¡Eiza González explica el significado de 3 Body Problem!

Lo que debes saber:

Eiza González y el elenco de 3 Body Problem nos explicaron el significado de 3 Body Problem y por qué podría ser una de las adaptaciones más ambiciosas de Netflix.

3 Body Problem es una adaptación del libro del mismo nombre escrito por Liu Cixin desde 2006. Considerado una historia de “hard science fiction” la novela explora una invasión alienígena en el marco de la revolución cultural China, lo que le permite al autor hablar sobre temas como la evolución tecnológica, la ética y la obsesión humana con el progreso.

Pero la adaptación creada por DB Weiss, David Benioff y Alexander Woo pretende no sólo ser una adaptación fiel, sino también un testamento de la evolución tecnológica y las ansiedades que se están viviendo en Hollywood y el mundo.

Al respecto, la actriz Eiza González y el elenco de 3 Body Problem nos explicaron en exclusiva por qué creen que la serie explora de una manera diferente las ansiedades de la sociedad actual y por qué es una adaptación tan ambiciosa para Netflix.

Eiza González
Copyright @ Netflix

Eiza González piensa que 3 Body Problem habla de la sociedad actual

Eiza González interpreta a Auggie Salazar, un personaje que, a pesar de que no forma parte de la historia original, resulta ser clave para el desarrollo de la historia. Ella es la primera que comienza a ver la cuenta regresiva en el cielo y que presiente que una gran amenaza comienza a surgir en la Tierra.

Y en entrevista con Fuera de Foco, Eiza González nos comentó que la serie “se vuelve una metáfora espectacular” para poder darle a la gente una historia con la que asimilar las preocupaciones del día a día. “Cada día vemos que hay crisis humanitarias que prevalecen en el mundo. Este tipo de historias nos dan herramientas para entendernos como seres humanos y el piso en el que estamos parados” nos comentó.

“Creo que 3 Body Problem también puede ser educativa en muchas áreas” asegura Eiza González. “Como que la vida es corrupta, o que la ciencia, la política y la religión no pueden coexistir pacíficamente en el mundo”.

“3 body problem no pudo haber llegado en un mejor momento. Ahora que estamos en el punto en el que la tecnología afecta nuestra coexistencia de una manera real.

No es como cuando empezó Instagram, la Inteligencia Artificial son tierras inexploradas. Hay crisis humanitarias en todo el mundo, nos estamos dando cuenta de las diferentes agendas que ocurren alrededor del mundo. Esta serie habla sobre eso”.

Eiza González, Fuera de Foco

Eiza González cree que antes, debido a que la información no se transmitía tan rápido, “vivíamos en una realidad alterada, un poco color de rosa”, pero ahora que la humanidad es bombardeada con información, “la gente debe pensar de otra manera. Y esa serie hace justamente eso: nos obliga a pensar de manera diferente” enfatizó.

La primera temporada está más enfocada en presentarnos el juego de realidad virtual llamado “3 Body Problem” y cómo el grupo de científicos conocido como “los 5 de Oxford” intentan descubrir qué tiene que ver con una invasión extraterrestre y con una serie de asesinatos.

Los showrunners de la serie han dicho que ya saben qué camino tomar para la temporada 2 y que, hasta ahora, tienen pensado hacer entre 3 y 4 temporadas.

Eiza González
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¿Por qué de 3 Body Problem es una adaptación tan ambiciosa?

Eiza González asegura que la serie es una de las historias más relevantes de los últimos años por la forma en la que explora diferentes temáticas, pero durante la misma plática, la actriz Rosalind Chao, nos comentó que también fue un trabajo descomunal escoger qué tipo de lineas argumentales seguir.

La trilogía del libro tiene más de 9 mil personajes, por lo que según Chao “la adaptación no sólo hace un homenaje al libro original, sí explora el corazón de la historia: la conexión de la humanidad con el universo”.

Eiza González, junto con el actor Jovan Adepo, interpretan a dos científicos que no creen que sea útil luchar por algo que todavía no ha ocurrido y no ocurrirá hasta dentro de muchos años. Sin embargo, John Bradley, quien interpreta al magnate Jack Rooney en la serie, nos explicó que la historia “está tan bien escrita” que delinea personajes que la audiencia no espera.

“Lo que hace una buena escritura de guion es que te hace pensar que ya reconoces cuál es el ángulo de los personajes” nos comentó el actor. “Pero realmente no. Hay tal profundidad, hay tal detalle, que van cambiando conforme la historia cambia. Y tú como actor lo sientes, porque tu percepción del personaje cambia también con el tiempo”.

Alex Sharp comparó la serie con el escritor Kazuo Ishiguro: él dice que una buena historia es la que sorprende de manera convincente. Y creo que 3 Body Problem logró eso de manera excepcional”.

Y como complementó, la actriz Jess Hong aseguró que “todos los cambios que se hicieron (a la historia original) fueron los correctos para que resonaran en la sociedad moderna. Y creo que el futuro de la serie será mucho más brillante, porque se van a atrever a hacer más cosas, y a explorar sus temas con más profundidad”.

El elenco estuvo de acuerdo con las ideas que expuso Eiza González, y aseguran que la primera temporada de 3 Body Problem fue solamente el inicio de una historia sumamente ambiciosa.

Eiza González
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Quantum Leap T2: ¿Más profunda y emocional?

Quantum Leap es un reinicio del programa original de televisión de 1989 en donde seguíamos las aventuras del Dr. Sam Beckett, interpretado por Scott Bakula, un físico que podía saltar a diversos períodos de tiempo a lo largo de la historia gracias a sus experimentos. Sin embargo, su gran problema radica en que no podía controlar la duración de sus saltos ni en dónde podría ubicarse. 

Debido a que el programa se convirtió en un gran clásico de culto, NBC dio luz verde a un resurgimiento pero esta vez ambientado 30 años después del final de Quantum Leap, en donde ahora vemos a Ben Song (Raymond Lee) y un grupo de investigadores que buscan reanudar el proyecto del salto cuántico. Recientemente, estrenaron su segunda temporada y Fuera de Foco tuvo la oportunidad de asistir a una mesa redonda en donde platicamos con el protagonista sobre todos los detalles que no te puedes perder.

Quantum Leap
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¿Qué nos presenta la segunda temporada de Quantum Leap? 

Raymond Lee encabeza el elenco de Quantum Leap como el Dr. Ben Song, el talentoso físico cuántico que intenta descubrir qué le pasó al Dr. Sam Beckett y aprender las lecciones que dejó sobre los viajes en el tiempo. En esta segunda temporada, además tendrá la ayuda de su prometida  Addison Augustine (Caitlin Bassett), que lo ayudará a afrontar las situaciones en las que se mete. 

Para el actor, es muy importante que los/as fanáticos/as puedan descubrir en el resurgimiento de Quantum Leap una nueva oportunidad para conectar con estas historias pero también diferenciarse de la historia original a través de nuevos elementos que han podido impregnar los escritores y showrunners. “Si regresas y miras Quantum Leap original, creo que la gente ahora necesita tener un cierto grado de paciencia para poder lidiar con la historia que se desarrolla lentamente en ese momento”, agregó. 

Por esta razón, la nueva temporada también se desarrolla en un ritmo mucho más rápido, lo que por supuesto agrega un gran desafío para todo el equipo, ya que tiene que contar estas historias de manera rápida con mucha profundidad emocional. “Así que en realidad es todo un desafío exprimir todo eso en un episodio de 42 minutos, especialmente conservar la mitología”, explicó el actor. 

