The Palace, la nueva película de Roman Polanski, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, pero podría ser una de las peores películas en la carrera del cineasta.
Su presencia causó gran controversia por la impunidad que rodea su caso de abuso sexual, pero el presidente del festival y otras figuran lo defendieron.
Parte de la crítica especializada que ya vio la película la cataloga como “uno de los más grandes fracasos del año”.
La reciente película de Roman Polanski, The Palace, se desarrolla en el lujoso hotel Gstaad Palace de Suiza durante la víspera de año Nuevo de 1999.
La cena da un giro inesperado que pondrá en aprietos a todos los/as clientes. El proyecto es protagonizado por Mickey Rourke, Fanny Ardant y John Cleese y se inspiró en las estancias del propio Polanski en el mismo hotel.
Aunque durante mucho tiempo Roman Polanski fue considerado como uno de los mejores directores de la industria por sus éxitos como The Pianist y Rosemary’s Baby, en 1977 fue acusado por violar a un a menor de edad en Estados Unidos, lo que provocó que el cineasta se refugiara en Europa para no enfrentar los cargos.
Sin embargo, él ha continuado con una prolífica carrera cinematográfica y sus entregas suelen ser bien recibidas. Pero The Palace fue una fatídica excepción, pues ya la catalogan como la peor película en la carrera del director.
Los proyectos de Roman Polanski comienzan a pasar desapercibidos
De acuerdo con Variety, la película de Roman Polanski recibió un aplauso de tan solo tres minutos, algo inusual en los festivales de cine que suelen reportar ovaciones de mucho más tiempo.
Además, se dice que el productor de la película, Luca Barbareschi; la estrella francesa, Fanny Ardant; y otros miembros del reparto incluido el actor alemán Oliver Masucci, fueron los que tuvieron que ponerse de pie para comenzar los aplausos para provocar que el público los siguiera.
Desde que se anunció que Roman Polanski formaría parte oficial del festival de Venecia, provocó que el evento fuera criticado, ya que no es la primera vez que un director con acusaciones de abuso sexual se presenta para estrenar películas y hasta recibe reconocimientos y galardones..
Tan solo este año, también se sumó al festival Woody Allen, quien fue acusado de abuso sexual y grooming a su hija adoptiva; así como Luc Besson, señalado de abuso por parte de varias victimas.
Sin embargo, el director artístico del Festival de Cine de Venecia, Alberto Barbera, defendió la participación de estos directores en una entrevista con Variety. “Han pasado 60 años. Polanski ha admitido su responsabilidad. Ha pedido perdón. Ha sido perdonado por la víctima”, agregó. “La víctima ha pedido que se ponga fin al asunto. Creo que seguir golpeando a Polanski significa buscar un chivo expiatorio para otras situaciones que merecerían más atención”.
Asimismo, durante la conferencia de prensa sobre The Palace, el productor de la película, Luca Barbareschi expresó su apoyo Roman Polanski gritando “¡Viva Polanski!”. Además, incentivó a que las plataformas de streaming compraran la nueva película del director para distribuirla. “No entiendo por qué todas las plataformas: Paramount+, Amazon, Netflix, tienen [películas más antiguas] de Polanski que les están generando millones”, dijo. “¿Por qué no producen la nueva película de Polanski?”.
Imagen: John Phillips | Getty Images
The Palace genera críticas negativas
A pesar de toda la controversia, el Festival de cine de Venecia apoyó estrenar la película Roman Polanski, la crítica especializada no ha parado de publicar reseñas negativas de la cinta. Por poner un ejemplo, el periodista y crítico de cine deVariety, Owen Gleiberman, escribió que The Palace es un “debacle de una comedia” y que mientras estuvo sentado en Sala Darsena, con capacidad para 1.400 personas, para ver la película, la mayoría de los/as espectadores/as jamás emitieron una risa.
“No estoy seguro de haber escuchado alguna vez una sala de cine gigante tan silenciosa para ver una película que trabaja tan arduamente para divertirte”.
Owen Gleiberman
Por su parte el crítico de Deadline, M. Abramówska, escribió que Roman Polanski ahora era el “hazmerreír” del festival por lo mala que es The Palace. “Hay insinuaciones obscenas, un chiste de mala calidad sobre el Alzheimer y alguna sátira burda que cae en picado a profundidades descaradas”.
“Es increíble, pero, a la edad de 90 años, es posible que Polanski se haya cancelado a sí mismo con una película que probablemente nunca verá la luz en ningún país de habla inglesa”, añadió.
The Palace también reporta en el sitio deRotten Tomatoes un cero por ciento de aprobación por parte de la crítica que ya tuvo la oportunidad de verla, convirtiéndose en en uno de los fracasos cinematográficos más atroces del año “posiblemente incluso de la década”, agregó el crítico del Times, Kevin Maher.
“Tortugas Ninja entrega una animación excelente y una aventura sencilla para introducir al icónico grupo de héroes a una nueva generación. Aunque tiene toda la intención de convertirse en una exitosa saga”.
Las Tortugas Ninja han tocado la vida de muchas personas desde la década de los 80. Aunque los cómics creador por Kevin Eastman y Peter Laird son muy oscuros y presentan intensos dramas, las series y películas se las han arreglado para balancear el humor con sus grandes aventuras.
En 2023, y siguiendo los pasos en animación que marcó Spider-Verse, Las Tortugas Ninja regresan en una nueva presentación con Caos Mutante, una historia en donde se hace más énfasis en la idea de que son adolescentes, pero que hace curiosos cambios a personajes muy conocidos para hacerla resonar con los temas más importantes de la época.
Pero, ¿será suficiente para dar inicio a una franquicia?
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Las Tortugas Ninja: ¿Cómo jamás las habíamos visto?
De cierta manera, Las Tortugas Ninja siempre han sido visualmente incómodas. Ya sea en la serie de los 90, donde personajes como Bebop y Rocksteady alburean cada que aparecen en pantalla, o a través de las cintas de Michael Bay, en donde el equipo se siente más como monstruos en intensas misiones, siempre se han caracterizado por ser raras.
Por eso el nuevo estilo de animación que presenta Caos Mutante es ideal para presentar a un nuevo equipo de Tortugas Ninja, y eso hace que, a pesar de que es la séptima vez que las vemos en pantalla, su historia de origen se siente realmente diferente.
De manera visual, el equipo liderado por Seth Rogen como productor y dirigido por Jeff Rowe, una de las mentes detrás de Los Mitchelss vs las Máquinas, no tiene miedo en mostrar a las Tortugas Ninja como adolescentes: Donatello, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo tienen gustos que van desde Akira hasta Attack on Titan, y sus personalidades se sientan frescas, aunque se mantienen fieles a sus orígenes comiqueros.
Pero es la velocidad y dinamismo de las escenas de acción lo que de verdad llama la atención. Los diseños de personajes son increíbles, y el hecho de que exploren más la idea de que Splinter es más un padre para las Tortugas Ninja que un mentor, le da otra dimensión a la historia, pues ahora de verdad buscan ser aceptados por la sociedad y poder actuar como adolescentes normales.
Así, nos presentan su historia de origen. El científico Baxter Stockman crea un líquido que transforma cualquier criatura en un mutante, y cuando la policía catea su laboratorio, el líquido se pierde y cae, varios animales sufren las consecuencias.
El diseño del villano Superfly y el grupo de enemigos es otra de las grandes fuerzas que tiene esta película. Las Tortugas Ninja: Caos Mutante tienen una animación con mucho estilo. Y también hay una serie de sorpresas y cambios que los/as fans acérrimos/as entenderán, pero que en un contexto más nuevo sirven para resignificar a algunos personajes por completo.
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Visuales muy atrevidos, con una historia ligera
La decisión de convertir a April O’ Neil en una adolescente poco popular que además tiene un miedo enorme a estar en público, complementa muy bien el viaje de las nuevas Tortugas Ninja, ellos quieren pertenecer y ser héroes, y para eso, la ayuda de O’Neil será clave.
Quizás el único “pero” que puede tener Caos Mutante es que realmente es una historia muy sencilla. Debajo del gran trabajo de animación y algunas decisiones interesantes para actualizar a los personajes, a veces parece que está sucediendo mucho, pero en realidad no.
La sobreprotección de Splinter resuena muy bien con la obsesión con la venganza que tiene Superfly. Ambos, al final del día, quieren proteger a su familia de un mundo que es cruel con quien es diferente, pero la historia prioriza la acción y la batalla antes de adentrarse más en el drama de los personajes, por lo que la evolución de la historia se siente sencilla, como que pudo haber dado más.
