Los viajes en el tiempo son un tema importante para la ciencia ficción y el cine. La idea de poder llegar a diferentes a diferentes momentos de nuestra historia y revivirla con nuestros propios ojos, es algo que ya soñaba escritores como H.G. Wells en 1895.
Los divertidos problemas que podrían ocurrir como resultado de modificar el pasado, así como la posibilidad de convertirse en partícipe de la historia, ha provocado que durante mucho tiempo el mundo sueñe y haga historias, películas y series sobre las infinitas posibilidades con las que podemos enfrentarnos en estos viajes temporales.
Algunos son divertidos y graciosos, como Back to the Future, donde Marty McFly observaba claramente las consecuencias de haber intervenido en el pasado. Pero también pueden ser complejos y tener diferentes aristas, como vivimos en Interstellar de Christoper Nolan.
Por eso, en Fuera de Foco les presentamos aquí 5 películas de Viajes en el Tiempo que si no conocen, ¡Deberían conocer!
5. See You Yestterday
Dirigida por Stefon Bristol y producida por el mismísimo Spike Lee, See You Yesterday nos lleva a los barrios de Nueva York para conocer a C.J y Sebastian, dos pequeños prodigios tecnológicos que inventan una máquina del tiempo. Sin embargo, cuando algo sale mal y el hermano de C.J es asesinado, ella hará todo lo posible por cambiar ese fatídico momento.
La película mezcla los viajes en el tiempo con una punzante crítica sobre las tensiones raciales que se viven en Estados Unidos, y el hecho de que la historia se desarrolle desde la perspectiva de una niña afroamericana, el mensaje y sus temas llega con mucha fuerza.
4. Idiocracy
Un hombre se queda congelado por error y despierta en un futuro muy, muy lejano. Esta premisa la hemos visto incansablemente, al final del día, es la misma premisa de Futurama y es lo que hace hace al Capitán América ser el Capitán América. Pero jamás habíamos encontrado una película sobre viajes en el tiempo que fuera tan crítica, tan punzante, y tan relevante para nuestros tiempos como Idiocracy.
La cinta sigue la vida de Joe Bauers, un sujeto incompetente que es elegido en 2005 para entrar a un programa de animación suspendida. En el 2050, el consumismo ha dominado la vida de todos. Ya no existe el gobierno, la gente apenas puede hablar correctamente inglés y tienen un profundo odio por debatir y escuchar temas complicados.
Cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia.
3. 12 Monkeys
Una de las mejores y más controvertidas películas de Brad Pitt y Bruce Willis sin duda es 12 Monkeys. En esta película, Willis debe volver al pasado para averiguar cuál es el origen del misterioso virus que arrasó con la población humana.
Pero lejos de ser simplemente una película de acción, el director Terry Gilliam creó una compleja y emotiva historia, cuyos giros de tuerca y sus actuaciones la convirtieron en una de las mejores películas del género.
2. La Chica que Saltaba a través del Tiempo
Mamoru Hosodaes uno de los directores de ánime más prometedores de los últimos tiempos, y un ejemplo de esto es La Chica que Saltaba A través del tiempo. Una tierna y conmovedora historia sobre una chica que puede viajar en el tiempo a un punto específico de su vida, es una buena opción para explorar las dudas sobre crecer, las inseguridades escolares, y la búsqueda de la identidad.
1. Primer
Primer es una película bastante extraña. La película fue dirigida, producida, escrita, editada, mezclada y estelarizada por Shane Carruth. Y aunque es una cinta de bajo presupuesto, se ha convertido en una cinta de culto por sus implicaciones filosóficas, su complicada estructura, y por ser la única película que probablemente describió correctamente cómo serían en realidad los viajes en el tiempo.
La historia justamente se basa en cómo dos amigos descubren los viajes en el tiempo y comienzan a hacer diferentes experimentos, los cuales tienen diferentes consecuencias. La premisa puede ser sencilla, pero sin duda les volará la cabeza durante 77 minutos.
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuál es su película sobre Viajes en el Tiempo?
Dark es una de las mejores series de los últimos tiempos por su increíble historia y sus grandes sorpresas
Dark es una de las mejores series de los últimos años producida por Netflix. Con su intrincada historia y sus complejos personajes, ha cautivado al mundo entero, ya que además, presenta también una de las mejores historias de ciencia ficción y viajes en el tiempo que hemos visto en mucho tiempo.
Una de las cosas que sin duda nos han enganchado más de Dark, es su capacidad para presentar giros de tuerca impresionantes que simplemente nunca nos esperamos ni vemos venir. Y lo mejor es que sus creadores, Baran bo Odar y Jantje Friese, se han encargado de cuidar las sorpresas a lo largo de sus 3 temporadas, ofreciéndonos siempre una historia completamente nueva y original.
Por eso, en Fuera de Foco te presentamos los 5 mejores momentos que hemos visto en Dark.
5: El Extraño es Jonas
Cuando conocemos al extraño por primera vez, entendemos que es un tipo que ha sufrido mucho. Tiene marcas en el cuerpo, como si hubiera sido torturado, no habla mucho y su semblante siempre se nota cansado. Sí, él es quien guía al joven Jonas a la caverna, pero en el mundo de Dark eso pudo haber significado un millón de cosas.
Además, la revelación está hecha de un modo tan emotivo, que la sorpresa se convierte en una forma de ver el crecimiento del personaje.
4: Claudia Deja que su Padre Muera
Sin duda una de las escenas más intensas y emotivas de la serie. Cuando Claudia consigue una máquina del tiempo y viaja al 2020, lo primero que hace es ir a una biblioteca para buscar qué fue lo que le pasó a ella y su padre en el pasado, y así conoce la fecha exacta de la muerte de su padre.
En 1987, Claudia sabe perfectamente cuando el día de su padre ha llegado, por lo que intenta a toda costa que se quede con ella, pero él tiene otros planes. Esta obsesionado en que la policía vaya a revisar la caverna, pues está seguro que hay eventos paranormales sucediendo ahí dentro. Claudia sabe perfectamente lo que pasa dentro y no quiere que se sepa, por lo que termina peleando con su padre. Él resbala, cae y empieza a sangrar, pero Claudia no llama a la policía, no lo ayuda, sólo espera.
Esa escena, en la cual muestran la maldición de la profecía auto-cumplida, es uno de los momentos más tristes de los últimos tiempos en la televisión.
3: Agnes mata a Jonah
Cuando Noah encuentra el libro, se da cuenta de que Adam solamente lo estaba usando y manipulando para sus propios objetivos. Así que, en represalia, Noah decide simplemente asesinarlo a quema ropa.
Noah no contaba con que Adam ya lo vio todo (literalmente TODO), así que sabía perfectamente que se iba a acercar con una pistola, pero que se trabaría en el último momento.. Despreocupado, Adam simplemente observa cuando Agnes, la hermana de Noah, se acerca por atrás y lo asesina con su propia arma. Creando un giro poético, y bastante sorprendente.
2: La Familia de Charlotte
Charlotte Toppler creció con el excéntrico H.G. Tannabus, quien a pesar de sus esfuerzos por cuidarla, él no está relacionado con Charlotte de ninguna manera. Por lo mismo, uno de los temas más importantes de su arco argumental fue justamente la curiosidad por descubrir quiénes conforman su verdadera familia.
Y resulta que sí, su árbol genealógico es bastante complicado. La primera sorpresa vino cuando Noah la confronta y le confiesa que él es su padre. Pero después, cuando descubrimos que Elisabeth es su madre, las cosas se complican todavía más. Pues Elisabeth es la hija de Charlotte, quien crece para casarse con Noah, y cuya hija desaparece en el futuro.
Asumimos que Charlotte es enviada de vuelta a los 80 para que el ciclo se cumpla una y otra vez. Pero esta revelación no deja de sorprendernos cada que la entendemos.
1: La Aparición de Otro Mundo
Después de que Adam asesina a Martha, quien está usando un vestido blanco, el joven Jonas se esconde a llorar su pérdida. Sin embargo, poco tiempo después del horrible suceso, Jonas descubre que otra Martha apareció, ahora con un vestido negro.
Jonas, estupefacto y algo ofendido, le pregunta a Martha a qué línea temporal pertenece. Pero esta nueva Martha nos voló la cabeza al decir: “La pregunta no es a cuál línea temporal pertenezco, sino a qué mundo pertenezco”. Dejándonos atónitos y convirtiéndose en uno de los mejores finales de temporada de la historia.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuál es el momento que más les ha impactado de Dark?
I Know This Much Is True es un crudo retrato de las enfermedades mentales, y nos dice que muchas veces no hay una solución sencilla para ellas.
Mark Ruffalo por muchos años quedó encasillado haciendo de cierto monstruo verde en una tal saga de superhéroes, y con ello, desgraciadamente perdió cabida como esos grandes actores de Hollywood. Ahora con I Know This Much Is True, vuelve a ese podio.
La miniserie de HBO que finalizó hace pocas semanas y que consta de seis episodios muestra porqué Ruffalo es tan versátil, entregado y un artista en todo su ser. Su desempeño en la serie se desenvuelve por partida doble, pues interpreta gemelos. Y es formidable, de aplaudir y ovacionar por varios minutos.
El drama es una categoría que siempre se ha dicho abarca mucho tipo de tramas, pero crean que en esta ocasión se lo toma muy en serio al ser una historia que navega en la desdicha, miseria, tragedias y en la desesperanza, dejando un ambiente oscuro, lúgubre, que no es nada fácil de digerir. A la vez, es sublime en su ejecución.
Desarrollo
I Know This Much Is True, basado en un libro del mismo nombre escrito por Wally Lamb, transcurre en Connecticut en los 90 y nos pone de cara a la vida de dos hombres adultos, hermanos gemelos, que han pasado por una vida complicada.
Dominick y Thomas Birdsey han llevado destinos opuestos, el primero ha sido el cuidador del otro, ya que Thomas padece de esquizofrenia. Con esta enfermedad mental ha tenido que convivir desde temprana edad, por tanto Dom ha sido ese escudo protector en distintas etapas que vemos manifestadas de cuando eran niños o jóvenes en la universidad.
Desde los primeros minutos del primer episodio esta miniserie nos ubica bien a lo que va contar.
Thomas está en una biblioteca municipal recitando en vozalta textos de la Biblia, haciendo un pequeño escándalo. Cuando una señora le llama la atención por alterar a los demás, saca un cuchillo, y siempre recitando los textos, de un solo movimiento se rebana una de las manos.
Ante esto, Dom debe acudir rápidamente al hospital, sabiendo cómo es su hermano y que depende de él. Entre todo ese desastre, la policía local presiona para que lo lleven a un centro psiquiátrico para personas violentas, por lo cual Dom busca cómo evitarlo, conociendo que Thomas sufriría demasiado estando en condiciones más rigurosas.
“Maldición” familiar
Con ello se desata una lucha con mucha angustia de Dom para hacer lo imposible y sacar a su hermano, con lo cual nosotros como espectadores iremos descubriendo más sobre esta familia, misma que parece tener una “maldición“.
Muertes, falta de unión familiar, un abuelo violento, un divorcio y tragedias absolutamente injustas es lo que experimentarán al ver esta miniserie, que tiene un dominio excelente del ritmo. Para algunos puede ser lento, pero es precisamente a como debe ser para dar realce a esos momentos de sufrimiento, soledad o tristeza en general.
La fotografía es muy buena, además de la dirección que hace brillar las actuaciones desgarradoras, crudas y sumamente realistas. Aquí resalto la excelente labor de Rosie O’Donell, cuya nominación en premios no debería sorprender a nadie.
El mensaje que queda al final es el que el destino de cada persona se forja con las acciones que tomamos, por más que parece haber una sombra posada sobre uno mismo, el núcleo familiar o las personas a nuestro alrededor.
Siempre está en nosotros levantarnos y ver hacia adelante.
¿Qu{e les parece, Cin{efilas y Cin{efilos? ¿Ya vieron I Know This Much is True?
Midnight Gospel es la nueva serie que nos trae un conjunto de conversaciones filosóficas en cada episodio, acompañada de una muy peculiar animación.
