Sundance CDMX 2024: ¿Un experimento revolucionario?

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En este artículo:

  • Creadores que presentarán cintas en el marco de Sundance CDMX 2024 opinaron sobre la importancia de esta iniciativa para el cine en general.
  • Caroline Lindy, cineasta que trabajó con Melissa Barrera, le comentó a Fuera de Foco su perspectiva sobre las conexiones que se pueden crear en espacios como estos.
  • Más organizadores y presentadores también hablaron sobre cómo esta iniciativa en realidad puede abrir espacios de realización cinematográfica.

“Esta es una iniciativa que hemos estado trabajando desde 2019, pero que hasta 2024 pudimos materializar” comentó en conferencia de prensa el CEO de Cinépolis, Alejandro Ramírez sobre el festival de Sundance 2024, pues el fin de semana del 25 al 28 de abril se proyectarán cintas del prestigioso festival en diferentes complejos de cine en CDMX.

Entre 12 largometrajes que incluyen el intenso experimento de Kristen Stewart: Love Lies Bleeding, el documental nominado al Oscar 20 Days in Mariupol, también incluye una increíble selección de 6 cortometrajes que buscan abrir espacios para que la audiencia pueda acceder a otro tipo de cintas.

Pero, ¿exactamente por qué la iniciativa de Sundance CDMX podría ser revolucionaria? ¡Platicamos con Caroline Lindy, la directora de Your Monster, sobre la importancia del proyecto!

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Imagen: Dónde Ir

¿Cómo Sundance CDMX ayuda a nuevos cineastas?

Caroline Lindy es una directora que presentó “Your Monster”, cinta estelarizada por Melissa Barrera, en el festival de Sundance de este año. Y para ella, el poder tener la oportunidad de presentarse en México para hablar de la película “es una oportunidad increíble para poder inspirar a nuevas generaciones de cineastas, así como a mi me inspiraron directores que tomaron riesgos”.

Your Monster es una película que mezcla el horror, el gore, con las cintas musicales y de comedia, por lo que su directora opina que “este tipo de experimentos que apoya Sundance, de verdad abren la puerta y más espacio a que la gente conozca otro tipo de cine que se aleja de lo más conocido de Hollywood. Es un momento emocionante, porque este tipo de espacios de verdad son una oportunidad inspiradora para nuevas voces”.

La industria de cine en México está atravesando un momento de transición, pues cada vez hay más producciones extranjeras haciéndose en el país. “Necesitamos llamar más la atención del resto del mundo para proyectos que tomen riesgos y demostrar que además de Estados Unidos y Canadá, se está haciendo cine que resuena y que es valiente”.

Para ella, la iniciativa de Sundance también es “un momento de conexión con otros agentes de la industria, pero también una oportunidad para que la audiencia vea experimentos que nunca ha visto antes”.

Sundance
Imagen: Sundance 2024

Sundance CDMX puede acercar a la gente a ver más cine

Eugene Hernández, director del festival de Sundance, mencionó en conferencia de prensa que “Sundance no sólo es un festival, en realidad es una institución que empuja diferentes programas para apoyar cineastas y la realización cinematográfica en todos los niveles” por lo que el nuevo programa con Cinépolis es en realidad “una oportunidad de expandir los esfuerzos de la institución para apoyar el cine en el mundo”.

El festival de Sundance es uno de los más prestigiosos del mundo. Cada año, más de 17 mil personas intentan entrar a la competencia. “Buscamos una cultura vibrante que le guste el cine para crear una alianza” mencionó Kim Yutani, directora de programación del festival sobre esta iniciativa. “La idea es que podamos expandir la cultura del cine”.

Esta primera edición de Sundance traerá In the Summers, que ganó el premio de jurado en esta edición del festival. Pero el programa también incluye experimentos como el cortometraje Chica de Fábrica, una historia protagonizada por Yalitza Aparicio sobre una mujer que quiere esconder su embarazo por miedo a ser despedida.

Alessandra Lacorazza. directora de In the Summers, opina que “la oportunidad de hablar sobre temas punzantes en México a través del cine es un privilegio, y más si tenemos este tipo de plataformas que nos permiten mostrar diferentes facetas de sus realidades junto con otras perspectivas”.

Sundance
Imagen: FICM

Sujo: ¿De lo Mejor del Cine Mexicano en 2024?

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Sujo, película dirigida por Astrid Rondero y Fernanda Valadez, ganó el Premio del Jurado en la categoría de World Cinema Dramatic en el Festival de Sundance, pero esta no es la primera vez que una de sus cintas causa revuelo. En 2020, las cineastas pasaron también por los festivales de San Sebastián, Morelia, Zúrich, además de ser premiadas en ceremonias como los Gotham y los Ariel por la cinta Sin Señas Particulares.

En Sujo, las cineastas cuentan la historia de un niño de 4 años hijo de un sicario. Cuando su padre muere, debe transitar y crecer en espacios llenos de violencia y con pocas opciones, pero entendiendo el mundo a través de los ojos de un ser inocente, que apenas va conociendo la inclemente realidad de México.

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de hablar con Astrid Rondero y Fernanda Valadez sobre Sujo y cómo ha evolucionado el cine sobre la violencia en México.

Sujo
Copyright @ Sundance film Festival

Sujo: ¿Cuál es el valor de la ficción para representar la realidad?

Astrid Rondero y Fernanda Valadez tienen una premisa máxima con su cine: generar preguntas. En Sin Señas Particulares, las cineastas decidieron explorar el doloroso camino de una madre para descubrir qué pasó con su hijo en un entorno lleno de violencia. “En Sujo, quisimos iniciar otra conversación, que las preguntas se fueran para otro lado, para preguntarnos: ¿qué necesitaría para salir del ciclo de violencia extremo que viven los jóvenes de las zonas más golpeadas por el crimen organizado?”

En los últimos años, películas como Heli, Noche de Fuego o La Civil, buscan explorar el entorno de violencia que se vive en el país desde la ficción, con personajes que transitan por una dura realidad que resuena mucho con la evolución de la violencia en México, y gracias a sus experiencias y viajes, se pueden explorar muchos más temas específicos que rodean la violencia en el país, como la migración, el reclutamiento forzoso y la desaparición.

De acuerdo con Astrid, si bien el gran arte del documental es encontrar el balance entre la observación y ordenar la información para contar una historia, “en la ficción utilizas la realidad para hacer un montón de preguntas. No tenemos la respuestas, pero estos pueden ser puentes para tener conversaciones importantes que nos acerquen a algún tipo de verdad”.

Por eso, con Sujo, Rondero y Valadez buscaron explorar la idea de “coming of age” en donde ahora veremos a un chico crecer y comenzar a entender el mundo que le rodea. Y aunque puede dar pie a historias más ligeras o esperanzadoras, las cineastas esperan que Sujo logre capturar parte del contexto histórico que se vive en el país.

“En todos los grandes momentos históricos, siempre han habido huérfanos que engloban la tragedia, pero también la esperanza de una generación.

Nosotras queríamos encontrar a ese huérfano que nos hablara a nosotras. Y lo encontramos”.

Astrid Rondero, Fuera de Foco
Sujo
Copyright @ Sundance

¿Cómo se logra hacer historias universales?

Sujo comenzó a triunfar en Sundance no sólo porque cuenta la historia de un niño que surca la violencia en México, sino porque “explora el dolor de crecer en un contexto adverso” . Y para Fernanda Valadez, las adversidades se han ido acentuando alrededor del mundo, por lo que le llena de orgullo poder capturar eso y que conecte con audiencias internacionales.

“El mundo atraviesa por un momento en donde sí hay muchos lujos, como el acceso a las redes y el acceso a la información.

Pero también es un mundo que se ha hecho excluyente. Más polarizado, donde los/as jóvenes batallan más para encontrar su lugar”.

Fernanda Valadez, Fuera de Foco

Juan Jesús Varela es el joven actor encargado de darle vida a Sujo. Él ya participó en Sin Señas Particulares. Él tiene la intención de convertirse en actor profesional, pero para Rondero y Valadez lo más importante no sólo es acompañarlo, sino también poder conectar a través del interés por contar historias.

