Robert Downey Jr. quiere mejorar Vértigo de Alfred Hitchcock

En este artículo: 

  • Robert Downey Jr. compartió algunas de las ideas que tiene para la nueva película de Vértigo que protagonizará y producirá. 
  • Asegura que la nueva tecnología le ayudará mucho a incluir ideas que Alfred Hitchcock dejó fuera del libro original. 
  • Por eso, cree que puede hacer “una mejor historia” de la que el legendario cineasta logró en 1958.

A principios de año se dio a conocer que Paramount Pictures adquirió los derechos de Vértigo, la película clásica de  Alfred Hitchcock, con la finalidad de realizar una nueva versión de la historia protagonizada y producida por Robert Downey Jr. 

Si bien en ese momento la industria se encuentra paralizada por las recientes huelgas de actores y guionistas, el desarrollo de la película sigue en pie y el actor le reveló a The New York Times que puede mejorar la historia del reconocido director, ya que apuesta a que la nueva tecnología le ayude a hacer cosas que no se pudieron hacer en otra época.

Robert Downey Jr
Copyright © Paramount Pictures

Robert Downey Jr tiene grandes planes para Vértigo 

La película clásica de Vértigo está basada en la novela francesa D’entre les morts, que sigue a un ex detective de policía que se convierte en investigador privado después de desarrollar un miedo extremo a las alturas y es contratado por un conocido para descubrir la verdad detrás de los extraños comportamientos de su esposa. 

La inquietante película de Hitchcock es considerada como una de sus obras maestras, pero Robert Downey Jr tiene importantes ambiciones con la nueva adaptación de la historia, ya que no solo tiene la intención de reunir un equipo excepcional que le permita rendirle un homenaje digno, sino también mejorar la historia original. 

“Ciertamente lo estamos investigando. En primer lugar, ¿quiénes serían nuestros socios en ella? Ámalos, respétalos.

En segundo lugar, permítanme volver a leer la sinopsis original. Pienso que podemos hacerlo mejor”. 

Robert Downey Jr

El actor explicó que realmente quiere transmitirle a los/as espectadores/as lo que siente una persona con vértigo ya que, personalmente, ha sido víctima de este trastorno. “He estado escalando antes y me quedé atascado en esa congelación de pánico, y si no fuera por la pura vergüenza, habría pedido que me bajaran de esa roca”,

explicó. “Perdí la confianza en mi posición, la caída estaba demasiado lejos, mi cuerpo reaccionó. No fue una reacción de lucha o huida, me quedé congelado y a punto de desmayarme”.

Luego de sufrir esta terrible experiencia, Robert Downey Jr se dio cuenta que podría ejemplificarla  perfectamente en la película a través de  dispositivos cinematográficos “que aún no se han utilizado del todo” y que aportarían mucho a la narrativa de la historia. “Creo que proporcionarían una experiencia al intentar decir: ¿Qué se siente al volverse psicológicamente tonto por el miedo a algo que debería ser manejable?”. Eso podría ser entretenido”.

Robert Downey Jr
IMAGEN: EMMA MCINTYRE/GETTY IMAGES

¿Robert Downey Jr logrará su objetivo?

El interés de Robert Downey Jr en recuperar esta sensación que provoca el vértigo, indica que no sólo desea rendir homenaje al filme original, sino también promoverlo de manera innovadora a través de las nuevas tecnologías que, en ese entonces, no existían. Sin embargo, esta no es la primera vez que los proyectos de Alfred Hitchcock han sido readaptadas a lo largo de los años y terminaron siendo un fracaso. 

Una de las más populares fue la nueva versión de Psicosis (1960) cuyo remake estuvo a cargo de Gus Van Sant en 1998, quien tenía la intención de regrabar la cinta original copiando casi plano a plano de su contenido, pero filmada a color y utilizando nueva tecnología, pero aún así no funcionó. Esto nos podría indicar que aunque  Downey Jr quiere innovar un poco la historia, existe la posibilidad de que el público la rechace.

