Hace 20 añosEl diario de la princesa reinventó el rol de la mujer, cómo lo logró
El Diario de la Princesa es una película de Disney basada en la novela homónima de la escritora estadounidense Meg Cabot, la cual causó una enorme sensación gracias a la historia de una joven estudiante que hereda el Trono de Genovia y tendrá que aprender como ser una princesa, esto mediante las lecciones de la elegante Reina Clarisse (Julie Andrews).
La película dirigida por Garry Marshall (cineasta detrás de Pretty Woman) fue una idea fantástica porque nos presentaba a una joven cero popular, tímida, de pocos amigos y un carácter sencillo pero tenaz. Unas características con las que probablemente muchas jóvenes sintieron empatía con la personaje interpretada por Anne Hathaway.
Más allá del típico cuento…
En El Diario de la Princesa Mía no deja de lado su adolescencia, sentimientos y modo de vida, pero tampoco abandona su responsabilidad como Princesa y el camino comete algunos errores, pero al final encuentra la manera de conducirse por ambos mundos.
Más allá de la típica princesa de los clásicos de Disney que tenía más valía al lado de un gallardo Príncipe, la protagonista convence a la sociedad de que para ser Princesa o Reina no se necesita ser la sombra de un Rey o matrimonio, sino autoconocimiento, autenticidad, autonomía, amor propio, capacidad intelectual y liderazgo. Idea que se sostiene para la secuela.
Con esto último no quiero decir que Mía no pueda enamorarse o tener pareja, de hecho en los dos filmes tiene prospectos amorosos, pero los mismos refuerzan su libertad para tomar decisiones, lo que permitió al filme reinterpretar el rol de las mujeres: mostrándolas soñadoras y autónomas de su vida, empresa, o Genovia.
En la actualidad hay madres solteras, mujeres que se desempeñan en puestos directivos o como líderes sociales, y que no por ello dejan de dar y recibir amor, ya sea dentro o fuera de una relación heterosexual o homosexual.
Mía Thermopolis es un grato ejemplo de una mujer ordinaria que con preparación, anhelos y respetando sus ideales llega a empoderarse a si misma, y por esto tras 20 años de su estreno El Diario de la Princesano ha pasado de moda.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Son fans de El Diario de la Princesa?
El clásico de Baz Luhrmanm: Moulin Rouge, cumple 20 años. ¡Y te contamos las razones por las cuales amamos esta película!
Este mes Mouling Rouge: la cinta dirigida por Baz Luhrmann en el 2001, cumple 20 años. A este filme lo recordamos porque además de ser un gran musical, cuenta con las actuaciones de Nicole Kidman y Ewan McGregor, quienes dan vida a una pareja que nos enseñó que amar y ser amado/a, es lo más maravilloso en la vida.
Luhrmann dio rienda suelta a su imaginación a la hora de reflejar el esplendor de Moulin Rouge, con una exuberancia que nos recuerda a los primeros musicales del cine, como Sombrero de Copa(1935), Busby Berkely o Chicago (2002). Pero además de esto, existen muchas más razones que hacen de este largometraje un clásico del séptimo arte, y te contamos todo al respecto.
“The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return.”
¿Por qué nos gusta Moulin Rouge?
Es una cinta musical, que entre sus recursos narrativos se basa en el drama y comedia, entremezclando un largo popurrí de estilos, géneros y líneas provenientes de la gran creatividad de Luhrmann.
La película saltea los archivos de la música pop, para componer una esplendorosa y anacrónica banda sonora que narra una historia de amor.
Christian (Ewan McGregor) es un escritor-compositor en busca de trabajo y logros, a quien sus compañeros bohemios animan a presentar un espectáculo en el famoso cabaret parisino: Moulin Rouge. Allí conoce a Satine (Nicole Kidman), una cantante de vida alegre de quien se enamora, sentimiento correspondido por la susodicha, quien se acostaba con todo aquél que le ayudara a prosperar en su carrera, lo que traerá consecuencias para el espectáculo final.
Luhrmann se deja llevar por el esplendor que inyecta en la cinta, por lo que dota visualmente al proyecto, a expensas de la cohesión temática: los excesivos números musicales se combinan con extraordinarias escenas nocturnas, que tienen a París como fantástico telón de fondo, dotando al filme de un tono romántico.
A esto debemos sumar todos los grandes éxitos musicales del cine y pop, presentes en la cinta. La escena donde están en el elefante de noche, es tan sólo una probada de lo anterior. A título personal, me gusta mucho la elecciónde Your song: canción del gran Elton John, la cual se transforma en el leitmotiv del largometraje.
Tal es la magia que guardaMoulin Rouge, que cualquier personaje que la observe, se ve desbordada por la imaginación, risa y el recuerdo de un gran amor. Es el poder de la música en el cine, que aunado a una gran historia, conforma una obra de arte única.
Pensar en largo guión de este filme, es adentrarnos en la mente de Luhrmann y la manera en que cuenta cada parte de la historia: puedes reír, conmoverte, o volverte cómplice del sentir de Christian y Satine, quienes luchan tras el telón de un espectáculo para mantener su amor.
Cabe señalar que si no eres un amante de las películas musicales, es posible que Moulin Rouge te enfade un poco, pero si decides darle una oportunidad no será tiempo perdido, ya que más de una canción te hará cantar, o algún diálogo se quedará en tu mente.
El mensaje detrás de la película
Pueda pensarse que una cinta musical no podría darte ningún mensaje, que de los romances color de rosa no hay mucho que aprender, pero no. Moulin Rougeno es un largometraje repleto de tonos rosas, por el contrario, las temáticas que toca van más allá de un burdel nocturno, la prostitución, las enfermedades de la época (1900), la venganza y otros temas más.
Estos temas son crudos por si mismos, pero el esplendor de la película y su musicalidad los trastoca con optimismo, esto a pesar de que no siempre las cosas resultan como desean sus protagonistas. Perseverar puede enseñarte que amar es también aprender a dejar ir. En Moulin Rouge no hay leyes, límites, pero si una regla: nunca te enamores.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Son fanáticos/as de Moulin Rouge?
Gracias a la atrapante trama de Corre, esta película ya se convirtió en la cinta más exitosa de Netflix
Aunque “Corre” ya tenía su lanzamiento digital desde el año pasado en la plataforma de Hulu, los derechos de distribución los compró Netflix, y gracias a eso, ahora podemos disfrutarla en Latinoamérica.
Dirigida por Aneesh Chaganty y escrita por ella misma y Sev Ohanian, la película está protagonizada por Sarah Paulson (a quien recordamos por su reciente interpretación de la enfermera Ratched) y Kiera Allen, quienes hacen realmente un papel extraordinario en los roles de madre e hija.
