FICM 21: ¿Michel Franco llegará a los Oscars en 2024?

En este artículo:

Michel Franco, Jessica Chastain y Peter Sarsgaard aprovecharon el Festival Internacional de Cine de Morelia para hablar sobre cómo construyeron Memory, una película que probablemente resonará en la temporada de premios en 2024.

“Y les puedo decir, creemos que Peter (Sarsgaard) y Jessica (Chastain) están en la carrera para el Oscar”, sentenció el director Michel Franco en la conferencia de prensa de Memory, su esperada película que se presentó por primera vez en El Festival de Cine de Venecia y que hizo a Sarsgaard acreedor a una Copa Volpi por su actuación. 

Memory retrata la historia de Sylvia (Chastain) una trabajadora social con un pasado traumático que la hace desconfiar por completo de los hombres. Y de Saul (Sarsgaard) un hombre con demencia senil cuyo hermano lo infantiliza y sobreprotege, pues parece que ya está al final de su vida. 

Ambos poco a poco construyen una relación que les ayuda a sanar sus heridas, recuperar su independencia y comenzar a construir su libertad. Saul le enseña a Sylvia cómo se ve un amor respetuoso, mientras que Sylvia respeta a Saul y no insulta su inteligencia.

Memory se presentó en la 21 edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). Y durante la celebración, Jessica Chastain, Peter Sarsgaard y Michel Franco hablaron sobre cómo construyeron la ambiciosa película, y por qué fue un proceso tan complejo que efectivamente podría llevarles al Oscar. 

Michel Franco
Foto: Becka Salas | Fuera de Foco

Memory: ¿El proyecto más ambicioso de Michel Franco? 

“Yo estoy completamente en contra de que una película pueda resumirse en dos líneas” dijo Michel Franco durante la gala de presentación de su película. Durante la celebración de su estreno, él enfatizó lo mucho que le gusta “contar historias de personas rotas”. Aunque esta vez sus personajes encuentran una forma de sanar.

“Empecé a hacer esta película después de Sundown, cuando ya había encontrado algo de paz”. Michel Franco dice que Memory podría ser su película más esperanzadora. Y es que contrario a sus otros proyectos, que usualmente presentan historias sombrías con finales trágicos, su nueva cinta nos presenta un capítulo en la historia de dos personas que encuentran la paz durante un momento. 

Durante la gala, Michel Franco hizo notar que realmente la historia “queda con un signo de interrogación”. Después de muchas idas y venidas, Saul y Sylvia logran estar juntos. “¿Pero qué pasa después? No sabemos. Me gusta la idea que las películas tengan muchas capas”. 

Sylvia y Saul enfrentan muchos altibajos en su relación. No sólo porque ella es una mujer traumatizada por los abusos que sufrió en la infancia y por una familia que se niega a reconocer su duelo, también porque la familia de él no cree que Saul sea lo suficientemente racional para decidir si de verdad la ama o no.

Al final, encuentran un momento de paz. ¿Pero cuánto durará? Con un duro hermano que busca controlar cada paso de la vida de Saul y la pobre estabilidad económica, mental y emocional de Sylvia, realmente no hay una respuesta definitiva en la película de Michel Franco.

Pero lo interesante de la película es precisamente ver cómo se entretejen tensas historias y verdades sumamente incómodas. También habla sobre cómo se reconstruye la realidad a través de la memoria, nuestros sesgos, y cómo la mente configura nuestros recuerdos. Con diálogos explosivos que son potenciados por la increíble actuación de sus protagonistas, la película expone verdades incómodas, tensiones familiares, y nos hace repensar qué tanto podemos confiar en nuestros recuerdos.

Michel Franco
Foto: Michel Franco | Becka Salas | Fuera de Foco

El difícil proceso para crear Memory 

Durante la gala, Jessica Chastain mencionó que la película se filmó en orden cronológico. “Eso le permitía a Michel retroceder, adelantar y tomar perspectiva. Así fuimos armando el rompecabezas” pero lo más interesante fue la intensa preparación que tuvieron ella y Sarsgaard para construir a sus personajes. 

Para Jessica Chastain, construir a Sylvia fue un proceso muy duro. “Es sumamente difícil encarnar a una persona así”. Alcohólica, temerosa del mundo, de los hombres, viviendo con culpa y rencor, Sylvia intenta salir adelante por su hija, Anna. “Fueron momentos muy duros. Recuerdo incluso que una vez, tiempo después, alguien se me aceró y yo me alejé, había construido esta coraza alrededor de mi cuerpo de la cual fue difícil desprenderme”. 

En conferencia de prensa, Michel Franco había mencionado que ella “había entrado en una especie de trance”. El resultado es un personaje tan complejo y conmovedor, que con su cara puede expresar angustia, ansiedad, tristeza y felicidad en una sola escena. Su resiliencia y la forma en la que permite que Saul entre a su vida es lo más esperanzador de la cinta, pues no importa lo hondo que caiga, ella trabaja día a día para salir de ahí.

Con respecto a Sarsgaard, el actor reveló que visitó a dos pacientes con demencia, quienes cambiaron por completo la forma en la que entendía la enfermedad y cómo recuerda la mente. “Me sorprendió lo mucho que recordaban sobre mi, sobre la última vez que habíamos hablado. Tuve un tío que tuvo esta condición, así que desde el principio supe lo incómodo que es lo mucho que saben, y lo mucho que no saben”. 

En un momento, Saul cree que abusó de Sylvia, ya que ella lo acusa y él no tiene herramientas para negarlo o afirmarlo. “En un momento, pensar que soy un perpetrador” dijo el actor en la conferencia, “es muy duro, pero el guion tiene tantos matices y tantas vueltas, que maneja eso de una forma elegante”. 

Ambos actores hablaron sobre construir lo que no aparece en la película para darle mayor dimensión a sus personajes. En el caso de Sarsgaard, él mencionó que “de verdad se esmeró en descubrir quién era la figura de su esposa”. En la película, la esposa de Saul aparece en fotos y diálogos lejanos que mencionan que la extraña, pero nada más.

Sobre Sylvia, el padre de Anna está completamente ausente. Pero se sabe que ella dejó de beber cuando su hija nació, y dado su duro pasado, la audiencia puede intuir que su relación fue igual de tumultuosa, al grado en el que tal vez ella no tuvo relaciones sexuales hasta que conoció a Saul. Estos detalles, que aunque

Jessica Chastain también alabó continuamente el trabajo de Michel Franco en el guion, asegurando que “si bien hemos hecho dos películas y vamos por la tercera, yo podría hacer 4, 5, 6. Así que espero trabajar mucho en México”.

Memory es una película que habla sobre el amor, la libertad, la camaradería y la sanación. Desde una perspectiva cruda, dura, e intensa, características que definen al cine de Michel Franco. Y definitivamente tiene todo para llegar a la temporada de premios en 2024.

Michel Franco
Foto: Becka Salas | Fuera de Foco

¡Priscilla Presley defiende su relación con Elvis!

En este artículo: 

  • Priscilla Presley explicó desde su perspectiva como fue empezar una relación con Elvis cuando ella tenía 14 años. 
  • Aunque acepta que fue controversial y causó problemas con su familia, la base de su relación siempre fue el amor y nunca sintió que el cantante se aprovechara de ella. 
  • Asegura que incluso después de su divorcio siguieron siendo muy cercanos, y Elvis estuvo involucrado en la crianza de su hija, Lisa Marie.