Personalmente, Raymond Lee, aseguró que su parte favorita de esta segunda temporada es que pudieran profundizar mucho más en la dinámica de los personajes y los viajes emocionales de cada protagonista y cómo es que se convirtieron en parte de Quantum Leap. “Así que sí, creo que realmente me encanta que nuestro programa pueda ser mucho más que eso en términos de profundidad”.

Quantum Leap
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Quantum Leap y la representación en televisión

Un aspecto muy positivo de Quantum Leap es que se ha preocupado por incluir un elenco mucho más diverso, un logro que por supuesto celebra Raymond Lee, ya que desea ver mucha más representación en la pantalla y diversidad en sus personajes, así como darle voz a grupos subrepresentados en Hollywood. “Estoy viendo una inmensa cantidad de crecimiento”, añadió. “Deseo conocer a personas que se parecen a mí, sus antecedentes, la historia de cómo surgieron nuestros padres, cómo llegamos a ser y creo que hay una mayor comprensión y curiosidad en general”.

El actor destacó que en los últimos años cada vez es más común que en diferentes premiaciones de televisión como los Emmy se destaquen programas que incluyen diversidad en sus personajes e historias. “Eso también significa que habrá más oportunidades para las comunidades subrepresentadas y es muy emocionante saber nuestra existencia”, explicó el actor. “Existe una inmensa cantidad de crecimiento y espero que esto no sea solo una tendencia y continúe”.

Aunque Raymond Lee es consciente que hoy en día no se puede asegurar otra temporada de Quantum Leap, detalló que ha podido quedar satisfecho con la historia que han podido contar hasta ahora y agradece que cada uno de los escritores y actores en el proyecto, se comprometieron a dar lo mejor de sí para satisfacer al público en general. “Cada director que entra a nuestro set ha mencionado que se sentía como una energía diferente a la de cualquier otro set en el que trabajaron porque creo que estamos todos simplemente tratando de cuidarnos unos a otros”.

Quantum Leap se puede disfrutar a través de Universal+

Quantum Leap
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No Quiero Ser Polvo: Menos solos en el fin del mundo

En esta entrevista:

El 4 de enero estrenó en salas No Quiero Ser Polvo, película de Iván Löwenberg, que sigue a una madre de familia quien, tras hallarse en soledad y siendo arrastrada por el new age, comienza a prepararse para los Tres Días de Oscuridad.

Para Fuera de Foco, el director de No Quiero Ser Polvo explicó cómo la película utiliza al fin de mundo como una metáfora ideal para la soledad y la búsqueda de propósito y comunidad, temáticas que supera cualquier rango de edad.

Estamos obsesionados con el fin del mundo. De una u otra manera, todos hemos pensado (y hasta añorado). En ese momento en el que se oficialice la llegada de un virus zombie, el día en que un accidente nuclear deje la tierra inahbitable, o el instante en que el sol desaparezca por tres días completos, sumiéndonos en completa oscuridad.

Nadie es ajeno a la idea del apocalipsis, y como en algún momento el cineasta Iván Lowëmberg mencionó, hay hasta entusiastas del esperado evento que pregonan la idea por el mundo con carteles, en sectas, e incluso invirtiendo millones de dólares para colocar billboards anunciando el día del juicio final.

No Quiero Ser Polvo juega con esa idea desde un ángulo muy particular. A través de la visión de Bego, quien como cientos de personas en la ciudad y en diversas partes del mundo, busca reconectar con su espiritualidad y el mundo a través del new age, y la meditación, prácticas que en varias ocasiones, han sido tachadas de charlatanería.

En algún momento recibe la noticia de que el mundo está por llegar a una transición dimensional, en la que habrán tres días de oscuridad, sin energía eléctrica, con terremotos y desastres naturales, que pondrán a prueba a todos. De inmediato, Bego obtiene algo que quizá había perdido antes: un propósito, conocimiento único que en contraste a los demás, la hace especial.

Pero, ¿qué hay realmente detrás No Quiero Ser Polvo y cómo el apocalipsis se convirtió en un canal ideal para hablar del aislamiento actual del mundo? Su director nos lo cuenta.

No Quiero Ser Polvo: Menos solos en el fin del mundo
Imagen: No Quiero Ser Polvo

Polvo Eres y en Polvo te Convertirás

Para Iván Löwemberg la obsesión con el fin del mundo tiene una explicación. Tiene que ver con “un sentido de validación y sentirte especial”, nos contó.

“Somos más de 8,000 millones de habitantes en el planeta. Siempre hay grandes catástrofes, grandes cosas sucediendo y lo vemos a través de nuestro celular” relató el director, señalando que a partir del contraste entre un mundo donde todo parece “espectacular, gigante y catastrófico” con un individuo que, a fin de cuentas, es uno más en el planeta, sentirse solo es inevitable.

“Tú eres un ser más que está pagando renta y sobreviviendo. Y de pronto, vienen estas teorías que además, te dicen que sólo tú sabes y decides creerlas.

A partir de entonces, tienes un grupo quizá chico o quizá grande, quizá de amigos, y vas haciendo una comunidad, y por primera vez, te sientes relevante en ese espacio”.

Iván Löweinberg, Fuera de Foco

La soledad y el aislamiento son dos sentimientos que han crecido exponencialmente en los últimos años: Tan sólo en Octubre del año pasado, se reportó que hay al menos 5.1 mil millones de usuarios en internet, un 64% de la población mundial. En diciembre de 2023, se determinó que una persona utiliza su teléfono en promedio 3.5 horas al día, además de 3 horas en la computadora; eso sin considerar a oficinistas que laboran más de 8 horas frente al monitor.

¿Qué tiene qué ver exactamente con la soledad? El Centro Nacional de Biotecnología e Información en Estados Unidos determinó que el uso excesivo de pantallas y redes en efecto ha incrementado los casos de depresión en los últimos años, en el que mujeres y jóvenes remarcaron sentirse solas y aisladas con mayor frecuencia.

No es de extrañarse entonces que en No Quiero Ser Polvo, su protagonista conecte primero con el mundo a través de las pantallas, y con lo real después. No obstante, son las conexiones “reales” las que terminan por darle un propósito en la historia y a la par, en hacerle creer que el fin del mundo está a la vuelta de la esquina.

“Más allá de si las teorías son ciertas, creer en el fin del mundo traspola a muchos otros círculos: religioso, político y otros que tú decides creer.” señaló el director, “Tener un grupo que te sostiene de esa forma, hace menos difícil la idea de vivir sabiendo que eres uno de millones”.

No Quiero Ser Polvo: Menos solos en el fin del mundo
Imagen: No Quiero Ser Polvo

El fin del mundo como propósito

Lo cierto es que si bien, en No Quiero Ser Polvo es sencillo entender la carencia de atención y misión en la vida a través de cómo la familia de Bego se ha alejado de ella, la idea de una falta de propósito no es un elemento único de los padres que viven el efecto del nido vacío.

“Es algo que pasa incluso con los proyectos que haces. Estrenar una película que es un viaje personal, pasas años haciéndola, tienes expectativas, y la terminas y de pronto la vida sigue su curso.

Y es el caso de muchas personas, y de muchas mamás para quienes estos proyectos o propósitos fueron una familia a la que le dedicaron 20, 25, 30 años. Luego los hijos se van ¿y qué sigue entonces?”

Iván Löwemberg.

Tal idea es lo que hace a No Quiero Ser Polvo una película tan empática, pues la sensación de encontrar un propósito, perderlo o nunca conocerlo, es algo que va mucho más allá de la edad y la etapa de vida de cada persona, y que además siempre es vigente.