No obstante, esta nueva versión está en buenas manos luego de contratar al creador de Peaky Blinders, Steven Knight, para escribir el guion, un artista que tiene experiencia en tramas de thriller y misterio. Por ahora, solo queda esperar para más noticias sobre el desarrollo de la película.

Robert Downey Jr
Copyright © Paramount Pictures

Misántropo: ¿Cómo retrata el más grande problema de EE.UU?

Misántropo (To Catch a Killer) es la nueva película en donde Shailene Woodley (Divergent, The Fault in Our Stars) interpreta a Eleanor Falco, una oficial de policía que fue rechazada por el FBI y que ahora tiene como misión atrapar a un asesino al que se le imputan una serie de asesinatos en masa, aunque no tienen ningún tipo de intención o relación entre sí. 

Ante la incertidumbre del caso, el oficial Lammarck (Ben Mendelsohn) hace equipo con Falco para intentar entender al asesino. El thriller, poco a poco, se va construyendo como una sátira al sistema de justicia estadounidense, que tiende a crear perfiles basándose únicamente en estereotipos de raza o de religión. 

Pero gracias a la figura de Falco, el thriller también se convierte en algo más: una exploración de un tipo muy particular de terrorista que desde hace años es un gran problema para el país estadounidense: el terroismo hecho por un “lobo solitario”. 

Misántropo
Copyright @ Diamond Films

¿Qué es un “Lobo Solitario” y cómo lo representa Misántropo? 

El gran villano de Misántropo se caracteriza por asesinar a muchas personas de manera eficiente, rápida y a sangre fría. Pero no toma crédito por sus actos, tampoco deja pistas, no busca ser encontrado. Sus actos parecen muy aleatorios, sin motivo, y eso complica mucho que Falco y Lammarck puedan construir un perfil del asesino. 

Conforme van desentrañando pistas, todo parece indicar que se trata de “un lobo solitario”, término utilizado recientemente para describir a las personas en Estados Unidos que cometen tiroteos en masa sin ninguna razón aparente, que causan terror, son a gran escala, pero no son hechos por ninguna organización terrorista.

Muchas personas hemos escuchado sobre el problema de tiroteos que hay en Estados Unidos. Desde el ataque durante una premiere de The Dark Knight, hasta la masacre de Columbine, este problema ha ido en aumento, al grado en el que ya se considera una epidemia en el país. Y tan solo en 2023, se han reportado 351 tiroteos masivos en suelo estadounidense. 

Misántropo busca dilucidar un poco las raíces del problema, señalando las ineficiencias y la corrupción del sistema como grandes motores. El asesino resulta ser un veterano de guerra, solitario, sin expectativas de vida, con pocas oportunidades laborales y poco acceso a cuidados de salud mental. Aunque del otro extremo de la balanza, comparte muchas cosas con Falco, quien además de tener problemas de ira, tiene que lidiar con el sexismo y la misoginia del departamento de policía. 

Misántropo entra entonces en la categoría de películas como We Need to Talk About Kevin, en donde la historia gira en torno a entender el origen de un perfil así. The Crowded Room, la serie de Tom Holland para Apple TV+, también toca el tema de estas personas (usualmente hombres) y sus razones para sentir tanta ira al estar desprotegidos por el sistema.

Pero más allá de delinear el perfil del criminal para entender sus motivaciones, Misántropo también propone una mirada empática hacia ellos, una que no los trate como simple estadística, y eso es algo que no se ve mucho en las historias del género. 

Misántropo
Copyright @ Diamond Films

¿Por qué Misántropo aboga por la empatía? 

Al sentirse desamparada por el sistema, la figura de Falco en un momento logra dialogar con el asesino y trata de debatir con él sobre sus motivaciones. Las cosas salen mal, porque el sistema en el que están nunca logrará hacerle justicia al lado humano de estos criminales. 

La tesis de Misántropo, entonces, es interesante porque aboga a que estos criminales lo que necesitan es empatía y cariño, cosa que se ha discutido desde que se comenzaron a crear estadísticas más contundentes sobre el perfil de estas personas. 