Priscilla Presley se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia junto a la directora de Priscilla, Sofia Coppola, y los actores Jacob Elordi y Cailee Spaeny, para mostrar la película basada en sus memorias escritas 1985, Elvis and Me, un libro que cuenta su historia desde la perspectiva de la esposa del fallecido cantante. 

Si bien la relación protagonizó varios escándalos, uno de los más importantes fue la importante diferencia de edad que tenían cuando se conocieron, dado que Priscilla tan solo tenía 14 años y Elvis 24. Sin embrago, durante la conferencia de prensa, Priscilla aseguró que esto nunca fue un problema y defendió su relación.

Priscilla
IMAGEN: PASCAL LE SEGRETAIN/GETTY IMAGES

Priscilla Presley recuerda con cariño a Elvis 

Priscilla Presley aseguró que la diferencia de edad con Elvis nunca fue un problema en su relación debido a que ambos se entendían muy bien y lograron una conexión casi instantánea. “Elvis me abría su corazón, sus miedos, sus esperanzas, la pérdida de su madre que nunca superó, y yo era la persona que realmente se sentaba allí para escucharlo y consolarlo”, dijo. “Yo era un poco mayor en vida que en números y esa era la atracción”.

Priscilla aceptó que la diferencia de edad trajo muchas crítica sus padres estaban muy preocupados, ya que pensaban que el cantante podría abusar de ella.

Pero Priscilla asegura que no fue así, ya que la empresaria mencionó que no tuvieron relaciones sexuales mientras era menor de edad. “Él era muy amable, muy suave, muy cariñoso. Pero también respetaba el hecho de que yo solo tenía 14 años”, añadió. “Éramos más en mente y pensamiento. Y esa era nuestra relación”.

La pareja estuvo casada ​​de 1967 (cuando Priscilla tenía 22 años) a 1973. Se divorciaron cuatro años antes de la prematura muerte de Elvis, a quien Priscilla lo llamó “el amor de su vida” en la conferencia de prensa y comentó que las razones de su separación nunca fue por falta de amor, sino por el estilo de vida del cantante. “Creo que cualquier mujer puede identificarse con eso”, añadió.

No obstante, después de su separación ambos continuaron siendo muy cercanos para criar en conjunto a su hija Lisa Marie Presley. “Me aseguré de que él la viera todo el tiempo”, explicó Priscila. “Era como si nunca nos hubiéramos dejado”.

Priscilla
IMAGEN: SIN ACREDITAR/AP/SHUTTERSTOCK

Priscilla triunfa en Venecia

De acuerdo con una sinopsis de la película publicada en el sitio web oficial del Festival de Cine de Venecia, Priscilla, de Sofia Coppola, cuenta el “lado invisible de un gran mito estadounidense” en el largo noviazgo y el turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla. La cinta ya ha generado críticas positivas desde su estreno en el festival y, hasta el momento, mantiene 96% de aprobación en Rotten Tomatoes. 

Presley comentó que era “muy difícil sentarse y ver una película” sobre su vida y su amor pero que la directora había hecho “un trabajo increíble, hizo su tarea”, mientras que ella trató de poner todo de su parte.  “Y realmente hice todo lo que pude por ella”. Coppola ganó un Premio Óscar a mejor guion original por Lost in Translation, además de ser la tercera mujer en la historia en ser nominada a mejor director por la Academia. 

Priscilla llega un año después de la película biográfica de Elvis del director Baz Luhrmann, protagonizada por  Austin Butler (nominado al Oscar a Mejor Actor) y Olivia DeJonge como Priscilla. Sin embargo, esta historia se centralizó más en la carrera y vida del cantante y su manager el coronel Tom Parker, interpretado por Tom Hanks.

Priscilla
IMAGEN: DANIELE VENTURELLI/WIREIMAGE

¿Por qué Roman Polanski fracasó en el Festival de Venecia?

En este artículo: 

  • The Palace, la nueva película de Roman Polanski, se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, pero podría ser una de las peores películas en la carrera del cineasta. 
  • Su presencia causó gran controversia por la impunidad que rodea su caso de abuso sexual, pero el presidente del festival y otras figuran lo defendieron. 
  • Parte de la crítica especializada que ya vio la película la cataloga como “uno de los más grandes fracasos del año”.

La reciente película de Roman Polanski, The Palace, se desarrolla en el lujoso hotel Gstaad Palace de Suiza durante la víspera de año Nuevo de 1999.

La cena da un giro inesperado que pondrá en aprietos a todos los/as clientes. El proyecto es protagonizado por Mickey Rourke, Fanny Ardant y John Cleese y se inspiró en las estancias del propio Polanski en el mismo hotel. 

Aunque durante mucho tiempo Roman Polanski fue considerado como uno de los mejores directores de la industria por sus éxitos como The Pianist y Rosemary’s Baby, en 1977 fue acusado por violar a un a menor de edad en Estados Unidos, lo que provocó que el cineasta se refugiara en Europa para no enfrentar los cargos.

Sin embargo, él ha continuado con una prolífica carrera cinematográfica y sus entregas suelen ser bien recibidas. Pero The Palace fue una fatídica excepción, pues ya la catalogan como la peor película en la carrera del director.

Roman Polanski
Copyright © RAI Cinema.

Los proyectos de Roman Polanski comienzan a pasar desapercibidos 

De acuerdo con Variety, la película de Roman Polanski recibió un aplauso de tan solo tres minutos, algo inusual en los festivales de cine que suelen reportar ovaciones de mucho más tiempo.

Además, se dice que el productor de la película, Luca Barbareschi; la estrella francesa, Fanny Ardant; y otros miembros del reparto incluido el actor alemán Oliver Masucci, fueron los que tuvieron que ponerse de pie para comenzar los aplausos para provocar que el público los siguiera. 

Desde que se anunció que Roman Polanski formaría parte oficial del festival de Venecia, provocó que el evento fuera criticado, ya que no es la primera vez que un director con acusaciones de abuso sexual se presenta para estrenar películas y hasta recibe reconocimientos y galardones..

Tan solo este año, también se sumó al festival Woody Allen, quien fue acusado de abuso sexual y grooming a su hija adoptiva; así como Luc Besson, señalado de abuso por parte de varias victimas. 

Sin embargo, el director artístico del Festival de Cine de Venecia, Alberto Barbera, defendió la participación de estos directores en una entrevista con Variety. “Han pasado 60 años. Polanski ha admitido su responsabilidad. Ha pedido perdón. Ha sido perdonado por la víctima”, agregó. “La víctima ha pedido que se ponga fin al asunto. Creo que seguir golpeando a Polanski significa buscar un chivo expiatorio para otras situaciones que merecerían más atención”.

Asimismo, durante la conferencia de prensa sobre The Palace, el productor de la película, Luca Barbareschi expresó su apoyo Roman Polanski gritando “¡Viva Polanski!”. Además, incentivó a que las plataformas de streaming compraran la nueva película del director para distribuirla. “No entiendo por qué todas las plataformas: Paramount+, Amazon, Netflix, tienen [películas más antiguas] de Polanski que les están generando millones”, dijo. “¿Por qué no producen la nueva película de Polanski?”.