“Corre” puede describirse como una cinta de suspenso. Atrapante, polémica y aborda el ya conocido terror psicológico provocado dentro del marco de una vida aparentemente cotidiana y común. Temas que se han demostrado que pueden ser igual o incluso más aterrador que una película con monstruos o demonios.
¿Por qué es tan buena?
Se puede desmenuzar desde diferentes aspectos. Pero me parece oportuno hablar de tres características que hacen a esta película realmente buena: la trama, las interpretaciones y por supuesto, la música compuesta por Torin Borrowdale, quien ya tiene camino recorrido en la composición de música de suspenso y misterio gracias a la serie de Locke & Key y la película de The Toll.
Sin dejar de lado el extraordinario trabajo del Director Aneesh por dar una propuesta que en su narrativa es coherente y deja también un margen de libertad al espectador para repensar qué podría haber pasado en una u otra escena de la cinta, de una manera sutil, discreta y bien pensada.
Una maternidad oscura
Si bien, la trama de la película al principio te hace pensar que tenemos en la puesta en escena a Diane Sherman (Paulson), una madre entregada a su hija quien, desafortunadamente, padece desde su nacimiento diversas enfermedades que la vuelven vulnerable y dependiente de los cuidados de su madre en todo momento. Tanto para los medicamentos, la comida y los estudios.
Sarah Paulson hace un trabajo tan creíble balanceando el difícil estilo que presenta Diane Sherman, ya que oscila entre el amor incondicional que toda madre debe tener y una frialdad y oscuridad de quien esconde los secretos más profundos. Sin duda, su actuación es lo que lleva la película y conocer más sobre ella y hasta dónde es capaz de llegar nos tiene al borde del asiento durante todo el metraje.
Por otro lado, quien también hace un trabajo sublime es Kiera Allen como la hija de Diane, Chloe. Sus ávidas ambiciones por ingresar a la universidad, se mezcla con la fragilidad de sus padecimientos. Allen se convierte en un gran equipo para Paulson, y sus interacciones pasan de lo conmovedor a la tensión con tal habilidad que cada escena que comparten juntas es toda una montaña rusa de emociones.
Sin dar más spóilers por si no han visto esta cinta, podemos comentar que los sueños de esta chica se alejan más y más conforme avanza la película, ya que mientras se va deshaciendo la maraña de mentiras y secretos que esconde su madre, el peligro que corre Chloe es suficiente para hacer que el espectador empatice con ella y busque desesperadamente una forma de ayudarla para terminar de revelar la verdad.
La polémica
Corre también aborda temas socialmente complejos y hechos que llegan a ocurrir en el mundo, como secuestro, pérdida o muerte de los hijos, la depresión profunda y la histeria descontrolada en una patología disfrazada de sobreprotección. Además, también hablan sobre los comportamientos enfermizos relacionados con la medicación.
Visualmente está bastante bien, los efectos están bien logrados y cada puesta en cuadro cumple su función adecuadamente para hacer de Corre una de las películas más vistas de Netflix.
Si no te has dado la oportunidad de ver esta película, aprovecha un fin de semana y adéntrate en esta trama que seguramente te dejará con la boca abierta, con sentimientos posiblemente de coraje, odio y de venganza en cada minuto que transcurra esta cinta.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ya vieron Corre? ¡Déjennos sus comentarios!
Wonder Woman 1984 entrega excelentes efectos visuales, fotografía y ambientación. Pero ni el carisma natural de Gal Gadot logró que la secuela realmente fuera trascendente.
Dirigida nuevamente por Patty Jenkins, a quien recordamos con mucho cariño por un pulcro trabajo en la primera película de Wonder Woman. Esta segunda parte da seguimiento nuevamente a Diana, la Guerrera Amazona, esta vez viviendo en el mundo humano durante los 80 y defendiendo a la ciudad de los típicos delitos que surgen. Sin embargo, dos nuevos enemigos cambiarán su vida para siempre: Lord Maxwell (un estafador triunfante de la televisión) y de Bárbara, quien llegará después a ser Cheetah,
¡Primero lo bueno!
Sin afán de hacer spoilers, cinéfilas y cinéfilos,Wonder Woman84 atrapa por su parte visual, los efectos realmente son buenos. Jenkins cuidó la estética de la película en todo momento. Por otro lado, Gal Gadot, sin lugar a dudas es quien mejor representa a Wonder Woman y creo, muy particularmente, que en esta entrega desperdiciaron su carisma y lo bien que ha desarrollado al personaje desde la primera parte e incluso en la Liga de la Justicia.
Sobre el resto del elenco, Chris Pine también logra ser convincente encarnando una personalidad curiosa y de constante asombro, que al menos en esta ocasión de eso trataba su papel. Pero la parte de su “regreso” fortuitamente del “más allá”, aunque algo extraño e inverosímil, dotó de una cucharada de nostalgia a la cinta y a los sentimientos de Diana.
Kristen Wiig como Bárbara, realmente hace un buen trabajo, pasando de ser una típica anti social y después logrando empoderarse hasta convertirse en la villana. Creo que su participación destaca bastante en la trama y es uno de los personajes más interesantes. Incluso, su desarrollo en este papel fue tan bueno que a veces logra robar protagonismo a la mismísima Gadot.
El mensaje de la cinta también es bueno. Desde la primera entrega, Patty Jenkins tiende a dar pequeñas moralejas en algunos diálogos de los personajes, convirtiendo el fondo en un contenido de valor para la audiencia. Sin embargo, en cuanto a la forma, no logra inyectar o acomodar convincentemente ese mensaje.
El eje central que trata la nueva película de Wonder Woman es la importancia de la verdad. Así como la necesidad de vivir de forma auténtica y con honestidad hacia nosotros mismos y los demás. Estos valores los personifica a la perfección la figura de Diana, y ciertamente pueden quedarse con uno aún después de finalizada la función. De hecho, una de las frases que me gustaría resaltar por el impacto y fuerza que representa, es el siguiente:
“Un verdadero héroe no nace de las mentiras”.
Lo no tan bueno…
Es una película larga. Honestamente, creo pudo ser mejor quitando algunas escenas que podrían ser consideradas como paja, pero que quizá Jenkins las utilizó para contextualizar y entender mejor el trasfondo de los sucesos ocurridos por la gema “maldita”. Aunque el hecho de querer mostrar más a la audiencia termina siendo un efecto contraproducente pues se vuelve tediosa, lenta y en momentos aburrida.
