Aunque sus cintas de Thor dividen las opiniones entre fans, es claro que Taika Waititi se ha vuelto una de las figuras más influyentes e importantes en la industria.
El estreno de Thor: Love and Thunder nuevamente sacudió al mundo de Hollywood, consiguiéndole a Marvel Studios su más reciente blockbuster garantizado logrando recaudar más de $302 millones de dólares en su primer fin de semana en cartelera.
Y aunque las opiniones de los fans referentes tanto a esta entrega como a la pasada, Thor: Ragnarok, dividen al mundo entre quienes la aman y quienes las odian, una cosa es innegable: Taika Waititi tomó la franquicia del dios del trueno, la cual era considerada como la más débil del MCU en su momento y la revitalizó de una manera en la que el público ha respondido mucho más, logrando convertirlo en uno de las más populares e importantes del estudio.
Y esto es tan solo uno de los ejemplos que demuestran como Taika Waititi ha tomado la industria por sorpresa y se ha vuelto una de sus estrellas más importantes.
Los humildes inicios
El actor, comediante y cineasta neozelandés inició su carrera en su tierra natal, donde se abrió camino con comedias independientes, particularmente en el subgénero coming-of-age, que reflejaban su peculiar sentido del humor y sensibilidades que reflejaban sus propias experiencias durante su juventud tales como sus primeras cintas Eagle vs Shark y Boy.
Dentro de este estilo, el mayor logro durante de la carrera de Waititi fue su nominación al Oscar a Mejor Cortometraje en la entrega del 2005 por su corto Two Cars, One Night, que demostraba la rivalidad entre dos niños de primaria se convirtió en una amistad (algo que se volvería un tema recurrente dentro de su filmografía).
Un elemento clave durante los inicios de Waititi, fueron sus constantes colaboraciones con sus amigos (y compatriotas kiwis) como Jemaine Clement, Bret McKenzie, Rhys Darby, entre otros. La colaboración y humor compartido entre el grupo llevó a la creación de series de televisión dirigidas por Taika como Flight of the Conchords, una narrativa ficticia cómica de la banda del mismo nombre integrada por McKenzie y Clement.
El salto a Hollywood
El particular exito de Conchords en HBO, llevó a la colaboración considerada el elemento clave para que el éxito del dúo y de Taika Waititi como director cruzará fronteras y les abriera las puertas necesarias para triunfar en Hollywood de igual manera, con la comedia de vampiros estilo falso-documental What We Do in the Shadows.
Aunque la película no fue ningún fenómeno mundial, aunque su recaudación de $7.3 millones de dólares globales contra un presupuesto de apenas $1.6 millones ciertamente fue considerada un éxito financiero, fue recibida con entusiasmo como una de las mejores comedias de la década. Y este éxito lo llevó a realizar una cinta más en su natal Nueva Zelanda, Hunt for the Wilder People.
De manera similar, la película fue considerada por muchos críticos como una de las mejores cintas del año, fue la primera cinta en la carrera de Waititi en conseguir un estreno masivo en Estados Unidos, recaudando $23 millones de dólares contra un presupuesto de apenas $2.5 millones, catapultó la carrera de Julian Dennison (a quien después veríamos en Deadpool 2 y Godzilla vs Kong) y fue lo que puso al cineasta en la mira de Disney y Marvel para la dirección de la tercera cinta de Thor.
Cómo reconstruir a un Dios
Con Thor: Ragnarok, su primera cinta realizada con no solo uno de los estudios más grandes sino la maquinaria más grande de la industria actualmente, Taika Waititi demostró que su estilo es más poderoso que cualquier mandato de estudio.
Aunque Ragnarok ciertamente cae dentro de lo esperado de una película de Marvel, al igual que más recientemente con Love and Thunder, también es una de las pocas entregas de su universo cinematográfico que logra sentirse como un producto que solamente pudo haber salido del director que estaba detrás de la cámara y nadie más. Con sus colores vibrantes, su estilo de humor que mezcla chistes infantiles de pastelazo, así como también un humor ácido y escatológico, y elementos que celebran la ridiculez de los conceptos que está manejando.
El personaje y la franquicia de Thor se encontraba en aprietos, ya que el tono Shakespeariano y trágico lo hacía sentirse cansado y hasta aburrido, por lo que de acuerdo al mismo Waititi, el punto de su visión y tono para el personaje era el traer a este dios nórdico a un lugar que fuera más interesante para la audiencia, así como también poder conectar con él de una manera más humana.
Estilo de la mano con sustancia
Taika Waititi ya había demostrado ser un favorito en el ámbito independiente de la industria y con su salto a aguas más comerciales con la franquicia de Thor, demostró enorme éxito ahí también. Y no solo eso, sino que con Jojo Rabbit, cinta que fue una de las grandes favoritas en la temporada de premios del 2019 y le consiguió a Waititi su primera victoria en los Oscars, mostró que aún está conectado con sus raíces de autor independiente.
Y su regreso a la televisión, siendo parte de la producción de la serie spin-off de What We Do in the Shadows y el reciente fenómeno de HBO Max Our Flag Means Death, Waititi ha demostrado ser un imán para éxito tanto en la pantalla chica como en la grande, así como también delante como detrás de la cámara, causando que todos los grandes estudios y estrellas del calibre de Christian Bale, Russell Crowe, Michael Fassbender, Elisabeth Moss, entre muchas más, busquen trabajar con él sin importar cuál sea el proyecto.
El estilo, tanto como director, actor y guionista, de Taika Waititi podría muy facilmente caer en el exceso y servir como un claro ejemplo del síndrome de estilo sobre sustancia, sin embargo, parte de lo que lo ha hecho una historia de éxito tan masiva como lo es actualmente, se debe a que en su interior aún hay mucho de trasfondo y subtexto detrás de las historias que decide contar con tanto humor.
Desde el análisis al odio y prejuicio presente en Jojo Rabbit, los análisis de la sexualidad y la masculinidad en Our Flag Means Death y What We Do in the Shadows, e incluso sus cintas de Thor hablan mucho acerca de la naturaleza de los héroes, la religión, las monarquías y hasta el comercialismo, demostrando que el humor bobo y la profundidad artística no siempre tienen que ser mutuamente exclusivos.
Anya Taylor-Joy reveló que audicionó para participar en Baby Driver de Edgar Wright.
Last Night in Sohoes la primera ocasión en la que Edgar Wrighty Anya Taylor-Joy trabajan juntos, sin embargo la primera colaboración entre ambos se pudo haber suscitado muchos años antes, pues la afamada histrión reveló a Variety que audicionó para formar parte de Baby Driver (2017): “Leí el guión de y audicioné para participar en el filme. Era una gran fan del escrito.”
Al respecto Edgar Wright se limitó a confesar: “Lo recuerdo, pero me alegra que mejor hiciéramos esta película”, a la vez que Anya Taylor-Joy reveló que el cineasta le habló sobre este proyecto hace seis años, esto después de verla actuar en The Witch (2015):
“Él era juez en Sundance y yo estaba realmente deslumbrada. (…) No creo que tuviera planeado contarme la historia de Last Night in Soho, pero nos llevamos muy bien y dijo: ‘Así que esto es la película’”.
Iba a interpretar otro papel
Al respecto Edgar Wright admitió que en aquel entonces no tenía ningún guión: “Sólo tenía la historia pero pensé: ‘Ella debería ser la protagonista en mi película de Soho. Nos reunimos en un café de Los Ángeles y le conté todo el relato. Ella estaba como: ‘Quiero ser parte de esto’”.
El realizador británico también reveló que Anya iba a interpretar a Eloise, pero ese personaje eventualmente terminó en manos de la estrella de Jojo Rabbit: Thomasin McKenzie, así que la histrión de The Witch se quedó con el papel de Sandee, una aspirante a cantante en la Londres de los 60’s, a quien Eloise ve en sus sueños:
“A lo largo de los años, comencé a sonar como el niño de El pastor mentiroso cada vez que me encontraba con Anya. Y cuando comencé a escribirlo y había visto muchas de sus otras películas, comencé a pensar que podría ser adecuada para Sandee. Cuando finalmente le envié el guión, afortunadamente estuvo de acuerdo”.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Cuál es su interpretación favorita de Anya Taylor-Joy?
Home Sweet Home Alone regresará con personajes de la franquicia original.
El reboot deMi Pobre Angelito: Home Sweet Home Alone, llegará el 12 de noviembre del 2021 con Archie Yates (Jojo Rabbit) como protagonista. El proyecto se estrenará exclusivamente en Disney + y dentro de su elenco se encuentran Kenan Thompson, Chris Parnell, Tim Simons (Veep), Ellie Kemper (The Office), y Devin Ratray: este último interpretó a Buzz en Home Alone 1 y 2, el hermano mayor de la familia protagonista que ahora dará vida al oficial de policía.