“Nos persigue constantemente” aseguró el director, “A veces se nos olvida porque encontramos algo en el momento y lo perseguimos, pero se cumple y viene el cuestionamiento ¿eso era todo?” sentenció.

No Quiero Ser Polvo se estrena en salas selectas este fin de semana.
No Quiero Ser Polvo: Menos solos en el fin del mundo
Imagen: Benuca Films

¡Jordan Peele ya prepara su siguiente película!

  • Tras el éxito de cintas como Get Out, Us y Nope, Jordan Peele ya se encuentra escribiendo su cuarta película.
  • La siguiente película de Jordan Peele estaba prevista a comenzar grabaciones a finales de 2023, aunque debido a las huelgas fue retrasado y probablemente comenzará a filmarse hasta más tarde este año para estrenar en 2025.
  • El director destacó de qué forma la industria influye en su siguiente película y por qué considera que podría ser la mejor de su filmografía si logra realizarla como espera.

Jordan Peele continúa caminando por la ruta para convertirse en el nuevo rey del suspenso y la ciencia ficción, y esta vez, con un proyecto que asegura podría ser la mejor película en su filmografía. Pues, luego de lograr gran reconocimiento crítico por sus películas Get Out, Us y Nope, el director ya ha comenzado a trabajar en su cuarta producción cinematográfica, de la cual hasta ahora se desconoce nombre.

Y es que durante una conversación con el presentador Conan O’Brien, el director señaló estar listo para lo que sigue, y que la película que comenzaría a filmar más adelante en el año, se orilla peligrosamente a convertirse en su película favorita si todo marcha de acuerdo al plan.

¡Jordan Peele ya prepara su siguiente película!
Imagen: Universal Pictures

¿Jordan Peele sigue conquistando al cine?

A finales de 2023, se pretendía que Jordan Peele comenzara a filmar su cuarta película de la mano de Universal, proyecto que el director comenzó a escribir poco después de terminar Nope, estrenada en 2022.

Sin embargo, las huelgas de Hollywood frenaron todo esfuerzo de guión, lo que puso a la industria completa en pausa desde mayo de 2023 y hasta principios de noviembre. 

No obstante, la pausa no fue del todo negativa para Jordan Peele, pues el ya icónico director, señaló que los retrasos al proyecto le han ayudado a escuchar lo que sus fanáticos/as esperan de su próxima película, además de meditar qué es lo que necesita ésta para convertirse en “la mejor hasta ahora” dentro de su filmografía.

“Ha sido un año interesante, por la huelga de escritores. Eso me puso en una posición para escuchar y ahí es donde debo estar” comentó el director. 

Tengo mi siguiente proyecto muy claro, y me emociona tener otra película que, ya sabes, si se hace bien, podría ser mi favorita”.

Jordan Peele
¡Jordan Peele ya prepara su siguiente película!
Imagen: FREDERIC J. BROWN/GETTY IMAGES

¿La siguiente cinta de Jordan Peele será una crítica social?

Al igual que con Get Out y Nope, Jordan Peele ha mantenido todo detalle de su siguiente película bajo estricto secreto, de forma que ni siquiera el título ha sido revelado al momento.

En marzo de 2023, Universal Pictures anunció que la siguiente película del director estaría prevista a estrenar en cines en Navidad de 2024, enfrentándose contra blockbusters como Sonic the Hedgehog y el remake de Nosferatu. 

Sin embargo, tras las huelgas la cinta ha sido retrasada y hasta ahora no cuenta con una nueva fecha de estreno, aunque mediados de 2025 es la estimación más lógica hasta ahora.

Previamente, durante la premiere de Nope, Jordan Peele señaló que ya estaba trabajando en la siguiente gran idea, la cual tras meditar su historia, y el entorno actual de la industria y el cine dijo “estar cada vez más cerca de poder interpretar”.

Sobre sus planes como cineasta, el director también señaló que tenía al menos “otros cuatro dramas sociales” que pretendía lanzar a salas en la siguiente década, y al momento no ha dado señales de querer pausar la marcha en dicho género.

“Siento que tengo una gran energía para contar historias” comentó Jordan Peele, añadiendo que desconoce si “puedo limitar cuántas películas son sobre mí”.

“Estoy perdiendo el panorama de lo que podría hacer si no hago películas como Get Out, o Nope. Así que diría que esa clase de críticas seguirán extendiéndose dentro de mi trabajo”, finalizó.

¡Jordan Peele ya prepara su siguiente película!
Imagen: Getty Images

¿Por qué Quentin Tarantino no quiso dirigir Star Trek?

En este artículo:

  • Quentin Tarantino tenía intenciones de dirigir una película de Star Trek, pero al final comenzó a tener dudas sobre que ese fuera su último proyecto.
  • El guionista Mark L. Smith confirmó que habló con Tarantino sobre algunas ideas, pero que la película no tendría el lenguaje ni la violencia característica del cineasta.
  • En cambio, Quentin Tarantino está preparando The Movie Critic, una cinta basada en un crítico real de la década de los 70.

El premiado director Quentin Tarantino anunció en 2017 que desarrollaría una película de Star Trek que rápidamente despertó el interés y entusiasmo entre los/as fanáticos/as de la legendaria franquicia debido a que el cineasta quería darle un interesante giro a la historia al ser clasificada solo para adultos a pesar de que Star Trek siempre ha tenido un tono más familiar. 

Para desarrollarla, Tarantino trabajaría al lado del guionista Mark L. Smith, conocido por su trabajo en The Revenant y The Midnight Sky, pero a pesar del entusiasmo, la producción de Star Trek finalmente se detuvo y cinco años después, el guionista aclara las razones por las cuales el director de Pulp Fiction decidió no continuar con el proyecto.

Quentin Tarantino
Copyright © Paramount.

Quentin Tarantino aún conserva el guion de Star Trek 

El guionista Mark L. Smith detalló durante una plática con Collider, que el guion que había preparado para la película de Star Trek de Quentin Tarantino, era bastante “particular” y encajaba “con mi tipo de sensibilidad”. A pesar de que ambos estaban ocupados en otros proyectos, Smith aseguró que “iban y venían”, pues realmente quería filmar la película, pero al director le comenzó a preocupar el hecho de que Star Trek fuera el último proyecto en su carrera debido a que siempre ha sido honesto en retirarse con su décima película. 

“Recuerdo que estábamos hablando y él dijo: “Si pudiera entender la idea de que Star Trek podría ser mi última película, lo último que haría”. ¿Es así como quiero terminar esto?’

Creo que ese fue el obstáculo que nunca pudo superar, por lo que el guion todavía está en su escritorio”.

Mark L. Smith

A pesar de la decisión de Quentin Tarantino, al guionista aún le encantaría que sucediera su desarrollo, pero sabe que es un deseo bastante lejano. “Es sólo uno de esos que no veo que suceda nunca”. Pero está seguro que su película de Star Trek tenía el potencial de convertirse en una de las más destacadas de la saga. “No por mi escritura, sino simplemente por lo que Tarantino iba a hacer con ella. Fue simplemente una especie de cosa descontrolada”.

Tanto Quentin Tarantino como el guionista nunca han querido revelar muchos detalles respecto a su película de Star Trek más allá de que será clasificación R, pero Smith comentó que no tendría la violencia que caracteriza a las películas del cineasta. “Guardamos un par de cosas especiales para incluirlos en el mundo de Star Trek”, pero no detalló más sobre sus ideas.