Pedro Pascal, a pesar de ser conocido como Oberyn Martell en Juego de Tronos y por interpretar a Din Djarin en The Mandalorian, es un enemigo convincente. En esta cinta no se discute su versatilidad, pero el papel de Lord Maxwell fue completamente ridículo e innecesario. Creo que con Cheetah bastaba para lograr dar a la audiencia un poco más de fan service: acción, pelea, poder, movimientos de cámara y efectos espectaculares.
Realmente quería ver más acción, ver a Wonder Woman luchando mucho más, ya que, aunque sí hubo escenas donde Jenkins, la vuelve vulnerable y a veces herida, eso se presenta en muy pocas ocasiones y se tardó demasiado en desarrollarse.
En conclusión…
Gal Gadot sigue siendo el motivo por el cual la película será un éxito taquillero, pero habrá decepciones para los fans de los cómics y del DCU. Por lo cual, se puede decir que vale la pena por los efectos y la excelente actuación de Gadot y de Kristen Wiig. Más allá de eso, la película no tiene nada nuevo que ofrecer y que con ello, logre trascender en este ya cierre del 2020.
¿Tú que opinas, Cinéfila y Cinéfilo? ¿Ya fuiste a ver Wonder Woman 1984? ¡Cuéntanos qué te pareció en los comentarios!
Mulan (2020) tiene buenas intenciones, pero al final es una cinta carente de carisma
Muchas fueron las expectativas alrededor de la versión live-action de Mulan. Ya que atravesó muchas dificultades antes de su estreno debido a la pandemia mundial que golpeó a la industria cinematográfica y que la obligó a postergarse en repetidas ocasiones.
Eso cambió cuando Walt Disney Pictures decidió experimentar con algo nunca antes visto: el pasado 4 de septiembre la cinta se estrenó en la plataforma de Disney +, a un costo adicional de 29.90 dólares para sus suscriptores y un estreno limitado en algunas salas de cine del mundo.
Hoy por fin está disponible en Disney+ México sin costo adicional. Y para ser franca, el tráiler se veía mucho más emocionante que lo que fue el resultado final.
¿En serio fue tan mala?
No. Tiene aspectos rescatables a su favor. Dentro de sus puntos buenos está la puesta en escena, muchos detalles sobre la ambientación de la época y bellos colores. La fotografía es genial y también los lugares y los múltiples elementos de la cultura propia que dejaron sello en la película.
Otro punto a su favor fueron los mensajes que intentaron transmitir. Además de promover 3 valores principales: valentía, lealtad y verdad, la cinta propone un cuarto valor que es importante sobre todo para el ámbito familiar. Pero la película en sí, llega a ser aburrida. Y es claro que fue creada para agradar a un público chino en lugar de crear una historia universal.
Los puntos bajos del reciente live-action se centran en la falta de acción y carisma. Pues las actuaciones intentaban ser buenas pero ningún personaje tiene profundidad. Se siente apática y plana por momentos.
Elementos Incompatibles
Harry Gregson Williams hizo un trabajo estupendo en la musicalización de esta historia. Considero que los matices musicales estuvieron acordes a la cultura china. Las melodías fueron muy buenas en la película, pero lo que se presentaba en imágenes no lograron unirse de manera orgánica. Esta es una película que ni la propia casamentera podría casar con los espectadores.
Desde mi perspectiva, la narrativa fue algo incómoda. Nunca se siente que el personaje de Mulan avance o evolucione como persona. Al contrario, los momentos supuestamente marcados para mostrarnos eso se sienten apresurados y poco orgánicos.
Es simbólica, tiene elementos que pudieron haberla hecho muy fuerte. Los mismos valores de valentía, valor y lealtad pudieron haberse explotado de buena manera, pero también dejaron mucho que desear, pues se quedan a medias y no se siente cómo estas ideas repercuten en la vida y la filosofía de la guerrera.
En lo personal, quise ver algunas escenas icónicas de la historia animada, como cuando ganan la batalla final y salvan al Emperador. Pues es una escena donde toda China sabe que Mulan es la heroína. Pero el momento nunca llega, y en su lugar, nos brindan una conclusión breve e insignificante, donde al final es Mulan quien termina arrodillándose al emperador.
Sobre los Personajes
Hubo algunos personajes que llamaron mi atención. Particularmente “la bruja”, que en esta versión, es una hechicera con poderes de transformación aliada del villanoBori Khan y que nos recuerda mucho al águila del famosoShan Yuen la clásica del 98. Creí que ella sería una de las enemigas más peligrosas de Mulan, y aunque al final tiene un giro inesperado, realmente no resona en la historia ni con los otros personajes.
Por otro lado, sin la presencia delGeneral Li Shang, pero sí con intenciones similares en Mulan, se encuentra Honghui, un soldado y compañero de Mulan. Pero al final no se entiende por qué o para qué está presente en la historia.
Niki Caro, en la dirección, ofreció una cinta nueva, un sello distinto que se reconoce y que quizá si se hubiese visto en el cine, podría haber “maquillado” o “tapado” la ausencia de carisma, acción y fuerza. Pero la adaptación a streaming exacerbó sus defectos y los hizo más visibles. Aún más cuando había muchos fans de la cinta animada y que se mostraron decepcionados en las redes sociales.
Lo peor es que no es una película que los niños disfruten. Y no porque no está presente el carismático Mushu, sino porque la cinta es lenta por momentos y los momentos de acción, aunque bonitos en su fotografía, son rápidos y carentes de escenas épicas.
En conclusión…
Para finalizar cinéfilos y cinéfilas, este live action tuvo su sello propio y para algunos fue aplaudido y una gran producción. Para otros, incluyendo su servidora, fue un intento de ofrecer una película de una heroína tan significativa para China por ser una leyenda del mismo país, pero que dejó con muchas expectativas a los espectadores porque faltaron ingredientes para haberla hecho fascinante.
★★★
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ustedes qué opinan de la nueva versión de Mulan? ¡Déjenos sus comentarios!
El recuento de su creación, retos en Toy Story, Pixar como industria y ¡al infinito y más allá!
Han transcurrido ya 25 años desde que Toy Story nos mostró la vida secreta de nuestros juguetes favoritos. No solamente por la entrañable historia y su mensaje de amistad, la música o la chispa que tiene cada personaje, sino porque, en 1995, año en el que por primera vez vimos la historia de Pixar en cines, la animación que presentaba jamás se había visto antes en una película infantil.
Este estilo se convertiría en la característica más reconocida del equipo creativo de Pixar y también del Director John Lasseter, quienes años después seguirían reinventando el terreno de la animación y las películas animadas en el cine. Desde ese momento, los adorables Woody y Buzz Lightyear serían los favoritos de todos los niños, serían los juguetes más solicitados para Navidades, cumpleaños y día de Reyes Magos.