En la película de 1990, Buzz era el prototipo del hermano malvado y generador de las disputas familiares que llevarían a Kevin a ser castigado. Según ScreenRant el regreso del personaje simboliza que ambos filmes forma parte del mismo universo, por lo que el ahora oficial de policía podría convertirse en una figura paterna para Archie Yates, quien enfrenta algo similar a lo experimentado años atrás por su hermano.
¿Qué podemos esperar del filme?
El avance del proyecto muestra que la trama será parecida a la original, pues Max Mercer (Yates) será abandonado accidentalmente por sus padres cuando se van de vacaciones de Navidad a Tokio, y tendrá que enfrentarse a los ladrones Jeff (Delaney) y Pam (Kemper). El pequeño Max implantará trampas como camas elásticas para burlar a los invasores.
De acuerdo al avance, el nuevo proyecto de Disney será un reinicio de la franquicia de Home Alone, una cinta que se convirtió en un clásico para ver con toda la familia y disfrutar de las fechas navideñas.
Otra sorpresa sería ver a Kevin McCallister, interpretado por Macaulay Culkin, interactuar en la nueva historia, sin embargo parece que Disney guardará este secreto hasta el estreno del largometraje.
Scarlett Johansson nació en Nueva York el 22 de noviembre de 1984, hija de un padre arquitecto y una madre productora que le transmitió su pasión por el cine.
La actriz inició en el escenario a los 8 años junto a Ethan Hawke, su compañero en la obra Sophistry en Broadway. Dos años más tarde, consiguió su primer papel cinematográfico en Un muchacho llamado Norte (1994) en la que su talento no pasó desapercibido y su carrera despegó.
Scarlett Johansson cumple 36 años el 22 de noviembre y para celebrarlo traemos un top con algunos de sus personajes.
Lost in translation
Bajo la dirección de Sofia Coppola, la película fue un éxito y la actriz ganó varios premios (Mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia y Premio Bafta en 2004). Scarlett interpreta a Charlotte, una joven a la que le gusta Bob Harris, una estrella de cine en declive interpretado por Bill Murray. Sin poder dormir, Bob y Charlotte se cruzan una noche en el lujoso bar del hotel. Este encuentro casual pronto se convierte en una amistad sorprendente que provocan sus aventuras por Tokio.
Lost in Translation se basa en la experiencia de Sofia Coppola. De hecho, la directora realizó varios viajes a Japón durante los años 90, especialmente en el contexto de la promoción de su primera película, Las vírgenes suicidas. La película fue nominada a cuatro premios Óscar (mejor película y Bill Murray como mejor actor) además, la directora ganó el premio al mejor guion original.
Match Point
Scarlett Johansson se convierte en una de las actrices favoritas de Woody Allen y la dirige en varias películas (Match Point, Scoop, Vicky Cristina Barcelona). El personaje de Scarlett en Match Point, Nola Rice es una joven actriz estadounidense que vino a Londres para probar suerte, al comienzo de la película, se la presenta como la prometida de Tom Hewett (Matthew Goode).
La película tuvo un gran éxito en el Festival de Cine de Cannes y en los premios Oscar. Match Point ha sido ampliamente aclamado como el regreso de Woody Allen a la gloria cinematográfica. Y a pesar de algunas torpezas iniciales, la película se convierte en un drama tenso que invita a la reflexión.
Black Widow
La actriz cambió de estilo al interpretar a la superheroínaBlack Widow, debutó en Iron Man 2 en 2010 y desde entonces, se ha convertido en una parte entrañable del Universo Cinematográfico de Marvel.
En 2014, aparecerá en los créditos de Captain America: The Winter Soldier, antes de unirse a Avengers 2: Age of Ultron (2015), Captain America: Civil War (2016), Avengers: Infinity War y la conclusión Avengers: Endgame (2019).
La gran oportunidad de interpretar a este personaje casi se pierde debido a que Emily Blunt fue originalmente elegida para interpretar al personaje, pero la actriz tuvo que abandonar el proyecto debido a un calendario que no encajaba con otra película que iba a rodar.
Actualmente, se espera el estreno de la película de Black Widow que también proporcionará una especie de cierre para los fanáticos de Natasha Romanoff que estaban molestos debido a que el personaje no recibió su merecida despedida después de su sacrificio en Avengers: Endgame.
Historia de un matrimonio
Nominada en los Globos de Oro, Premios Oscar y estrenada en el Festival de Cine de Venecia ( donde la película compitió por el León de Oro) y seleccionada en competencia oficial en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Historia de un matrimonio es una crónica de una pareja en pleno divorcio que supo seducir al cine mundial por su sensibilidad y sinceridad.
El filme cuenta la historia de Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) una pareja que se encuentra en un proceso de separación. A diferencia de muchas historias, con Historia de un matrimonio el director, Noah Baumbach lo retrata de una manera diferente, aquí otros resultados son posibles y, después del amor, a veces viene el afecto, enseña que el amor puede morir, no renace y hay que aceptarlo.
Ella
Joaquin Phoenix interpreta a Theodore, un hombre solitario cuyo trabajo es escribir cartas personalizadas para personas en un mundo futurista. Un día, instala un nuevo sistema en su computadora que le permite dialogar con un software. Así conoce a Samantha (Scarlett Johansson), una voz sensible y divertida de la que se enamora.
No es un personaje físico lo que destaca Scarlett Johansson en la cinta de Spike Jonze sino con su voz. El director le ofrece el papel de Samantha, una inteligencia artificial que vuelca el corazón del público. Su voz cautivadora permitió incluso a la actriz conseguir el premio de interpretación femenina en el Festival Internacional de Cine de Roma.
Jojo Rabbit
Scarlett Johansson interpreta a una madre alemana durante la Segunda Guerra Mundial en la aclamada película de Taika Waititi. La trama sigue a un joven alemán (Jojo Rabbit) que descubrirá como su madre, Rosie (Scarlett Johansson), esconde a una niña judía en su casa mientras el país está gobernado por Adolf Hitler y su régimen nazi.
Sin contar que su pequeño, Jojo, había creado un amigo imaginario que tomó los rasgos del famoso dictador del que es un ferviente admirador. Cuando el niño descubre que hay un fugitivo en su casa, sus certezas se derrumban y debe cuestionar los ideales de su mejor amigo, Adolf.
Gracias a su excelente interpretación, Scarlett obtuvo los elogios de la crítica y la nominación a mejor actriz de reparto en el premio Oscar.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Cuál es su película favorita de Scarlett Johansson?
Una lista con diez bailes de película imperdibles, que trascienden la historia, que todo amante del séptimo arte debe conocer sí o sí
Las escenas de baile dentro de una película pueden provocar un efecto interesante, sorpresivo y de alegría, sobre todo si el argumento no gira entorno a lo musical, en donde sabemos que la música y el baile son el eje central dentro de la historia.
Es por ello que cuando un par de pasos de baile son introducidos dentro de un filme en el cual no los esperamos, estos trascienden más allá de la convencional barrera temporal de la taquilla y cartelera para quedarse en la historia del cine mundial y dentro de la cultura popular. En donde a lo largo de los años, otras series, películas, libros, etc., les harán guiños.
Así que, a continuación les presentamos diez escenas de bailes de películas para que repliques en tu sala, baño, comedor o techo. Sobre todo en estos días de tragos de amargo licor, en donde llevamos meses encerrados, acumulando estrés, frustración e impaciencia. Por lo que con estos bailes, hay que recordar que no importa cuán negra sea la noche, siempre podremos bailar. Es lo único que nadie nos puede quitar. Debemos bailar y dejar salir todo aquello que nos hace sentir mal.
Por último, cabe resaltar nuevamente que, no incluimos películas musicales, donde el baile y la música son un recurso vital, sino películas con momentos de jubilo musical que utilizan esto como un puente para contar algo de los personajes y su historia.
Jojo Rabbit
El lente de Taika Waititi sigue a Jojo Betzler (Roman Griffin Davis), un niño que vive en la Alemania Nazi de la Segunda Guerra Mundial. Entrena en las filas de las juventudes hitlerianas y además, su amigo imaginario es el propio Adolfo Hitler. Jojo se esmera en seguir al pie de la letra la ideología antisemita, pero todo se voltea cuando descubre que su madre (Scarlett Johansson) esconde a una joven judía (Thomasin McKenzie) en la casa.
El camino desde el descubrimiento de Elsa (la niña judía) en casa, hasta el final de la película, es un trayecto de cuestionamientos del propio Jojo sobre los mensajes de propaganda que emite el Tercer Reich, aún con la presencia del Hitler, quien es la representación infantil del mundo que ve Jojo.