Duncan Trussell, el encargado de dar vida a Clancy en Midnight Gospel, es un comediante de Stand Up, y su trabajo incluye participaciones en programas de culto. En los años que lleva de carrera se ha involucrado en varias ramas de pensamiento filosófico especialmente la meditación. Tambien dirige su propio podcast, en donde tiene diversos tipos de invitados, en los que sus conversaciones suelen ser sobre espiritualidad, meditación, budismo y el uso de drogas psicodélicas. Ha grabado alrededor de 300 episodios.
Pendleton Ward fue uno de sus invitados en el episodio 63, donde eventualmente Ward le presenta la idea de usar conversaciones de su podcast para formar parte de The Mindnight Gospel. Los temas que Trussell toca por medio Clancy no son tan fáciles de digerir, pues suelen ser un tanto filosóficos y hasta densos. Esto hace pensar que Midnight Gospel es profunda y resulta ser un experimento bien logrado.
Clancy va de mundo en mundo por medio de un simulador de universos de manera clandestina, para entrevistar a seres que le resultan interesantes para saber su opinión sobre la meditación, la iluminación, las religiones, el ciclo de nacimiento vida y la muerte.
Si bien la animación podría tener o no relación con las entrevistas, ayudan a tener un contexto mas profundo sobre cada tipo de situación si es que se pone o no atención a los eventos que vemos en pantalla. Así que, a pesar de la corta duración de los episodios, es importante digerir los mensajes de Midnight Gospel poco a poco, pues tendrás mucho para pensar.
Puede qué a través de los capítulos te hayas perdido un poco, es por eso que en Fuera de Foco te traemos una breve guía de la mitología qué hay detrás de The Midnight Gospel.
Episodio 1: The Midnight Gospel y los Malditos zombies
El Dr. Drew Pinksy es un especialista popular en Estados Unidos, quien tiene un punto de vista controversial respecto de las drogas y el uso de la marihuana. Por eso, es interesante verlo convertido en el Pequeño presidente (o “El Hombre de las Gafas”) que vemos en el primer episodio.
Para el Hombre de las gafas, el uso de las drogas no es bueno ni malo. Ya que toda sustancia siempre estará presente, lo importante es la relación que las personas tengan con el uso de estas. Y apoya abiertamente el derecho de la libertad humana para decidir y determinar sus propias leyes. Por ejemplo, el Presidente explica cómo es que, cuando se consume marihuana, esta se relaciona con un 30% menos de muertes, y sus otros beneficios bajan el nivel de uso de opiáceos y somníferos.
Por otro lado, Clancy argumenta que, si bien no mueres por una sobredosis de marihuana, te arrastra tu propia neurosis personal, ya que cuando haces uso de esta, “muestra todas las partes de un ser con las que posiblemente no se quiere lidiar en el momento”.
Clancy parte desde ese punto para explicar lo que pasa con sus emociones. Explica cómo es que la meditación lo ha ayudado a tener mas conciencia sobre sus emociones. Y si bien los alucinógenos hacen mucho por él, lo hace también la meditación que le ayuda a llegar a la raíz de sus problemas. Ya no pasa de largo sobre su propia emoción, sino que se pregunta así mismo ¿Qué pasa cuando observamos nuestras emociones?
El episodio ocurre en medio de una guerra entre zombies y, usando esta analogía, podríamos decir qué los zombies son los consumidores de drogas. Pues desde la perspectiva que normalmente se le ha mostrado a la sociedad es que las personas que las consumen son malas. Pero cuando Clancy y el Presidente “Hombre de las gafas” son infectados, se dan cuenta de la forma en la que los zombies ven al mundo y no es como se pinta desde fuera.
Así como lo explica el Presidente, siempre conocemos y opinamos desde nuestro propio campo fenomenológico, es decir cada persona percibe el mundo a partir de la propia experiencia y la interpretación qué se haga de esta misma.
Episodio 2: Medita como Cristo
En este episodio se entrevista a Anne Lamott, escritora que maneja un humor crítico y de franqueza. En sus libros se tocan temas que van desde el alcoholismo hasta el cristianismo. Sin embargo, desde que su padre fue diagnosticado con cáncer cerebral, ella también se ha interesado en escribir sobre la aceptación a la muerte, y cómo reconocerla resulta liberador. Para llegar a este punto, se necesita esfuerzo para dejarnos llevar y llegar a un “esta bien”. Una frase qué para Anne se puede tomar como mantra y hasta cierto punto una rendición con Dios.
En el episodio, Clancy refuerza ese argumento cuando establece que si ella no hubiera pasado por situaciones tan difíciles no sería escritora. Es por eso que afirma que toda experiencia te hace crecer dependiendo qué perspectiva le des.
En esta entrevista, Clancy habla con un animal parecido a un perro-venado que es llevado al matadero, tocando temas como la fe, el cristianismo y el punto de que, si no sufrimos, no podemos explotar el arte que hay en cada ser humano.
Episodio 3:¿Vomitas helado?
Damien Echols es el invitado en esta ocasión, este hombre fue acusado del asesinato de tres niños. Permaneció en prisión por casi 20 años en espera de ser ejecutado, eventualmente fue liberado en 2011. En el tiempo que estuvo en prisión aprendió sobre la meditación y la magia que se desprende de la filosofía de Aleister Crowley.
De la mano del Hombre pecera, tocan temas sobre la magia y su propia historia en prisión. Y En un punto, hablan de la Biblia cómo uno de los puntos más importantes, pues gracias a ella el Hombre pecera dejó de encontrar miserable su vida en prisión, porque le comenzó a encontrar sentido a las cosas que hacía.
Nos cuenta también la importancia que ha tenido para él la Magia, la importancia de que toda religión, doctrina o manera de vivir la espiritualidad se enseñe de manera correcta, la importancia en la manera de transmitir la forma de vida y la importancia de transmitirlo de manera oral y con un buen uso de sonido.
También nos da una enseñanza sobre la forma en la que nuestra energía es atención y la importancia de transformar nuestras experiencias más difíciles en enseñanzas de gran experiencia.
Episodio 4: Ordeñar el cuervito
“Aferrarse al odio es como tomar veneno y esperar que la otra persona muera”
Trudy Goodman es profesora de mindfulness y tiene un Ph D. en meditación. En este episodio, toma el papel de una Caballera medieval, que cabalga junto a Clancy para vengar la muerte de su amante.
El perdón es uno de los primeros puntos qué toca la Caballera, pues nos explica cómo es la manera de liberar nuestro propio corazón de los sentimientos de rencor, ira y mala voluntad. Normalmente no podemos amar a la gente que nos hace daño, pero sin duda es más dañino para nosotros obsesionarnos con el daño que nos hicieron.
También explica cómo es que no podemos solos con el mundo, siempre necesitamos el apoyo los unos de los otros. De esto parte la necesidad de escuchar y ser escuchado. En un momento, La caballera menciona lo siguiente:
“Tenemos un sonar que detecta si las personas nos escuchan”. a lo que Clancy responde:
¿Qué pasa con las personas qué necesitan ser escuchadas y no hay alguien para ellos?
La Caballera le explica que ella conoció un grupo de escritura consciente, que consistía en hacer un tipo de meditación y consciencia juntos, se escribe y se escuchan los unos a los otros. Trudy quería compañía, y explica cómo es que, cuando se establece una intención, el universo se acerca a la intención que queremos. El universo espera que le digamos qué es lo qué mas nos importa para que comience a actuar sobre ello, explica Trudy.
Si comenzáramos por aceptar las cosas, voltear a ver lo que es realmente importante para cada uno de nosotros, tendríamos menos momentos para lamentarnos, perder nuestro tiempo y perder el de otras personas. Esto pasa con las personas que saben que tienen muerte terminal, las personas se vuelven mas sensibles y aprovechan todos los momentos para sentirse vivos.
Episodio 5: Saca esas cucharas
Jason Louv es editor en jefe de la revista Ultraculture y fue parte, del programa para colonizar Marte. Este episodio es utilizado para hablar sobre budismo con el ave del alma, esta filosofía nos dice que todos estamos conectados y todos somos parte de lo mismo. Y nos invita a estar conscientes de la vida, y de que hay algo superior a nosotros mismos.
El episodio tiene como escenario una cárcel de almas, la cual consiste en una especie de ciclo en el que el alma seguirá repitiendo lo mismo y seguirá muriendo de la misma manera hasta que resuelva sus asuntos pendientes.
Al final, un musical nos explica cómo es que todo lo que creemos que nos da libertad, es solo una ilusión y que la verdadera prisión esta en cada uno de nosotros.
Nos explica cómo la meditación budista establece que se encuentra basada en el sentimiento, en que nada es constante, nada es permanente. De repente, despiertas y ves que sólo ha sido un sueño, ese es el primer giro del Dharma. Porque el hecho de que no todo sea permanente es una causa de sufrimiento, en el momento en el que aceptas que las cosas son como son, te das cuenta que en el lugar dónde te encuentras, estás buen.
Episodio 6: El trasero de tu mente
David Nichtern es compositor de canciones, artista de banda sonora y maestro budista. Él entra a la mitad del episodio y nos acerca a la variación del Budismo Tibetano.
Nos cuenta qué hay tres principios acerca de la meditación:
El primero es silencio.
El segundo es quietud, aquél que da espacio para sentir.
El tercero es amplitud, donde sólo se transmite el espacio.
Clancy experimenta cómo la quietud lo lleva de un pensamiento a otro, también cómo es que cuando acepta estar en un lugar en vez de estar mentalmente en otro lado todo mejoró para él. Cómo si Clancy simplemente existiera.
Episodio 7: Muerte me encantó conocerte
Luego de que Clancy experimenta estar más iluminado después del recorrido es sus otras entrevistas, tiene una conversación con la muerte sobre la historia del embalsamamiento moderno y cómo esto modifico la manera en la qué enfrentamos la muerte.
La amable parca tiene la voz de la Dra. de funerales Caitlin Doughty. Caitlin crea el colectivo del buen morir. Y cómo incluso a la muerte se le puede dar un significado diferente si se le comienza a ver desde una perspectiva diferente.
Por ejemplo, Clancy pregunta:
¿Tienes alguno consejo para las personas qué lidian con la muerte en sus vidas?
“Lo mejor qué se puede hacer por ti mismo en toda tu vida, es estar presente en esos momentos” responde la muerte.
Episodio 8: Desde adentro
El capítulo con el que cierra Midnight Gospel es una entrevista a la madre de Duncan. Deneen Fending, la cual falleció luego de cuatro años de luchar contra el cáncer. Y como era de esperarse, en este capítulo se da una conversación sobre la vida, la muerte y el renacimiento.
La conversación con su madre es desgarradora, dura, y ambos se enfrentan al hecho de que ella morirá pronto. Lo que impresiona al espectador es poder visualizar la serenidad con la que su madre acepta la muerte.
La conversación también habla sobre el miedo que tenemos a tocar puntos sobre la muerte, a aceptar el amor y dejarnos llevar con él.
La animación resulta ser hermosa, vemos la forma en la que Fending envejece solo para morir y volver a renacer. Sobre todo, lo qué no podemos ver del amor porqué nuestro ego esta diseñado para no aceptarlo.
Conclusión
¿Cómo se relacionan todos los episodios entre si?
Al final, en cada episodio podemos ver las diferentes formas de ver la vida, cómo se crece en ella, lo qué nos duele, lo qué no podemos tocar de esta Al final, toda doctrina, práctica o religión nos dice qué lo mejor es vivirla con plena conciencia y en su máxima amplitud.
Si bien no es una serie fácil de digerir, hay mucho que podemos aprender de la mano de Midnight Gospel.
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Vale la pena ver Midnight Gospel varias veces?
Desde los disturbios de Stonewall en 1969, las personas trans lucharon por ser visibles y les llevó mucho tiempo integrarse en la pantalla. En Boys Don’t Cry de Kimberly Peirce (2000), seguimos la historia real de un hombre trans asesinado en un pequeño pueblo estadounidense; en Hedwig and the Angry Inch, de John Cameron Mitchell (2001), cuenta en canciones su infancia, soledad y su operación de cambio de sexo; en Transamerica por Duncan Tucker (2006), una mujer trans debe volver a conectarse con su hijo antes de que pueda ser operada.
Años después, otras películas siguieron los pasos de esta explosión: Tangerine y The Danish Girl . Este último retoma los códigos clásicos de una biografía y muestra un “antes” y “después” de la transición.