Esto se siente en particular dentro del grupo de las Tortugas Ninja. Leonardo, como el reconocido líder, es el que tiene más peso en la historia, quien aprende a ser más responsable y quien tiene que lidiar con el crush que siente por April, pero fuera de ahí, el resto del equipo tiene sólo un par de momentos para brillar, y quedan relegados a ser simplemente “el fuerte”, “el listo” o “el nerd”.
Y aunque la historia puede ser sencilla, la animación y el gran flow que tiene el mundo, será suficiente para interesarnos por una nueva historia, que seguramente se aventurará más y hará crecer todavía más el potencial que tienen estas Tortugas para convertirse en el referente de una nueva generación.
Cuando Becka Salas del equipo de Fuera de Foco me invitó a escribir esta reseña sobre Guardianes de la Galaxia Vol. 3, lo primero que me vino a la mente fue: “diablos, nunca he escrito una” y el síndrome del impostor se adueño de mi. Ahí fue cuando me dio ese primer chispazo de inspiración para hablar de esta película.
“Fake it till you make it” que se refiere a la acción de que, aunque no tengas la menor idea de cómo hacer algo, solo sigue la corriente y tal vez, en un golpe de suerte, logres cumplir tu objetivo.
Escrito por: @HectorTrejo
Precisamente esa es la primera impresión que tengo del final de la trilogía de los Guardianes de la Galaxia. El equipo formado por un meta-humano abducido por alienígenas, las hijas adoptivas de un tirano espacial, un ser musculoso incapaz de hablar en metáfora, una alienígena cuyo superpoder es la empatía, un árbol que solo puede decir tres palabras y un mapache huyendo de su pasado, han fingido desde 2014 su valía, coraje, capacidad de trabajar en equipo y hasta su propia fuerza para convertirse en el equipo mejor logrado de todo el MCU.
Vaya que no fue un trabajo sencillo para James Gunn, el director y artífice de estas historias y personajes. Lo primero fue lograr que un estudio tan grande como Disney/ Marvel apostara por unos héroes que, aunque en el mundo de los cómics eran conocidos, en el universo liderado por Kevin Feige eran unos completos “don nadie”.
Y luego, a partir del concepto del “don nadie”, construyó guiones que exploran la antítesis de toda película de Disney: las mamás ausentes, las figuras paternas y cómo moldean nuestro carácter hasta convertirnos en la persona que somos hoy. Para bien y para mal.
Todo mientras el experimento del Universo Cinematográfico de Marvel se desarrollaba, con sus bajas y sus altas. Debo decir que esta si es la bocanada de aire fresco que la quinta fase necesitaba, y aquí les cuento por qué no se pueden perder el final del camino para el equipo de Guardianes de la Galaxia.
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El Largo Camino para llegar al final de los Guardianes de la Galaxia
Les voy adelantando que aquí no hay referencias que apelan a la nostalgia de la saga del infinito, ni conexiones a futuros proyectos como estrategia de marketing. Guardianes de la Galaxia Vol. 3 prioriza su propio cierre como trilogía, y ese es uno de sus mayores aciertos.
Lo que James Gunn logra en esta tercera entrega de los Guardianes de la Galaxia es algo que el MCU jamás había hecho: deja un testamento en vida sobre las vivencias de un director. Todo el equipo volcó su corazón en la saga, incluso en los momentos más oscuros, como el despido de Gunn por ahí del 2018, controversia que más tarde lo haría aterrizar en la batuta de la nueva orquesta para el universo compartido de DC Comics.
Historias detrás de cámaras, contadas por el mismo Gunn, relatan cómo las primeras personas que estuvieron a su lado en ese día oscuro de su carrera fueron los actores que dan vida a sus Guardianes de la Galaxia. Mismos actores que, en un hecho histórico, públicamente lo defendieron, orillando al estudio a eventualmente traerlo de regreso para continuar la trilogía. A nivel narrativo y un poco meta, los guardianes se han mostrado unidos dentro y fuera de las cámaras.
Gracias al bello especial navideño que fue un gran acierto en la plataforma de streaming de Disney+, sabemos ahora que Los Guardianes viven en Knowhere, colonia donde sentaron sus bases y en donde radican miembros secundarios del equipo, como la perrita espacial Cosmo, interpretada estupendamente por la actriz Maria Bakalova; y Kraglin (Sean Gunn), cuyo arco de igual manera se desarrolla detrás de la trama principal, pero que no le falta emotividad.
También sabemos que Mantis es media hermana de Peter Quill (Chris Pratt), lo cual no tiene gran relevancia en esta historia, pero le permite a Gunn explorar más acerca de un personaje que se había desarrollado en películas alternas como Avengers: Infinity War.
Hablando de esta última película, el antecedente de la muerte de Gamora y su complicada “reencarnación” en Avengers: Endgame, por fin se profundiza con un Peter Quill devastado, muy humano, que le permite al controversial Chris- it’s a me!- Pratt, desenvolverse cómodamente, y me atrevo a decir que es lo más cómodo que se le ha visto en el papel.
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Los Guardianes de la Galaxia se ponen serios
Este detalle y el pasado tormentoso de Rocket (Bradley Cooper), cuyos primeros minutos les sacarán varias lágrimas, jugará un papel muy importante en el primer acto de este nuevo viaje para los Guardianes de la Galaxia. La primera secuencia nos deja claro algo: más allá de una película de los Guardianes de la Galaxia, es la película de Rocket. Y al ritmo de Creep de Radiohead, logran poner a la audiencia en un ambiente de saudade o añoranza, pues nos damos cuenta que los roles de este equipo han cambiado.
Groot (Vin Diesel) ya no es un niño. Embarneció como diría tu tía. Drax y Mantis se han vuelto su propio equipo. Nebula (Karen Gillan), por lo menos en espíritu, es la líder de Knowhere. Y Peter Quill dejó en el suelo las pistolas de Star-Lord para ahogar sus penas en el bar de su nuevo hogar.
De entrada sabemos que la mayoría de estos personajes están en un duelo y un conflicto interno sobre quiénes deben ser después de la guerra, los caídos y la muerte. A partir de ahí, Gunn sabe que tiene que hacer algo para sacudirnos, ya que no pasan 10 minutos sin que nos presente a uno de los grandes antagónicos de esta historia: Adam Warlock, interpretado por Will Poulter.
Adam llega a demostrar que no descansará hasta obtener la cabeza de Rocket. Con él, la tercera entrega de Los Guardianes de la Galaxia nos muestra que el villano no viene a jugar, y uno o más de nuestros héroes puede perder la vida.
Gracias a esto, Poulter brilla con todo su talento, pues logra darle un giro cómico a un personaje que nació para recibir una orden, que no entiende, pero que está dispuesto a llevar a las últimas consecuencias con tal de ganarse el afecto de su mamá, la líder Ayesha (Elizabeth Debicki) y es un personaje bastante diferente al que estamos acostumbrados a ver en los cómics que produce la casa de las ideas.
Siendo muy concreto con las actuaciones, Dave Bautista nos da una interpretación de Drax tan auténtica como sólo él sabe hacerla y se permite jugar teniendo más confianza, ya no está encasillado en el personaje y se nota. Pom Klementieff hace una buena mancuerna con Bautista y nos brinda un dúo cómico que hasta parece injusto que esta sea la última vez que los veremos en pantalla.
Y bueno, Zoe Saldaña nos demuestra sus tablas al traer a una nueva Gamora a la mesa, con el mismo corazón pero alterna, confrontativa y fuerte. Gamora volvió en forma de tazo y mujer empoderada.
A este ensamble se suma Chukwudi Iwuji, quien interpreta al Alto Evolucionario de una forma tan violenta que, en mi opinión, deja a Jonathan Mayors bastante chico como Kang el conquistador. Odio las comparaciones, pero en esta película de Guardianes de la Galaxia, Gunn logra presentar un villano temible, complejo, errático y con una capacidad destructiva que lo único que puedo hacer es invitar a los/as cinéfilos/as de este portal a verlo en escena.
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¿La historia más épica de todo el MCU?
No quisiera revelar más detalles de la trama, pero lo que sí puedo decir es que cada personaje cierra un arco bastante específico. Y viéndolo en retrospectiva con las dos entregas anteriores, se nota que Gunn también cierra un viaje personal como escritor y director, haciéndole ver a la audiencia que, como diría mi mamá, “padre no es el que engendra, padre es el que cría… aun en el espacio.”
La idea de paternidad en Guardianes de la Galaxia Vol. 3 le permite a Gunn entender a sus personajes en un genuino ejercicio de empatía junto con la audiencia. Explora el pasado y origen de Rocket, la razón real de su tormento emocional. Aunque es la primera vez que lo hace y esos momentos pueden parecer ajenos, jamás se sienten pesados en la trama, se utilizan de manera fluida como puentes narrativos. Y si les pudiera recomendar algo, es que lleven sus propios pañuelos, si para ustedes no, para quien se siente en la butaca de al lado.