En algún momento de la película, vemos el brote de cariño y amistad entre Jojo y Elsa, en donde ella confiesa que lo primero que hará al terminar la guerra, será bailar. Acción que es momentáneamente olvidada por los posteriores acontecimientos que impactan a los personajes y al propio espectador, pero que para el final de la cinta, y de la guerra (alerta de spoiler), se retoma y recuerda la relevancia del añoro de Elsa.
La acción de bailar dentro de ese contexto representa, con los factores que le acompañan, el desahogo y la libertad. El ser una joven judía, que vivió en un rincón escondida, temerosa de que la encontraran, y ahora salir a la calle, a plena luz del día, vistiendo como desea, y haciendo lo que le place, es la emancipación del personaje y un agarramiento de la mano de la libertad, y alegría. Emoción que contagia a Jojo, que desde la sutileza hacia lo extrovertido, acompaña a Elsa en su celebración con la canción Heroes de David Bowie en el trasfondo musical.
Como acotación, la fotografía, vestuario y paleta de colores aportan su grano de arena, para que esta escena sea inolvidable para toda aquella persona que la vea
Napoleon dynamite
Tenemos ahora uno de los ejemplos de cine independiente más exitosos, de los cuales podemos aprender, pues esta cinta, que también es considerada como cine doméstico, llegó a recaudar más de $46.14 millones de dólares tras su estreno general, cuando contó con únicamente $400 mil dólares de presupuesto. Cantidad que hablando de cine estadounidense, es realmente muy poco dinero.
La dirigida por Jared Hess, nos ubica en medio de Preston, Idaho, Estados Unidos, con Napoleon Dynamite. Un estudiante de preparatoria que vive con su abuela, su hermano Kip de 32 años, y su llama mascota.
El joven excéntrico Napoleon de pocos amigos, ve su cuadrada vida cambiada cuando su abuela se accidenta en un viaje, por lo que su tío Rico llega a cuidarlos a él y a su hermano. A su vez, un nuevo estudiante llega a la escuela, Pedro Sánchez, de quien Napoleon se hace amigo, y apoya cuando se postula a presidente de la clase.
Hacia casi el final de la película vemos la pegajosa y entretenida escena de baile, cuando tras el discurso que los candidatos a presidente de la clase dan al estudiantado, estos deben bailar en frente de todos. Pedro desconociendo este dato, se pone nervioso al no tener nada preparado, pero su amigo Napoleon sale al escenario para salvarlo con sus impactantes pasos de baile al ritmo de la canción Canned Heat de Jamiroquai.
La secuencia de baile es importante ya que representa la culminación de varios eventos que vemos planteados desde el inicio y mitad del argumento de Napoleon Dynamite, mismos que cierran en una manera beneficiosa para algunos, y negativa para otros personajes.
Además, es la liberación del personaje Napoleon tras todo el estrés, maltrato psicológico y físico que sufrió el personaje a lo largo de la película por parte de compañeros de la escuela, pretendientes y mismos familiares. El atrevido sube a escena para coronarse a sí mismo como el mejor bailarín de toda la escuela, ayudando de paso, claro, a su amigo Pedro en las elecciones.
Beetlejuice
Una de las obras más reconocidas del director Tim Burton, y un clásico del siglo pasado, nos trae la historia de una joven pareja casada, que muere en un trágico accidente de coche. Sin embargo, ellos continúan viviendo en la casa donde habitaban, dándose cuenta que murieron hasta tiempo después.
Aferrados al inmueble, son testigos de cómo los nuevos dueños redecoran a su gusto la casa que ellos apreciaban, por lo que tomarán todas las medidas para echarlos mediante sustos desde el más allá. Incluso acudirán a un poco ortodoxo fantasma llamado Beetlejuice (Michael Keaton), del cual no han escuchado más que advertencias para evitar solicitarle sus servicios.
La inmortalizada escena de baile viene un poco a la mitad de la película, cuando la pareja de fantasmas, interpretados por Geena Davis (es Barbara Maitland) y Alec Badwin (es Adam Maitland) comienzan a montar todo tipo de trampas de sustos alrededor de la casa para conseguir ahuyentar a los actuales dueños.
La nueva familia, que es interpretada por Catherine O’Hara (es Deila Deetz), Jeffrey Jone (es Charles Deetz), y una joven Winona Ryder (es Lydia Deetz), son los anfitriones de una velada donde Deila Deetz pretende impresionar a reconocidos críticos de arte para que hablen bien de ella en periódicos y revistas.
En medio de la incómoda velada con toques de discusiones familiares, Bárbara y Alec toman posesión de los cuerpos de todos los presentes, a excepción de Lydia, para hacerlos bailar una de las canciones preferidas de Alec: Banana Boat Song del cantante Day-o.
Terrorífica resulta la experiencia para los poseídos, que no pueden evitar cantar, alzar manteles al aire, bailar y toda clase de movimientos en contra de su voluntad. Aun así, resulta hilarante para Lydia, y para el espectador que observa más allá de la cuarta pared.
El significado de la escena es importante, porque tras varios intentos fallidos de espantar a los nuevos dueños de la casa, por fin consiguen controlar sus poderes fantasmagóricos para hacerse notar por primera vez ante los padres sobre todo, y de paso a los invitados y representante de Deila. No obstante, ese evento sería un arma de doble filo, ya que más que aterrorizar, despierta diversos tipos de interés por los fallecidos huéspedes del ático, que los vivos podrían usar para su beneficio.
Risky Business
Presentando la clásica historia de cine estadounidense en donde un adolescente se queda solo en casa un fin de semana cuando sus padres salen de viaje, tenemos a Risky Bussines, Negocios riesgosos o Negocios arriesgados (depende del país), con una de los primeros papeles conocidos de Tom Cruise, quien da vida a Joel Goodsen. Un indeciso niño bueno de familia, que nunca ha hecho nada malo en su vida.
El joven personaje de Joel Godsen, está en sus últimos años de preparatoria, tiene un gran futuro por delante. Deja atrás nada más que un impecable expediente académico con cero inasistencias, y actividades extracurriculares como un concurso de jóvenes empresarios.
Previo al viaje de sus padres, y durante esos días, uno de los amigos de Joel, Miles Dalby, comienza a sonsacarle su moral y valores para que aproveche su casa sola, al punto de acordar una cita con una prostituta. Evento que desencadenará una serie de desastres que pondrán en peligro la carrera académica, la reputación y hasta la vida misma de Joel y su familia.
La inolvidable escena de baile en la cinta de Paul Brickman, viene durante los primeros minutos de libertad de Joel en la casa sola. En donde tras cenar comida pre-cocinada, con una cuba bien fría, Joel se desliza en nada más que camisa, calzoncillos, calcetines y unos lentes de sol hacia la sala, rompiendo en baile por toda la habitación al ritmo de la canción Old Time Rock and Roll del cantante Bob Seger.
El momento es importante por dos razones, una es que representa como hubieran sido todas sus tranquilas noches si su amigo Miles no le hubiera tentado con la prostituta, y además es una muestra del viejo Joel; aquel niño bueno que no se mete en problemas. Joel deja de existir a lo largo de la película mediante cada decisión voluntaria e involuntaria que no hacen más que empeorar la situación.
CLIMAX
Al inicio señalé que no incluiríamos musicales, pero haremos una excepción con este caso, ya que lo amerita, pues hablamos de la adictiva cinta dirigida por Gaspar Noé nos habla de una compañía juvenil de baile francesa, que en la noche previa del comienzo de su gira por Europa y Estados Unidos, deciden celebrar con una fiesta, que se sale de control debido a la sangría que alguien de entre los compañeros adulteró con LSD.
Tras un vistazo introductorio en donde vimos entrevistas con los bailarines, se abre el verdadero telón con el anonadado baile, que aunque parezca que la intención de la secuencia sea presentarnos un poco de lo que la compañía expondría a lo largo de la gira, el verdadero plan es hipnotizarnos con los pies, manos, atuendos y movimientos al aire de todos y cada uno de los miembros, para que no notemos que la persona culpable de adulterar la sangría, es señalada hasta con reflector, bombo y platillo desde los primeros momentos de la psicodélica fiesta.
Descubrir a la persona responsable de echarle piquete a la bebida, es uno de los dilemas secundarios del argumento de Climax, ya que ésta en sí es una critica a los diferentes tipos de personas de la Francia clásica y contemporánea.
Por otro lado, esta secuencia introductoria de baile es un vitral en donde todos y cada unos de los personajes revelan quienes son en realidad mediante sus bailes, a quienes ven, a quienes tocan, como los tocan, a quienes le aplauden, etc.