“Nosotras buscamos que fueran experiencias positivas para todos/as los/as niños/as y adolescentes” nos comentó Valadez. “Sus madres siempre estuvieron presentes, y es un honor y un privilegio ver cómo el contar historias nos ayudan también a conectar como personas, a encontrar nuestros caminos”.

“Lo que a mi me gustaría es que la gente se conmueva con la historia” opinó Rondero. “Esta es una historia para acompañar a un personaje. Creo que eso es algo muy importante de contar historias, que cuando te rindes a un personaje, puedes ver que las experiencias de vida no son tan distintas”.

Sujo ya dominó Sundance, pero su conmovedora historia seguramente seguirá dando de qué hablar en todo 2024, pues probablemente es una de las películas mexicanas más importantes del año.

Sujo
Copyright @ Sundance

¿Kristen Stewart tiene problemas con su debut como directora?

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  • Kristen Stewart confesó que tiene problemas para encontrar el financiamiento necesario para producir la película de The Chronicles of Water, en la que fungirá como directora.
  • Asegura que está dispuesta a dejar la actuación hasta que pueda realizar esta cinta, ya que es el proyecto que más le interesa.
  • Kristen Stewart ya tiene una idea de cómo quiere hacer su película y dónde le gustaría filmarla, augurando que será un proyecto ambicioso que “incomodará a la gente”.

Kristen Stewart asistió a la gala de inauguración del Festival de Cine de Sundance para recibir un premio por su trayectoria como actriz además de exigir sus próximas películas Love Lies Bleeding y Love Me. Sin embargo, la protagonista de Spencer aprovechó el espacio para señalar los problemas que ha tenido para encontrar algún estudio que se interese en financiar su debut como directora. 

Aunque ha revelado muy pocos detalles sobre el proyecto que quiere filmar, Kristen Stewart aseguró que la industria del cine es un negocio sumamente complicado incluso para los/as artistas que ya son mundialmente conocidos/as. Por ello, está dispuesta a dejar de actuar hasta que algún estudio se interese por su película. A continuación explicamos los detalles. 

Kristen Stewart
Copyright © NEON.

Kristen Stewart amenaza con dejar la actuación 

Kristen Stewart detalló durante una entrevista exclusiva de Variety que el Festival de Cine de Sundance siempre ha sido muy importante a lo largo de su carrera y considera que cuando una película logra ser exhibida en ese espacio, es porque realmente vale la pena.  “Es la cúspide a donde quieres llegar. Si haces una película independiente en Estados Unidos y vas a Sundance, has llegado. Ese es el objetivo”.

Pero además de tener una pasión por interpretar a personajes diferentes en cada uno de sus proyectos, Kristen Stewart, quiere dirigir su propia película que lleva por título The Chronology of Water, pero no ha podido despegar por falta de presupuesto. “Voy a hacer esta película antes de trabajar para otra persona”, dijo. “Sí, dejaré el maldito negocio. No haré otra maldita película hasta que haga esta. Te lo diré, seguro. Creo que eso hará que las cosas funcionen”.

A pesar de no contar con el dinero necesario para la película, Kristen Stewart, ya tiene todo planeado para su realización y confesó que quiere filmar en Europa. “Acabo de explorar esta película y vi lugares, personas, caras y ubicaciones que se abrieron”, añadió. “No puedo esperar para ir al puto Sundance. No puedo esperar para hacer mi película”.

Kristen Stewart
Imagen: Dominic Lipinski | Getty Images

¿De qué tratará la película de Kristen Stewart?

Basada en  las memorias homónimas de Lidia Yuknavitch publicadas en 2011, The Chronology of Water, es una autobiografía no lineal basada en las experiencias de la autora que lidia con sus traumas personales y sexuales a través del abuso del alcohol mientras se esfuerza por ser una nadadora competitiva. 

Si bien la historia parece ser bastante ambiciosa, Kristen Stewart comentó que puede ser poco atractiva para que algún estudio de cine la apoye. “Hay una cierta fisicalidad en el tipo de película que quiero hacer que creo que será, en un slugline, realmente poco atractiva para, entre comillas, los ‘compradores’, pero en acción, es completamente conmovedora”, explicó la actriz para Variety. “Simplemente no ha sido una venta fácil”. 

Pero aunque Kristen Stewart aún no cuenta con el respaldo de un estudio de cine, sus compañeros artistas la apoyan, como la directora de su reciente película como actriz Love Lies Bleeding,  Rose Glass,  quien ya leyó el guion de su debut como directora y lo describió como “realmente maravilloso”, pero lo considera como un importante desafío. “Tiene algunas imágenes más nítidas y se inclina hacia algunos espacios que incomodan a la gente, pero de una manera interesante”. 

Kristen Stewart también afirma que su enfoque en su debut como directora exploraría la experiencia femenina más allá de la “calidad heteronormativa” de sus actuaciones actorales anteriores. “Hay algo en la naturaleza abierta de nuestro físico, y me refiero a lo vaginal: el flujo, el sangrado”, dice Stewart. “Podemos asimilar mucha negatividad y podemos emitir mucha belleza, y de eso se trata la película (…) Es necesario materializarlo en las películas. Hay que mirarlo, reconocerlo. Necesita ser adorado con toda honestidad”.

Kristen Stewart
Copyright © 20th Century Studios.

Heroico: ¿Una historia que tenía que contarse?

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  • Heroico de David Zonana, pone sobre la mesa la dura realidad de los colegios militares en México, y cómo la corrupción y la violencia, dominan el sistema de educación en las Fuerzas Armadas.
  • La productora Eréndira Núñez nos cuenta cómo es realizar un proyecto de la talla de Heroico, desde la creación de su guión, hasta protagonizar festivales alrededor del mundo.

Heroico es una de las películas del cine mexicano que más han dado de qué hablar en el año 2023. Pues la ambiciosa apuesta de su director, David Zonana, no sólo tiene el valor y la calidad cinematográfica características del autor, sino que expone en primer plano el controversial detrás de escena que hay en los colegios militares.

Heroico se enfoca en Luis, un adolescente que con la esperanza de una vida mejor y de consolidar una seguridad social para su familia, se enfila en el Heroico Colegio Militar. Sin embargo, será sometido física y psicológicamente por el violento entorno de la institución, el cual a su vez, está inspirado en testimonios reales de ex-cadetes.

Al momento, la cinta ha recibido gran apreciación crítica y de la audiencia, quienes resaltan la crudeza de su historia y el contraste de esta contra los eventos reales que la inspiraron. Y por ello, conversamos con su productora ejecutiva, Eréndira Núñez, quien nos cuenta más de los retos de llevar una historia de tan denso carácter, a las salas de cine.

Imagen: Eréndira Núñez

¿Heroico es una historia difícil de contar?

Para Fuera de Foco, la productora Eréndira Nuñez destacó la virtud de la historia de Heroico en un país y un contexto que no le prestan tanta atención a lo que sucede tras los muros de las escuelas, y en particular, de los colegios militares.

“El guión me llamó muchísimo, porque nunca había pensado siquiera en qué pasaba en el Colegio Militar” relató, añadiendo que a pesar de crecer yendo a Cuernavaca con frecuencia, “nunca realmente entendí quiénes estaban ahí, qué hacían”.

Sin embargo, dicha pregunta se convirtió también en una gran cuestión sobre las personas que se enfilan al ejército y los motivos detrás de ello, cosa que a la par, funciona como combustible para Heroico.

“¿Quiénes entran al colegio y quiénes quieren ser militares? Nunca te lo cuestionas, ni buscas saber al respecto.

Por ello, cuando vimos la primera versión del guión con David, hubo que documentarse, juntarse con cadetes, ex-cadetes y sus familias para tener todas las versiones posibles”.

Eréndira Núñez, Fuera de Foco.

Con ello, la productora remarcó que la cinta se basa en hechos e historias reales, cosa que le “conmovió” a gran escala, y lo que volvió a Heroico una cinta que “era necesario realizar”.

Heroico

¿Cómo lograr un retrato realista?