Quentin Tarantino
Imagen: Randy Holmes/Getty Images

Quentin Tarantino está listo para su última película 

A mediados de este año, Quentin Tarantino confirmó que ya se encuentra trabajando en desarrollar su décima y última película que llevará por título The Movie Critic, una particular historia sobre un adolescente que se dedica a escribir críticas de cine para una revista porno en 1977. 

Durante su paso por Cannes, el director adelantó que tendrá varios detalles de su vida personal por estar basado en un crítico real que realmente nunca fue muy famoso. “Lo conocerías si leías la Popstar Pages”, por lo que tuvo que adentrarse en una amplia investigación para saber más sobre su vida. “Murió a los 30, después de mi investigación puedo decir que tal vez por problemas con el alcoholismo”.

Debido a las huelgas de Hollywood que sucedieron este año, la preproducción tuvo que parar por varios meses, pero en 2024 el director estará listo para comenzar con la filmación de esta interesante historia sobre un crítico que, si bien no es reconocido, aparentemente se ganó la admiración de Tarantino. “Escribía sobre películas mainstream y era como el segundo al mando en el área de criticismo cinematográfico. Creo que era muy buen crítico, era cínico como el demonio”.

Quentin Tarantino
Imagen:Jerod Harris/Getty Images

Feratum 2023 | No Quiero Ser Polvo: Entusiastas del Apocalipsis

  • Presentada en Feratum 2023, No Quiero Ser Polvo de Iván Löwenberg aborda el fin del mundo desde un punto de vista aterradoramente cercano.
  • Löwenberg retoma la paranoia colectiva alrededor del apocalipsis y lo transforma en una historia sobre el nido vacío, la depresión y la soledad, de una manera única.
  • Con el debut de Bego Sainz, No Quiero Ser Polvo es una de las propuestas más interesantes del cine de ciencia ficción de los últimos años.

¿Qué pasaría si todas las profecías que se han dicho sobre el fin del mundo son reales? ¿Realmente las creeríamos? En un mundo y una realidad que por años se ha enfrentado a las falsas especulaciones sobre los días de oscuridad, el fin del milenio, el 2012, y otras falsas alarmas sobre la muerte de la humanidad cada vez es menos común preguntar, “¿y si sí sucede?”

A partir de dicha idea es que Iván Löwenberg crea una historia que va más allá del mero concepto del posible apocalipsis, sino que nos arrastra a una cotidianeidad tan agobiante, que el fin del mundo de pronto parece una idea entusiasta, un propósito y una solución.

¡Aquí todo lo que el director de No Quiero Ser Polvo nos contó en el Festival Feratum!

No quiero ser polvo
Imagen: Pensilvania Films

No Quiero Ser Polvo: ¿Queremos que el mundo acabe?

No Quiero Ser Polvo sigue a Bego, —la debutante Bego Sainz quien también es madre de Löwenberg—, una mujer quien ha dado toda su vida para criar a su hijo y servir a su esposo, y quien inevitablemente, se encuentra atrapada en un ciclo donde no es vista ni por su familia, ni por otras personas a su alrededor.

Bego sigue la misma rutina sin punto todos los días: se levanta, scrollea en redes sociales, asiste a una escuela de meditación, va al zoológico y regresa a casa con su desconectada familia. Su vida es espejo de muchas otras realidades vividas en México, y por ello, lo que le sucede a continuación es también sumamente cercano.

Se acercan los temidos Días de Oscuridad, donde la humanidad pasará tres días sin sol, donde los aparatos electrónicos dejarán de funcionar y desastres naturales azotarán a la Tierra. Ella responde a tal mensaje, el cual naturalmente, es abordado por el mundo como una cosa absurda y una gran estafa de grupos espirituales.

No obstante, aunque una muy posible farsa, la idea del fin del mundo le da a Bego un propósito, algo que su director definió como “volverse una entusiasta del apocalipsis”.

“Fue en los noventas cuando escuché por primera vez lo de “los días de oscuridad”, y no pasó nada. Luego estas profecías regresaron una y otra vez, y siempre habían quieres se denominaban expertos” señaló el director.

“Sin saberlo, muchos se convirtieron en entusiastas del fin del mundo.” puntualizó, “Tenían todo listo para cuando llegaran los días de oscuridad, y pensé, ¿qué historia podemos contar allí? En eso que hemos esperado desde chiquitos“

No quiero ser polvo
Imagen: Pensilvania Films

Un nuevo propósito

Si bien, No Quiero Ser Polvo parte de una idea centrada alrededor del fin del mundo, lo que la hace una cinta realmente sólida es la experiencia de Bego, su manera de ver el mundo y la dinámica que comparte con su familia. Un “pretexto perfecto” para explorar un personaje al que Iván le generaba gran curiosidad.

“Pensé mucho en la generación de mi mamá” explicó Löwenberg después de la proyección de la cinta, “esta historia es también el reflejo de ella, de sus amigos y el efecto del “nido vacío””, sentenció.

En No Quiero Ser Polvo, Löwenberg traza a su protagonista a partir de un “¿y ahora qué?”, ¿qué hacer después de dedicarle una vida a una familia que ya no le necesita? ¿a qué dedicarle tiempo, esfuerzo y atención?

A la par, tal pregunta se espejea en el posible fin del mundo: ¿si pasan los días de oscuridad, qué procede? Si no, ¿cómo seguir con una vida común? Por ello mismo, dentro de sí Bego también tiene un gran debate moral: ¿quiere que el fin del mundo suceda para que su familia abra los ojos y ella recobre un propósito? ¿O lo teme?

“Hay un tema gigante con la depresión en las familias cuando se pierde el propósito” explicó Löwenberg, señalando que definitivamente “una figura materna es la vía correcta para contar este viaje, lo hace sincero”.

No Quiero Ser Polvo obtuvo la Alucarda a Mejor Director y Mejor Largometraje en el Festival Feratum 2023.
No quiero ser polvo
Imagen: Pensilvania Films

Feratum 2023 | ¡Festivales de México reclaman falta de apoyo!

  • El Festival Feratum celebra su décima segunda edición en Pátzcuaro, Michoacán; de nuevo con el objetivo de destacar el trabajo fantástico y de terror en México.
  • En la ceremonia de apertura, el director y fundador de Feratum, Miguel Marín, hizo un llamado a las autoridades federales para apoyar al cine mexicano.
  • Los apoyos financieros tanto para las producciones como para los festivales en México se han visto severamente recortados en fechas recientes, lo que ha afectado en especial a certámenes independientes.

El Festival Feratum arrancó su doceava edición el 10 de noviembre de 2023, por cuarta ocasión en el Pueblo Mágico de Pátzcuaro, Michoacán. Si bien, la puesta de películas de fantasía, ciencia ficción y terror que caracterizan al festival ha ido creciendo desde su fundación, el icónico certamen Feratum también ha pasado por grandes obstáculos para llegar a donde está hoy.

“Doce años se dicen fácil, no lo son” destacó su director Miguel Marín durante la ceremonia de inauguración, señalando que en particular, en años recientes tanto el cine como los festivales independientes alrededor del país se enfrentan a retos cada vez más complicados.

Pero, ¿exactamente cuáles son? ¡Te lo contamos!

Feratum 2023
Imagen: Víctor Campuzano / FERATUM

¿No hay apoyo al cine en México?

En años recientes, el gremio cinematográfico se ha enfrentado a importantes crisis y polémicas, especialmente ante severos recortes de presupuesto tanto para el estímulo EFICINE, como para los mismos festivales y certámenes que premian lo mejor de la creatividad mexicana en el cine.

No por nada, festivales como Los Cabos, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, entre otros, han hablado abiertamente sobre las grandes deficiencias en el apoyo del gobierno para realizar sus ponencias.