Guardianes de la Galaxia Vol. 3 es un regalo que Gunn nos da y lo envuelve redefiniendo lo que significa ser familia. Más allá de una norma institucional, la presenta como un sentimiento, un espíritu, y nos hace entender que la familia puede crecer cuantas veces sea necesario, que puede y va a cambiar inesperadamente. Que siempre podemos regresar a ese lugar amado y que por más distantes que estemos de ella, la familia siempre se lleva en el corazón.
Y ahí lo tienen. Así como los Guardianes de la Galaxia, yo estoy sintiendo la valía para terminar esta reseña y hablarles con el corazón en la mano sobre una película que, al día de hoy, ya se posiciona dentro de mi top 3 de todo el MCU y definitivamente mi saga favorita de cualquier superhéroe.
Mis molestias más grandes son dos: ¿por qué James Gunn se va del MCU?¿Y por qué no tengo el Awesome Mixtape Vol. 3 en mis manos en este momento? Puede que les haga ruido que no escribí acerca de los efectos especiales o detalles técnicos. Pero, ¿saben qué? fue a propósito. No tienen nada de qué preocuparse.
Hace muchos años una película del MCU no nos permitía reclinarnos en nuestra butaca y simplemente dejarnos sorprender por un trabajo meticuloso a nivel visual y narrativo. En esta película todo está cuidado para que podamos disfrutar, llorar y reír en el final de una historia tan épica como la de los Guardianes de la Galaxia.
Los Guardianes de la Galaxia Vol. 3 se estrenan en las salas de cine en México el 3 de mayo de 2023.
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¿Ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Ya quieren ver el final de la trilogía de Guardianes de la Galaxia?
Terrifier 2 nos presenta a un monstruo que fácilmente puede pasar a la historia del cine como una de las más brutales y surreales amenazas que hemos visto
Hacer una película de terror es muy difícil. Aunque existen muchos tipos de películas diferentes, parecen que todas responden a ciertas características de un subgénero: slasher, posesiones demoniacas, monstruos, thrillers psicológicos o el llamado “horror elevado” que apuesta por metáforas intensas y relaciones turbias para generar tensión.
Podemos enumerar mil formas en las que las historias de terror se manifiestan en el cine, pero hay que admitir que la audiencia también está acostumbrada a ver ciertas fórmulas sobre cómo se desarrollan, y hay que admitir que muchas veces las cintas prefieren utilizar recursos comunes y repetir ciertas características para generar sustos genéricos.
Pero eso no pasa con Terrifier 2 y su horrible payaso Art. Lo que comenzó como un pequeño experimento en una película de antología llamada “All Hallow’s Eve” en 2013, se convirtió enuno de los monstruos más originalesque nos han entregado en los últimos años (si no es que de la década pasada).
Pero, ¿de verdad es tan brutal como dicen que es? ¿Es necesaria una bolsa de vómito? ¿Causa desmayos y ataques cardíacos? ¡Aquí les contamos todo lo que deben saber sobre Terrifier 2 antes de verla en cines!
Un Monstruo Muy Original
Los payasos son una gran fuente de horror y personajes como Pennywise, Twisty y los payasos de Killer Clowns from Outer Space son prueba de ello. Y Art (interpretado a la perfección por David Howard Thornton) nos entrega un personaje que nunca habíamos visto: un mimo simpático y brutal que se burla en la cara de sus víctimas.
La película es sumamente sangrienta y muy violenta. Definitivamente es una historia pensando en los amantes del terror que disfrutan de las historias raras y no es recomendable para las personas que son débiles del estómago o que se asustan fácilmente. Aquí vemos mutilaciones, desmembramientos, degollamientos y toda clase de intensas torturas.
Sin embargo, hay algo fascinante y atractivo en los movimientos corporales de Art. El hecho de que no emita ningún sonido, ni siquiera cuando lo lastiman, y la forma tranquila y simpática con la que realiza cada uno de sus crímenes, son componentes que incomodan mucho, pero que también resultan muy divertidos.
Por esa razón, tal vez es más recomendable verla en una sala de cine, en compañía de gente horrorizada que se siente mal por reírse, pero que tampoco puede evitarlo. Terrifier es una de esas películas que se disfruta más cuando la comentas al momento y puedes soltar un poco de la tensión sanguinolenta que presenta.
Y es que parte de la fascinación que puede causar Terrifier es que, realmente Art no tiene una agenda ni una motivación específica para hacer lo que hace, contrario a otros monstruos del género como Michael Myers o Pennywise. Aunque sabemos que es un demonio, Todas las atrocidades que comete las hace como si estuviera en realidad haciendo un show de comedia, sin más interés que causar risa y diversión (para él mismo).
Sus Personajes Femeninos sí son clichés
De hecho, la forma en la que Art se adueña de la pantalla y la brutalidad de sus asesinatos son tan entretenidos que él solo sostiene la cinta durante gran parte de Terrifier. Por lo que la historia logra hacer que no sea necesario inmiscuirnos demasiado en la vida de los protagonistas.
Aún así, Terrifier nos presenta a Sienna (Lauren LaVera), una chica que está lidiando con el suicidio de su padre y que poco a poco se convierte en una de las víctimas de Art. Pero de no ser porque su hermano Jonathan (Elliott Fullam) está un poco obsesionado con la imagen del payaso tenebroso, realmente no hay nada que lo ligue a él y no se persiguen directamente durango buena parte de la trama.
De hecho, el intentar profundizar en la relación de Art y Sienna rumbo al final de la cinta es lo que hace que Terrifier caiga en clichés del género, particularmente en la forma en la que las cintas de horror construyen a sus protagonistas femeninas.
La persecusión de Sienna se siente algo larga y cansada, principalmente porque Art no es tan brutal ni tan hábil para luchar contra ella. Pero la razón es que podamos ver al personaje de LaVera siendo explotada y sufriendo constantemente.
A ella la vemos ser apuñalada, golpeada a mano libre, latigueada, y la cámara no puede evitar presentar esos eventos de manera sensual: la pelea la lleva a cabo semidesnuda, y aunque los ataques del payaso no son tan efectivos contra ella, las escenas en donde más sufre las construyen con cámara lenta.
¿Terrifier tiene el potencial de volverse franquicia?
Aunque todo en Terrifier encarna toda la definición de “cine tipo B”y sí hay elementos sobrenaturales que resultan muy divertidos (como la niña mimo que lo acompaña), la construcción del universo de Art también cae un poco por su conexión con Sienna, quien a veces tiene visiones del infierno donde vive el payaso, y por ahí saca una espada mágica para defenderse.
Sin embargo, la loca forma en la que no presentan reglas claras sobre cómo trabaja Art, es una de las cosas que también resultan fascinantes de Terrifier. No es que sólo salga en Halloween a asustar (aunque sólo lo hemos visto rondando durante esa época del año), tampoco es como que tiene que salir cada cierto tiempo a alimentarse ni usa poderes muy especiales.
Por eso, si la audiencia va sin conocer al personaje de la primera cinta de Terrifier o su antología en 2013, la experiencia es todavía más divertida. Ya que la mundanidad con la que se presenta y convive en el pueblo es un contraste muy loco con los elementos fantásticos que ocurren de repente.
Terrifier 2 es un experimento interesante que se centra en su villano para entregarnos a un monstruo que simplemente pasará a la historia del cine. Y aunque tiene el potencial de seguir expandiendo su historia, hay algo muy atractivo en la poca coherencia que hay en su trasfondo, que ojalá puedan seguir explotando en la tercera parte (que por supuesto ya está en desarrollo).
Un Vecino Gruñón es la opción perfecta para ir al cine en familia, pero es una historia segura con pocas sorpresas
Tom Hanks es uno de los artistas más amados y talentosos de las últimas décadas. Él sabe interpretar a una amplia gama de personajes y experimentar diferentes situaciones, pero sin duda él está en su elemento cuando interpreta a personajes diseñados para ser conmovedores.
Inspirada en el libro y película llamado A Man Called Ove, Hanks se convierte en Otto en la película Un Vecino Gruñón (A Man Called Otto). Un hombre ácido, impulsivo y grosero que no se lleva bien con nadie de sus círculos sociales. Sin embargo, la llegada de una excéntrica pareja mexicana: Marisol (Mariana Treviño) y su esposo (Manuel García-Rulfo), no sólo lo hará enfrentarse a un choque cultural, expandirá su mundo y le hará tomar un segundo aire a la vida.
Esta es una cinta diseñada para hacerles sentir bien y pasar un rato conmovedor en familia. ¿Es la opción perfecta para ver en navidad? ¡Les contamos!