Más adelante, la productora nos contó que la investigación no se limitó a las historias de los cadetes, cuyas experiencias son crudamente retratadas en la película. Pues, superando el nivel narrativo, la misión de Zonana era lograr un retrato realista de la milicia.

Para ello, el equipo detrás de Heroico recurrió a una gran documentación para el diseño de producción: desde entender quién jugaba qué rol dentro del ejército, hasta qué representa cada detalle en los uniformes, los muros y expresiones de los colegios.

“El departamento de vestuario llenó toda una pared de referencias para entender las signas y los grados” relató la productora, agregando que para ello “tuvimos la suerte de rodearnos de ex-cadetes que nos marcaban qué sí funcionaba, y qué no. Desde cómo se camina, hasta cómo debe ser su voz”.

Asimismo, el equipo tuvo que eficientar los recursos con los que se realizó la cinta, pues la escala de sus escenarios e historia representaron un reto sin igual para las producciones de Núñez y Zonana: “Un colegio militar es inmenso, son miles y miles de personas. Entonces, ¿Cómo lo haces igual de impactante al ojo para las marchas, el dormitorio y demás?”

“David encontró el centro ceremonial otomí y dijo, “esto es igual de impactante”. Y para hacerlo igual de inmenso, fue todo un trabajo con la fotógrafa (Carolina Costa), diseñadores de arte, con vestuario —quienes crearon una cantidad inmensa de uniformes desde cero—.”

Eréndira Núñez

Al mismo tiempo, Heroico logró ser financiada por el EFICINE, aunque también recurrió a una colaboración con Suecia para encontrar financiamiento y al festival de cine de Sundance para se el escenario de su primera presentación.

“Los apoyos existen, pero cada vez hay que ser más creativos para cuidar los recursos y México tiene el talento, por lo que no está de más exigir más, porque no hay festival de cine en el mundo donde no haya una película de nuestro país” finalizó.

Heroico ya está en salas de cine.
Heroico

Hijo de Monarcas: ¿Qué tienen en común el Cine y la Ciencia?

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Hijo de Monarcas, protagonizada por Tenoch Huerta, cuenta la historia de Mendel, un estudiante de biología radicado en Nueva York que debe regresar a Michoacán tras la muerte de su abuela. La historia es un bonito homenaje a la naturaleza del estado y a la mariposa monarca; pero también es un retrato sobre la identidad, la migración y la evolución de una persona que vive y experimenta dos culturas completamente diferentes. 

La historia, que estrenó por primera vez en El Festival Internacional de cine de Morelia en 2020, ha tenido gran éxito alrededor del mundo. Además de ser alabada en el Festival de cine de Sundance, Hijo de Monarcas ganó el premio Alfred P.Sloan y se ha destacado mucho el trabajo de Alexis Gambis. 

La cinta relaciona a la perfección el ciclo de vida y tradiciones de las mariposas con la evolución de Mendel, quien debe confrontar la idílica imagen que tiene de su infancia con lo mucho que ha cambiado su ciudad natal. Pero por íntimo que parezca su relato, también es un recuento preciso que aboga por mostrar la belleza de la naturaleza. 

En Fuera de Foco pudimos hablar con Alexis Gambis sobre el proceso para crear Hijo de Monarcas y por qué cree que el cine y la ciencia son muy parecidos. 

Hijo de Monarcas
Imagen: Alfhaville Cinema | Hijo de Monarcas

Hijos de Monarcas: Mariposas como metáforas del ser humano

Mendel es un biólogo apasionado de su profesión que estudia el color de las mariposas con el objetivo de ver si puede modificarlo. Eso permite que la historia logre explorar las costumbres y procesos de las mariposas, y al centrarlas en las monarcas de Michoacán, relaciona sus procesos de migración con el del personaje de Huerta, además de explorar ideas sobre el legado, los ancestros y el camuflaje que portamos en diferentes situaciones y con diferentes personoas. 

Al respecto, Alexis Gambis nos comentó que Hijo de Monarcas era un proyecto casi autobiográfico, ya que impregnó mucho de sus pensamientos y experiencias como un cineasta franco-venezolano que primero incursionó en el mundo de la investigación como biólogo.

“Mi trayectoría y mi trabajo empezaron en la investigación de animales, porque yo  trabajé en un laboratorio de biología evolutiva y pasé mucho tiempo mirando moscas y mariposas […] Tenía que entender la identidad de otro animal, de eso trata mucho el trabajo que hago en cine”.

Alexis Gambis, Fuera de Foco

Cuando Mendel llega a su hogar, de inmediato comienza a reconectar y a mostrar patrones con amigos antiguos y con su hermano, Simón (Noé Hernández), con quien tiene una relación muy complicada. 

Para Gambis, la idea era “usar la mariposa como una metáfora de un contexto social, económico, político y cultural” ya que en Hijos de Monarca, la estrecha relación de Mendel con estos insectos son un espejo de cómo se siente un extraño tanto en Estados Unidos, donde está alejado de todo lo que conoce, como de su hogar natal, que ya tampoco es el lugar que recuerda y cuyas ideas no cuadran con sus nuevos valores y experiencias. 

Para Alex Gambis, esta era una parte primordial de la mariposa monarca que de verdad quería que resonara con el tema de su historia. “Me gusta mezclar la perspectiva animal con la humana, casi como si fuera eralismo mágico”. 

Hijo de Monarcas
Imagen: Alfhaville Cinema | Hijo de Monarcas

¿El cine es una ciencia? 

Alexis Gambis estudio biología a pesar de que su madre se dedica al cine y su padre es pintor, por lo que siempre estuvo cerca del arte, aunque para él, realmente no hay tanta diferencia con la ciencia de investigación. “La gente suele olvidar que el cine empezó por el lado científico y tecnológico. Las primeras películas fueron verdaderos experimentos” nos mencionó el director.

“Te pasas 5 o 7 años haciendo una misma investigación. Creo que esa parte de la paciencia, del trabajo en equipo, de comprometerse con una visión y misión específica ya la traía desde antes de que me dedicara al cine”. 

Alex Gambis, Fuera de Foco

Durante Hijo de Monarcas, Mendel da muchos discursos sobre la ciencia, la ética y la impmortancia del desarrollo tecnológico. “Habla con pasión porque siempre busqué que fuera como una poesía. Que no importara que no entendieras lo que está diciendo, pero que sus sentimientos, que su pasión, pudiera hacerte sentir lo que él siente”. La película también intenta tocar el tema del cambio climático y la ética sobre la tecnología evolutiva. 

“Conjuntar el lenguaje científico con el cinematográfico era hasta cierto punto una forma de conjuntar mi identidad también” nos comentó Gambis, quien nos comentó que de verdad quería explorar el tema de la identidad con Hijo de Monarcas como parte de un proceso formativo, que se alimenta de nuestras experiencias, de lo que conocemos, de los rituales que construimos.

“Por eso también quería explorarlo con la película, ver como una Mariposa mira la identidad de un humano, y cómo se puede extrapolar la identidad de un animal con la forma en la que cambiamos como personas conforme nos vamos moviendo y cambiando”. 

Alexis Gambis, Fuera de Foco
Hijo de Monarcas
Imagen: Alfhaville Cinema | Hijo de Monarcas

Rye Lane: Transformando al barrio en un ícono del cine

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Rye Lane llegó para cambiar la forma de hacer comedias románticas, no solo por su interesante forma de retratar a dos personajes que se encuentran en medio de una crisis sentimental, sino porque su principal objetivo está en convertir a su locación en uno de sus protagonistas.

La cinta se estrenó en el festival de Sundance de 2023, volviéndose inmediatamente una de las piezas favoritas de la audiencia y críticos en general, por lo que a través de Searchlight Pictures ha llegado hasta Latinoamérica a través de Star+. Pero, ¿cómo logra mantener vivo el género de la comedia romántica? ¿Y qué papel juega el barrio de Rye Lane en tal misión? ¡Su directora nos lo explica!

Rye Lane
Imagen: Searchlight Pictures

Un lugar llamado Rye Lane

Asociar películas —y en específico comedias románticas— con lugares específicos, no es algo nuevo. Pues en realidad, gracias al cine, locaciones como Seattle, Notting Hill, Casablanca, entre otras ciudades, se han vuelto referentes para la cultura pop y para los amantes del género.

