Shogun: ¡Hiroyuki Sanada explica el final de la serie!

Este artículo contiene spoilers sobre el final de Shogun.
  • El legendario actor japonés Hiroyuki Sanada interpretó a Yoshii Toranaga en la más reciente adaptación de Shogun, miniserie que concluyó recientemente.
  • De acuerdo al actor y productor, todas las decisiones de Toranaga en la serie fueron hechas con un solo fin: hallar la paz, antes de la guerra, como lo explica a Yabushigue al término de la serie.
  • Asimismo, el actor destacó que a pesar de las pérdidas, y en especial el sacrificio de Mariko, el final de Shogun también es feliz, tal como lo fue la historia de Tokugawa Ieyasu, el héroe real que inspiró al personaje de Toranaga.

El final de Shogun cerró la intensa lucha de Yoshii Toranaga por lograr la paz en Japón, a través de estrategias que, contrario a lo que la audiencia y los mismos seguidores del personaje, no estaban precisamente enfocados a llevar a la guerra.

Es por ello que durante una conversación con el portal The Hollywood Reporter, el legendario actor japonés Hiroyuki Sanada desglosó los giros finales de su personaje en la serie, y por qué la conclusión de Shogun funciona tan bien, a pesar de no llevar a su público a una guerra explícita.

¡Te compartimos sus declaraciones!

Shogun: ¡Hiroyuki Sanada explica el final de la serie!
Imagen: FX

¿El final de Shogun tiene que ser agridulce?

Como contexto, tras poner en marcha el plan Cielo Carmesí, Toda Mariko (Anna Sawai) muere tras un ataque dictado por Ishido, quien hasta entonces parecía haber consolidado su alianza con el resto de los regentes para ir en contra de Toranaga.

Sin embargo la muerte de Mariko, como Toranaga lo explica a su antiguo aliado y traidor, Yabushigue [Tadanobu Asano], es la pieza que logra quebrar tales alianzas, y dejar sin apoyo a Ishido en la guerra por venir.

“Es un final feliz,” señaló Hiroyuki Sanada, explicando que a pesar de las “notas tristes que deja atrás la historia, “el sueño de Toranaga es revelado, y descubrimos que esto, es lo que ha querido todo el tiempo”.

“Toranaga dio fin al periodo Sengoku —de los reinos en guerra—, y creó una era de paz que duró alrededor de 260 años, hasta que el país abrió sus puertas al mundo.

Esa es la visión de Toranaga, es por lo que ha peleado, y es lo que ha alcanzado con su mentalidad de nunca rendirse”.

Hiroyuki Sanada.

Asimismo, el actor señaló que al igual que su contraparte histórica, Tokugawa Ieyasu, el punto de Shogun fue también mostrar a Toranaga en los momentos más difíciles de su vida, y cómo a pesar de ello, no frenó sus planes. 

“Incluso después de llegar al fondo de su vida, no se rindió. Y tuvo suerte también, lo que le permitió cambiar el curso de la historia” explicó Sanada. “Porque el periodo de paz que logre crear, será lo mejor que habrá hecho, y ese es el por qué el modelo para Toranaga, Ieyasu, es un gran héroe en Japón”.

¡Estrella de Shogun explica el final de la serie!
Imagen: FX

¿Toranaga es el héroe que necesita la ficción actualmente?

En una de las notas más interesantes de Shogun está que, tras exponer sus planes, Toranaga revela sus intenciones por ganar la guerra antes de que ésta siquiera suceda, frenando una batalla sangrienta y dolorosa para el país.

La historia narrada en Shogun se inspiró en Ieyasu, de quien Hiroyuki Sanada se pronunció como un especial admirador.

“Desde que era un niño, leí novelas sobre él, vi películas y series con su historia. Lo interpreté una vez, incluso” explicó el actor, destacando que su conexión a la figura, es una de las razones por las que asumió el papel de Toranaga para la nueva versión de Shogun.

“La razón por la que tomé el rol, es porque creo que necesitamos a esta clase de héroes justo ahora. Necesitamos héroes que traigan paz. Ese es un mensaje bueno para el mundo, especialmente cuando los seres humanos alrededor del mundo han vuelto a pelear.

Shogun es una muestra de lo difícil que puede ser alcanzar la paz.”

Hiroyuki Sanada.
Shogun: ¡Hiroyuki Sanada explica el final de la serie!
Imagen: FX

¿Toranaga siempre planeó todo?

Hiroyuki Sanada destacó que una de las cualidades más interesantes de Shogun como serie, y de Toranaga como personaje, es cómo la historia cuidó “no decir de forma explícita lo que Toranaga quería o no”.

“Alrededor del cuarto episodio dice que no le interesa convertirse en Shogun. Pero lo cierto es que dice muchas cosas por fines estratégicos, y sus intenciones reales son casi siempre un misterio” 

Hiroyuki Sanada.

“En esta versión, creo que sinceramente no era algo que buscaba” explicó el actor, añadiendo que aunque no deseaba el lugar, tiene que asumirlo para que “su sueño de paz se haga realidad”.

Asimismo, el actor comparó el rol de Toranaga dentro de la historia con su propia experiencia como productor de Shogun, pues señaló que “nunca antes había hallado interés en ser productor”. Sin embargo, en Shogun sentía la necesidad de tomar decisiones de una manera mucho más activa para proteger la historia.

“Pude compartir mi visión de inmediato, y todos escuchaban. Así que, quizá de esa manera fue similar para Toranaga. Él no quería el título, pero en algún momento se dio cuenta que la única manera de crear una era de paz, era convirtiéndose en Shogun”, finalizó.

Todos los episodios de Shogun ya están disponibles en Star+ y Disney+
Shogun: ¡Hiroyuki Sanada explica el final de la serie!
Imagen: FX

Fabricantes de Ovnis: ¡Una sátira sobre las conspiranoias!

Fabricantes de ovnis es la nueva serie original de comedia y ciencia ficción de Star+ que cuenta la historia de Dalí Montoro (Jerónimo Best), un hombre sin rumbo que se ve obligado a regresar a su pueblo natal Ogarrio del Cobre, tras heredar una propiedad en donde también se enfrentará a sus viejos demonios y el cariño de su hijo. 

Sin embargo, luego de ver que el lugar está en crisis, Dalí buscará reactivar la economía local con un plan muy controversial: convertir el pueblo en un centro de turismo de ovnis, al inventar que los seres de otro planeta regularmente hacen apariciones, lo que desatará que todo el mundo quiera visitarlos. 

En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de hablar con Jerónimo Best, quien nos platicó en exclusiva todo los detalles detrás del proyecto y porque las teorías conspiranoicas están a la orden del día.

Fabricantes de Ovnis
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Fabricantes de Ovnis es una oportunidad para reír y llorar 

Para el actor Jerónimo Best, a quien hemos visto también en proyecto como Narcos Vs Zombies y Santa mi amor, Fabricantes de Ovnis significó un reto actoral importante en su carrera, debido a que tiene un tono de farsa y comedia muy específico en el guion que puede ser difícil de construir para que el público lo acepte. 

“Es un humor muy absurdo creo que tiene momentos muy básicos, es un género que a mí me gusta mucho, mucha gente mal entiende que la farsa es solo hacerse el chistoso, pero es un reto encontrar el tono y estar conectado con tu equipo”.