Tangerine
En la película de Sean Baker, Tangerine , las dos heroínas trans y negras ofrecen una visión de las experiencias trans sujetas a discriminación con un realismo crudo.
Algo importante, es que no ocuparon estrellas cisgénero para los personajes principales, sino dos actrices trans. El espectador se enfrenta con lo que muchas personas trans tienen que vivir, explora las fortalezas y vulnerabilidades profundas en la vida de los personajes. En otras palabras, los retrata como personas reales, no como caricaturas, o aproximaciones amigables con los Oscar.
The Danish Girl
Eddie Redmayne tuvo muchos elogios por interpretar a Lili Elbe en The Danish Girl, una de las primeras mujeres trans de la historia en someterse a una cirugía de reasignación de género. Pero, muchas activistas trans no les gustó que el papel fuera interpretado por un hombre cisgénero.
Hollywood, a menudo ha dicho que es imposible interpretar a las personas trans en roles sobre su propia comunidad porque los guiones generalmente documentan la transición, por lo que las personas necesitan ver cómo se ven las personas trans “prehormonas”. Sin embargo, no todas las mujeres trans optan por usar hormonas, y algunas usan dosis muy bajas. Más concretamente, cualquier actriz trans es perfectamente capaz de modificar su apariencia, al igual que Redmayne, para reflejar su aspecto en diferentes etapas de su evolución.
Actores cisgénero en papeles trans
La visibilidad de las personas trans está por progresar, pero los problemas persisten: las personas trans casi siempre se interpretan por actores cisgénero.
Los actores transgénero exigen el derecho a interpretar personajes como ellos en lugar de ver a los actores cis interpretar a trans, pero Hollywood ha sido resistente. Si los actores trans no pueden interpretar a personas como ellos, ¿qué posibilidades hay de que puedan interpretar papeles cisgénero?
Cuando un hombre realiza un papel trans en cine por lo regular es muy bien recibido por la Academia, esto demostró que la élite de Hollywood preferiría premiar a un hombre cis como una mujer trans, que a una actriz trans. Además, muchas de estas historias tienen el encasillamiento como trabajadoras sexuales, amantes, personas con SIDA, o personas trans para ser utilizadas para comedia.
Los ejemplos más recientes de casting cis para papeles trans son el de Elle Fanning 3 Generaciones, Matt Bomer en Anything y Scarlett Johansson en Rub & Tug. Todos han provocado mayores críticas a la tradición de elegir actores cis para interpretar a personas trans.
La televisión ha estado por delante de las películas en temas de autenticidad con actores trans. Actrices como Laverne Cox y Jamie Clayton han abierto camino en Orange is the New Black y Sense 8, mientras que Mj Rodriguez, Dominique Jackson, Indya Moore, Hailie Sahar, Angelica Ross triunfaron en Pose y Nicole Maines también hizo historia como la primera superheroína trans en Supergirl.
Euphoria
Con Euphoria, un drama sobre adolescentes en una escuela secundaria, HBO ha apostado por atraer a un público joven que favorezca a la televisión. Como Jules, la actriz Hunter Schafer juega un papel en una gran historia; su personaje (que, como ella, es trans), se embarca en una complicada amistad y noviazgo con su nueva mejor amiga Rue (Zendaya).
La actriz trabajó con el creador de la serie Sam Levinson para asegurarse de que los detalles de la historia coincidieran con su experiencia. Todas las complicaciones que conlleva ser trans y queer simultáneamente. Pero, no se trata solo de eso, también narra su vida como una adolescente completamente normal, sin prejuicios ni estereotipos.
POSE
Visto a través de los ojos de las mujeres transgénero negras y los jóvenes LGBT+, Pose rinde homenaje a los salones de baile de los años ochenta, los concursantes compiten en varias categorías: actuaciones y temáticas en las que posan elegantes y bailan voguing, mientras la multitud aplaude y lo celebra. El programa también explora cómo las personas queer crearon sistemas de apoyo llamados “casas” para aquellos que no vivían con sus familias tradicionales, sino que vivían con madres, padres y hermanos de su elección.
La serie ha recibido elogios de los espectadores y críticos porque cuenta con el mayor elenco de actores trans en la historia de la televisión. El productor y guionista Ryan Murphy, siempre se ha asegurado que en sus proyectos exista una gran representación de personas LGBT+ como:Hollywood, Glee y American Horror Story.
¿Dónde están los hombres trans?
Existe un problema aun con la visibilidad de los hombres trans, debido a que no es tan representado en la pantalla.
La serie The OA de Netflix, pone un personaje trans en el centro de atención, y es interpretado por el actor trans Ian Alexander . La serie cuenta la historia de una mujer que regresa misteriosamente después de desaparecer durante siete años. El FBI y los padres adoptivos intentan que ella comparta su historia sobre dónde ha estado, pero ella se niega. En cambio, se hace amiga de cuatro muchachos de secundaria y una maestra, uno de los cinco es Alexander’s Buck que interpreta a un hombre trans, la serie muestra en diferentes momentos lo complejo que es esta situación para él y para su familia.
Conclusión
La importancia de las representaciones cinematográficas de individuos trans no debe minimizarse. Para un grupo con poca visibilidad para el público consumidor, estas películas proporcionan un marco en el que las personas heterosexuales ven a las personas LGBT de la vida real. El cine convencional ejerce una enorme cantidad de poder en su capacidad de dar forma a la opinión popular sobre las personas transgénero y transexuales.
La representación diversa (de género, raza y nivel económico, entre muchos otros factores) es tan importante en las películas. Sin ella, hay secciones enteras de la población mundial cuyas historias no se cuentan, e incluso secciones más grandes que no aprenderán de esas historias.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Creen que todavía nos falta para alcanzar una buena representación de personas trans en pantalla?
Hemos pasado varias semanas en cuarentena, y aún no tenemos fecha fija de apertura de cines (en Perú). Así que hoy quiero compartirles mi top 5 de adaptaciones palomeras de libros a películas que pueden ver ahora mismo en Netflix. ¿Empezamos?
5. Harry Potter y la Orden del Fénix
Como bien sabemos, la saga completa del niño de la cicatriz no se encuentra disponible en Netflix, Sin embargo, tenemos algunas de sus películas sueltas. Por eso, en el puesto 5 de adaptaciones palomeras que podemos encontrar en esta plataforma, se encuentra La Orden del Fénix. ¿La razón? Es mi libro favorito de Harry Potter. Creo que es una muy buena adaptación y es ideal para pasar el rato.
En esta cinta conoceremos más de Harry y sus amigos, así como los peligros que acechan el mundo mágico. ¿Qué es la Orden del Fénix y por qué es importante? Lo descubriremos en esta peli. ¿Pueden entenderla sin haber visto las películas anteriores? No. Sin embargo, estoy segura que ya han visto todas estas películas mil veces. Así que siempre es buen momento para volver a disfrutar de este capítulo de nuestro mágico amigo Harry Potter.
4. Las crónicas de Narnia
Los libros que conforman esta saga fueron un boom en su momento. Quizá no fue tan conocido como Crepúsculo o Harry Potter. Pero si tuvieron su momento de gloria. Por ello, en el 2005 uno de los libros fue llevado a la pantalla grande. La adaptación logró llamar la atención de fanáticos y no tan fanáticos de los libros. Por lo cual, luego continuaron con más adaptaciones.
Centrándonos en la primera película: “Las crónicas de Narnia: el León, la Bruja y el Ropero”, es una película familiar de fantasía, que podemos seguir disfrutando en Netflix. Así que, si tienen un poco más de 2 horas libres, definitivamente vale la pena verla. Sea por primera vez o por vez 5 mil. ¿Cuál es su escena favorita? Yo amo la batalla final.
3. Yo antes de ti
Si lo que están buscando es una película para pasar el rato pero que les rompa un poquito el corazón, Yo antes de ti es la opción correcta. El libro fue un furor y un gran bestseller en el 2012. Por ello, tuvo su adaptación a la gran pantalla en el 2016.
Esta película sigue la historia de Louisa Clark, una chica que llega a trabajar como enfermera y acompañante de Will Traynor. El es un joven que ha quedado tetrapléjico a raíz de un accidente. El punto importante de la historia es que Will ya no quiere vivir de esa forma.
Él era un joven que solía realizar deportes extremos y tenía una vida completamente distinta. Por ello, sus padres contratan a Louisa con la esperanza de que pueda mostrarle a Will las razones por las cuales debe seguir viviendo. Una película que se disfruta de principio a fin con muchas palomitas de maíz en mano y pañuelos (a menos que seas insensible como yo). ¿Ya la vieron?
2. Matilda
Un clásico infantil que, asumo, todos hemos visto alguna vez en nuestras vidas. ¿Entonces por qué entra en este top? Porque es una película familiar, dominguera, entretenida y que trae buenos recuerdos de la infancia. De verdad que es increíble revivir tantos recuerdos de cuando éramos niños, esa inocencia pensando que algún día seríamos como Matilda. ¿Cuál es su escena favorita? Definitivamente, la mía es cuando comienza a descubrir sus poderes.
1. Los juegos del hambre
Si leyeron mi entrada anterior (Top 5 de adaptaciones de libro a película), espero que esta posición no sea ninguna sorpresa. Esta es una gran adaptación de su novela homónima y que fue un gran bestseller cuando salió (y hasta ahora). Además, su paso por los cines de todo el mundo dejó grandes ganancias económicas para el estudio y los actores.
La primera película de la saga marcó un gran hito en cuando a las adaptaciones de libros juveniles. Además, fue el inicio de una larga temporada de historias distópicas con tintes de romance. En esta película seguimos las aventuras de Katniss Everdeen, nuestra protagonista, que deberá enfrentarse a unos juegos sádicos y a todo un Gobierno para seguir con vida. Por eso, es una gran alternativa para una tarde de domingo o para todo un día de maratón de esta saga.
¿Qué otras adaptaciones palomeras recomendarían para una tarde de domingo llena de palomitas, helado y bebidas?
El Mundo de Jurassic Park está plagado de dinosaurios, acción y decesos inesperados
¡Cinéfilo! Este mes se cumplen 27 años del estreno de Jurassic Park, una película que revolucionó los efectos especiales en el mundo del cine. La cinta ganó 3 Premios Oscar:mejor edición de sonido, mejor sonido y mejores efectos visuales. En total obtuvo un total de 42 galardones en diferentes eventos o festivales, entre ellos destaca los reconocimientos Saturn por: Mejor película de ciencia ficción, Mejor dirección y Mejores efectos especiales.
El festejo no termina aquí, ya que prácticamente toda la franquicia celebra aniversario en estas fechas:
Aproximadamente, existen más de 35 escenas donde observamos a los dinosaurios devorar despiadadamente a aquellas personas que osan invadir su hábitat natural. Por tal motivo te traigo un top 7 de las muertes más impactantes vistas a lo largo de Parque y Mundo Jurásico.
7. Jack El Mercenario (Fallen Kingdom)
En sí, toda la escena inicial de Mundo Jurásico: Reíno Caído es una secuencia llena de suspenso y terror, en donde podemos observar la mala suerte que tuvieron algunos mercenarios que se encontraban haciendo su labor rescatando los restos del Indominus Rex. En esta escena, observamos cómo un técnico llamado Jack, (Robert Emms) logra escapar de la feroz T-Rex , no obstante, cuando el helicóptero se comienza a alejar, del agua emerge un Mosasaurio que devora a Jack.
6. Sr. Udesky (Jurassic Park 3)
Desde la primera cinta de Parque Jurásico, el doctor Alan Grant explica lo astuto y letal que pueden llegar a ser los Velociraptores al matar a sus presas. Desafortunadamente, en Parque Jurásico 3, Udesky, un mercenario contratado por la familia Kirby, tuvo el desagradable destino de ser utilizado por los raptores como carnada.
5. Dennis Nedry (Jurassic Park)
Probablemente se trata de una de las escenas más iconicas en toda la franquicia de Parque Jurásico. El destino final que tuvo Dennis Nedry fue gracias a su arrogancia y obsesión por el dinero. Sí bien el ataque del Dilofosaurio mostrado en la película fue letal, la muerte de Dennis fue más trágica en la novela , en seguida te dejo un extracto del libro escrito por Michael Crichton, autor de Parque Jurásico:
“La tierra temblaba detrás de el y Nedry sabia que el dinosaurio se estaba moviendo, podía escuchar su suave llanto ululeante, a pesar del dolor, forzó sus parpados a abrirse y aun así seguía sin ver nada mas que puntos flasheantes junto con oscuridad. Lentamente la realidad llego a el. Estaba ciego.”