Toy Story (1995)
¿Cómo empezó todo?
En el libro titulado “Creatividad, S.A. Cómo llevar la inspiración hasta el infinito y más allá”; el Presidente de PixarAnimation y Disney Animation, Ed Catmull comparte no solamente cómo nació Toy Story, sino cómo este hecho revolucionó lo que hoy vemos, disfrutamos y aplaudimos de Pixar.
En él, recuerda que un 22 de noviembre de 1995 se presentó Toy Story en los cines de Estados Unidos. La realización de esta película, íntegramente hecha con animación digital, requirió de arduo trabajo en equipo, habilidad, genio técnico y resistencia. Durante 5 años enteros, Pixar luchó por hacer esta película a su manera, pues Disneyquería convencerlos de utilizar musicales y canciones para su éxito.
Antes de la existencia de Pixar, la empresa de Ed Catmull y John Lasster habían firmado un contrato para escribir un sistema de gráficos para Disney llamado Sistema de Producción de Animación por Computadora (CAPS por sus siglas en inglés), el cual sirvió para pintar y gestionar los dibujos de animación. Mientras tanto, Disney ya estaba produciendo La Sirenita, lo que dio inicio a la Edad de Oro de la Animación que incluyó también La Bella y la Bestia, Aladdiny El Rey León.
El éxito de estas películas llevó a Disney a buscar socios para incrementar su producción cinematográfica y fue ahí que recurrieron a Pixar. Así, en 1991 se concretó un acuerdo para la realización de tres películas mayormente financiadas por Disney, que las distribuiría y sería el propietario.
¡Juguetes Nuevos!
Gracias a este acuerdo, Lasseter empezó a preparar todo para producir la idea de Toy Story. Una historia que trataría de un grupo de juguetes y un niño (Andy) que los adora. Lo innovador es que ahora toda la cinta sería contada desde el punto de vista de los juguetes. Pero pronto todo terminó girando en torno al juguete favorito de Andy, el vaquero Woody cuyo mundo ideal entra en caos con la llegada del nuevo juguete Buzz Lightyear, se convierte ahora en el nuevo preferido del niño.
Después de muchas revisiones por parte de Disney, por fin dieron luz verde al guion en enero de 1993. Y después de largas reuniones directivas en donde se tuvo que cambiar todo el guión, la personalidad y desarrollo de personajes, Toy Story cumplió su cometido de ir al infinito y más allá.
Desde que se estrenó por primera vez en las salas de cine, todos los ingredientes en esta película la volvieron un éxito. El doblaje en idioma original con Tom Hanks, Tim Allen, Don Rickles, Jim Varney por mencionar algunos. El tierno diseño de cada uno de los personajes, la energética historias y la increíble música compuesta por Randy Newman, quien ha dotado de magia, nostalgia y aventura cada momento de esta y muchas películas de Pixar.
Tim Allen (Buzz) y Tom Hanks (Woody)
El Gran Legado de Pixar
Desde que se estrenó, Toy Story se convirtió en la película más taquillera del año y recaudó 358 millones de dólares en todo el mundo. Incluso, rompió el récord como la película más taquillera en Día de Acción de Gracias. Pero Toy Story no sólo obtuvo los más grandes honores en taquilla, los críticos de la época también la amaron, al grado en que la consideraban “innovadora”, “brillante” y “exultantemente ingeniosa”.
Fue tanto el éxito, la buena crítica y la recepción por miles de niños, familias y espectadores que en 1997 los Directivos de Disney acudieron nuevamente a Pixar para realizar Toy Story 2.
Además de los evidentes avances en la animación, el ciclo de Toy Story fue importante pues ya anunció una nueva tendencia en las películas infantiles, donde no sólo se pretende seducir a los niños sino también a sus padres, con guiones salpicados de sutiles bromas posmodernas y guiños de complicidad.
¡Celebremos hoy estos 25 años reviviendo la película que nos enseñó a tener un amigo fiel!
¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Cuántas veces han visto Toy Story?
La gran actriz Carrie Fisher celebra este 21 de octubre su cumpleaños desde otra galaxia. ¡Y nosotros celebramos su aportación al mundo del cine!
¡Cinéfilas y cinéfilos! para Fuera de Foco es también un placer y honor recordar a las grandes estrellas que han partido pero que dejaron un legado impresionante en su carrera. Y por lo cual es imposible olvidarles y revivir sus cintas más importantes.
Fue una actriz, escritora y guionista estadounidense de cine y televisión reconocida principalmente por interpretar a Leia Organa en la saga de películas Star Wars (episodios IV-IX). Donde le dio vida a una joven guerrera caracterizada por su liderazgo y valentía. Recuerda que puedes leer un artículo de nuestro portal donde hablamos sobre las mujeres más badass en el cine.
Al padecer de trastorno bipolar, para el que a veces incluso tuvo que recurrir a terapia electroconvulsiva, empezó a auto medicarse, lo que se transformó en una dependencia a las drogas y el alcohol que el resto de su vida trató de combatir. Tuvo un breve matrimonio con el cantante Paul Simon.
En una de sus entrevistas más reveladoras en octubre de 2010, mientras se encontraba en Sídney, Australia, confesó su fuerte adicción a la cocaína durante el rodaje de Star Wars: El Imperio contraataca (1980) y que sobrevivió a una sobredosis.
«Poco a poco me di cuenta de que estaba usando las drogas un poco más que otras personas y que estaba perdiendo mi control sobre ellas. (…) Le di tanto a la cocaína en Star Wars que incluso John Belushi me dijo que tenía un problema».
Su partida…
El 23 de diciembre de 2016, sufrió un infarto masivo a consecuencia de una apnea de sueño mientras se encontraba en un vuelo que la trasladaba de Londres a Los Ángeles, aplicándose inmediatamente medidas de reanimación. La actriz estadounidense se encontraba promocionando en diversos países lo que fuera su nuevo libro, “La Princesa diarista”. Finalmente, el 27 de diciembre, falleció en el Centro Médico de la Universidad de California.
Al día siguiente, su madre, la también actriz Debbie Reynolds, mientras preparaba las honras fúnebres de su hija, falleció de un accidente cerebrovascular fulminante.
Su Legado Más Allá de Star Wars
Tras ambos fallecimientos, Todd Fisher, hermano de Carrie, subastó 1.500 recuerdos personales, entre los que se encuentran una figura de acción de la princesa Leia, la silla que utilizó en el rodaje de Star Wars, etc.