Jerónimo Best

Al mismo tiempo la comedia de Fabricantes de Ovnis permite hablar sobre temas mucho más dramáticos y serios como la falta de motivación en la vida, ya que Dalí es un hombre que no se siente suficiente para su hijo y comete muchos errores en el camino para tratar de cumplir ciertos estándares. “La comedia nos permite tomar temas oscuros, incómodos y poder reírnos de ellos y vivir la vida como una tragedia”, explicó el actor. “Nos podemos sentir identificados con estas situaciones”. 

Para el actor el eje conductor de la historia en Fabricantes de Ovnis es precisamente toda la falta de amor que tiene el protagonista y cómo enfrenta sus problemas, al mismo tiempo debe conectar con su pasado en su pueblo natal. “De ahí toma malas decisiones aunque con muy buenas intenciones, yo creo que mucha gente se puede identificar con este personaje”. dijo. “Recuerda cómo fue su vida, con su padre y con su abuelo, hay una cuestión generacional que creo que todos los humanos pasamos por ella”.

Fabricantes de Ovnis
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¿Por qué las teorías conspiranoicas venden tanto? 

En los últimos años, hemos visto cómo a través de podcast y redes sociales, las teorías conspiranoicas han tomado mucha fuerza, logrando que los humanos quieran entender ciertos fenómenos inexplicables a través de este medio. Tomando esto en cuenta, el personaje de Jerónimo Best en Fabricantes de ovnis, se aprovecha de esta tendencia y decide crear toda una burbuja falsa. 

A nivel personal, el actor considera que estas teorías se han fortalecido gracias a que los humanos tienen fe en ello y realmente quieren encontrar una explicación a las cosas. “La fe juega en cosas paranormales o explicarnos la vida misma”, agregó el actor. “Me imagino que tiene que ver el juego de las redes sociales, de la rápida lectura de las cosas”.

Sin embargo, el actor señaló que, a diferencia de los personajes en Fabricantes de ovnis, él prefiere cuestionar cualquier cosa, incluso si una figura de autoridad como el gobierno lo dice. Tomarme todo con una pizca de sal” continuó. “No se en específico a qué se deba socialmente este fenómeno ahorita, pero creo que es por la necesidad de la gente de explicarse muchas cosas y de tratar de tener la razón”.

Fabricantes de Ovnis
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¡Estrella de Shōgun explica el giro del episodio 5!

Este artículo contiene spoilers del quinto episodio de Shōgun — Broken to the Fist
  • Anna Sawai da vida a Mariko en Shōgun, traductora de John Blackthorne y Toranaga, y esposa de Buntaro.
  • En el quinto episodio de Shōgun, Buntaro regresa después de que se le creía muerto, lo que complica su relación con Mariko y Blackthorne, este último quien reta a Buntaro a embriagarse con él.
  • En la escena, donde se presenta la violenta relación entre Buntaro y Mariko, la traductora también cuenta la historia de su familia, lo que Anna Sawai describió como uno de los momentos más difíciles de filmar en Shōgun.

Desde su estreno, Shōgun ha dado grandes cosas de las qué hablar. Pues la ambiciosa historia de Star+, ha puesto sobre la mesa la compleja batalla entre el ex-integrante del consejo de regentes de Japón, Toranaga (Hiroyuki Sanada), y las hambrientas cabezas de poder que dominan el territorio.

Sin embargo, además del gran nudo político que promete desenvolverse en una guerra en episodios próximos, Shōgun también ha puesto al frente la relación de John Blackthorne (Cosmo Jarvis) y Toda Mariko (Anna Sawai), esta última quien creía haber perdido a su esposo abusivo Buntaro en una batalla.

Pero, ¿por qué el regreso de Buntaro y la pelea de éste con Blackthorne fueron momentos tan difíciles de filmar? ¡Anna Sawai lo explica!

¡Estrella de Shōgun explica el giro del episodio 5!
Imagen: Shōgun Star+

¿Shōgun expone la violencia en el japón feudal?

Durante una conversación con el portal TV Guide, Anna Sawai explicó la gran complejidad detrás de una de las escenas de Shōgun en su quinto episodio. Pues en el momento, Buntaro vuelve después de haberse creído muerto en batalla, lo que se desata en una intensa cena donde Blackthorne reta a Buntaro a beber sake sin control.

En el instante, Mariko se tensa, y pide a ambos cesar la competencia, la cual termina en Buntaro disparando flechas en dirección a Mariko y forzando a su esposa a contar la historia de su familia.

“Especialmente con alguien como Blackthorne, que no entiende la cultura y quién está presionando a Buntaro, Mariko sabe que nada bueno va a resultar de ello” explicó la actriz, “lo que necesitaba que se viera en su expresión era esta forma de súplica, donde le pide a ambos dejar de beber”.

Desde episodios previos, la relación entre Mariko y Buntaro estuvo salpicada de machismo y violencia, aunque el quinto episodio es el que realmente expone el poder que el militar tiene sobre su familia y mujer.

En algún momento incluso, Blackthorne señala que para el japonés Mariko es “de su propiedad”, en lugar de considerarla una compañera a la que respete. Por ello, Buntaro obliga a Mariko a contar la historia de su familia, asegurando que dado su pasado, Mariko no “merece respeto”.

Mariko explica ser hija de un hombre que fue cazado junto a su familia por asesinar a su líder, quien era una persona cruel. “No es que Mariko se avergüence de ello”, aclaró Sawai, “Pero sabe que es percibida de cierta manera, y es una historia que no quiere contar frente a su marido”.

¡Estrella de Shōgun explica el giro del episodio 5!
Imagen: Shōgun Star+

¿La escena más difícil de Shōgun?

Si bien, la escena es uno de los momentos más poderosos de Shōgun hasta ahora, Anna Sawai reveló que ésta estuvo lejos de ser una parte sencilla de filmar.

“Me sentía atrapada” explicó la actriz, “me pregunto si es porque Mariko también se sentía atrapada”.

“Mariko se encuentra frente a Buntaro, por lo que no puede ser tan vulnerable, tiene que portar una máscara. Y es ahí donde fue muy difícil lograrlo.

Mariko está hablando de esto por primera vez, y es un momento emocional para ella, pero tiene que ocultar esas emociones porque está frente a Buntaro”

Anna Sawai.

Para ello, Sawai señaló que la co-creadora de Shōgun, Rachel Kondo, le ayudó a resolver la escena, la cual tomó dos días de filmación.

“Recuerdo haber sentido que no lo estaba haciendo bien” explicó la actriz, por lo que aunque el director Fren E.O. Toye decía que las cosas estaban marchando a la perfección, ella optó por acercarse a Kondo para plantear una nueva forma de acercarse al personaje. “Tuve un momento muy personal con ella, y eso me ayudó a lograr el resto de la escena”.

¡Estrella de Shōgun explica el giro del episodio 5!
Imagen: Shōgun Star+

¿Qué sigue para Mariko en Shōgun?

El regreso de Buntaro parece haber puesto un clavo en la relación que Blackthorne y Mariko habían comenzado a forjar, aunque aún hay posibilidad para ambos personajes más adelante en el show.

Tales posibilidades fueron presentadas por Blackthorne, cuando éste contó a Mariko su historia sobre cómo sería pasar una noche juntos en Londres, y lo cuál empujó a ambos personajes a estar juntos antes del regreso de Buntaro.

Sin embargo, entre el caos que ha despertado la inminente batalla entre Toranaga e Ishido, aún está por verse si Mariko y Blackthorne podrán realmente escapar de la crisis que Shōgun ha planteado desde su comienzo.

