“La muerte en mi cultura no es el fin. Es más bien un punto de impulso. Estiras ambas manos y Bast y Sekhmet te guían hacia el campo verde donde podrás correr para siempre.”
T´Challa, Capitán América: Civil War (2016)
El gran legado que deja Black Panther de la mano de Chadwick Boseman
El pasado viernes 28 de Agosto se notificó el lamentable fallecimiento del gran actor Chadwick Boseman; a causa de cáncer de colón (diagnosticado en 2016); quien encarnó al Rey de Wakanda en el Universo Cinematográfico de Marvel: Black Panther, un personaje que significó mucho para los amantes del cine de superhéroes y marcó a las nuevas generaciones con la inclusión oficial de un héroe afroamericano a la pantalla grande.
Chadwick Boseman logró mucho más que solo una gran actuación encarnando al personaje de T´Challa. Black Panther simbolizó la gran presencia y aceptación de la comunidad afroamericana en el mundo del cine; en el área de ciencia ficción y fantasía; lo que abrió la puerta para muchos más actores y actrices de entrar a este medio.
Desde el estreno del personaje en el año 2016, Boseman tuvo una gran acogida por parte del público y logró tanta popularidad que de inmediato se confirmó su película en individual. Lo que significó la gran oportunidad de ampliar la historia del rey pantera y todos los personajes a su alrededor.
Llegado su estreno en 2018, la película fue un revuelo total y se convirtió en una de las mejores producciones de Marvel en sus tres fases de historias fantásticas, siendo nominada a los premios Oscar en 7 categorías, convirtiéndose en ganadores de dos de ellos (Mejor diseño de vestuario y Mejor diseño de producción). A través de las redes sociales, sus compañeros y colaboradores del mundo del cine lo despidieron con emotivas palabras, recordándolo como el gran Rey de Wakanda que luchó cuatro años contra el cáncer.
Despedida Digna de un Rey
El amor emitido por parte de los compañeros, amigos y fans de Chadwick, convirtieron el tweet de despedida oficial del actor en su perfil de Twitter, el tweet más likeado en la historia. Una gran muestra de la calidad de persona que demostraba Boseman hasta el último de sus días, reflejada en el amor de sus fans.
El legado de Boseman es tan grande que un pequeño niño de Missouri hizo un homenaje al héroe que logró ser un símbolo inspirador del poder negro. Cuando Kian Westbrook se enteró de la noticia de la muerte de su superhéroe favorito, no pudo soportar las lágrimas.
Kian a sus 7 años dijo que Chadwick había sido un modelo a seguir para él y para todos los chicos negros, porque los inspiró el saber que ellos también pueden ser grandes superhéroes.
El pequeño rindió un homenaje en forma de funeral con su figura de acción de Black Panther envuelta en seda negra, acompañada de flores y todos los héroes y villanos de su colección. Reflejando respeto con el saludo de Wakanda Forever, Kian rindió tributo al héroe que lo hizo inspiró a creer en un mundo mucho mejor.
A sus 43 años, el mundo tuvo que despedirse de uno de los grandes talentos que la industria del cine ha tenido. Chadwick Boseman logró que Black Panther fuera más allá de un héroe, logró que T´Challa fuera un ícono y un símbolo que combate de manera increíble la difícil situación de racismo y desigualdad que se vive en muchas partes del mundo.
Un superhéroe excelente, un rey excepcional, un increíble actor y una maravillosa persona: es el gran legado que Chadwick deja en su camino por la tierra y mientras un fan siga con vida, él será eterno.
Descanse en paz el rey de Wakanda y líder vengador
Pixelatl es una gran fiesta que celebra la animación, cómics y videojuegos 100% mexicanos
Imagina: Es septiembre. La ciudad de Cuernavaca te recibe con sus típicos cielos otoñales y el murmullo alegre de su gente. Excepto que hay algo peculiar, el aire transporta un júbilo que se extiende por sus calles y eleva los ánimos de sus visitantes; algo increíble está por suceder. Cuernavaca, México ha sido su sede desde sus inicios y aunque por la pandemia esta vez se realizará en línea, es seguro que mantendrá el espíritu que lo caracteriza. Estamos hablando de Pixelatl, festival mexicano de cómic, videojuegos y animación.
A lo largo de ocho años se ha dedicado a promover, crear y dar difusión a narrativas gráficas y audiovisuales para desarrollar la industria local e impulsar a creadores emergentes. ¡De hecho! Series mexicanas como Villanous de Alan Ituriel, Toontorial de Axur Eneas y Viking Tales de Ivanobich Verduzco han usado esta plataforma como catapulta para posicionar sus proyectos en Cartoon Network.
¿Qué puedes encontrar?
El festival se conforma de distintas actividades, principalmente conferencias y talleres para el disfrute de todos los asistentes. Este año no te puedes perder el “Café con..” invitados especiales como Rebecca Sugar (Steven Universe), Jorge Gutiérrez (El Tigre), Sofía Alexander (Onyx Equinox) y Laika Studios, quienes impartirán una charla para los asistentes. Igualmente destaca la presencia del guionista May Mayfield (Midnight Gospel) y Tristan Oliver, director de fotografía en Isla de Perros.
Pero el objetivo de Pixelatl es impulsar el trabajo local y para ello cuenta con variedad de convocatorias, entre las que destaca Ideatoon y Girl Power: Pitch me the future (que se enfoca en impulsar proyectos liderados por mujeres) concursos de ideas para propiedades intelectuales animadas cuyo premio es la producción de un piloto. ¡Si buscas impulsar tu propia serie animada o cortometraje esta es una gran oportunidad!
Pero eso no es todo, el Ideatoon es toda una estrategia. Contiene el Bootcamp: un evento especial para las ideas finalistas, donde productores y consultores tallerean los proyectos para ayudar a sus creadores a aumentar sus posibilidades en el mercado y presentar sus ideas a figuras destacadas de la industria. A esto añádanle el Market, donde ¡Los participantes tienen la oportunidad de hablar con productores de la industria, pedir retroalimentación para sus proyectos y hacer nuevas amistades!.
Por otro lado, tenemos el SecuenciArte, estrategia para promover a autores de cómic y vincularlos con la industria de la animación y los videojuegos. En este caso, a los finalistas se les permite presentar su trabajo frente a expertos, para luego obtener un ganador. El premio es la publicación del trabajo, entregándoles el 80% del tiraje para que puedan capitalizarlo o utilizarlo como “tarjeta de presentación”, además un pase para el festival del año siguiente, además de un viaje a alguna convención de cómics destacada
¡Conoce a algunos de los proyectos finalistas 2020!
Mi Infancia Trans (Roxanne Escutia)
¡Primera parada! Este año, uno de los proyectos finalistas del SecuenciArte fue “Mi Infancia Trans”, donde la autora Roxanne Escutia nos narra a través de un cómic autobiográfico su experiencia como “una chica trans que aún no sabe que es trans” en el estado de México.
Cuéntanos un poquito de qué va tu proyecto.
En este cómic habló de distintas anécdotas de cómo percibía y entendía el género y de las reacciones que recibía al cuestionarme el género que se me fue asignado al nacer. También exploró ciertos temas con la transición y de las implicaciones sociales que esto conlleva.
¿Qué te inspiró para crear esta historia?
Desde el 2017 hago pequeños cómics autobiográficos como una forma de catarsis, luego llegó la transición y seguí haciéndolos. Con este proyecto quiero plasmar el mundo que me gustaría haber leído cuando era más chica y no sabía bien que pasaba.
¿Qué es lo que quieren decir con esta historia?
Que las personas trans existimos y somos de mil maneras, no es necesario cumplir con ciertos clichés o narrativas personales para ser válida. A algunas les gusta el maquillaje, a otras las luchas, unas empezaron temprano y otras un poco más tarde, cada transición es única, especial y eso está bien.
¿Qué experiencia te llevas de Pixelatl?
Recuerdo mucho que en el Pixelatl del 2016 un productor me vio muy preocupada porque me gustaba la historia de mi proyecto, pero sentía que lo que llevaba no era tan bueno visualmente como el de los demás. “Lo que pasa es que no eres una dibujante, eres una escritora, escribe y enfócate en lo que eres buena”. Ese año no gané, pero me dio la confianza suficiente para empezar a hacer cómics.
¿Qué otros contenidos de inspiran o influyen?
Creo que mis mayores referentes son todas las personas que se encuentran haciendo cómic independiente hoy en día. Vivimos en un tiempo donde la industria de la historieta en México es inexistente y la banda aun así encuentra forma de crear y compartir lo que tiene que decir.
Pueden encontrar parte del trabajo de Roxy en Facebook.
Nunca serás Pianista (Paulina Márquez)
Otro de los proyectos finalistas de Secuenciarte fue “Nunca serás pianista”, que habla acerca un tema poco común. La creadora Paulina Márquez, nos narra:
Cuéntanos un poquito de qué va tu proyecto
“Nunca serás pianista” es un cómic de 44 páginas. Habla acerca de aceptar las manifestaciones y limitaciones del “talento”
¿Qué te inspiró para crear esta historia?
La música es el arte que más me gusta, pero llegó un punto en el que me di cuenta de que tenía más facilidad y le ponía más empeño a dibujar, así que a menudo intento dibujar música.
¿Qué es lo que quieren decir con esta historia?
No siempre eso que más admiramos o queremos es aquello para lo que tenemos más habilidad, y está bien. Artistas de distintas disciplinas siempre se han inspirado los unos a los otros, y eso ayuda a que el arte se mantenga interesante.
¿Qué otros contenidos de inspiran o influyen?
De autoras de cómic me gustan muchísimo CLAMP, Tillie Walden y Mariko Tamaki. Aprovechando para mencionar compositores, mis favoritos son los impresionistas como Debussy y Ravel, que creaban “imágenes” con su música.
