Jonathan Majors: ¡Todos los detalles de su sentencia!

En este artículo:

  • Se reveló la sentencia completa que tendrá que atravesar Jonathan Majors después de ser declarado culpable de violencia doméstica.
  • Majors tendrá que ir a un curso de violencia doméstica, y se impuso una protección permanente a Grace Jabbari, la víctima.
  • Jabbari no está feliz con la resolución, pues dice que no es un castigo suficiente y no garantiza que el actor no vaya a reincidir..

Después de un juicio de tres semanas a finales del año pasado en donde Jonathan Majors fue declarado culpable por cargos de agresión y violencia doméstica en contra de su ex-pareja, Grace Jabbari, finalmente recibió su sentencia que consiste en participar en un programa de tratamiento de violencia.

Aunque durante varios meses se dijo que Majors estaba en peligro de enfrentar hasta un año de prisión, el juez explicó que la ausencia de antecedentes penales del actor de Marvel, contribuyeron a su decisión de no encarcelarlo. Pero, ¿En qué consiste el programa al que tendrá que asistir y qué pasará con su carrera después de cumplirlo? A continuación te lo platicamos.

JOnathan Majors
IMAGEN: ALEXI ROSENFELD | GETTY IMAGES

La víctima no está de acuerdo con la sentencia  

De acuerdo con Variety, Jonathan Majors llegó a la sala del tribunal de Manhattan la mañana del 8 de abril  junto a su actual novia, la actriz Meagan Good, para escuchar su sentencia la cual consta de completar una programa presencial de violencia doméstica de 52 semanas en Los Ángeles, la ciudad en donde reside actualmente el actor. Sin embargo, en el futuro habrá la oportunidad de que las sesiones sean parcialmente virtuales. 

El actor también deberá continuar con la terapia de salud mental en la que actualmente está inscrito y proporcionar reportes sobre su progreso. De igual manera, el juez del caso, Michael Gaffey, impuso una orden de protección permanente para Jabbari y cualquier violación o actividad criminal podría resultar en que se enfrente a penas de cárcel.

La condena surge del altercado que sucedió en marzo del año pasado cuando Jonathan Majors fue acusado por  Grace Jabbari de atacarla en el asiento trasero de un automóvil en New York, provocandole heridas en la cabeza, el brazo y hasta un dedo de la mano roto. No obstante, a pesar de la sentencia a su favor, la víctima destacó que Majors se niega a reconocer su culpabilidad y sigue siendo un peligro para quienes lo rodean. 

“Hará esto de nuevo. Hará daño a otra mujer. Este es un hombre que cree que está por encima de la ley. Yo tenía una carrera, una vida y un cuerpo, y él está todo dañado”. 

Grace Jabbari

Jabbari también criticó a los abogados de Jonathan Majors, Priya Chaudhry y Seth Zuckerman, por tratar de reducir su condena e insistir en que las acusaciones son falsas a pesar de que existe un video de la agresión, calificándolos de “aborrecibles” y “horribles”.

Jonathan Majors
IMAGEN: ALBERTO RODRIGUEZ | VARIETY

¿Cómo afectó la carrera de Jonathan Majors?

La carrera de Jonathan Majors despegó en Hollywood con la película de The Last Black Man que lo llevó a protagonizar proyectos más importantes como Lovecraft Country, The Harder They Fall, Da 5 Bloods y Creed III. Sin embargo, sin duda, una de las oportunidades que cambiaron su carrera por completo fue llevar a obtener el papel como Kang el conquistador en el Universo cinematográfico de Marvel, dado que el villano sería el principal oponente a vencer durante la Fase 5 y 6. 

No obstante, poco después del veredicto de culpabilidad, Majors fue despedido de Marvel y su carrera en Hollywood ahora parece estar en el limbo. Anteriormente, la empresa que lo representaba, Entertainment 360, y la agencia de publicidad, Lede Company, lo despidieron. Pero, a pesar de esto, durante el juicio de sentencia, su abogada dijo que Majors está “optimista” de que trabajará “pronto” en la industria cinematográfica.

Si bien es cierto que la industria suele ser menos dura cuando un hombre comete un delito, lo cierto es que el caso de Jonathan Majors es mucho más serio de los pensamos, puesto que desde las acusaciones legales en su contra, han surgido nuevos señalamientos de acoso y violencia, lo que podría atormentar más su carrera. 

Apenas en febrero de este año, el The New York Times, publicó un artículo de investigación en el cual al menos 20 personas afirman que Jonathan Majors es una persona “agresiva y volátil” con las mujeres, incluso dentro de los set de filmación, específicamente, en Lovecraft Country, la serie de HBO que lo ayudó a catapultar su carrera. 

De igual manera, Emma Duncan y Maura Hooper, quienes salieron con el actor entre 2013 y 2019, afirmaron que Majors abusó emocional y físicamente de ellas, calificándolo de ser “una figura controladora y amenazante que nos aislaba de amigos”, además de manipularlas y amenazar para frenar sus propias “aspiraciones profesionales”.

Jonathan Majors
IMAGEN: MIKE COPPOLA | GETTY IMAGES

¡Johnny Depp enfrenta nueva denuncia de violencia en el set!

En este artículo:

  • Lola Glaudini, quien compartió créditos con Johnny Depp en la cinta de Blow, acusó el actor de haber sido abusivo contra ella en el set.
  • Según recuerda, el actor le gritó por supuestamente haberlo distraído mientras ensayaban una escena.
  • Representantes de Johnny Depp negaron los sucesos y aseguran que tienen testigos que podrían desmentir las acusaciones de Glaudini.

Johnny Depp y Lola Glaudini compartieron créditos en la película Blow, que cuenta la historia real del narcotraficante George Jung y sus conexiones con Pablo Escobar y Carlos Lehder Rivas. Si bien la cinta fue estrenada hace más de veinticinco años, la actriz confesó durante un episodio del podcast Powerful Truth Angels, que su experiencia con el protagonista de Piratas del Caribe  fue caótica.

La historia de la actriz la compartió a principios de este año, pero fue hasta ahora que tomó más fuerza gracias que se hizo viral el fragmento de su declaración en redes sociales, en donde se destaca que Johnny Depp supuestamente le gritó por reírse durante una toma seria de la película.

Johnny Depp
Imagen: Vivien Killilea | Getty Images

Johnny Depp supuestamente le gritó en la cara la actriz por una escena 

Lola Glaudini relató que los hechos ocurrieron cuando ella se encontraba en el fondo de una escena en la que Johnny Depp dice un monólogo importante. Sin embargo, previamente, el director de la película, Ted Demme, le indicó a la actriz que “se echara a reír” a propósito en ese momento de la toma, una información que desconocía el actor. “[Depp] dice su monólogo. Escucho la señal y digo jaja, me río mucho o lo que sea”.

Para la sorpresa de la actriz, cuando dicen “corte” Johnny Depp se acercó a ella, la señaló con el dedo y le dijo: “¿Quién carajo te crees que eres? ¿Quién carajo te crees que eres? Cierra la puta boca. Estoy aquí, y estoy tratando de decir mis líneas y tú me distraes. Maldita idiota. Oh, ahora, oh, ¿ahora no es tan gracioso? ¿Ahora puedes callarte? ¿Ahora puedes callarte la maldita boca? En el silencio que estás ahora, así es como te quedas’”.

Glaudini relató que en ese momento se quedó en completo shock porque era la primera película que compartía créditos con Johnny Depp y nunca se imaginó su comportamiento violento en el set. “Esta era mi primera película de estudio, hasta entonces sólo había hecho películas independientes”, explicó. “Y tengo a la estrella a la que he idolatrado, con quien estoy tan entusiasmada de trabajar, que me gritó en la cara. Lo único que pasó por mi cabeza fue: ‘No llores, no llores, no llores’”.

Johnny Depp
Imagen: Podcast Powerful Truth Angels

Johnny Depp trato de disculparse por su comportamiento 

Después de soportar el incómodo momento, Lola Glaudini aseguró que se sintió tan humillada en el set de filmación que decidió llamar por teléfono a su padre y él le dijo: “Tienes dos opciones ahora mismo: puedes decir que se joda y no me van a hablar así. O nunca dejas que te vea sufrir”. Glaudini eligió la última opción y cuando Johnny Depp supuestamente se le acercó para ofrecerle una disculpa, la actriz decidió no decirle lo que realmente sintió. 