Lo cierto es que los grandes recortes presupuestales y decisiones financieras dictadas desde las trincheras del gobierno federal, han golpeado con más fuerza a las producciones independientes en México. Pues si bien, algunas han logrado sobresalir y poner bajo el reflector el talento actoral, directorial y creativo del gremio mexicano; otras —las que dependen casi por completo de la atención del EFICINE—, no han corrido con la misma suerte.

En el caso particular de Feratum, señaló su director Miguel Marín, la doceava edición fue posible al trabajarse de la mano con el apoyo específico del gobierno de Pátzcuaro y representantes de turismo local, aunque no con el gobierno federal.

“El cine de género y los festivales que lo apoyan, son una pasión que nos emociona que nos llena de vida y que nos inspiran a seguir adelante en un país muy complicado” destacó Marín, añadiendo que en México, “la cultura la dejan al final las autoridades del Gobierno Federal”

“No está aquí IMCINE ni la Secretaría de Cultura, porque no contamos con su apoyo.

Quisiera invitarlos a que revisen los apoyos que otorgan a los festivales de cine, porque necesitamos de su respaldo para sobrevivir”

Miguel Marín, Feratum.
Feratum 2023
Imagen: Víctor Campuzano / FERATUM

Feratum sigue celebrando el misticismo mexicano

A pesar de los obstáculos, el Festival Feratum continúa siendo sede de proyectos enfocados en fantasía y terror que, como su director destacó, no siempre son respaldados por los grandes productores.

Ejemplo de ello es la cinta No Quiero Ser Polvo de Iván Lowenberg, quien durante la presentación de la película ante el público de Feratum, señaló que tuvieron que pasar más de 10 años para que patrocinadores privados se atrevieran a financiar el proyecto y por una cantidad mucho menor a la que se había planeado.

“Estamos orgullosos de esto porque es un trabajo hecho por la pasión de las personas” señaló durante la sesión de preguntas y respuestas, “el trabajo hecho en producción se hizo con el mínimo, pero logramos la visión que teníamos y eso nos hace muy felices”.

Feratum continúa reuniendo aquellos proyectos que, por suerte, aún celebran el misticismo mexicano, las leyendas y rituales tanto prehispánicos como de magia moderna que identifican tanto al pueblo michoacano como a los mexicanos en general. Ejemplo de ello es en ritual del juego de pelota encendida, tradición purépecha con la que Feratum inauguró su celebración y con la que cerrará su representativa Marcha de las Bestias.

¡Sigue la cobertura de este peculiar festival en Fuera de Foco!

Feratum 2023
Imagen: Víctor Campuzano / FERATUM

¡Rebel Moon sí estrenará en salas de cine!

En este artículo:

  • Rebel Moon, la nueva cinta de Zack Snyder, tendrá un estreno limitado en cines antes de llegar a Netflix.
  • Aunque sólo se tiene contemplado que estrene en 4 cines de Estados Unidos, la emoción y el hype por su estreno podría replicarse en otros lugares del mundo.
  • Este es uno de los proyectos más ambiciosos de Zack Snyder, y podría ser el inicio de una gran franquicia para el servicio de streaming.

Protagonizada por Sofia Boutella, Ed Skrein, Cleopatra Coleman y Cary Elwes, Rebel Moon – Part One, se centra en una enigmática joven que vive en una pacífica colonia en las afueras de la galaxia que se le ha encomendado la tarea de encontrar guerreros que puedan defenderse de una invasión inminente de un déspota tiránico que amenaza a toda la población. 

La película marca la segunda colaboración de Zack Snyder con Netflix luego de estrenar Army of the Dead en 2021 y ya se perfila para ser un éxito en la plataforma. Pero, algunos fanáticos/as tendrán la oportunidad de verla antes que nadie, ya que el director anunció que se podrá disfrutar en salas de cine en su formato de 70mm. A continuación te platicamos los detalles.

Rebel Moon
Copyright © Netflix.

Rebel Moon llegará a salas de cine en solo cuatro lugares

De acuerdo con Variety, Rebel Moon – Part One: A Child of Fire se proyectará exclusivamente en 70 mm del 15 al 21 de diciembre en las siguientes ubicaciones: Los Ángeles (Egyptian Theatre), Nueva York (Paris Theatre), Toronto (TIFF Bell Lightbox) y Londres (Prince Charles Cinema), antes de su estreno oficial el próximo 22 de diciembre en Netflix. 

En los últimos años ya se ha hecho bastante común que Netflix estrene algunas de sus películas en salas de cine, aunque sea de manera limitada, especialmente cuando se trata de sus contendientes al Oscar, ya que los Premios de la Academia requieren al menos una semana en los cines para calificar para las nominaciones. En un movimiento inusual, la plataforma estrenó el año pasado Glass Onion: A Knives Out Mystery en salas de cine de manera mucho más grande. 

Si bien Snyder no ha confirmado si tiene intenciones de inscribir a Rebel Moon a la premiación, este podría ser un detonante. En los últimos meses, Netflix, también ha estrenado de manera limitada The Killer de David Fincher y May December de Todd Haynes, esta última siendo una de las candidatas más fuertes de la plataforma para este año luego de estrenar en Cannes y recibir elogios por parte de la crítica. 

Snyder originalmente imaginó a Rebel Moon como una película de Star Wars inspirada en la cinta clásica de  Los siete samuráis, pero al poco tiempo Lucasfilm fue adquirida por Disney y su proyecto jamás avanzó en la nueva empresa, lo que nos indica que el proyecto podría resultar muy exitoso para los fans de la ciencia ficción.

Rebel Moon
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Zack Snyder apuesta en grande con Rebel Moon

Zack Snyder escribió Rebel Moon como una sola película que habría tenido una duración de alrededor de tres horas, por lo que Netflix sugirió que era mucho mejor dividirla en dos partes. Sin embargo, esto no fue suficiente para el director y ha trabajado en dos cortes separados de la primera mitad, uno que “cualquiera puede disfrutar y ver”, mientras que el otro será más explícito y estrictamente para adultos. 

Snyder explicó que dicha decisión la tomó para complacer a sus seguidores/as , ya que está seguro que disfrutarán de ver ambos cortes. “Creo que para mis fans y para las personas que están dispuestas a sumergirse más profundamente, será divertido para ellos”. Rebel Moon también contará con un montaje del director que tiene cerca de una hora de contenido adicional, “por lo que creo que es una versión legítima del universo extendido”, dijo Snyder en TUDUM.

El director señaló que estrenar su montaje es una de las libertades que más disfruta de su carrera en la actualidad, dado que antes los estudios no confiaban en esta idea. “Y con Netflix, filmamos escenas solamente para la versión del director. En ese sentido, es realmente una revelación porque da esa segunda patada a la lata para los/as grandes fans”. Asimismo, Snyder también ha anunciado que la película tendrá su propio videojuego, por lo que podemos esperar que realmente se convierta en todo un universo extendido.

Rebel Moon
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Crítica | Resistencia: ¿Ciencia Ficción diferente?

¿Qué debes saber?

Resistencia es una película con una filosofía particular que se desarrolla en grandes escenarios y escenas de acción, pero sus diálogos y el parecido que tiene a otros proyectos del género provocan que la historia no tenga el mismo impacto.

La ciencia ficción es un género difícil porque está intrínsecamente relacionado a los avances tecnológicos y lo que un grupo de personas en un determinado momento opina sobre el futuro. 