Shōgun estrena nuevo episodio los martes en Star+ y Disney+
¡Estrella de Shōgun explica el giro del episodio 5!
Imagen: Shōgun Star+

Soy Tu Fan: ¿Cómo lograron evolucionar su historia?

Soy Tu Fan es una de las series más icónicas de la cultura pop mexicana. La historia de amor entre Charly (Ana Claudia Talarcón) y Nico (Martín Altomaro) definió la televisión mexicana a principios de la década de 2010, pues lograron también capturar la vida y las aspiraciones de personas en sus 20s-30s encontrando el significado de la vida.

Además de construir un drama conmovedor, Soy Tu Fan, se mantuvo como una de las series con mayor rating de audiencia y fue de los shows pioneros en tener contratos especiales de distribución con servicios de streaming para que la historia llegara a Estados Unidos, Canadá y diferentes países de América Latina.

11 años después, Soy Tu Fan regresa de la mano de Star+ para explorar la crisis de edad y la nostalgia. Y en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de asistir a una mesa redonda con Martin Altomaro y Johanna Murillo, quienes hablaron sobre la filosofía de la serie y qué tan diferente fue producir la historia en 2023.

Soy Tu Fan
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¿Cómo hacer evolucionar Soy Tu Fan?

La serie creada por Dolores Fonzi y dirigida por Mariana Chenillo, la serie exploraba las vicisitudes amorosas de Charly, quien dolida porque su novio Julián ya había encontrado una nueva novia, decide empezar una relación con Nico. Su romance es un ancla graciosa y ligera con el que vamos conociendo la vida de otros personajes que orbitan su vida, como Diego (Gonzalo García Vivanco), Rocío (Maya Zapata) y Fernanda (Johanna Murillo).

“Creo que antes lo más icónico de Soy tu Fan es que te retrataba a un grupo que no tenía idea de nada” mencionó Johanna Murillo en la mesa redonda. “Y explorar sus problemáticas sin tapujos, fue una de las cosas más emocionantes que teníamos, porque eso nos permitió también crear un grupo que se apoyaba a sortear dilemas que vivíamos en verdad”.

Tanto Murillo como Altomaro recordaron que, como Soy Tu Fan empezó como una producción más pequeña e indie “uno podía decir: ¡hey, vamos a hacer esto! Y explorar sin preocuparnos por cuánto tiempo nos iba a tomar o si algo se podía retrasar”.

Las exigencias de tener a Star+ detrás, según contaron los actores “hizo que fuéramos más conscientes de los tiempos de producción, que estuviéramos más conscientes de hacia dónde tenía que ir la historia”.

La nueva temporada de Soy Tu Fan lidia con temáticas sobre la evolución de las relaciones, especialmente después de haber pasado años con una misma pareja. Así. vemos como Charly se debate sobre querer ser madre, mientras que Fernanda se dio cuenta de que pasó mucho tiempo preocupándose por el futuro en lugar de disfrutar la vida.

Johanna Murillo mencionó que “en el momento en que regresamos hicimos click otra vez” asegurando que todo el elenco tiene una relación cercana y “ya nos entendemos, entendemos nuestros ritmos de trabajo y sí tenemos una forma de ver a estos personajes que han sido tan cercanos”.

Pero algo que también fue diferente fue la presencia del director Samuel Kishi, quien organizó sesiones con todo el elenco para que descubrieran nuevas formas de atender las necesidades de sus personajes.

Y así, lo que más les llamó la atención “fue la oportunidad de reencontrarse con estos personajes” y descubrir cuáles eran sus nuevas problemáticas. “Samuel es una persona muy Zen” nos mencionó Altomaro. “Sabe de verdad explorar emociones porque nos ayuda a crear ejercicios introspectivos. Nos pedía mucha concentración, mucha calma, y así las escenas se sentían más reales”.

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¿Cuál es el legado de Soy tu Fan?

Fieles a crear una atmósfera divertida con una gran presencia de la cultura pop de la Ciudad de México (en esta nueva temporada destaca mucho Julieta Venegas), “lo más gracioso de ver en Soy Tu Fan es a este grupo de ñiñores, que desde siempre han sido ñiñores” mencionó Murillo.

“Nadie nunca sabe bien hacia dónde va la vida. Y creo que por eso la serie ha conectado con muchas personas” aseguró la actriz, quien destacó que en esta nueva temporada, explorar temáticas como las relaciones abiertas “es una forma de decir que no hay una edad definitiva para nada, que todos estamos en constante cambio y en constante exploración”.

“Una persona se puede dar cuenta que de joven era demasiado adulta, y a sus 40 ya quiere explorar otras cosas, quiere irse de fiesta. Creo que hay algo en hablar de cómo la evolución no es lineal” mencionó Murillo sobre la forma en la que Soy tu Fan retrata la evolución y el crecimiento de los personajes.

Soy tu Fan ya está disponible en Star+

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El Mantequilla: Una Serie inspirada en los Hermanos Coen

El Mantequilla: Maestro de la estafa es la nueva serie de Star + que nos lleva a los años 80 en México cuando un hombre llamado Emiliano Escamilla (Alberto Guerra) busca vengar una injusticia contra su madre y, de paso, encontrar a su padre. Para ello, el protagonista utilizará sus habilidades para cambiar de personalidad mediante el uso del disfraz y la imitación.

Es así, como Emiliano pasó de ser un hombre común a convertirse en el “Mantequilla”, el estafador más famoso de México. Sin embargo, como consecuencia, tendrá que enfrentarse a la detective Elena Robles (Mayra Batalla); conocida por ser la primer mujer detective en su división, y el reportero Pablo Garduño (Iván Aragón), quienes se encuentran detrás de cada paso del estafador y están a punto de en encontrarlo.

El Mantequilla
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El difícil trabajo de escribir El Mantequilla

El Mantequilla es una historia única sobre estafadores que requirió de una amplia investigación por parte de el director y showrunner, Felipe Martínez, y su escritora Olfa Masmoudi, quienes nos revelaron que tomaron en cuenta varios documentales de la época para informarse sobre aspectos políticos y culturales. 

“Entender el contexto en el que estábamos llegando para hacerle fiel a la historia de lo que estaba sucediendo en México en los 80s, cual era la temperatura política y el contexto histórico”

Olfa Masmoudi

En especial, Masmoudi quería informarse sobre las mujeres, puesto que el personaje de Elena, se desenvuelve en un ambiente dominado por hombres y debía comunicar con asertividad todo su contexto y las batallas a las que se enfrentaba para demostrar que era capaz de ser una detective. 

Mientras que para Martínez era importante investigar sobre cómo se realizaban las estafas en ese entonces en donde, al igual que en la actualidad, impregnaba la corrupción. “Atrapaban a los ladrones y luego los mismos policías los soltaban”, añadió. “Hacían un gran show para atraparlos y luego los dejaban ir, esa es una cosa que me sorprendió porque había una relación entre ellos”.

Los realizadores también tomaron en cuenta para desarrollar la historia de El Mantequilla investigar sobre todo lo que ha cambiado a lo largo de los años, desde las televisiones, hasta las estafas para trasladar al espectador a la historia. “Primero fue revisitar cómo eran las cosas en esa época y más si vas a hablar de hacer estafas en los 89s”, explicó Masmoudi. “Entonces hablamos de que todo era análogo, eran estafas mucho más como manuales, muchas más de engaños mentales y visuales”.