“Me dijo ‘Sabes, antes estaba realmente en mi cabeza y manteniéndome en mi personaje, estoy haciendo ese acento de Boston, y es realmente jodido. Entonces estoy un poco tenso y esas cosas. ¿Así que solo quería asegurarme de que estemos bien y todo eso?.

Simplemente lo miré y pensé: ‘¿No sé de qué estás hablando? Mi papá dijo: ‘No dejes que te vean sufrir’. Así que eso fue todo”.

Lola Glaudini

Tras las declaraciones virales de la actriz, un representante de Johnny Depp se comunicó con Variety para desacreditar la declaración y asegurar que el actor “siempre prioriza las buenas relaciones de trabajo con el elenco y el equipo” y que este relato en particular “difiere mucho de lo que recuerdan otros miembros en el set en ese momento”.

A manera de ejemplo, mencionó que Samuel Sarkar, quien fue acreditado como técnico de sonido en Blow, no recuerda los relatos de Lola Glaudini.“Como persona de sonido, estás constantemente escuchando lo que sucede en el set, escuchando ruidos, escuchando conversaciones”, añadió. “De hecho, específicamente, escuchaba el audio de Johnny para comprobar si había interferencias, tanto durante los ensayos como durante la toma. Nunca escuché algo así y habría sido un acontecimiento extraordinario”.

Johnny Depp
Imagen: Michael Tran | FilmMagic

Sujo: ¿De lo Mejor del Cine Mexicano en 2024?

Sujo, película dirigida por Astrid Rondero y Fernanda Valadez, ganó el Premio del Jurado en la categoría de World Cinema Dramatic en el Festival de Sundance, pero esta no es la primera vez que una de sus cintas causa revuelo. En 2020, las cineastas pasaron también por los festivales de San Sebastián, Morelia, Zúrich, además de ser premiadas en ceremonias como los Gotham y los Ariel por la cinta Sin Señas Particulares.

En Sujo, las cineastas cuentan la historia de un niño de 4 años hijo de un sicario. Cuando su padre muere, debe transitar y crecer en espacios llenos de violencia y con pocas opciones, pero entendiendo el mundo a través de los ojos de un ser inocente, que apenas va conociendo la inclemente realidad de México.

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de hablar con Astrid Rondero y Fernanda Valadez sobre Sujo y cómo ha evolucionado el cine sobre la violencia en México.

Sujo
Copyright @ Sundance film Festival

Sujo: ¿Cuál es el valor de la ficción para representar la realidad?

Astrid Rondero y Fernanda Valadez tienen una premisa máxima con su cine: generar preguntas. En Sin Señas Particulares, las cineastas decidieron explorar el doloroso camino de una madre para descubrir qué pasó con su hijo en un entorno lleno de violencia. “En Sujo, quisimos iniciar otra conversación, que las preguntas se fueran para otro lado, para preguntarnos: ¿qué necesitaría para salir del ciclo de violencia extremo que viven los jóvenes de las zonas más golpeadas por el crimen organizado?”

En los últimos años, películas como Heli, Noche de Fuego o La Civil, buscan explorar el entorno de violencia que se vive en el país desde la ficción, con personajes que transitan por una dura realidad que resuena mucho con la evolución de la violencia en México, y gracias a sus experiencias y viajes, se pueden explorar muchos más temas específicos que rodean la violencia en el país, como la migración, el reclutamiento forzoso y la desaparición.

De acuerdo con Astrid, si bien el gran arte del documental es encontrar el balance entre la observación y ordenar la información para contar una historia, “en la ficción utilizas la realidad para hacer un montón de preguntas. No tenemos la respuestas, pero estos pueden ser puentes para tener conversaciones importantes que nos acerquen a algún tipo de verdad”.

Por eso, con Sujo, Rondero y Valadez buscaron explorar la idea de coming of age” en donde ahora veremos a un chico crecer y comenzar a entender el mundo que le rodea. Y aunque puede dar pie a historias más ligeras o esperanzadoras, las cineastas esperan que Sujo logre capturar parte del contexto histórico que se vive en el país.

“En todos los grandes momentos históricos, siempre han habido huérfanos que engloban la tragedia, pero también la esperanza de una generación.

Nosotras queríamos encontrar a ese huérfano que nos hablara a nosotras. Y lo encontramos”.

Astrid Rondero, Fuera de Foco
Sujo
Copyright @ Sundance

¿Cómo se logra hacer historias universales?

Sujo comenzó a triunfar en Sundance no sólo porque cuenta la historia de un niño que surca la violencia en México, sino porque “explora el dolor de crecer en un contexto adverso” . Y para Fernanda Valadez, las adversidades se han ido acentuando alrededor del mundo, por lo que le llena de orgullo poder capturar eso y que conecte con audiencias internacionales.

El mundo atraviesa por un momento en donde sí hay muchos lujos, como el acceso a las redes y el acceso a la información.

Pero también es un mundo que se ha hecho excluyente. Más polarizado, donde los/as jóvenes batallan más para encontrar su lugar”.

Fernanda Valadez, Fuera de Foco

Juan Jesús Varela es el joven actor encargado de darle vida a Sujo. Él ya participó en Sin Señas Particulares. Él tiene la intención de convertirse en actor profesional, pero para Rondero y Valadez lo más importante no sólo es acompañarlo, sino también poder conectar a través del interés por contar historias.

“Nosotras buscamos que fueran experiencias positivas para todos/as los/as niños/as y adolescentes” nos comentó Valadez. “Sus madres siempre estuvieron presentes, y es un honor y un privilegio ver cómo el contar historias nos ayudan también a conectar como personas, a encontrar nuestros caminos”.

“Lo que a mi me gustaría es que la gente se conmueva con la historia” opinó Rondero. “Esta es una historia para acompañar a un personaje. Creo que eso es algo muy importante de contar historias, que cuando te rindes a un personaje, puedes ver que las experiencias de vida no son tan distintas”.

Sujo ya dominó Sundance, pero su conmovedora historia seguramente seguirá dando de qué hablar en todo 2024, pues probablemente es una de las películas mexicanas más importantes del año.

Sujo
Copyright @ Sundance

¿Qué pasará con Jonathan Majors tras ser declarado culpable?

En este artículo:

  • Jonathan Majors fue declarado culpable de 3 de los 5 cargos que se le imputaron por violencia contra su ex-novia, Grace Jabbari, en marzo de 2023.
  • El juicio se resolvió tras una semana de deliberación. El actor podría pasar hasta un año en prisión.
  • Aunque se consideran delitos menores, la sentencia seguramente dañará la carrera del actor. Por lo pronto, el actor ya fue despedido de Marvel Studios.

Jonathan Majors fue declarado culpable por el delito de asalto menor una semana después de que su juicio comenzara. En marzo de 2023, el actor de Marvel se vio envuelto en tremendas controversias por el enfrentamiento físico que tuvo con Grace Jabbari, su ahora ex-novia, dentro de un taxi en Nueva York.

El veredicto lo tomó un jurado de 6 personas después de 3 días de deliberación. Aunque no se confirmó qué consecuencias enfrentará Jonathan Majors, se espera que reciba una sentencia el 6 de febrero de 2024.

¿Exactamente de qué encontraron a Jonathan Majors culpable, qué consecuencias podría enfrentar su carrera y cómo respondió? ¡Aquí les contamos todos los detalles!

Jonathan Majors
Foto: Peter K. Afriyie | Associated Press

¿Por qué encontraron culpable a Jonathan Majors?

El juicio de Jonathan Majors, el cual fue pospuesto 3 veces, duró una semana en donde el actor no testificó ni subió al estrado como testigo. Contrario a otros casos de violencia doméstica, este fue un juicio criminal, no civil, por lo que el estado de Nueva York tenía la responsabilidad de mostrar la evidencia de culpabilidad.

Durante el juicio, aunque el equipo legal de Jonathan Majors negó rotundamente el altercado y aseguró que Jabbari se infringió esas heridas para dañar la imagen del actor, el juzgado dijo que el actor era culpable de 3 de los 4 cargos por ataque menor.

El cuarto cargo, que era el menos serio de todos, fue desestimado por la corte. Este cargo se le impuso a Majors por supuestamente haber empujado a Jabbari de vuelta dentro del auto cuando intentó salir. Sin embargo, la defensa del actor asegura que esto fue para evitar que ella corriera rumbo al tráfico.