“Y entonces hubo un nuevo, y horrible dolor, como un fiero cuchillo en su estomago. Nedry tropezó, alcanzando ciegamente a tocar un borde rasgado de su camisa, y luego una larga y resbaladiza masa que era sorprendentemente cálida. Y de repente lleno de horror se dio cuenta de que estaba sujetando sus propios intestinos en sus manos. El dinosaurio habría abierto su abdomen. Sus tripas habrían caído de su cuerpo.”
“Nedry cayó al suelo y su rostro cayó sobre algo escamoso y frío, era la pata del animal, y de repente hubo un nuevo dolor a ambos lados de su cabeza. El dolor aumentaba, y mientras el comenzaba a ser levantado sobre sus pies, el sabia que el dinosaurio tenia su cabeza entre sus mandíbulas. Y el horror al darse cuenta de eso fue seguido de un ultimo deseo, que todo eso acabase pronto”
4. Robert Muldoon (Jurassic Park)
Robert Muldoon es el guardián del Parque Jurásico. Muldoon también es reconocido por ser un hábil cazador y experto en armas. A pesar de tener experiencia al haber trabajado en el Parque de animales de John Hammond en Kenia, se demostró que el cazar a un Velociraptor no se compara con un León de Masái Mara. De esta escena, nace una de las lineas más reconocidas de la franquicia “Clever Girl”
3. Donald Gennaro (Jurassic Park)
DonladGennaro, un abogado enviado a inspeccionar Parque Jurásico, fue la primera victima del Tyrannosaurus rex. A pesar de haberse ocultado, cuando el T-Rex persigue a Ian Malcolm se estrella contra los sanitarios, revelando la ubicación de Donald sentado en un retrete. Y, paralizado por el horror, es devorado en cuestión de segundos.
Cabe mencionar que esta escena, al ser muy violenta (como otras escenas de la franquicia), han sido censuradas en las versiones que son transmitidas por televisión.
2. Zara Young (Jurassic World)
Tristemente una de las muertes más brutales de toda la franquicia. Se trata de una persona inocente, lo cual demuestra que para el instinto depredador de los animales no distingue colores ni bandos. La única tarea de Zara era cuidar de Zach y Gray, en el momento que los Pteranodones escapan de su jaula, se dirigen atacar a los visitantes del parque. Zara es levantada por uno de estos dinosaurios y en seguida es arrojada al mar para convertirse en carnada del Mosasaurio.
1. Eddie Carr (The Lost World)
Isla Sorna demostró ser un lugar bastante peligroso. La mayoría del grupo de expedición liderado por Ian Malcolm murió en esta Isla. Una de las tantas victimas fue Eddie Carr, quien al quedarse atascado en su automóvil, se enfrenta a un fatídico destino al ser devorado por dos Tyrannosaurus Rex.
Menciones Honorificas
T-Rex en el patio.
Un T-Rex desatado en una ciudad, puede ser un evento catastrófico, tal y como lo pudimos observar en El Mundo Perdido . Un momento más recordado, es cuando el Tyrannosaurus entra a un vecindario, en donde se detiene a beber agua de una piscina. Al acercarse a beber, un valiente perro le ladra al dinosaurio, tristemente en la próxima escena observamos como el T-Rex se ha devorado al pobre perrito.
La escena del Muelle
Esta muerte no se trata de una perdida humana, sino de un dinosaurio, para ser exactos un Braquiosaurio (el que vimos por primera vez en Parque Jurásico en 1993). Al explotar el volcán de La Isla Nublar, muchas de las especies que estaban libres en la isla murieron. Nuestros protagonistas al huir de la explosión logran observar como un Cuello Largo esta en el muelle sufriendo un trágico destino. Esta escena es considerada la más triste en toda la franquicia.
Sin duda Parque Jurásico es una franquicia que ha conquistado a más de una generación, actualmente se encuentra situada como una de las cintas de ciencia ficción favoritas entre muchos cinéfilos y fans de Jurassic Park,
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuál es la escena más impactante que han visto en Jurassic Park?
Una lista con diez bailes de película imperdibles, que trascienden la historia, que todo amante del séptimo arte debe conocer sí o sí
Las escenas de baile dentro de una película pueden provocar un efecto interesante, sorpresivo y de alegría, sobre todo si el argumento no gira entorno a lo musical, en donde sabemos que la música y el baile son el eje central dentro de la historia.
Es por ello que cuando un par de pasos de baile son introducidos dentro de un filme en el cual no los esperamos, estos trascienden más allá de la convencional barrera temporal de la taquilla y cartelera para quedarse en la historia del cine mundial y dentro de la cultura popular. En donde a lo largo de los años, otras series, películas, libros, etc., les harán guiños.
Así que, a continuación les presentamos diez escenas de bailes de películas para que repliques en tu sala, baño, comedor o techo. Sobre todo en estos días de tragos de amargo licor, en donde llevamos meses encerrados, acumulando estrés, frustración e impaciencia. Por lo que con estos bailes, hay que recordar que no importa cuán negra sea la noche, siempre podremos bailar. Es lo único que nadie nos puede quitar. Debemos bailar y dejar salir todo aquello que nos hace sentir mal.
Por último, cabe resaltar nuevamente que, no incluimos películas musicales, donde el baile y la música son un recurso vital, sino películas con momentos de jubilo musical que utilizan esto como un puente para contar algo de los personajes y su historia.
Jojo Rabbit
El lente de Taika Waititi sigue a Jojo Betzler (Roman Griffin Davis), un niño que vive en la Alemania Nazi de la Segunda Guerra Mundial. Entrena en las filas de las juventudes hitlerianas y además, su amigo imaginario es el propio Adolfo Hitler. Jojo se esmera en seguir al pie de la letra la ideología antisemita, pero todo se voltea cuando descubre que su madre (Scarlett Johansson) esconde a una joven judía (Thomasin McKenzie) en la casa.
El camino desde el descubrimiento de Elsa (la niña judía) en casa, hasta el final de la película, es un trayecto de cuestionamientos del propio Jojo sobre los mensajes de propaganda que emite el Tercer Reich, aún con la presencia del Hitler, quien es la representación infantil del mundo que ve Jojo.
En algún momento de la película, vemos el brote de cariño y amistad entre Jojo y Elsa, en donde ella confiesa que lo primero que hará al terminar la guerra, será bailar. Acción que es momentáneamente olvidada por los posteriores acontecimientos que impactan a los personajes y al propio espectador, pero que para el final de la cinta, y de la guerra (alerta de spoiler), se retoma y recuerda la relevancia del añoro de Elsa.
La acción de bailar dentro de ese contexto representa, con los factores que le acompañan, el desahogo y la libertad. El ser una joven judía, que vivió en un rincón escondida, temerosa de que la encontraran, y ahora salir a la calle, a plena luz del día, vistiendo como desea, y haciendo lo que le place, es la emancipación del personaje y un agarramiento de la mano de la libertad, y alegría. Emoción que contagia a Jojo, que desde la sutileza hacia lo extrovertido, acompaña a Elsa en su celebración con la canción Heroes de David Bowie en el trasfondo musical.
Como acotación, la fotografía, vestuario y paleta de colores aportan su grano de arena, para que esta escena sea inolvidable para toda aquella persona que la vea
Napoleon dynamite
Tenemos ahora uno de los ejemplos de cine independiente más exitosos, de los cuales podemos aprender, pues esta cinta, que también es considerada como cine doméstico, llegó a recaudar más de $46.14 millones de dólares tras su estreno general, cuando contó con únicamente $400 mil dólares de presupuesto. Cantidad que hablando de cine estadounidense, es realmente muy poco dinero.
La dirigida por Jared Hess, nos ubica en medio de Preston, Idaho, Estados Unidos, con Napoleon Dynamite. Un estudiante de preparatoria que vive con su abuela, su hermano Kip de 32 años, y su llama mascota.
El joven excéntrico Napoleon de pocos amigos, ve su cuadrada vida cambiada cuando su abuela se accidenta en un viaje, por lo que su tío Rico llega a cuidarlos a él y a su hermano. A su vez, un nuevo estudiante llega a la escuela, Pedro Sánchez, de quien Napoleon se hace amigo, y apoya cuando se postula a presidente de la clase.
Hacia casi el final de la película vemos la pegajosa y entretenida escena de baile, cuando tras el discurso que los candidatos a presidente de la clase dan al estudiantado, estos deben bailar en frente de todos. Pedro desconociendo este dato, se pone nervioso al no tener nada preparado, pero su amigo Napoleon sale al escenario para salvarlo con sus impactantes pasos de baile al ritmo de la canción Canned Heat de Jamiroquai.
La secuencia de baile es importante ya que representa la culminación de varios eventos que vemos planteados desde el inicio y mitad del argumento de Napoleon Dynamite, mismos que cierran en una manera beneficiosa para algunos, y negativa para otros personajes.
Además, es la liberación del personaje Napoleon tras todo el estrés, maltrato psicológico y físico que sufrió el personaje a lo largo de la película por parte de compañeros de la escuela, pretendientes y mismos familiares. El atrevido sube a escena para coronarse a sí mismo como el mejor bailarín de toda la escuela, ayudando de paso, claro, a su amigo Pedro en las elecciones.
Beetlejuice
Una de las obras más reconocidas del director Tim Burton, y un clásico del siglo pasado, nos trae la historia de una joven pareja casada, que muere en un trágico accidente de coche. Sin embargo, ellos continúan viviendo en la casa donde habitaban, dándose cuenta que murieron hasta tiempo después.
Aferrados al inmueble, son testigos de cómo los nuevos dueños redecoran a su gusto la casa que ellos apreciaban, por lo que tomarán todas las medidas para echarlos mediante sustos desde el más allá. Incluso acudirán a un poco ortodoxo fantasma llamado Beetlejuice (Michael Keaton), del cual no han escuchado más que advertencias para evitar solicitarle sus servicios.
La inmortalizada escena de baile viene un poco a la mitad de la película, cuando la pareja de fantasmas, interpretados por Geena Davis (es Barbara Maitland) y Alec Badwin (es Adam Maitland) comienzan a montar todo tipo de trampas de sustos alrededor de la casa para conseguir ahuyentar a los actuales dueños.
La nueva familia, que es interpretada por Catherine O’Hara (es Deila Deetz), Jeffrey Jone (es Charles Deetz), y una joven Winona Ryder (es Lydia Deetz), son los anfitriones de una velada donde Deila Deetz pretende impresionar a reconocidos críticos de arte para que hablen bien de ella en periódicos y revistas.
En medio de la incómoda velada con toques de discusiones familiares, Bárbara y Alec toman posesión de los cuerpos de todos los presentes, a excepción de Lydia, para hacerlos bailar una de las canciones preferidas de Alec: Banana Boat Song del cantante Day-o.
Terrorífica resulta la experiencia para los poseídos, que no pueden evitar cantar, alzar manteles al aire, bailar y toda clase de movimientos en contra de su voluntad. Aun así, resulta hilarante para Lydia, y para el espectador que observa más allá de la cuarta pared.
El significado de la escena es importante, porque tras varios intentos fallidos de espantar a los nuevos dueños de la casa, por fin consiguen controlar sus poderes fantasmagóricos para hacerse notar por primera vez ante los padres sobre todo, y de paso a los invitados y representante de Deila. No obstante, ese evento sería un arma de doble filo, ya que más que aterrorizar, despierta diversos tipos de interés por los fallecidos huéspedes del ático, que los vivos podrían usar para su beneficio.
Risky Business
Presentando la clásica historia de cine estadounidense en donde un adolescente se queda solo en casa un fin de semana cuando sus padres salen de viaje, tenemos a Risky Bussines, Negocios riesgosos o Negocios arriesgados (depende del país), con una de los primeros papeles conocidos de Tom Cruise, quien da vida a Joel Goodsen. Un indeciso niño bueno de familia, que nunca ha hecho nada malo en su vida.