Y a lo largo de los años, hay algunas preguntas que se mantienen constantes en muchos de los trabajos del género: ¿De verdad la tecnología nos ayudará a salvarnos? ¿qué pasará cuando avance demasiado la inequidad socioeconómica? ¿La Inteligencia Artificial nos destruirá o será aliada? ¿Importa todavía salvar a la humanidad?

Hay cientos de obras así, muchas de las cuales han hecho historia y marcado puntos narrativos esenciales para el género. De ahí, pueden ser exploraciones sobre lo que nos hace humanos, como Blade Runner y Ghost in the Shell, escenarios de guerra como Yo, Robot o Terminator. O denuncias anti-capitalistas como Elysium y Battle Angel Alita. 

Resistencia (The Creator) del director Gareth Edwards, es una cinta que retoma estas preguntas en una historia que usa muchas imágenes e iconografías de otras historias que son referentes del género. 

Pero Resistencia propone que miremos estos temas desde otra perspectiva. ¿Logra sus objetivos o se queda corta? 

Resistencia
Copyright @ 20th Century Studios

Resistencia sigue al pie de la letra el género SciFi

En el año 2070, Joshua (John David Washington) es encomendado con una misión en cubierto por el servicio militar de Estados Unidos para encontrar y destruir una poderosa arma de inteligencia artificial. 

Resistencia nos muestra un mundo que lleva 10 años en guerra contra la inteligencia artificial. Aparentemente, la AI liberó una bomba que provocó que Estados Unidos tuviera que intervenir militarmente. 

El mundo que presenta Resistencia, es un mundo azotado por la guerra, con grupos más marginados que otros. Y en esta ocasión, es la misma Inteligencia Artificial la que está subyugada, presa del dominio estadounidense. 

La inteligencia artificial, resulta ser una niña pequeña que, contrario a otro tipo de robots, ella puede crecer y desarrollarse. Un híbrido avanzado que además puede controlar la tecnología a voluntad, convirtiéndola en la mayor herramienta para cambiar el rumbo de la guerra. 

Alphie, como se llama la niña, pronto se convierte en una especie de hija para el renuente Joshua. Traumado por la muerte de su esposa, es indiferente a los problemas que pasan los robots durante la guerra, así como de la vida robótica en general. Pero al más estilo de The Mandalorian, Midnight Special o The Last of Us, ambos van desarrollando un fuerte lazo paternal. 

Resistencia no busca huir de sus influencias ni de seguir convencionalismos de género. La división de clases también está ahí, la inminente destrucción del fin del mundo se ve en poderosas escenas que presentan un mundo exageradamente bien cuidado. Gareth Edwards no quería desviarse de esos puntos principales, quería sumar una perspectiva diferente a la conversación. 

Y lo que presenta Edwards en Resistencia, es la idea una inteligencia artificial que sufre y es marginada dentro de las jerarquías sociales. Abogando así por la idea de que no necesariamente este tipo de tecnología será peor que los humanos, o si nos reemplazarán por completo. 

Resistencia
Copyright @ 20th Century Studios

Una clara posición política

En un escenario que recuerda mucho a las guerras de Afganistán, los robots humanoides constantemente son asesinados de manera brutal, les transfieren conciencias que no son suyas para conseguir información. Incluso, creen en mentiras humanas y son traicionados por personas. 

Contrario a otras producciones, que suelen debatir y discutir el significado de la consciencia, Resistencia aboga por decir que, cualquier robot que desarrolle autoconciencia, es un ser que siente, piensa y lucha, aunque mantenga diferencias intensas con los humanos orgánicos. 

Resistencia parece que aboga por entender a la inteligencia artificial como su propio grupo social, con costumbres y creencias. Y eso,a nivel de producción hace que se tengan divertidas y muy originales máquinas y electrónicos mundanos, como un tocadiscos. 

La película es una clara metáfora a las personas desplazadas y migrantes que son víctimas de una guerra por mucho tiempo. Pero tal vez sus ambiciones temáticas, narrativas y emocionales, fueron demasiado para incluir en un solo proyecto. 

Resistencia: ¿Cinta genérica o un nuevo referente para el cine? 

Gareth Edwards mencionó en conferencia de prensa que él había “hecho la película al revés”, ya que primero le presentaron al estudio la idea de cómo se debería ver el mundo y las escenas, “pero realmente les dijimos que sólo íbamos a hacerlas con los recursos que teníamos disponibles”. 

Y así, Resistencia costó 80 millones de dólares pero tiene secuencias muy bien logradas que se filmaron en 8 locaciones diferentes, logrando una construcción de mundo muy detallada y una atmósfera que se siente única. 

Además, hay giros argumentales importantes que impactan la historia de Joshua y hacen que se cuestione sus creencias y valores. El desarrollo de esas sorpresas también está bien logrado, pues de verdad logra cimentar el dilema emocional de las relaciones entre humanos e Inteligencia Artificial. 

La cosa es, que Resistencia de repente acelera la trama con diálogos que son algo moralinos y muy sencillos. Alphie, si bien habla sobre su miedo por no saber qué pasará cuando ella muera, tiene diálogos cursis que chocan con la sombría urgencia por salvarla.

Y rumbo al final de la película, la necesidad de darle un final feliz se siente apresurado,especialmente por la forma en la que buscan construir la historia de amor entre Joshua y Maya (Gemma Chan), que se va construyendo de una manera pero termina de otra muy diferente. 

Al final, Resistencia es una película sobre recuperar el amor, y sobre aprovechar nuestros momentos más íntimos con la gente que queremos. Y en un tiempo donde estudios quieren usar la AI para reemplazar personas, la idea que plantea la cinta es un concepto retador que seguramente seguirá inspirando muchas películas.

Resistencia
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¡Guillermo del Toro explica el final de Nadie te Salvará!

En este artículo: 

  • Guillermo del Toro usó su cuenta de Twitter/X para explicar su lectura de la cinta Nadie Te Salvará, una propuesta de suspenso extraterrestre que pueden ver en Star+. 
  • Del Toro dijo que la película tiene un fuerte componente religioso, pues utiliza dogmas básicos de la iglesia católica como “columna narrativa”. 
  • La lectura de Guillermo del Toro sorprendió hasta el mismo director de la cinta, quien profundizó más en sus inspiraciones y el significado de ciertos símbolos en la película.

Al igual que muchos/as cinéfilo/as, Guillermo del Toro aprovechó su fin de semana para ver el reciente estreno de Hulu (y que en México pueden ver a través de Star+), Nadie te Salvará (No One Will Save You), la nueva película del director Brian Duffield, que cuenta la vida de una joven que vive en un pequeño pueblo que lucha por sí sola contra una serie de invasores extraterrestres. 

La película ya ha causado diversas interpretaciones y análisis, pero uno de los más destacados es el del director Guillermo del Toro, la mente detrás de cintas como La forma del agua y El laberinto del fauno, quien a través de su cuenta de Twitter, compartió que la cinta de ciencia ficción se trata sobre “la reparación del alma de acuerdo al dogma católico” en la batalla de la mujer por su vida pero planteó que “se extiende a otros niveles”, específicamente a los religiosos. Y su explicación le voló el cerebro al mismo director.

Guillermo del Toro
Copyright © 20th Century Studios.

El análisis de Guillermo del Toro 

El ganador al Oscar, Guillermo del Toro, compartió sus pensamientos alrededor de la película, en especial, por el “dogma católico” que tiene en su mensaje y que, según el director, “sirve de columna vertebral narrativa”, debido a que “la gracia y la salvación surgen del dolor y del sufrimiento.  Es en este pasaje donde se encuentra la salvación”. 