El Mantequilla
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El Mantequilla no busca ser una serie violenta

Aunque El Mantequilla es un estafador, esta no es una historia violenta, dado que la historia está contada a través de la comedia negra al estilo de muchas de las películas de los hermanos Coen, quienes le sirvieron de inspiración a Masmoudi para escribir el guion. 

Al final es una comedia con thriller porque hablamos sobre estafadores y persecución policiaca no deja de sorprender la serie pero al mismo tiempo es una comedia negra muy tipo los hermanos Coen.”

Olfa Masmoudi

La escritora explicó que si bien El Mantequilla tiene una profesión bastante cuestionable, en realidad vamos a entender las razones por las cuales ha tomado este camino en su vida y que, en realidad, no es una persona “mala”. “Tiene que ver una profundidad de porque está haciendo estas cosas y ahí es en donde nosotros podemos empatizar con el personaje”, explicó. “Al final detrás de este tipo genial, metódico y sofisticado hay un niño chiquito que lo único que quiere es que lo quieran”, comentó Martínez.

La escritora y el showrunner quisieron desarrollar a profundidad el pasado del personaje y sus motivaciones que aseguran que los espectadores/as van a querer verlo triunfar en sus propias estafas. “Y también intentamos dejar de lado la violencia innecesaria porque no estamos hablando de eso, estamos hablando de estafar pero con un propósito”, agregó Masmoudi. “Nuestra meta es que él no fuera violento, había algo como de Robin Hood como una especie de justicia y te pones más de su lado”. dijo Martínez.

El Mantequilla
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¡Disney enfrenta demanda por retener ganancias de Avatar 2!

  • TSG Entertainment presenta una demanda en contra de Disney, por retener las ganancias de las películas producidas por TSG en los últimos años.
  • Representantes de TSG aseguran que Disney ha trabajado bajo contratos engañosos que sólo benefician a la compañía del ratón.
  • TSG señala a Disney de frenar los tratos de la productora con distribuidores para llevar películas directo a sus plataformas de streaming.

Entre sus altibajos, Disney y 20th Century Studios —antes Fox—, han logrado salir a flote dentro de las taquillas y a través de producciones que si bien, son sumamente costosas, le han resultado redituables a la compañía. Un gran ejemplo de ello es Avatar: The Way of Water, la secuela de la exitosa cinta de James Cameron que ya se posiciona como la tercera película más taquillera de toda la historia.

Pero producir estos proyectos gigantescos no es sólo mérito de Disney, sino de una de sus productoras aliadas más importantes: TSG Entertainment, conocida por sus inversiones millonarias para varias cintas de Disney y Fox.

Sin embargo, la alianza parece comenzar a quebrarse, pues representantes de TSG Entertainment han puesto una demanda en contra de la compañía del ratón, por retener las ganancias de más de 100 películas que TSG ha producido en la última década.

Disney demanda
Imagen: TSG

¿Disney hace tratos fraudulentos?

TSG Entertainment señaló a Disney por implementar tácticas engañosas al momento de formular sus contratos con las productoras con las que trabaja, cláusulas por las cuáles, aseguran que el estudio ha privado a TSG de sumas significativas de dinero de sus últimas producciones junto a 20th Century Studios, entre ellas, Avatar: The Way of Water.

En sí, TSG indicó que Disney ha intentado y exitosamente utilizado “trucos sucios de contaduría de la Industria Hollywoodense” para negarle a la empresa cientos de millones de dólares relacionados directamente con las inversiones que se han realizado para lograr varias de las películas del estudio en los últimos años.

De acuerdo a los representantes de la productora, al realizar una auditoría con respecto a las ganancias y logros monetarios que han tenido las producciones de 20th Century desde 2013, inicialmente TSG descubrió que la compañía del ratón les debe al menos $40 millones de dólares por su contribución en varias películas. No obstante, más adelante se reveló que la cantidad retenida por Disney podría exceder los $100 millones de dólares, compensación que TSG ha exigido en su demanda al conglomerado.

La demanda está siendo llevada por el fiscal John Berlinski, a quien el equipo legal de Disney conoce bien al haber representado a Scarlett Johansson en su encuentro con la compañía en 2021, dado el incumplimiento de contrato de Black Widow, por el que la actriz obtuvo $40 millones de dólares al fallar los jueces a su favor.

Disney Demanda
Imagen: 20th Century

¿La demanda de Disney es culpa del streaming?

Más allá de retener ganancias de taquilla, TSG Entertainment reclamó a Disney por generar “auto-contratos” de distribución con sus propios canales y plataformas, privando a TSG de la oportunidad de generar tratos para exhibir las cintas con otros medios y, a la par, afectando sus ingresos por consumos en hogares.

La demanda indica que Disney ha redirigido películas de 20th Century Studios directamente a Disney, Hulu en Estados Unidos y Star+ en otros territorios, limitando los acuerdos de licencia que TSG compartía con HBO para exhibir sus películas en la plataforma de manera exclusiva tras su recorrido en los cines.

Asimismo, se acusa a Disney de haber hecho tratos que sólo le benefician a ellos al licenciar las películas de TSG al canal de cable FX —propiedad de 20th Century—, en lugar de buscar contratos que sean financieramente mejores y beneficiosos para la productora.

Las protestas de TSG parten luego de que la productora revelara haber invertido más de $3.3 mil millones de dólares en más de 100 películas en la última década, incluyendo éxitos de taquilla tales como The Way of Water, Bohemian Rhapsody, Deadpool, Dawn of the Planet of the Apes, The Martian, The Grand Budapest Hotel y The Banshees of Inisherin. 

Como resultado, TSG dijo contar con falta de ingresos suficientes que han afectado su capacidad de invertir en más proyectos de alto calibre como The Way of Water, lo que en consecuencia, también afecta a sus ganancias.

Al momento Disney no ha comentado nada respecto a la demanda de TSG Entertainment en su contra.

Disney Demanda
Imagen: D+

Pancho Villa y el Rol de la Mujer en la Revolución.

La serie reciente de Pancho Villa: El Centauro del Norte cuenta la historia del caudillo revolucionario y figura mítica de la historia de México. que inició todo un movimiento que desató la Revolución Mexicana. Sin embargo, el programa de Star + se remontará a los orígenes del personaje y todas las personas que influyeron en su camino, incluida su esposa, Lucita, interpretada por Gabriela Cartol.

Lucita conoció a Pancho Villa cuando ella apenas tenía 17 años y se convirtió en la única esposa del militar que se casó por lo civil y la iglesia,  ya que en muchas biografías se menciona que Villa pudo tener alrededor de 75 mujeres y más de 100 hijos. Por esta razón, era muy importante para el programa ilustrar la vida de Lucita y el papel que tenían las mujeres en la Revolución Mexicana. 

Pancho Villa
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¿Por qué es importante conocer la historia de Lucita?

En entrevista exclusiva para Fuera de Foco, Gabriela Cartol quien también ha actuado en La camarista y El último Vagón, nos habló sobre el papel que tuvo Lucita en la vida de Pancho Villa, un hombre que es recordado por sus logros heroicos pero poco se habla sobre su trato con las mujeres en su vida. 

“Para él, ella representó esa mujer con la que digamos iba a morir y con la que al final de cuenta.  aunque ya no vivía en México y estaban separados, seguían juntos. Era la mujer con la que él decidió pasar el resto de su vida por eso es tan importante en la vida de Pancho”. 