Esta vez toca el turno de Rye Lane, un barrio ubicado al Sur de Londres que, por años, no ha gozado de la mejor fama, pero que para su directora, Raine Allen-Miller, es el lugar ideal donde surgen nuevos romances, historias y aventuras para todos sus residentes.

“El sur de Londres es un lugar que tiene un espacio en mi corazón” contó Allen-Miller en exclusiva para Fuera de Foco, añadiendo que gran parte del atractivo del lugar se encuentra en la gran cantidad de culturas que se concentran en la región y cómo estas, adornan la avenida.

“Mi abuela solía llevarme a Rye Lane y me mostraba el lugar exacto para condimentar carne, dónde obtener hierbas y vegetales frescos, dónde hallar una estética para comprar peines afro” relató, resaltando la importancia del lugar para conectar con su identidad y sus familia, habiéndose mudado ahí a los 12 años.

“Pero también es un lugar que ha sido representado en maneras que no son geniales. Es visto como un lugar peligroso, y aunque a veces puede no ser un lugar fácil para vivir, sí es un gran lugar para crecer”

Por ello, Raine Allen-Miller destacó la importancia de retratar Rye Lane a través de una historia y una visión “apasionadas”, donde se pudiera mostrar al barrio en “sus días gloriosos y sus días buenos”, lo que fungió como una gran inspiración para situar a su historia en dicho lugar, el cual también es cuna de estilos y tendencias para todo el mundo.

Imagen: Searchlight Pictures

El mundo a través de Raine Allen-Miller

Rye Lane sigue la historia de Dom (David Jonsson) y Yas (Vivian Oparah), dos desconocidos que se topan en el baño de una exhibición de arte, y quienes conectan a través de sus propias tragedias: ambos terminaron sus respectivas relaciones de manera desastrosa.

A lo largo del día, la conversación los lleva por todo Rye Lane, entre los barrios de Brixton y Peckham, donde cada uno tiene su historia. Para Raine Allen-Miller era vital que el espacio detrás de la cinta se volviera protagonista también, razón por la cual engrandece tanto a sus personajes como al sitio titular a través de la cámara.

“Utilizar lentes amplios no es para todos, pero yo estoy obsesionada con ellos” explicó la directora, quien hace uso de los mismos con el fin de mostrar “la importancia que tienen los lugares como Brixton y Peckham en toda su gloria”.

“Si caminas por estos lugares y quieres capturarlo todo, tienes que hacerlo con el lente más abierto que encuentres. Eso ayuda también a contar la verdad del lugar: porque cuando caminas y vas platicando con alguien, siempre puedes sentir todo lo que está sucediendo a tu alrededor, lo ves todo”.

No obstante, Raine Allen-Miller no deja que toda la historia funcione únicamente a través de Rye Lane, sino con sus personajes, los cuáles resultan increíblemente empáticos gracias a la gran cantidad de defectos que poseen y lo distintos que son a otros clichés de las comedias románticas.

“Vivian [Oparah] es increíble. En el proceso de audición vimos a un montón de personas, pero tan pronto conocí a Vivian y a David, supe que eran ellos los de la historia” explicó la directora, añadiendo que “la mayoría de las mujeres pueden identificarse con Yas, por lo divertida que es, lo brillante que se muestra ante el mundo, pero también lo complicado que se guarda para sí.”

Imagen: Searchlight Pictures

¿Por qué Rye Lane hace sentido para Latinoamérica?

Quizá lo más interesante de Rye Lane está en que a pesar de ser un retrato sumamente específico de una región determinada, logra conectar con personas de todo el mundo, y hacer que tanto sus personajes como su historia se vuelvan entrañables.

Por ello, su llegada a Latinoamérica, más que poner en juego el alcance de Rye Lane, es una gran oportunidad para experimentar un lugar del mundo al que aunque quizá no podemos acceder, nos resulta sumamente familiar.

“Es emocionante que personas alrededor del mundo estén respondiendo tan bien a la historia” dijo la directora, quien asegura que el streaming se ha vuelto una vía interesante para que más historias lleguen a más personas, y den la oportunidad para conocer a más creadores.

“Las cosas son muy accesibles ahora, y es genial, porque el cine no siempre lo es, ya sea por temas de financiamiento, de regiones, y demás” puntualizó.

En el caso específico de Rye Lane, Raine Allen-Mller aseguró que no es “una película exclusiva para un público londinense”, pues a la vez en que pretende hacer que la gente del Sur de Londres se “pueda sentir vista y apreciada”, también considera importante que “personas de todo el mundo la vean y también se sientan vistos”.

“De eso se trata el cine” finalizó la directora, cuya cinta ya está disponible a través de Star+. Haz clic aquí para suscribirte.

¡Dakota Johnson se burla de las acusaciones de Armie Hammer!

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Dakota Johnson se burló del canibalismo de Armie Hammer durante una presentanción en Sundance, causando polémica entre el público

Dakota Johnson inauguró el Festival de Cine de Sundance 2023 en donde le entregó al director Luca Guadagnino el premio ícono internacional por su carrera, ya que recientemente ha tenido mucho trabajo y ha entregado cintas como Call Me By Your Name, Suspiria y Bones and All. Sin embargo, durante su discurso, la actriz aprovechó para realizar una broma respecto a los escándalos de Armie Hammer que no fueron del agrado del público. 

La actriz, quien compartió créditos con Hammer en The Social Network, dio un pequeño discurso antes de entregarle el premio a Guadagnino, y finalizó con una broma sobre el supuesto canibalismo de Armie Hammer. Su comentario causó gran revuelo, no sólo porque la gente lo consideró de muy mal gusto, sino también porque la actriz ya había hablado en el pasado sobre las acusaciones de abuso que enfrentó Hammer.

Dakota Johnson
Copyright © Sony Pictures Classics.

¿Cómo fue la broma?

Dakota Johnson bromeó diciendo que casi la eligen para Call Me by Your Name, interpretando el papel del melocotón, la fruta con la que Timothée Chalamet realiza una escena sexual. Sin embargo, ahora agradece que no se unió al filme debido a que Hammer enfrentó acusaciones de fetiches caníbales, así como agresión sexual y comportamiento abusivo por parte de parejas ex parejas.  

Luego de la broma, Johnson, quien protagonizó películas de Guadagnino como A Bigger Splash y la nueva versión de Suspiria,  elogió al cineasta cuando le otorgó elpremio. “En mi mente, y siento que probablemente también en tu mente, Luca Guadagnino es la epítome de un ícono internacional”, explicó la actriz.“Han pasado cinco años desde que se estrenó esa película aquí, y Luca no ha dejado de llevarnos a lugares emocionantes”. 

Guadagnino recientemente presentó la cinta Bones and All, un drama romántico protagonizado por Timothée Chalamet, sobre dos jóvenes amantes que comparten su gusto por comer carne humana. Por su parte, Dakota Johnson volvió a referirse a Hammer al decir: “¿Quién sabía que el canibalismo era tan popular?”. No obstante, el año pasado, el director negó que su película tuviera alguna conexión con el caso de Hammer. “No estaba consciente del tema”, dijo Guadagnino. “Me di cuenta de ello hasta que se mencionaron algunas cosas en las redes sociales”.

Dakota Johnson
Foto: Getty Images

Dakota Johnson lamentó la “cancelación” de Armie Hammer

Durante una entrevista con The Hollywood Reporter publicada en el 2021, Dakota Johnson, habló sobre el polémico caso de su ex compañero de reparto Armie Hammer, así como sobre otros coprotagonistas masculinos como Johnny Depp y Shia LaBeouf, quienes han sido acusados ​​de abuso. Sin embargo, en ese momento, la actriz lamentó a la la cultura de cancelar como una “jodida decepción”.

“Pasé un tiempo increíble trabajando con ellos; Me siento triste por la pérdida de grandes artistas. Me siento triste por las personas que necesitan ayuda y quizás no la reciben a tiempo. Me siento triste por cualquiera que haya sido lastimada o lastimado. Es realmente triste. Creo que la gente puede cambiar. Quiero creer en el poder de un ser humano para cambiar y evolucionar y obtener ayuda y ayudar a otras personas. Creo que definitivamente está ocurriendo una gran corrección excesiva”. 