The Crystal Mountain (Irving Hurtado y Gaby Zermeño)
¡Pero también se toca otro tipo de temas! Este año, uno de los proyectos finalistas de Ideatoon fue “The Crystal Mountain”, una película de animación, de misterio, ecología y fantasía que pretende enviar un mensaje sobre la apreciación y preservación de los pueblos mágicos y sus ecosistemas.
El equipo está confirmado por el guionista Irving G. Hurtado; Gaby Zermeño, quien ha trabajado como artista de fondos en Anima Estudios y Mighty, así como artista de storyboard para la serie de Netflix “Legend Quest 2; Anibal Medina, quien apoyó en parte del diseño y Jorge Alejandro, el representante y vocero del equipo.
Cuéntanos un poquito de qué va tu proyecto
El proyecto es una película de animación, de misterio, ecología y fantasía, con una pizca de terror. La montaña de cristal sigue las peripecias de Lucy Hastur, una niña de gran intelecto y creatividad, que junto con su leal amigo Mael, encuentran un códice maldito que los lleva a buscar una reliquia oculta en su pueblo montañés. Juntos emprenderán una caza del tesoro, para llevar la reliquia al museo de su pueblo y sea apreciado por todo el mundo. Pero mientras más avancen, más retorcida será su aventura, pues bajo la montaña hay un secreto que no debe ser revelado.
¿Qué les inspiró para crear esta historia?
Lo primero que me inspiró para llenar la hoja en blanco fue la novela “En las montañas de la locura” de H.P. Lovecraft, quise adaptar ese concepto de misterio y terror inescrutable a una historia de animación para niños, pues no se suelen ver ese tipo de historias en un medio así y siento que debería ser más explorado.
También el otro gran pilar con el que creció el proyecto fue “El laberinto del fauno” del asombroso Guillermo del Toro, y su singular visión de cuento de hadas, de la que nuestra historia tiene mucha pizca. Otras inspiraciones fueron “Los Goonies” y “Stand By Me”, por esa dinámica que hay entre los personajes y el uso de sus cualidades para enfrentar los retos, también por el concepto de los niños que emprenden una aventura hacia algo que anhelan ver y en su camino pasan por tantas cosas que los hacen madurar como personajes.
También están obras como “La princesa Mononoke” y “Mi vecino totoro” del gran Hayao Miyazaki, donde la naturaleza y la niñez son un elemento importante para el mensaje de la historia. Un gran referente visual para el estilo de arte de La montaña de cristal, es la filmografía del estudio irlandés Cartoon Saloon, con películas como The Secret of Kells y Song of the Sea, cuya simpleza y encanto enamoran a primera vista. Y por último, sobre todo, Guanajuato, sus pueblos mágicos, sus leyendas, sus sitios históricos, sus bosques y reservas naturales.
¿Qué es lo que quieren decir con esta historia?
Es un mensaje sobre la apreciación y preservación de los pueblos mágicos y sus ecosistemas. Es una caza del tesoro que pretende despertar el espíritu aventurero de chicos y grandes. Como cuando uno ve una montaña y quiere subir a la sima o cuando ves un túnel oscuro y retas a tu propio miedo para entrar y descubrir lo que hay adentro.
¿Qué experiencia te llevas de Pixelatl?
Una de las mejores enseñanzas fue la experiencia en el fracaso del que habló Jorge Gutiérrez. También uno de los mejores consejos que me dieron como guionista, fue que no me limitara en mis historias, que me arriesgara, que me volviera un escritor salvaje.
¿Qué otros contenidos de inspiran o influyen?
Es chistoso que, a pesar de que escriba para cine, mis más grandes influencias no vengan de cine principalmente, sino de los videojuegos. Toda mi imaginación viene de juegos como The Legend of Zelda con los que crecí y con los que de niño me animaban a agarrar un palo del suelo e imaginar que era una espada.
También mi gran inspiración, y héroe, es el gran Guillermo del Toro. Ver el Laberinto del fauno fue el detonante que me motivó a hacer cine. Y hoy día adoro al gordito con olor a Hot Cakes como si fuera un santo Otros grandes héroes que me inspiran día a día son: Stephen King, Brad Bird, Henry Selick y Rebecca Sugar, así como las obras de Lovecraft, Mary Shelley, Taylor Caldwell y Edgar Allan Poe.
Faltan pocos días para el festival ¡te invitamos a seguirle el paso de cerca a esta fiesta de creadores! Pixelatl se celebrará del 1 al 5 de septiembre. Consulta la lista completa de invitados aquí.
Aaron Paul es de los pocos actores que hemos visto su éxito ascender tan lejos y rápido. Su papel como Jesse Pinkman en Breaking Bad le valió varios premios Emmy y su selección de proyectos para el futuro lo han catalogado como uno de los mejores actores de Hollywood. Pinkman originalmente iba a ser un personaje de una temporada que murió, pero Paul era tan bueno en el papel que Vince Gilligan lo mantuvo durante todo el camino y ayudó a que el programa fuera inolvidable.
Pero no solo podemos elogiar a Paul por su papel en Breaking Bad, todos sabemos lo genial que fue en ese programa, pero ¿qué pasa en otros lugares? ha tenido algunos proyectos más importantes a su nombre.
El 27 de agosto Aaron Paul cumplió 42 años, y para celebrarlo, ¡hacemos un repaso de algunos de sus personajes más icónicos!
1. Jesse Pinkman
Jesse Pinkman, un ex alumno de la escuela secundaria en donde trabaja Walter White en Albuquerque, acepta asociarse con su ex maestro para ayudarlo a fabricar y vender su metanfetamina. El personaje es odiado por sus padres y prefieren a su brillante hermano pequeño. Jesse acepta los riesgos de su nueva colaboración con su ex maestro y pronto comienzan su nuevo negocio. ¿Imagina a Jesse Pinkman interpretado por un actor que no sea Aaron Paul? Impensable, sin duda el actor le otorgo una fuerza y personalidad que seguirá siendo recordado en la historia de la televisión.
Breaking Bad es una de las mejores series de todos los tiempos, ganó 15 premios Emmy, incluidos cuatro al Mejor Actor para Bryan Cranston y tres al Mejor Actor de Reparto para Aaron Paul. En 2013, el Writers Guild of America nombró a Breaking Bad como la 13ª serie mejor escrita en la historia de la televisión, mientras que en IMDB ocupó el tercer lugar en sus 250 mejores series de televisión.
2.Todd Chavez
En la serie animada de Netflix, Paul interpreta al holgazán Todd, que es el compañero de buen corazón del arruinado BoJack Horseman de Will Arnett. BoJack acogió a Todd y simplemente nunca se fue. Prestar su voz al elenco ha creado algunos momentos memorables en ese programa, que es mucho más oscuro y emocionalmente complejo de lo que muchos creen. Todd satisface la necesidad de BoJack de ser como un padre, aunque no tiene hijos propios.
Todd Chavez es uno de los personajes principales de el programa, Aaron Paul interpreta a un hombre humano que anteriormente vivía sin pagar renta con BoJack en su casa y dormía en el sofá al comienzo de la serie. Más tarde se muda con Diane y el Sr.Peanutbutter, y finalmente termina por ocupar el apartamento de la princesa Carolyn al final de la temporada 4.
Todd es notoriamente perezoso y holgazán, sin embargo, también es muy creativo y puede trabajar mucho al descubrir que algo le interesa, sus travesuras lo han metido en una variedad de situaciones y ocupaciones muy particulares. Ademas, es el primer personaje abiertamemte asexual e incluso pudimos verlo asistir a grupos de apoyo y hablar sobre su asexualidad. Este tipo de representación de la comunidad es poco común en la televisión.
3.Caleb Nichols
En el parque temático futurista conocido comoWestworld, los humanos pagan para vivir experiencias, pero pronto los robots se convierten en una amenaza para los visitantes. Aaron Paul, interpreta a Caleb Nichols, un ex soldado que se abre camino a través del trauma y el dolor en una versión futura de nuestro mundo.
La primera temporada de Westworld fue conocida por desarrollarse en dos líneas de tiempo diferentes sin avisar explícitamente a la audiencia. La segunda temporada aumentó la apuesta inicial (y potencialmente, la confusión) al agregar una tercera perspectiva atormentada. En la temporada tres se integra Aaron Pail como Caleb y ha tenido un buen recibimiento por parte de la audiencia y crítica.
La serie original de HBO alcanzó una aprobación del 88% en Rotten Tomatoes y diversas nominaciones en premios como el Golden Globe, Emmys, Screen Actors Guild Awards, Critics’ Choice Award, entre otros.
¡Feliz cumpleaños Aaron Paul! Y a ustedes, Cinéfilas y Cinéfilos, ¿Cuál es su película favorita de este cameleónico actor?
La relación entre el cine y los videojuegos lleva vigente muchos años. Pero las series han demostrado ser la mejor plataforma para adaptar estas historias interactivas
Durante el siglo XXI las adaptaciones de videojuegos a películas cada vez han sido más habituales. Con pésimos resultados como la infumable saga de Resident Evil, protagonizada por Milla Jovovich; hasta Detective Pikachu y Tomb Raider, protagonizada por Alicia Vikander, que han demostrado ser grandes adaptaciones y cuyos resultados fueron muy positivos.
Los videojuegos se han convertido en una mina de oro para la industria del cine, pues independientemente de los múltiples tropiezos que han habido en dichas adaptaciones, el fandom de estas historias interactivas suele mostrar emoción e interés por ver cómo pueden adaptar sus videojuegos favoritos a la pantalla grande.
Si bien, parece que los productores cada vez muestran mayor interés por hacer adaptaciones más lógicas y respetar más la esencia del material original, en los últimos años se ha demostrado que quizá el cine nunca ha sido la mejor plataforma para realizar estas adaptaciones, sino su hermana menor, que se encuentra en los servicios de streaming, y es conocida como serie.