“Te salvarás a través de esto.  Puedes encontrarlo en el Libro de Job, en Jonás y la ballena y, de hecho, en muchas otras religiones. El mundo, su esencia, es un compuesto paradójico de destrucción y creación.

Cualquier intento a escala humana de suprimir una de las partes da lugar a conflictos. Porque el universo no juega limpio”. 

Guillermo del Toro

Guillermo Del Toro continuó diciendo que el momento “clave” del mensaje religioso de la película es “el momento de la ‘comunión’ a través de la eucaristía de la cápsula de identidad extraterrestre” y expresó su interés en extenderse más en el tema religioso “como católico institucional caduco” pero debía “terminar mis tareas del fin de semana”.

Aún asi, Guillermo del Toro  escribió que la película “trata de la reparación del alma, sí, pero luego se extiende a otros niveles. Véanla. Quizá charlemos un poco más”. Asimismo, detalló que su análisis es “esencial para Hitchcock” y “funciona como columna vertebral de muchos cuentos de hadas y parábolas”, de manera que la película, lo había entretenido. “Una parábola REALMENTE divertida. La escuela dominical nunca fue tan divertida”.

Guillermo del Toro
Copyright © 20th Century Studios.

¿Qué opina el director de No One Will Save You?

Luego de las palabras de Guillermo del Toro, Duffield respondió al hilo afirmando que, de hecho, la película sí tiene paralelos con el dogma católico de manera intencional. “No creo que Guillermo sepa siquiera que soy un niño misionero que creció en Irlanda, así que esta es una mañana de domingo salvaje”.

En una entrevista previa con TheWrap, Duffield profundizó en que la película podría verse como una alegoría religiosa, y que el hecho de que la religión no estuviera disponible para su héroe era “muy intencional, sin duda”.

Asimismo, el director añadió en una plática con Collider que el aislamiento y el sufrimiento de la joven protagonista sirven como motivo de frustración y resiliencia, ya que es la persona  “menos preparada del mundo” para afrontar una invasión extraterrestre.

 Ella simplemente vive sola en casa, no quiere una relación, no quiere tener alguna experiencia humana normal, y pensé que era una manera interesante de entrar en una película de invasión alienígena, tener a la persona menos equipada posible

Brian Duffield

El cineasta también expresó que tomó algunas referencias del director M. Night Shyamalan con Signs, que tiene un tema similar, pero quería ir un paso más allá, dado que la película no termina en la revelación alienígena sino solo es el punto de partida. 

Guillermo del Toro
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¿James Cameron se arrepiente de la violencia en sus películas?

James Cameron decidió eliminar 10 minutos de Avatar 2 porque está harto de “romantizar” la violencia armada en sus películas

Debido al aumento de la violencia armada en Estados Unidos, James Cameron decidió eliminar las secuencias de armas en Avatar: The Way of the Water, que al parecer representaban 10 minutos extras de la películas. Este puede ser un movimiento un poco extraño, ya que Cameron es conocido por sus intensas películas de acción y por ser uno de los primeros directores en cimentar las escenas de violencia en cintas de ciencia ficción.

Pero Cameron le explicó a la revista Esquire que ha comenzado a reflexionar sobre el impacto de estas escenas y la forma en la que el lente puede “fetichizar” las armas. Por eso, dijo que con Avatar intentó encontrar “un balance entre la luz y la oscuridad”, ya que reconoce que su carrera está definida por ser “un cineasta de acción”, pero quiso encontrar la manera de crear escenas entretenidas sin tener que glorificar la violencia.

“Corté unos 10 minutos de la película enfocándome en la acción de disparos. Quería deshacerme de algo de la fealdad, encontrar un equilibrio entre la luz y la oscuridad. Tienes que tener conflicto, por supuesto. Violencia y acción pueden ser lo mismo según se vea. Este es el dilema de todo cineasta de acción, y yo soy conocido como cineasta de acción”.

James Cameron, Esquire.

El director externó que está en contra de la venta legal de armas en Estados Unidos y prefirió mudarse a Nueva Zelanda, un país que prohibió “todos los rifles de asalto dos semanas después del horrible tiroteo en la mezquita hace un par de años”.

James Cameron

¿Se arrepiente de realizar Terminator? 

El tema de la violencia con armas en películas y series ha sido debatido hasta el cansancio durante décadas

Durante los últimos años, las secuencias de acción con explosivos y armas se han hecho populares y generan una gran cantidad de dinero en salas de cine, incluso el propio James Cameron, hizo un giro importante en su carrera cinematográfica cuando estrenó Terminator en 1984, una película que incluye armas y violencia. Sin embargo, el director confesó que no quiere volver a “fetichizar” las armas y jamás volverá a filmar este tipo de historias. 

“Recuerdo algunas películas que he hecho y no sé si me gustaría hacer esa película ahora. No sé si me gustaría fetichizar las armas, como hice en un par de películas de Terminator hace más de 30 años, en nuestro mundo actual. Lo que está pasando con las armas en nuestra sociedad me revuelve el estómago”.

James Cameron, Esquire

Teniendo en cuenta los comentarios de James Cameron, es posible que un reboot de Terminator sea muy diferente a sus antecesoras, y de hecho el cineasta ya comenzó a hablar sobre qué temas le gustaría tratar en caso de que se animara a revitalizar la franquicia. El director confesó en una entrevista que, de aventurarse a hacer otra película, le gustaría centrarse en la parte de la inteligencia artificial, un tema que le apasiona y que le parece que ha cobrado mucha más relevancia.

En caso de que los planes se concretarán y James Cameron logré revivir Terminator, de todas formas es muy posible que los/as fans tengan que esperar varios años para poder ver una nueva historia en pantalla. No sólo por el interés generalizado en realizarla, sino porque ahora el director sigue muy comprometido con la saga de Avatar, cuya secuela está por alcanzar los mil millones de dólares en la taquilla internacional y ya está preparando todo para el estreno de la tercera y cuarta parte.

James Cameron

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

Barbarella: ¿El ícono feminista que necesitamos?

Barbarella fue uno de los papeles más importantes de Jane Fonda ¿Podrá Sydney Sweeney llenar los zapatos del ícono feminista?

En 1968, se estrenó una película psicodélica y súper loca en donde, para detener el plan de destrucción masiva del científico Durand Durand, la Tierra Unida envía a Barbarella (Jane Fonda) como la última esperanza para salvar a todo el universo. 

Con un estilo surreal que mezcla la ciencia ficción con arte renacentista y un estilo pop muy a la Andy Warhol, esta cinta poco a poco se ha convertido en todo un clásico de la ciencia ficción. Sin embargo, es objeto de grandes controversias, ya que el estilo de Barbarella, su rara premisa y su extraña fotografía han convertido a este ícono en una figura muy problemática. 

En particular, porque su poca ropa y estilo fue rápidamente considerado como un “objeto sexual”, y prueba de ello es que inspiró a personajes como Tarnaa o los personajes femeninos de Metalocalypse, cuya participación está en función de la visión y el gusto masculino. 

Pero con Sydney Sweeney convirtiéndose en la productora y protagonista de una nueva película, ¿esto podría cambiar? ¡Les contamos aquí quién es Barbarella y por qué su regreso al cine podría ser muy importante! 

Barbarella

¿Quién es Barbarella? 

El personaje apareció primero en los cómics creados por el francés Jean-Claude Forest, quien inspirado por la segunda ola de feminismo decidió hacer un cómic sumamente erótico, que incluía desnudos claros y cuya protagonista, Barbarella, no sólo era la gran protagonista de la historia, hablaba sin tapujos sobre sus relaciones sexuales y su atracción con otros series del universo. 