Un mensaje algo duro
Una de las cosas más positivas que tiene Un Vecino Gruñón es la forma en la que logran encontrar un balance entre la comedia y el drama. Otto odia al mundo porque su esposa, la única que lo entendía, falleció. Y él ya no siente que tenga mucho qué hacer en estos días, por lo que está planeando suicidarse.
Sus intentos de suicidio se ven coartados por el ruido y la insistencia de sus vecinos de enfrente. Es interesante que la química que construyen poco a poco Marisol y Otto viene de estar de acuerdo con ideas y situaciones en donde les piden utilizar el sentido común (aunque el señor tiene formas muy particulares de hacer las cosas y se molesta cuando no salen como él quiere). Y ver al personaje de Hanks batallar con pequeños errores y discusiones son una buena fuente de comedia ligera.
Conforme vamos conociendo a Otto, también nos vamos dando cuenta de que el ayuda constantemente a su comunidad. Ya sea para darle valor a las personas y que puedan exigir lo que merecen, hacer de niñero y hasta enseñarles a manejar, la figura de Otto siempre está ahí para hacer a su comunidad un lugar mejor, pero carece del tacto y amabilidad necesarios para que la gente lo entienda así.
Así, la cinta se empeña en mostrar las dos vidas de Otto: una en la que tiene que surcar los incómodos encuentros sociales, en donde constantemente recibe insultos y debe enfrentar peleas. Pero la cinta se toma mucho tiempo también en mostrarnos su vida interior llena de tristeza y soledad.
Sería algo injusto decir que la cinta solamente se trata sobre cómo Marisol y él construyen un lazo importante, la película sí trata de explorar cómo las conexiones sociales pueden cambiar la perspectiva de una persona poco a poco. Y eso continúa gracias a la presencia de un personaje trans que se convierte en un pilar importante para entender cómo la gente logra impactar el mundo.
¿Una película segura?
Las actuaciones son geniales y la química es muy buena, lo que puede mantener a la audiencia entretenida e interesada durante un largo rato. Sin embargo, esta también es una cinta que va por la segura y no pretende hacer grandes cambios narrativos, simplemente quiere conducir a sus espectadores por un camino conmovedor, que les hará llorar y apreciar la vida.
En entrevista para Fuera de Foco, el director Marc Forster nos confesó que él entendía esta cinta como “una película de comunidad. Por eso me parece importante que la gente vaya a verla al cine, para que rían y lloren en comunidad”. Y tiene razón, el metraje está hecho para mostrarnos la importancia de todos los seres humanos, de las segundas oportunidades y el aprendizaje.
Sin embargo, los eventos de la historia transcurre sin contratiempos y con pocas sorpresas, más enfocadas en mostrarnos el desarrollo de la relación de sus personajes. Pero sin duda, es el tipo de películas que al final llevan a la mayor cantidad de personas al cine, ya que Un Vecino Gruñón es una buena opción para ver y disfrutar en familia.
Para bien o para mal, Black Adam es una película que nos recuerda que el género de superhéroes no debe ser tomado tan en serio
No es secreto que el universo de DC se encuentra en una de sus etapas más cruciales. Pues con todo el caos sucediendo en Warner Bros. Discovery y DC Films, el futuro de la franquicia de superhéroes camina sobre una línea muy delgada, cuyo siguiente movimiento podría definir si sobrevive o no.
Tal tarea recae sobre los brazos de Black Adam, una cinta basada en el antihéroe de DC, cuyas habilidades casi divinas lo ponen a la altura de héroes como Superman. Y es que esta es la primera película basada en la legendaria figura que será inicialmente presentada a nosotros como Teth Adam, y que podría suponer el comienzo de la nueva era en el cine de DC Cómics.
Pero, ¿The Rock realmente logra sostener este proyecto? ¿O es otro experimento fallido que termina por hundir a DC de una vez por todas? Aquí te lo contamos.
Héroes vs Leyendas
Quizá una de las ventajas más grandes que tiene todo el universo de DC, es la cimentación que tienen sus historias en diversas mitologías, tomando inspiración de fábulas de diversos puntos alrededor del mundo para traer visiones innovadoras a sus superhéroes.
Black Adam no es la excepción, pues al construirse directamente en un ambiente situado en el Medio Oriente, donde además recibe inspiración y fuertes influencias de mitologías egipcias y mesopotámicas, más que un superhéroe logra sentirse como un mito y la reencarnación de algo verdaderamente poderoso.
Y es que Teth Adam no está solo en esta aventura, pues con la presentación en cines de grandes personajes de los cómics, tales como Dr. Fate, Hawkman e incluso la versión mortal de Isis, Adrianna Tomaz, el universo de DC parece haber aprendido que su fortaleza está en comenzar a crear leyendas más allá de personajes fugaces.
Sin embargo, ¿logra hacer justicia a los grandes antecedentes de sus personajes? Lo cierto es que no. Desafortunadamente la presentación de varios de ellos se limita a su pertenencia a la Sociedad de la Justicia —que en esta película no es de América exclusivamente—, por lo que se desconocen los verdaderos motivos detrás de cada uno de sus participantes.
Pues más allá de los Tomaz y de Teth Adam mismo, el resto de sus participantes está armado con tal superficialidad que no resultan lo suficientemente interesantes para querer saber más de ellos, a menos que se sea un verdadero fanático de su material de origen, es decir, los cómics.
Eso no resta que sus actores hagan una buena labor con lo acortado de sus historias, las cuáles son complementadas con un gran trabajo de efectos especiales, los cuáles sobrepasan por mucho a otras producciones de superhéroes que parecen haber dejado olvidado el verdadero arte del CGI y los VFX.
Épica, pero redundante
Si somos realmente honestos, cuando se trata de películas de DC Cómics la vara se ha reducido a un “ser mejor que el resto de las películas” en su propio arsenal. Y eso es justo lo que le sucede a Black Adam.
Pues por un lado, es una muestra del camino que tiene que seguir DC para lograr consolidarse como la gran materia de héroes que pretende lograr Zaslav, sin embargo, es apenas lo suficientemente mejor a otros títulos de su propia franquicia que, de no ser por los previos fracasos, realmente pasaría desapercibida.
El problema principal está en que le cuesta entender a todas las piezas con las que se construye, haciendo que en ocasiones su guión, historia y estructuras se sientan repetitivas, como si les hubieran dado demasiado tiempo a llenar. Esto sucede desde su segundo acto, a la aparición de la Sociedad de la Justicia, los cuáles no son terminados de explorar para caer en una cansina dinámica entre su líder y Teth Adam.
Si bien, tanto el carisma de The Rock como el de Aldis Hodge logran sobrellevar sus interacciones, no son suficientes para resolver un guión que se cae a pedazos. Lo mismo pasa con personajes como Cyclone (Quintessa Swindell) y Atom Smasher (Noah Centineo), quienes tienen tiempo suficiente para desarrollarse y evolucionar, pero que desperdician tal espacio para repetir tomas atractivas de sus habilidades y diálogos irrelevantes.
Échale un poco más de caos
Por otra parte, donde también flaquea es en establecer realmente el potencial de su historia y el verdadero peligro al que se enfrentan. Puesto que, aunque sabemos que Sabbac es una de las fuerzas más destructivas del mundo, nunca llega a sentirse como una amenaza tan grande, especialmente cuando la historia termina por contener el caos en un espacio pequeño que no pareciera verse realmente afectado por la presencia diabólica.
Los acólitos del personaje realmente llegan a sentirse inofensivos, haciendo que el gran encuentro entre Sabbac, Black Adam, y Hawkman se sienta tremendamente anticlimático y hasta cierto punto genérico.
Esto último podríamos atribuirlo a lo complicados que tienden a ser varios de los villanos más importantes de DC desde su origen en los cómics; pues pareciera que al menos en el DCEU hemos conocido tres versiones diferentes de la misma entidad infernal, ya que todas y cada una de ellas han carecido tanto de identidad como de sustancia propia.
Un buen paso de 100 que hacen falta
Black Adam cumple su propósito al establecer la línea de DC y definir qué quiere hacer con sus personajes, especialmente atreviéndose a jugar con la fuerza de su protagonista para ponerlo a la altura de alguien que tiene su momento después de los créditos.
Y aunque pretende jugar con una nueva y mucho más sólida mitología, no se deja absorber por la intensa oscuridad que vuelve al mundo completamente serio, dándose permiso para ser sarcástico, absurdo y reírse del propio género de los superhéroes.
Es por eso que, para bien o para mal, Black Adam es una película que nos recuerda que no hay que tomarse tan en serio al género, sino disfrutarlo y dejarse conquistar por la posibilidad de convertirnos en el ser más poderoso del mundo.
Y si bien, no es la mejor película en el cine, es sin duda uno de los pasos mejor dados de DC hacia un futuro que promete terminar de consolidarse con más héroes y menos pretensiones.