Un argumento que da mayor veracidad a lo que estoy mencionando es que adaptaciones como The Witcher y Castlevania han sido éxitos rotundos para Netflix, y que la futura adaptación de The Last of Us, producida por HBO parece tener todas las herramientas para ser una gran serie.
Pero bueno, esta introducción ya se alargó mucho. Así que vámonos directo con 5 videojuegos que deberían de ser adaptados a series de televisión. Antes de empezar quiero aclarar que esto no es un top, así que el orden de mención no significa que una sea mejor que otra.
DEATH STRANDING
Death Strandinges un videojuego dirigido por Hideo Kojima y protagonizado por Norman Reedus, Mads Mikkelsen, Léa Seydoux, Guillermo del Toro, Margaret Qualley, Lindsay Wagner y Troy Baker.
Ambientando en un mundo post apocalíptico donde un evento conocido como el “Death Stranding” fusionó el mundo de los muertos y el mundo de los vivos; Sam (el protagonista de esta historia) tendrá que recorrer Estados Unidos para reconectar este país a la Red Quiral y así evitar la extinción de la raza humana.
A PLAGUE TALE: INNOCENCE
A Plague Tale: Innocence es un videojuego ambientando en la Francia medieval del siglo XIV durante la Guerra de los Cien Años. Al borde de la guerra contra la inquisición y en medio del brote de la peste, Amicia y Hugo deben luchar por sobrevivir en un mundo atacado por la guerra y por una enfermedad que para ese entonces era desconocida.
Ver una adaptación de este videojuego a serie sería una historia llena de simbolismo histórico, con drama, suspenso y hasta un pongo de acción.
GEARS OF WAR
Gears of War es una de las exclusivas de Xbox más importantes, y con justa razón. Con 5 títulos, Gears of War cuenta con una las historias más interesantes que puedes encontrar en el catálogo de videojuegos.
El videojuego se desarrolla en un planeta ficticio llamado Sera, donde un grupo de humanos busca sobrevivir a una guerra contra los Locust, quienes son los verdaderos habitantes de este planeta.
Además de una excelente historia, llena de acción y drama, Gears of War cuenta con estupendos personajes de los que nos gustaría conocer más en una serie de televisión.
BIOSHOCK
BioShock es un videojuego ambientando en una ciudad distópica ubicada debajo del agua, la cual fue construida con la intención de escapar del sistema político, económico y religioso que se encuentra en la tierra.
Este videojuego esta lleno de fantasía, terror y acción, y cuenta con una historia tan interesante y original que nada tiene que envidiarle a las producciones cinematográficas.
HORIZON ZERO DAWN
Horizon Zero Dawn es un videojuego ambientando 1000 años en el futuro en un mundo post-apocalíptico donde la raza humana ha regreso a las sociedades tribales primitivas que han aprendido a coexistir junto a la nueva raza dominante que son las máquinas. Y aunque al inicio parecían ser criaturas pacíficas, a través de los años comenzaron a reproducirse de manera acelerada poniendo en riesgo la vida humana.
Horizon Zero Dawn ha sido uno de los grandes títulos exclusivos de Play Station 4, y con el lanzamiento de una nueva entrega de esta franquicia en exclusiva para Play Station 5, sería más que interesante ver de qué manera podrían adaptar esta historia en una serie.
CONCLUSIÓN
Estos son algunos videojuegos que al menos a mí me encantaría ver adaptados en una serie de televisión. Y aunque pude mencionar 5 títulos que merecían estar en este top, la realidad es que me costó mucho dejar otros videojuegos fuera de la lista.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿conocen alguno de los títulos mencionados? Si sí, compártenos tu opinión sobre si te gustaría ver alguna serie basada en ellos.
Si crees que me faltó algún otro juego, ten la libertad de compartirlo en la caja de comentarios. Y si te gustaría ver una segunda parte de este top, no dudes en pedirla.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Qué videojuegos creen que merece una adaptación?
Devs es el nuevo proyecto de Alex Garland, y promete ser otra compleja historia con consecuencias muy grandes.
Nos ha tocado habitar un universo determinista, queridos/as lectores/as. ¿Qué significa esto? Según la doctrina filosófica (y según Forest, personaje de Devs), el determinismo sostiene que todo acontecimiento está establecido por la irrompible cadena causa-consecuencia. Todo lo que hagas, solo lo vas a poder haber hecho de esa forma; de acuerdo con la filosofía.
A partir de este concepto arranca Devs, el tercer proyecto como director del amante de la ciencia ficción, Alex Garland; a quien probablemente conozcas por Ex Machina o Aniquilación, o quizás por haber escrito los guiones de Dredd o la novela de La Playa. En síntesis, el sr. Garland es un cuenta historias nato, con una fuerte inclinación hacia sci-fi, cuyos trabajos han cautivado a la audiencia por explorar la tecnología de maneras sorprendentes. ¿Podrá su primer mini serie mantener el estándar que él mismo se ha fijado? ¡Lo platicamos!
Devs por FOX Premium
Y Devs… ¿De qué va?
Garland, quien dirige y escribe los 8 episodios de la mini serie de FOX, nos sitúa en un San Francisco contemporáneo con dos protagonistas llamados Sergei y Lily, quienes trabajan en una compañía, al estilo Google, llamada Amaya. El corporativo de la empresa es un lugar fantástico, situado en medio de los preciosos bosques de la ciudad californiana, pero lleno de secretos.
El principal es la división corporativa llamada Devs, que significa developments (desarrollos). “Nadie sabe lo que el equipo de Devs hace, excepto por el equipo Devs”, nos dice Sergei cuando Forest, el CEO de Amaya, lo invita a formar parte de ello después de haber predicho el compartamiento de un organismo vivo 10 segundos en el futuro. Cuando el ruso le platica a su pareja sobre su nuevo trabajo, ambos establecen un pacto en el cual aceptan que no podrán hablar en lo absoluto sobre este nuevo trabajo. ¿Es bueno el secretismo entre parejas?
La división Devs de Amaya
Tras el primer día de trabajo en Devs, Sergei no vuelve a casa con Lily; cosa que le sorprende en demasía a ella porque esto no había sucedido antes. La chica de ascendencia china es alguien de armas tomar, por lo que iniciará una investigación para averiguar qué le sucedió a su novio… Porque no es coincidencia que, al entrar a Devs, no vuelva a saber de él.
¡Esa es la premisa que Garland nos brinda con esta serie! Conociendo su trabajo anterior, es imposible evitar relacionar las tramas de Devs con la de Aniquilación, ¿no? Una persona se pone manos a la obra con respecto a algo después de que a su pareja le haya sucedido un acontecimiento misterioso; pero seguramente el realizador inglés nos tiene muchas sorpresas nuevas para la historia de Lily, Sergei, Forest, Kenton, Jamie y compañía.
Lily y Forest
¿Qué podemos esperar de ella?
Para aquellos a los que Garland nos ha conquistado tanto con Ex Machina como con Annihilation, estamos seguros de que el thriller y la ciencia ficción serán indispensables para construir la narrativa que el director ha demostrado que domina a la perfección; para los que no conocen el trabajo del también novelista, quizá esta pudiera ser una historia lo suficientemente atractiva que los haga voltear el ojo hacia uno de los cineastas que está llamando la puerta para convertirse en uno de los referentes de la ciencia ficción contemporánea.
El elenco está conformado por Sonoya Mizuno (la consentida de Garland, a quien ha casteado en sus tres proyectos como director), Nick Offerman (quien me tiene conquistado desde su papel como Ron Swanson en Parks and Recreation), Jin Ha (con carrera ascendente), Alison Pill (Scott Pilgrim, Goon), entre otros. A pesar de que Garland ha armado un buen reparto para contar su historia, pienso que quizá el actoral no será uno de los puntos más fuertes de la serie; exceptuando a Offerman, quien después de ver solamente dos episodios, te interesas mucho por su historia personal y hacia dónde irá el personaje… Se ve que Forest guarda muchos secretos y tiene mucha ambición.
Sonoya Mizuno como Lily
Nick Offerman como Forest
Como ya es garantía en los proyectos de Alex, el aspecto técnico siempre es digno de resaltar. Visualmente, la serie es muy atractiva; ya que la cámara de Rob Hardy logra retratar el campus de Amaya dotándola de una vida única… Sientes que Amaya es realmente la hija de Forest (¡Ups, spoiler!) También, la musicalización al puro estilo de horror y suspenso es sumamente efectiva para sentirte dentro de la historia y entender la frustración de Lily. Mencionemos que, como la serie estrenó en marzo en E.E.U.U., ya cosechó 4 nominaciones a los premios Emmy: fotografía, edición y mezcla de sonido y efectos visuales. Como dije: lo técnico es garantía con Alex Garland.
Algo que no hay que pasar por alto, es que los tres trabajos de Garland como director y guionista, cautivan más a la crítica que a la audiencia; prueba de ello son las puntuaciones en Rotten Tomatoes (sitio de críticos de cine profesionales) y IMDb (sitio donde cualquiera puede calificar las películas) de los tres: Ex Machina92% en crítica, 86% en audiencia y 7.7 en IMDb, Annihilation88% en crítica, 66% en audiencia y 6.8 en IMDb, Devs81% en crítica, 75% en audiencia y 7.7 en IMDb… ¿A qué se deberá esto? Quizá haya que explorar más el discurso oculto que el director le otorga a sus trabajos, porque algo debe quedar claro: Alex Garland es un gran contador de historias.
Ex Machina (2014)
Annihilation (2018)
Devs (2020)
¡Eso fue un poco sobre Devs! El último proyecto que nos entrega Alex Garland. En este año tan atípico, quizá pueda ser una grata sorpresa para algunos y, si no estás familiarizado/a con el estilo del director, ¡dale una oportunidad! La serie se estrena el 28 de agosto en Fox Premium y, ¿quién sabe? Quizá valga la pena echarle un vistazo…
Alex Garland haciendo lo que sabe hacer mejor
¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán una oportunidad a Devs?