El joven personaje de Joel Godsen, está en sus últimos años de preparatoria, tiene un gran futuro por delante. Deja atrás nada más que un impecable expediente académico con cero inasistencias, y actividades extracurriculares como un concurso de jóvenes empresarios.
Previo al viaje de sus padres, y durante esos días, uno de los amigos de Joel, Miles Dalby, comienza a sonsacarle su moral y valores para que aproveche su casa sola, al punto de acordar una cita con una prostituta. Evento que desencadenará una serie de desastres que pondrán en peligro la carrera académica, la reputación y hasta la vida misma de Joel y su familia.
La inolvidable escena de baile en la cinta de Paul Brickman, viene durante los primeros minutos de libertad de Joel en la casa sola. En donde tras cenar comida pre-cocinada, con una cuba bien fría, Joel se desliza en nada más que camisa, calzoncillos, calcetines y unos lentes de sol hacia la sala, rompiendo en baile por toda la habitación al ritmo de la canción Old Time Rock and Roll del cantante Bob Seger.
El momento es importante por dos razones, una es que representa como hubieran sido todas sus tranquilas noches si su amigo Miles no le hubiera tentado con la prostituta, y además es una muestra del viejo Joel; aquel niño bueno que no se mete en problemas. Joel deja de existir a lo largo de la película mediante cada decisión voluntaria e involuntaria que no hacen más que empeorar la situación.
CLIMAX
Al inicio señalé que no incluiríamos musicales, pero haremos una excepción con este caso, ya que lo amerita, pues hablamos de la adictiva cinta dirigida por Gaspar Noé nos habla de una compañía juvenil de baile francesa, que en la noche previa del comienzo de su gira por Europa y Estados Unidos, deciden celebrar con una fiesta, que se sale de control debido a la sangría que alguien de entre los compañeros adulteró con LSD.
Tras un vistazo introductorio en donde vimos entrevistas con los bailarines, se abre el verdadero telón con el anonadado baile, que aunque parezca que la intención de la secuencia sea presentarnos un poco de lo que la compañía expondría a lo largo de la gira, el verdadero plan es hipnotizarnos con los pies, manos, atuendos y movimientos al aire de todos y cada uno de los miembros, para que no notemos que la persona culpable de adulterar la sangría, es señalada hasta con reflector, bombo y platillo desde los primeros momentos de la psicodélica fiesta.
Descubrir a la persona responsable de echarle piquete a la bebida, es uno de los dilemas secundarios del argumento de Climax, ya que ésta en sí es una critica a los diferentes tipos de personas de la Francia clásica y contemporánea.
Por otro lado, esta secuencia introductoria de baile es un vitral en donde todos y cada unos de los personajes revelan quienes son en realidad mediante sus bailes, a quienes ven, a quienes tocan, como los tocan, a quienes le aplauden, etc.
Ahora, sería un pecado no mencionar la segunda escena de baile de Climax, al menos como un galardón de honor. Ya que, si en la primera, se puede observar quién es quién, y qué persona está interesada en otra, aquí se subraya con marcatextos. De hecho, es una excelente decisión, ya que cada personaje tiene su tiempo individual en pantalla para identificarlo mejor.
Hablamos de una secuencia de casi diez minutos de duración con breves cortes a negros, que constantemente están aventando y aventando tomas de los personajes entrando en éxtasis por el LSD en mitad de la pista. Es por ello que hacia la segunda parte de la escena, la cámara comienza a girar, demostrando la pérdida de control por el mareo de los bailarines dopados.
Aunado a lo anterior, vemos una soberbia inserción de créditos de película justo en medio de una escena. Sin aviso previo, sin razón, pero que en realidad quedan a la perfección, por lo que harían falta en caso de ver la escena sin estos, por lo cual no hay críticas o dudas por presentar al respecto de esta decisión autoral.
Joker
Una de las cintas más esperadas y resonadas durante el año 2019, en donde Todd Phillips y Scott Silver, nos retratan en un close-up, la adaptación de un realista Joker o Guasón, previo a su metamorfosis a la faceta por la que se le conoce en la cultura popular.
Antes llamado Arthur Fleck (Joaquín Phoenix), es un hombre aspirante a comediante de stand up que padece de risa patológica. Una condición que genera risa incontrolable e involuntaria en momentos de nerviosismo. Arthur además vive con su madre Penny (Frances Conroy), en un apartamento de la podrida Ciudad Gótica, en donde él toma notoriedad tras cometer un asesinato.
Existen dos escenas que traspasaron la barrera cinematográfica, para quedarse por siempre en la memoria colectiva. Una la podríamos definir como una generación de capullo, y la otra como el rompimiento de esa capa para la liberación de un verdadero ser.
En primer lugar, tenemos la escena de danza en el baño. Ahí Arthur acaba de cometer un asesinato múltiple. Acción que fue producto de la frustración y traumas de años de ser pisoteado por diferentes miembros de la sociedad. Por lo que, decide finalmente tomar acción frente a un grupo de hombres que acosaban a una mujer, y a él posteriormente por defenderla.
Arthur tras ver lo que ha hecho, huye hacia un baño público desocupado. En donde se encierra y entonces inicia una danza de jazz ligero, que no más es una representación física de la generación del capullo previo a la metamorfosis del personaje, hacia lo que se conocerá como Joker.
Más adelante en la película, tras liberarse de la mayor figura de daño y opresión que ha tenido en su vida, Arthur cambia su muda, se tiñe el pelo de verde y se maquilla el rostro de blanco, rojo y azul. Para después bajar bailando hacia la locura por esas escaleras que tanto le pesaban no sólo subir, sino que bajar de igual forma, día tras día.
Finalmente se eliminan los grilletes psicológicos que se formaron por las figuras autoritarias que le bloqueaban la acción de conductas antisociales, para aceptarlas bajando escalón a escalón con un inmortal baile que presenta al Joker en un escenario para la sociedad. Baile que miles de personas replicaron en la vida real.
Tiempos modernos
Una cinta importantísima e imprescindible para toda aquella persona amante del séptimo arte, no sólo por el ámbito cinematográfico, sino por el contexto político, económico y cultural en que fue rodada, que influyen en la trama y en la carrera de Charles Chaplin y del protagonista Charlot.
El argumento sigue con su cámara a Charlot (Charlie Chaplin) un trabajador de fábrica que aprieta tuercas en una línea de producción, en medio de la reciente industrialización y gran depresión de Estados Unidos, factores que lo terminan sacando de sus casillas, por lo que es recluido a rehabilitación.
Tras su exitosa salida del programa de rehabilitación, descubre que la fábrica donde laboraba está cerrada debido a una huelga de trabajadores. Desde entonces, Charlot se ve envuelto en varios sucesos cómicos que lo harán entrar y salir de la cárcel, así como obtener y ser despedido de empleos por mera obra de la casualidad. Pero en medio de todo lo anterior, su voluntad se verá alentada gracias al amor, que encuentra en una joven huérfana (Paulette Goddard).
Charlot, en una de sus salidas de prisión es recibido por su amada, quien recientemente consiguió trabajo de bailarina en un restaurante. Ella lo recomienda con su jefe, quien le da un tiempo de prueba para comprobar lo que puede hacer.
Después de un irrisorio y paupérrimo servicio como mesero, Charlotdebe cantar y bailar en frente de todos los comensales. Debido a que no sabe ninguna canción, su amada le escribe la letra en unos papeles que Charlot esconde en sus muñecas. Sin embargo, durante la introducción de su danza, los pequeños trozos de papel salen volando en un movimiento, dejando a Charlot sin letra.
En medio de los abucheos y el nerviosismo, Charlot sigue bailando y opta por improvisar una canción que no quiere decir nada. Esta es conocida como la “Nonsense Song” o Canción sin sentido. En la cual Charlot utiliza palabras aleatorias del francés, italiano y el inglés, dando como resultado una letra cómoda al oído, pero carente de sentido semántico.
Tal escena es de gran relevancia dentro de la historia del cine mundial. En primer lugar, porque la película en sí, que es un híbrido entre película silente y cine sonoro. Demostrando el final de una era de lenguaje cinematográfico dependiente cien por ciento de acciones de actores y de los intertítulos para contar una historia.
Además, al ser una combinación de ambos, se apoya en su parte la postura del hombre orquesta Charles Chaplin sobre su rotunda oposición del salto al cine sonoro, que al final del día, tuvo que aceptar, por lo que esta fue la última cinta silente de la filmografía de Chaplin, y de la historia. De hecho, Chaplin continuaba rodando películas silentes cuando el cine sonoro ya era un hecho de años.
Por otro lado, es una despedida y desconstrucción forzada al personaje icónico de Charlot como lo conocemos. Ya que después de su vasta filmografía dentro del cine silente, en donde este se comunicaba con nosotros solamente por su lenguaje corporal, este habla por primera vez. Aunque sean oraciones sin sentido, se rompió una de las principales características del personaje, debido a los -tiempos modernos- que afectó la vida del hombre orquesta, tanto detrás de la cámara en la vida real, como delante de la misma, dentro del mundo de la ficción.
Bande à part
Una de las cintas que todo cinéfilo debe ver cuando está comenzado a ver cine, es sin duda Banda aparte (Jean-Luc Godard, 1964), una de las películas más representativas de la nueva ola francesa, y del mencionado director.
Los focos se centran con Franz (Sami Frey) y Arthur (Claude Brasseur), dos inadaptados sociales y ladrones aficionados que un día conocen a Odile (Anna Karina) en una clase de inglés. Ella les revela que vive en la casa de una tía con mucho dinero.
El par de amateurs, tentados por la montaña de billetes que les cuenta Odile que tiene su tía, comienzan a cortejar y sonsacar a Odile para que sea su cómplice en el robo de la casa de su propia tía.
La escena de baile es mundialmente conocida como “el baile del café Madison”, en donde el ahora trío de inadaptados van y deciden montar un número de baile a mitad de la sala de café, al ritmo de un suave jazz con aplausos de los protagonistas.
El baile del café Madison trascendió hasta los cineastas de todas generaciones, al punto de verse influenciados en su trabajo. Uno de ellos es Quentin Tarantino para la icónica Pulp Fiction (a parte de las películas que se mencionan a continuación).
El baile en sí representa una revelación de los verdaderos “yo” de cada uno de los personajes en el número musical (de hecho es descrito por el narrador de la película). Arthur se encuentra mirando al suelo, pero sus pensamientos están en cómo sería un beso romántico de la boca de Odile.
Odile por su cuenta, a la vez que se concentra en la secuencia de pasos a son de uno, dos, tres, cuatro, se pregunta si sus amigos notan que sus pechos se mueven cuando baila. Por último Franz comienza a divagar sobre si se encuentra soñando, o si la realidad es un sueño.
A parte de la narración reveladora de paréntesis, Franz y Arthur abandonan a Odile a mitad del baile, cansados por alguna razón. Algo que resalta la verdadera razón por la cual están con ella, que es obviamente el dinero, y en segundo lugar, el cortejo para buscar el afecto carnal, y por otra parte, que Odile simplemente desea compañía para pasarla bien.
La quimera del oro
Una de las películas más reconocidas de la leyenda del cine mundial Charles Chaplin, que nos muestra a su icónico personaje Charlot. Ahora en una aventura en medio de la fiebre del oro del Yukón, también llamada fiebre del oro de Alaska. Un evento real ocurrido a finales del siglo XIX a los alrededores del río Klondike, cerca de la ciudad de Dawnson City, Yukón, Canadá. En donde debido a un descubrimiento (de varias personas alrededor del tiempo), se supo que había grandes cantidades de oro acumuladas en esa zona.
En la película, Charlot (Charles Chaplin) es un vagabundo que en medio de la búsqueda por el oro, es importunado por una tormenta de nieve, por lo que se resguarda en una cabaña en medio de la nada, en donde coincide con un famoso asesino Black Larsen (Tom Murray), y otro aventurero perdido entre montañas blancas, Big Jim Mac Kay (Mack Swain).
El inusual trío de infortunados lucharan entre sí, tratarán de matarse y pasarán hambre al punto de optar por comerse sus propios zapatos.