Por último es preciso reconocer que la cinta es una de las primeras en la línea de DC Cómics en tener un cast realmente diverso en etnias, presentando una riqueza pocas veces vista en la vía de los superhéroes y contribuyendo a hacer sentir que esta historia tiene potencial para suceder en cualquier rincón del mundo.
Black Adam estrena el 20 de octubre exclusivamente en cines.
Alejandro González Iñárritu considera que Bardo ha generado críticas negativas por racismo
El director Alejandro González Iñárritu asistió al Festival de Cine de Venecia para presentar su próxima película: Bardo. Sin embargo, aunque la cinta generó una ovación de pie de cuatro minutos, la crítica especializada comenzó a opinar negativamente del filme llamándola “autoindulgente” y “demasiado pretenciosa”.
Por su parte, el director le comentó a Los Angeles Times que los argumentos de los críticos tienen un trasfondo “racista” por considerar que un mexicano no puede realizar una película más elaborada.
“Te puede gustar o no, esa no es la discusión. Pero para mí hay una especie de trasfondo racista en el que, por ser mexicano, soy pretencioso. Chicos, tómense un poco de tiempo y vean todas las capas. Todo artista tiene derecho a expresarse de la manera que quiera sin ser acusado de ser indulgente consigo mismo. Espero que alguien pueda rechazar esa narrativa, que es muy reduccionista y un poco racista, debo decir”.
Alejandro González Iñárritu
Con Bardo, Iñárritu regresó a filmar a México por primera vez desde su éxito Amores Perros. Por ello, explicó que la película de Netflix era muy importante a nivel personal dado que quería plasmar sus experiencias de identidad y una “carta de amor” para su país natal.
“Creo que tengo derecho a explorar la identidad porque he pasado por esta sensación de desplazamiento. Tengo derecho a hablar de la identidad colectiva de mi propio país. Esta película es una carta de amor a mi país, y tengo el privilegio de poder usar mi voz para hablar de verdad, no solo por los mexicanos, sino por cualquiera que se siente desplazado”.
Alejandro González Iñárritu
¿Critican a Iñárritu por ser mexicano?
Aunque Iñárritu siempre ha logrado críticas positivas y premios internacionales en sus anteriores filmes, es posible que Bardo sea uno de sus proyectos más diferentes al tener toques surrealistas. No obstante, el cineasta considera que criticarlo por incluir estas corrientes, sólo reafirma que los críticos no conocen sobre la “tradición imaginaria de combinar tiempo y espacio en la literatura de América Latina”.
“Si tal vez fuera de Dinamarca o si fuera sueco sería un filósofo. Pero como lo hice de una manera poderosa visualmente soy pretencioso porque soy mexicano. Si eres mexicano y haces una película así, eres un tipo pretencioso. No sé si [los críticos] han leído a Jorge Luis Borges o a Jorge Cortázar o a Juan Rulfo, pero deberían leer de dónde vienen estas cosas y nuestra tradición imaginaria de combinar tiempo y espacio en la literatura de América Latina. Esto, para mí, es la base de la película”.
Alejandro González Iñárritu
Al final, el director platicó que no ha leído en su totalidad las críticas que ha generado Bardo, pero su equipo le hizo llegar algunas notas para mantenerlo al tanto.
Bardo llegará a cines mexicanos el 27 de octubre, y posteriormente se estrenará en Netflix a partir del 16 de diciembre.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Están de acuerdo con Alejandro González Iñárritu?
The Marvelous Mrs Maisel está de regreso en Prime Video después de 2 años de ausencia. Pero parece que el tiempo le ha hecho perder su encanto
Hace casi 5 años, conocimos por primera vez a la maravillosa Midge Maisel en una de las series que se ha vuelto de las consentidas del servicio de streaming Amazon Prime Video, The Marvelous Mrs Maisel.
La serie sigue a su personaje titular, una esposa y ama de casa en la alta sociedad de la comunidad judía de Nueva York durante la década de los 50’s, quien después de enterarse de la infidelidad de su esposo y su próxima separación, por azares del destino (y una larga noche de borrachera) llega un club de comedia durante una sesión de open-mic y descubre su talento nato para el stand-up.
La historia de Midge también se ha vuelto una de las más galardonadas de Amazon Studios, consiguiendo 16 nominaciones a los premios Primetime Emmy a lo largo de sus 3 temporadas, ganando Mejor Serie de Comedia por su primera temporada. Y ahora, a más de 2 años del lanzamiento de su tercera temporada, la Sra. Maisel está de regreso.
Mezclando la Realidad y la Ficción
Parte del éxito del que ha gozado The Marvelous Mrs. Maisel se debe a su excelente mezcla entre los mundos de la ficción y la historia real de la comedia stand-up. Aunque la historia de Midge es una 100% ficticia, a lo largo de la serie cruza caminos con figuras legendarias del escenario como el comediante Lenny Bruce (interpretado aquí por el ganador al Emmy Luke Kirby) y podemos ver a través de tramas secundaria, y a veces hasta el fondo de diversos episodios, elementos de momentos históricos para mediados del siglo XX.
Pero más allá de ello, Mrs. Maisel hace un fuerte comentario acerca de las múltiples controversias, tanto pasadas como presentes, que se han vivido en el mundo de la comedia (y la farándula en general) relacionadas con el sexismo, la discriminación, la homofobia, entre otros, y como lo que Midge “vivió” hace más de 60 años son paralelos directos de mucho de lo que se vive aún hoy en día.
El final de la tercera temporada nos dejó con un cliffhanger brutal (SPOILERS para dicha temporada): después de que Midge pareciera por fin haber encontrado su entrada a las ligas mayores del stand-up al ser contratada como el acto de apertura para el cantante Shy Baldwin (Leroy McClain), es abruptamente despedida del tour después de que sus nervios la vencieran durante una presentación y casi expusiera, accidentalmente, la homosexualidad de Baldwin.
Y, sin embargo, pareciera que la cuarta temporada tendrá como objetivo… ¿volver a cero?
¿Se requiere de nuevo material?
Aunque es completamente posible que el resto de la temporada retome estos elementos, por lo menos en su inicio pareciera que opta por ignorar dichos eventos casi por completo. La vida y conflicto de Midge pareciera ser los mismos de siempre: luchar contra la rutina (tanto cotidiana como cómica), lidiar con el estrés de su familia y encontrar la manera de triunfar.
Y no es que la serie lleve a cabo este concepto o lo ejecute de mala forma, a este punto tanto el equipo creativo como el elenco tienen un dominio total sobre este mundo y sus personajes. Podrían hacer esto mientras duermen, y aún así lograrían un resultado innegablemente impresionante, y la calidad del acabado visual, los espléndidos sets y vestuarios, la maravillosa recreación de Nueva York dejando atrás los 50’s y dándole la bienvenida al nuevo mundo de los 60’s y, por supuesto, el trabajo logrado por el elenco, todo es de primer nivel como ya nos tienen acostumbrados.
Sin embargo, pareciera ser que sus guionistas están empezando a desarrollar una zona de confort y llegando a un muy evidente bloqueo creativo para el desarrollo del arco y crecimiento de nuestra heroína como personaje. Y tal vez no resaltaría tanto, de no haber finalizado la tercera temporada de la manera en la que lo hizo y las posibilidades que esto presentaba.
Una oportunidad perdida
Aunque Shy Williams es un personaje creado específicamente para la serie, sí hay un cierto nivel de verdad detrás de su historia. Aunque nunca se ha confirmado oficialmente, muchos/as han analizado al personaje como una posible mezcla entre los estilos e historias de Harry Belafonte y Don Shirley (en quien recientemente se inspiró la cinta ganadora al OscarGreen Book), con este último resultando más similar a Shy en la manera en la que mantuvo su sexualidad un secreto por la mayoría de su vida.
La casi-exposición de dicho secreto podía significar una cuestión de, literalmente, vida o muerte para Shy y la conclusión con la que nos habíamos quedado prometía traer consigo varias consecuencias que cambiarían por completo el estatus quo en el mundo de Midge. Esto les traía al equipo la oportunidad perfecta para hablar del tema más sonado actualmente en la industria de la comedia: la “cultura de la cancelación”.
Pareciera ser que más y más comediantes hoy en día, hablan acerca de cómo las nuevas generaciones han cambiado el panorama social y político alrededor de la comedia, por lo que muchos ya no intentan ser tan dar declaraciones o comentarios “políticamente incorrectos” por miedo a ser exhibidos en redes sociales y terminar“cancelado”. La posición de Midge tras sus chistes acerca de la “feminidad” de Shy y las consecuencias que esto traería a su carrera pintaban para ser un excelente análisis acerca de este complejo aspecto de la comedia, su búsqueda de traspasar y desafiar límites, y dónde es que se debe pintar la raya.