Este forcejeo fue captado por una cámara de seguridad, lo demás, que ocurrió dentro del auto, no fue registrado en cámara. Por esa razón, fue encontrado inocente del cargo de ataque intencional en tercer grado y de acoso agravado en segundo grado.

Parte de lo que hizo que Jonathan Majors perdiera el juicio, fue una serie de mensajes que intercambiaron Jabbari y él en septiembre de 2022, meses antes de que se diera el incidente por el que fueron a juicio. En ellos, el actor mostraba una tendencia manipuladora y abusiva, en donde incluso le decía a la actriz que “tenía que comportarse a la altura de su grandeza” e intentó evitar que fuera al hospital a checarse heridas “porque iban a hacer preguntas”.

No hay detalles sobre cómo Jabbari se hizo esas heridas, pero los mensajes se conectaban con otros que se habían publicado anteriormente, en donde su ex-novia le confirmaba a Jonathan Majors que había mentido a un servicio médico para no generarle problemas.

La consecuencia más grande que enfrentará Jonathan Majors es a lo más un año en prisión, pero el daño a su imagen pública seguro hará estragos con su carrera en Hollywood.

Jonathan Majors
Foto: The AV Club

¿Cómo respondió Jonathan Majors a la sentencia?

La abogada de Jonathan Majors dijo que la sentencia “hizo realidad la peor pesadilla de un hombre negro que llama al 911” insinuando que las leyes estadounidense tienen importantes sesgos raciales y suelen enjuiciar a personas afrodescendientes con poca evidencia.

Al ser una de las promesas más grandes de la fase 4 y 5 de Marvel Studios, el futuro de Jonathan Majors dependía de las resolución de este juicio. Y en meses pasados, ya se había rumorado la posibilidad de que el estudio ya estuviera analizando alternativas, insinuando que estaban a punto de reemplazar a Kang como el gran villano de la saga. Y estos rumores parece que se confirmaron cuando la empresa anunció que cortaba oficialmente lazos con el actor.

La segunda temporada de Loki, si bien nos mostró el potencial que Kang tenía como villano, también cierra bien el arco argumental del personaje de Majors y deja claro que, aunque es un villano fuerte con copias infinitas, cada una de sus versiones tiene grandes limitantes, por lo que podría desecharse la idea de que Kang Dynasty sea el eje principal de sus fases.

Además de su futuro en Marvel, Jonathan Majors ya había sido separado de varios proyectos y comerciales, además de que 20th Century Studios retiró del calendario de estreno la cinta Magazine Dreams. Habrá que esperar a saber la sentencia de la corte para saber cuál será su futuro en Hollywood, pero parece que tendrá que pasar un buen tiempo fuera de los reflectores.

Jonathan Majors
Foto: USA today

¡Jonathan Majors enfrenta nuevas acusaciones de Violencia!

Jonathan Majors recientemente fue objeto de acusaciones de violencia doméstica en Nueva York por agredir a su pareja, por lo que se inició un caso penal en su contra que, hasta la fecha, continúa, ya que deberá presentarse a juicio el próximo 3 de agosto. Pero el caso se complicó cuando el actor también demandó a la víctima por violencia doméstica, alegando que ella fue quien inició los altercados.

Pero ahora, su juicio podría agravarse todavía más luego de que un nuevo informe de Rolling Stone afirma que más de 40 personas señalaron que el actor de Ant-Man and the Wasp: Quantumania y Creed III tiene antecedentes de violencia desde hace una década.

La investigación entrevistó a diferentes conocidos de Majors durante la última década, en donde la mayoría relató algunas anécdotas en donde el famoso fue abusivo en sus relaciones románticas, realizó intimidación física en los set de filmación de algunos de sus proyectos y se comportó de manera irrespetuosa con ex compañeros de su escuela en Yale.

Jonathan Majors
Imagen: Jeff Kravitz / Getty Images

 Jonathan Majors tiene un patrón de conducta agresiva

De acuerdo a las fuentes entrevistadas, Jonathan Majors tiene un patrón de abuso físico, mental y emocional desde su estancia en la Escuela de Arte Dramático David Geffen de Yale, en donde estuvo involucrado en altercados físicos con varios de sus compañeros. Eventualmente, cuando el actor comenzó su carrera en la industria del entretenimiento en pequeños proyectos, también comenzó a ser violento con sus compañeros/as de trabajo. 

Sumado a eso, varias mujeres señalaron que tuvieron una relación sentimental con Jonathan Majors que describieron como una “tortura emocional” debido a que de forma recurrente el actor se “llenaba de ira” hasta el punto de necesitar  “golpear algo”. “Mi experiencia al tratar con él y verlo en relaciones con varias mujeres es realmente perturbadora”, dijo una persona anónima. 

Otra ex pareja comentó que Jonathan Majors era romántico al principio de sus relación, pero al poco tiempo se volvió “realmente abuso extremo, física y mentalmente”, hasta el punto de que la estranguló.  Mientras que otras dos fuentes platicaron que el abuso era tan grave que tenían planeado un plan de escape para salir de la relación. Asimismo, otra mujer señaló que Majors solía controlar cada aspecto de su pareja, incluido lo que comían hasta con quién podía interactuar. 

El actor también tiene un comportamiento de “celos intensos” en su relaciones. “Ella dijo en algunas ocasiones que él quería que ella creyera que Majors era el oxígeno en la habitación y que ella no podía vivir sin él”, agrega una fuente. Y si ella “considerara irse, eso sería lo más tonto que hubiera hecho”.

Por su parte, el abogado de Majors, Dustin A. Pusch, contestó el informe de Rolling Stone señalando que tales acusaciones son falsas y se basan “completamente en rumores” porque ninguna de las parejas románticas a las que se hace referencia proporcionó su nombre, “lo que demuestra su total falsedad”, al igual que las acusaciones de abuso, violencia o intimidación durante su tiempo en Yale. 

No obstante, el artículo afirma que se han retenido los nombres de las mujeres y los detalles de sus relaciones, ya que varias fuentes expresaron su temor sobre que Jonathan Majors y su equipo tomen represalias en su contra dado que saben lo “manipulador y volátil” que puede llegar a ser el actor. 

Solo una mujer accedió a hacer pública su declaración,  Haley Carter, con quien Majors salió entre los 13 y los 18 años y describió al actor como “dulce, amable y gentil”, en un mensaje redactado a finales de marzo que se usó en el juicio.. ”Después de 20 años de conocerlo, te puedo decir quién es Jonathan. Él no hizo estas cosas”, añadió el comunicado. “No es violento de ninguna manera”.

Jonathan Majors
Copyright © Marvel Studios.

¿Jonathan Majors ha tenido problemas en sets de filmación?

El Informe señala que Jonathan Majors también fue agresivo en el trabajo, específicamente en el set de su próxima película Magazine Dreams, en donde dos miembros de la producción comentaron que el actor empujó a una persona mientras estaba en el set e intimidó físicamente a otra mientras les gritaba, lo que generó una queja a los productores. 

Por su parte, en lugar de arreglar el comportamiento agresivo de Jonathan Majors, los productores advirtieron que le dieran su espacio al actor debido a sus técnicas de método de actuación. “Escuché sobre diferentes actores de método y cómo es su comportamiento, pero ninguno de ellos es violento o grosero con su equipo”, dijo una fuente de producción, y señaló que Majors “era completamente irrespetuoso y un poco violento con todos” y el equipo  tenían miedo de que “saldrían lastimados”.

Nuevamente estas acusaciones fueron negadas por los abogados del actor al afirmar que todas las personas que han trabajado con Majors “saben que emplea un estilo de actuación inmersivo del Método” , y aunque eso puede malinterpretarse a veces “como descortesía”, aquellos que conocen al actor y trabajan en la industria “han atestiguado su dedicación a su oficio como así como su amabilidad.”

Jonathan Majors
Imagen: Paras Griffin | Getty Images

¿James Cameron se arrepiente de la violencia en sus películas?

James Cameron decidió eliminar 10 minutos de Avatar 2 porque está harto de “romantizar” la violencia armada en sus películas

Debido al aumento de la violencia armada en Estados Unidos, James Cameron decidió eliminar las secuencias de armas en Avatar: The Way of the Water, que al parecer representaban 10 minutos extras de la películas. Este puede ser un movimiento un poco extraño, ya que Cameron es conocido por sus intensas películas de acción y por ser uno de los primeros directores en cimentar las escenas de violencia en cintas de ciencia ficción.