Ahora, sería un pecado no mencionar la segunda escena de baile de Climax, al menos como un galardón de honor. Ya que, si en la primera, se puede observar quién es quién, y qué persona está interesada en otra, aquí se subraya con marcatextos. De hecho, es una excelente decisión, ya que cada personaje tiene su tiempo individual en pantalla para identificarlo mejor.
Hablamos de una secuencia de casi diez minutos de duración con breves cortes a negros, que constantemente están aventando y aventando tomas de los personajes entrando en éxtasis por el LSD en mitad de la pista. Es por ello que hacia la segunda parte de la escena, la cámara comienza a girar, demostrando la pérdida de control por el mareo de los bailarines dopados.
Aunado a lo anterior, vemos una soberbia inserción de créditos de película justo en medio de una escena. Sin aviso previo, sin razón, pero que en realidad quedan a la perfección, por lo que harían falta en caso de ver la escena sin estos, por lo cual no hay críticas o dudas por presentar al respecto de esta decisión autoral.
Joker
Una de las cintas más esperadas y resonadas durante el año 2019, en donde Todd Phillips y Scott Silver, nos retratan en un close-up, la adaptación de un realista Joker o Guasón, previo a su metamorfosis a la faceta por la que se le conoce en la cultura popular.
Antes llamado Arthur Fleck (Joaquín Phoenix), es un hombre aspirante a comediante de stand up que padece de risa patológica. Una condición que genera risa incontrolable e involuntaria en momentos de nerviosismo. Arthur además vive con su madre Penny (Frances Conroy), en un apartamento de la podrida Ciudad Gótica, en donde él toma notoriedad tras cometer un asesinato.
Existen dos escenas que traspasaron la barrera cinematográfica, para quedarse por siempre en la memoria colectiva. Una la podríamos definir como una generación de capullo, y la otra como el rompimiento de esa capa para la liberación de un verdadero ser.
En primer lugar, tenemos la escena de danza en el baño. Ahí Arthur acaba de cometer un asesinato múltiple. Acción que fue producto de la frustración y traumas de años de ser pisoteado por diferentes miembros de la sociedad. Por lo que, decide finalmente tomar acción frente a un grupo de hombres que acosaban a una mujer, y a él posteriormente por defenderla.
Arthur tras ver lo que ha hecho, huye hacia un baño público desocupado. En donde se encierra y entonces inicia una danza de jazz ligero, que no más es una representación física de la generación del capullo previo a la metamorfosis del personaje, hacia lo que se conocerá como Joker.
Más adelante en la película, tras liberarse de la mayor figura de daño y opresión que ha tenido en su vida, Arthur cambia su muda, se tiñe el pelo de verde y se maquilla el rostro de blanco, rojo y azul. Para después bajar bailando hacia la locura por esas escaleras que tanto le pesaban no sólo subir, sino que bajar de igual forma, día tras día.
Finalmente se eliminan los grilletes psicológicos que se formaron por las figuras autoritarias que le bloqueaban la acción de conductas antisociales, para aceptarlas bajando escalón a escalón con un inmortal baile que presenta al Joker en un escenario para la sociedad. Baile que miles de personas replicaron en la vida real.
Tiempos modernos
Una cinta importantísima e imprescindible para toda aquella persona amante del séptimo arte, no sólo por el ámbito cinematográfico, sino por el contexto político, económico y cultural en que fue rodada, que influyen en la trama y en la carrera de Charles Chaplin y del protagonista Charlot.
El argumento sigue con su cámara a Charlot (Charlie Chaplin) un trabajador de fábrica que aprieta tuercas en una línea de producción, en medio de la reciente industrialización y gran depresión de Estados Unidos, factores que lo terminan sacando de sus casillas, por lo que es recluido a rehabilitación.
Tras su exitosa salida del programa de rehabilitación, descubre que la fábrica donde laboraba está cerrada debido a una huelga de trabajadores. Desde entonces, Charlot se ve envuelto en varios sucesos cómicos que lo harán entrar y salir de la cárcel, así como obtener y ser despedido de empleos por mera obra de la casualidad. Pero en medio de todo lo anterior, su voluntad se verá alentada gracias al amor, que encuentra en una joven huérfana (Paulette Goddard).
Charlot, en una de sus salidas de prisión es recibido por su amada, quien recientemente consiguió trabajo de bailarina en un restaurante. Ella lo recomienda con su jefe, quien le da un tiempo de prueba para comprobar lo que puede hacer.
Después de un irrisorio y paupérrimo servicio como mesero, Charlotdebe cantar y bailar en frente de todos los comensales. Debido a que no sabe ninguna canción, su amada le escribe la letra en unos papeles que Charlot esconde en sus muñecas. Sin embargo, durante la introducción de su danza, los pequeños trozos de papel salen volando en un movimiento, dejando a Charlot sin letra.
En medio de los abucheos y el nerviosismo, Charlot sigue bailando y opta por improvisar una canción que no quiere decir nada. Esta es conocida como la “Nonsense Song” o Canción sin sentido. En la cual Charlot utiliza palabras aleatorias del francés, italiano y el inglés, dando como resultado una letra cómoda al oído, pero carente de sentido semántico.
Tal escena es de gran relevancia dentro de la historia del cine mundial. En primer lugar, porque la película en sí, que es un híbrido entre película silente y cine sonoro. Demostrando el final de una era de lenguaje cinematográfico dependiente cien por ciento de acciones de actores y de los intertítulos para contar una historia.
Además, al ser una combinación de ambos, se apoya en su parte la postura del hombre orquesta Charles Chaplin sobre su rotunda oposición del salto al cine sonoro, que al final del día, tuvo que aceptar, por lo que esta fue la última cinta silente de la filmografía de Chaplin, y de la historia. De hecho, Chaplin continuaba rodando películas silentes cuando el cine sonoro ya era un hecho de años.
Por otro lado, es una despedida y desconstrucción forzada al personaje icónico de Charlot como lo conocemos. Ya que después de su vasta filmografía dentro del cine silente, en donde este se comunicaba con nosotros solamente por su lenguaje corporal, este habla por primera vez. Aunque sean oraciones sin sentido, se rompió una de las principales características del personaje, debido a los -tiempos modernos- que afectó la vida del hombre orquesta, tanto detrás de la cámara en la vida real, como delante de la misma, dentro del mundo de la ficción.
Bande à part
Una de las cintas que todo cinéfilo debe ver cuando está comenzado a ver cine, es sin duda Banda aparte (Jean-Luc Godard, 1964), una de las películas más representativas de la nueva ola francesa, y del mencionado director.
Los focos se centran con Franz (Sami Frey) y Arthur (Claude Brasseur), dos inadaptados sociales y ladrones aficionados que un día conocen a Odile (Anna Karina) en una clase de inglés. Ella les revela que vive en la casa de una tía con mucho dinero.
El par de amateurs, tentados por la montaña de billetes que les cuenta Odile que tiene su tía, comienzan a cortejar y sonsacar a Odile para que sea su cómplice en el robo de la casa de su propia tía.
La escena de baile es mundialmente conocida como “el baile del café Madison”, en donde el ahora trío de inadaptados van y deciden montar un número de baile a mitad de la sala de café, al ritmo de un suave jazz con aplausos de los protagonistas.
El baile del café Madison trascendió hasta los cineastas de todas generaciones, al punto de verse influenciados en su trabajo. Uno de ellos es Quentin Tarantino para la icónica Pulp Fiction (a parte de las películas que se mencionan a continuación).
El baile en sí representa una revelación de los verdaderos “yo” de cada uno de los personajes en el número musical (de hecho es descrito por el narrador de la película). Arthur se encuentra mirando al suelo, pero sus pensamientos están en cómo sería un beso romántico de la boca de Odile.
Odile por su cuenta, a la vez que se concentra en la secuencia de pasos a son de uno, dos, tres, cuatro, se pregunta si sus amigos notan que sus pechos se mueven cuando baila. Por último Franz comienza a divagar sobre si se encuentra soñando, o si la realidad es un sueño.
A parte de la narración reveladora de paréntesis, Franz y Arthur abandonan a Odile a mitad del baile, cansados por alguna razón. Algo que resalta la verdadera razón por la cual están con ella, que es obviamente el dinero, y en segundo lugar, el cortejo para buscar el afecto carnal, y por otra parte, que Odile simplemente desea compañía para pasarla bien.
La quimera del oro
Una de las películas más reconocidas de la leyenda del cine mundial Charles Chaplin, que nos muestra a su icónico personaje Charlot. Ahora en una aventura en medio de la fiebre del oro del Yukón, también llamada fiebre del oro de Alaska. Un evento real ocurrido a finales del siglo XIX a los alrededores del río Klondike, cerca de la ciudad de Dawnson City, Yukón, Canadá. En donde debido a un descubrimiento (de varias personas alrededor del tiempo), se supo que había grandes cantidades de oro acumuladas en esa zona.