Roman Polanski
Imagen: John Phillips | Getty Images

The Palace genera críticas negativas 

A pesar de toda la controversia, el Festival de cine de Venecia apoyó estrenar la película Roman Polanski, la crítica especializada no ha parado de publicar reseñas negativas de la cinta. Por poner un ejemplo, el periodista y crítico de cine de Variety, Owen Gleiberman, escribió que The Palace es un “debacle de una comedia” y que mientras estuvo sentado en  Sala Darsena, con capacidad para 1.400 personas, para ver la película, la mayoría de los/as espectadores/as jamás emitieron una risa

“No estoy seguro de haber escuchado alguna vez una sala de cine gigante  tan  silenciosa para ver una película que trabaja tan arduamente para divertirte”.

Owen Gleiberman

Por su parte el crítico de Deadline, M. Abramówska, escribió que Roman Polanski ahora era el “hazmerreír” del festival por lo mala que es The Palace. Hay insinuaciones obscenas, un chiste de mala calidad sobre el Alzheimer y alguna sátira burda que cae en picado a profundidades descaradas”.

“Es increíble, pero, a la edad de 90 años, es posible que Polanski se haya cancelado a sí mismo con una película que probablemente nunca verá la luz en ningún país de habla inglesa”, añadió.

The Palace también reporta en el sitio de Rotten Tomatoes un cero por ciento de aprobación por parte de la crítica que ya tuvo la oportunidad de verla, convirtiéndose en en uno de los fracasos cinematográficos más atroces del año “posiblemente incluso de la década”, agregó el crítico del Times, Kevin Maher.

Roman Polanski
Copyright © RAI Cinema.

¿Por qué Pablo Larraín retrata a Pinochet como un vampiro?

En este artículo: 

  • El director Pablo Larraín explicó sus razones detrás de retratar a Pinochet, uno de los dictadores más famosos de América Latina, como un vampiro.
  • Asegura que es una metáfora sobre el fascismo, ya que así puede retratar los aspectos seductores y tramposos de la ideología política.
  • Larraín dice que todavía hay un tabú alrededor de Pinochet, por lo que es importante hacer una cinta que hable sobre lo que en realidad fue y cómo impactó la historia de Chile.

El director chileno Pablo Larraín regresará al Festival de Cine de Venecia para presentar su más reciente película, El Conde, una historia de comedia negra y terror centralizada en el dictador Augusto Pinochet, quien en la trama nunca murió y, en cambio, se convirtió en un vampiro que después de 250 años decide ponerle fin a su vida tras una complicada situación familiar y el deshonor hacia su figura.

Si bien existen muchas películas históricas bastante impactantes sobre la dictadura chilena, El Conde, pretende llevarlo a un nuevo nivel al plantear la idea de que en realidad  Pinochet ni la dictadura han muerto, debido a que sus crímenes y el terror de sus acciones siguen provocando consecuencias.

Por esta razón, para  Larraín, ejemplificarlo en un “monstruo” que es inmortal era algo casi natural para su historia, pero, ¿Por qué decidió hacer esta historia? A continuación te lo platicamos.

Pablo Larraín
Imagen: Matt Winkelmeyer | Getty Images

Pablo Larraín considera que era momento de filmar una película sobre Pinochet

Pablo Larraín, quien recientemente se llevó aplausos por Spencer, esta listo para regresar a uno de los festivales de cine mas importantes con El Conde, una película bastante arriesgada que decidió filmar en blanco y negro junto al director de fotografía Ed Lachman, y protagonizada por el actor chileno Jaime Vadell. 

El sangriento régimen de Pinochet en Chile duró casi 17 años que comenzó con un golpe militar en 1973, en donde más de 3.000 personas murieron o desaparecieron debido a la violencia. Sin embargo, a pesar de sus crímenes, Pinochet, murió a la edad de 91 años en 2006, impune y rico. Por esta razón, aún causa indignación en la sociedad no solo en Chile, sino en toda América Latina. 

Larraín, ya había abordado el tema de Pinochet en Tony Manero y Post Mortem, así como en la nominada al Oscar de 2012 No, que narra la exitosa campaña para destituir al dictador. Pero esta será la primera vez que narra la historia de una manera diferente, ya que es sus palabras, tenía la urgencia de “por fin ponerle una cámara en su cara”. 

“Hacer una película que pusiera una cámara directo a su cara. Es un gran paso para nuestra cultura. Y algunas personas piensan que es demasiado pronto, otras piensan que está bien”. 

Pablo Larraín para Variety

El director señaló que hasta la fecha la figura de Pinochet sigue siendo un debate en Chile, ya que apenas en una votación llevada a cabo en mayo pasado, los chilenos rechazaron una propuesta para reescribir la constitución del país de la era de la dictadura. “Pinochet murió en total impunidad, millonario, libre”, agregó Pablo Larraín.

“Y por eso creo que su figura sigue siendo como una mancha oscura en nuestra sociedad que nos recuerda cada día lo destrozados que estamos y lo divididos que estamos”.

Copyright © Netflix.

Pablo Larraín espera que la película pueda impactar a más de uno 

Aunque Pablo Larraín especificó que realmente no le interesa que El Conde se vuelva una conversación política, espera que sí pueda concientizar a la sociedad actual y hacerles saber que el “el fascismo se presenta en diferentes formas” en la actualidad, disfrazada de “seducción, luego pasan al miedo y luego terminan en violencia” y eso es algo que “estamos viendo con el ascenso de la derecha en muchos países del mundo”. 

“Así que realmente espero que esta película pueda hacer eso y romper esas barreras y hacer que la gente piense en sus propias realidades y tome esto como un testimonio de una de ellas”. 

Pablo Larraín

Pablo Larraín también explicó que el personaje de monja encubierta llamada Carmencita, en realidad es un guiño a una organización que se llamaba Vicaría de la Solidaridad, un organismo de la Iglesia católica en Chile creada por el papa Pablo VI que ayudó a familias y víctimas de la dictadura militar chilena, desafortunadamente años después se vieron involucradas en un escándalo de abuso sexual. “Representa una potencia que aún es fuerte en el mundo”, agregó. 

La película se estrenará en cines de forma limitada el próximo 7 de septiembre en algunos países incluido  Estados Unidos, Reino Unido, Chile, Argentina y México, para luego llegar a Netflix a nivel mundial el 15 de septiembre.

Copyright © Netflix.

¿El Festival de Venecia será muy diferente en 2023?

En este artículo: 

  • El Festival Internacional de Cine de Venecia anunció cómo será su alineación en medio de las huelgas. 
  • Las huelgas impiden que las estrellas de las películas más esperadas, como Bradley Cooper, Emma Stone, Michael Fassbender o Tilda Swinton, no podrán transitar por la alfombra roja ni hacer entrevistas. 
  • Sin embargo, entre directores y productores, el Festival de Venecia pinta para ser muy interesante y diferente.

Debido a la huelga de actores y guionistas que ha paralizado a Hollywood, es posible que El Festival de Cine de Venecia sea muy diferente a lo que conocemos, ya que el evento que comúnmente es una plataforma de lanzamiento para películas que más adelante veremos en los Oscar, ahora contará con menos participación por parte de sus protagonistas. 