Pero Cameron le explicó a la revista Esquire que ha comenzado a reflexionar sobre el impacto de estas escenas y la forma en la que el lente puede “fetichizar” las armas. Por eso, dijo que con Avatar intentó encontrar “un balance entre la luz y la oscuridad”, ya que reconoce que su carrera está definida por ser “un cineasta de acción”, pero quiso encontrar la manera de crear escenas entretenidas sin tener que glorificar la violencia.

“Corté unos 10 minutos de la película enfocándome en la acción de disparos. Quería deshacerme de algo de la fealdad, encontrar un equilibrio entre la luz y la oscuridad. Tienes que tener conflicto, por supuesto. Violencia y acción pueden ser lo mismo según se vea. Este es el dilema de todo cineasta de acción, y yo soy conocido como cineasta de acción”.

James Cameron, Esquire.

El director externó que está en contra de la venta legal de armas en Estados Unidos y prefirió mudarse a Nueva Zelanda, un país que prohibió “todos los rifles de asalto dos semanas después del horrible tiroteo en la mezquita hace un par de años”.

James Cameron

¿Se arrepiente de realizar Terminator? 

El tema de la violencia con armas en películas y series ha sido debatido hasta el cansancio durante décadas

Durante los últimos años, las secuencias de acción con explosivos y armas se han hecho populares y generan una gran cantidad de dinero en salas de cine, incluso el propio James Cameron, hizo un giro importante en su carrera cinematográfica cuando estrenó Terminator en 1984, una película que incluye armas y violencia. Sin embargo, el director confesó que no quiere volver a “fetichizar” las armas y jamás volverá a filmar este tipo de historias. 

“Recuerdo algunas películas que he hecho y no sé si me gustaría hacer esa película ahora. No sé si me gustaría fetichizar las armas, como hice en un par de películas de Terminator hace más de 30 años, en nuestro mundo actual. Lo que está pasando con las armas en nuestra sociedad me revuelve el estómago”.

James Cameron, Esquire

Teniendo en cuenta los comentarios de James Cameron, es posible que un reboot de Terminator sea muy diferente a sus antecesoras, y de hecho el cineasta ya comenzó a hablar sobre qué temas le gustaría tratar en caso de que se animara a revitalizar la franquicia. El director confesó en una entrevista que, de aventurarse a hacer otra película, le gustaría centrarse en la parte de la inteligencia artificial, un tema que le apasiona y que le parece que ha cobrado mucha más relevancia.

En caso de que los planes se concretarán y James Cameron logré revivir Terminator, de todas formas es muy posible que los/as fans tengan que esperar varios años para poder ver una nueva historia en pantalla. No sólo por el interés generalizado en realizarla, sino porque ahora el director sigue muy comprometido con la saga de Avatar, cuya secuela está por alcanzar los mil millones de dólares en la taquilla internacional y ya está preparando todo para el estreno de la tercera y cuarta parte.

James Cameron

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¡Organizaciones se pronuncian a favor de Amber Heard!

Expertos y organizaciones por los derechos de las mujeres consideran que el juicio de Amber Heard deja un mal precedente para víctimas y casos de difamación

El caso Depp vs Heard ha sido una de las contiendas judiciales que más ha sacudido al mundo en los últimos años. No sólo por los diversos artículos que le fueron dedicados al mismo, sino por lo público que se volvió el juicio de difamación, el cual fue televisado toda su duración y fue objeto de intenso escrutinio en redes sociales.

Meses después del veredicto, más de 130 personas, incluyendo a la periodista Gloria Steinem y diversas organizaciones en el campo de los derechos de las mujeres, en contra de la violencia doméstica y los abusos sexuales, han firmado una carta abierta en apoyo a Amber Heard, a quien consideran “una figura pública que representa el abuso doméstico”.

La carta fue firmada por grupos como The National Organization for Women, The National Women’s Law Center, Equality Now y Women’s March Foundation, y escrita por un grupo de personas que se identificaron como sobrevivientes de violencia de doméstica.

Amber Heard

¿El caso afectó a las víctimas de abuso?

El mes pasado Heard realizó una apelación respecto al fallo del juicio, el cual resultó en la compensación de Johnny Depp por $10 millones de dólares por los daños causados y otros $5 millones por demás afectaciones. Amber Heard recibió solo una compensación por $2 millones, la cual recientemente los abogados de Depp solicitaron que se le retirara, por algunas declaraciones hechas en la Corte.

El caso de difamación se dio a partir de una publicación en The Washington Post donde a pesar de que nunca se mencionó a Depp por nombre, su equipo de abogados dijo que las acusaciones realizadas por Amber Heard “claramente” estaban dirigidas a él. Y durante el juicio, la actriz proporcionó testimonios gráficos sobre abuso sexual, evidencia de abuso físico y manipulación como pruebas. Depp negó todas las acusaciones.

La carta publicada denuncia la creciente tendencia de las demandas de difamación para “silenciar” a quienes reportan abusos y violencia doméstica, resaltando que la atención fue desviada de la temática de violencia a la defensa de la imagen pública de Depp.

Además, la reivindicación legal de Depp se dio después de que se presentara evidencia sustancial respecto a los abusos perpetrados contra Amber Heard, por lo que la carta considera que “no fue un caso para determinar abusadores, sino para reivindicar a una persona a pesar de la evidencia en su contra”.

¿Por qué permanecieron en silencio?

Si bien el veredicto fue dado en junio de este año, es hasta Noviembre que las organizaciones se pronunciaron a favor de Amber Heard, argumentando que “las personas tenían miedo de hablar por temor a lo que le estaba sucediendo a los pocos que lo habían hecho”.

La vocal del grupo detrás de la carta, quien se mantuvo en el anonimato, comentó que aunque algunas asociaciones mostraron su apoyo por Amber durante el juicio, fueron desacreditadas en redes sociales por seguidores de Depp.

“Había un acoso gigante impulsado por la desinformación, misoginia, bifobia y el entorno monetizado de las redes sociales donde las declaraciones de violencia doméstica realizadas por una mujer se volvieron burlas y objetos de entretenimiento”.

Anónimo, NBC News

Kathy Spillar, la directora de Feminist Majority Foundation, comentó que su organización firmó la carta luego de observar el “creciente ataque” en contra de las mujeres que han hablado sobre sus experiencias con abuso y violencia. Un fenómeno que se replicó en diversas redes en contra de más figuras públicas, tales como Angelina Jolie y Evan Rachel Wood. Ambas enfrentan demandas por parte de Brad Pitt y Marilyn Manson, y de hecho, la querella que inició el cantante en contra de Wood es justamente por difamación.

“Si esto puede pasarle a Amber Heard, desanimará a otras mujeres de alzar la voz, e incluso de denunciar sus casos de violencia y abuso sexual”, explicó Pillar, pues como establece la carta, diversas sobrevivientes han retenido sus procesos legales debido a la cada vez menos efectiva respuesta de las autoridades.

Elizabeth Tang, consejera de educación y justicia en el National Women’s Law Center, añadió que el ambiente que el caso creó, hizo la tarea de denunciar aún más peligrosa, pues diversos abusadores han recurrido a “demandas de difamación” para silenciar a sus víctimas.

amberyabogada

La imagen encima de la violencia

Tang recalcó la rápida aprobación que los sistemas de justicia de Estados Unidos dan para poner en marcha casos de difamación, contrastando duramente con las denuncias de abuso que logran proceder a un juicio y que por lo general, no llegan a un veredicto.

“La Corte no rechaza las demandas de difamación en sus etapas tempranas, y eso crea más trauma a las víctimas quienes tienen que someterse a un largo, invasivo y exhaustivo proceso para probar que lo que dijeron ellas es cierto”. 

Elizabeth Tang

Asimismo, Christian F. Nunes, presidenta de la National Organization for Women, comentó que espera que la carta sirva de recordatorio de que el sistema judicial “tiende a revictimizar a las víctimas de violencia, poniendo en tela de juicio sus palabras”.

“No podemos seguir silenciando víctimas a través de juicios y demandas para volver a generar un trauma, porque eso es lo que está pasando” añadió Nunes, exigiendo que además de la tarea dentro de los juzgados, la atención se dirija también a los foros públicos, tales como las redes sociales, espacios que afirma “utilizan los abusadores para hacer campañas en contra de sus víctimas” y destacando la contienda de odio realizada en contra de Amber Heard durante y después del juicio.