Y es que, desde que se ha popularizado el término “incel” (involuntary celibate o “célibe involuntario”) en foros de internet, lugar donde muchas veces quienes terminan provocando asesinatos masivos expresan su deseo por cometer tales actos o incluso postean sobre su experiencia, poco a poco ha salido cada vez más información sobre los problemas demográficos que atraviesan estas personas, como problemas de salud mental, inestabilidad económica, noticias falsas y teorías de conspiración.

La primera temporada de The Boys justo representa cómo la radicalización en internet puede llevar a cometer actos violentos. Y en 2018, se reveló que uno de los perpetradores de un tiroteo en una clase de Yoga había posteado mucho sobre su odio hacia las mujeres y el poder que tenían sobre los hombres actualmente. 

El tema es sumamente complejo, y en Misántropo buscan contrastarlo con el cliché de la búsqueda de un terrorista racializado, pero más allá de eso, el personaje de Falco también se presenta como una forma alternativa de entender la justicia: una que busca comprender las fallas sistémicas que llevaron a un individuo a tomar esas decisiones, y cómo muchas veces la empatía y la calma son mejores armas para intentar dialogar con ellos. 

Misántropo es una historia que trastabilla con sus ambiciones, pero sin duda es un relato que busca abrir la conversación sobre este tipo de temas. Y especialmente, el rol que juega el sistema de justicia promoviendo estas conductas criminales. 

Misántropo
Copyright @ Diamond Films

Horario Estelar: ¿Refleja los Problemas del periodismo?

Horario Estelar es una nueva serie de suspenso que estrena el 15 de febrero por Star+. Teniendo a Óscar Jaenada como protagonista, cuenta cómo Ramiro del Solar, un prominente periodista de investigación en México, termina involucrado en un intenso crimen y hará todo para limpiar su imagen. 

Pero de acuerdo a lo que nos contó Jaenada, “la serie es toda una deconstrucción sobre qué es y quién tiene la verdad, en realidad. Y cómo no puedes confiar siempre en todo lo que te dicen, especialmente ahora con el flujo de información que hay”. Y es que la serie, además de ser un thriller, también hace comentarios muy duros sobre el periodismo. 

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Óscar Jaenada, Dominika Paleta y Ela Velden, quienes nos explicaron cómo se prepararon para crear la historia de Horario Estelar y por qué puede ser muy relevante para nuestros tiempos.

Horario Estelar
Imagen cortesía de: Star+

¿Cómo ser más críticos/as del periodismo? 

“La verdad, hace mucho tiempo dejé de ver y consumir noticias en mi país” nos comentó Jaenada en entrevista. “Es que luego luego se les ve de qué pata cojean, se les ve la insignia. Eso pasa mucho con el periodismo y la información de ahora, corre tan rápido que ya no hay contenido, sólo tendencias, recibes sólo la política”. 

Jaenada nos comenta que ese es un problema muy serio que sucede en todo el mundo, ya que “ya no es una fuente de información, se vuelve un Big Brother”. Y al respecto, Dominika Paleta comentó en conferencia de prensa que “es aterrador darnos cuenta que las noticias globales las dominan unas 3 compañías. Ellas están creando las narrativas, ellas te dicen qué es la verdad. ¿Y nosotros? Tenemos que creerles”. 

Por eso, una de las cosas que más le interesaba explorar a Jaenada con su personaje de Horario Estelar, era la idea de que se pueden cuestionar a “los/as expertos/as”. 

“Tener una plataforma no te hace necesariamente una eminencia ni te hace ser el único poseedor de la verdad. Tan solo con Ramiro, que se pinta las canas, que en televisión tiene un acento perfectamente mexicano pero en su casa habla como español. Ahí ya te está mostrando que miente, que esconde cosas. 

No me había puesto a pensar en mi responsabilidad con mi plataforma, pero es interesante verlo desde los ojos de Ramiro, porque pone en perspectiva el poder que te da ser escuchado”. 

Óscar Jaenada, Fuera de Foco
Horario Estelar
Imagen cortesía de: Star+

¿Es un cambio generacional? 

En Horario Estelar, el personaje de Jaenada es cuestionado por su propia hija: Jimena (Ela Velden) una chica que está comenzando su carrera periodística y cuya visión choca mucho con la de su padre, no sólo porque ya es una mujer joven que creció con nuevas tecnologías, sino porque también la forma en la que entiende la verdad y la presenta es muy diferente. 