Dakota Johnson

Por su parte, Hammer, a través de un abogado, negó previamente haber actuado mal y sostuvo que todas las relaciones fueron consensuadas. Asimismo, el año pasado se informó que el actor se encontraba trabajando en un hotel debido a que su familia multimillonaria le dio la espalda tras las alegaciones. “Él está trabajando en un cubículo. La realidad es que está totalmente arruinado y está tratando de llenar los días y ganar dinero para mantener a su familia“, dijo una fuente anónima para Variety.

Dakota Johnson
Matt Winkelmeyer | Getty Images para la HFA
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¿Aubrey Plaza podría ser la nueva Lara Croft?

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El director Edgar Wright asegura que no hay mejor actriz para el papel de Lara Croft que Aubrey Plaza.

Tras la confirmación de que la franquicia de Tomb Raider a manos de Alicia Vikander sería definitivamente cancelada, las especulaciones sobre qué estudio y qué actriz tomaría posesión del personaje no se hicieron esperar. 

Esta vez, en The Tonight Show con Jimmy Fallon, Aubrey Plaza ha revelado que Edgar Wright pensó que la actriz había sido seleccionada como la siguiente Lara Croft y que apostaba por ella para el revival de la saga de Tomb Raider.

Aubrey Plaza, Lara Croft, Tomb Raider

¿Aubrey Plaza como saqueadora de tumbas?

Aubrey Plaza asistió al show de Fallon como parte de la promoción de Emily the Criminal, una cinta de acción protagonizada por la actriz donde una mujer se ve inmiscuida entre asuntos criminales luego de una estafa con tarjetas de crédito.

Después de hacer su debut en Sundance, la película estrenará al público en Estados Unidos este fin de semana y hasta ahora ha recibido comentarios positivos por parte de la crítica especializada. Sin embargo, los materiales promocionales de la misma despertaron la curiosidad de Edgar Wright quien creyó que una portada de la revista MovieMaker mostraba a Aubrey Plaza como Lara Croft.

“Mi amigo Edgar Wright vio la portada y me mandó un mensaje diciendo “Oh, por dios, ¿eres la nueva Lara Croft? ¿La nueva Tomb Raider?” Y yo le dije “No, Edgar, esa es mi película, Emily the Criminal”.

Aubrey Plaza en The Tonight Show starring Jimmy Fallon

Plaza añadió que, en efecto, hay un casting abierto para la nueva versión de Lara Croft, además de que Edgar Wright compartió por Twitter que estaba seguro de que la actriz realmente iba a interpretar al personaje, y que le gustaría verla en el papel. Durante el show incluso, Fallon comparó una imagen entre Angelina Jolie y el look de Plaza para Emily the Criminal, afirmando el parecido entre ambos estilos.

Aubrey Plaza, Angelina Jolie

Un futuro incierto, pero emocionante

Previamente se había dado a conocer que el contrato entre MGM y Square Enix había terminado, de manera que tuvieron que regresar los derechos de Tomb Raider, por lo que el hecho de que Plaza confirme que ya se está buscando a alguien nuevo para el rol despierta de nuevo las esperanzas de los/as fans que esperaban ver la adaptación de la saga Survivor, los videojuegos más recientes del personaje. 

Si bien Hayley Atwell prestará su voz para una versión anime de la misma, el tener noticias sobre los posibles live-action de Tomb Raider emociona a más de uno, especialmente porque se reportó que había una “batalla frenética” entre estudios y plataformas de streaming para adquirir los derechos de la franquicia, por lo que el futuro de Tomb Raider podría estar en una serie en lugar de un reboot cinematográfico.

Además, el potencial de la última saga y la probabilidad de que pronto se anuncie una cuarta entrega en la franquicia de videojuegos, es algo que perfectamente podría vivir en televisión, puesto que proyectos como The Witcher han demostrado que es muchísimo más viable el mantener el espíritu de juego a través de formatos más largos.

Podríamos entonces pronto escuchar sobre una re-adaptación de las aventuras de Lara Croft, las cuáles se espera aborden las tramas acontecidas en Yamatai, Kítezh y Paititi. 

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos? ¿Les gustaría ver a Aubrey Plaza como Lara Croft?

¡Al Director de Jurassic World le preocupa el futuro del cine!

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Colin Trevorrow se pregunta si todavía hay espacios para que nuevos cineastas puedan presentar sus producciones en cines

Jurassic World: Dominion se ha convertido en un éxito de taquilla,aún con la producción retrasada por la pandemia de COVID-19,  la cinta dirigida por Colin Trevorrow llegó a los cines el 1 de junio, esto a más de un año después de su fecha de estreno original.

Trevorrow admite que, aunque está muy complacido con la cinta, se encuentra un poco preocupado por el panorama teatral en general. El director de Jurassic World: Dominion saltó a la fama por primera vez con el drama “Seguridad no garantizada” que debutó en el Festival de Cine de Sundance de 2012 y ganó el premio Waldo Scott.

Colin Trevorrow director de Jurassic World: Dominion

¿El Cine Ya No es Lo Que Era?

En una entrevista con IndieWire, el director contó que a pesar de que“Seguridad no garantizada” catapultó a Trevorrow y a su socio guionista, Derek Connolly a Hollywood para crear la primera parte de Jurassic World, ya no está seguro que ese tipo de películas experimentales tengan tanto impacto en la carrera de un cineasta como antes, y que puede ser más difícil encontrar oportunidades laborales, ya que no cree que ese tipo de películas tengan espacio en las salas de cine:

“Ojalá pudiéramos volver a una época en la que una película como ‘La seguridad no está garantizada’ tuviera un estreno en cines. No sé si eso sucederá más. Para mí es frustrante, especialmente pensando en el poco tiempo que ha pasado desde entonces”.

Colin Trevorrow- Director

Trevorrow dijo que Seguridad No Garantizada celebra su décimo aniversario el mismo fin de semana que el estreno de Jurassic World, y la idea de lo mucho que ha cambiado la industria cinematográfica desde entonces hace que se sienta “de luto”.

“Y en el transcurso de estos 10 años, la oportunidad para un cineasta joven de ir a Sundance, tener éxito, y luego hacer que su película se estrene en cines cada vez es más rara. Eso es algo por lo que estoy un poco de luto”.

Colin Trevorrow- Director
Seguridad no Garantizada del Director Colin Trevorrow (Jurassic World: Dominion)
Jurassic World y Seguridad no garantizada

Trevorrow confesó a IndieWire que Jurassic World Dominion costó poco más de 200 millones de dólares, pero de alguna manera, entre las complicaciones por la pandemia de COVID-19 y la cercanía que tuvo con su elenco, la producción de esta cinta lo hizo regresar a sus raíces independientes:

“Es probablemente la primera vez desde ‘Seguridad no garantizada’ que hice una película de esta manera, que tenemos este sentido de una propiedad compartida real sobre la historia que estamos contando, todos los actores y yo”

“Sé que suena un poco loco que la experiencia de una película de más de 200 millones de dólares sea lo mismo que una película de 750mil dólares, pero en ambos casos, todos vivíamos juntos en un hotel, comíamos juntos, practicábamos e intentábamos hacer la mejor película que pudimos”.

Colin Trevorrow- Director
Director de Jurassic World: Dominion
¿Ustedes qué opinan, cinéfilas y cinéfilos? ¿Creen que blockbusters como Jurassic World evita que hayan más opciones en las salas?

¡Top 5 Cortometrajes de Sundance 2021!

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Como cada año, Sundance trae consigo una brillante selección de Cortometrajes y aquí te contamos 5 historias que debes conocer. 

Los cortometrajes son pequeños mundos ansiosos de ser explorados, su existencia resuena constantemente en la mente de sus creadoras/es, quienes en muchas ocasiones deciden regresar a los mismos para aventurarse por sus tierras, conocer mejor a las personas que lo habitan, explorar en sus dinámicas y así, expandir universos. 