Por último, Tang comentó que la carta era también “una forma de hablarle a todas las sobrevivientes y decirles que no están solas”, reforzando el compromiso de todas y cada una de las organizaciones involucradas con las víctimas de abuso y violencia sexual y doméstica.

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

Blackbird: ¿Por qué plasmar la violencia en el arte?

Con sus últimas tres funciones en puerta, el equipo detrás de la obra Blackbird nos cuenta sobre el impacto que la violencia de género tienen en el arte y el teatro.

Basada en el texto de 2005 del dramaturgo David Harrower, Blackbird parte del encuentro entre Una (Cassandra Ciangherotti) y Ray (Alejandro Calva), luego de que la joven decide enfrentar al hombre que abusó de ella cuando tenía 12 años de edad. A lo largo de la puesta en escena, la aguja moral de cada punto de vista fluctúa entre la víctima y su conexión con el abusador, explotando al máximo los sentimientos de culpa y empatía por ambos personajes y poniendo a su vez en duda cada testimonio.

En una sociedad donde la estadística de feminicidios —con un promedio de 80 casos al mes— y abuso sexual infantil es alarmantemente elevada, Blackbird no sólo es una experiencia intensa, sino absolutamente necesaria. El retrato del abuso infantil y la violencia de género encuentran su voz por medio del arte, desarrollándose bajo una atmósfera truculenta que busca concientizar a su público a través de un viaje emocional.

Tuvimos la oportunidad de platicar con la directora Katina Medina Mora y el actor Alejandro Calva acerca de la influencia que la violencia en México ha tenido en la segunda temporada de Blackbird.

Blackbird

Una conversación dolorosa pero necesaria

México es el país número uno en pornografía infantil y el segundo en abuso sexual de menores. Temas que aunque antes eran tabú, Blackbird ha abordado desde su primera puesta en escena, exponiendo la magnitud internacional del problema.

“Desgraciadamente es algo que no ha cambiado en estos últimos años. Hace mucha falta tener esta recepción, pues es un tema que no caduca, sino todo lo contrario. Este tipo de obras hacen que podamos hablar de ello un poco más.”

Katina Medina Mora

Más allá de cerrarse a contar la historia a través de un sólo ángulo, Blackbird navega a través de diferentes matices, jugando con la empatía y la posición de la audiencia y nunca quedándose en un umbral completamente blanco y negro. Al respecto, Medina argumenta que Blackbird está hecha “para mover la aguja moral de lo que opinamos sobre el tema” y que “existe un área gris que nos hace cuestionarnos un montón de cosas”.

Asimismo, la directora dijo haber hablado con Alejandro Calva, su actor principal, sobre la “deuda histórica que el país tiene con las mujeres, viviendo en un lugar con tantos feminicidios”, argumentando además que dicha crisis, hizo a todos en el equipo más sensibles al tema. 

Hablábamos Alejandro y yo, y le decía “te veo más conmovido con ciertas cosas”, cuando antes Ray era sólo un personaje que trataba de defenderse. Alejandro decía que sí, que sentía que había una deuda de los hombres hacia las mujeres y que eso le movía.”

Katina Medina Mora
Blackbird

Más relevante que nunca

Alejandro Calva, quien da vida a Ray, añadió que para volver a Blackbird tanto él como su co-estrella Cassandra Ciangherotti requerían prepararse emocionalmente, puesto que consideraba que todos tenían algún vínculo con el abuso de cierta manera. 

Tal vez nosotros no fuimos víctimas de abuso, pero conocemos a un familiar, a un amigo cercano, conocemos una historia. Hay cosas que nos vinculan con esto y por eso es una experiencia fuerte. Nos encanta hacer Blackbird, pero sí implica un compromiso emocional que no es fácil. Y es una mezcla agridulce, porque por un lado quisiéramos seguir hablando de esto, pero también pasar por tu cuerpo toda esta información siempre te genera cosas.

Alejandro Calva

A pesar de haber hecho su debut en 2005 la obra se mantiene relevante. Pues de acuerdo a Calva, conforme la obra se ha presentado en el escenario, la conversación alrededor del abuso sexual infantil ha pasado de ser un tabú a ser una discusión necesaria. Considera que “en 2022 la sociedad ha cambiado fuertísimo, por lo que Blackbird es mucho más contundente y desgarradora y tiene mucha más fuerza que antes.” Ante ojos del elenco, esta no es una puesta como cualquier otra, pues para ellos se vuelve una propuesta artística importante.

Katina puso su corazón en la mesa de trabajo y a nosotros no nos quedó más remedio que poner el nuestro. Esta obra es fundamental para nosotros, un compromiso emocionalmente bárbaro.

Alejandro Calva

Blackbird no sólo refleja el dolor que el abuso infantil deja sobre la persona el resto de su vida, sino la permanencia de la influencia y manipulación del abusador años después, aspecto que Calva logra transmitir a la audiencia con su actuación. 

Por su parte, la encarnación de Una a manos de Ciangherotti navega entre los matices y la complejidad de la historia con una energía única sobre el escenario, exponiendo tanto los ángulos de inocencia como aquellos que giran en torno a la ira, el rencor y la reconexión que busca para dar sentido a su vida después del trauma. 

Blackbird es una experiencia que vale la pena, que abre los ojos del público ante lo sencillo que es para un abusador influir sobre sus víctimas, que además encara los juicios que la sociedad imprime sobre aquellos que han sufrido este tipo de violencia. 

Blackbird
Blackbird despide su temporada en el Foro Shakespeare con sus últimas funciones el 18, 19 y 20 de Julio a las 20hrs.

Arcelia Ramírez: “La Civil es sobre la Compleja Condición Humana”

Platicamos con la directora Teodora Mihai y Arcelia Ramírez sobre La Civil, una cinta que busca retratar todos los matices y factores de la violencia

Hace 4 días, el Gobierno de México confirmó que en el país hay más de 100mil personas desaparecidas, y otras cifras indican que hay 2.6 feminicidios al día. Desafortunadamente, el azote de la violencia en el país no se detiene debido a la presencia de los grupos criminales y la ineficiente estrategia que el país ha seguido desde 2008 para combatirlos. 

Pero mientras la violencia aumenta, nuevas voces buscan cada vez más nuevas formas de crear conciencia, de obligarnos a ver la problemática desde otras perspectivas, de que entendamos cómo viven las personas más cercanas a esta violencia y las consecuencias que tienen no sólo para la seguridad, sino también para la economía y el desarrollo general del país. 

El cine siempre ha sido una herramienta genial para transmitir mensajes y crear empatía, y un gran ejemplo de esto es La Civil, cinta inspirada en la historia de Miriam Rodríguez, mujer que poco a poco encontró a los secuestradores de su hija y que fue asesinada en 2017. En Fuera de Foco, tuvimos el honor de platicar con la directora Teodora Mihai y la protagonista Arcelia Ramírez sobre esta película y el poder del cine. 

La Civil

Las Inspiraciones Detrás de La Civil

Arcelia Ramírez, quien recibió una ovación de pie cuando la película se proyectó en El Festival de Cannes del año pasado, nos dijo que, aunque la película está inspirada en una mujer real, realmente no es su historia, ya que lo que buscaban era poder retratar las experiencias que han compartido millones de mujeres que deciden hacerle frente a la violencia que atraviesa el país: 

“La Civil está inspirada en una mujer real pero no es la historia de ella. O sea, no está basada en su historia, pero la decisión de hacerla una ficción para que no hablara de una sola mujer, sino que el personaje representara el testimonio de muchas mujeres con las que Teodora habló”. 

En esta cinta, Ramírez interpreta a Cielo, una mujer que, después de que secuestran a su hija, poco a poco se va infiltrando en los mundos bajos del crimen organizado para saber qué pasó con ella. Uno de los aspectos más interesantes del filme es la normalidad con la que se representan los crímenes, los cuales se llevan a cabo a plena luz del día, en una tienda de abarrotes, o en un restaurante. 

De acuerdo con Mihai, la historia la hizo muy de cerca con su coguionista: Habacuc Antonio De Rosario, con quien no sólo trabajó en un duro proceso de investigación, sino que le ayudó también a decidir el tono de la cinta: 

“Fue un arduo trabajo de investigación, porque queríamos entender un poquito también el asunto geopolítico, más allá del asunto social, queríamos mostrar que es algo multifactorial. Así que intentamos ser sutiles y también añadir un poquito de humor. Porque eran elementos que enriquecen la historia al final del día”. 