En la película, Charlot (Charles Chaplin) es un vagabundo que en medio de la búsqueda por el oro, es importunado por una tormenta de nieve, por lo que se resguarda en una cabaña en medio de la nada, en donde coincide con un famoso asesino Black Larsen (Tom Murray), y otro aventurero perdido entre montañas blancas, Big Jim Mac Kay (Mack Swain).
El inusual trío de infortunados lucharan entre sí, tratarán de matarse y pasarán hambre al punto de optar por comerse sus propios zapatos.
Terminada la tormenta de nieve, viene un poco después el momento del baile. Antes de ello, Charlotsale de la cabaña, y llega a un cabaret donde conoce a una bella mujer, Georgia (Georgia Hale). Con quien vuelve a coincidir en la calle en medio de una batalla de bolas de nieve con sus amigas, quienes le prometen a Charlot cenar con él en la víspera de año nuevo.
El pobre Charlot quien pone todo su esmero en la apetitosa cena en la cabaña, espera largo tiempo a la llegada de Georgia y sus amigas, al punto de quedar dormido y soñar que el grupo de damas finalmente le visita para cenar el apetitoso banquete.
En el sueño, regocijante por la amena velada en compañía de las cuatro chicas, Charlotclava dos tenedores en un par de panecillos respectivamente, y comienza a moverlos a un son rítmico, con base en el usual recurso del slapstick, que se ve a lo largo del cine de Charles Chaplin.
Tal secuencia es importante, ya que revela el añoro más profundo del protagonista Charlot, que es el amor de Georgia, y el sentir la cálida compañía de la amistad, que en este caso brindarán las otras tres amigas, en medio de una ciudad acolchonada por la nieve. Entonces, cómo al conseguirlo, sería tan feliz que bailaría para celebrarlo.
De hecho, es ahí donde entra otro significado del nombre de la película (al menos en su traducción en español), en donde quimera, además de referirse a un monstruo cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de dragón, significa un sueño que se persigue a pesar de las improbabilidades de obtenerlo.
Continuando con el baile, es uno de los más icónicos en la historia del cine mundial. Ha sido motivo de referencia en innumerables ocasiones dentro de la cultura popular, como en series y películas. Además es curioso que no se utilizaron piernas en el número de baile.
Pulp Fiction
Tiempos Violentos o Pulp Fiction es la segunda (o tercera) cinta entre la filmografía del legendario director Quentin Tarantino, y también es considerada su obra maestra. Además, por si fuera poco, contiene la escena de baile más memorable en la historia del cine.
La trama nos sitúa frente a tres historias que aparentemente no tienen nada en común, pero mediante que avanza la trama, nos damos cuenta que se entrelazan, y que los sucesos protagonizados por un par de sicarios, un boxeador y la esposa del jefe de la mafia están en desorden cronológico en la secuencia, dando un fresco estilo a la película.
En algún momento, uno de los sicarios, Vincent Vega (John Travolta), debe sacar a cenar a a Mia Wallace (Uma Thurman), la esposa de su jefe Marsellus Wallace (Ving Rhames), por sus propias órdenes, debido a que estará ausente de la ciudad por algunos días.
Vincent y Mia van a un restaurante con temática de la cultura pop estadounidense, es ahí cuando el animador del lugar convoca a los comensales a participar en el habitual concurso de baile. Ambos suben a la pista e inician con los rítmicos pasos que inmortalizaron la nombrada escena de baile más famosa en la historia del cine, aunque no es del todo original.
Como es bien conocido, la filmografía de Tarantino está conformada por infinidad de referencias al cine de diferentes géneros y épocas, por lo que Pulp Fiction no es la excepción.
Más allá de las influencias que llevaron a Tarantino conciente, o inconcientemente al montaje de esa escena, la misma es importante ya que es el inicio del desastre en que se verían envueltos Mia y Vincent. Ya que tras ganar el concurso de baile, se rompe el duro hielo entre ambos, y que mantenía la noche aburrida. Posterior a ello, entrarían en una confianza, y liberal noche de alcohol y drogas que por poco termina en un cuerpo muerto por sobredosis.
¿Qué les pareció el Top Cinéfilos y Cinéfilas? ¿Están de acuerdo con él, o creen que hizo falta algún baile famoso de película? ¡Coméntalo!
¡Por fin conocimos a los ganadores de los Oscars 2020 ¿Qué tantas sorpresas nos dieron?
Como cada año, Los Oscars celebraron lo mejor de la industria Hollywoodense con el glamour y excelencia con el que acostumbran, trayéndonos grandes sorpresas y reñidas competencias.
Aunque, sin duda, la noche se la llevó el director Bong Joon Ho al hacer historia con Parasite (Parasitos), la primer película en ganar tanto Mejor Película como MEjor Película de Habla No- Inglesa.
¿Qué otras películas se alzaron como las grandes ganadoras de la noche? ¡Aquí les contamos!
A continuación, les presentamos la lista completa de los nominados a los Oscar 2020
Mejor Película
Ford V Ferrari
El irlandés
Jojo Rabbit
Joker
Mujercitas
Historia de un matrimonio
1917
Érase una vez…en Hollywood
GANADOR: Parásitos
Mejor Actriz
Cynthia Erivo (Harriet)
Scarlett Johansson (Historia de un Matrimonio)
Saoirse Ronan (Mujercitas)
Charlize Theron (Bombshell)
GANADOR: Renee Zellweger (Judy)
Mejor Actor
Antonio Banderas (olor y Gloria)
Leonardo DiCaprio (Había una vez en…Hollywood)
Adam Driver (Historia de un Matrimonio)
GANADOR: Joaquin Phoenix (Joker)
Jonathan Pryce (Los Dos Papas)
Mejor Director
Martin Scorsese (El Irlandés)
Todd Phillips (Joker)
Sam Mendes (1917)
Quentin Tarantino (Había una vez en…Hollywood)
GANADOR: Bong Joon Ho (Parásitos)
Mejor Actriz de Reparto
Kathy Bates (El Caso de Richard Jewell)
GANADOR: Laura Dern (Historia de un Matrimonio)
Scarlett Johansson (Historia de un Matrimonio)
Florence Pugh (Mujercitas)
Margot Robbie (Bombshell)
Mejor Actor de Reparto
Tom Hanks (Un Buen Día en el Vecindario)
Anthony Hopkins (Los Dos Papas)
Al Pacino (El Irlandés)
Joe Pesci (El Irlandés)
GANADOR:Brad Pitt (Había una vez en…Hollywood)
Mejor Guión Original
Entre Navajas y Secretos
Historia de un matrimonio
1917
Había una vez…en Hollywood
GANADOR: Parásitos
Mejor Guión Adaptado
El irlandés
GANADOR: Jojo Rabbit
Joker
Mujercitas
Los dos papas
Mejor Diseño de Vestuario
El Irlandés
Jojo Rabbit
Joker
GANADOR: Mujercitas
Érase una vez… en Hollywood
Mejor Maquillaje y Peinado
GANADOR: El escándalo
Joker
Judy
1917
Maléfica: maestra del mal
Mejor Fotografía
El Irlandés
Joker
El Faro
Había una vez… en Hollywood
GANADOR: 1917
Mejor Documental
GANADOR: American Factory
The Cave
The Edge of Democracy
Para Sama
Honeyland
Mejor Película Internacional
Corpus Christi
Honeyland
Los Miserables
Dolor y Gloria
GANADOR: Parásitos
Mejor Película Animada
Cómo entrenar a tu dragón 3
¿Dónde está mi cuerpo?
Klaus
GANADOR: Toy Story 4
Mr. Link. El origen perdido
Mejor Banda Sonora
GANADOR: Joker
Mujercitas
Historia de un matrimonio
1917
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Mejor Edición de Sonido
GANADOR: Ford V Ferrari
Joker
1917
Había una vez… en Hollywood
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Mejor Mezcla de Sonido
Ford V Ferrari
Joker
GANADOR: 1917
Había una vez… en Hollywood
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Cast and crew members on the set of 1917, the new epic from Oscar®-winning filmmaker Sam Mendes.