Los beneficios obtenidos pararán en las organizaciones benéficas The Thalians (fundada por Debbie Reynolds) y The Jed Fundation, que previene el suicidio de los jóvenes.
¿Qué dejó en Star Wars?
A continuación, te dejamos las 5 películas de Star Wars en donde partició Carrie Fisher y dejó una marca importante en la franquicia y el mundo del cine.
Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (La guerra de las galaxias)
Los gobernantes del Imperio Galáctico, la fuerza del mal que domina el universo, capturan a la princesa Leia, quien posee datos confidenciales sobre su centro de operaciones militares, denominado “Estrella de la Muerte”. Antes de su secuestro, la Princesa transfiere la información ultrasecreta a la base de datos del robot R2-D2.
Star Wars : Episodio V – El imperio contraataca
Luke Skywalker junto a R2D2 acuden al planeta Dagobah para que el legendario maestro Yoda, le convierta en un verdadero maestro Jedi. Mientras, el astuto piloto Han Solo, la valiente princesa Leia y el simpático C3PO destruyen la Estrella de la Muerte.
Star Wars: Episodio VI – El retorno del Jedi
Luke Skywalker tenía un claro objetivo: acabar con el imperio y con su ya conocido padre Darth Vader. Lo tenía crudo, aunque sin Yoda no hubiera ido a ninguna parte. Se mantenía vivo porque tenía un objetivo claro, no como el resto de la humanidad. Mientras tanto, Leia está decidida a rescatar a Han Solo de las manos de Jabba the Hutt, y por si fuera poco, por fin se revela que es la gemela de Luke y que ambos son hijos del terrible Darth Vader.
Star Wars: El despertar de la Fuerza.
Han pasado más de treinta años desde la caída del Imperio Galáctico, derrotado por la Alianza Rebelde. Luke Skywalker (Mark Hamill) ha desaparecido, pero existe un mapa que revela dónde se encuentra el último guerrero Jedi con vida. Aquí, Carrie Fisher nos muestra lo mucho que ha cambiado la Princesa Leia, al reemplazar su título por generala y comandar la flota rebelde más fuerte de la galaxia, la cual desafortunadamente, debe luchar contra su hijo, Ben Solo, quien bajo la figura de Kylo Ren atormenta el futuro del universo.
Star Wars: Los últimos Jedi
Esta octava entrega de la saga espacial comienza inmediatamente después de los hechos ocurridos al final de Star Wars: El despertar de la fuerza (2015). En ella, se plantean muchas incógnitas para los protagonistas. ¿Se convertirá la joven chatarrera Rey (Daisy Ridley), procedente del planeta Jakku, en Jedi tras ver que es sensible a la Fuerza? Pero lo más importante es que Leia Organa logra hacerse una con la fuerza, mientras recuerda las palabras que le dijo su hermano: “Nadie se va realmente”.
¡Carrie Fisher vivirá por siempre nuestros corazones!
Guillermo del Toro, el famoso y aclamado director tapatío celebra hoy su cumpleaños
Nacido en Guadalajara un 9 de octubre de 1964, Guillermodel Toro ha sido un orgullo para todos los cineastas y cinéfilos mexicanos. No solo por sus películas extravagantes, bizarras y llenas de personajes jamás imaginados, sino por su sencillez y carisma con las personas sin importar posición o estatus.
Actualmente, lo recordamos más por haber ganado un Óscar con “La Forma del Agua” (2017), cinta con la que del Toro subió un escalón más en la Industria Cinematográfica y en la Academia.
La Forma del Agua / Guillermo del Toro (2017)
Su increíble Filmografía
Ha tenido películas estupendas y seguramente algunas de las favoritas de muchos son: “El Espinazo del Diablo” (2001), “El Laberinto del Fauno” (2006),más adelante quizá “Hellboy” (2004), o “La Cumbre Escarlata” (2015).
Cada una ha quedado en la memoria de los fanáticos y amantes del cine de terror al estilo de Guillermo del Toro.
Orgullosamente Mexicano
Más allá de su rol como cineasta y director, Guillermo del Toro también ha tenido gran repercusión social, pues todos recordamos ese meme con el cual se hizo tendencia en Twitter.
“Porque soy mexicano”, fue la respuesta que el director de Cine, Guillermo del Toro, dio a una pregunta realizada por una periodista en conferencia de prensa; dicho cuestionamiento era sobre ¿cómo hacía el balance entre su personalidad alegre y amorosa, con la habilidad que tiene para explorar el lado más oscuro de la naturaleza humana?
Guillermo del Toro responde: “Porque soy mexicano…”
Incluso, cuando develó su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood, durante la ceremonia el cineasta no soltó en ningún momento la bandera mexicana y aprovechó su discurso para mostrar su apoyo a los migrantes en estos tiempos tan difíciles, además, reconoció que en su momento también fue uno de ellos.
Asimismo, del Toro se ganó el corazón de todos los mexicanos por haber apoyado económicamente a un grupo de jóvenes que acabaron ganando ocho medallas en las olimpiadas matemáticas.
Otro aspecto por el cual, aplaudimos a Guillermo, es el apoyo que brinda a los jóvenes estudiantes de cine con sus becas Jenkins- Del Toro, la cual nace gracias a los recursos que aportan la Fundación Mary Street Jenkins, la organización del Patronato del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, A. C., la Universidad de Guadalajara y la Fundación Universidad de Guadalajara A. C., y la voluntad y el apoyo de Guillermo del Toro, con el propósito de fomentar el desarrollo del arte cinematográfico mexicano e impulsar a esta industria como un punto de desarrollo cultural, artístico, social y económico en nuestra nación.
Por otro lado, cómo olvidar cuando el director, se pronunció en contra del mandatario estadounidense Donald Trump; pues al ser cuestionado sobre su posible visión cinematográfica del presidente norteamericano, Del Toro fue enfático al decir:
“Me interesan otra clase de monstruos”
No es la primera vez que el cineasta habla en contra de Donald Trump, ya que en septiembre de 2017 mientras promocionaba su película “La Forma del Agua”,recordó la situación que enfrentan sus compatriotas en Estados Unidos y calificó al magnate y político como “un tumor que comenzó hace un año y medio, pero que es parte de un cáncer latente”.
Si bien, Guillermo del Toro ha sabido ganarse a sus seguidores hasta en las alfombras rojas, pues muchos han logrado la famosa selfie con el Director y han dado comentarios de boca en boca de que el tapatío es de lo más sencillo y de lo más divertido.
¡Admirable de un cineasta con tanta fama!
Es por eso que en Fuera de Foco quisimos recordar estos otros motivos por los cuales Guillermo tiene que ser muy consentido en este día de su cumpleaños.