La Civil

La Violencia Nos Cambia

Así, tenemos una cinta que nos explica cómo los grupos criminales influyen en el tipo de bienes que escasea o abunda en un lugar, y en el personaje de Gustavo, exesposo de Cielo, vemos cómo el género influye en la perspectiva que se tiene sobre la violencia, y que la realidad es suficiente para resquebrajar las normas de género al punto en que quedan completamente inservibles. Y al respecto, Arcelia nos contó que ese fue uno de los puntos más fascinantes de su personaje: 

“Lo que me pareció fascinante es que Cielo y Gustavo tienen una trayectoria. La historia no es sólo narrar la búsqueda de una mujer, o que toma justicia por propia mano. Es una evolución de un personaje que se sacude a sí misma la sumisión, la fidelidad al marido, al macho. 

Eso lo tiene que abandonar para encontrar su propia fuerza, su inteligencia. Pero en el viacrucis, también nos narra la historia de una mujer desamparada por el sistema de justicia, no hay nada que la proteja y la defienda y eso también incluye muchos riesgos”.

Para Arcelia, esta película “no es un retrato de buenos y malos”, ya que a lo largo de la historia, su personaje se va inmiscuyendo cada vez más en el bajo mundo de la criminalidad, en parte ayudada por un militar que llega al pueblo y con quien llega a un acuerdo para poder estar presente en los retenes, y al final, ella agarra una especie de “callo” que incluso le facilita ejercer violencia. La Civil no teme retratar la brutalidad de los dos bandos en la guerra contra el narco, y es fascinante ver cómo logran que todo sea visto desde la perspectiva de Cielo.

La Civil

Una Película sobre la Naturaleza Humana

Al respecto, Arcelia asegura que la cinta hace un comentario sobre las complejidades de la condición humana: “Cuando la violencia lo toca a uno prácticamente lo involucra y se hace un círculo viciosos de violencia. La película nos muestra escenas desde la perspectiva de Cleo como víctima, como en la funeraria, y luego regresa a mostrar esa misma funeraria pero ya está del otro lado, se va para atrás. La violencia que la hizo víctima es la misma que está propagando. Es muy impactante y habla de la condición humana en un sentido existencial”.

Si bien La Civil es una intensa historia que retrata con dolor la violencia, es curioso ver que mucho del crimen organizado se da en el día a día e involucra a personas comunes y corrientes, mientras exacerba el silencio que predomina entre la ciudadanía y que fomenta la impunidad. Teodora Mihai nos contó al respecto que ella buscaba “hacer una película irónica”, ya que en su investigación, la cual también estuvo inspirada en el libro “Sin Trincheras” Habacuc Antonio De Rosario, que precisamente narra la historia del narcotráfico en el norte de México desde la perspectiva de la gente común: 

“Es una historia muy irónica, porque retrata cómo la ciudadanía está constantemente negociando con el peligro, con la violencia, y sin embargo no dice nada, todo es silencio. Es irónico que lo veamos como algo normal porque no debería volverse normal, no debería ser algo tan cotidiano”. 

La Civil

El Poder del Cine

En la cinta, el personaje de Gustavo sirve para contrastar exactamente cuáles son las expectativas que tenemos de los criminales (como hombres rudos, intimidantes que acechan en la noche), imágenes que también son promovidas por diferentes series y películas, ya que la distancia que hay entre una ficción y su espectador pueden hacer que una historia de narcos sea una exitosa cinta de acción. 

Sobre esto, Arcelia comentó que está segura de que “el cine y el arte es una maravillosa herramienta para construirnos como personas, porque permite encarnar historias y contenidos”. Por lo que ver contenidos como este pueden “hacer que tomemos consciencia”. 

Para ella, lo importante es que “veamos que hay otra manera de ver las cosas”, ya que eso nos obliga a entrar en una especie de “movimiento interno”, aunque dependa de la circunstancia. “Hay quiénes podrán hacer mucho, hay quienes con pequeños gestos pueden hacer un cambio a nivel personal”, pero al final, esos gestos repercuten y pueden “convertirse en un círculo virtuoso”.

Y es precisamente por eso que ella espera que la película pueda llegar a mucha gente: “Hay gente que podrá incidir de manera más directa, no lo sabemos. No sabemos cuántas personas verán la película, esperemos que llegue a mucha gente. Porque es una herida profunda, una herida sangrante”. 

La Civil es una historia que busca mostrar los casos más emblemáticos de México para hacer una historia universal de búsqueda, de violencia, de impunidad y de silencio. Pero en el camino, hace un análisis sobre las relaciones de género, cómo la violencia cambia nuestra identidad y hasta dónde se puede llegar para buscar justicia. Y su mayor valor, es que busca que cada quien pueda encontrar una forma de alzar la voz desde su perspectiva.

¡Instituto mexicano crítica a los videojuegos “violentos”!

Según un estudio del Instituto Federal de Telecomunicaciones los videojuegos violentos atentan contra la dignidad humana.

El Instituto Federal de Telecomunicaciones (IFT): organismo encargado de regular regular y supervisar las redes y la prestación de servicios de telecomunicaciones y radiodifusión en México, presentó un estudio en donde analiza como el consumo tecnológico afecta a niñas/os, en el cual se realizan fuertes conclusiones. 

Obviamente uno de los apartados a analizar tenían que ser los videojuegos, los cuales son descritos por la organización de la siguiente manera: 

“Los videojuegos también representan un gran riesgo por sus contenidos violentos (en muchos de ellos se juega con asesinatos), ya que refuerzan conductas agresivas aprendidas en los hogares o el entorno social que rodea a los niñas, niños y adolescentes, dichos contenidos atentan contra valores humanitarios como el respeto a la vida y la dignidad humana.” 

Tras lo anterior el reporte menciona que la gran influencia que tienen los/as youtubers e influencers sobre las personas de 5 a 14 años puede ser nociva, esto si los/as susodichas/osbasan sus contenidos en acciones absurdas o peligrosas, las cuales “confunden” a este sector sobre “lo que sí es ‘su mundo’ y el que no lo es”, ya que los/as mismas/os fungen como una “aspiración e imponen modelos de referencia.” 

Videojuegos

Tras esto el estudio ataca al streaming y las redes sociales mencionando que el “consumo desmedido de contenidos virtuales genera personalidades retraídas, agresivas e intolerantes, que trastocan procesos de neurodesarrollo fundamentales como la capacidad de demora para satisfacer necesidades.” 

Como informa Xataka el IFT asegura haber consultado a especialistas que mencionan. que el consumo de lo anterior ocasiona una “sobreestimación de la dopamina”, y en la crítica más boomer del texto se menciona que la “flexibilidad” de los padres “no instaura un liderazgo claro (…), lo que suele devaluar la autoridad de los adultos y empoderar a los/as hijas/os.” 

A pesar de lo anterior el texto reconoce que algunos beneficios de la tecnología son la mejora del lenguaje, motricidad y aprendizaje autodidacta, de manera que forja personas “menos dogmáticas y más alejadas de doctrinas estrictas, son más difíciles de cooptar políticamente. Tienen la idea de ser ‘una persona del mundo’, de un mundo más colaborativo y competitivo.”

Videojuegos
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué opinan sobre las conclusiones de este estudio sobre los videojuegos?

UN EXTRAÑO ENEMIGO

La serie Un extraño Enemigo, producida por Televisa y exhibida en Amazon Prime Video, emitirá su capítulo final el próximo viernes 26 de octubre. Si no la has visto, aquí te contamos cómo se ha desarrollado la trama hasta ahora a través de los personajes que la protagonizan.


Antes que nada, hablemos de los responsables

 

Gabriel Ripstein (1972) entró a la escena del cine mexicano como “el hijo de” Arturo Ripstein (“El lugar sin límites”, “El castillo de la pureza“), uno de los directores más importantes de su generación. Muy pronto se forjó un nombre propio al adaptar en 1999 decorosamente la novela de Gabriel García Márquez El coronel no tiene quien le escriba, para luego embotarse en guiones de comedias románticas simplonas, como Amor a Primera Visa” (2013), o como productor de ese desastre taquillero que fue “El crimen del Cácaro Gumaro” (2014).