Gabriela Cartol

En la serie de Pancho Villa, Lucita, es uno de los pocos personajes femeninos que tiene algunas líneas y escenas porque, en palabras de Cartol, “en el contexto no hay cabida para las mujeres en la historia” ya que solo debían servir a los hombres y estar al pendiente de sus hijos. Además, carecían de derechos básicos como la educación y el derecho al voto. 

Para conocer más sobre el contexto de la época, Cartol leyó el libro Crónica ilustrada de la Revolución mexicana, en donde se comparten fragmentos de la revolución, pero también hablan sobre Lucita y el papel de la mujer en la lucha armada. “A ella le tocaba también recibir a los hijos que les traía de otras mujeres y le tocaba estar ahí para él”, agregó. “Y eso también pesa mucho en la herencia que nos han dejado nuestras mujeres a través del tiempo”.

Pancho Villa
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La serie de Pancho Villa contará toda la vida de su protagonista 

Dentro de su preparación, Gabriela Cartol encontró un fragmento de Lucita en donde le exigía a Pancho Villa dejar votar a las mujeres, puesto cada vez eran más las mujeres que querían involucrarse en elegir a sus gobernantes, un hecho que se logró hasta l3 de julio de 1955, más de cuarenta años después del inicio de la Revolución. “Si alguien le planteaba la idea sobre el voto era irreal”, añadió. 

Por esta razón, para el escritor Enrique Rentería, era importante agregar en la serie de Pancho Villa todo el contexto histórico y ser fiel a la época ya que, además, puede generar muchas preguntas en las mujeres. “Si algo sé busco es hacerlos humanos justamente para Rafa era importante entender la humanidad de estos personajes y no juzgarlos”, comentó la actriz. “Pancho era el defensor del pueblo pero también el machista”.

Al final, Gabriela Cartol resaltó que si bien para las mujeres era muy difícil rebelarse en esa época, Lucita es un personaje que aceptaba su realidad, pero también se la cuestionaba. “Era una onda de estar luchando contra lo que no podía por la sociedad”.

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Pancho Villa: ¿Qué tiene de Especial esta biopic?

Pancho Villa: El Centauro del Norte es la ambiciosa biopic de Star+ que busca contar la leyenda de una de las figuras más icónicas de la revolución mexicana. Pero lejos de simplemente contar sus grandes hazañas, esta propuesta también busca mostrar el lado más oscuro de Villa, haciendo hincapié en sus andanzas como bandolero y ladrón. 

Esta es una producción que se las ingenia para contar la historia de una manera diferente, ya que también se presenta como una historia que intenta dilucidar cómo es que Pancho Villa se convirtió en un símbolo, e inspiró a más personas a luchar por sus derechos. 

Y en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con el actor Jorge A. Jiménez, quien da vida a Pancho Villa, sobre cómo se preparó para el papel y por qué esta serie llegó en el momento adecuado. 

Pancho Villa
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Desmitificando la historia de Pancho Villa 

Aunque la biopic de Star+ se presenta como un recuento fidedigno de su tiempo, para el actor lo que más le interesó de esta versión fue “la forma en la que lograron capturar todo el lado humano de Pancho Villa: sus defectos, sus errores. Porque cuando escuchamos su nombre ya tenemos una idea de él: la leyenda del hombre fuerte, hasta en algunas producciones lo ponen como el galán, aquí es más humano, se muestran más sus debilidades”. 

Desde que le mandaron los guiones por primera vez,  Jorge A. Jiménez recibió muchas recomendaciones para que comenzara a hacer su investigación. “Los mismos escritores me decían que leyera esto, o lo otro. Fue un proceso de leer, leer, leer, investigar, estar en internet” nos contó. 

Pero Jiménez tuvo una regla personal para dar vida a Pancho Villa: alejarse de las otras versiones cinematográficas que habían representado al “Centauro del Norte”: “Eso sí no lo toqué”, nos comentó, ya que lo que a él le interesaba era más capturar el sentimiento y entender lo que lo volvió una leyenda. 

“¿Cómo una persona hace una revolución prácticamente solo? ¿Cómo convence a esta gente que literalmente está dispuesta a dar la vida por él, por el ideal de él, de la revolución. 

Están siguiendo a un líder. ¿Cómo Pancho Villa creaba toda esa energía en toda esa gente? Eso fue lo que a mi se me hizo impresionante, se me hizo increíble lograr eso”.

Jorge A. Jiménez, Fuera de Foco

La figura de Pancho Villa es tan grande que ha sido inmortalizada en diversas producciones. Ya sean en cintas biográficas como “La Revancha de Pancho Villa”, “Cuando Viva Villa es la Muerte”, “Los Rollos Perdidos de Pancho Villa”, comedias como “Entre Pancho Villa y Una Mujer Desnuda”, “Villa, Itinerario de una Pasión y hasta hace un cameo en la caricatura de “Los Casagrandes”. 

Pancho Villa no sólo es un héroe nacional, es reconocido por realizar hazañas en la frontera norte, evadiendo la ley estadounidense e incluso se le vincula al inicio del pánico contra la marihuana que inició Estados Unidos durante la década de los 20. Además de que detalles como que era abstemio y prefería el helado de fresa a tomar alcohol, pero siempre lo muestran como un gran héroe. 

“Esta vez también vamos a ver a un Pancho Villa en decadencia” nos comentó Jorge A. Jiménez, detalle que a él le parece que nunca se ha contado antes. “La otra parte del coraje, del líder, también sus lados más oscuros”. 

Él nos comentó que hizo mucho énfasis en explorar también sus crímenes, “yo entré al proyecto justificándolo. No podía hacerlo juzgando, mi trabajo fue justificar cada acción, buena o mala”. 

Pancho Villa
Copyright @ Star+

¿El símbolo que México necesita ahora? 

México se encuentra en tiempos tumultuosos, ya que en 2024 se darán las elecciones presidenciales. Como siempre, el debate y las controversias están por los cielos, pero ahora la controversia está en que no hay candidatos claros y parece que la figura del actual presidente, Andrés Manuel López Obrador será decisiva en el proceso electoral, cosa que divide fuertemente a sus detractores y admiradores.

Esto lo hemos visto muchas veces en la historia de México y es un detalle que complica la evolución de la democracia en el país. Sin símbolos claros como Pancho Villa en el mundo real, Jiménez opina que tal vez esta serie puede inspirar a la sociedad a seguir los ideales de la revolución. 

“ Creo que está en un muy buen momento para recapacitar y ver un México Unido. Un México que siga los ideales para un bienestar para todos los mexicanos”.

JorgeA. Jiménez, Fuera de Foco

Por supuesto, el actor también hizo énfasis en que lo más especial de la serie es que “no tienes que conocer la historia de México, ni saber quién fue Carranza, Zapata, o Pancho Villa para disfrutarla, es una serie para todos/as”.

Pancho Villa
Copyright @ Star+

¡Elizabeth Holmes opina sobre la serie de Amanda Seyfried!

Amanda Seyfried interpretó en la miniserie de Hulu, The Dropout, a Elizabeth Holmes, la fundadora y ex directora ejecutiva de Theranos, una empresa que supuestamente había desarrollado la tecnología para diagnosticar cualquier enfermedad y su posible solución con tan solo analizar una gota de sangre. Sin embargo, años más tarde se dio a conocer que todo se trataba de un fraude y que el método ponía en riesgo la vida de los usuarios.

Ahora, mientras Elizabeth Holmes cumple una sentencia de 11 años de prisión, habló con The New York Times sobre su arrepentimiento por sus acciones y aprovechó para hablar sobre lo que opina de la serie de Star+.