Terminada la tormenta de nieve, viene un poco después el momento del baile. Antes de ello, Charlotsale de la cabaña, y llega a un cabaret donde conoce a una bella mujer, Georgia (Georgia Hale). Con quien vuelve a coincidir en la calle en medio de una batalla de bolas de nieve con sus amigas, quienes le prometen a Charlot cenar con él en la víspera de año nuevo.
El pobre Charlot quien pone todo su esmero en la apetitosa cena en la cabaña, espera largo tiempo a la llegada de Georgia y sus amigas, al punto de quedar dormido y soñar que el grupo de damas finalmente le visita para cenar el apetitoso banquete.
En el sueño, regocijante por la amena velada en compañía de las cuatro chicas, Charlotclava dos tenedores en un par de panecillos respectivamente, y comienza a moverlos a un son rítmico, con base en el usual recurso del slapstick, que se ve a lo largo del cine de Charles Chaplin.
Tal secuencia es importante, ya que revela el añoro más profundo del protagonista Charlot, que es el amor de Georgia, y el sentir la cálida compañía de la amistad, que en este caso brindarán las otras tres amigas, en medio de una ciudad acolchonada por la nieve. Entonces, cómo al conseguirlo, sería tan feliz que bailaría para celebrarlo.
De hecho, es ahí donde entra otro significado del nombre de la película (al menos en su traducción en español), en donde quimera, además de referirse a un monstruo cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de dragón, significa un sueño que se persigue a pesar de las improbabilidades de obtenerlo.
Continuando con el baile, es uno de los más icónicos en la historia del cine mundial. Ha sido motivo de referencia en innumerables ocasiones dentro de la cultura popular, como en series y películas. Además es curioso que no se utilizaron piernas en el número de baile.
Pulp Fiction
Tiempos Violentos o Pulp Fiction es la segunda (o tercera) cinta entre la filmografía del legendario director Quentin Tarantino, y también es considerada su obra maestra. Además, por si fuera poco, contiene la escena de baile más memorable en la historia del cine.
La trama nos sitúa frente a tres historias que aparentemente no tienen nada en común, pero mediante que avanza la trama, nos damos cuenta que se entrelazan, y que los sucesos protagonizados por un par de sicarios, un boxeador y la esposa del jefe de la mafia están en desorden cronológico en la secuencia, dando un fresco estilo a la película.
En algún momento, uno de los sicarios, Vincent Vega (John Travolta), debe sacar a cenar a a Mia Wallace (Uma Thurman), la esposa de su jefe Marsellus Wallace (Ving Rhames), por sus propias órdenes, debido a que estará ausente de la ciudad por algunos días.
Vincent y Mia van a un restaurante con temática de la cultura pop estadounidense, es ahí cuando el animador del lugar convoca a los comensales a participar en el habitual concurso de baile. Ambos suben a la pista e inician con los rítmicos pasos que inmortalizaron la nombrada escena de baile más famosa en la historia del cine, aunque no es del todo original.
Como es bien conocido, la filmografía de Tarantino está conformada por infinidad de referencias al cine de diferentes géneros y épocas, por lo que Pulp Fiction no es la excepción.
Más allá de las influencias que llevaron a Tarantino conciente, o inconcientemente al montaje de esa escena, la misma es importante ya que es el inicio del desastre en que se verían envueltos Mia y Vincent. Ya que tras ganar el concurso de baile, se rompe el duro hielo entre ambos, y que mantenía la noche aburrida. Posterior a ello, entrarían en una confianza, y liberal noche de alcohol y drogas que por poco termina en un cuerpo muerto por sobredosis.
¿Qué les pareció el Top Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Están de acuerdo con él, o creen que hizo falta algún baile famoso de película? ¡Coméntalo!
Mariana Levy nos cuenta cómo fue añadirle una perspectiva diferente a un deporte asociado tanto con lo masculino en El Presidente.
Hace poco más de una semana debutó por Amazon PrimeEl Presidente, una serie de ocho capítulos que examina en profundidad todo lo que rodea al FIFA Gate, el mayor escándalo de corrupción que vivió el futbol internacional entre 2015 y 2016. Armando Bo, director de la oscarizada Birdman, es el showrunner de esta ficción que hace foco en la figura de Sergio Jadue (Andrés Parra), el presidente de un ignoto club de futbol chileno, que de la mañana a la noche se convertirá en el presidente de la Asociación Nacional de Fútbol Profesional de Chile (ANFP) y en el protegido del vicepresidente de la FIFA, Julio Grondona.
Fuera de Foco habló con la dramaturga argentina, guionista y jefa de la sala de redacción de El Presidente, Mariana Levy, sobre esta serie que pone al descubierto la obvia corrupción y misoginia que desborda de este universo ultrapatriarcal.
Pero no se confundan, no estamos ante un documental o un true crime que sigue al pie de la letra todo lo acontecido; estamos ante una biopic que parte de elementos públicamente conocidos, para contar el ascenso y la brutal caída de un hombre que pasó de no tener nada a tenerlo todo.
Personajes femeninos fuertes
“Yo trabajo escribiendo con Armando hace mucho tiempo” dice Mariana Levy que se sumó al proyecto unos meses después de que iniciara, “el grupo que estaba antes de que entráramos (con Bo) estaba compuesto por todos varones y como habrán visto en la serie hay dos protagonistas mujeres, ahí entré como una guionista más y con el pasar de los meses quedé a cargo del writer’s room”.
Estas dos mujeres de las que habla Levy, y que pueden ver en los posters y afiches promocionales de la serie son: Nené, la esposa de Jadue (interpretada por una brillante Paulina Gaitán), y Rosario (Karla Souza) una agente encubierta del FBI, que cumple un rol esencial para el desbarate de esta red de señores corruptos.
“Nos gustaba que la infiltrada del FBI fuera una mujer, porque todos los personajes de la CONMEBOL son varones y también porque nos parecía una buena decisión del FBI. Si yo fuera ellos y voy a infiltrar a alguien en un lugar donde son todos señores babosos, también elegiría a una chica bonita” afirma la guionista.
Con respecto al personaje de Nené, Mariana dice que durante todo el proceso de investigación vio programas de espectáculos de Chile, donde hablaban todo el tiempo de ella y la destrozaban. “Ver esos programas fue lo que me hizo querer escribir una buena Nené. Veía mucho odio hacia ella, y creo que ese odio simplemente es misoginia, les molestaba que no fuera un florero, que no esté ahí parada sin hacer nada, que tuviera una oficina en la ANFP, que hiciera cosas” asegura Levy y agrega “hay algo de ese rol no tradicional de la mujer, que en Chile molestaba mucho y eso para mí era como nafta para escribir un gran personaje. En todas estas series que solemos ver de hombres que hacen cosas malas, que son un montón, la mayoría de las veces no vemos que les pasa a las mujeres que están ahí al lado de estos hombres. Hay consecuencias de esto para toda la familia, y está buenísimo haber podido escribir un personaje así”.
Cuando la realidad supera a la ficción
Levy nos cuenta que, más allá de su placer por el futbol, desconocía los pormenores de la política de este deporte y que, con todo el equipo, leyeron cientos de páginas de libros y artículos de investigación, vieron horas de videos y un sinfín de archivo de imágenes, “el caso en sí de Jadue fue muy público, con mucha cobertura y teníamos un montón para trabajar” afirma.
Aunque muy popular en su país natal, Sergio Jadue puede haber pasado desapercibido para muchos, incluso para algunos acérrimos seguidores del futbol. “La historia de Jadue parece guionada, cuando ves la serie pensás esto no pudo haber pasado así. Lo más inverosímil, que es lo que pasa al principio es tal cual. El tipo de la noche a la mañana pasó a ser el presidente de la ANFP, es algo que un mes antes nadie se lo veía venir” dice Levy acerca de este personaje tan particular y contradictorio, que terminó siendo la clave para la caída de estos líderes deportivos.
La serie es una coproducción entre Kapow, Gaumont, Fábula (la productora de los chilenos Larraín), y Amazon Prime, productoras que les dieron a los guionistas mucha libertad a la hora de contar esta historia. “Está buenísimo que alguien te lea con detalle y te ponga en jaque, desde Amazon leían todo lo que escribíamos y nos devolvían notas muy lucidas, pero nunca como una orden, era tratar de mejorar el material. Y no solo de Amazon, todos los productores fueron muy creativos al tratar de aportar. Es un mismo equipo, todes queremos que la serie sea lo mejor posible” dice Levy.
Si hablamos de libertad creativa, el mayor hallazgo está en una escena del capítulo seis, donde vemos a dos personajes varones besarse. “Poner algo así en una serie para este tipo de público, está buenísimo” dice la guionista y continúa “es abrir una discusión sobre fútbol y la homosexualidad, que parece que son dos cosas que nunca se tocan, que no hay gente homosexual en el fútbol”. Sin embargo, asegura que tenía miedo de que la escena nunca se llegase a concretar, “una vez que yo la escribí, pensé que Armando no la iba a aceptar, una vez que él me dio el sí, pensé que los productores me la iban a revotar. Una vez que los productores no la rechazaron, pensé que nunca se iba a filmar y una vez que se filmó pensé que iba a caer en la edición, que alguien la iba a ver e iba a decir que era demasiado jugado”. Finalmente, la escena es parte del corte final y una bofetada para muchos espectadores que esperan encontrarse con una historia de hombres malos y nada más.
Derribando barreras
El Presidente es una serie sobre la política del futbol y toda la miseria que lo rodea, escrita por un equipo liderado por una mujer y eso se festeja, más allá del absurdo odio de algunos conservadores, que siguen viviendo en los 90 y piensan que el futbol y las mujeres no pueden escribirse en una misma oración. “Me parece mucho más importante que haya mujeres guionando este tipo de historias, que tal vez de otras que son entendidas para un público femenino. Acá se hace la diferencia al mostrar otro tipo de personajes femeninos, porque es una ficción donde el público es mayormente machista recalcitrante. Este es un campo de batalla muy interesante para ir metiendo cositas” dice Mariana Levy al respecto.
“Mujeres guionistas de tele hubo siempre, lo que pasa es que la mujer guionista esta relegada un poco a escribir telenovelas, se la vincula históricamente a lo emocional, lo sensible. Hubo durante mucho tiempo un auge del policial y a mi modo de ver equivocadamente, se piensa que los varones escriben mejor policial que las mujeres. Los últimos años post Me too, lograron que ganemos terreno, pero obviamente no hay equidad” asegura Levy que forma parte de una red de mujeres guionistas, que nació de la necesidad de luchar contra la inequidad que respira la industria.
El Presidente viene a levantar la vara de las producciones originales latinas, una industria que parece no ir en concordancia con el auge que viven las series en la actualidad. Si lo que están buscando es un show que narre los pormenores de la mafia futbolera, pero desde una perspectiva crítica, que propone derribar ciertos temas tabúes, entonces esta serie es para ustedes.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les gustó ver El Presidente?
Defending Jacob es una miniserie que transforma a Chris Evans en un padre con grandes conflictos morales
Chris Evans es mejor conocido por ser el Capitán América en el UCM, sin embargo también ha tenido papeles distintos como en Snowpiercer o Knives Out. Ahora, probó suerte con la miniserie de Apple TV Plus, Defending Jacob, en la que a pesar de un loable esfuerzo, queda algo corta a la expectativa.
Esta producción que consta de ocho episodios está basada en un libro del mismo nombre escrito por William Landay, aunque tiene algunas variaciones del mismo según la adaptación para televisión realizada por Mark Bomback.
Además, Defending Jacob tiene de director a Morten Tyldum, quien fue nominado al premio Oscar por el filme The Imitation Game (2014).
Con todos esos nombres y el respaldo de ser una plataforma que busca competir con Netflix o HBO, pintaba para que este drama criminal fuese de mayor peso.
Desgraciadamente apenas supera la media de puntuación y ofrece pocos elementos novedosos de fórmulas muchas veces usadas en el pasado.
¿De qué trata?
La familia Barber convive en una comunidad tranquila en Massachussetts, Estados Unidos, sin mayores sobresaltos. El padre, Andy (Chris Evans) es un ayudante de fiscal que es respetado y que ha hecho bien su trabajo por más de 20 años.
Laurie es la esposa, interpretada por una sobresaliente Michelle Dockery (de hecho, el punto más fuerte de la serie), quien trabaja en un centro de estudios para infantes. Y por último tenemos al hijo adolescente, Jacob (Jaeden Martell), cuya vida dará vuelta por completo al ser acusado del asesinato de un compañero de clases.