No mucho tiempo después, Gabriel pasó a formar parte de una de las casas productoras más relevantes hoy en el cine mexicano: Lucía Films, empresa liderada por el director mexicano Michel Franco (“Después de Lucía”, “Chronic”). Allí Gabriel recibió una oportunidad para dirigir su primera película “600 millas”, donde se metió en las entrañas del narcotráfico sin histeria, ni heroísmos. No es extraño, por eso, que Televisa haya decidido que fuera él quien recontara los hechos ocurridos el 2 de octubre en la plaza de Tlatelolco.

Televisa también se nutrió de nombres como el escritor Daniel Krauze y el ya consolidado guionista Gibrán Portela (“La jaula de oro”, “Güeros”, “La región salvaje”). Con un equipo así, la cosa no podía salir tan mal. Y así fue: salió muy bien.

Ojo: no es una serie documental

Pudiera parecer vana la aclaración, pero no lo es. A 50 años de la matanza de Tlatelolco ocurrida en 1968, han aparecido numerosos materiales que tratan de explicar lo ocurrido: reportajes periodísticos, novelas, testimonios, documentales y obras de ficción. “Un extraño enemigo” pertenece a esta última categoría: la ficción.

Quienes se acerquen a la serie, o los que ya lo han hecho, no deben hacerlo buscando saber qué ocurrió, ni cómo ocurrió. El dato histórico o la descripción precisa de los involucrados no es lo más relevante en “Un extraño enemigo. Mucho menos hay que verla con el afán de encontrar imprecisiones en la cronología de los acontecimientos. Para eso se mira un documental o se lee una investigación.

Sin embargo, tampoco hay que aflojar nuestro juicio: el deseo de ficcionalizar un acontecimiento aún tan disputado como éste implica ya una interpretación de esos hechos. Hay en la serie, se quiera o no, una posición -sí, incluso política- asumida sobre el 2 de octubre. La pregunta importante no es ¿qué pasó?, ni ¿cómo pasó?, sino ¿para qué lo recordamos? y ¿cómo hay que recordarlo?

Fernando Barrientos

El peso dramático y argumental de la serie recae sobre Fernado Barrientos, comandante de la Dirección Federal de Seguridad, interpretado por Daniel Giménez Cacho. Si Barrientos guarda alguna relación con Fernando Gutiérrez Barrios, su referente histórico, poco importa. Ripstein, fiel a la tradición del thriller más que a las posibilidades mismas de la historia política mexicana, deposita en él una omnipotencia inclemente. Es el enemigo perfecto a cuyo control nada escapa. Todos los demás personajes orbitan a su voluntad sin importar el puesto que ocupen en su familia o en el gobierno. 

Su familia

Barrientos está casado con Esperanza (Karina Gidi) con quien mantiene una relación de estampa. Ella tiene sus amoríos y él también. Ambos son padres de Enrique, quien está luchando por hacer su vida fuera de su sombra. Desde el primer capítulo, la tensión entre padre e hijo es notoria. Para alguien controlador y obsesivo del poder, que su hijo quiera tomar sus propias decisiones resulta insoportable. Por eso, Barrientos estalla cuando se entera de que Enrique rechaza el trabajo que él le consiguió y que decide mudarse con su novia embarazada.

Pero Barrientos es un hombre preocupado por su imagen. De ello depende su carrera y sus aspiraciones políticas, las cuales mueven y detonan los principales acontecimientos de la serie (la explosión en el metro, las detenciones arbitrarias, los homicidios). Él está decidido a ser presidente y para ello debe conseguir que su jefe inmediato, Luis Echeverría, llegue primero a la silla presidencial, para luego él convertirse en el lógico sucesor. Deshacerse de los otros candidatos (Alfonso Corona del Rosal y Emilio Martínez Manatou) es su principal misión y el movimiento estudiantil se revela como la ocasión perfecta para lograrlo.

Más allá de las apariencias, Barrientos está enamorado de Elena (Irene Azuela), una periodista con quien tiene una hija enfermiza. Es es esta relación donde conocemos al Fernando compasivo. Pero esas secuencias sólo duran pocos segundos.

Además, Fernando es acompañado/atormentado por la presencia de un misterioso niño que orienta sus decisiones y lo anima cuando se encuentra más débil e inseguro.

Beto

Para que Barrientos controle el movimiento estudiantil se vale de un grupo de infiltrados encabezado por Beto (Krystian Ferrer). Este personaje es el que experimenta los cambios más dramáticos de toda la serie. Él sabe que su lealtad no está a prueba y que un error le costaría la vida (no sin antes ser horriblemente torturado). Beto se convierte en la mano derecha de David y en novio de Alicia (Ana Clara Castañón), quien no tardará en descubrir sus dobles intenciones.

Su relación con Barrientos es paternal. En el momento de mayor incertidumbre, la posible traición de Alicia, Beto preferirá satisfacerlo a él antes que a sus amigos y a su propia familia.

Personajes como éste le sirven a Ripstein para generar el suspenso propio de lo policíaco.En él se expresan los principales conflictos éticos y morales de la serie: ¿cuánto estoy dispuesto a sacrificar para sobrevivir?, ¿qué gano con conservar la vida si pierdo a la persona que más amo? Si Barrientos es ya un personaje determinado a hacer el mal, Beto está apenas tomando ese camino.

 

David y Alicia

No todo en la serie es maldad pura o personalidades atormentadas por la indecisión. David (Andrés Delgado), tras salir de la cárcel, se convierte en líder del movimiento estudiantil y principal representante del Consejo Nacional de Huelga. La pérdida de su novio, tras un tiroteo accidental, lo llevará a buscar soluciones cada vez más alejadas del conflicto armado. Alicia, la novia de Beto, también está en contra de la violencia pero su relación con Beto acabará llevándola a un final indeseado.

Entre esos dos polos, el asesinato y la prisión, “Un extraño enemigo” sitúa los riesgos de la resistencia ante un régimen perverso y despiadado. David se irá quedando cada vez con menos aliados hasta que, sin notarlo, sea llevado por esa malévola corriente cuyo cauce está determinado por Barrientos y que desemboca en el 2 de octubre, en la plaza de Tlatelolco.

 

 

Presidente y presidenciables

Además de estos personajes ficticios, la serie tiene el atractivo de incorporar apariciones del presidente Gustavo Díaz Ordaz (Hernán del Riego), el secretario de Gobernación Luis Echeverría (Antonio de la Vega) y el jefe de gobierno de la Ciudad de México Corona del Rosal (Fernando Becerril).

Ripstein presenta un Díaz Ordaz que queda como víctima de los acontecimientos y que también se ve arrastrado por ese vendaval de intenciones que es Barrientos. Más de una vez lo vemos quejarse de que él no pidió celebrar los Juegos Olímpicos. Esta pasividad de Díaz Ordaz, que puede desconcertar a los historiadores, se suma a la ambición desorientada de Echeverría por la presidencia. Barrientos sabe bien de ello y por eso decide apoyarlo y, a través de él, darle forma a sus aspiraciones.

Si hay alguien que rivaliza con Barrientos en la capacidad de dirigir los hechos es la CIA. Y es que un mexicano imponiendo condiciones a la CIA suena descabellado pero en el argumento de esta serie no se ve tan así. El juego de ajedrez se resuelve entre ambos y una por una las piezas van cayendo muertas en el tablero.

 

 

2 de octubre, ¿no se olvida?

“Un extraño enemigo”, línea tomada del coro del himno nacional mexicano, mismo que es intervenido musicalmente en el Intro de la serie, nos presenta los acontecimientos de hace 50 años como remotos, terminados. Esto se observa en los diálogos confiados de los personajes, dichos como si fueran conscientes de que pasarían a la historia. Ripstein ha convertido los días previos a la matanza de Tlatelolco en una épica policiaca donde gravita un aura de alivio.

En uno de los capítulos, Díaz Ordaz asegura que la sucesión presidencial para el Partido único está garantizada y siempre será así. Como mexicanos en el 2018, sabemos que en el 2000 hubo un intento de alternancia y que en este año la alternancia se completó (sí, la afirmación es discutible, lo sé). Eso no significa que la serie sea complaciente con el nuevo gobierno, sino que está construida de tal forma que representa los acontecimientos de una forma tan cuidadosamente planeada que los convierte en irrepetibles, únicos.