Mejor Canción Original
GANADOR: (I’m gonna) love me again (Elton John) – Rocketman
Stand Up (Cynthia Erivo, Joshua Campbell) – Harriet
Into the Unknown (Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez) – Frozen II
I’m standing with you (Diane Warren) – Más allá de la esperanza
I can’t let you throw yourself away (Randy Newman) – Toy Story 4
Mejor Edición
GANADOR: Ford V Ferrari
El irlandés
Jojo Rabbit
Joker
Parasitos
Mejor Diseño de Producción
El irlandés
Jojo Rabbit
1917
GANADOR:Había una vez… en Hollywood
Parásitos
Mejores Efectos Especiales
Avengers: Endgame
El irlandés
El Rey León
GANADOR: 1917
Star Wars: El ascenso de Skywalker
Mejor Cortometraje de Ficción
Brotherhood
Nefta Football Club T
GANADOR: The Neighbor’s Window
Saria
A sister
Mejor Cortometraje Animado
Dcera (Daughter)
GANADOR: Hair Love
Kitbull
Memorable
Sister
Mejor Cortometraje Documental
In the absence
GANADOR: Learning to skateboard in a warzone (if you’re a girl)
Life overtakes me
St.Louis Superman
Walk run cha-cha
¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Ganaron sus favoritos? ¿Qué opinan de los ganadores? ¿Creen que Los Oscars lograron cambiar o se mantuvieron igual que siempre?
Pensemos la masculinidad como un viaje. Un niño nace con un pene y comienza a rodar, gatear, caminar, por los espacios que habita para ir descubriendo y disfrutando los privilegios que le otorga la sociedad por el solo hecho de tener pene: algunos muy inmediatos y elementales como jugar con carritos y con balones en el patio y en la calle; y otros mucho más complejos como el dominio sobre otras mujeres. También el pequeño viajero descubre que hay emociones que puede usar (como la rabia) y otras que es mejor reservarse (como el dolor y el llanto). Esto lo aprende mucho más fácil viendo y escuchando a otros hombres. No tardará en darse cuenta que es ante ellos que debe mostrar recurrentemente qué tan buen hombre es.
En este trayecto, tan largo como la vida misma, las pantallas juegan un papel muy importante. En ellas se consagran distintos -o no tan distintos- modelos de hombres que es deseable imitar. A través de una serie de operaciones mentales y afectivas, el viajero (sea niño, adolescente, joven, adulto o viejo) intuye en esas historias audiovisuales directrices para el resto de su camino: “si ese hombre actúa de tal manera y eso le trae bastantes beneficios, yo podría hacer algo parecido”.
Abandonemos la metáfora del viaje y seamos más teóricos: el cine es un ámbito fundamental para la generación y reproducción de las estructuras sexistas presentes en nuestras sociedades. En este ejercicio de escritura que me propongo ahora, y que nace del diálogo con otros hombres y mujeres (Ruth, Rafael, Becka, JJ), me pregunto y trato de responderme justamente cómo son esos modelos de hombres en las películas más relevantes de la industria el año anterior. Me acoto, por ahora, a las principales películas nominadas a los Óscar 2020, admitiendo que los premios sirven para sostener un cada vez más endeble canon, pero que aspira a seguir marcando algunos ritmos en la historia del séptimo arte.
Propongo un comentario centrado en tres ejes: 1) cómo se construye la relación de los hombres con otros hombres, 2) cómo se construye la relación de los hombres con las mujeres y 3) cómo se construye la relación de los hombres consigo mismos. Estos puntos estarán atravesados por dos excursos: uno sobre el estilo y otro sobre la temporalidad elegida por varios de los directores para contar sus historias: el pasado. Por último, haré una revisión breve sobre la representación de los niños en estas películas, ya que es en los procesos de crianza, al comienzo del viaje, donde se verifica qué tan bien funcionan los engranajes (de la maquinaria patriarcal) que siguen movilizando y orientando nuestros recorridos en este viaje de ser y de hacer(nos) hombres.
Hombres contra hombres
Parasite de Bong Joon-ho: Tres hombres adultos rivalizan en una fiesta infantil en un duelo de vida o muerte. El escenario es luminoso y ellos están en el centro. Las y los invitados los ven con azoro. Joker de Todd Phillips: En televisión nacional, un hombre debate con otro hombre. La discusión escala hasta que uno de ellos saca un arma y acribilla al otro en frente de las y los espectadores. Hay pánico y frenesí. El irlandés de Martin Scorsese: Un hombre se reúne constantemente con otros hombres para decidir a qué hombre hay que dejar fuera del juego. La prensa lo documenta con angustia y fascinación. 1917 de Sam Mendes: Un par de hombres desfila entre cientos de hombres que luchan para mostrar a otros hombres qué país es más fuerte. El que sorevive es reconocido, le regalan comida. Once upon a time… in Hollywood de Quentin Tarantino: un par de hombres se enfrentan contra un hombre y dos mujeres jóvenes adentro de una casa. Luego, uno de esos hombres da declaraciones jactanciosas y sanguinolentas a los oficiales de la policía y a otros hombres y mujeres acerca de cómo derrotó a sus enemigos. Lo celebran, lo invitan a una fiesta. Los dos papas de Fernando Meirelles: dos hombres discuten en un escenario donde los únicos que caben son ellos sobre quién es mejor para un puesto de trabajo. Quien tiene los mejores argumentos se convierte en un hombre poderoso. Le aplauden. Le dan ropa nueva y un cetro dorado. Ford v Ferrari de James Mangold: un hombre en un auto compite con otros hombres en auto para mostrar a otros hombres qué empresa de hombres en autos es mejor. Al que gana le aplauden. Le dan un montón de dinero.
Tan tosca reducción de los argumentos de algunas de las películas nominadas sirve para enfatizar el momento climático de cada una de las cintas: un enfrentamiento protagonizado por hombres, donde el triunfador es un hombre. Además este enfrentamiento es y tiene repercusiones públicas, donde se reconoce y se exhibe el esfuerzo hecho por el ganador-sobreviviente. Se trata, pues, de competencias. Pero no de cualquiera, sino de unas que se realizan a costa de los demás.
Volvamos al viaje: el niño/hombre aprende que sólo siendo mejor que otros hombres será reconocido por los demás y accederá a nuevos beneficios. El niño/hombre aprende/legitima/fortalece ese comportamiento gracias a las historias que ve en las pantallas e intuye que está bien hacerlo y decide continuar así.
Podrá rebatirse que se trata de competencias, pero que todas ellas están situadas en diferentes contextos. Sí y no. Volvamos a Parasite donde los tres hombres provienen de estratos sociales antagónicos y tienen historias familiares distintas. Uno, incluso ha vivido en un sótano los últimos años. Sin embargo, si bien sus recursos son diferentes, sus estrategias para ejercer su masculinidad son similares. Los tres buscan el halago, defienden la/su autoridad y buscan imponerse a ellos mismos y a los suyos sobre los demás. El hecho de que Ki-woo, el hijo mayor de los Kim, se infiltre en la casa de los Park con engaños y pequeñas violencias en contra de otros hombres y mujeres ilustra bien cómo ha aprendido -de su padre y de otros hombres jóvenes- a ejercer su masculindad y a usar su poder.
El despliegue de las masculinidades de los protagonistas en las otras cintas no es tan diferente. Rick Dalton, por ejemplo, ha obtenido, gracias a sus éxitos como actor western, un montón de utilería que guarda como trofeo de triunfos pasados. Uno de esos trofeos, el lanzallamas, le servirá para achicharrar a la jipi que allana su casa. Es la perfecta representación del hombre sirviéndose de sus beneficios para dañar a los demás. El Francisco de Jonathan Pryce no cuenta con un lanzallamas para vencer a su oponente, pero de igual forma llega al debate con todo un bagaje de pequeños triunfos que ha conseguido en su pasado y que le otorgan numerosas ventajas. Arthur Fleck, por otro lado, no tendrá triunfos en su vida, pero sí utilizará su posición de víctima (de otros hombres) para ejercer daño a los demás e incluso justificarlo.
Hombres al rescate de las mujeres
Si los hombres de las películas nominadas a los Óscar compiten con otros hombres, ¿cómo se relacionan con las mujeres? Fundamentalmente a partir de la seducción y del rescate. Regresemos a Ki-woo, quien seduce/(se) enamora de la hija de los Park y así obtiene un lugar privilegiado en la nueva familia. Por lo tanto, no es errado afirmar que Parasite utiliza el estereotipo de la “damisela en apuros”, en su versión más refinada de la “adolescente enamoradiza”, como trampolín para el desarrollo de sus personajes masculinos.
Otras películas son mucho más evidentes: Frank en El irlandés se jacta hasta el ultimo día de su vida de haber protegido a sus mujeres del daño que otros hombres pudieron haberle causado. Este “mundo seguro”, obra de un hombre, aparece de igual forma en la familia Miles de Ford v Ferrari donde la urgencia es la debacle económica que los amenaza y la estabilidad llega una vez que Ken cumple sus objetivos. En 1917 la aparición de una mujer es precisamente ésa: la de la damisela en apuros. En medio de la noche, el soldado Schofield se encuentra con una mujer francesa y un bebé. No tienen que comer y están “solos”. En un acto de misericordia, Schofield desembolsa un poco de leche y suple así la necesidad inmediata de ambos. Es su salvador.