Si bien hasta ahora el Festival de Venecia conserva gran parte de su competencia como Poor Things de Yorgos Lanthimos, The Killer de David Fincher y Priscilla de Sofia Coppola, otros artistas como Luca Guadagnino ha decidido retirar Challengers. Asimismo, lo que pudo ser un año repleto de estrellas como Bradley Cooper, quien dirige y protagoniza a Leonard Bernstein en el Maestro, ahora se verá limitado a las entrevistas de directores y productores.

Venecia
Imagen: Pascal Le Segretain | Getty Images

Las favoritas de Venecia 

Entre las principales películas que participarán este año se encuentran Poor Things de Yorgos Lanthimos, que es descrita como una historia con grandes influencias del clásico cuento Frankenstein, pero en este caso se centra en un personaje femenino. Está protagonizada por Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo, Jerrod Carmichae y Ramy Youssef, y ya se posiciona como una de las más favoritas  de Venecia. 

Por otro lado, se encuentra The Killer del multipremiado David Fincher, quien en esta ocasión se sumerge en la historia de un asesino que comienza a resquebrajarse psicológicamente a medida que adquiere conciencia de sus acciones. La película cuenta con las actuaciones de Michael Fassbender, Tilda Swinton,  Sophie Charlotte y Arliss Howard, 

También se espera la participación de la premiada directora Sofia Coppola con Priscilla, una película basada en las memorias de Elvis and Me de Priscilla Beaulieu y Sandra Harmon que sigue la vida de Priscilla y su relación con el músico Elvis Presley. Una de las empresas de Venecia será la participación de la directora Ava DuVernay, quien será la  primera cineasta afroamericana en competir.

DuVernay, quien es conocida por Selma y Así nos ven, llevará al festival su película Origen, una historia que aborda la desigualdad racial sistémica en Estados Unidos y explorará la jerarquía de los injustos sistemas de castas que han conformado América.

Por último, Bradley Cooper volverá con su segunda trabajo como director, en el que interpreta al legendario compositor Leonard Bernstein. La película abarca 30 años de la vida del importante personaje y se centra más en la relación con su esposa Felicia Montealegre (Carey Mulligan) que en su propia música.

Venecia
Copyright © Searchlight Pictures.

¿El cine independiente será más importante en Venecia? 

Ahora que las mega estrellas Hollywoodenses no podrán asistir a promocionar sus películas a Venecia, es posible que los proyectos más independientes comiencen a tener más protagonismo en la competencia. Esto incluye al autor francés Bertrand Bonello, quien se une a la competencia por primera vez con La Bestia, protagonizada por George MacKay y Léa Seydoux, una ciencia ficción distópica ambientada en un mundo en donde las personas pueden revivir sus vidas pasadas para deshacerse del peso de las emociones humanas. 

Mientras tanto, Luc Besson regresará a competir con Dogman, después de que su participación causó una reciente controversia por los cargos que enfrentó por violación. También se verá el regreso de la directora polaca Agnieszka Holland, que rodó en secreto The Green Border, una cinta sobre los refugiados sirios en la frontera entre Polonia y Bielorrusia. 

También Venecia incluye Evil Does Not Exist, la nueva película del ganador del Oscar por Drive My Car, Ryûsuke Hamaguchi, que habla sobre la construcción de un resort de lujo en Tokio que pone en peligro el equilibrio ambiental. Por otro lado, el festival contará con la participación del mexicano Michael Franco con Memory, protagonizada por Jessica Chastain, Peter Sarsgaard y Elsie Fisher. Sin embargo, hasta el momento no sabemos absolutamente nada sobre esta película.

Venecia
Copyright © Netflix.

Películas en Venecia fuera de competencia 

La lista Fuera de Competición trae a Venecia a algunos cineastas esperados como un cortometraje de Netflix dirigido por Wes Anderson sobre Roald Dahl titulado, La maravillosa historia de Henry Sugar, que fue realizado con stop-motion y filmado 16 mm, 

También se presentará Aggro Dr1ft, de Harmony Korine, protagonizada por el rapero Travis Scott; así como la comedia de acción Hit Man, de Richard Linklater, protagonizada por Glen Powell, quienes coescribieron el guion basado en un artículo de la revista Texas Monthly

Por último, se presentarán las nuevas películas de Woody Allen, Coup de Chance, y Roman Polanski,The Palace, quienes han enfrentado una gran controversia al ser acusados de violación y que incluso, hasta la fecha, Polanski, tiene prohibido ingresar a Estados Unidos por los cargos que enfrenta. Sin embargo, en festivales como Venecia parecería que no le importan los delitos de su pasado ya que apenas en 2019 ganó el León de Oro An Officer and a Spy.

Venecia
Copyright @ A24

¿Por qué Bardo nunca estará completamente terminada?

Alejandro González Iñarritu asegura que, a pesar de haber recortado 22 minutos de la versión original de Bardo, la película “nunca estará realmente terminada”.

Bardo es una de las películas mexicanas más esperadas del año. No sólo porque la magnitud de su producción llevó a que Netflix decidiera estrenarla también en salas, sino porque es la primera colaboración del cineasta Alejandro González Iñarritu con la plataforma.

Sin embargo, desde su primera presentación en Venecia la cinta se ha visto sujeta a la polémica. Pues contrario a lo que se esperaba, las primeras críticas de la magnum opus del director no fueron precisamente las mejores.

Tachándola de pretenciosa e ininteligible, después de su estreno en Venecia Iñarritu llevó la cinta a re-edición, modificándola para futuras presentaciones y su lanzamiento comercial, pero ¿cuál fue exactamente la razón por la que lo hizo? Te lo explicamos.

¿No se alteró la historia?

En entrevista con Entertainment Weekly, el director reveló que en realidad, Bardo terminó de editarse tan sólo dos días antes de su exhibición en Venecia. El primer corte apuntaba a una duración de tres horas, sin embargo, la versión mostrada en cines cuenta con 22 minutos menos y una estructura ligeramente distinta.

“Nunca tuvimos la oportunidad de verla con un público antes de Venecia.” relató Iñarritu, “Para mí, ese fue un momento frente a dos mil personas repleta de oportunidades para cambiar detalles, sin que se altere la esencia de la cinta, pero para hacerla más concisa”.

“Sentía que algunas escenas podrían acortarse y llegar al punto más rápido, sin sacrificar realmente nada de la historia. Y para mí, editar es un proceso sin fin con el que puedes jugar, especialmente con esta película que es tan abierta”.

Alejandro González Iñarritu
Bardo

¿Nunca estará lista?

Previamente el director había comentado que quizá “Bardo nunca estaría lista realmente”, pues afirma que de estar en su poder, continuaría haciendo modificaciones a la cinta.

“Desería haber tenido más tiempo, pero se tiene que cumplir con la fecha de un festival o de lanzamiento. De todas formas, me hizo feliz ser capaz de sentir y poder poner otro par de semanas de trabajo sobre la cinta. Todo fue mucho más claro y sencillo para lograr este corte, lo que me alegra mucho”.

Alejandro González Iñarritu

Una vez más, el director recalcó que no siente que la película llegue a estar completamente terminada, pues narra que es “como escribir un artículo. Pasas por bocetos y bocetos, y siempre puedes sacar una palabra o dos o redactarlo mejor”. 

“Siempre hay una forma de hacer las cosas más fuertes. Es un proceso interminable”.

Alejandro González Iñarritu
Bardo ya está en carteleras mexicanas y llegará próximamente a Netflix.