¡Cinéfilas, y Cinéfilos! Dejen aquí abajo sus comentarios y Cuéntenos: ¿Han logrado la selfie con Guillermo del Toro?¿Cuál de sus películas es tu favorita?
A diez años de Easy A, la cinta continúa siendo de las favoritas por la forma en que profundiza en un movimiento donde no existe una forma correcta o incorrecta de expresar la sexualidad.
La película protagonizada por la aclamada Emma Stone brinda interesantes lecciones sobre la sexualidad, la forma en que las visualiza el mundo, algunos grupos sociales y cómo es que debería respetarse desde diferentes formas de vivir.
A ver cinéfilos y cinéfilas, hay que recordar un poco la trama de esta película que está inspirada por otra cinta algo olvidada y de años atrás, pero que no por eso deja de ser muy buena y se llama “La letra escarlata”.
Pero vamos por partes, ¿cuál es la trama que presenta Easy A?
Olive Pendergrass (Emma Stone) es una chica que a pesar de ser inteligente e ingeniosa, permanece invisible frente a sus compañeros de clase. Cuando Marianne (Amanda Bynes), la intolerante líder del grupo cristiano de la escuela, escucha a Olive confesando, falsamente, que perdió su virginidad con un chico universitario, ella se encarga de esparcir el rumor en el tiempo que se necesita para enviar un mensaje de texto.
En lugar de refutar los rumores, Olive decide hacer todo más grande, vistiéndose provocativamente y usando una “A” en su ropa, haciendo referencia al clásico literario “La Letra Escarlata”. Sus intenciones son buenas cuando le permite a algunos de los chicos marginados de su clase a comenzar rumores de haber estado con ella, pero todo se sale de control y su reputación la convierte en una chica fácil.
Porque esta novela de 1850 adaptada a la cinta del año 1995 y protagonizada por Demi Moore y Gary Oldman narra la historia de Hester Prynne, una mujer acusada de adulterio y condenada a llevar en el pecho la letra «A», de adúltera. Hester rechaza revelar la identidad del padre de su hija y trata de vivir con dignidad en una sociedad injusta e hipócrita. En la novela Hawthorne trata los temas del legalismo, el pecado y la culpa.
Si bien, la película de Easy A, engloba dos aspectos ideológicos y sociales que son interesantes para discutir en el cine.
Ser puritano o ser “sex positive”; por este último concepto se entiende cuando las personas tienen una visión de la sexualidad en donde las únicas preocupaciones relevantes, cuando se trata de un acto, práctica o experiencia sexual, son el consentimiento, el placer y el bienestar de las personas involucradas.
El positivismo sexual (movimiento sex positive) no coloca ningún valor moral a las diferentes sexualidades o actos sexuales.
Si bien y es importante aclarar, tampoco significa que tener relaciones sexuales con todo el mundo, es más bien una visión natural de las relaciones sexuales humanas y sus efectos sobre el bienestar general. El sex positive asume que no existe una forma correcta o incorrecta de expresar la sexualidad.
Easy A, dentro de la historia tiene un grupo cristiano como protagonistas, quienes no ven con buenos ojos la pérdida de la virginidad solamente así como así y con cualquiera. El matrimonio es de suma importancia para este grupo social.
El debate…
La presencia de este grupo es lo que vuelve interesante a la cinta, pues a través de la narrativa cinematográfica muestra estos dos polos. Son dos ideologías distintas, respetables cada una y que donde radica la falla es cuando una postura quiere forzar, obligar o exigir a la otra que se convierta a su manera.
Esto sería pedir que los sex positive se convirtieran en ser recatados, monógamos o no tan abiertos. Y, por otro lado, que los cristianos sean liberados para que gozaran plenamente de una sexualidad libre y placentera.
Easy A, brinda esta tercera idea sobre si está mal realmente disfrutar mi sexualidad. E incluso plantea preguntas muy importantes para los jóvenes que apenas están descubriendo su sexualidad, como:¿puedo perder la virginidad con quien sea?
La verdad es que la película al final, aterriza en un punto clave con una sola frase:
Olive: -“Me gusta Todd, quiero poder hacer de todo con él. No sé si perderé o no la virginidad con él, pero pase lo que pase, a nadie le incumbe”.
La trama de la película narra cómo las mujeres pueden sufrir bullying por un tema que tiene que ver con su cuerpo, formas de pensamiento y sentir.
Mientras tanto, la película hace referencia de algunas analogías de “La Letra Escarlata”, en la que una pasión desenfrenada era mal vista en el siglo XVII, haciendo de este romance, algo prohibido y hasta un pecado.
Pero bueno, se habla de una época distinta donde predominaban ciertos “usos y costumbres”. Hoy por hoy, las cosas han cambiado.
Easy A, más que una teen movie y dándole la oportunidad de verla nuevamente tiene estos puntos de los cuales se puede entender que el cine es y ha sido, una de las herramientas de comunicación de ideas muy poderosa y que todo cuanto ocurre puede ser plasmado en la pantalla grande.
¡Cuéntanos qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Les gusta Easy A?
Parasite ha llegado a Netflix en este mes. La cinta que ganó el Oscar donde la trama causó revuelo en el mundo.
Así es, la cinta dirigida por el Director surcoreano Bong Joon-Ho, de quien cabe mencionar que ha sido un estudioso de sociología en la Universidad de Yonseiy, ya nos ha presentado grandes historias sobre desigualdad con Okja, Snowpiercer.
El nombre de Joon-Ho ya existía en el cine, pero no fue hasta que Parasite (Parásitos) dejó perplejos a los espectadores haciendo de la cinta, algo muy comentado, aclamado, aplaudido y la única ganadora como mejor película en los Premios Óscar en su edición número 92.
Parásitos es una cinta poco común por su contenido, por lo que transmite y deja ver. Sin duda, podría decirse que es una película de culto que tiene que formar parte de los aparadores de DVD´s de cualquier cinéfilo.
Es una lección de la desigualdad, un retrato de los más bajos niveles de pobreza, de realidad social que existe y que rara vez es llevada al cine sin filtros como lo hizo Joon-Ho.
¿De qué va?
Parasite trata la historia de una familia de bajos recursos que vive en un sub sótano, los cuales viven de trabajos insignificantes o pequeños y rodeados circunstancias sociales y económicas que no les permite salir adelante.
Desde que comienza, la película logra atraparte no solo en la situación que viven, sino que importa mucho el comportamiento de sus protagonistas, de sus intenciones y de estos recorridos que hacemos con ellos conforme avanza la cinta. En un punto, el espectador logra ser un cómplice de las decisiones, movimientos y planes; todo para conseguir una mejor situación de vida que una vez que avanza la película, se cuestionan aspectos morales de la familia.