Recientemente la cineasta estadounidense Emma Seligman hizo lo propio con Shiva Baby, una pequeña historia con que se graduó de la universidad pero que se terminó  convirtiendo en un maravilloso largometraje lleno de tensión y empatía. Algo similar sucedió con Damien Chazelle, quien convertiría un relato corto en una brillante ópera prima en Whiplash. 

De manera curiosa, este ejemplo se conecta con la lista de hoy, pues estos primeros trabajos en la carrera del director ganador del Óscar, vieron la luz gracias al festival de Sundance. 

Mismo lugar, que cada año se encarga de seleccionar algunos de los trabajos más interesantes en este rubro a nivel mundial, por lo que durante la cobertura de su edición 2021, decidí echar un vistazo a los mismos y rescatar aquellos que me volaron la cabeza. Y quien sabe, tal vez en los próximos años, veamos algunos de estos nombres estrenando bajo la misma trama su ópera prima. 

Por cierto, alguno de los cortometrajes mencionados se pueden ver gratuitamente, así que aprovechen. 

Cortometrajes

5.- THE TOUCH OF THE MASTER’S HAND

El cortometraje acreedor del premio a la Mejor Ficción Estadounidense, se trata de una brillantísima sátira en que su director Gregory Barnes, rememora como al ser mormón su despertar sexual fue coartado por los preceptos religiosos de su iglesia. 

Bajo una estética exageradamente iluminada, aderezada con una iconografía y música celestial, Elder -el protagonista- se enfrenta a una convivencia pasivo-agresiva, que constantemente le cuestiona sus actos como una traición a su fe, culpabilidad que transgrede a su intimidad y por la cual busca el perdón, mediante la confesión que se masturba viendo Avatar -la de los/as azulitas/os-.

Cortometrajes

4.- THE CRIMINALS

Enmarcada en sociedades puritanas, el desarrollo de la libre sexualidad por parte de la juventud es vista como un pecado que debe ser castigado, y países como Turquía llevan esto al extremo, como podemos observar en el relato del cineasta Serhat Karaaslan. 

Ganadora del Mejor Guión, The Criminals se centra una joven pareja -interpretada por Deniz Altan y Lorin Merhart- que buscan rentar un cuarto de hotel para mantener relaciones sexuales. Sin embargo no la tendrán nada fácil, pues en el susodicho país es ilegal compartir una habitación con una persona del otro sexo, a menos que demuestren un certificado de casados. 

En su intento de cumplir su propósito, el tratamiento brindado por la sociedad a los mismos, será similar al de aquellas personas que titulan la historia: perseguidos e intimidados física y verbalmente, el cineasta ocupa su experiencia para realizar una denuncia sobre lo preocupante y ridículo de demonizar a dos jóvenes que no estaban haciendo nada malo. 

Cortometrajes

3.- TEARS TEACHER

Abrazar la vulnerabilidad, es el tema central de este bellísimo corto documental dirigido por la cineasta Noemie Nakai, el cual se centra en la figura de Yoshida: un japonés que se cataloga como un profesor de lágrimas, pues en sus clases comparte la enseñanza que a partir de la expresión de la tristeza podemos construir una vida más plena y saludable. 

Desde la construcción de espacios en los cuales impera la empatía, amor y respeto, el catedrático reúne a un grupo de personas que comparten sus heridas emocionales, y explora como ello les ha ayudado a desarrollar vidas más sanas, haciendo contrapeso a una cotidianidad social donde la no expresión de sus sentimientos, es la causante de un alto número de muertes al año. 

Cortometrajes

2.- DOUBLESPEAK

La cineasta británica Hazel McKibbin, centra su relato en uno de esos escenarios al que lamentablemente muchísimas mujeres se han visto expuestas: el acoso en los espacios de trabajo y falta de sanciones contra los perpetradores de dicho acto. Para ello nos sitúa dentro de una oficina donde se discutirán tales acusaciones.

Allí los jefes y el abogado de la empresa, irán descartando cada de las denuncias al punto de revictimizarla, bajo los argumentos que cada uno de los hechos es imposible de comprobarse, que se tratan de conductas inapropiadas pero no ilegales, y que tardó demasiado tiempo en hacerse escuchar. 

Recorremos aquel doloroso relato bajo un cámara que se centra en el rostro de su protagonista Emma -interpretada por Angela Wong-, la repetición de los episodios traumáticos bajo flashazos del montaje externo a cargo de la misma directora y Jordan Anstatt. 

Y su desolador desenlace nos evoca al duelo que cotidianamente no se vive sólo en el silencio interior, sino también en un exterior donde tiene que resignarse a convivir con su agresor. 

Cortometrajes

1.- A CONCERTO IS A CONVERSATION

A través de una composición musical, el cineasta Ben Proudfoot inicia una conversación entre un abuelo y su nieto Kris Bowers. Bajo una luminosa fotografía de dobles encuadres a cargo de David Bolen y Brandon Somerhalder, sumado al montaje de Lukas Dong que va ilustrando ambos relatos, la plática aborda temáticas como el racismo en Estado Unidos, la perseverancia, muerte y el apoyo brindado por nuestros/as seres queridas/os para cumplir los sueños personales. 

Precisamente en este último apartado se compone una fuerte carga emotiva, pues se retrata el apoyo incondicional de un abuelo a su nieto, quien ha estado presente en todo su desarrollo como jazzista, pasando por su éxito al componer el score de una película merecedora del Óscar: Greenbook, hasta su más reciente concierto en el Walt Disney Concert Hall, a donde aún con 91 años y padeciendo cáncer, se mantiene a su costado. 

Cortometrajes

¿Cómo fue El Festival virtual de Sundance?

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¿Hay sueños que se pueden cumplir sin salir de casa? Si, y realizar la cobertura de Sundance es uno de ellos. 

Cuando reflexiono en el por qué una de mis grandes pasiones es el cine y hablar sobre todo lo relacionado al mismo, mi respuesta es que, a través de sus historias, tanto fuera como dentro de la pantalla, han sido el medio por el cual una persona introvertida como su servidor, encontró la manera de comunicarse consigo mismo y el mundo a su alrededor. 

Me parece que la emoción de participar en un festival de cine -por lo menos para mi persona- reside en esto último: la sensación de comunidad, una fiesta donde todas las fronteras se rompen, pues en esencia todos compartimos una misma pasión y partir de ella forjamos un diálogo. 

Pero las celebraciones / debates son aún más interesantes cuando participa un gran grupo de personas, y eso sucede cuando hablamos de los festivales más importantes del mundo, por lo que durante años he tenido el sueño profesional de participar en alguno de ellos y gracias a Sundance este año pude hacerlo.

Sundance

Pero para quienes nunca hayan escuchado hablar del mismo, permítanme brindarles un poco de contexto. Sundance fue fundado por el icónico actor Robert Redford, quien nombró al evento en honor a su personaje homónimo en Butch Cassidy and the Sundance Kid. 

El propósito de aquel espacio era contraponerse a la industria hollywoodense mediante la creación y distribución de cine independiente, donde nuevas y diversas voces / formas de narrar vieran la luz. Así desde 1985, cada segunda quincena de Enero, en Utah, Estados Unidos, hemos visto el nacimiento de grandes películas y directores/as como Antes del Amanecer de Richard Linklater, Whiplash –creada por Damien Chazelle-, American Psycho –la ópera prima de Mary Harron-,  o más recientemente Minari de Lee Isaac Chung, Never, Rarely, Sometimes, Always –obra de Eliza Hittman- e inclusive Palm Springs. 

Pero hecha esta introducción, ¿cómo fue la experiencia de realizar la cobertura de  Sundace para el sitio web de Fuera de Foco? 

Sundance

La experiencia a través del clic

Hablemos del elefante en la habitación. Si hace exactamente un año, me hubieran comentado que en 2021 estaría realizando la cobertura de Sundance, les respondería  -en el mejor de los sentidos- efusiva y respetuosamente que estaban locos, y si a eso le añadían que debido a una pandemia generada por un bicho llamado COVID – 19, tendría acceso al mismo a tan sólo unos clics de distancia, les diría que estaban dementes. Y bueno, bajo dichas circunstancias acá andamos. Aún necesito que alguien me pellizque. 