“Esta [Horario Estelar] es una historia muy feminista” nos contó Velden. “Representa también la llegada de las nuevas generaciones y las nuevas temáticas que nos aquejan como sociedad, como generación. Creo que es una buena representación de la Generación Z y un poco la millennial”. 

Dominika Paleta, quien en la historia interpreta a Bernarda, una prolífica escritora que es la esposa de Ramiro, complementó la respuesta de Velden diciéndonos que “esta es una historia muy interesante porque sí pone dinámicas de poder. Nos hace ver cómo una mujer como Bernarda se desenvuelve a sí misma con una figura tan imponente como la de Ramiro. Y entonces también se expone y critica lo que nosotros entendemos o vemos cómo lo que cuenta como experto”. 

Ambas están de acuerdo que la llegada del streaming es lo que les dio la oportunidad de desarrollar a los personajes de Horario Estelar. De acuerdo con Dominika, que tiene una amplia carrera en la industria del cine y las series, nos comentó que “es gratificante ver cómo cambian los tiempos, cómo se adecúan las historias, cómo cada vez le podemos dedicar más tiempo a un mismo personaje, una misma historia. Poder explorar todos estos temas con total libertad es muy gratificante”. 

Y para Velden, quien también está comenzando a dar grandes pasos como productora, asegura que “el streaming ha abierto las puertas a muchos/as creadores jóvenes, nos ha dado oportunidad de contar historias que tal vez medios más tradicionales no les interesa o no pueden contar. Y ahora, en mi caso, es emocionante ver a dónde puedo llegar, con mi equipo, para seguir expandiendo y representando las narrativas  sus historias. 

Horario Estelar cuenta con 10 episodios y los pueden ver en su totalidad a través de Star+. 

¿Qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán una oportunidad a Horario Estelar?

La Rebelión: ¿Un thriller como pocos en México?

Platicamos con Manuel Villegas sobre su participación en La Rebelión, un nuevo thriller de Vix+

La Rebelión gira en torno a cuatro mujeres aparentemente felizmente casadas que de repente desaparecen de sus hogares debido a sus matrimonios fallidos y vidas que no resultaron como habían soñado. Sin embrago, irse tendrá sus riesgos y las protagonistas estarán unidas para siempre entre sí, no solo por su viaje sino por un inesperado asesinato en donde se verán involucradas. 

La serie cuenta con un impactante elenco clave conformado por Aracely Arámbula, la chilena Daniela Vega; protagonista de la ganadora del Premio de la Academia Una Mujer Fantástica, Ana Serradilla y Adriana Paz. En Fuera de Foco platicamos con Manuel Villegas, quien interpreta a Diego, el hijo de Vega, un joven noble que se verá involucrado en el asesinato.

Villegas ha participado en producciones como La Civil, Todo por Nada y Lotería del Crimen. Sin embargo, considera que su participación en La Rebelión, ha sido uno de los más importantes en su carrera gracias a que lo retó a prepararse e incursionar en el género del Thriller. “Creo que este personaje me permitió conocer a otras partes que no conocía de mi mismo y tocar otra zona de mí”.  Asimismo, nos comentó que la serie llega a entretener e impactar al publico porque en algún momento de la vida hemos querido empecer desde cero.

La Rebelión

Los retos de hacer La Rebelión

Para Manuel Villegas, La Rebelión, es un programa que ejemplifica cómo los seres humanos solemos tener vidas cotidianas e ideamos formas de escapar de ella, ya sea para salvarnos a nosotros/as mismos/as o reconstruir nuestras relaciones personales, como hacen las protagonistas de La Rebelión. “Se hartan porque no eran lo que querían para ellas y deciden desaparecer”. Sin embargo, considera que su personaje sufre por la pérdida de su madre y no estará tranquilo hasta encontrarla. “No han logrado comunicarse con ellas y él es muy bueno en cuestiones de tecnología y entonces empieza a buscar pistas y demás”. 