Con cosas como un “orgasmatrón” y “máquinas del exceso”, el cómic fue considerado “pornográfico”, pero apenas 4 años después de su publicación logró obtener una adaptación cinematográfica de parte del director Roger Vadim. 

Antes de que el papel recayera en Jane Fonda, el rol fue propuesto a actrices de renombre de la época como Brigitte Bardot y Sophia Loren, quienes rechazaron el papel porque les parecía que era “demasiado sexualizado”. La misma Jane Fonda tuvo dudas de interpretar el papel, ya que ella había estelarizado dos escándalos sexuales en esa época: cuando vendieron fotos de ella desnuda a Playboy y porque también posó desnuda en un aparador para promover la cinta Circle of Love. 

El personaje y el filme fueron rápidamente considerados poco más que material pornográfico por críticos/as e intelectuales feministas,aunque las discusiones alrededor de la revolución sexual femenina abrieron el debate para verla bajo una luz más positiva.  Después de todo, Roger Vadim fue un cineasta conocido por romper tabúes de género en películas como And God Created Woman, y Jane Fonda, no sólo se convirtió en la primera mujer en protagonizar una historia de ciencia ficción como heroína, también explicó que el personaje no representaba absolutamente nada de los debates que tenía la época sobre el sexo y el cuerpo de la mujer, ya que ella simplemente “había sido creada libre”, lo que le permitía ser muy inocente a pesar de que se acostaba con un/a extraterrestre diferente en cada aventura: 

“Me importaba mucho mantener a Barbarella inocente. Ella no es una vampiresa y su sexualidad no se rige por las reglas de la sociedad. Ella no está siendo promiscua, simplemente sigue las reacciones naturales de otro tipo de desarrollo. 

Ella tampoco se puede decir que está sexualmente liberada, porque implicaría que se rebela contra algo. Ella es diferente. Ella nació libre”.

Jane Fonda, Los Angeles Times

Fonda también llegó a decir que Barbarella era el rol más fuerte e independiente que había interpretado, ya que a pesar de estar desnuda, tenía una libertad que otros personajes “recatados y encaminados a estar en función del personaje masculino” simplemente no tenían.

Barbarella

¿El ícono feminista que necesitamos? 

¿Qué define la libertad de la mujer? ¿Una mujer que enseña su cuerpo es libre? ¿Pero qué tal que su imagen queda subyugada al entendimiento o el placer masculino? ¿Pero si ella decide hacerlo y está en control de sus límites? Estas son preguntas que seguimos haciendo en pleno 2022, y una de las receptoras más grandes de esos cuestionamientos es precisamente la actriz Sydney Sweeney. 

Sweeney, quien saltó a la fama gracias a la serie de Euphoria, fue protagonista de una gran cantidad de controversia debido precisamente a sus desnudos, los cuales gran parte de la audiencia consideraron “excesivos” a pesar de que la misma actriz dijo que se sentía cómoda y tuvo total libertad para decidir hacer esas escenas o no. 

Por eso, Sweeney comentó que le parecían que estos comentarios la sexualizaban de igual forma que a Cassey, su personaje, ya que la obsesión con sus desnudos impedían que la audiencia entendiera su historia narrativa o la consideraran una actriz seria: 

“Creo que es gracioso como mucha gente sólo se centra en la desnudez cuando ese es sólo un fragmento de su historia. Puedes ver los paralelismos con el mundo de Cassey, como la sexualizan. 

Y se supone que sea una lección al mundo sobre cómo eso le puede pasar a una chica. Y luego veo cómo la prensa hace eso conmigo, así que es un poco irónico y gracioso”.

Sydney Sweeney
Barbarella

¿Cómo podría ser diferente? 

Barbarella se ha convertido en todo un ícono de la cultura pop, particularmente de la comunidad LGBT. RuPaul le dedicó un desafío completo y los extraños diseños de vestuario y sets marcaron la pauta para otras cintas parecidas como Flash Gordon. Pero lo cierto es que se rescata desde el sentido de la liberación sexual y romper tabúes. 

¿Cómo puede ser recibida una cinta así en pleno siglo XXI? La única manera en la que pueda ser verdaderamente revolucionaria es que sea igual de subversiva y explícita que su versión de 1968. ¿Cómo lo tomará la sociedad que duda mucho sobre este tipo de historias? No lo sabemos, pero tal vez estamos frente a uno de los proyectos más revolucionarios y feministas de los últimos años. 

Barbarella

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¿Cómo va el desarrollo de Avatar 4?

El productor detrás de Avatar, Jon Landau, reveló que la cuarta parte de la franquicia de Avatar ya presenta un avance significativo en la filmación del primer acto.

A finales de año estrenará finalmente Avatar: The Way of Water, la secuela de la primera cinta de Avatar que estrenó ya hace casi 13 años. Sin embargo, la segunda no será la única película que continúe con la franquicia creada por James Cameron, pues previamente se había confirmado que el equipo creativo ya trabajaba en los guiones para llegar al menos hasta una quinta parte.

Ahora, el productor Jon Landau ha revelado que el primer acto de la cuarta cinta —la cual será filmada en conjunto con la parte 5— está casi terminado.

“Hemos completado la mayor parte del primer acto de “Avatar “ y hay razones logísticas por las cuáles necesitábamos hacer eso. Diseñamos la mayor parte de la película, pero aún no hemos terminado de filmar, solo ese acto está listo”.

Jon Landau

Si bien, que la producción haya logrado avanzar hasta tal punto asegura que tendremos las continuaciones de la franquicia en un tiempo menor al que actualmente hemos esperado por The Way of Water, Landau comentó que “es importante darnos el tiempo para las secuelas y seguir siendo vanguardistas en cuanto a tecnología cinematográfica se refiere”.

Avatar

¿Por qué hacer 5 películas de Avatar?

Durante una conferencia de prensa en el Festival de Cine de Busan, el productor mencionó que uno de los objetivos de mostrar 15 minutos de la The Way of Water tras el reestreno de Avatar, era exponer en su mayor esplendor el “potencial tecnológico de las películas que vienen”, pues de acuerdo al ejecutivo, el sneak peek no se habría disfrutado de la misma manera en otro tipo de pantalla.

“No podríamos haber entregado antes, ni de una mejor manera lo que la gente vio tras la proyección. Hace cinco, ocho, nueve años. Necesitábamos el tiempo para llevarlo al nivel que le trajimos a las personas hoy”. 

Jon Landau

Por otro lado, el productor habló también sobre la línea narrativa que seguirán las siguientes películas más allá de sus avances tecnológicos, adelantando que “cada secuela presentará una nueva cultura, mientras que profundizará en las que vimos antes”.

Asimismo, aseguró que la meta es que la audiencia pueda explorar junto a los creadores el potencial de Pandora, conociendo más sobre la naturaleza alienígena creada específicamente para cada cinta.

Avatar

Evolucionar con el público

El productor abordó los temas de inclusión y su relación con Avatar, comentando que en Avatar: The Way of Water, los protagonistas se encontrarán en un estado de refugiados, buscando un espacio seguro entre una comunidad de personas que no lucen como ellos y que viven de formas distintas.

“Como cineastas, tenemos la responsabilidad de utilizar el arte para retar a las personas a ver las cosas de manera distinta”, dijo Landau “Y la ciencia ficción nos permite crear la metáfora perfecta sobre el mundo en el que vivimos, sin “predicar” al respecto. Porque si buscas hacerlo así, sólo alcanzarás a las personas que ya comparten ese punto de vista.”

Avatar: The Way of Water llegará a cines en Diciembre de este año. 

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?