¿Por qué Blonde de Andrew Dominik es tan controversial?

Una semana después de su estreno en Netflix, usuarios en redes sociales y la crítica especializada han tachado a Blonde de Andrew Dominik de ser una cinta “despreciable”, “machista” y “cruel”.

Sin duda una de las cintas más esperadas del año era Blonde. La biopic sobre Marilyn Monroe protagonizada por Ana de Armas y dirigida por Andrew Dominik, la cual llegó a Netflix apenas la semana pasada luego de su gira por festivales.

Si bien, durante su presentación en Venecia la actuación de Ana de Armas fue reconocida como una de las mejores del año, luego de una ovación de pie de 14 minutos por parte de los asistentes a la proyección, la calificación de Blonde hasta ahora en Rotten Tomatoes figura en el 44%, además de duras críticas por parte de la prensa especializada y la audiencia en general.

Entre las opiniones del público resaltan frecuentemente los comentarios a la cinta por ser demasiado “sexista”, “cruel” y una de las películas “más detestables” jamás hechas.

Blonde

¿Propaganda antiabortista?

La crítica Manohla Dargis del New York Times, mencionó en su review de la cinta que “Dadas todas las situaciones indignantes y horrorosas que Marilyn Monroe soportó por 36 años, es un alivio que no tenga que sufrir todas las vulgaridades de “Blonde”, una nueva forma de entretenimiento necrofílico para explotarla.”

A lo largo de la cinta se retratan varios de los momentos más duros de la actriz, entre ellas, escenas de violaciones explícitas, violencia, aborto, entre otras más, razón por la que varias personas han pedido a Netflix que antes de la película se coloquen advertencias respecto a estos temas.

La escritora del material en el que se basa la historia, Joyce Carol Oates, dijo que la película “logra capturar la esencia del libro a la perfección”, sin embargo, los usuarios no tardaron en señalar las situaciones expresas en la película como “violencia innecesaria para generar morbo”.

“Tuve la oportunidad de ver Blonde en Netflix y la película es anti-aborto, sexista y explotativa” dijo Steph Herold, investigadora de la Universidad de California en San Francisco, “No podría recomendarla menos. No la vean. Las escenas de aborto en particular son terribles, pero también lo es toda la película”.

Tras los comentarios, más usuarios resaltaron que en efecto, la película se sentía como parte de una “cruel propaganda antiabortista” y una forma de usar la memoria de Marilyn Monroe como bandera de una causa que afecta a las mujeres actualmente.

Blonde

¿Un punto de vista demasiado sexista?

Justin Chang, crítico de Los Angeles Times comentó que “la película no trata sobre Marilyn Monroe. Es sobre hacerla sufrir”, argumentando que más allá de contar verídicamente la vida de la actriz, Blonde se enfocaba en los momentos más crueles de su vida para venderlos a la audiencia a modo de “prostitución para entretenimiento de las masas”.

“Cuando una película realmente es devastadora, te queda una sensación de gratitud después de lo que has visto.” Comentó Adam Nayman, columnista de The Ringer, “Pero Blonde es la clase de película que te brutaliza por tres horas, y te dice “de nada”. Bueno, gracias por nada”.

Y es que posteriormente, más usuarios señalaron a Dominik de ser un director “machista”, cuya mera intención era “adueñarse de una historia y contarla de la manera más dolorosa posible”.

“Blonde existe para poner a Norma/Marilyn en una caja donde sólo puede ser abusada, sexualizada y donde llama a la gente “papi”. Quizá deberíamos dejar que hombres misóginos intenten hacer películas vanguardistas sobre mujeres de las que no saben nada en lo absoluto”

@sinceiveknownu

Otro usuario se refirió a la película como “la cosa más irrespetuosa, desagradable y fabricada en la historia de las biopics”, pues afirma que en la cinta se retrata a Marilyn Monroe como una víctima débil cuando la actriz participó activamente por los derechos civiles y la equidad de salarios en Hollywood. “Marilyn nunca quiso que la trataran como un chiste o un objeto sexual, y Blonde hizo todo esto”.

Blonde

¿Un pase asegurado al Oscar?

Blonde ha generado por demás críticas divididas, las cuales la vuelven una de las películas más controversiales de 2022. Sin embargo, aunque la historia ha sido señalada como un medio de entretenimiento morboso, gran parte de la crítica destaca la actuación de Ana de Armas. 

Recientemente incluso, el actor Chris Evans, quien ha participado junto a Ana de Armas en varias producciones, dice estar seguro que “Blonde será su primera nominación al Oscar”.

“Creo que es una de las primeras oportunidades en las que [Ana] ha tenido que entrar en un papel increíblemente demandante. No vi una pizca de miedo en ella, sino emoción. Recuerdo haber visto el test de cámara que hicieron, y pensar “Okay, esa es Marilyn, ¿dónde está tu toma? ¿Esa eres tú? ¡Mierda! ¡Vas a ganar un Oscar por esto!”

Chris Evans

Aunque por el momento es demasiado pronto para pensar en las nominaciones al Oscar, es seguro que a pesar de la controversia Netflix postulará a Blonde para ser uno de sus competidores este año, especialmente empujando por figurar en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Vestuario y Mejor Peinado y Maquillaje.

Te dejamos aquí la crítica de Fuera de Foco:

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¿Por qué Iñárritu le quitó 22 minutos a Bardo, su nueva película?

La cinta “Bardo” de Alejandro González Iñarritu ha sido reeditada, contando con 22 minutos menos que su versión original estrenada en Venecia.

Recientemente se lanzó el tráiler oficial de la próxima película del director mexicano Alejandro González Iñarritu, Bardo, Falsa Crónica de unas Cuantas Verdades; donde se reveló que la película seguirá a un exitoso periodista y cineasta quien volverá a la Ciudad de México luego de varios años en los Estados Unidos. En sí, el tráiler está cargado de metáforas sobre distintos momentos históricos mexicanos, además de varios instantes que, por ahora, parecen ofrecer una experiencia visual completamente distinta a lo previamente visto en el trabajo del director.

Bardo hizo su debut en el Festival de Cine de Venecia, donde el director vio por primera vez el corte final junto a la audiencia. Si bien, la cinta recibió una ovación de 4 minutos, las críticas al día siguiente fueron mixtas, las cuales en su mayoría llamaban a la película de Iñárritu una “pieza demasiado pretenciosa, sin pies ni cabeza”. 

Ante la crítica, el director afirmó que varios de los comentarios recibidos venían desde un punto de vista racista, en el que la crítica especializada no “consideraba a un director mexicano capaz de crear una pieza visual como Bardo”. 

En una entrevista reciente con Indiewire, el director ha revelado que después de la primera proyección luchó bastante con su propia visión, por lo que además de ensamblar el tráiler, volvió a la sala de edición para reestructurar el corte final de Bardo.

Bardo

Una nueva versión

González Iñarritu admitió haber cambiado la cinta para sus futuras proyecciones, recortando algunas escenas y añadiendo partes nuevas con las que se sentía más cómodo. El corte final de Bardo, el cual será exhibido por primera vez en el Festival de Cine de San Sebastián cuenta con 22 minutos menos que la versión original, recortando el tiempo final de la cinta a 2 horas y 32 minutos, sin contar los créditos. 

