George R. R. Martin.
La producción en cuestión ha recibida con un montón de elogios por parte de la crítica especializada, y personas como Jonathan Lochiatto del medio CBR la han calificado como una obra maestra que se encuentra a la par de videojuegos icónicos del género como Dark Souls, Bloodborne y Sekiro.
No todo es bueno
A pesar de esto, Elden Ring se encuentra recibiendo críticas mixtas por parte de los/as usuarios/as en Steam -plataforma que permite jugar el título en computadora-, esto debido a que la obra en cuestión está presentando diversos problemas técnicos como la caída de fotogramas.
Los/as usuarios/as dicen que sin importar la manera en que ajusten la configuración, el videojuego no brinda una experiencia fluida. Ademas muchos/as se encuentran proporcionando las especificaciones técnicas de sus computadoras, y la mayoría cumplen con los requisitos mínimos recomendados por FromSoftware para jugar Elden Ring.
Prometen arreglar el problema
Tras estas quejas,Bandai Namco -empresa que se encarga de la distribución del videojuego-realizó un comunicado mencionando que implementarán una actualización que resuelva los problemas del juego, aunque no especifican cuando sucederá esto:
“Actualmente estamos experimentando algunos problemas que impiden que el juego funcione correctamente en algunas condiciones. Pedimos disculpas por cualquier inconveniente que esto pueda causar y les pedimos paciencia”.
Cabe aclarar que además de los/as usuarios/as de PC, Elden Ring también está presentando problemas en PlayStation 5, donde los datos del juego no se guardan correctamente. Afortunadamente los/as jugadores/as de PlayStation 4, Xbox Series X|S, y Xbox One no han tenido problemas con el título de FromSoftware.
Lin-Manuel Miranda reveló porque no eligió No se habla de Bruno para concursar en los Oscars 2022.
El compositorLin-Manuel Mirandacompetirá en los Oscars 2022 en la categoría de Mejor Canción Original, esto por su labor en la película de Disney:Encanto, sin embargo su nominación fue por la canción Dos Oruguitas, lo cual sorprendió a muchos/as fans que pensaban que la pieza musical que debía competir era No se habla de Bruno.
Esta última canción se convirtió en la composición más escuchada en Estados Unidos según el listadoBillboard Hot 100, y además fue parte de contenido viral compartido en TikTok, sin embargo Lin-Manuel Miranda develó en una entrevista con Variety que la decisión de que canción iba a competir para los Oscars 2022 tuvo que tomarla el 1 de noviembre del 2021, antes de que Encanto llegara a los cines, sin embargo no se arrepiente de su decisión:
“Aún estoy orgulloso de haber inscrito a Dos Oruguitas. Frente a los parámetros de la Academia tienes que elegir la composición que mejor represente el espíritu de una película, y siento que esta canción es la que mejor lo hace, esto a diferencia de No se habla de Bruno que dialoga sobre el viaje de un personaje en particular. Aunque tampoco voy a decir que no fue difícil escoger que canción iba a competir por la nominación”.
¿Cuáles son los parámetros?
Cabe aclarar, que los parámetros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas no permiten inscribir más dos canciones de una misma película con los/as mismas/os escritores/as, por lo que era imposible enviar a Dos Oruguitas y No se habla de Bruno a competir en los Oscars 2022.
El elenco de voz está de acuerdo
En la misma línea que Lin-Manuel Miranda, Adassa -cantante que presta su voz para dar vida al personaje de Dolores en Encanto– declaró a Variety que Dos Oruguitas“es el corazón y alma de la película en cuestión”, y añadió que nadie prevenía el éxito que tendría No se habla de Bruno:
“Nadie sabia que la canción de Bruno iba a ser un gran éxito. Era consciente de que esta película iba cambiar vidas, pero nunca del impacto que iba a tener. Me sorprendió ver a gente disfrazándose de personajes de la película en TikTok, y también que diversas personas me escribieran cosas como: ‘Al fin mi hija se ve representada en la pantalla grande’ ¡Realmente está cambiado vidas!”.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emocionan los Oscars 2022?