Dentro de las pocas cosas buenas que han traído estos tiempos convulsos para todos/as, y hablando desde mi privilegio clasemediero, ha sido la oportunidad de accesar online a la realización de diversos circuitos cinematográficos, a los cuales por lo referente a costos de traslado me sería imposible experimentar. 

Sería bellísimo poder viajar a Park City, conocer sus alrededores y disfrutar bajo el mismo son, una película en una sala llena de personas espectadoras. Por mi experiencia en otros festivales, extrañé la convivencia con otros/as y la emoción de sacar los mejores outfits para ir a conocer lugares nuevos donde haya mucha gente que comparta la misma pasión por el cine. 

Pero debo admitir que la experiencia en línea tiene un enorme encanto llamado comodidad: quizá no tenga una pantalla o el sonido con la calidad de un complejo cinematográfico, pero que bonito es disfrutar un filme desde la suavidad que proporciona un colchón o sillón y la calidez de una cobertor. Aunque esto pueda ser contraproducente pues la tranquilidad proporcionada por dichos elementos puede generar la ensoñación. 

Sundance

Existía un tiempo límite para observar cada filme, el tiempo estipulado para las premieres era de 3 horas y para las segundas visualizaciones era de 72, sin embargo el poder darle play / pausa o adelantar -para aquellos casos donde la obra en cuestión te este aburriendo-  es simplemente reconfortante. 

Además al eliminar mediante el clic  las barreras temporales y físicas que regularmente suelen traer consigo la sensación de prisa en los festivales, hizo más sencillo la posibilidad de ver muchos más largometrajes, Q&A, compartirlos con las personas de casa y al mismo tiempo disfrutar con calma de un rico acompañamiento alimenticio. 

Eso si, la experiencia de muchas películas constantemente se vio interrumpida por la realización de las actividades cotidianas del hogar: tareas domésticas y sobrinos que cuestionaron mi estado Zen al ponerse a bailar frente al televisor, mientras el sonido de la gallina pintadita se alzaba por encima de lo audible en el filme. 

Debo confesar que mi experiencia se remitió al visionado de las cintas y las posteriores preguntas y respuestas con las/os realizadores/as, por lo que me perdí secciones que sonaban bastante interesantes, como los lobby donde podías crear tu avatar y conversar con otra gente del festival -donde por cierto anduvo Edgar Wright- o la sección VR. 

Sundance

Reflexiones finales

Por lo menos en aquellas obras que tuve la oportunidad de observar, me parece que cada una de ellas representa a la perfección la ideología del festival, más de la mitad se trataban de óperas primas y quizá en algunas producciones participaron grandes estrellas o realizadores/as consolidadas/os en el medio, pero ya fuera a nivel narrativo / temático se trataban de ejercicios arriesgados.

Ya fuera que su resultado -a mi parecer- fuera satisfactorio o no, fue agradable encontrarse con propuestas claramente autorales que se sentían cercanas a sus creadoras/es: Censor fue un homenaje de su directora al cine que tanto ama, El Planeta es una exploración de los miedos y vulnerabilidad de su creadora, e inclusive largometrajes como  R#J se atrevieron a  explorar narrativas suscitadas plenamente en lo digital. 

Lo escribía en mi crítica sobre esta última cinta y perdón que me repita, pero creo que dicho argumento ejemplifica el contenido de Sundance este año: un espacio que busque dar voz a contenidos que se contrapongan a una industria donde la creatividad suele ser eclipsada o apagada en beneficio de las fórmulas comunes que generen millones en la recaudación, me parece algo merecedor de los aplausos.

Sundance

Sundance 2021: ¡Top 6 Sorpresas del festival!

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El Festival de Cine de Sundance está festejando su más reciente entrega a través de un evento que no deja de sorprendernos con más de 70 grandes producciones y sorpresas que seguramente marcarán la temporada de premios de este año. La celebración se está llevando a cabo de manera 100% virtual, pero eso no ha obstaculizado la diversión, ya que además de poder disfrutar de grandes producciones, los asistentes pueden sumarse a sesiones de preguntas y respuestas con el talento detrás de cada filme.

En Fuera de Foco queremos celebrar también el amor por el cine y por las próximas películas que marcarán el año. ¡Así que te dejamos aquí un top de las sorpresas que nos hemos llevado en Sundance!

Sundance 2021

La Noche de la Apertura

Wong Kar-Wai: El invitado de Honor

Sundance decidió iniciar su festival con un experimento diferente que tiene al mismísimo Wong Kar-Wai como productor. Después del éxito que tuvo con la película “Bad Genius”, el director Nattawut Poonpiriya regresa al festival con One for The Road, un drama que se centra en el bromance que tiene Aood (Ice Natara), un hombre al que le quedan pocos días de vida debido a la leucemia, y su mejor amigo Boss (Thanapob Leeratanakajorn), quienes deciden embarcarse en un viaje especial para que el moribundo pueda hablar con sus múltiples ex, limar asperezas y repensar sus decisiones.

Si bien el filme es una historia sencilla enfocada en hacernos sentir mejor durante 2 horas y 16 minutos, la colorida cinematografía con la que pinta los recuerdos de amores pasados, alcanzan una sensación de estar en un sueño que le brinda una intimidad especial y diferente. Sin duda, una forma distinta y genial de dar comienzo a un festival que iba a tener mucho más que ofrecer.

Coda: ¿La Mejor Película de Sundance?

Coda, una película que retrata la vida de una niña que es la única que puede escuchar en su familia, es una cinta tan conmovedora y diferente que nos hace preguntarnos por qué no vemos este tipo de historias más seguido en el cine y la televisión.

Emilia Jones (a quien sólo conocemos por ser la protagonista de la serie de Netflix Locke & Key), encarna a Robby Rossi, una adolescente que busca su independencia y libertad mientras lidia con las presiones de su edad: las expectativas por el primer beso, el acoso escolar y el querer separarse de su familia. Sin embargo, como el único miembro que sí puede escuchar en su familia, ella debe servir como un puente entre su núcleo familiar y el hostil mundo exterior.

Las tensiones culturales y sociales que debe vivir Robby se sienten y explotan gracias a las increíbles actuaciones, quien destaca particularmente es Daniel Durant, el hermano de Robby en la película y que es un actor que vive con carencia auditiva y que se ha convertido en un portavoz por los derechos de las personas con discapacidades sonoras. Y en CODA, sus comentarios y presencia se vuelven toda una herramienta para entender mejor lo difícil que es sortear la discriminación y las presiones del día al día.

Sundance 2021

Sentimientos profundos y sorprendentes

Flee

Este documental animado ya había causado sensación en Cannes 2020 y ahora en Sundance terminó por posicionarse como lo más prometedor del año. Producida por Riz Ahmed (quien está disfrutando de una gran fama gracias a su exitosa cinta The Sound of Metal) y el controversial Nikolaj Coster-Waldau, la historia nos adentra en la psique de Amin Nawabi, un sujeto que ha guardado un secreto durante 20 años y que el estrés de no poder guardarlo amenaza destruir por completo su estilo de vida. Así, por primera vez conocemos su historia y su increíble viaje como un niño refugiado que escapó de Afganistán.

Fuera de centrarse en el drama y el cataclismo de su origen, el diseño pop, combinado con la música y una excelente animación, el documental nos cuenta una historia de valor, fuerza y lucha como nunca antes lo habíamos visto. Por eso, no es casualidad que NEON, la compañía que llevó a Parásitos al mainstream, ya adquirió los derechos de distribución internacional para promover esta película.

Una muestra completamente diferente y única, de la cual seguramente seguiremos escuchando mucho.

I Was a Simple Man

Durante una sesión de preguntas y respuestas, el director Christopher Makoyo Yogi recordó lo difícil que fue perder a su padre y abuelo casi de manera simultánea. El nativo de Honolulu contó sus experiencias, pero dijo que lo que más se le había quedado en la mente fue la idea de presenciar el proceso de una persona para pasar a otro plano terrenal.