Pero por alguna extraña razón, simplemente decidieron… no hacerlo.
Aún hay espacio para mejorar
Debo de hacer mucho énfasis en que el arranque de esta cuarta temporada, y su manejo del personaje de Midge, no es malo. Rachel Brosnahan continúa dando su todo absoluto a cada faceta de nuestra querida Sra. Maisel y el rol se siente ya casi como una parte de ella, después de todo estamos hablando del papel que lo consiguió ya un Emmy y dos Globos de Oro consecutivos.
Su química con la Susie de Alex Borstein, quien vuelve a robarse cada minuto en pantalla en el que sale, permanece exclente, al igual que lo hace el trabajo del resto del elenco. Y como mencioné, a un nivel técnico, la serie permanece tan hermosa como siempre, y no es que no cumpla con su propósito de entretener, eso lo logra muy bien. Es solo que después de casi 3 años de espera, y la promesa y potencial con el que nos habían dejado, el ver que la serie regrese tan repentinamente a sus personajes a una especie de seguridad simplemente es… decepcionante.
Pero como dije, los cimientos para algo mejor están ahí. Si la temporada nos sorprende con el resto de sus episodios y demuestra que verdaderamente no solo forma, sino que extiende y desarrolla su historia de una manera orgánica, creíble y con la excelente mezcla de humor y tensión emocional de sus predecesoras, podríamos resumir esto a un simple tropezón al inicio de la carrera.
¿Uds. qué dicen, cinéfilos/as? ¿Son fans de Mrs. Maisel y verán esta nueva temporada?
El libro de Boba Fett demuestra que Star Wars aún tiene mucho por contarnos.
Quizá para aquellas personas que se hicieron fanáticas de Star Wars con la trilogía original a finales de los 70 e inicios de los 80, les sea muy fácil nombrar las razones que hacen atractiva a la franquicia,. Sin embargo., me parece que esa es una tarea más difícil para las generaciones que crecimos con las precuelas de George Lucas, y quienes hicieron lo propio con las desastrosas secuelas a cargo de J.J. Abrams.
A pesar de estos últimos dos grandes fracasos de la franquicia en el cine -por lo menos en cuanto a la aceptación de la audiencia se refiere-, una serie nos acercaría a las nuevas generaciones a conocer la virtudes del universo Star Wars: The Mandalorian, la cual con una visión clara de lo que querían contar, permitió al cineasta Jon Favreau y al productor Dave Filoni contagiar su pasión por este mundo.
Nace un spin-off
Tras el éxito de la susodicha serie en Disney+, el mismo equipo creativo se propuso desarrollar más historias dentro de este universo, y eligieron al personaje de Boba Fett (interpretado por Temuera Morrison) y a la mercenaria Fennec Shand (a quien da vida Ming-Na Wen) para protagonizar un spin-off, el cual nos muestra a ambos intentado gobernar el territorio que alguna vez fue dominado por Jabba el Hutt.
Y tras el estreno el primer episodio de El libro de Boba Fett hay un elefante en la habitación: ¿pinta para continuar la estela de éxito de The Mandalorian? ¿la franquicia de Star Wars aún sigue siendo relevante? ¿hay más historias que contar en este universo? Pues por lo visto en el debut de la serie pareciera que sí, pero desarrollemos más la respuesta.
Brillante en lo técnico
En primer lugar la serie en cuestión es brillante en cada uno de los apartados que componen su realización, la producción se siente igual de gigantesca que cualquier blockbuster que verías en la pantalla grande, la decoración de sets a cargo de Doug Chiang / Andrew L. Jones y el vestuario Shawna Trpcic está lleno de detalles, los cuales provocan en el/la espectador/a el deseo de parar la serie en cada encuadre y ahondar en los diversos objetos que componen al ambiente.
Además creo que es muy refrescante la combinación de efectos prácticos y por computadora que realiza la producción, pues no sólo refleja el cariño por el proyecto de quienes laboran en el mismo, sino también le otorga mayor verosimilitud al relato: creemos que los/a protagonistas se están enfrentando en realidad a los monstruos que presenta la serie.
Para que El libro de Boba Fett se sienta como una realización épica, también le ayuda mucho la fotografía en planos amplios de David Klein y la maravillosa banda sonora de Ludwig Göransson y Joseph Shirley, sobre la cual el primer episodio recarga mucho de su narrativa audiovisual, pues en muchos momentos la dirección del icónico Robert Rodriguez se despoja virtuosamente del diálogo y el score le ayuda a crear las sensaciones de tensión y aventura.
¿Y qué tal el guión?
En lo que refiere al guión del programa, es difícil analizarlo ya que para hacerlo necesitaríamos tener la totalidad de la historia, sin embargo me parecen destacables dos detalles: el primero, que los relatos del universo Star Wars nos muestren que hay muchas más historias fuera de los/as jedis.
Y en segundo lugar, me agrada la forma en la que le están dando profundidad a un personaje como Boba Fett, el cual desde su primera aparición en la franquicia su único propósito era el atractivo visual de su vestuario, y aquí exploramos más en las experiencias que lo forjaron, le vemos negarse a implementar el miedo como forma para gobernar, y eso le brinda por el momento mayor tridimensional.
La única queja que tendría frente al programa es lo lenta y tonta que luce la acción, pero más allá de eso me parece que El libro de Boba Fett continua demostrando porque Star Wars sigue siendo relevante en la actualidad, y definitivamente estaré atento a su desarrollo en las siguientes semanas.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció el inicio de El libro de Boba Fett?
Dont Look Up nos presenta una divertida sátira que nos recuerda porque la naturaleza ya nos ganó.
Este 24 de diciembre llegó a Netflix: Dont Look Up -en español No Miren Arriba-, una sátira que aborda el tema de la crisis climática a través de una analogía con la llegada de un asteroide que está a punto de impactar con la tierra y acabar con la existencia humana.
La película cuenta con un elenco de lujo conformado por Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Jonah Hill, Jennifer Lawrence, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Himesh Patel, Cate Blanchett, etcétera. Y está dirigida por Adam McKay, quien ganara el Oscar a Mejor Guión adaptado por The Big Short en 2015.
Este contexto sugiere a la audiencia que estamos frente un filme que podría ser nominado en diversas categorías de los Premios Óscar en el 2022, ¿pero cumple con las expectativas?
El drama del fin del mundo
La estudiante de astronomía Kate Dibiaski (Jennifer Lawrence) descubre que un cometa está a punto de colisionar con la Tierra, lo cual informa al Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), quien comprende que tal hallazgo es en realidad una alerta sobre el fin del mundo.
Acto seguido buscan reunirse con la Oficina de Coordinación de Defensa Planetaria para informar la situación a la presidenta de Estados Unidos: Orlean (Meryl Streep), y así obtener apoyo para salvar la Tierra, sin embargo esta convierte el asunto en un espectáculo que busca enaltecer su imagen para las próximas elecciones.
Esto provocará que los protagonistas se enfrenten a una absurda agenda mediática para correr la voz de un importante mensaje, del cual diversas facciones buscarán sacar provecho.
¿De verdad es tan buena?
Si algo sabe hacer Adam McKay es mantener al espectador/a al borde del asiento, No Mires Arribacrea un equilibrio bastante aceptable entre el fondo y la forma de la historia, el cual nos presenta una comedia con tintes de drama que refleja un inminente desinterés sistemático por el futuro del planeta, un absurdo morbo por la vida pública de las celebrities, y el descomunal apego a las redes sociales.
En definitiva la historia se mofa de diversas circunstancias que reflejan la precariedad que existe en la toma de decisiones de los altos mandos, así como la elección de la ignorancia para evadir responsabilidades y acciones por parte del público en general.
La reflexión del filme es simple: la población mundial no está preparada para tomar en serio un mensaje que literalmente podría salvar sus vidas o terminar con ellas, el discurso principal se centra en una reflexión sobre el papel de los científicos en un mundo liderado por gobernantes vulnerables al escrutinio público de su imagen personal, y una sociedad contemporánea que idolatra la vida soñada de los/as artistas del momento.
Quizá vista desde una perspectiva cinematográfica Dont Look Upno es la mejor película del año, pues su mensaje no logra trascender a lo largo del filme, esto a pesar de que denota en diversos momentos la desesperación de los personajes por enviar su mensaje al mundo, lo que da fuerza a la trama y es el pilar que sostiene a la misma.
Un final anunciado
Dont Look Up no sólo funciona porque trae a colación un puñado de analogías casi descaradas de momentos reconocibles, sino también porque logra dar marcha a la historia con actuaciones divertidas. Cabe señalar que la traducción al español del filme logra mejorar la experiencia a través de diálogos divertidos y espontáneos.