El hecho sangriento ocurre cercano al colegio y desde entonces la vida de esta familia queda al escrutinio público, además de causar por supuesto un daño moral y psicológico en todos ellos.
Defending Jacob juega con dos tiempos, desde el inicio vemos una audiencia en la que está Andy respondiendo preguntas de lo sucedido, lo que nos lleva a saber cómo fue que inició y que terminó toda la investigación y posterior juicio por este asesinato.
¿En qué falla?
Un misterio estilo policial o thriller debe tener un ritmo muy llevadero para que funcione.
Cuando se incluyen escenarios o argumentos que en vez de dar soporte a la trama, se perciben como rellenos, uno empieza a notar las costuras y desapegarse del contenido. Eso ocurre con esta serie.
El episodio piloto funciona y los últimos dos igual, efectivos para captar muy bien la atención, así como generar esas ganas de saber qué fue lo que realmente pasó. El conocer si realmente Jacob hizo o no hizo el crimen se intensifica para esos momentos, pero en medio es que se siente un bajón importante.
Muchos críticos dicen, y concuerdo con ellos, en que probablemente hubiese funcionado mejor con menos episodios. Incluso, por qué no, en una película, ya que esos pasajes de mitad del camino no sumaban mayor intriga ni inspección de personajes. O más bien, el aporte para esos dos aspectos era insuficiente.
Aún así la serie no puedo considerarla aburrida o una pérdida de tiempo. En absoluto, es bastante cumplidora en términos menos exigentes que otras producciones “Triple A”.
En otras palabras, en televisión abierta sobresale, pero en estos tiempos de streaming y exclusividades, no tiene mayor relevancia.
Veredicto
Si buscan un misterio que genere intriga, entretenga y con actuaciones diligentes (con excepción de Evans) esta serie es para ustedes.
Tiene un aura parecida a The Killing, por lo que si gustaron de esa serie probablemente gusten de Defending Jacob, aunque en términos más amplios está en una escala menor.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿le darán una oportunidad a Defending Jacob? ¡Cuéntanos tu opinión!
¿Quién habría pensado que un reinicio de Queer Eye sería uno de los mejores y más conmovedores espectáculos de la actualidad?
Ahora tenemos a Jonathan Van Ness, Tan France, Antoni Porowski, Bobby Berk y Karamo Brown sumergiéndose en las vidas de diversas personas que enfrentan diferentes desafíos. Los remedios pueden ser un poco universales, pero la sensación de una sonrisa cálida al final de cada episodio es parte fundamental del programa para no perder su esencia.
El corazón de la serie sigue la forma en que los cinco fabulosos interactúan con el invitado. Sí, las transformaciones giran en torno a la moda, el aseo y la comida, pero están diseñadas para cambiar algo mucho más profundo dentro de la psique: una falta de autoestima, el autocuidado y amor propio.
¿De qué va Queer Eye?
Si nunca antes has vistoQueer Eye , este es un programa que transforma la vida de las personas que más lo necesitan en temas LGBT. Cada miembro de los cinco fabulosos son especialistas en ciertas áreas y cada uno de ellos toma tiempo para usar sus habilidades para ayudar y educar a los invitados a mejorar sus vidas de una forma u otra, sin dejar de ser entretenidos.
Está bien explicado que cada miembro de los cinco fueron traídos por sus habilidades y nunca se habían conocido antes de que comenzara la primera temporada de este programa, pero su amistad y química es muy notable lo que ocasiona que verlos sea aún más agradable y divertido.
Las lágrimas siguen siendo una parte importante de la fórmula del programa, tener a alguien que ha pasado por algún tipo de lucha hace que la audiencia se enamore de los invitados y conduce a un programa muy conmovedor.
La nueva temporada
Lo que es muy interesante sobre la quinta temporada de Queer Eye es que los cinco no sólo reparan las casas y tienen aspecto de héroes, sino que también se esfuerzan por mejorar los negocios de los invitados que han desarrollado o para los que trabajan cada uno para tratar de mejorar su calidad de vida.
El primer episodio de esta temporada realmente es muy controversial, los cinco fabulosos trabajan con un sacerdote abiertamente gay. Está claro que los cinco son abiertamente homosexuales y al principio están muy incómodos de trabajar en una iglesia, ya que han experimentado homofobia por las creencias religiosas en sus años de adolescencia, pero es fantástico ver a la comunidad LGBT en conjunto con la iglesia, ya que este es un lugar que no se retrata lo suficiente.
Los cinco ayudan al sacerdote a conocerse más y cambiar su vestuario, imagen y hogar. Pero, lo más importante es cuando lo conectan con otros pastores homosexuales que lo ayudan a enfrentar el rechazo y la homofobia internalizada.
Esto es aún más relevante en este momento, ya que actualmente estamos en el mes del orgullo, y es importante mostrarles a los espectadores LGBT que son aceptados y amados por algunas comunidades que históricamente los han rechazado.
¿Por qué no debes perdértela?
Lo más reconfortante en todos los episodios, es la sensación de inclusión: entramos en cada uno de los cinco fabulosos y como se enfrentan a cada persona sin juicio alguno, cualquiera que sean los problemas que intentan resolver, lo profundizan y tratan de que la audiencia conecte con las historias. El objetivo común es dar a cada sujeto un mayor sentido de autoestima y tratar de escuchar sus problemas.
Cada episodio profundiza no solo en la vida del invitado, sino también en un tema más amplio que representan. Estos van desde problemas serios como la inmigración y el conflicto cultural entre varios países, hasta arreglar citas y la falta de autocuidado.
En general, Queer Eye es un espectáculo repleto de momentos conmovedores y emocionales en todo momento, agregando que son muy entretenidos y cada uno trata de educar a los espectadores en sus áreas especializadas y en temas LGBT.
Aquí te dejamos el trailer
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les gustó la última temporada de Queer Eye?
Will And Grace ya está disponible a través de XVIEW. ¡No te la puedes perder!
El aniversario oficial de la exitosa serie Will and Grace es el 21 de septiembre, la fecha en la que el primer episodio vio la luz en la televisión en 1998. Sin embargo, su impacto cultural en la comunidad LGBT es tan grande, que es imposible no recordarla en medio de las celebraciones del orgullo gay en junio.
Will and Grace Contra el Mundo
Un año antes de que Will and Grace se estrenara, Ellen DeGeneres salió del clóset en el famoso “Episodio del Cachorro” en la sitcom Ellen. Aunque la noticia fue recibida de manera mixta, en donde varios grupos religiosos exigían a la cadena que retirara la serie del aire, y Ellen DeGeneres tuvo que soportar que su show fuera reasignado al horario nocturno por considerar que incluía “contenido sensible apto solo para adultos” hasta que la cadena ABC decidió cancelarlo, la semilla se había implantado: Por fin había una mujer abiertamente gay en el ojo de la cultura pop, y la comunidad LGBT ya no iba a apartarse del mainstream.
A ese acto revolucionario se le sumó Will and Grace, una serie que narra la historia de Grace Adler (Debra Messing), una diseñadora de interiores que vive con su mejor amigo Will (Eric McCormack), un abogado homosexual que apenas está comenzando su carrera. La serie también incluyó a icónicos personajes como Jack (Sean Hayes) el mejor amigo de Will en la universidad quien también resulta ser gay, y Karen (Megan Mullally) una mujer millonaria que ayuda a Grace a posicionar su empresa de diseño.
La serie estuvo parcialmente inspirada en la vida de uno de los creadores, Max Mutchnick y su relación con su amiga de la infancia, quien lo acompañó desde los 13 años.
Por supuesto, la primera vez que e transmitió por televisión fue recibida en su mayoría de manera negativa, en donde la comparaban con el show de Ellen. Y en general, era considerada una “anomalía”, no sólo por la presentación de personajes abiertamente homosexuales, también por la extraña premia de presentar a un hombre y una mujer que no tuvieran ningún tipo de afecto sexual.
Cómo Cambió al Mundo
Aún así, era la primera vez que veíamos la caracterización de realidades homosexuales en la televisión a través de una sitcom. Y los personajes resultaron ser tan entrañables, con situaciones tan diversas, que muy pronto se convirtió en la serie favorita de Estados Unidos, y fue merecedora de 83 Premios Emmy, 8 temporadas y un revival en 2017.
Will and Grace alcanzó este éxito precisamente por la naturalidad con la que presentaba a sus personajes, quienes tenían los mismos deseos que otras exitosas series como Friends o Seinfield: Eran un grupo de adultos jóvenes que intentaban encontrar su lugar en el mundo, encontrar un buen trabajo, el amor, y conservar a sus amigos.
Sin embargo, el show ayudó a dar visibilidad a la vida de las personas dentro de la comunidad LGBT, pues Will y Jack tuvieron una amplia gama de intereses románticos, y tenían que enfrentar decisiones difíciles, como los deseos de tener un hijo de Will, o la incapacidad de sentar cabeza de Jack.
Cada tema era tratado abiertamente y de una manera positiva, cosa que comenzó a cambiar la actitud del público general con respecto a temas LGBT. A pesar de que ha recibido críticas por aparentemente caracterizan de manera estereotípica a los hombres gay, la serie en realidad intentó representar diferentes realidades a través de diversos personajes. Pues si bien Jack era caracterizado como el típico gay fiestero y delicado, Will era un hombre más “masculino”, con una mentalidad más centrada en su carrera y en desarrollar relaciones duraderas.
Más Allá de la Pantalla
De hecho, en 2012, en medio de un debate sobre matrimonio igualitario, el candidato a la presidencia por el partido demócrata, Joe Biden, citó a Will and Grace como la serie que mejor educó al pueblo estadounidense sobre temas LGBT.
Y en 2014, el Smithsonian Institution, considerado como el Museo de Historia Nacional de Estados Unidosañadió instrumentos de la serie a una colección en celebración de la historia LGBT del país.
¿Sobrevivió al paso del tiempo?
Cuando Will and Grace resurgió en 2017, la crítica y la comunidad LGBT señalaron que la serie no reflejaba la complicada realidad de la comunidad LGBT. Argumentando que, al final del día, sólo contaron la historia de gente blanca de clase alta, y la normalización de las temáticas gay en la serie fue a través de la amistad entre Will y Grace, dejando de lado el verdadero viaje de Will como hombre homosexual.
Sin embargo, es indudable que la serie fue una presencia positiva, tanto para el público general, como para nuevos creadores queer, y fue una de las series que marcó el camino para explorar nuevas relaciones y nuevas realidades. Además, su éxito impulsó el interés de Hollywood por producir contenidos LGBT desde una perspectiva más amigable.
Tal vez Will and Grace no logró capturar la esencia del movimiento LGBT en su totalidad, pero no tenía que hacerlo. Sin su representación tan positiva de las realidades de dos hombres abiertamente homosexuales, probablemente no tendríamos éxitos tan granes como Queer Eye, Boy Meets Boy,Love Simon o Moonlight. Todas historias diferentes y diversas, presentando una amplia gama de personajes LGBT bajo diferentes perspectivas, y que todas representan un paso más hacia una buena representación.
Conseguir más y mejores representaciones LGBT en la cultura pop es un proceso largo. Pero, sin duda, Will and Grace pavimentó el camino para seguir con la lucha. Y por eso ganó un gran lugar en la historia.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¡No olviden que ya pueden disfrutar de Will and Grace a través de XVIEW!
El Presidente es la nueva serie de Amazon que cuenta el escándalo del FIFA Gate desde una perspectiva diferente.
El FIFA Gate, fue un gran escándalo de corrupción internacional dentro del mundo del fútbol que se suscitó entre 2015 y 2016. Armando Bó, un talentoso guionista que trabajó de cerca con Alejandro Gonzáles Iñárritu en la historia de Birdman (2014), fue el encargado de llevar este escándalo a la la plataforma de Streaming de Amazon con El Presidente.
El Presidente cuenta el caso de corrupción a través de los ojos de Sergio Jadue (interpretado por Andrés Parra), el expresidente de la Asociación Nacional de Fútbol Profesional de Chile, y quien fue uno de los protagonistas del conflicto. La serie muestra esta historia de una manera completamente diferente, y por eso, Fuera de Foco platicó con Armando Bo, Paulina Gaitan y Andrés Parra, quienes nos contaron por qué no te la puedes perder.