Elizabeth Holmes
Imagen de: Justin Sullivan/Getty Images

¿No es la verdadera Elizabeth Holmes?

Amanda Seyfried, quien ha actuado en otras cintas como Mank, Mamma Mia! y Mean Girls, logró crear un retrato sorprendentemente de Elizabeth Holmes, como una ambiciosa estudiante universitaria con sueños de convertirse en una empresaria millonaria.  

La serie obtuvo tan buenos resultados que fue de las favoritas durante la temporada de premios. Sin embargo, para la verdadera Elizabeth Holmes, la actuación de la actriz de hecho no fue tan buena debido a que es un versión caricaturizada y para nada tiene similitudes con su personalidad. “No me están interpretando a mí”, dijo Holmes. “Están interpretando un personaje que inventé”.

Holmes explicó que la actriz construyó al personaje con base en las entrevistas y conferencias que ofrecía la ex-empresaria, pero que en su vida privada es una persona completamente diferente y solo se comportaba tal y como lo retrata la serie para agradar a los inversionistas y al público. 

“Creí que sería bueno para mis negocios y me tomarían en serio y no como una niña pequeña o una niña que no tenía buenas ideas técnicas. Tal vez la gente se dio cuenta de que no era auténtica, ya que no lo era”.

Elizabeth Holmes

La serie de The Dropout nos ofrece un panorama más amplio sobre el pasado de Elizabeth Holmes, poniendo énfasis en sus motivaciones por las que buscó convertirse en una de las líderes de tecnología médica más célebres del mundo. Ella actualmente cumple una condena de || años por cuatro cargos de fraude.

Elizabeth Holmes
Copyright @ Star+

¿Cómo se preparó Amanda Seyfried?

Antes de ganar el Emmy por su interpretación como Elizabeth Holmes, Amanda Seyfried, le dijo al The New York Times, que el guion de The Dropout fue bastante comprensivo con la ex empresaria porque querían entender su pasado y motivaciones  que la llevaron a convertirse en una estafadora. 

“No tiene sentido hacer este programa si no vas a tratar de entender a esta persona. Para entender a alguien, necesitas tener empatía. No importa quién sea. Todo el mundo es humano. Todo el mundo tiene capas”.

Amanda Seyfried

Seyfried señaló que era muy importante mostrar como Elizabeth Holmes estaba desesperada por encontrar la clave del éxito que la llevó a tomar acciones sumamente reprobables, a pesar de que muy en el fondo quería hacerle un bien al mundo. “Durante el rodaje, la forma en que pude justificar el crimen que hizo fue que ella realmente creía que se estaba sacrificando para encontrar la respuesta”, explicó la actriz. “Y entre comillas, salvar el mundo. La gente está dispuesta a pasar por alto muchas, muchas cosas por lo que cree que es correcto en general”.

Aunque The Dropout es una serie limitada, en abril de 2022, Amanda Seyfried mostró interés en volver a interpretar a Holmes. “No estoy bromeando, un especial de dos horas. ¡Vamos!” Seyfried le dijo a Variety. Aunque ninguno de los showrunners ha hablado al respecto, ciertamente contar lo que pasó después del juicio, no suena mala idea para una segunda parte. 

Elizabeth Holmes
Copyright @ Star+

¡Actor de Los Simpson opina sobre el futuro del show!

Hank Azaria es uno de los actores de voz más reconocidos en Los Simpson. Él ha sido parte del show desde que inició en 1989 y ha prestado su voz para la versión anglosajona de personajes icónicos, como el Cantinero Moe, el oficial Gorgory, Snake, el tipo de las historietas, entre muchos otros más.

Azaria también le dio vida a Apu Nahasapeemapetilon, el dueño del Kwik-E-Mart. Sin embargo, a raíz del documental de 2017 The Problem with Apu, en donde se analizó cómo la cultura pop estadounidense borraba y burlaba de la cultura india, el actor decidió dejar de prestar su voz para el personaje en futuras temporadas de Los Simpson. 

Con la confirmación de que se vienen las temporadas 35 y 36, Hank Azaria explicó qué opina sobre el futuro de Los Simpson y cuál ha sido su secreto para estar tanto tiempo al aire. 

Los Simpson
Imagen: CNN

¿Los Simpson no irán a ningún lado? 

Durante una entrevista con la revista People, Hank Azaria dijo que está muy confiado en que Los Simpson tienen un futuro muy brillante en la televisión, por lo que él no tiene intenciones de dejar el programa. “Sería muy tonto de mi parte irme porque me pagan, en primer lugar” bromeó. 

Hank Azaria ha ganado 4 veces el premio Emmy a mejor actor de doblaje y fue nominado una vez por Mejor Actuación en serie de Drama, por lo que tiene ya una larga experiencia en el mundo de la televisión, de hecho, tiene papeles importantes en series como The Marvelous Mrs Maisel y The Idol, también augura que podría estar involucrado con Los Simpson al menos hasta la temporada 40. 

“Ya estamos en las temporadas 35 y 36, imagino que se va a ir probablemente hasta la temporada 40. A la serie le va bien”. 

Hank Azaria, People

De acuerdo con reportes de junio de 2022, La temporada 33 de Los Simpson tuvo solamente 1.35 millones de videntes y al parecer, sus ratings han disminuido de manera constante desde el año 2000, cuando más de 15 millones de personas sintonizaban Fox para ver el programa. 

Este reporte sólo tomó en cuenta las vistas que recibió a través de la televisión estadounidense, pero se va que la transmisión de los episodios de Los Simpson disminuyó bastante para mantener la exclusividad en la plataforma de Star+. No se tienen datos sobre el desempeño del show en la plataforma, pero no ha figurado en los tops de Nielsen u otras métricas importantes. Sin embargo, Hank Azaria sigue teniendo mucha fe en el futuro del show. 

Los Simpson
Copyright @ 20th Century Studios

¿Los Simpson no envejecen?

Hank Azaria aseguró en la misma entrevista que “toda la industria del entretenimiento ha cambiado” y que está consciente que las métricas que se utilizan para medir el éxito o el fracaso de alguna serie o película “se ha transformado increíblemente”.

“los estándares sobre lo que se considera un éxito o fracaso han cambiado mucho en los últimos 10, 15 años” aseveró. Sin embargo, también le parece evidente que Los Simpson siguen siendo muy populares y confía en que pueden seguir haciéndolo mucho tiempo más. 

“No importa cuál es el estándar, a nosotros [Los Simpson] nos va bien siempre. A la gente le gusta hacerlo. El estudio parece que quiere al show. Así que imagino que seguiremos adelante. 

Las voces realmente no envejecen, así que podemos seguir haciéndolo. Y la animación no envejece, al contrario, mejora y es más rápida”. 

Hank Azaria, People

Las opiniones de Hank Azaria parece que están alineadas con los comentarios que hizo el showrunner Al Jean el año pasado. El ejecutivo respondió a las críticas de que Los Simpson “habían perdido calidad” diciendo que “seguían haciendo el programa con el amor y el cuidado de siempre” y que el seguir nominados a los premios Emmy le parecía una “muestra de las posibilidades y logros que todavía puede dar el show”.

Los Simpson
Copyright @ 20th Century Studios

Rye Lane: Transformando al barrio en un ícono del cine

Rye Lane llegó para cambiar la forma de hacer comedias románticas, no solo por su interesante forma de retratar a dos personajes que se encuentran en medio de una crisis sentimental, sino porque su principal objetivo está en convertir a su locación en uno de sus protagonistas.