El director mencionó que las fechas de entrega evitaron que tanto él como su familia y amigos pudieran tener proyecciones previas a su primera presentación en el festival, siendo Venecia la primera prueba de la película frente a una audiencia.

“Fue una gran oportunidad para ver y aprender sobre las cosas que podrían ser mejor si las recortamos un poco, o agregar una escena que no había estado lista a tiempo, mover el orden de un par de cosas. Poco a poco la cortamos, y me siento emocionado por ello”. 

Alejandro González Iñarritu

Sin embargo, el nuevo corte podría no ser la versión final de la película, pues el director asegura que “seguiría haciéndolo hasta que se lance comercialmente” justificando la acción al mencionar que “una película nunca termina de estar lista. Las fechas de entrega solo te demandan que la tengas lista.”

No sería la primera vez que Iñarritu hace cambios en una película después de su primera exhibición. Pues previamente, el director había hecho exactamente lo mismo con películas como “21 Gramos” y “Babel”, las cuáles fueron editadas después de su estreno en festivales. 

Bardo

¿Las críticas influyeron en el cambio?

Durante el Festival de Telluride, Iñarritu dijo estar “evadiendo las críticas” de Bardo, asegurando que no había leído una sola por mantener su salud mental, por lo que asegura que el cambio no es debido a las críticas sino a una percepción propia.

No obstante, dijo sentirse motivado por las respuestas que el público mexicano ha tenido en los Festivales, quienes lo describían como “una película muy chilanga”. 

“Los chilangos la están entendiendo, y eso ha sido muy satisfactorio para mí. La gente se ríe muchísimo y esa ha sido la mejor respuesta de todas”. 

Alejandro González Iñarritu

En la nueva versión de Bardo se agregó una escena donde el personaje principal tiene una conversación con su chofer mientras se dirigen a la Ciudad de México. Respecto a la escena, el director comenta que “es un momento muy breve, pero necesario”. Más allá de ello, no reveló qué otros cambios se habían hecho a la edición de Bardo, argumentando que sería “un truco de magia que nadie sabrá cómo sucedió”.

Y en efecto, sólo los espectadores de los festivales de Telluride y Venecia podrían definir los cambios exactos de la cinta, entre los que Iñarritu dice, hay toda una reestructuración musical.

“La mayor parte de la película sigue intacta. Era más un tema de lograr el ritmo correcto con algunas escenas”, aseguró González Iñarritu, quien recalcó que el primer corte (antes de Festivales) de Bardo contaba con más de 4 horas.

“La longitud de la película nunca fue el problema. He visto películas de 80 minutos que se sienten larguísimas, o películas de tres horas y media que no se sienten extensas en lo absoluto.” 

Alejandro González Iñarritu

Después de su estreno en San Sebastián, el nuevo corte de Bardo se exhibirá en el resto de los Festivales de la temporada, previo a su estreno en cines y en Netflix. En México, oficialmente se anunció que bardo tendrá un estreno comercial en las dos cadenas principales de cines del país, llegando a las salas el próximo 27 de Octubre.

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¡Brendan Fraser habla sobre la forma en que The Whale retrata al sobrepeso!

Brendan Fraser explica el proceso para interpretar a un hombre con sobrepeso en The Whale 

El regreso de Brendan Fraser a la pantalla grande ha sido esperado por el público durante muchos años y, ahora, cada vez estamos más cerca de verlo en The Whale en donde interpreta a Charlie, un profesor con sobrepeso que lucha con sus demonios del pasado, incluida la pérdida de su exnovio y la reconciliación con su vida adolencente. 

La película dirigida por Darren Aronofsky, se ha descrito como una historia esperanzadora, en la que Charlie puede ver lo bueno en aquellos que no pueden verlo en sí mismos. Por ello, Fraser contó a Entertainment Weekly que trabajó junto a la Obesity Action Coalition para investigar los elementos mentales y físicos que requería el personaje.

“Me hizo apreciar el increíble coraje que tienen que poseer para su propia supervivencia, y se necesita una persona increíblemente fuerte y físicamente capaz para vivir dentro de un cuerpo que, en el caso de Charlie, pesa cientos y cientos de libras”. 

Brendan Fraser

Para Fraser, interpretar a un hombre que tiene problemas físicos le hizo desarrollar respeto por las personas que viven con cuerpos grandes y deben enfrentarse a diferentes situaciones. 

“Fue una misión sorprendente y un trabajo de contemplación. Digo esto porque es importante tener respeto por quienes tienen esa estructura corporal. Aprendí, casi de una manera poética, que necesitas tener una voluntad increíblemente fuerte de espíritu y cuerpo para habitar un cuerpo del tamaño del de Charlie, y esa es una apreciación que llegué a respetar más y más cada día”.

Brendan Fraser
Brendan Fraser

El reto de meterse al personaje

Durante su estreno en el Festival de Cine de Venecia, The Whale recibió elogios por la interpretación de Brendan Fraser. Sin embargo, el actor detalló que someterse a usar una prótesis y sentir los cambios físicos del personaje, le hizo ser más consciente. “Me acostumbré bastante rápido a usar el cuerpo de Charlie”. 

Fraser explicó que al final del día, cuando tenía que quitarse las prótesis, sentía que seguían con él y le fue difícil desprenderse de su personaje. Además, explicó que sintió empatía por las personas que deben vivir con los problemas físicos y mentales que tiene Charlie. 

 “Descubrí que, una vez que me lo quité, todavía podía sentir la sensación de usarlo, casi como una ondulación. Al mismo tiempo, una vez que me quité todas las aplicaciones al final del día, sentí un respeto todavía más profundo por las personas con sobrepeso, porque yo podría quitarlo como la ropa y el vestuario y el maquillaje, pero el desafío de hacer eso con su propio cuerpo no es algo tan inmediato”.

Brendan Fraser
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¡Alejandro González Iñárritu dice que las críticas negativas a Bardo son por racismo!

Alejandro González Iñárritu considera que Bardo ha generado críticas negativas por racismo

El director Alejandro González Iñárritu asistió al Festival de Cine de Venecia para presentar su próxima película: Bardo. Sin embargo, aunque la cinta generó una ovación de pie de cuatro minutos, la crítica especializada comenzó a opinar negativamente del filme llamándola  “autoindulgente” y “demasiado pretenciosa”. 

Por su parte, el director le comentó a Los Angeles Times que los argumentos de los críticos tienen un trasfondo “racista” por considerar que un mexicano no puede realizar una película más elaborada. 

“Te puede gustar o no, esa no es la discusión. Pero para mí hay una especie de trasfondo racista en el que, por ser mexicano, soy pretencioso. Chicos, tómense un poco de tiempo y vean todas las capas. Todo artista tiene derecho a expresarse de la manera que quiera sin ser acusado de ser indulgente consigo mismo. Espero que alguien pueda rechazar esa narrativa, que es muy reduccionista y un poco racista, debo decir”.

Alejandro González Iñárritu

Con Bardo, Iñárritu regresó a filmar a México por primera vez desde su éxito Amores Perros. Por ello, explicó que la película de Netflix era muy importante a nivel personal dado que quería plasmar sus experiencias de identidad y una “carta de amor” para su país natal. 

“Creo que tengo derecho a explorar la identidad porque he pasado por esta sensación de desplazamiento. Tengo derecho a hablar de la identidad colectiva de mi propio país. Esta película es una carta de amor a mi país, y tengo el privilegio de poder usar mi voz para hablar de verdad, no solo por los mexicanos, sino por cualquiera que se siente desplazado”.