Armando Bó
¿Qué te inspiró a contar la historia de Sergio Jadue?
La verdad, yo estaba buscando un tema popular, internacional. tenía ganas de hacer una película o una serie con esta temática y apareció la oportunidad de la mano de Amazon. Cuando escuché acerca de la posibilidad de hacer el caso me motivé mucho, y me dieron muchas ganas y de alguna manera de contarlo de manera diferente. No quería contarlo como un típico caso de corrupción, sino subir el tono y llevarlo al lado de la parodia y de reinos de todo esto.
Una de las cosas que noté de El Presidente, es que cambia mucho el tono de repente. Pero, ¿Por qué contar una historia aparentemente tan seria con este giro de comicidad?
En algún punto, cuando me puse a investigar el caso, la manera en la que se manejaba esta gente era realmente insuperable en cuanto a lo creativo y en cuanto a la libertad. La corrupción era la moneda corriente, era lo más normal del mundo manejarse así, no es que ellos se sintieran descubiertos.
Entonces, ponerle este tono, para mi, era hacerle un homenaje a ellos. A esa improvisación que tenían. Por ejemplo, la CONMEBOL tenía inmunidad iplomática, somo si fuera una embajada o el Vaticano. Entonces, cuando uno se pone a ver todo ese tipo de cosas, uno dice: Bueno, es que esto es más una comedia que una cosa seria. Porque si no, tal vez te puedes quedar con un poco la idea de que el tema es aburrido, cuando en realidad era bastante interesante.
¿Crees que la pasión de los latinos por el fútbol ayudó a que todo este tema se volviera más cómico?
Yo creo que en algún punto no es una historia latinoamericana, es un escándalo internacional. Manejado por la FIFA, Durante 35 años todos los países estaban alineados a una idea, entonces es un escándalo gigante que empieza sin duda por latinoamerica porque bueno, somos más improvisados. Pero uno mira a Suiza y ahí está el secreto bancario más grande el mundo, o sea, como que, en algún punto, es algo que atrapa a todo el mundo. Incluso a Estados Unidos que, de alguna manera, estaba muy interesado en que el tema explotara para meter las manos en el pastel.
Cuéntame un poquito sobre tu investigación. ¿Fue difícil crear esta historia? ¿Cómo fue tu proceso?
Hubo mucha investigación. La verdad, por suerte había mucha información con libros escritos y notas periodísticas, estaba todo muy desarrollado. Y bueno, tuvimos que agarrarlo de alguna manera y apuntalarlo nosotros hacia el terreno de la ficción. Tuvimos que crear momentos que, pues no existían, pero también tratando de estar a la altura de la irrealidad de esta locura.
Entonces sí fue un gran proceso, muy intenso, muy difícil y con muchos sacrificios.
Esta es tu primera serie, ¿Verdad? ¿Qué tan difícil fue adaptarte al nuevo formato?
Sí, es mi primer paso al mundo de la series. Sin duda fue todo un desafío como showrunner, director y creador. Fue muy intenso, muy difícil. Uno trabaja 2 años tal vez para una película, en este caso trabajar un año y medio para 8 horas que son 4 películas, la verdad sí fue un desafío. Pero siento que sí estamos hablando es que El Presidente generó mucho interés y eso me llena de alegría. Pero si fue un trabajo enorme.
¿Cuál fue tu mayor obstáculo creando la serie?
Estamos en un momento donde las series son muy relevantes, incluso en esta pandemia. Se convirtieron en algo para sobrevivir, porque los contenidos se volvieron muy necesarios, casi como una comida. Es un gran momento para nosotros como creadores, para desarrollar más historias y experimentar más. Por eso también estoy abriendo una productora nueva, se llama About Entertainment que está abierta a desarrollar contenidos internacionales para todo el mundo, porque la gente ya está abierta, aprendió a leer subtítulos.
¿Te gustaría hacer una segunda temporada de El Presidente? ¿O seguir buscando temáticas similares para convertirlas en serie?
Veremos. La verdad, me gusta cambiar bastante de temáticas. En este momento no lo estoy pensando, pero nunca se sabe.
Paulina Gaitán
El personaje de Nené es muy interesante. Es esta mujer que sí ama a su esposo, pero al mismo tiempo tiene objetivos muy claros y se vuelve casi la mano detrás del poder. ¿Tú qué opinas de ella?
Yo creo que Nené es un personaje complicado. Yo lo que no quería hacer era mostrarla como la “mala-mala” o la “buena-buena”. Ella es un ser humano normal que lo único que tiene es una obsesión con querer tener poder y llegar a una posición que ella siente que merece.
Entonces, creo que Nené está constantemente empujando a su marido para que crezca, porque sabe que es mucho más fácil crecer con él que crecer sola. Nené es una persona con un carácter fuerte, es una mujer decidida y muy inteligente. Para mi fue todo un reto crear este personaje, que no solamente fuera la empoderada, sino esta mujer que tiene matices. Que tiene días buenos y malos, que tiene peleas con su marido. Quería que fuera real, más natural.
¿Cómo te preparaste para darle estos matices a Nené?
La verdad, yo estuve buscando la poca información que había en internet. Había 2-3 videos de ella y nada más, entonces no quise estresarme por ese tema. Lo que hicimos fue preparar el personaje como equipo, estaba rodeada de gente súper talentosa: Armando Bó, Gabriel Díaz, Natalia Beristain, Andrés Parra… Entonces, creo que, entre todos nosotros, como conjunto y como familia, hicimos a esta Nené que para nosotros era la Nené que queríamos mostrar en El Presidente.
¿Qué fue lo que te llevó aceptar interpretar a este personaje?
El reto. El reto que conlleva hacer un personaje con tantos matices y con un arco emocional tan complejo. Más el reto del acento, que fue algo que me quitaba el sueño. A mi me gustan los personajes que sean fuertes y que dejen algo al público. Hay que hacer este tipo de personajes, que son mujeres tan fuertes y tan poderosas.
Hay que hacer estos personajes a base de mucho amor, de mucho cariño y de mucho respeto, para que la gente pueda recibirlo de esa manera.
¿Qué te gustaría que la gente se llevara de Nené?
Me gustaría que empatizaran con ella. Yo me llevo su fuerza, sus ganas y su impulso. Es un personaje muy rico que tiene muchos momentos. Creo que la gente se va a sentir muy identificada con ella en varios momentos, en otros no.
¿A ti te gusta el futbol?
A mi no me gusta el futbol. Respeto mucho el deporte y a los seguidores, pero en mi casa no crecimos con futbol, así que no era un deporte que yo siguiera. Pero tocó hacer la serie y la verdad es que, no es que ahorita yo sepa qué jugador juege en qué equipo, más bien yo me enfoqué en el matrimonio que teníamos que hacer, porque ellos van creciendo como pareja. Entonces nosotros nos enfocamos en hacia dónde íbamos.
¿Cómo Crees que a la gente que no le gusta el futbol reaccione al ver la serie?
Yo creo que El Presidente es una serie para todos, no es solamente para los hinchas. Los personajes están tan bien hechos que no necesariamente tienes que ser un fanático del fútbol para entender una historia que te llevan 3 personajes.
Yo creo que el futbol solamente está ahí. Pero lo que está sucediendo, quien está llevando la historia son los personajes. Además, el tono de comedia, no es un drama, no estamos hablando de la corrupción de la FIFA de forma seria, al contrario. Las situaciones fueron muy chuscas y por eso tiene un tono muy particular que va a hacer que a la gente le encante El Presidente.
Andrés Parra
Tú has interpretado a personajes muy complejos, como Pablo Escobar o El Anestesia en el Cartel de los Sapos, ¿Qué te atrae de los personajes conflictivos?
A mi me gustan mucho los personajes que incomoden al espectador, que no sean faros de la moral, si no más bien de todo lo que no está bien hecho. Me gusta sacar la parte negativa del ser humano y mostrarla, con la idea de que eso sirva como reflexión para que la gente pueda reevaluar sus propias tragedias.
Me gusta mucho la miseria humana, los personajes solitarios y en conflicto. Porque siento que es importante mostrarlos. Es importante que la gente, desde el entretenimiento, pueda enfrentarse a ese tipo de humanos. Tienen que entender cómo están armados, qué piensan, qué sienten y qué los motiva, para que también puedan identificarlos si los tienen por ahí cerca.
Me divierto, me entretengo, estos personajes se vuelven un reto para mí.
¿Cuál dirías que es el dilema de Sergio Jadue en la serie?
Yo siempre he visto a Jadue como un personaje muy trágico. Quizá Jadue nos muestra lo que pasa cuando queremos vivir una vida que no es cierta, que no es nuestra. Ese tema nos afecta mucho actualmente, gracias a las redes sociales, en donde la gente vive en una constante preocupación por el qué dirán.
Eso le pasa mucho a Jadue, y es una caída libre. Porque al final, él sabe que esa burbuja va a explotar y todo el planeta entero se va a enterar de quién realmente es él y qué responsabilidades tiene. Yo diría que es eso. Es terrible, fue un tipo que armó toda una mentira para ascender socialmente, para cambiar de auto, para tener poder, para codearse con gente poderosa y darle gusto a su esposa. Pero eso no dura, y cuando cae, le duele mucho.
A pesar de que Jadue está metido en un problema internacional, tu interpretación lo muestra a veces como un hombre patético. ¿Cómo te sentiste al interpretar un personaje con tantos matices?
Yo me divertí mucho. La curva que tiene el personaje, la propuesta desde el guión sobre el viaje tan intenso, es algo muy rico para mí como actor. Al final, tienes muchos Jadues, algo que se me hace muy entretenido, de repente toparse con ese Jadue gordito y desubicado que no encaja en ningún sitio, a pesar de querer poder y tener una esposa que lo empuja.
Cuando llega al poder, Jadue se transforma: se opera, cambia de cara, casa, amigos, etc. Por eso es un persona inagotable y muy poderoso, puedes darte la libertad y la licencia de jugar mucho con él.
En ese sentido, los directores fueron muy generosos, porque nos permitieron tanto a mí, como a Paulina y Karla, explorarlo en ese sentido. Poder decir “vámonos por aquí, vámonos por acá”. Y en ese ir y venir aparece de repente la farsa, la sátira y la comedia, cosa que al personaje le ayudó mucho. Porque lo divertido es ver justamente lo patético que es Jadue. Lo patético de los señores de la CONMEBOL. Lo patético del negocio.
¿Cómo te preparaste para interpretarlo?
Yo llegué virgen al tema. No soy aficionado al futbol y, aunque supe lo de la FIFA pasé muy rápido por ahí. En ese sentido, fue un proyecto muy revelador. Algo que me gusta de los personajes históricos es que ya tengo una hoja de ruta, ya sé más o menos cómo abordarlos y qué es lo que tengo que hacer, entonces repetí un poco la receta:
Vi documentales, entrevistas, leí libros, crónicas noticias. Hay mucho material en internet sobre Sergio Jadue y el escándalo. Paralelamente, trabajé en el acento oyendo programas chilenos, radio chilena, televisión chilena. Hicimos un trabajo con mi coach en Bogotá para encontrar dónde tiene la voz colocada Jadue. En Chile me tomó como 15-20 días terminar de ajustar el acento, así como el maquillaje y el estilo.
Fue un trabajo también con Armando, Paulina y Karla, porque nos sentamos mucho tiempo a inventarnos su intimidad. Entonces es un trabajo muy bonito porque, al final, somos un equipo.
¿Cuál crees que sea el mensaje principal de El Presidente?
Yo creo que El Presidente nos va a mostrar lo fácil que es tapar el sol con un dedo. Es muy fácil culpar a una sola persona, como a Jadue. Pero es muy importante que nos demos cuenta que las estructuras de corrupción involucran a muchísima gente, y su modus operandi es agarrar un chivo, mandarlo a la horca, pero la estructura sigue intacta y continúa.
Por eso nos sigue robando y no pasa nada. Jadue es culpable, porque siempre tuvo la oportunidad de hacerse a un lado, pero también es cierto que no es él solo. ¡Hay que ir por la manada completa!
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán un oportunidad a El Presidente?