La cinta se estrenó en el festival de Sundance de 2023, volviéndose inmediatamente una de las piezas favoritas de la audiencia y críticos en general, por lo que a través de Searchlight Pictures ha llegado hasta Latinoamérica a través de Star+. Pero, ¿cómo logra mantener vivo el género de la comedia romántica? ¿Y qué papel juega el barrio de Rye Lane en tal misión? ¡Su directora nos lo explica!

Rye Lane
Imagen: Searchlight Pictures

Un lugar llamado Rye Lane

Asociar películas —y en específico comedias románticas— con lugares específicos, no es algo nuevo. Pues en realidad, gracias al cine, locaciones como Seattle, Notting Hill, Casablanca, entre otras ciudades, se han vuelto referentes para la cultura pop y para los amantes del género.

Esta vez toca el turno de Rye Lane, un barrio ubicado al Sur de Londres que, por años, no ha gozado de la mejor fama, pero que para su directora, Raine Allen-Miller, es el lugar ideal donde surgen nuevos romances, historias y aventuras para todos sus residentes.

“El sur de Londres es un lugar que tiene un espacio en mi corazón” contó Allen-Miller en exclusiva para Fuera de Foco, añadiendo que gran parte del atractivo del lugar se encuentra en la gran cantidad de culturas que se concentran en la región y cómo estas, adornan la avenida.

Mi abuela solía llevarme a Rye Lane y me mostraba el lugar exacto para condimentar carne, dónde obtener hierbas y vegetales frescos, dónde hallar una estética para comprar peines afro” relató, resaltando la importancia del lugar para conectar con su identidad y sus familia, habiéndose mudado ahí a los 12 años.

“Pero también es un lugar que ha sido representado en maneras que no son geniales. Es visto como un lugar peligroso, y aunque a veces puede no ser un lugar fácil para vivir, sí es un gran lugar para crecer”

Por ello, Raine Allen-Miller destacó la importancia de retratar Rye Lane a través de una historia y una visión “apasionadas”, donde se pudiera mostrar al barrio en “sus días gloriosos y sus días buenos”, lo que fungió como una gran inspiración para situar a su historia en dicho lugar, el cual también es cuna de estilos y tendencias para todo el mundo.

Imagen: Searchlight Pictures

El mundo a través de Raine Allen-Miller

Rye Lane sigue la historia de Dom (David Jonsson) y Yas (Vivian Oparah), dos desconocidos que se topan en el baño de una exhibición de arte, y quienes conectan a través de sus propias tragedias: ambos terminaron sus respectivas relaciones de manera desastrosa.

A lo largo del día, la conversación los lleva por todo Rye Lane, entre los barrios de Brixton y Peckham, donde cada uno tiene su historia. Para Raine Allen-Miller era vital que el espacio detrás de la cinta se volviera protagonista también, razón por la cual engrandece tanto a sus personajes como al sitio titular a través de la cámara.

“Utilizar lentes amplios no es para todos, pero yo estoy obsesionada con ellos” explicó la directora, quien hace uso de los mismos con el fin de mostrar “la importancia que tienen los lugares como Brixton y Peckham en toda su gloria”.

“Si caminas por estos lugares y quieres capturarlo todo, tienes que hacerlo con el lente más abierto que encuentres. Eso ayuda también a contar la verdad del lugar: porque cuando caminas y vas platicando con alguien, siempre puedes sentir todo lo que está sucediendo a tu alrededor, lo ves todo”.

No obstante, Raine Allen-Miller no deja que toda la historia funcione únicamente a través de Rye Lane, sino con sus personajes, los cuáles resultan increíblemente empáticos gracias a la gran cantidad de defectos que poseen y lo distintos que son a otros clichés de las comedias románticas.

“Vivian [Oparah] es increíble. En el proceso de audición vimos a un montón de personas, pero tan pronto conocí a Vivian y a David, supe que eran ellos los de la historia” explicó la directora, añadiendo que “la mayoría de las mujeres pueden identificarse con Yas, por lo divertida que es, lo brillante que se muestra ante el mundo, pero también lo complicado que se guarda para sí.”

Imagen: Searchlight Pictures

¿Por qué Rye Lane hace sentido para Latinoamérica?

Quizá lo más interesante de Rye Lane está en que a pesar de ser un retrato sumamente específico de una región determinada, logra conectar con personas de todo el mundo, y hacer que tanto sus personajes como su historia se vuelvan entrañables.

Por ello, su llegada a Latinoamérica, más que poner en juego el alcance de Rye Lane, es una gran oportunidad para experimentar un lugar del mundo al que aunque quizá no podemos acceder, nos resulta sumamente familiar.

“Es emocionante que personas alrededor del mundo estén respondiendo tan bien a la historia” dijo la directora, quien asegura que el streaming se ha vuelto una vía interesante para que más historias lleguen a más personas, y den la oportunidad para conocer a más creadores.

“Las cosas son muy accesibles ahora, y es genial, porque el cine no siempre lo es, ya sea por temas de financiamiento, de regiones, y demás” puntualizó.

En el caso específico de Rye Lane, Raine Allen-Mller aseguró que no es “una película exclusiva para un público londinense”, pues a la vez en que pretende hacer que la gente del Sur de Londres se “pueda sentir vista y apreciada”, también considera importante que “personas de todo el mundo la vean y también se sientan vistos”.

“De eso se trata el cine” finalizó la directora, cuya cinta ya está disponible a través de Star+. Haz clic aquí para suscribirte.

Horario Estelar: ¿Refleja los Problemas del periodismo?

Horario Estelar es una nueva serie de suspenso que estrena el 15 de febrero por Star+. Teniendo a Óscar Jaenada como protagonista, cuenta cómo Ramiro del Solar, un prominente periodista de investigación en México, termina involucrado en un intenso crimen y hará todo para limpiar su imagen. 

Pero de acuerdo a lo que nos contó Jaenada, “la serie es toda una deconstrucción sobre qué es y quién tiene la verdad, en realidad. Y cómo no puedes confiar siempre en todo lo que te dicen, especialmente ahora con el flujo de información que hay”. Y es que la serie, además de ser un thriller, también hace comentarios muy duros sobre el periodismo. 

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Óscar Jaenada, Dominika Paleta y Ela Velden, quienes nos explicaron cómo se prepararon para crear la historia de Horario Estelar y por qué puede ser muy relevante para nuestros tiempos.

Horario Estelar
Imagen cortesía de: Star+

¿Cómo ser más críticos/as del periodismo? 

“La verdad, hace mucho tiempo dejé de ver y consumir noticias en mi país” nos comentó Jaenada en entrevista. “Es que luego luego se les ve de qué pata cojean, se les ve la insignia. Eso pasa mucho con el periodismo y la información de ahora, corre tan rápido que ya no hay contenido, sólo tendencias, recibes sólo la política”. 

Jaenada nos comenta que ese es un problema muy serio que sucede en todo el mundo, ya que “ya no es una fuente de información, se vuelve un Big Brother”. Y al respecto, Dominika Paleta comentó en conferencia de prensa que “es aterrador darnos cuenta que las noticias globales las dominan unas 3 compañías. Ellas están creando las narrativas, ellas te dicen qué es la verdad. ¿Y nosotros? Tenemos que creerles”. 

Por eso, una de las cosas que más le interesaba explorar a Jaenada con su personaje de Horario Estelar, era la idea de que se pueden cuestionar a “los/as expertos/as”. 