Netflix sabe tomar riesgos, y por eso está innovando en el terreno de los Reality Shows
Los reality shows en Netflix cobran más fuerza cada día con las nuevas propuestas que presenta la plataforma para saciar nuestra sed de entretenimiento y pareciera que no, pero es posible encontrar una gran variedad de títulos para cada gusto.
Aunque Netflix es reconocido como una de las mejores plataformas para ver películas y series, ofrece documentales, anime, docuseries y los poderosos reality shows capaces de quitarte el sueño por horas de diversión, pero también de reflexión e introspección.
¿Por qué siguen funcionando los Reality Shows?
A todos nos gusta disfrutar de una buena película, la emoción de ir atando cabos en cada episodio de una serie e incluso aprender datos interesantes sobre diversos temas con la información que nos brindan los documentales. Pero también tenemos días en los que sólo queremos relajarnos sin tener que pensar en nada, solo pasarla bien frente al televisor.
Los reality shows son esa opción de entretenimiento casi garantizado para relajar nuestros sentidos y hacer vibrar nuestras emociones; una combinación bastante interesante cuando no estamos esperando una forma en que sucedan los hechos, sino que dejamos fluir nuestra percepción de lo que vemos solo para pasar buenos ratos.
Un buen reality show nos proyecta en el escenario de la historia que cuenta cada uno, hasta hacernos parte de la situación presentada y nos genera lazos con los participantes que terminan evocándonos nuevas formas de ver la vida y entender otras realidades.
Por supuesto existen buenos y malos intentos de entretenimiento rápido, pero todo depende desde la perspectiva en que se miren; sin embrago, no podemos negar que siempre serán un buen comodín para el espectador.
Sugar Rush
Las competencias dentro de una cocina raramente fallan, sin embarg,o no cualquiera nos mantiene al borde del asiento. Sugar Rush es la competencia más dulce que nos recuerda la importancia de crear relaciones profesionales con otras personas, así como el valor de la amistad y el compañerismo para trabajar en equipo.
Sugar Rush sigue funcionando porque cuenta con un espectacular panel de jueces que incluye en cada episodio a una celebridad para degustar los postres más estéticos.
El éxito que tiene llevó a lanzar dos especiales en lo que va del año: Extradulce, con desafíos tan creativos como empalagosos y Sugar High que trajo al set un desafío entre artistas para crear con azúcar impresionantes esculturas, de la mano de un panel de jueces especializados en el área.
Cada programa nos hace parte del desafío personal de cada equipo y nos permite aprender de la frustración y la presión del tiempo, además no tienes que llevar un seguimiento lineal de los episodios y siempre se agradece esa libertad.
Floor is Lava
Para reír y pasarla bien, este concurso causó bastante impacto desde su estreno este 2020, y es que uno de sus atractivos principales es el nombre del popular juego infantil “El suelo es lava”, que consistía en saltar de un mueble a otro sin tocar el piso; hoy, el desafío de recorrer por habitaciones inundadas de lava evitando las caídas valiéndose de los métodos de traslado más divertidos.
Juego que llegó a la pantalla chica e impresionó a toda la familia, al ser una propuesta fresca y divertida que permite al espectador pasar horas interesado en una épica competencia de habilidades físicas que nos remonta a los momentos más simples de la infancia cuando éramos felices y no lo sabíamos.
Love is Blind
Este año Netflix apostó por un experimento social llamado Love is Blind, que probablemente también te dejó un vacío existencial acerca de las relaciones de pareja o lo que yo llamaría la sublime línea entre el amor y la necesidad de afecto compartido. Porque a pesar de haber recibido buena aceptación, deja abierta la interrogante de ¿Qué es lo que realmente se busca en una pareja?
El reality amoroso creado por Chris Coelen, es básicamente el encuentro de treinta hombres y mujeres dispuestos a encontrar el amor y comprometerse antes de conocerse en persona, por medio de citas a ciegas donde se van conociendo y enamorando.
Puede sonar un poco tétrico, pero funciona! Una de las variables que permite que este show sea más realista es que los participantes cuentan con independencia económica y emocional, por lo que se trata de personas completamente centradas en su presente y futuro.
Lo interesante son todas las conclusiones que puedes sacar a partir de las situaciones en las que ponen a los participantes, y del mismo ser humano como ser social; además, por ser un reality show, puedes esperar ver de todo, en serio, seguramente no te vas a aburrir.
Amor en el espectro
Este reality nos permite conocer una forma diferente de entender cómo funciona el sentimiento del amor y la compañía para las personas que se encuentran en el espectro autista de una manera sencilla, humana, y transparente.
Cuando empezamos a ver este tipo de programas difícilmente es posible dar una opinión que no quebrante el verdadero sentimiento de haberla disfrutado; requiere un nivel de empatía para poder tomar estas situaciones en pantalla como un vistazo de las historias reales que nos están contando.
Tomar con respeto las dificultades de los demás permite reflexionar sobre cómo se puede generar oportunidades para incluir a personas con discapacidad mental; precisamente de los momentos más esenciales de este programa, es el apoyo que brindan especialistas y voluntarios que buscan integrar a estas personas con otras que comparten intereses en común.
Una de las lecciones que podemos extraer de Amor en el espectro es el hecho de que a pesar de las dificultades, todos somos seres humanos con sentimientos, sueños, deseos y planes para vivir.
Como espectadores nos pone en un contexto nuevo donde somos parte de los enfrentamientos internos de las familias de los participantes y la complejidad de la adaptación a la sociedad. Esta nueva propuesta de Netflix es de las más recientes que encontramos y es francamente dulce y reflexiva.
Cambio de piel
Los antes y después nos provocan una cosa: curiosidad. Cambio de piel es un reality donde nos presentan casos traumáticos por los cuales, se desea una cirugía estética. Lo particular de esta propuesta, es la forma en que nos enseñan a ver la cirugía plástica y el procedimiento para intervenir a una persona en el quirófano para cambiar sus vidas.
En cada episodio se presentan dos casos y dos participantes quienes al contar su historia personal reciben atención medica por parte de un equipo de profesionistas (Dra. Nazarian y la enfermera Jamie) dispuestas a devolverle la confianza en sí mismos a sus pacientes.
Este programa parte de la importancia de los cambios psicológicos, apostando por el cambio físico para dar a los pacientes la oportunidad de recomenzar sus vidas.
Definitivamente existe una lista aún más larga de los reality shows que puedes encontrar en Netflix y aunque no todos han estrenado este 2020, vale la pena darles una oportunidad.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos, nos recomiendan algún Reality Show de Netflix?
En esta ocasión, compararemos Choque de Reyes(A Clash of Kings), segunda parte de la Canción de Hielo y Fuego escrita por George R. R. Martin, con la segunda temporada de la serie Game of Thrones. No sé ustedes, queridos lectores, pero esta es la temporada más flojita de la serie para mí (recuerden que la 8 no existe, nunca pasó); pero aún así, el libro tiene mucho con qué defenderse. ¡Veamos!
Después de la muerte del Rey Robert Baratheon, Poniente está en incertidumbre al no saber quién los reinará. Tenemos 5 autodenominados reyes que deberán enfrentarse directa o indirectamente para hacerse con el Trono de Hierro; ¿quiénes son? Joffrey Baratheon, Stannis Baratheon, Renly Baratheon, Robb Stark y Daenerys Targaryen. Este libro tiene como absolutos protagonistas a Tyrion Lannister en el cargo de la Mano del Rey, a Arya Stark huyendo de Desembarco del Rey y a Jon Snow en una expedición con sus hermanos de negro más allá del muro. ¡Analicemos las diferencias!
El cometa rojo
Una de las diferencias más significativas presentadas por parte del libro con la serie de Game of Thrones es el magnífico cometa rojo que ilumina el cielo de color sangre una vez iniciada la Guerra de los Cinco Reyes. Llama mucho la atención cómo en las páginas escritas por Martin, muchos personajes dan su propia interpretación del astro y cómo en la serie casi se le ningunea por completo.
En Game of Thrones, el cometa se visualiza de un tamaño completamente ordinario y con una cola rojiza vista desde Invernalia. En este reino, la interpretación que se le da al suceso fueron dos: un presagio sobre que el Rey Robb Stark iba a alzarse con la victoria o que, al contar con el característico color de la Casa Lannister, más bien simbolizaba que serían ellos quienes derrotarían a las fuerzas del norte.
El cometa en la serie y Robb Stark
También, habían personas que creían que el color rojo en el cielo simbolizaba la sangre derramada por Eddard Stark al haber sufrido una decapitación a manos de Ser Ilyn Payne. Finalmente, quizá la declaración más acertada, es la de la salvaje Osha quien dice que el hecho de ver un cometa rojo cruzando los cielos sólo puede simbolizar una cosa: la vuelta de dragones al mundo.
Por el otro lado, en los libros se ofrecen muchas más perspectivas y es labor del lector optar por la más coherente. Por un lado, la primer persona que se percata del astro es Jhogo, justo antes del funeral de Khal Drogo, por lo que interpreta la señal como el visto bueno para encender la pira. Daenerys piensa que es una señal para dirigirse al conjunto de desiertos “el Desperdicio Rojo” y en el libro es la Vieja Tata la que augura que simboliza dragones, no Osha.
El cometa rojo en el libro, Drogon, Rhaegal y Jhogo
La principal diferencia es la interpretación que se da en Desembarco del Rey, ya que debido a que apareció en el día del nombre de Joffrey, mucha gente lo llamó “el cometa del Rey Joffrey”; en la Guardia de la Noche se refieren a él como “la antorcha de Mormont” para guiarlos en su expedición, Gendry le dice “la espada roja” y los dothrakis la presentan como “la estrella roja”. ¡Ah! También Melisandre piensa que esto representa el renacimiento del Dios de la Luz por su intenso color rojo.