Con eso en mente, Yogi presentó en Sundance I Was a Simple Man, un drama sobre un hombre adulto que está lentamente haciendo las paces con la idea de que pronto dejará de existir. Ese sentimiento metafísico y melancólico permea durante todo el metraje, con una cámara que le pone mucha atención a la belleza natural de Hawaii y que, a través de una necesidad por entender y sanar, nos invita también a preguntarnos sobre la importancia de las historias personales y perdonarnos a nosotros mismos. Mientras nos adentra a una mirada descorazonada a la idea de que no importa qué ocurra, nada puede durar para siempre.

In The Earth

La pandemia provocada por el COVID19 ya comenzó a causar curiosas consecuencias para la industria cinematográfica. Y curiosamente, una de ellas es In the Earth, una película de terror y suspenso que ya se filmó justo después de la cuarentena en Gran Bretaña con “todas las medidas sanitarias”. Inspirada en la por las películas de horror de los 70, esta cinta se centra en dos tipos que buscan aventón en medio del bosque, pero que terminan siendo secuestrados por un culto.

¿Por qué fueron secuestrados? ¿Qué les van a hacer? ¿Por qué el culto se niega a hablarles y reconocerlos como humanos? Esos son los misterios que necesitamos descubrir poco a poco, y el viaje será casi tan estrambótico como lo fue Mandy de Nicolas Cage en 2018. Y aunque no innova mucho y al final la trama cae en terrenos muy seguros, los fans del género seguramente tendrán un buen rato.

Sundance 2021

Un Documental Diferente

The Sparks Brothers

Después de 50 años en la industria, 25 álbumes, 400 canciones e incontables tours internacionales, ¿qué le hacía falta al famoso dueto musical The Sparks Brothers? Bueno, pues la respuesta es sencilla: un documental centrado en su carrera dirigido por nada más y nada menos que Edgar Wright.

A través de una edición impecable, colorida y bastante divertida, Wright nos cuenta las vicisitudes que han vivido estos artistas y cómo fue su proceso para convertirse en músicos tan influyentes. El documental está ilustrado con fotos, grabaciones, videos y testimonios de grandes fans como Neil Gaiman y Mike Myers. Sin embargo, esta película no solamente es una carta de amor a la banda, es una carta de amor a la perseverancia.

Gracias a su genio cómico e interesantes preguntas, Wright también logra dilucidar un poco cuáles fueron las dificultades y obstáculos más grandes que tuvieron que atravesar, haciendo que admitan sus culpas y errores, pero sin criminalizar ni victimizar sus decisiones. De manera que tenemos una perspectiva completa no sólo de una exitosa carrera, sino también de una vida compleja.  

¿Qué les parece, Cinéfilas y Cinéfilos? ¡No se pierdan la siguiente cobertura que tendremos sobre lo más destacado de Sundance 2021!

5 Consejos para hacer buen cine según Chloé Zhao

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Premiada a nivel internacional y próxima a dirigir una película de Marvel, esta es la filosofía de Chloé Zhao. 

Debido a la contingencia actual por el Covid-19, el instituto Sundance se encuentra realizando una serie de masterclass gratuitas con diversas personalidades del mundo cinematográfico. La más reciente sesión por zoom contó con la participación de la directora Chloé Zhao, quien con su más reciente cinta Nomadland se llevó León de Oro en el Festival de Venecia y el Premio del Público en el Festival de Toronto. Además de todo este éxito, se encuentra próxima a dirigir The Eternals, película que formará parte de la 4ta fase del MCU.  

La ponencia giró en torno a su proceso como artista, las caídas y éxitos que han formado su confianza, además de los proyectos venideros. Entre todo lo conversado, estas son algunas de las enseñanzas que nos brindó la cineasta china: 

Chloé Zhao

1.- SÉ CURIOSO

Para Chloé Zhao, una de las características que debe definirte si deseas dedicarte al séptimo arte es la curiosidad contigo misma/o y el mundo, el apasionarte genuinamente por un tema y querer aprender de él. A partir de este sentimiento, sus películas se acercan a otras realidades: un chico en high school, un cowboy, o una mujer que recorre el oeste estadounidense en busca de trabajo. 

En cada una de ellas, la directora se ha aproximado a las comunidades en que conviven sus protagonistas, sus filmes toman prestado la esencia de las mismas y sus habitantes. Al respecto, la realizadora recomienda que en ese proceso lo importante es escuchar, pues cuando llegas a dichos espacios la gente suele decirte lo que quieres oír en base a tus prejuicios, por lo que tu debes ir más allá: “tienes que decirles, si eso esta muy bien pero ¿qué desayunaste? ¿cómo fue tu primera ruptura? Hay una historia que quieres contar, pero no le dices a las personas como sentirse, eso sería peligroso, quiero conectar con los humanos y por lo tanto, sólo quiero hablar contigo de todo.” 

A manera de conclusión, puntualizó la importancia de responder a su confianza, realizando un retrato respetuoso y consiente de tales comunidades. 

Chloé Zhao

2.- ELIGE BIEN A TU CREW 

A lo largo del coloquio, la cineasta fue insistente con elegir sabiamente a la gente con quien te rodeas, pues las/os mismas/os son como tu pareja sentimental: “necesitas a personas que estén interesadas contigo, que entiendan como te sientes sobre el mundo y realmente te escuchen. Sorprendentemente no es algo muy común en estos días” comentó. Además de mencionar que tener el mismo sentido del humor ayuda. 

De no contar con las anteriores características, la directora expuso que deben comenzar a saltar las alertas y lo mejor es alejarse pues “sólo así se evitará causar el drama del que comúnmente solemos escuchar”. Sin embargo, puntualizó que esto último es una más de las lecciones que van aprendiendo con el tiempo. 

Eso si, la realizadora comentó que previamente se tiene que tener bien claro lo que desea hacer con la película, y al reunir al equipo tratarlo como quisieras ser tratado/a. Asimismo acotó que se puede negociar sobre todo menos el arco de los personajes, pues eso es lo que mantiene la atención del público. 

Finalmente, Chloé Zhao recalcó la importancia de rodearte con personas con quienes empates con sus valores, en especial cuando -como la misma- te acercas a filmar al hogar de alguien más, pues ellos/as te representan ante una comunidad que esta depositando toda su confianza en ti.

Chloé Zhao

3.- SÉ REALISTA

 Debido a que ha laborado como guionista, editora, productora y directora, la cineasta china manifestó que las limitaciones son sus mejores amigas, pues las mismas le permiten fundamentar proyectos realistas desde un inicio: “Escribo pensando en el equipo, historia y presupuesto disponible, para estrenar en un determinado tiempo, mi curiosidad no puede ir tan lejos, dos años como máximo.” 

4.-  ATRÉVETE A PROBAR COSAS NUEVAS

Para muchos/as sorprende que el siguiente proyecto de la cineasta sea un largometraje de Marvel, pues de trabajar con un crew de apenas 20 personas y prepuestos cortos, dirigirá The Eternals una producción de millones de dólares, conformado por un cast de superestrellas como Angelina Jolie o Salma Hayek. 

Al respecto comentó que en esencia se trata de lo mismo, pues al final laboras con las personas que elegiste cuidadosamente, afirmó que no le gustaría ser encasillada como una cineasta independiente, pues ella es una persona que busca reinventarse, conocer nuevas herramientas y capacidades. 

Confesó que en ese sentido, filmar un largometraje de Marvel le parece un gran reto: “no quiero estar adelante de mi vida o carrera, quiero verme sorprendida, aprender cada día y elegir proyectos que me desafíen.” Además que cuenta con productores/as que entienden como desea realizar una película y además es gran fanática de la empresa de cómics.  

Chloé Zhao

5.-  ¿POR QUÉ HACER CINE? 

Para Chloé Zhao el séptimo arte se trata de compartir, y al realizarlo debes preguntarte si el relato que estas contando es relevante, si la historia llevará al público a acercarse y entender mejor a otras personas. También piensa que el cine debe abrumar, tomar el control de tu vida y ayudarte a moldear como persona.

Finalmente añadió que de dedicarte a esto, debes disfrutar cada día al máximo porque eres afortunado/a de desempeñarte en esta arte.

Chloé Zhao