“Tener una plataforma no te hace necesariamente una eminencia ni te hace ser el único poseedor de la verdad. Tan solo con Ramiro, que se pinta las canas, que en televisión tiene un acento perfectamente mexicano pero en su casa habla como español. Ahí ya te está mostrando que miente, que esconde cosas. 

No me había puesto a pensar en mi responsabilidad con mi plataforma, pero es interesante verlo desde los ojos de Ramiro, porque pone en perspectiva el poder que te da ser escuchado”. 

Óscar Jaenada, Fuera de Foco
Horario Estelar
Imagen cortesía de: Star+

¿Es un cambio generacional? 

En Horario Estelar, el personaje de Jaenada es cuestionado por su propia hija: Jimena (Ela Velden) una chica que está comenzando su carrera periodística y cuya visión choca mucho con la de su padre, no sólo porque ya es una mujer joven que creció con nuevas tecnologías, sino porque también la forma en la que entiende la verdad y la presenta es muy diferente. 

“Esta [Horario Estelar] es una historia muy feminista” nos contó Velden. “Representa también la llegada de las nuevas generaciones y las nuevas temáticas que nos aquejan como sociedad, como generación. Creo que es una buena representación de la Generación Z y un poco la millennial”. 

Dominika Paleta, quien en la historia interpreta a Bernarda, una prolífica escritora que es la esposa de Ramiro, complementó la respuesta de Velden diciéndonos que “esta es una historia muy interesante porque sí pone dinámicas de poder. Nos hace ver cómo una mujer como Bernarda se desenvuelve a sí misma con una figura tan imponente como la de Ramiro. Y entonces también se expone y critica lo que nosotros entendemos o vemos cómo lo que cuenta como experto”. 

Ambas están de acuerdo que la llegada del streaming es lo que les dio la oportunidad de desarrollar a los personajes de Horario Estelar. De acuerdo con Dominika, que tiene una amplia carrera en la industria del cine y las series, nos comentó que “es gratificante ver cómo cambian los tiempos, cómo se adecúan las historias, cómo cada vez le podemos dedicar más tiempo a un mismo personaje, una misma historia. Poder explorar todos estos temas con total libertad es muy gratificante”. 

Y para Velden, quien también está comenzando a dar grandes pasos como productora, asegura que “el streaming ha abierto las puertas a muchos/as creadores jóvenes, nos ha dado oportunidad de contar historias que tal vez medios más tradicionales no les interesa o no pueden contar. Y ahora, en mi caso, es emocionante ver a dónde puedo llegar, con mi equipo, para seguir expandiendo y representando las narrativas  sus historias. 

Horario Estelar cuenta con 10 episodios y los pueden ver en su totalidad a través de Star+. 

¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán una oportunidad a Horario Estelar?

Darby and the Dead: ¿Por qué es una película tan sorprendente?

Platicamos con Asher Angel y Chosen Jacobs sobre cómo Darby and The Dead logra profundizar y cambiar el género de películas de adolescentes

Darby and The Dead no es una típica película de adolescentes. Aunque su trama puede parecer sencilla y muy conocida, el hecho de mezclar la comedia y el drama de una historia “coming-of-age”, la historia decide mezclar elementos sobrenaturales para darle un toque cínico y muy único. 

Aquí conocemos a Darby (Riele Dows) una chica con el poder de comunicarse con el más allá que desde siempre ha sido rechazada por sus compañeros/as de clase. A ella no le importa mucho ser popular, pero cuando Capri (Auli’l Cravalho) muere de una manera repentina y extraña, tendrá la misión de convertirse en una chica popular para poder cimentar el legado de Capri. 

La película es sencilla, divertida y con un humor negro bastante especial. Pero tal vez lo más interesante es cómo intenta subvertir los clichés del género, ya que utiliza tropos como “la chica popular”, “el capitán del equipo” o “el nerd” pero profundiza en sus personalidades y juega con las expectativas de la audiencia. 

Al respecto, tuvimos la oportunidad de platicar con Chosen Jacobs, quien interpreta a Alex, un chico muy nerd que se enamora de Darby; y con el gran Asher Angel, quien en esta ocasión interpreta a James, el capitán del equipo que era novio de Capri. Y nos contaron cómo Darby and The Dead no es otra típica película de adolescentes. 

Darby and The Dead
Copyright @ Fuera de Foco

¿Jugando con las expectativas de la audiencia? 

Desde que comienza la cinta, es imposible no sentir las similitudes con producciones como Mean Girls o Pushing Daisies, ya que Darby, a través de sus habilidades teniendo conexiones con fantasmas, comienza poco a poco a “infiltrarse” en el grupo de las personas populares, perdiendo un poco el sentido de quién es en realidad. 

Para Chosen Jacobs, esa fue una de las cosas que “le atrapó desde que leyó el guion por primera vez”, ya que de inmediato se enamoró de la idea de retomar temáticas y géneros muy conocidos para poder hacer algo diferente y presentarlo a la audiencia. 

“La belleza de Darby and The Dead es que juega con temas y personajes que todo el mundo ama de películas clásicas como Mean Girls o Sixteen Candles, pero les da un giro cool. Y no sólo por el aspecto de los fantasmas”. 

Chosen Jacobs, Fuera de Foco

Para Jacobs, era muy importante que la audiencia pudiera ver que “Estamos profundizando en personajes que pueden aparentar ser muy conocidos y que ya sabemos qué esperar de ellos” para que entonces podamos entenderlos desde otra perspectiva. 

En su caso, el personaje de Alex constantemente es criticado por sus gustos e intereses, como querer ser la mascota escolar. Y la forma en la que lo muestran como alguien despreocupado y seguro de sí mismo fue algo que le impresionó a Jacobs: Él [Alex] es un nerd orgulloso de serlo, de verdad muestra lo cool que puede ser tener tanta confianza en ti que puedes amar lo que te apasiona con honestidad. Habla de un amor propio muy grande que no vemos mucho en cine” aseguró. 

Darby and The Dead
Copyright @ 20th Century Studios

¿Qué hacer con la imagen que creamos de nosotros mismos? 

Un tema muy presente en Darby and The Dead es la idea de que uno puede crear y modificar la imagen que presenta al mundo sin que necesariamente sea toda la verdad sobre lo que somos. 

Gran parte de este tema está representado a través de James, el personaje de Asher Angel que, al principio de la película, Darby considera que es el típico capitán del equipo enamorado de su ego y de sus fiestas. Pero una vez que logra conocerlo a raíz de la muerte de Capri, descubre que es alguien totalmente diferente. 

“El no es solamente un deportista. Hay un montón de capas con él. Es la prueba de que una imagen no necesariamente representa la realidad, pero que hacemos constantemente tantas suposiciones que encasillamos a las personas y nosotros somos quienes no los sacamos de ahí. Justo como hizo Darby con James”. 

Asher Angel, Fuera de Foco

Angel nos explicó que “quedó sorprendido por la amabilidad, humildad y vulnerabilidad” porque de verdad “no siempre puedes interpretar un personaje que aparenta una cosa físicamente, pero una vez que lo conoces es otra”.

Con una historia graciosa y diferente, Darby and The Dead de verdad busca explorar a profundidad la necesidad de crear imágenes de nosotros mismos y encasillarnos en estereotipos, a pesar de que eso genera expectativas negativas. 

¡Ya pueden encontrar Darby and The Dead en Star+!

Darby and The Dead
Copyright @ 20th Century Studios

¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán una oportunidad a Darby and the Dead?