Los personajes impregnan algo de sí mismos en cada escena fortaleciendo de una forma muy natural las secuencias de la película, la cual cuenta con cambios muy marcados que por momentos podrían confundir al espectador, pero no poseen el afán de distraer la trama principal, lo que permite que la narrativa logre sostenerse de manera absurda pero consistente.
Desde la frustración de Leo DiCaprio, hasta la rabia de Lawrence, la singularidad de Chalamet, el cinismo de Jonah Hill, y cada momento que homologa a la situación actual, Dont Look Up en una propuesta que logra conectar con cada personaje en una singular trama, y nos presenta dos secuencias finales que contrastan con la comedia y tienen la intención de voltear la mirada hacia un futuro completamente incierto.
Cinéfilos y Cinéfilas, ¿Qué les pareció Dont Look Up?
Parte del equipo de Fuera de Foco comparte sus perspectivas sobre Spider-Man: No Way Home.
Spider-Man: No Way Home probablemente ha sido la película más esperada por muchas/os durante el último año, y por fin ha llegado a salas después de meses llenos de rumores y hype en torno a la producción, por ello en Fuera de Foco les contamos nuestras perspectivas sobre el largometraje.
¿Cumple con las expectativas?
ALEJANDRO OHTOKANI:
DefinitivamenteSpider-Man: No Way Home cumple las expectativas que la mayoría de fans tenían sobre la película: la aparición de Daredevil, los tres héroes arácnidos, Venom, etc, pero ¿esto es necesariamente algo bueno? Creo que la respuesta no es sencilla.
Por un lado me parece válida la intención de alegrar a la gente con la aparición de sus personajes favoritos, pero del otro costado me parece que las intenciones de complacer a todo el fandom terminan haciendo que la narrativa de la película en cuestión se tropiece.
En las siguientes preguntas desarrollaré las razones, pero a manera de analogía No Way Home se siente como un álbum de greatest hits: te vas a emocionar con cada una de las canciones, pero quizá escuchar Let it be después de Ob-La-Di, Ob-La-Da no tiene mucho sentido narrativo y emocional.
BECKA SALAS:
Creo que la película cumple varias expectativas en diferentes niveles. En primer lugar, el manejo del fanservice es bastante bueno y no necesariamente opaca la actuación de Tom Holland ni su arco argumental. Pero en segundo lugar, también cumple las expectativas de lo que debería ser una buena película de Spider-Man.
El personaje es de los héroes más amados por los fans y tiene películas increíbles, por eso la inclusión de Spider-Man en el UCM ha sido más o menos controversial, ya que algunas personas consideran que el Peter Parker de Tom Holland tiene demasiados privilegios, pues termina siendo el heredero de Iron Man y quien tiene acceso a toda la tecnología Stark.
Y creo que No Way Home cumple las expectativas de demostrar cómo brilla y qué define a Spider-Man en un lugar plagado de superhéroes y amenazas mucho más grandes que él. Además de que ponen en el centro de la discusión hasta dónde se extiende la típica frase de que un gran poder conlleva una gran responsabilidad, cosa que termina por entregarnos una gran carta de amor sobre el personaje.
¿Es una buena película en general o para Spider-Man? ¿Importa la distinción?
ALEJANDRO OHTOKANI:
Si bien me parece que las producciones superheroicas pueden abordar temáticas muy interesantes a nivel personal como WandaVision o a nivel social como Watchmen -por lo menos el cómic-, cuando veo las mismas tampoco me espero una sórdida reflexión sobre nuestra existencia o sociedad, como podrían brindados cineastas como Ingmar Bergman, Julia Ducournau o toda la nueva corriente surcoreana.
Pero aún así creo que las producciones superheroicas pueden entregarnos resultados muy interesantes que hagan eco en nuestras reflexiones y emociones, la trilogía de películas de Spider-Man realizada por Sam Raimi hasta el día de hoy resuena fuertemente en mi cotidianidad, y eso lo logró mediante un relato que combina corazón e ingenio.
Las anteriores películas no sólo engloban en su narrativa la característica que más admiro del personaje: su sacrificio personal por el bien colectivo, también son brillantes técnicamente, vez la pasión del cineasta, el elenco y demás equipo creativo por la historia y su labor en la construcción de cada escena.
Me parece que si conjuntas los anteriores elementos no sólo das vida a una buena película de Spider-Man, sino también a una buena cinta en general. El guión de NoWay Home tiene el corazón del personaje y la esencia de lo que lo define, pero en lo segundo se siente como un producto industrial más.
Esto me provoca un Frankenstein de emociones y da lugar a un largometraje que está bien a secas, del cual fuera de un lindo cierre que dan a los personajes de la trilogía de Raimi, y la decisión esencial que sigue el Spidey de Tom Holland, probablemente vaya a recordar con muy poco cariño.
BECKA SALAS:
Creo que, a pesar de que la cinta sí toca temas filosóficos interesantes, particularmente al enfrentar la visión de la Tía May y Peter con la del Duende Verde y Electro, la cinta logra crear un arco narrativo para Spider-Man que se siente íntimo y nos ayuda a conocerlo mejor como héroe y persona.
Sin embargo, el Universo Cinematográfico de Marvel se encuentra en una fase de transición muy delicada, y al ver que nuevamente dejan de lado cabos sueltos importantes que parecían que serían los puntos centrales en esta secuela, como el caos legal que en teoría se crea por tener tecnología Stark escondida, o incluso el combate con un hechicero tan poderoso como Dr. Strange, se puede sentir como que la cinta carece de riesgos emocionales más grandes para el protagonista.
Pero como también es común en las películas de Marvel que tienen un tono más autoral, como con Taika Waititi y Chloé Zhao, encuentra su voz en la forma en la que decidieron explorar preocupaciones y relaciones específicas, las cuales son sumamente satisfactorias y nos ayudan a tener un mejor entendimiento de cómo será este Peter Parker si todavía se desarrolla dentro del universo.
El problema, nuevamente, es que la película termina lo suficientemente abierta para prometernos un futuro mejor, y esa necesidad de tener que seguir moviendo el engranaje de Marvel me parece que es una de las razones por las que la película, a pesar de ser una trilogía, no se siente como el cierre épico que podría ser la verdadera emancipación de Spider-Man de los Vengadores. Y por eso no alcanza los niveles que otras películas del arácnido, como Spider-Man: Into the Spiderverse o Spider-Man 2.
¿Fue un acierto traer a viejos personajes de Spidey? (villanos / héroes)
ALEJANDRO OHTOKANI:
SÍ en el caso de los personajes de la trilogía de Raimi y NO en el caso de los filmes de Andrew Garfield.
En el primer caso, me parece que tanto el Spider-Man de Tobey Maguire, como el Doctor Octopus de Alfred Molina, el Duende Verde de Willem Dafoe, e inclusive Sandman de Thomas Haden Church, otorgan una capa de experiencia, tridimensionalidad (dentro de sus límites estereotipados), y corazón que los filmes del héroe arácnido en el UCM carecían.
No Way Home es consciente de esto último, y las acciones de estos personajes son las que terminan definiendo el arco evolutivo de Tom Holland en este filme, y por lo tanto la esencia de Spider-Man.
En el segundo caso me parece que tanto el Spider-Man de Andrew Garfield como su Lagarto y Electro hacen que la película se tropiece, desde su trilogía eran personajes planos, mal construidos y pocos carismáticos, similar a todos/as los que rodean a las cintas del héroe arácnido en el UCM, por lo que es caerse dos veces en el mismo lugar.
Para ejemplificar lo anterior sólo tenemos que irnos al último acto, el Spidey de Tobey Maguire tiene un emocional encuentro con cada uno de sus villanos / enemigos, ¡INCLUSIVE SANDMAN! Mientras que el Andrew Garfield ni siquiera habla con el Largato recuperado. Y del lado de Holland no creo que nadie extrañe a Ned y MJ.
BECKA SALAS:
Creo que no sólo fue un gran acierto traer a los Spider-Man de Tobey Maguire y Andrew Garfield, sino también a sus villanos. Esta película logró hacer una comparación genial de lo que nos ha ofrecido cada Spider-Man en su época, y fue genial ver al Peter de Tom Holland aprender de esas visiones, conjuntarlas con lo que ha pasado dentro del MCU y convertirse en su propio héroe.
Por eso me pareció tan importante la presencia de los villanos, especialmente del Duende Verde, quien vuelve a demostrar por qué es la amenaza más grande a la que se debe enfrentar no sólo Spider-Man, sino Peter Parker, y quien causa el mayor dolor en su vida privada.