Y al hablar del aspecto moral es reflexionar acerca de ¿hasta dónde están justificados nuestros actos por conseguir algo mejor para nuestra vida, o por “crecer” en algún ámbito?
Incluso hasta en el ámbito de qué significado le doy a mi existencia, si es basada por lo que tengo y entonces tengo valía personal. Un mucho de todo eso cinéfilos y cinéfilas se puede observar en Parasite.
¿Hay más en la cinta?
Por supuesto. Una variedad de metáforas reflejada por los ambientes, tomas, encuadres .
BongJoon-Ho trabajó en la estética de la película, en cuidar cada espacio para grabar, así fueran las calles sucias o preciosas y lujosas residencias. Puede que las palabras del pasado párrafo puedan ser muy vagas, pero cobran sentido una vez que se mira la película.
La puesta en escena goza de una fotografía estupenda, muy buena, que al analizar o ver el filme más de dos veces, logras identificar estos planos donde el Director quiso mostrar desigualdad de clases sociales.
Los planos son importantes para comprender el mensaje que el Director quería dejar en los espectadores.
Es una película que sorprende tanto a críticos como a cinéfilos. Múltiples sabores, reacciones muy diversas ante Parásitos la convirtieron en una película muy aclamada.
Es un trabajo muy diferente al que quizá, ya se venía viendo de Bong Joon–Ho, pero se nota mucho una madurez cinematográfica que está presente desde su narrativa hasta la puesta en serie.
A reflexionar:
¿Descubriste quiénes son los parásitos? Quizá es una familia nada más… o ambas. Podrían ser ambas.
La interpretación del final de la película queda abierta, mas no se puede decir que fue justo o injusto, de ahí la valoración y juicio que la moral de cada persona determine.
BongJoon-Ho, nos contrapone con este retrato social para meditar sobre quiénes son los verdaderos parásitos.
¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿A ustedes les gusta Parasite?
ChadwickBoseman falleció debido a un fuerte cáncer de colon, una lucha que nuestro Avenger no pudo vencer.
Black Panther y la filosofía de la muerte
El actor, quien daba vida a Black Panther en la pantalla grande, murió el viernes a los 43 años. No obstante, para el gremio del cine continúa vivo en el recuerdo, legado y en lo compartido con amigos y compañeros.
Por ende, en Fuera de Foco queremos recordarle con las películas favoritas disfrutamos de su versatilidad en su carrera como actor y algunas metáforas sobre la muerte.
Todos le conocemos por su papel en Black Panther, cinta con la que disfrutamos de mundos nuevos, maravillas naturales y de una fuerza interna y coraje de luchar por algo mejor. Seguro recuerdan Wakanda Forevere incluso ahí comprendimos que la muerte no es la desaparición total de nuestra existencia, es pasar a otro plano, con otra forma y para otros motivos.
La cita en la película dice de la siguiente manera:
“La muerte en mi cultura no es el fin. Es más bien un punto de impulso. Estiras ambas manos y Bast y Sekhmet te guían hacia el campo verde donde podrás correr para siempre”.
Esta cinta nos mostró que la eternidad sí existe, que nos espera y que de alguna manera, todas las ideas con las que se crea una historia o se hace cine, no son tan alejadas de nuestras ideologías o pensamientos.
BLACK PANTHER POR SIEMPRE…
Los inicios de Chadwick Aaron Boseman arrancaron en formato televisivo debutando en el año del 2003 haciendo una breve aparición en la serie Third Watch, y ese mismo año se convirtió en un actor recurrente en la soap operaAll My Children. Desafortunadamente, fue despedido al poco tiempo por haberse quejado con los productores acerca de los estereotipos raciales que manejaban varios personajes, incluyendo el suyo.
Chadwick comenzó a interpretar al personaje de T’Challa en Black Pantheren el Universo cinematográfico de Marvel. Su primera aparición fue en Captain America: Civil War(2016).
T´Challa (Chadwick Boseman)
Posteriormente, repitió su papel en la primera película del superhéroe, Black Panther (2018), que recibió grandes elogios por parte de la crítica y que convirtieron esta cinta en la segunda más taquillera del 2018, únicamente superada por Avengers: Infinity War(2018), en la cual también apareció interpretando a T’Challa. Su actuación en Black Panther lo hicieron acreedor de dos premios en los MTV Movie & TV Awardsen las categorías de mejor héroe y mejor actuación en una película.
Boseman, interpretó aT’Challapor última vez en Avengers: Endgame (2019),que se convirtió en su película más aclamada, así como en la película más taquillera de toda la historia con una recaudación de $2.7 mil millones.
Desde el viernes, las redes sociales, Pinterest, Instagram, Facebook; han dedicado imágenes muy creativas y conmovedoras de la partida de Boseman.
Incluso hay donde se encuentran los Avengers reunidos, viéndolo subir al cielo.
Para quienes no conocíamos a fondo la vida de este actor, fue criado como cristiano y fue bautizado. Incluso, Boseman había declarado que oró para ser la Pantera Negra antes de ser elegido como el personaje del Universo Cinematográfico de Marvel.
Hechos lamentables como estos, paran de pronto al mundo entero, orientan hacia una reflexión de cuán breve es la vida, de que se va como un suspiro, pero también permite ver, admirar, agradecer el legado y obra de las personas, de valorar lo compartido con ellos y de conocer que antes de ser un actor, Chadwick era una persona con alegrías, familia, sueños, ideales, dolores, enfermedades y luchas como muchos de nosotros.
Larga vida a Pantera Negra, vida eterna para Chadwick Boseman.
Virgen a los 40, es la comedia que a diferencia de muchas actuales, deja una moraleja en su contenido.
Virgen a los 40 fue una película de comedia donde el protagonista, Andy (Steve Carell), dio vida a un hombre de 40 años que no había perdido la virginidad.
Estrenada en 2005, la película recaudó 177 millones de dólares. Sin embargo, tras 15 años y que quizá la mayoría hemos visto la cinta ¿qué podemos encontrar en este largometraje?
Dirigida por Judd Apatow, se nos muestra un elenco versátil donde su característica principal fue la elocuencia, pues la mayoría de sus diálogos fueron improvisados.
No obstante, el personaje de Andy nos deja entrever algunos puntos que hoy en día sería bueno refrescar. Steve Carell le dio una personalidad inocente, tierno, testarudo e inseguro pero que respeta su esencia completamente.
¡Aquí en Fuera de Foco, recordamos la temática central de esta cinta!
¿Por qué recordar Virgen a los 40?