Además, el triunfo individualista del personaje central Barrientos va a contracorriente de la idea fundamental de todo movimiento estudiantil: la historia se hace desde abajo y en contra de las estructuras, no de una sola persona. Por eso es que afirmo que Ripstein se apropió de la gramática de las series estadounidenses para contar un suceso histórico mexicano y lo que le salió es un híbrido disfrutable, sí, pero que poco aporta a la construcción y al sostenimiento de la memoria de lucha de los estudiantes que fueron asesinados el 2 de octubre.

 


Si ya viste la serie, cinéfilo, cuéntanos qué te ha parecido hasta ahora.

HOLD THE DARK

Ya se nos acaba el año y Netflix parece estar redimiendo los errores del verano.

Con el estilo y dinamismo propio de Jeremy Saulnier; esta cinta de suspenso explora las bajezas del ser humano y desdibuja los límites del instinto animal.

Lo que veremos

Bajo el frío inclemente de Alaska, nos sitúan en la comunidad de Keelut. Ahí Medora Slone (Keough) sufre por la muerte de su hijo. Sola y devastada, le escribe al naturalista Russell Core (Wright) para contarle lo ocurrido: el pequeño murió atacado por los lobos.

En la carta, le ruega por ayuda, pues su esposo Vernon (Skarsgård) se encuentra de servicio en Iraq y ella quisiera (al menos) entregarle un cuerpo qué enterrar.

Conmovido por la carta y motivado por otros asuntos personales, Rusell acepta; desde su llegada se da cuenta que la situación es más compleja de lo que imaginaba.

Abrumado por el clima, la comunidad hermética y una madre al borde de un colapso nervioso; Rusell trata de encontrar una explicación a lo sucedido. Paralelamente, el regreso imprevisto de Vernon a Keelut sólo complica más la situación.

Distanciado de los lugareños, Rusell encuentra más lógica y ayuda en el detective Marium (Badgett); con él, irá descubriendo los oscuros secretos de los Slone y tratarán de resolver el inquietante caso, antes de que cobre más víctimas.

¿Vale la pena verla?

El trabajo que han estado haciendo cineastas como Taylor SheridanNicolas Winding Refn o Tom Ford lo encuentro muy refrescante. Sobre esa línea, la joven filmografía de Sauliner es digna de seguirse de cerca. Su estética es gráfica, cruda y potente.

Además ha complementado su oficio con historias que no sólo se acomodan a su estilo; también son guiones originales o muy bien adaptados, como es el caso de esta cinta.

Este “género” (por llamarlo de alguna manera), no es para todos; pero sin duda vale la pena visitarlo y más cuando está bien hecho.

Sobre el final…

Aquí es donde se va a dividir drásticamente la opinión; el desenlace queda a interpretación del espectador. Para entenderlo un poco mejor, habrá que tomar en cuenta tres cosas:

-El título de la película y la oscuridad como metáfora.

-Los detalles y guiños sobre el pasado de Vernon y Medora.

-Cómo se proyecta el comportamiento de los lugareños con la manada de lobos y viceversa.

En conclusión

Si eres fanático de True Detective, las producciones de David Fincher o el estilo visceral del maestro Cronenberg; seguramente le encontrarás el gusto a Hold the Dark.

Este tipo de thrillers no son muy digeribles y se convierten en películas que son amadas u odiadas por igual. Cualquiera que sea tu posición, nos encantaría leerla aquí abajo.

 

5 documentales para pensar la violencia en México

El cine nunca está alejado de lo que pasa en la sociedad donde se produce. Especialmente en la forma de documental es cuando más se acerca a su realidad. En México, donde las cifras de violencia son sobrecogedoras; algunos directores han clavado su mirada en donde más nos duele como nación. Aquí te recomendamos algunos documentales recientes que te ayudarán no sólo a conocer lo que está ocurriendo; sino que proveen algunas herramientas para tratar de comprenderlo.


1. Hasta los dientes (Alberto Arnaut, 2018)

En 2010 un grupo de soldados del ejército mexicano ingresó a las instalaciones del Tecnológico de Monterrey con el pretexto de buscar a miembros del crimen organizado. Su incursión fue violenta y dos estudiantes fueron asesinados.

Pero no acabó allí. Los miembros del ejército informaron que se trataba de dos peligrosos narcotraficantes que iban armados “hasta los dientes”. Alberto Arnaut recupera esta dolorosa historia a través de grabaciones y testimonios de sus familias y compañeros de escuela; no para dar un pésame, sino para contribuir a denunciar un caso marcado por la impunidad donde el Estado se rehúsa a reconocer su error. Arnaut también nos recuerda que la lucha por la justicia es una lucha por la memoria y contra el olvido.


2. Ayotzinapa: el paso de la tortuga (Enrique García Meza, 2018)

Producido por Guillermo del Toro, este documental hace una exposición clara de lo ocurrido el 26 y 27 de septiembre de 2014 en la ciudad de Iguala, Guerrero. Sin esteticismos ni complejidades narrativas, García Meza está interesado en unirse a las voces que permanecen en el grito de “Vivos se los llevaron, vivos los queremos”.

La desaparición forzada de los 43 estudiantes de la normal rural de Ayotzinapa, se ha convertido en uno de los hechos más desgarradores para la sociedad mexicana; y evidencia claramente cómo el crimen organizado y los gobiernos llegan a actuar en complicidad. García Meza utiliza a la tortuga para ejemplificar cómo, aunque sean pequeños, es importante seguir dando pasos hacia adelante.


3. No sucumbió la eternidad (Daniela Rea, 2017)

 Pocos documentales en México han incursionado como éste en un trabajo de recuperación de la memoria. La periodista Daniela Rea sigue la historia de dos mujeres marcadas por la desaparición de uno de sus seres queridos. Mientras que Alicia no recuerda casi a su madre, el novio de Liliana ya no está, pero sí el hijo de ambos, León. Las reflexiones de ambas mujeres son testimonios invaluables en el coro de voces del documental mexicano reciente.

¿Cómo recordamos y cómo recordaremos a quienes nos han sido arrebatados?, ¿con qué hilos tejeremos sus ausencias? y, sobre todo, ¿para qué los recordaremos? son algunas de las preguntas que el documental nos arroja y que, desafortunadamente, resuenan en toda América Latina. Son preguntas, por eso, que no debemos pasar por alto.


4. Tempestad (Tatiana Huezo, 2016)

 El segundo documental de Tatiana Huezo marcó un hito en el documental mexicano, por su sensibilidad a la hora de contar sus historias pero, especialmente, por la intensidad de sus imágenes. Para Huezo, son las imágenes las que nos conmueven y nos orillan al dolor, a la empatía y a la denuncia. Una mujer es encarcelada injustamente y vive un infierno en una prisión dominada por un cártel del narcotráfico, mientras que otra no disminuye sus esfuerzos en la búsqueda de su hija.

Filmada como un viaje de ida y de regreso, Tempestad es una metáfora sobre la crueldad del momento que estamos viviendo como país y una poderosa incursión a la vida íntima de dos sobrevivientes que continúan con su vida a pesar del dolor y del terror que llevan por dentro. Pocos documentales producen una carga emotiva tan fuerte en el espectador. Y la última escena es, sin duda, una de las más bellas y esperanzadoras que hemos visto en el cine mexicano reciente.

 


5. La libertad del diablo (Everardo González, 2017)

 Polémico, inclasificable, devastador, terrible. Es difícil hablar de un documental que conjunta en sus 100 minutos los testimonios de hombres y mujeres que han padecido en carne viva las consecuencias de la estrategia política mejor conocida como “la guerra contra el narco”.

La particularidad de este documental es que elimina las distinciones entre víctimas y victimarios poniendo frente a la cámara a sicarios, exmilitares, madres de desaparecidos, sobrevivientes de tortura, hijas de asesinados. Temas como el perdón, la reconciliación y el castigo resuenan en cada una de las historias que escuchamos.

Everardo González demuestra con este documental su habilidad como entrevistador y se genio como cineasta. Al presentar a sus entrevistados con una máscara rugosa nos deja como espectadores en una posición incierta donde los juicios ya no importan, sólo cuenta el acercarnos a lo que todas estas personas vivieron y están sintiendo.

 


¿Ya has visto alguno de estos documentales? ¿Qué otros documentales recomendarías para pensar las situaciones que viven los demás países de América Latina?