Hubiera sido magnífico explorar varias de estas interpretaciones del Cometa Rojo en la versión adaptada de Game of Thrones porque solamente con esto se le otorga al espectador una extensión de la mitología y las creencias que cada personaje tiene solamente con mostrarte el punto de vista con el que cuentan. Quizá no es una diferencia que cambie por completo el curso de la historia, pero son detalles que no costaban mucho adaptar y los fanáticos de los libros lo hubieran agradecido mucho.
Melisandre y el Rey Joffrey
Hediondo y Ramsay Snow
Para mí, esta es la diferencia más significativa de la cual prescindieron por completo David Benioff y D. B. Weiss en la segunda temporada de Game of Thrones: la temprana aparición de Ramsay Snow/Bolton y un Hediondo que no es visto por ningún lado en la serie… (Antes de ya sabemos quién) ¿Cómo se da esto en el libro? ¡Veamos!
Ramsay Snow aparece por primera vez en la serie en el episodio Dark Wings, Dark Words y una de las primeras cosas que hace es capturar a Theon para torturarlo horriblemente. En el libro, esto no es así, ni de cerca. Primero, se menciona ocasionalmente que el bastardo de Roose Bolton es una persona terriblemente sádica, violenta y sin escrúpulos. Pero lo más curioso es que la primera vez que lo vemos, ¡no sabemos que se trata de él!
Ramsay y Hediondo
A manera de contexto, te cuento lo siguiente: Ramsay, en compañía de su fiel servidor, Hediondo, atacan a la familia Hornwood, desencadenando actos de violación, asesinato y hurtos. Pero la cosa no sale del todo bien para ellos. Cuando Rodrik Cassell se enteró de ello desde Winterfell, decidió ponerle fin a Ramsay y, hasta donde sabemos, Snow/Bolton muere.
Posteriormente, “Hediondo” (ya verán por qué las comillas) llega a Invernalia para ponerse al servicio del nuevo príncipe: Theon Greyjoy y tras un pequeño periodo a sus órdenes, el vasallo le ofrece al muchacho ir a buscar hombres para defender el castillo por él. Pero Hediondo nunca regresa y Greyjoy piensa que le robó su dinero y se fugó.
Ramsay y Theon Greyjoy
Cuando todo parece estar perdido para Theon, aparece Hediondo en compañía de una buena cantidad de hombres para apoyar a Greyjoy y revela que, en realidad, su nombre es Ramsay. ¿Qué sucedió? Antes de que Cassell buscara matar al hijo de Roose, este logró cambiar la ropa con el verdadero Hediondo y murió en su lugar. Podemos odiar al bastardo, pero no es nada idiota.
Como sabemos, nada de esto sucede o se explica en la serie de Game of Thrones, pero después de leer esto, todo apunta a que en Tormenta de Esapdas veremos la tortura con la que Ramsay castiga a Theon… Quizá mucho peor a la que terminamos viendo en el show. Ya veremos en el siguiente volumen de Game of Thrones: Libro vs. Serie cómo resulta esto.
Ramsay interpretado por Iwan Rheon
La Batalla de Aguasnegras
¿Recuerdan el artículo anterior cómo mencioné que Benioff y Weiss sufrieron problemas de presupuesto para la primer temporada? Bueno, pues eso ya no sucedió para la segunda. Como sabemos, la Batalla de la Bahía de Aguasnegras es de las más emocionantes en todo Game of Thrones y reafirma la posición de Tyrion Lannister como todo un estratega y una gran Mano del Rey.
Aunque, en líneas generales, la adaptación de la batalla a la pantalla chica fue bastante fiel, aquí estoy yo para contarte las principales diferencias. Antes que nada, desde inicios del libro se nos dan pistas de cómo el enano planea usar el fuego valyrio en contra de la flota de Stannis, ya que lo vemos acercándose a los pirómanos investigando sobre ello; cosa que no vemos en la serie, por lo que en la tele nos sorprendió mucho la estrategia, pero en el libro no tanto.
Una de las cosas más atractivas de leer una batalla en Canción de Hielo y Fuego, es cómo aprovecha Martin los capítulos narrados por puntos de vista. Por ejemplo, el inicio de la batalla lo vemos desde la perspectiva de Davos, el fiel aliado de Stannis; por lo que podemos sentir la frustración que sufre el ejército liderado por Baratheon cuando el fuego verde los toma por sorpresa… Además de que vemos al Caballero de la Cebolla perder a su hijo. Sumamente desgarrador.
Por otro lado, la continuación de la batalla nos la cuentan desde los ojos de Tyrion y ahora se siente una atmósfera optimista y de victoria con ese primer ataque, pero rápidamente se esfuma conforme el ejército de Rocadragón y Bastión de Tormentas llega a la playa y comienza a atacar. Somos testigos también de cómo la Mano del Rey asume el liderazgo y salta al campo de batalla dispuesto a morir defendiendo la capital de Poniente.
También, a través de Sansa sabemos cómo, junto con la reina Cersei, estaban sufriendo la batalla encerradas en una torre. Aquí aprendimos cómo la reina es en realidad: una desgraciada sin una pizca de amor hacia su propio pueblo, con el único objetivo de que su hijo Joffrey no muriera en batalla. Por lo que lo hizo traer ante ella, haciéndolo quedar como un cobarde ante su ejército.
Finalmente, la batalla termina en incógnita, porque lo último que sabemos fue que Mandon Kettleblack atacó a Tyrion (por órdenes de Cersei) y le desfiguró la cara. En Game of Thrones, vemos la entrada triunfal de Tywin Lannister a Desembarco del Rey que marcaba el fin del confrontamiento y se pintaba al jefe de la casa del león como el héroe absoluto y vencedor de ella.
Davos y Tyrion en la batalla
En conclusión, en Game of Thrones la herida de Tyrion fue aparatosa pero no tan grave como en el libro; ahí al enano le quitan casi toda la nariz y gran parte de los labios. Asegurando que si antes era feo, ahora no encontraba palabra para describir su horrible rostro… Ahora que Tyrion no es Mano del Rey, veremos qué sucede con él en el siguiente libro.
¿Tywin? No, Roose Bolton.
Honestamente, la segunda temporada de Game of Thrones se mantiene muy fiel al arco argumental de Arya Stark, excepto por una cosa: en la serie, vemos cómo la niña logra volverse la sirvienta de Tywin Lannister mientra este está asentado en Harrenhal, pero en el libro la pequeña loba nunca tiene contacto con el león… ¿Qué sucedió con esto?
Sin ahondar mucho en el tema, lo que acontece realmente es que en las páginas, Arya se las arregla para servir a un amo en aquel reino, pero no es a Tywin Lannister, es Roose Bolton; quien no es específicamente muy amable con ella, pero que le es de utilidad para obtener distinta información sobre cómo se encuentra Poniente en esas instancias.
Tywin y Arya
Por ejemplo, Arya se entera de que la noticia de que los príncipes de Winterfell, Bran y Rickon Stark, murieron por la mano de Theon Greyjoy cuando tomó el castillo de Invernalia (cosa que sabemos al final que no es cierto, pero Arya desconoce esto), además de que el hijo bastardo de lord Bolton había muerto (Westeros es como un teléfono descompuesto, ¿verdad?)
Honestamente, yo no termino de entender por qué Benioff y Weiss decidieron hacer ese cambio de Bolton a Lannister; no sé si es porque tener a Charles Dance (Tywin) en pantalla era más atractivo o quizá planeaban intercalar en algún punto del futuro los arcos de Arya y Tywin nuveamente… Cosa que evidentemente, no sucedió. Me llevaré esta incógnita a la tumba.
Como mencioné anteriormente, pienso que la segunda temporada de Juego de Tronos es de las más tediosas y flojitas de la serie porque suceden demasiadas cosas con pocos personajes y muy pocas cosas con demasiados personajes; por ejemplo Daenerys o Robb quedan en segundo término cuando Tyrion y Arya avanzan mucho.
Ahora es momento de Tormenta de Espadas, el libro favorito de muchos y el más aclamado de la saga hasta ahora. Por supuesto que en cuanto lo termine los mantendré al tanto con las principales diferencias entre el libro y la serie. ¡Déjame en los comentarios tu momento favorito de esta temporada o del libro!
¿Ustedes Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Notaron todas estas diferencias en Game of Thrones?
Triunfos Robados se estrenó hace 20 años, y aunque todos la recuerdan como una gran comedia deportiva, en realidad tiene mensajes mucho más profundos.
Un desafío puede ser la causa de una gran obsesión y deseo. Y para superarlo, se tiene que crear una estrategia óptima, se debe tener destreza para crear algo que los rivales no tengan, y así poder resaltar por encima de los demás.
Hace 20 años se estrenó Triunfos Robados, protagonizada por Kirsten Dunst, Eliza Dushku, Jesse Bradford y Gabrielle Union. Una cinta que nos enseñó que no siempre se puede ganar, y que la obsesión por mantenerse siempre en la gloria y aplastar a los rivales puede tener consecuencias catastróficas.
La trama se centra en el grupo de animadores “Los Toros” de la preparatoria Rancho Grande en San Diego, California. Este grupo inicia un año escolar con nueva capitana: Torrance (Kirsten Dunst), quien enseguida genera grandes aires de superioridad gracias a su nuevo puesto.
Triunfos Robados: Ganar… ¿Sin Honor?
Su primer día como capitana no empieza bien. Una chica termina lesionándose en la práctica, lo que ocasiona que un par de animadoras critiquen a Torrance por el hecho de tener que lidiar con una crisis tan rápido. Así, ella decide hacer audiciones para encontrar un nuevo miembro, aunque sus esfuerzos no fueron fructíferos, pues nadie lograba convencer al resto de la escuadra.