Con ellos, se explora con mayor libertad la idea de “un gran poder conlleva una gran responsabilidad” y me pareció interesante que el Spidey de Holland tuviera la misión de solucionar lo que sus otras versiones no pudieron: luchar para reformar a estos villanos, aunque no lo merezcan.
De esa manera, me pareció genial ver a Andrew y Tobey más como mentores y figuras filiales, quienes están abiertos a escuchar lo que su contraparte marvelita tiene que decir, mientras le muestran el camino hacia una autonomía separada de la tecnología Stark.
Sobre los villanos, para mi fue suficiente que no entorpecieron el desarrollo de los conflictos entre Norman Osborn, Otto Octavius y Peter Parker. Era imposible que cada villano tuviera un arco emocional interesante, porque personajes como Electro y Lizard no los tuvieron dentro de las películas que antagonizaron en solitario. Lizard me pareció un cómic relief efectivo y la nueva personalidad que le impregnó Jamie Foxx a Max para convertirlo en un agente de caos consumido por la avaricia y el poder fue interesante.
Quizás el final se siente muy mágico y abrupto, pero la pelea final con los “5 siniestros” me pareció muy épica y terminó por cimentar el desarrollo de Peter. Además, me gustó la idea de que no todos tienen que tener exactamente el mismo grado de maldad o que a fuerzas tuvieran que pelear con todos los Spider-Man, pues eso justo ayudó a que resonara mejor el mensaje moral de la historia.
¿Joe Watts es una buena elección para continuar dirigiendo las películas de Spider-Man?
ALEJANDRO OHTOKANI:
Depende. Si Marvel desea continuar con un cineasta que se acomode a una visión corporativa y un esquema de filmación de industrial, Joe Watts es tu mejor opción, si deseas una visión y audición más artística como la de Sam Raimi en su momento, habría que ir buscando otro director/a.
BECKA SALAS:
De acuerdo totalmente. Jon Watts es un director al que todavía le falta tener una visión autoral más interesante, pero al menos entiende lo que Marvel quiere hacer con los personajes y se adapta a cualquier estilo que le pidan.
¿Qué tal pinta el futuro del personaje?
ALEJANDRO OHTOKANI:
Aquí la verdad soy muy optimista, me parece que No Way Home sitúa al Spider-Man de Tom Holland en un sitio muy interesante a explorar en el futuro, este personaje por fin entiende lo que significa portar el traje, ha pasado de ser un niño privilegiado a un joven consciente de las vicisitudes que lo rodean, y me emociona mucho ver los nuevos desafíos a los que tendrá que sobreponerse.
BECKA SALAS:
Yo espero mucho de este Spider-Man, precisamente porque parece que lo quieren dejar crecer y hacer que se vuelva un mentor para la nueva generación de superhéroes. Me encantaría verlo también dentro de la universidad, pues hay una amplia gama de personajes icónicos de la franquicia que todavía no conoce. Además, definitivamente necesitamos que MJ vuelva a descubrir su identidad.
James Cameron mencionó que las películas de Marvel no se sienten épicas.
James Cameron entrevistó a Denis Villeneuve sobre su proceso creativo en Dune (vía Variety), y durante la conversación elogió el trabajo del cineasta canadiense mencionando que la susodicha cinta lograba sentirse épica, esto a diferencia de las películas de Marvel:
“Lo que sorprende de Dune es que verdaderamente es épica. Y cuando utilizó esta palabra me refiero a una película de David Lean o la trilogía de El Señor de los Anillos. Pero cuando pienso en obras que tienen eventos épicos, digamos las películas de Marvel donde toda la ciudad se destruye, no las siento épicas. Tú (Denis Villeneuve) pareces tener la disciplina, el vocabulario del verdadero cine épico que presenta imágenes grandilocuentes y se toma su tiempo con la música, etc”.
¿Qué dijo anteriormente?
El susodicho cineasta ya había atacado a Marvel en 2018 cuando promocionaba su mini serie documental: James Cameron’s Story of Science Fiction, pues declaró (vía Vanity Fair) que si bien no le molestaban estas películas si esperaba que pronto le aburrieran a la gente, ya que hay más historias por conocer lejos del mundo superheroico:
“Espero que pronto comencemos a sentir la fatiga de Los Vengadores. No es que no me gusten esas películas, es sólo que existen otras historias que contar además de las de machos con hipergonadismo sin familias, quienes desafían a la muerte durante dos horas y destruyen ciudades en el proceso”.
Curiosamente, en 1990 James Cameron propuso a Fox la realización de una película de Spider-Man, la cual no prosperó debido a temas relacionados con los derechos de autor del personaje, los cuales desde entonces ya pertenecían a Sony.
La nueva película de Huevocartoon arriba a los cines, ¿Un rescate de huevitos continuará con el éxito de la franquicia?
Hablar de Huevocartoon es hacerlo de la nostalgia, pues sus primeras producciones simbolizaron los eventos mediáticos del internet primigenio, por lo menos en lo que corresponde a mi círculo no existía conversación alguna en la que no se hablará de videos como los que protagonizaba el huevo filósofo o los rancheros y poetas.
En la actualidad no son un gran fanático del doble sentido con que se estipulan la mayoría de sus chistes, y probablemente si revisionamos muchos de sus sketches encontremos alegorías sociales que no han envejecido nada bien, esto como afortunado resultado de la concientización y lucha de diversas personas en lo referente a los derechos humanos.
Pero a pesar de lo anterior Huevocartoon continua destacando como uno de los pocos ejemplos de éxito en la industria nacional, pues junto a Ánima Estudios (La leyenda de la Llorona / Ana y Bruno) es la única productora con la capacidad de realizar costosos largometrajes animados que conecten con la audiencia mexicana.
Tras su fundación cuatro años atrás, en 2006 la susodicha compañía compuesta por 100 animadores/as realizó su primer largometraje: Una película de huevos, la cual según información deSector Cine se mantiene como la décimo tercera película más taquillera en la historia nacional, esto gracias a una recaudación de 142 millones de pesos.
Lo anterior le permitió a la compañía realizar una secuela en 2009: Otra película de huevos… y un pollo, la cual nuevamente fue un éxito en taquilla y en la actualidad ostenta el lugar 26 de las películas nacionales con mayor recaudación en su historia -ingresó 113 millones de pesos-.
5 años más tarde la historia se repetiría con la tercera entrega de este universo: Un gallo con muchos huevos, la cual obtendría 167 millones de pesos y se quedaría a las puertas de entrar en el top 10 de filmes mexicanos más taquilleros.
Así es como se ha consolidado uno de los pocos ejemplos de franquicia que tenemos en México, y por lo tanto el universo creado por Rodolfo y Gabriel Riva Palacio Alatriste no planea detenerse, razón por la que llega a salas la cuarta parte del mismo: Un rescate de huevitos.
Una entrega sin mucho color
El filme nos narra una nueva aventura protagonizada por todo el grupo de personajes ya característicos de la historia, quienes viajan a Africa en búsqueda de salvar a los hijos de Toto y Di, los cuales han sido secuestrados por una teniente rusa que subastará a los mismos en una cena donde serán consumidos por multimillonarios.
Y desde mi perspectiva el filme sufre en dos sentidos: el primero tiene que ver con la animación, la cual repite el diseño 3D de su predecesora y por lo tanto pierde mucha de la magia que ostentaban los primeros dos filmes, pues paradójicamente el realismo buscado por la estética hace que los escenarios se vean más planos, tanto a nivel de color como iluminación.
Esto último también afecta mucho a los gestos y atractivo visual de sus protagonistas, específicamente cuando hablamos de aquellos/as que no son huevos, pues por ejemplo Toto ya no genera la ternura que ostentaba en el 2D sino todo lo contrario.
Pero además de está problemática Un rescate de huevitos tiene una amplia problemática en el guión, la cual me parece que deriva del desgaste propio de una franquicia, pues la idea en torno a la narrativa se ha vuelto completamente inverosímil, y la comedia al igual que el arco de sus protagonistas cae en lugares más comunes y unidimensionales, algo similar a lo que sucedió en Madagascar 3 al intentar convertirse en una aventura de acción global.
Sin embargo la franquicia presenta nuevos personajes basados en las personalidades de diversos animales, los cuales son bastante ingeniosos como el huevo de águila o correcaminos, y me gustaría que los mismos hubieran tenido más en pantalla en lugar de la arquetípica fauna con la cual se presenta a la selva.
Además la película explora en el fondo un lindo mensaje sobre no aferrarnos a nuestros miedos y que los mismos no nos detenga a experimentar en la vida, esto junto a una narrativa que reivindica el valor de la naturaleza por encima de la explotación de los recursos llevada a cabo por la humanidad, lo que termina por brindar un poco de color a esta nueva entrega de Huevocartoon.
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Un rescate de huevitos?