Alejandro González Iñárritu
Bardo | Alejandro González Iñarritu

¿Critican a Iñárritu por ser mexicano?

Aunque Iñárritu siempre ha logrado críticas positivas y premios internacionales en sus anteriores filmes, es posible que Bardo sea uno de sus proyectos más diferentes al tener toques surrealistas. No obstante, el cineasta considera que criticarlo por incluir estas corrientes, sólo reafirma que los críticos no conocen sobre la “tradición imaginaria de combinar tiempo y espacio en la literatura de América Latina”. 

“Si tal vez fuera de Dinamarca o si fuera sueco sería un filósofo. Pero como lo hice de una manera poderosa visualmente soy pretencioso porque soy mexicano. Si eres mexicano y haces una película así, eres un tipo pretencioso. No sé si [los críticos] han leído a Jorge Luis Borges o a Jorge Cortázar o a Juan Rulfo, pero deberían leer de dónde vienen estas cosas y nuestra tradición imaginaria de combinar tiempo y espacio en la literatura de América Latina. Esto, para mí, es la base de la película”.

Alejandro González Iñárritu

Al final, el director platicó que no ha leído en su totalidad las críticas que ha generado Bardo, pero su equipo le hizo llegar algunas notas para mantenerlo al tanto. 

Bardo llegará a cines mexicanos el 27 de octubre, y posteriormente se estrenará en Netflix a partir del 16 de diciembre.
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Están de acuerdo con Alejandro González Iñárritu?

¿Por qué el regreso de Brendan Fraser es tan importante para Hollywood?

Brendan Fraser fue ovacionado en Venecia por su participación en The Whale, la próxima cinta de Darren Aronofsky. 

Cientos de veces hemos escuchado la frase “Hollywood le falló a sus actores”. Pues aunque la gran maquinaria de artistas en el cine es responsable de ser un catalizador de carreras, también son las personas dentro de la industria las que son capaces de destruir trabajos y vidas con una sola orden.

Si bien la época del Me Too le dio por primera vez voto y apoyo a las personas que compartieron sus historias, actualmente Hollywood continúa siendo uno de los espacios más truculentos y complicados para artistas y trabajadores del medio.

Hace 20 años Brendan Fraser era una de las figuras más importantes y queridas de Hollywood, pues papeles en cintas como George de la Selva, Encino Man, y la trilogía de La Momia, lo habían situado como una de las estrellas con mayor potencial y quien definitivamente se volvería un ícono del cine. Así incluso se había llegado a rumorar que el actor reemplazaría a Christopher Reeve en el reboot de Superman, además de proponerlo como un nuevo y más amigable Indiana Jones, cuyo carisma atraía a las masas al cine.

Sin embargo, rápidamente Brendan Fraser fue alejado del reflector, y aunque aún tenía papeles pequeños dentro de cintas y series, no eran tan impactantes como las producciones que le habían dado reconocimiento, hasta que definitivamente abandonó Hollywood.

En 2018, y dando pie a un paulatino regreso, Brendan Fraser reveló los motivos que lo empujaron fuera de la industria, y más importante aún, que lo frenaron como persona.

Brendan Fraser

El abuso en Hollywood

A pesar de que se ha hablado con mayor apertura sobre el acoso y el abuso sexual en Hollywood, no es un tema que pueda abordarse con tanta facilidad, especialmente cuando la carrera de una persona pende de las manos más poderosas en el cine. Tan normalizado ha sido que, incluso en 2022, más y más casos salen a la luz con suma cautela, pues las víctimas temen no generar ni el mismo impacto que el movimiento Me Too logró, y ver tanto su trabajo como reputación arruinados.

Brendan Fraser es uno de los actores que desafortunadamente ha experimentado tales abusos de primera mano; pues durante una entrevista con GQ en 2018, el actor finalmente compartió los eventos que lo llevaron a abandonar la actuación.

De acuerdo a Fraser, todo comenzó en 2003, año en el que fue abusado por Phillip Berk, quien entonces era presidente de la Hollywood Foreign Press Association, la compañía encargada de llevar a cabo los Globos de Oro y de financiar varios de los proyectos en la industria. El actor rechazó los comportamientos del ejecutivo, y decidió no presentar cargos en su contra; sin embargo fue tras el incidente que Fraser comenzó a notar la poderosa influencia del Berk en el medio, donde Fraser dejó de ser contratado para películas importantes.

Posteriormente, Fraser tuvo que someterse a varias cirugías que le mantuvieron fuera del medio, las cuáles habían sido en su mayoría consecuencias de las escenas de riesgo realizadas mientras interpretaba a Rick O’Connell en La Momia Regresa. Dichos problemas lo llevaron a someterse a un reemplazo parcial de rodilla, una intervención en la zona lumbar, y cirugía de cuerdas vocales.

Como resultado, desde la experiencia de abuso y el rechazo por la comunidad actoral, Fraser entró en depresión, la cual se complicó con la muerte de su madre y su separación de la actriz Afton Smith.

Al surgimiento del movimiento Me Too, acusaciones que exponían a personas como Harvey Weinstein y Joss Wheedon, la experiencia de Brendan Fraser era un evento importante de destacarse. Pues si bien, otros actores como Terry Crews, James Van Der Beek, y Alex Winter habían hablado sobre sus propias experiencias, Fraser fue el más vocal y se identificó a sí mismo como sobreviviente de abuso sexual.

El estigma sobre el abuso en Hollywood continúa siendo severo, especialmente cuando se trata de víctimas masculinas, quienes deciden no hablar por temor a ser humillados. No obstante, Brendan Fraser no dio ningún paso atrás y se mantuvo firme tanto en sus declaraciones como en ser activo partidario del movimiento, impulsando a los hombres en la industria a compartir su experiencia y no sentirse avergonzados por haber pasado por ello.

Brendan Fraser

El regreso de Brendan Fraser al cine

Después de varios años fuera del medio y tomando papeles incidentales, Brendan Fraser volvió a la televisión a través del proyecto Doom Patrol de DC Universe. En la serie, el actor interpretaba a Cliff “Robotman Steele” un famoso corredor cuyo cerebro fue implantado a un robot tras un accidente.

Posterior a su participación en la serie, Fraser se ha encontrado sumándose a más y más proyectos que lo han puesto otra vez en el centro de Hollywood, de donde una vez fue alienado. Próximamente el actor participará en una cinta de Martin Scorsese junto a Leonardo DiCaprio, titulada Killers of the Flower Moon; además de Behind the Curtain of Night, un proyecto de fantasía donde un hombre vuelve de la muerte con todos los recuerdos de sus vidas pasadas restaurados en su cabeza.

Actualmente se encuentra en el Festival de Cine de Venecia presentando The Whale, película de Darren Aronofsky, la cual se basa en un hombre con obesidad severa, quien intenta reconectar con su hija (Sadie Sink).

El fin de semana la película fue exhibida por primera vez a críticos y miembros del jurado, y un video publicado por Variety revela la ovación de 6 minutos a la cinta y aplausos a Brendan Fraser, quien hace un esfuerzo por no romper en llanto y agradece la recepción de su trabajo. 