Es destacable que una de las cintas imponga esta relación hombre-mujer como lección moral. En la subtrama de Once upon a time Cliff (hombre que es buen conductor, tiene un trabajo arriesgado, es adulto, no teme enfrentar a otros hombres y además es dueño de una pitbull) da un aventón a la adolescente Pussycat y la lleva al campamento jipi donde vive. En esa secuencia veremos a Cliff fracasar ante los rescates que intenta llevar a cabo. Como las damiselas se resisten, más tarde serán aniquiladas por el mismo Cliff.
Una película pone en el centro de su trama un rescate: Jojo Rabbit de Taika Waititi. En esta cinta, el mecanismo no opera con tanta naturalidad, pero al final se mantiene intacto. Elsa es una adolescente judía que está atrapada con una familia alemana compuesta por una madre y un hijo. Si bien la madre la trata con benevolencia y cuidado (eso deben hacer las madres, ¿no?), el niño en un principio la mira como subordinada. Luego se enamora de ella y adquirirá la misión -autoimpuesta- de protegerla. De él dependerá, finalmente, que Elsa sea libre o se mantenga recluida en su casa. No hay allí la reconsagración de las relaciones verticales hombre-mujer a través de algún pacto, pero la narrativa del hombre que rescata a la dama vuelve a imponerse.
Mayor ambigüedad hay en las relaciones hombre-mujer que aparecen en Mujercitasde Greta Gerwig. Interesa para este punto no sólo la postura de la hermana mayor, quien no tiene ningún problema en reconocer en el matrimonio un rescate, en tanto vía de ascenso y supervivencia social, sino especialmente la de Jo quien es la que se muestra más escéptica y rebelde ante ese modelo. La ficcionalización del matrimonio a la que acude la película para aminorar la legitimidad de ese último contrato -¡el beso!- le resta fuerza al pacto social, aunque sin llegar a minarlo por completo.
Primer excurso: sobre el pasado
No faltará quienes señalen que la principal razón por las que las tramas privilegian formas de relación hombre-hombre y hombre-mujer hoy bastante cuestionadas, estriba justamente en que todas estas historias ocurren en épocas donde estos órdenes de género estaban legitimados y normalizados. Efectivamente, salvo Historia de un matrimonio de Noah Baumbach yParasite, las demás películas se sitúan en el pasado: ya sea a mediados del siglo XIX en una aldea rural norteamericana, en un campo de batalla en 1917, en la Alemania de los años 40 o en el Hollywood de los 50.
Aquí conviene hacer dos observaciones. En primer lugar, está claro que las recuperaciones del pasado siempre se hacen desde condiciones presentes específicas, es decir, el pasado no existe en estado puro y objetivo, sino que aparece siempre delante de nosotros mediado por nuestra actualidad, y en función de ella se resaltan algunos elementos y se silencian otros. En ese sentido, resulta llamativo que los órdenes de género sean representados íntegramente y casi sin matices críticos. En ese retrato supuestamente cabal de las formas de relación hombre-mujer en la época se asuma un síntoma: una huida: casi un suspiro.
En segundo lugar, finalmente, no pasa desapercibida la deferencia con la que los cineastas se sitúan ante ese pasado, como si estuvieran frente a un monolito inconmovible, y muy poco se permiten dinamitarlo o reinventarlo desde nuevas perspectivas. Aquí sí la elección de la historia: el qué contar, implica una decisión ética: para qué contarlo.
Hombres frente al espejo
Hablemos ahora de cómo los hombres son representados en relación consigo mismos. Aquí hay solamente dos películas que ofrecen algo de interés: Historia de un matrimonio y Ad Astra, esta última apenas con una nominación en la categoría de sonido.
En Historia de un matrimonio encontramos a hombres compitiendo con otros hombres y mujeres -los despachos de abogados- por ganar una competencia -el juicio-. Encontramos también a un hombre, Charlie, que trata de rescatar a una mujer, Nicole, convirtiéndola en una estrella del teatro y manteniéndola en esa cima obra tras obra. Esa mujer es su esposa, por lo que el éxito de las obras que él dirige otorga seguridad y estabilidad al hogar. El conflicto se detona cuando ella se resiste a esa forma de dominación y decide que quiere trabajar aparte de él, en un programa de televisión en Los Ángeles. Esto, y otros acontecimientos que descubrimos en la cinta, llevarán a los protagonistas a iniciar un proceso de divorcio.
Charlie es un hombre joven que ha construido su masculinidad a partir del éxito como director y, sobre todo, en oposición a la figura de su padre. Trata de ser tierno con su hijo y de participar en las labores domésticas, de ahí que pueda ser asociado con las “nuevas masculinidades”, es responsable y amoroso, aunque no teme utilizar los dividendos de su trabajo para seducir a otras mujeres. Es un hombre un poco complicado. Hesita en cómo distribuir sus prioridades y titubea si debe ser el hombre empecinado en derrotar a su exesposa en un juicio o el hombre que busca formas menos hostiles para resolver un conflicto. Es el hombre que se deja amarrar las agujetas, que prueba su masculinidad jugando con un cuchillo y golpea la pared cuando no sabe qué decir. Es el hombre que fiscaliza las emociones de su mujer y sólo llora cuando se reconoce derrotado.
Baumbach ha construido en él a un personaje cuya masculinidad se revela una y otra vez frágil y que, al mismo tiempo, ejerce violencias en contra de otros hombres y mujeres. Es una masculinidad alejada del estereotipo machista, pero todavía incapaz de tomar una posición antihegemónica.
Ad Astra de James Gray resulta atractiva justamente porque pone en el centro la lucha de un hombre contra su padre y todos los valores que él representa. Roy es un astronauta cuyo padre lo abandonó en su niñez por embarcarse en una misión a Neptuno. Clifford es el típico hombre enajenado en sus ambiciones y que no teme aniquilar a aquellos que se oponen a sus mandatos. Es el hombre que, una vez que es despojado de esa ambición, no encuentra otros asideros para continuar y decide no seguir viviendo. Roy, por el contrario, ha vacilado en si ejercer una masculinidad parecida a la de su padre o en forjar una diferente. Aterido y temeroso por prolongar el comportamiento egoísta y huraño de su papá, decide enfrentarlo y es en ese combate donde dará un vuelco a su modo de ser hombre y empezará a hacer alianzas diferentes tanto con otros hombres como con otras mujeres. Lástima que la cinta, al ser de ciencia ficción, abandere una desesperanzadora y absurda lección: llegaremos primero a Neptuno antes de que como hombres nos hagamos cargo de nuestros traumas identitarios.
Segundo excurso: sobre el estilo
Las decisiones que construyen el estilo de una cinta pueden reforzar o poner en tensión la masculinidad de sus protagonistas. Como ejemplo más evidente podemos referir la fotografía de Roger Deakins en 1917. La elección del plano secuencia le permite a la cinta mantenerse repelente a cualquier viso de interioridad de sus personajes masculinos al tiempo que pretende blindarlos de cualquier crítica: somos conjurados como espectadores a mantenernos impávidos ante la asepsia y rigidez de la coreografía. Paralelamente, el score de Thomas Newman dignifica y convierte en épicas las acciones violentas de cada uno de los hombres que allí aparecen.
Otro caso emblemático es el del guion en Once upon a time donde la contención dramática de la cinta explota en un gore imparable justo en el momento central de la trama, lo que legitima y convierte en espectáculo la violencia de Cliff y Rick en contra de sus asaltantes.
¿Y los niños?
Terminamos el texto donde comienza el viaje de ser hombres: en la infancia. El hijo menor de los Park en Parasite es el único que advierte el terror que amenaza el orden de su familia. Lo consideran un loco por eso y es esa marca la que, paradójicamente, abrirá las puertas a los Kim. Henry en Historia de un matrimonio es invisibilizado y utilizado por sus padres y por los abogados en todo el juicio; sin embargo, es el que propicia un encuentro no violento entre Charlie y Nicole hacia el final. Ambos ponen en tensión la reproducción de las masculinidades de sus padres, al mismo tiempo que su representación refuerza esa masculinidad que se construye ejerciendo una crianza apática y distante.
En Jojo Rabbit un niño es el protagonista. Él no tendrá un padre pero sí una ideología que cumple la misma función paternalista: el Estado, el Führer, el Hitler. La derrota de ese guiñapo de dictador imaginario por parte de Jojo no representa una emancipación completa de la masculinidad violenta, acaso su remplazo por otra más amable pero que poco cuestiona su rol de redentor de las mujeres. No obstante, es esta película la que ofrece en sus personajes secundarios masculinidades mucho más lúdicas e irreverentes con los modelos hegemónicos: especialmente el capitán Klenzendorf y el pequeño Yorkie. Este último, con sus juegos, su ironía radical y su apego incondicional fundado sobre la ternura es el que encarna la masculinidad más disímil al machismo ramplón que gobierna el resto de las cintas. Lástima que por eso no den ningún Óscar.