Todo cambia cuando llega Missy (Eliza Dushku), y deja impresionados a todos. Pero dos animadoras la rechazan por no ser el típico modelo de porrista de Los Toros. Torrance,, abusando de su puesto como capitana, acepta a Missy sin importarle las opiniones de sus compañeras.
Triunfos Robados presenta un segundo problema llega cuando Missy lleva a Torrance a la preparatoria East Compton, y así, se da cuenta que el equipo de animadores, Los Tréboles, tienen las mismas rutinas que Los Toros. Torrance, en un momento de vergüenza, sale de del gimnasio donde se encontraba con Missy, pero Isis, la capitana de Los Tréboles, la intercepta y le dice que la antigua líder de Los Toros ha estado robando cada una las rutinas que los hacían ver como “Los mejores”.
La Humanidad detrás de la Competencia
Torrance debe de aprender a ser una líder responsable, a cargar con responsabilidades, a dirigir con firmeza, y a sacar adelante la situación con madurez, dignidad y audacia. La capitana de Los Toros acepta que Los Tréboles tienen mucha más destreza y agilidad, asi que se dispone a ganarles en el campeonato para saber de una vez por todas quién es el mejor. Por lo que se asegura que sus rivales lleguen a la final.
Triunfos Robados también se encarga de mostrar al espectador cómo, en algunos aspectos, las clases sociales afectan los sentimientos de las personas marginadas, quienes deben ver en la distancia cómo aquellos con mejores herramientas son alabados y brillan sin ayuda de nadie. Y esto se puede apreciar gracias a las diferencias económicas entre los Toros y los Tréboles, y cómo eso daña la percepción que tienen sobre sus adversarios, su capacidad y sus esperanzas de ganar.
Uno de los mensajes que deja Triunfos Robados es que no importa cómo te vean caer, lo importante es cómo te vas a levantar. En la forma en la que te vas a defender y seguir tu camino. Los Tréboles rechazaron el apoyo económico que Torrance les ofrecía, por dignidad y para demostrar que los rechazados pueden lograr lo mismo por méritos propios al igual que las personas que siempre han tenido todo a su alcance.
¿Cómo se construye un buen Líder?
La sabiduría y la estrategia son características especiales en un líder, que Isis ya posee y que Torrance aprende poco a poco. Por esa misma razón, “los marginados” se alzan encima de los alabados, simplemente porque la vida les enseña que las oportunidades y el éxito no van a llegar solos, tienes que salir a buscarlos.
Aquí nadie es el villano ni el héroe, son dos perspectivas diferentes que se tienen de la vida y de como sabes aprovechar lo que se te ofrece. Triunfos Robados en realidad nos habla sobre pasión, perseverancia y lucha. En donde triunfar cuesta mucho trabajo, pero es altamente satisfactorio cumplir tus metas y superar todos los desafíos.
¿Ustedes Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Recuerdan que pasaba todo esto en Triunfos Robados?
Rashomon compone un rompecabezas indescifrable que dialoga sobre la dualidad de nuestra existencia.
Recuerdo el día que en preparatoria leí por primera vez In a Grove de Ryunosuke Akutagawa, un cuento corto que me provocó amplia intriga y deseo por explorar más sobre lo sucedido en aquel relato. Afortunadamente, tales ansias encontrarían respuesta gracias a una nota al pie de las fotocopias proporcionadas por la profesora, en donde se acotaba que dicha historia fue retomada para realizar una película dirigida por un tal Akira Kurosawa.
Rashomon fue mi acercamiento a una de las filmografías más representativas en la historia de Japón y del séptimo arte, Seven Samurai o Ikiru fueron algunos de los largometrajes que marcaron mi afición al cine y al parecer no sólo la mía, sino también la de cineastas como Bergman, Scorsese o George Lucas. Este último retomando los combates con espadas de sus samuráis en Star Wars.
En la actualidad, debo confesarme más aficionado a la obra de Ozu o Koreeda en cuanto al país nipón se refiere, sin embargo en mi memoria siempre estará presente el trabajo de Kurosawa, por lo que hoy a 70 años de su estreno, hablemos sobre el filme que dió a conocer la cinematografía japonesa al occidente: Rashomon.
Rashomon: Una Historia única
La película se centra en las diversas declaraciones otorgadas por los testigos y personas involucradas en el asesinato de un samurái y la violación de su esposa, donde el principal sospechoso es el bandido Tajomaru.
A partir de esta premisa, Kurosawa entreteje una trama en la cual la persona espectadora es el juez. Los testimonios apuntan su mirada a la nuestra y por lo tanto, la resolución del caso recae en nuestros hombros. Sin embargo, la faena no es sencilla, todas las historias se contradicen y realmente no parece haber una respuesta correcta.
Cada historia recae en los intereses personales y subjetividad de sus protagonistas: Tajomaru relata lo sucedido de manera que su hombría no se vea cuestionada, una batalla gloriosa de la que sale victorioso y donde sus encantos son irresistibles para las mujeres. Mientras qu,e a su vez, el samurái defiende su honor, su esposa conocedora que todos señalan su belleza como catalizadora del problema, se presenta arrepentida de lo sucedido.
Inclusive la historia del leñador, la cual pareciera más verosímil, pues presenta a cada uno de las/los personajes con sus claroscuros y el desenlace ridículo y tenso, bajo una atmósfera que respira miedo, pareciera ser propio de la naturaleza humana. Pero la omisión de detalles que lo comprometen con un objeto robado en el acto, nos hace dudar sobre la veracidad de lo “sucedido”.
¿La Obra Maestra de Akira Kurosawa?
El largometraje cuenta con elementos que serán una constante en el cine de Kurosawa: las interpretaciones grandilocuentes de Toshiro Mifune y Takashi Shimura, el hombre del eterno rostro perturbado.
Además de una poética narrativa visual que basa su ritmo en el movimiento, la repetitiva composición de planos tridimensionales en atmósferas que se perciben vivas y un juego de claroscuros en la fotografía que representa la dualidad moral/ética que constituye a sus protagonistas.
Precisamente, la temática sobra la que dialoga Rashomon es sobre esto último, lo realmente importante no gira en torno a los detalles sobre como se desarrolló el crimen, sino lo que en esencia simboliza: una humanidad que se comporta como animales, donde la mentira se impone para ocultar la fragilidad de nuestra existencia y el egoísmo/violencia prevaleciente. El templo derruido y la llovizna que lo atosiga como metáfora de tal decadencia.
Sin embargo y aún cuando el leñador se ve desenmascarado como un bandido más, durante todo el metraje lo hemos visto cuestionarse y replantearse su moralidad/ética, por lo que en el momento que se ofrece a cuidar a un bebé que se ha quedado sólo, el sacerdote vislumbra un atisbo de bondad en nuestra existencia y por lo tanto esperanza en la misma. La salida del susodicho personaje del templo y el final de la lluvia, parecen indicar una opinión similar. Quizá “no podamos conocer la verdad, pero siempre podemos ser mejores”.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ustedes ya vieron Rashomon?
Lovecraft Country tiene todo el potencial para ser el gran tanque de HBO de este año. La miniserie creada por Misha Green (Underground) y producida por Jordan Peele (Get Out, Us) y J.J. Abrams. Es una adaptación de una novela homónima escrita por Matt Ruff y publicada en el año 2016, que combina los característicos elementos del terror y la ciencia ficción del escritor H.P. Lovecraft, con la Norteamérica segregada de los años 50.
Al igual que lo hizo Damon Lindelof el año pasado con Watchmen, Lovecraft Country propone un mix de géneros para hacer una fuerte crítica a los conflictos raciales que bañaron de sangre las páginas de los libros de historia estadounidense. Para entender el complejo contexto sociohistórico de la serie hay tener en cuenta dos aspectos fundamentales: por un lado, la segregación que azotó al país en aquellos años, especialmente en los estados del sur; y por otra parte el racismo, muchas veces explicito, del escritor H.P. Lovecraft.
Sundown Towns
Sundown es el nombre del primer capítulo, donde conocemos a Atticus Freeman (Jonathan Majors) un joven afroamericano que, junto a su tío (Courtney B. Vance) y una amiga de la infancia (Jurnee Smollett), deberá emprender un viaje en auto por el corazón de los Estados Unidos en busca de su padre desaparecido. En el camino se enfrentarán a monstruos inspirados en los relatos del escritor Lovecraft, y a supremacistas blancos, que son tan, o incluso más, peligrosos que los primeros.
El título del episodio es una referencia a los denominados Sundown Towns, ciudades y condados enteros “totalmente blancos” donde no se permitía que las personas negras vivieran y sólo podían permanecer durante el día. Es decir, cuando caía el sol debían inmediatamente abandonar el lugar o eran detenidos, en el mejor de los casos. Según documentos históricos, este acto discriminatorio comenzó en 1890 y se mantuvo al menos hasta principios de 1960.
Si bien algunas ciudades permitían que familias negras vivieran allí, la hostilidad y el maltrato de los blancos era tan alevoso que se veían obligados a mudarse. Además, los viajeros debían evitar acercarse a negocios y establecimientos que tuvieran la letra “K” en sus nombres, porque era una clara referencia de que pertenecían al Ku Klux Klan. Junto con el racismo, la xenofobia también impregnaba de odio irracional las ciudades blancas, ya que tampoco los latinos, asiáticos, ni los nativos americanos eran bienvenidos.