Más allá de ser su primera gran aparición ante la audiencia, el regreso de Brendan Fraser es emotivo dado el rechazo que sufrió por su cuerpo, salud mental, y su experiencia con abuso sexual, lo que lo obligó a desaparecer el medio. Si bien, aún queda una larga y gran lucha en contra del abuso en Hollywood, es gracias a Brendan Fraser que existe una conversación mucho más abierta especialmente para las víctimas masculinas, por lo que, con suerte, nadie volvería a pasar por la misma experiencia que el actor.

The Whale llegará a cines a finales de este año, mientras que las otras participaciones de Fraser se encuentran actualmente en producción.

¡Don’t Worry Darling causa controversia en Venecia!

La presentación de Don’t Worry Darling en Venecia resultó incómoda por las múltiples controversias que enfrenta

Durante el Festival de Cine de Venecia, la directora de Don’t Worry Darling, Olivia Wilde, y las estrellas de la película, Harry Styles, Gemma Chan y Chris Pine, se presentaron durante una conferencia de prensa muy esperada después de todos los rumores y controversias que ha generado antes de su estreno.

Desde la presentación del tráiler en la CinemaCon 2022, Don’t Worry Darling comenzó a protagonizar varias críticas de la audiencia por centrar el marketing en escenas sexuales de su protagonista Florence Pugh. No obstante, Wilde ha negado esto, diciendo que esas tomas son cruciales para la película y que se enfocan en el placer femenino.

Sin embargo, la audiencia comenzó a notar que Pugh nunca ha publicado nada en sus redes sociales sobre la película y se negó a participar en la gira de prensa, de tal modo que los rumores sobre su molestia han comenzado a intensificarse. 

Mientras tanto, en la conferencia de prensa, Wilde explicó que Florence no había podido asistir porque actualmente se encuentra filmado Dune 2 y apenas llegaría para la alfombra roja y la función de la película. 

“Florence es una fuerza. Estamos muy agradecidos de que haya podido venir esta noche [a la alfombra roja, pero no a responder preguntas] a pesar de estar en la producción de ‘Dune’. Como directora, sé lo perturbador que es perder a un actor aunque sea por un día, así que le estoy muy agradecido a ella y a [Denis Villeneuve] por ayudarnos. Y podremos celebrar su trabajo esta noche. No puedo decir lo honrada que estoy de tenerla como protagonista. Es increíble”.

Olivia Wilde

Entre la relación de Olivia Wilde y Harry Styles, la controversia con Shia Labeouf y el hecho de que Pugh no ha querido pronunciarse sobre la película, hizo que su presentación en Venecia fuera incómoda y controversial.

Don't Worry Darling

Una presentación incómoda

Shia LaBeouf fue elegido originalmente para el papel que después tomó Harry Styles, pero antes de comenzar la filmación, fue reemplazado por conflictos de programación. Sin embargo, durante una entrevista con Variety, Wilde afirmó que la verdadera razón de su salida fue que ella lo despidió por su proceso creativo “combativo” y por proteger a Pugh. 

No obstante, LaBeouf salió a desmentir esta historia a través de mensajes que intercambió con Wilde en donde le piden que no renuncie al papel. Asimismo, se publicó un video en el cual la directora llama a su protagonista “Miss Flo” y afirma que se merece “una llamada de atención”, dando a entender que las tensiones fueron provocadas en parte por Florence Pugh, aunque no existen más detalles sobre su relación en el set.

Por ello, durante la conferencia en Venecia un periodista de The Hollywood Reporter intentó hacerle una pregunta a Wilde sobre el actor, pero fue interrumpido por el moderador proporcionado por el propio festival que se encargó de cerrar la pregunta por completo. “No necesitaba ser respondida” dijo, porque “está en Internet” y Wilde “ya había respondido eso”.

“En cuanto a todos los interminables chismes de los tabloides y todo el ruido que hay, quiero decir, Internet se alimenta a sí mismo. No siento la necesidad de contribuir. Creo que está suficientemente bien nutrido.

Olivia Wilde

Al final, las declaraciones vagas de Wilde y la poca presencia de Pugh, alimentan los rumores sobre un posible conflicto en la producción y tensiones en sus protagonistas. Especialmente porque la actriz de Little Women y Black Widow sí llegó a Venecia para la alfombra roja y el estreno de la cinta, pero se rehusó a contestar preguntas. Por si fuera poco, la crítica especializada que ya vio la película comenzó a criticarla fuertemente, por lo que parece que seguiremos conociendo más sobre sus problemas rumbo al estreno.


¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Les interesa ver Don’t Worry Darling?

Timothée Chalamet: ¿Por qué estamos cerca de un colapso social?

Timothée Chalamet considera que las redes sociales provocan un “colapso mental” en las juventudes

Durante la conferencia de prensa de Bones And All en el Festival de Cine de Venecia, Timothée Chalamet habló sobre cómo las redes sociales están afectando a la sociedad, en especial, a las juventudes que deben lidiar con la opinión pública. 

“Ser joven ahora, y ser joven cuando sea -sólo puedo hablar por mi generación- es ser intensamente juzgado. No puedo imaginar lo que es crecer con la avalancha de las redes sociales, y fue un alivio interpretar a personajes que se debaten en un dilema interno sin la posibilidad de entrar en Reddit, o Twitter, Instagram o TikTok y averiguar dónde encajan”.

Timothée Chalamet

Chalamet presentó la película dirigida Luca Guadagino, en la que él y su coprotagonista Taylor Russell interpretan a amantes caníbales en un viaje por carretera a través de Estados Unidos. Sin embargo, el actor destacó que la historia se desarrolla en los años 80, cuando las redes sociales no existían. 

“Yo no juzgo, si puedes encontrar tu tribu ahí, entonces ten todo el poder. Pero creo que es duro estar vivo ahora, creo que el colapso social está en el aire, lo huelo. Y sin sonar pretencioso, espero que por eso esta película importe, porque el rol de los artistas es mostrar un poco sobre lo que vivimos”.

Timothée Chalamet
Timothée Chalamet

Una película compleja 

Bones and All  está basada en la novela de Camille DeAngelis y adaptada por David Kajganich (Suspiria) que cuenta la historia de Maren (Taylor Russell), una joven que aprende a sobrevivir en los márgenes de la sociedad, y Lee (Chalamet), un vagabundo intenso y privado de derechos, que se unen para un viaje que los lleva a través de los caminos secundarios de la América de Ronald Reagan.

La película se tuvo que realizar durante la pandemia y Chalamet explicó que la situación actual del mundo encajaba con el aislamiento que sienten los personajes en la película. “Una gran parte de la película fue la falta de tribu, estaba siendo aislado del contacto social que nos ayuda a entender dónde estamos en el mundo”. 

Chalamet externó que si bien es bueno estar en un momento solos, los humanos necesitan de atención y eso le hizo entender a su personaje. “Sentí una desilusión similar a la que creo que Lee sentía en el guión en ese momento”. Asumir el papel de Lee, también le dio la oportunidad de volver a trabajar con el director Call Me By your name, película que lanzó su carrera como actor.

“Me moría por volver a trabajar con Luca para contar una historia que tuviera los mismos fundamentos que la primera historia que contamos, solo que esta vez en el Medio Oeste estadounidense en los años 80 sobre personas que están privadas de sus derechos en todas las formas posibles”.

Timothée Chalamet
Timothée Chalamet

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?