¡Jojo Rabbit se acaba de estrenar en cines! Una cinta diferente que te hace ver todo a través de los ojos de un niño cegado por la propaganda nazi que lo rodea. Una premisa tan compleja debe tener muchas curiosidades detrás de su realización, y por eso, aquí les tenemos un listado con lo datos más curiosos de Jojo Rabbit.
Antes de pasar al listado de curiosidades de Jojo Rabbit, comencemos hablando de la trama de esta cinta:
<< Jojo Betzler (Roman Griffin Davis) es un solitario chico alemán que pertenece a las juventudes hitlerianas. Su mundo se pondrá patas arriba cuando descubre que su madre, Rosie (Scarlett Johansson), una mujer soltera, está escondiendo a Elsa (Thomasin McKenzie), una joven judía, en su propia casa. Ayudado por su amigo imaginario, Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá afrontar su ciego nacionalismo con las contradicciones de una guerra absurda. >>
Ahora que ya sabemos de qué va esta sátira llamada Jojo Rabbit, vayamos con sus datos curiosos.
Adaptación de libro
Esta película es una adaptación libre de la novela de ficción histórica titulada Caging Skies (El cielo enjaulado) de la autora belga y neozelandesa Christine Leunens.
Este libro se sitúa en un pueblo alemán ficticio a finales de la segunda guerra mundial. Ahí, seguiremos las aventuras de Jojo Betzler y las peripecias que tendrá que hacer para poder sobrevivir en un mundo tan caótico.
Taika Waititi y su obsesión con la SGM
Taita Waititi es el director de esta película y también participa como actor al darle vida al amigo imaginario de Jojo: Hitler. Muchos se han preguntado por qué Waititi decidió empezar un proyecto cinematográfico como este, a lo que él respondió:
“Mi abuelo peleó contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial y siempre me ha fascinado esa época y esos eventos. Cuando mi madre me habló acerca del libro Caging Skies, de la autora Christine Leunen, me atrajo el hecho de que era contado a través de la mirada de un niño alemán adoctrinado por adultos a odiar”
Por ello, Waititi afirma que esta cinta es de vital importancia para intentar comprender lo que pasaba por la mente de los más pequeños durante aquellos duros momentos de la segunda guerra mundial.
¿Cómo encontraron al Jojo Perfecto?
Waititi comentó en varias entrevistas que la adaptación del libro a guión de cine fue el proceso más sencillo. Sin embargo, lo que más trabajo llevó fue encontrar a un niño perfecto para que pudiera personificar al protagonista Jojo y que pudiera llevar la película sobre sus hombros.
Por ello, él, junto con su equipo de casting, vieron más de 1000 cintas de audiciones de niños de Nueva Zelanda, Australia, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá y Alemania. Sin embargo, cuando conocieron a Roman Griffin se dieron cuenta que habían encontrado al Jojo perfecto para este proyecto.
¡México Presente en Jojo Rabbit!
Mayes C. Rubeo es la diseñadora de vestuario de esta cinta. Ella es mexicana y, con este proyecto, debuta en los Premios de la Academia. En una entrevista, ella comentó que “La clave para las imágenes era que todo en la película se viera desde el punto de vista de un completo inocente”. Además, es importante mencionar que ella ya había trabajado junto a Waititi en Thor: Ragnarok.
Escenarios reutilizados
Gran parte de esta película fue filmada en República Checa, Específicamente en las afueras de Praga. Esto debido a que se utilizaron algunas instalaciones que ya habían sido usadas en la vida real por el partido nazi para hacer películas de propaganda. Por ello, la película tiene una gran vibra a la época de la Segunda Guerra Mundial.
¡Estos han sido algunos datos curiosos de Jojo Rabbit! Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos, ¿conocen algún otro? ¿Qué les pareció la película?
Esta nueva década comienza con un gran paso para el talento mexicano en el mundo cinematográfico a nivel mundial. Ya que, en el marco de la esperada temporada de premios, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en Los Ángeles, develó la mañana de éste lunes 13 de enero, la lista de nominados a los Premios Óscar 2020. Peldaños en los que figuran tres mexicanos.
Una mujer, y dos hombres. Cada uno siendo un maestro en su rama, en dos películas diferentes que han generado tanto conversación, como diversidad de emociones, entre aficionados y críticos del arte que se aprecia desde la butaca.
Gastón Pavlovich
José Gastón Pavlovich Jiménez nació en la fronteriza ciudad de Agua Prieta, Sonora un 19 de junio de 1968. Su nominación (aunque no haya sido nombrado) se debe a la importante participación como uno de los productores de El Irlandés (2019). La más reciente película del legendario director Martin Scorsese.
Gastón fue pieza clave en la producción protagonizada por Robert De Niro, Joe Pesci y Al Pacino. Ya que él fue el responsable (de entre otras decisiones) de obtener un trato de 50 millones de dólares (con la STX Entertainment) para una película que se encontraba en la entre la espada y la pared.
En su trayectoria ya ha figurado trabajo con Scorsese en su película Silence (2016). De igual manera, se ha dedicado al cine mexicano en largometrajes ya clásicos como El Estudiante (Roberto Girault, 2009).
Rodrigo Prieto
El director de fotografía, nació un 23 de noviembre de 1965 en la Ciudad de México. Su nominación es a razón de su increíble labor como ojos de Martin Scorsese en la tan esperada película: El Irlandés (2019).
Con su visión a través del lente de una cámara, supo transmitir al espectador las emociones que atormentaban de olvido, nostalgia y arrepentimiento; o llenaban de poder y gozo a los personajes de la historia de mafia y corrupción sindical.
RodrigoPrieto es un director de fotografía, que con anterioridad ha trabajado a la par con Scorsese, y en otros grandes proyectos del cine mexicano, y de Hollywood, como lo son: El lobo de Wallstreet (Martin Scorsese, 2013), Biutiful (Alejandro G. Iñárritu, 2010), Amores Perros (Alejandro González Iñárritu, 2000). 8 Millas (Curtis Hanson, 2002), etc.
Mayes C. Rubeo
Mayes Castilleo Rubeo oriunda de la Ciudad de México, alza su nombre en alto por su primera nominación al Óscar por Diseño de Vestuario en la adorable película Jojo Rabbit (Taika Waititi, 2019).
La original historia protagonizada por Taika Waititi, Scarlett Johansson, Roman Griffin Davis y Thomasin McKenzie cuenta la historia de un niño alemán que asiste a un campamento infantil nazi durante la segunda guerra mundial, y que su amigo imaginario es Adolfo Hitler.
El labor de MayesC. Rubeo destacó principalmente por adaptar los trajes (y en especial el de Adolfo Hitler) a la interpretación de una perspectiva infantil.
En medio de una delicada situación como lo fue la Segunda Guerra Mundial, y con ella el Holocausto. Mayes presentó una vestimenta de personajes coloridas y cálidas.
En el pasado ha compartido créditos con Taika Waititi en la tercera entrega del dios del trueno Thor Ragnarok (2017). Pero además dirigió el diseño de vestuario en las películas Apocalypto (Mel Gibson, 2006), Avatar (James Cameron, 2009) y Warcraft (Duncan Jones, 2016).
¿Alguno de ellos se llevará la dorada estatuilla? Eso estará por verse el próximo 9 de febrero. Pero de lo que no hay duda, es que cada uno de los tres ha dejado su marca en la historia del cine.
Encabezando proyectos, jugando con luz o dando sello a la esencia de los personajes. Gastón Pavlovich, Rodrigo Prieto y Mayes C. Rubeo han dejado su alma en cada uno de las películas en las que han participado a lo largo de los años. Sacrifico que ahora se les remunera.
¿Qué premios creen que se lleve el talento mexicano en los Premios Óscar 2020? ¡Déjenos sus comentarios!
Nominada a los Globos de Oro 2020 para Mejor Pelicula de Comedia o Musical, y también como Mejor Ensamble por parte de Los Premios del Sindicato de Actores, Jojo Rabbit llega a cines mexicanos el próximo 24 de enero. De la mano del director Taika Waititi (Thor: Ragnarok, What we do in the Shadows), conoceremos la historia de Johannes “Jojo” Betzler, un chico que pertenece a las juventudes hitlerianas durante la Segunda Guerra Mundial, pero su vida cambiará cuando se entere de que su madre (Scarlett Johansson), tiene escondida a una chica judía en el ático.