Los peligros de la ruta
Esta parte de la historia, que muchos quieren ocultar, es el elemento clave del primer episodio de Lovecraft Country, ya que literalmente vemos a un grupo de blancos y a la misma policía perseguir a tiros a los protagonistas. Viajar por esos condados era tan peligroso para la gente negra que entre la comunidad se distribuía una guía de supervivencia para los viajeros afroamericanos, que seguro recuerdan de la película ganadora del Oscar Green Book. Según el escrito “había al menos 10.000 Ciudades de sol en los Estados Unidos para la década de 1960”.
El libro verdefue una herramienta que indicaba las precauciones que los automovilistas afroamericanos debían tener a la hora de trasladarse por esos lugares. En la serie esto se refleja en el tío del protagonista, que emprende el viaje con el objetivo de actualizar estas recomendaciones. Lovecraft Country se nutre de estos elementos históricos, para realizar una crítica explicita a estos monstruos de carne y hueso, que aún hoy viven y caminan por el suelo norteamericano.
El show de Misha Green, en un loable diseño de producción y fotografía, retrata esos difíciles años con claras referencias históricas. Desde un colectivo donde los blancos no comparten asiento con los negros, hasta entradas diferenciadas según el color de la piel. La mayoría de estas imágenes que vemos en el primer capítulo son una fotocopia de fotografías tomadas en aquella época, que luego fueron publicadas en libros como American Way of Life de Margaret Bourke-White o Segregation Story. Este último, un ensayo fotográfico publicado por Gordon Parks en 1956, que documentaba la vida cotidiana de las familias afroamericanas en tiempos de las leyes Jim Crow.
El territorio Lovecraft
Como detallábamos al inicio, el otro aspecto fundamental para entender todo el universo de la serie es la figura del escritor H.P. Lovecraft. Nacido en 1890, el autor es considerado una figura clave de la literatura de terror y ciencia ficción y el padre del subgénero weird fiction. El horror cósmico, sobrenatural de Lovecraft marcó un antes y un después no solo en la literatura, sino también en el cine y la televisión. Stephen King en sus escritos, Ridley Scott en Alien y Chris Carter con su The X Files, tomarían diversos elementos lovecratfianos para crear sus populares obras.
Sin embargo, Lovecraft Country no se queda solo con esto, sino que implícitamente (al menos en lo visto hasta ahora) tiene la intención de resignificar y darle una perspectiva totalmente opuesta al contenido del mismísimo autor. Howard Phillips Lovecraft era lisa y llanamente un racista. Esta afirmación no es novedad alguna, pero el comportamiento del escritor se ha puesto bajo el ojo crítico de la sociedad actual, en deconstrucción y adicta a la cultura de la cancelación.
Es común encontrar en la obra del autor asociaciones donde el intelecto y la virtud son exclusivas de la clase blanca. Mientras que los villanos o el mal, siempre era personificados por personas negras, de clases bajas. El miedo a lo desconocido de sus protagonistas blancos, era una metáfora de lo extranjero, de lo no puro.
La xenofobia y el racismo quedarían evidenciados de forma explícita en algunos de sus escritos y poemas donde considera a los afroamericanos como una raza inferior, “mulatos grasientos” y “negros horribles parecidos a enormes chimpancés”. Incluso en uno de sus poemas, considerado el más racista de la historia, los denomina bestias semihumanas colmadas de vicios. Hay que entender que este odio era característico de una época de fuerte segregación racial sostenida por varias leyes que se respetaban en varios condados.
Resignificando la obra
Lovecraft Country pretende cambiar y darle un significado totalmente opuesto, no sólo al texto narrativo, sino también al subtexto. Por ejemplo, el protagonista es un amante de los libros de ciencia ficción, lo que va en contra de lo que creían las editoriales y los autores de la época acerca de que los afroamericanos no consumían este tipo de género. Los responsables del show tienen muy en claro cuál es la historia que quieren contar y lo dejan en evidencia desde el minuto uno; en ese sueño donde el drama histórico se fusiona con naves extraterrestres, monstruos y dioses.
El oscuro y temible Territorio Lovecraft es una clara metáfora de la peor miseria de los Estados Unidos, donde esos monstruos oprimen a las minorías. Algo totalmente opuesto a lo que planteaba el escritor en su momento donde las bestias eran los afroamericanos.
Lovecraft Country es una serie de terror, pero también es un relato político, que no da lugar a ambigüedades y ese podría ser el gran problema del show de Misha Green. En el primer capítulo es tan explícita la ideología y el mensaje que quieren dar sus creadores, que lo desconocido, lo inexplicable, lo “cósmico”, no resulta tal. Ya en el segundo episodio, con el tono y los personajes presentados y establecidos, el contenido social da lugar a lo fantástico, y la metáfora, en general, no termina cayendo en la obviedad.
Esto no quita el valiosísimo trabajo de Lovecraft Country, que pone en boca de todos un tema clave como la violencia social, especialmente en un año donde los conflictos raciales vuelven a ser tapa de los principales diarios del mundo.
Lovecraft Country reivindica lo bueno del universo del autor que da nombre a la serie, y a su vez reflexiona sobre su odio irracional y su infame pensamiento ideológico, dotando de un sentido totalmente opuesto a su obra.
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Les está gustando Lovecraft Country?
Este año, Macabro llega a a nuestros hogares y te contamos algunas cosas que se vienen en su más reciente edición.
La decimonovena entrega del festival predilecto de las personas aficionadas al género del horror, se llevará a cabo vía streaming del 25 al 30 de Agosto, su programación contará con más de setenta títulos divididos entre competencias oficiales y homenajes, además de una serie de conservatorios, podcast, etc.
Edna Campos -directora de festival- confirmó que todos los eventos serán gratuitos y cada uno de los cortos y largometrajes dentro de la competencia, estarán disponibles en Filmin Latino durante el periodo que comprende el evento, aunque sólo contarán con un máximo de tres mil visionarios.
Así que antes de exponer las demás actividades, les recomiendo cinco películas que no pueden perderse:
Zombies en el cañaveral. El documental
Antes de Night of the living dead de George A. Romero, hubo un largometraje argentino que empleó a los zombies como alegoría política, por lo que fue censurada por la dictadura del mencionado país, hecho que la hizo ser olvidada de la historia, y razón por la cual Pablo Schembri decide contar su historia en este documental.
Tóxico
Ariel Martínez Herrera nos relata el camino de una pareja: Laura y Augusto, quienes intentan huir de una pandemia de insomnio que azota a su país, la cual lentamente va tomando dimensiones apocalípticas.
El Cerro de los Dioses
Este falso documental sigue a Laura, una directora que en compañía con su productor y cámara realizan un ensayo audiovisual sobre la fama, donde acompañan a un influencer, una actriz y un cineasta, sin embargo mientras más ahondan en su historia, se encuentran con el misterio de La Siega, en el cual dichas personas exitosas forman parte de rituales satánicos.
Dicha historia se trata de una reinterpretación del mito de Fausto, dirigida por el español Daniel M. Caneiro.
Fried Barry
Un adicto a las drogas es abducido por un alíen, quien toma el control de su cuerpo y comienza un viaje por Cape Town, Sudáfrica. Tal recorrido lo llevará a experimentar lo bueno, malo y raro de la humanidad.
Matar al dragón
La directora argentina: Jimena Monteoliva, narra la historia de Elena, quien tras ser hallada por su hermano tras años desaparecida, aún se encuentra bajo peligro, pues Tarugo esta tras ella y sus sobrinas para entregárselas a la bruja del cuento: La Hilandera.
Cabe destacar que dentro de la selección oficial, también estarán presentándose dos filmes mexicanos: Rendez Vous y El diablo me dijo qué hacer, la primera -según su clip promocional menciona- se encuentra filmada en una sola toma una cita entre extraños donde uno miente, mientras la segunda se centra en un joven que secuestra a un doctor con el propósito que confiese sus pecados.
Funciones Especiales
Como parte de su sesenta aniversario, el 27 de Agosto a las 22:00 horas, se proyectará por el Canal 22, un clásico del cine mexicano: El esqueleto de la Señora Morales, filme escrito por la mano derecha de Buñuel: Luis Alcoriza y protagonizada por Amparo Rivelles y Arturo de Cordova.
La película se trata de una comedia oscura centrada en el tormentoso matrimonio Morales, donde al mismo tiempo que Gloria decide irse de vacaciones, aparece un sospechoso esqueleto en la tienda de taxidermia de su esposo Pablo.
A las 21:00 horas del 30 de Agosto, posterior a la entrega de premios y como homenaje a los 100 años del expresionismo alemán, tendrá lugar una función especial donde se presentará la versión restaurada de El Gabinete del Dr. Caligari, musicalizada en vivo por la banda mexicana de rock gótico: El Clan.
La transmisión tendrá lugar a través del portal oficial de Macabro y las páginas de Facebook del Instituto Goethe México, Canal 22 y Macabro Film Festival.
En homenaje a la escritora de lo fantástico y siniestro: Amparo Dávila, Macabro en colaboración con Radio UNAM, adaptará cuatro de sus cuentos en versión podcast: El Huésped, Alta Cocina, El Espejo y La Casa Nueva.
Cada día que compone al festival, se estrenará una de estas narraciones en el portal de Macabro.
¡La programación completa podrán visualizarla en la página oficial del festival!
¡Atentos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Se van a perder Macabro este año?
Cobra Kai está a punto de llegar a Netflix. ¿Por qué no tiene el reconocimiento que merece todavía?
No. Se. Está. Hablando. Suficiente. De Cobra Kai. 34 años después de la icónica patada de grulla de Daniel LaRusso directito a la cara de Johnny Lawrence es cuando se sitúa la continuación de la legendaria Karate Kid. La serie tiene como protagonistas tanto a LaRusso como a Lawrence y esta combinación funciona tan bien, que a los fanáticos de la entrega original, Cobra Kai nos ha conquistado. El 28 de agosto dará el salto de YouTube a Netflix y aprovechamos en comentarla y, dicho sea de paso, a recomendarla. Quizá con esta migración, cobre la popularidad que merece.
Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg retomaron el legado que John G. Avildsen dejó con una película para los libros de historia. ¿Quién no ha oído de la aventura del niño que al sufrir acoso escolar acudió a un sensei para poder defenderse? Y el gran acierto de los productores y guionistas es brindarnos ambas perspectivas de la historia: la de Daniel y, sobre todo, la de Johnny. ¿Será que, al final, Lawrence no era tan malo como lo pintan? Lo platicamos.
Cobra Kai llega a Netflix el 28 de agosto
El golpe de los 80s
El 1 de noviembre de 1984 se estrenaba en las salas de cine norteamericano El Karate Kid y contaba la historia de un joven llamado Daniel LaRusso que, cuando llega a California con su madre, comienza a sufrir acoso escolar por parte de un grupo de adolescentes que practican karate en el dojo llamado Cobra Kai. El joven Daniel conoce al sr. Miyagi y este le enseña varias lecciones de karate y una que otra de la vida.
La película fue tan aclamada tanto por parte de la crítica como de la audiencia, que se le acredita al filme de Avildsen la creciente pasión por el karate en aquella década en los Estados Unidos. El éxito fue tal que se lanzaron dos películas más con Ralph Macchio y Pat Morita e incluso una más prescindiendo del joven protagonista y estelarizada por Hilary Swank (ninguna secuela es buena, honestamente; pero yo disfruté tanto la 2 como la 3).
Karate Kid 1984. Dir. John G. Avildsen
Actualmente, El Karate Kid es considerado como un absoluto clásico y siempre recordaremos la ya mencionada patada, las técnicas curativas del sr. Miyagi al frotarse las manos, qué tan importante es saber encerar y quitar la cera de los autos y, finalmente, que el karate siempre debe usarse para la defensa, nunca para el ataque. ¿Se les ocurría que tres décadas después seguiríamos contando esta historia?
Qué ataques tiene Cobra Kai
Desde las primeras escenas de la serie, los creadores nos dan a entender que esta es la historia de Johnny Lawrence; y, honestamente, qué mejor manera de contar esta continuación. 34 años después, él sigue pensando en cómo Daniel San le acomodó esa patada en el rostro y la reacción en cadena que ello provocó en su vida. Johnny hace pequeños trabajos domésticos a gente rica cuando conoce a Miguel, un chico nuevo en la ciudad que no está pasando el mejor momento en la escuela, así que el ex-karateca decide volverse su sensei.
Por el otro lado, a Daniel LaRusso le ha ido perfectamente en la vida; tiene una concesionaria de autos lujosos, está casado con Amanda y tiene dos hijos: Samantha y Anthony. Siempre recuerda a su mentor, el sr. Miyagi y cuando menos se lo espera, cruza caminos con Johnny de nuevo… Tantos años después y tantos combates por pelear.
Jacob Bertrand, Tanner Buchanan, Xolo Maridueña, Talin Chat
Sin dudarlo, lo mejor de Cobra Kai son sus personajes. Jamás creerías que sería fácil empatizar con el Johnny que viste en Karate Kid; a veces, Daniel te parece un poco pesado, Miguel ha pasado por mucho y lo ves evolucionar fantásticamente, Samantha sufre los problemas de una adolescente normal y hasta comprendes la rabia de Hawk, por mencionar a algunos. Cuando combaten los chicos de Cobra Kai contra los de Miyagi Do, sinceramente no sabes a quién apoyar… Y eso es culpa de un gran guion y de sobresalientes interpretaciones.
La serie sabe manejar a la perfección el balance entre ser una secuela de la película del 84 a la vez que una nueva historia, al sentirse muy fresca contando quiénes son Miguel, Sam y Robby. ¿Por qué? Porque gran parte de los conflictos que atraviesan todos los personajes parten de problemáticas adolescentes actuales, por lo que es fácil empatizar con todos ellos. Si tuviera que resaltar algo de la narrativa, me inclinaría hacia el triángulo que se da entre Johnny, Daniel y Robby (sin decir más).
Peyton List y Mary Mouser
¿Qué le hace falta a Cobra Kai?
Llegar a Netflix. Literalmente. Desde su emisión en 2018, YouTube Originals era la encargada de producir y distribuir esta serie, lo cual le daba algo de “prestigio” a este poco conocido servicio de streaming (no estamos hablando de videos en general); pero quizá esa es la principal razón de por qué la gente no habla de la serie… Honestamente, ¿quién cuenta con YouTube originals?
YouTube es la plataforma de reproducción de videos más conocida y utilizada del mundo, pero la verdad es que nunca ha destacado el sitio por su contenido original en series. Cuando se anunció que el dojo de Cobra Kai iba a ser YouTube, muchos lo tomaron por sorpresa, porque es sabido que no cuentan ni con el prestigio ni con la presencia que tienen Netflix o Amazon Prime Video.
Cobra Kai se muda de plataforma
Nadie dice que Cobra Kai merece múltiples nominaciones al premio Emmy o ser inmortalizada, pero la verdad es que es una historia que se siente totalmente fresca al expandir el universo planteado por el clásico de 1984. Personajes entrañables, magnífico desarrollo de la historia, coreografías espectaculares y uno que otro fan service hacen de Cobra Kai una serie con capítulos de 30 minutos de duración muy disfrutable y completamente digerible.
El 28 de agosto Cobra Kai cambia de dojo, se muda de YouTube a Netflix con sus primeras dos temporadas y, en un universo sin Covid, la tercera ya habría estrenado. ¿Será que Netflix nos sorprende con una premier inesperada a finales de año? ¡Ya lo veremos! Por lo pronto, no dejes de visitar el sitio web de Fuera de Foco para estar al tanto de todas las noticias.
Recuerda: ¡Strike First! ¡Strike Hard! ¡NO MERCY!
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Están emocionados por la llegada de cobra Kai en Netflix?
Virgen a los 40, es la comedia que a diferencia de muchas actuales, deja una moraleja en su contenido.
Virgen a los 40 fue una película de comedia donde el protagonista, Andy (Steve Carell), dio vida a un hombre de 40 años que no había perdido la virginidad.
Estrenada en 2005, la película recaudó 177 millones de dólares. Sin embargo, tras 15 años y que quizá la mayoría hemos visto la cinta ¿qué podemos encontrar en este largometraje?
Dirigida por Judd Apatow, se nos muestra un elenco versátil donde su característica principal fue la elocuencia, pues la mayoría de sus diálogos fueron improvisados.
No obstante, el personaje de Andy nos deja entrever algunos puntos que hoy en día sería bueno refrescar. Steve Carell le dio una personalidad inocente, tierno, testarudo e inseguro pero que respeta su esencia completamente.
¡Aquí en Fuera de Foco, recordamos la temática central de esta cinta!
¿Por qué recordar Virgen a los 40?
No solamente porque ha sido una película muy popular en el cine americano de comedia, o porque ya cumple 15 años de haberse estrenado y aún continúa entre las favorita de muchos. Virgen a los 40 es también una cinta de la que se pueden sacar muchas morales importantes.
Ya se mencionó que Andy permite al espectador identificarse con él, al ser un hombre inocente, con mala suerte, inocente y medio torpe. Pero, en realidad, lo más destacable es que mientras más busca perder la virginidad, simplemente no lo logra. Sin importar los cientos de intentos fallidos, citas malas y hasta los consejos de sus experimentados compañeros de trabajo. El sexo simplemente no aparece en su vida.
Por el contrario, cuando Andy deja de buscarlo, no solamente por sus miedos internos, inseguridad física o de ser un campeón del sexo, sino cuando acepta su realidad y está cómodo con ella, es cuando encuentra a Trish (Catherine Keener). Quien le enseña que el amor verdadero y la atracción más allá de lo físico existe y es real.
Virgen a los 40 y la importancia de la Educación Sexual
Otro de los puntos que se abordan es la importancia de tener educación sexual, principalmente porque el sexo ya no debería ser un tema tabú o algo de qué avergonzarse. En una parte de la película, la hija de Trish es acompañada por Andy a una clínica donde una especialista habla sobre sexo.
Claro, la escena es incómoda pero muy graciosa, muy al estilo de la comedia de la época. Aun así, deja claro la importancia de poder hablar del tema, investigar y conocer. No tanto a través de la pornografía, como le proponía David (Paul Rudd) o experimentar con prostitutas, como los consejos de Jay (Romany Malco), sino con una educación formal, seria y respetuosa.
ROMANY MALCO es Jay “Virgen a los 40.”
Más hombres y mujeres como Andy Stitzer
Andy era simplemente él: tenía una vida algo monótona, no le gusta cambiar su rutina, pero era él mismo. Sabía que le faltaba algo, que en el momento indicado llegó. Tal vez, si en la película cortaran las escenas donde los amigos le ayudan con algunos consejos disparatados, hubiese sido una película 100% romántica y no comedia. Pero, a decir verdad, gracias al género en el que se encuentra, nos dio icónicas escenas que han pasado a la historia del cine, como la clásica escena de la cera en su cuerpo velloso para depilarlo.
Virgen a los 40 y la importancia de Ser Uno Mismo
Coleccionaba juguetes y figuras por hobbie, pero hubo quien lo amara de esa manera. Por ende, en este mundo tan de cabeza como dicen las frases cliché, hacen más falta personas coherentes y honestas consigo mismas que no necesiten aparentar lo que no son. Es más valioso, particularmente lo veo así, conocer todo lo que es una persona sin prisas, a su debido tiempo y cuando llegue el momento, se dará de forma natural lo esperado.
¿Todo eso en Virgen a los 40?
Así es cinéfilos. Tras 15 años de su estreno, si ves la película con más claridad, encontrarás algunos de estos puntos que hoy comparto para ti. Quizá esté olvidando algunos, ¿me ayudas a recordarlos?.