No solamente porque ha sido una película muy popular en el cine americano de comedia, o porque ya cumple 15 años de haberse estrenado y aún continúa entre las favorita de muchos. Virgen a los 40 es también una cinta de la que se pueden sacar muchas morales importantes.
Ya se mencionó que Andy permite al espectador identificarse con él, al ser un hombre inocente, con mala suerte, inocente y medio torpe. Pero, en realidad, lo más destacable es que mientras más busca perder la virginidad, simplemente no lo logra. Sin importar los cientos de intentos fallidos, citas malas y hasta los consejos de sus experimentados compañeros de trabajo. El sexo simplemente no aparece en su vida.
Por el contrario, cuando Andy deja de buscarlo, no solamente por sus miedos internos, inseguridad física o de ser un campeón del sexo, sino cuando acepta su realidad y está cómodo con ella, es cuando encuentra a Trish (Catherine Keener). Quien le enseña que el amor verdadero y la atracción más allá de lo físico existe y es real.
Virgen a los 40 y la importancia de la Educación Sexual
Otro de los puntos que se abordan es la importancia de tener educación sexual, principalmente porque el sexo ya no debería ser un tema tabú o algo de qué avergonzarse. En una parte de la película, la hija de Trish es acompañada por Andy a una clínica donde una especialista habla sobre sexo.
Claro, la escena es incómoda pero muy graciosa, muy al estilo de la comedia de la época. Aun así, deja claro la importancia de poder hablar del tema, investigar y conocer. No tanto a través de la pornografía, como le proponía David (Paul Rudd) o experimentar con prostitutas, como los consejos de Jay (Romany Malco), sino con una educación formal, seria y respetuosa.
ROMANY MALCO es Jay “Virgen a los 40.”
Más hombres y mujeres como Andy Stitzer
Andy era simplemente él: tenía una vida algo monótona, no le gusta cambiar su rutina, pero era él mismo. Sabía que le faltaba algo, que en el momento indicado llegó. Tal vez, si en la película cortaran las escenas donde los amigos le ayudan con algunos consejos disparatados, hubiese sido una película 100% romántica y no comedia. Pero, a decir verdad, gracias al género en el que se encuentra, nos dio icónicas escenas que han pasado a la historia del cine, como la clásica escena de la cera en su cuerpo velloso para depilarlo.
Virgen a los 40 y la importancia de Ser Uno Mismo
Coleccionaba juguetes y figuras por hobbie, pero hubo quien lo amara de esa manera. Por ende, en este mundo tan de cabeza como dicen las frases cliché, hacen más falta personas coherentes y honestas consigo mismas que no necesiten aparentar lo que no son. Es más valioso, particularmente lo veo así, conocer todo lo que es una persona sin prisas, a su debido tiempo y cuando llegue el momento, se dará de forma natural lo esperado.
¿Todo eso en Virgen a los 40?
Así es cinéfilos. Tras 15 años de su estreno, si ves la película con más claridad, encontrarás algunos de estos puntos que hoy comparto para ti. Quizá esté olvidando algunos, ¿me ayudas a recordarlos?.
En Street Food, se conocen increíbles historias de lucha, de solidaridad y de talento a través de la cocina callejera o urbana, vestida con imágenes panorámicas y fotografía impecable. Una serie documental digna de saborearse.
Cinéfilos y cinéfilas, más allá del contenido comercial cinematográfico en la barra de opciones en Netflix, existen diversos documentales o series documentales que valdría la pena echaras un vistazo. Te propongo Street Food.
Es una serie documental sociocultural basada en la comida callejera de diversos países. Hasta el momento, Netflix presenta dos opciones de disfrutarlo; puede ser Street Food: Asia o bien, Street Food: Latinoamérica.
Me gustaría recomendar este tipo de serie documental porque por el concepto que aborda dá para mucho y muestra lugares que pueden estar en las esquinas del mundo.
No solamente para aquél que guste de comer o para el viajero, sino para cualquier espectador que desee llenarse la pupila un rato de culturas diferentes, de tradiciones, sabores; sino también para descubrir cómo el cine y la comida pueden perfecto ir de la mano.
¿Por qué vale la pena una serie de comida?
No es un documental común o simple sobre la comida, la línea narrativa toma un concepto entre muchos: comida callejera; y se enfoca buscando a personajes que tienen una historia de vida asombrosa y que deja entre ver, las ganas de salir adelante a través de un negocio que siempre será negocio: la comida.
Esta serie documental, nos muestra en cada capítulo que no se necesita la fama ni un platillo abundante en colores o texturas para que pueda antojarse.
Sino que, narra la historia social, económica e incluso política de un país en concreto a través de sus vendedores ambulantes de comida.
Acompañada de una narración en cuadro y luego en voz en off de chefs expertos y de cronistas históricos de cada país, cada capítulo se vuelve sumamente bueno e interesante.
Puede ser que Street Food te lleve desde Argentina, Brasil, hasta Oaxaca, Perú; y aún más, hasta India, Osaka en Japón, Tailandia y muchos lugares más donde nuestros ojos quizá, poco alcanzarían a ver de lo que simboliza su comida para las personas que narran su historia y los habitantes de cada sitio.
¿Por cuál empezar?
Como bien dicen los participantes (chefs y cocineros urbanos) que tienen aparición en esta serie: “La comida entra por los ojos, después a tu estómago y luego al corazón”; lo mismo sucede con esta serie documental, pero creo que dependerá del gusto y el efecto que los países en cada una de las series documentales aborde.
Particularmente creo que ambos son buenos, realmente. En Street Food Asia pueden apreciarse países y ciudades grandes con muchísima población como India o Japón, y lo interesante es cómo abordan desde algo muy general a algo muy particular relacionándolo con la comida.
No te dan una receta ni los pasos de cómo hacerla, te dan una cucharada de su vida, cultura, tradición y de su ideología.
Puedes comenzar con Street Food Latinoamérica ya que podrías sentirte más conectado por la lengua española y por algunos coloridos paisajes; pero si eres un amante de viajar, ambas opciones te resultarán interesantes, entretenidas y con ese plus o con esa tercera idea que queremos exprimir de alguna película o documental.
Posiblemente, no sea de lo más nuevo que puedes encontrar en el catálogo de Netflix, pero sí garantizo que será enriquecedor y toda una experiencia para todos quienes nos gusta el cine como narrador de historias cercanas, humanas y dejando un poco de lado la ficción que otros géneros nos brindan.
En Street Food, las historias más reales se cuentan a través de las manos y sazón que preparan lo que en el platillo resguarda la anécdota.
¡Déjenme sus comentarios para ver qué les pareció esta serie documental!