Esto lo llevará a involucrarse en un problema judicial que cambiará su vida para siempre puesto que si confiesa los verdaderos hechos, podría afectar a gente cercana. “Para mí fue difícil porque pocas veces en la vida estamos involucrados en este tipo de situaciones, entonces era difícil contactar esa emoción de algo que no he vivido”, agregó el actor.

La Rebelión

Una historia que pocas veces se cuenta en México

Al examinar el lado oscuro de las vidas aparentemente perfectas de cuatro personajes que ignoran los secretos de las personas con las que viven y a quienes creen conocer, el programa se centra en aspectos identificables de la experiencia humana: matrimonio, libertad, maternidad, patriarcado, amistades y construcciones sociales, temas que sin duda podrán resonar en el público. “Es una historia original y diferente creo que está muy bien realizada y existen pocos thriller mexicanos y este es de buena calidad”, explicó Villegas. 

La serie se suma a la lista de series originales de VIX+, una de las recientes plataformas de habla hispana que impulsará producciones internacionales y grandes estrellas latinas, un hecho que agrade Villegas puesto que estas oportunidades lograr una mayor calidad de contenido en Latinoamérica. “Antes, desarrollarte como actor dependía de mucho menos de ti y de tu talento. Ahora tiene la oportunidad de abrirte más puertas, creo que la plataformas dan oportunidad a más talentos preparados”.

La Rebelión se encuentra disponible en VIX +
La Rebelión

¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

Aquellos que desean mi muerte: ¡Lo nuevo de Angelina Jolie!

Aquellos que desean mi muerte es un thriller protagonizado por Angelina Jolie, ¿Vale la pena verlo?

Aquellos que desean mi muerte es un thriller dirigido por Taylor Sheridan (guionista de Sicario), el cual esta protagonizado por un llamativo elenco, en el cual podemos encontrar a: Angelina Jolie, Jon Bernthal, Aidan Guillen y Nicholas Hoult, quienes participan en una historia que pareciera llena de adrenalina y emociones, pero en realidad adopta un ritmo calmado semejante al de la cotidianidad, el cual termina por mermar el potencial de la historia.

Pero permítanme contarles a detalle todo lo que podrán encontrar en Aquellos que desean mi muerte.

Aquellos que desean mi muerte

Buscando en quien confiar 

La historia del filme gira en torno a un asesor fiscal que ha descubierto información que no debería, y ahora junto a su hijo Connor (Finn Little), son perseguidos por dos peligrosos asesinos. Tras un trágico acontecimiento, será responsabilidad del chico llevar los datos encontrados por su padre, a un medio de comunicación para que estos difundidos. 

Pero no estará solo, pues en los imponentes paisajes de Montana se encontrará con Hannah (Angelina Jolie), una bombera encargada de vigilar los bosques, y quien con tal de ayudar, tendrá que vencer un trauma del pasado relacionado al peligroso incendio forestal que se cruzará en el camino. 

Aquellos que desean mi muerte

¿Le faltó intensidad al incendio?

La cinta tiene elementos que se pudieron explotar más: comenzando por las actuaciones, y terminando con lo que pudo ser un digno homenaje a los bomberos, quienes arriesgan su vida por atender desastres naturales relacionados a incendios, luchando contra las llamas para intentar preservar la naturaleza. Aunque se entiende que no es lo central en la trama, hubiera sido fascinante una secuencia de estos héroes contra el devastador incendio. 

Las secuencias de acción no son las que estamos acostumbrados/as a ver en el género, pero de igual forma se disfrutan por la manera en que son manejadas, mérito de los dos despiadados perseguidores interpretados por: Aidan Guillen y Nicholas Hoult. Lamentablemente su contraparte que es Jon Bernthal -quien da vida a un experimentado policía-, no tiene esa presencia, aunque hace un buen trabajo en los momentos que aparece en pantalla. 

En este aspecto la dupla entre Angelina y Finn funciona bastante bien, destacando una escena en la que conectan a nivel emocional tras contarse aquella parte del pasado que les marcó. Aunque para ellos el ritmo calmado de la película juega a favor, generando una sensación de inquietud sobre posibles peligros, esto suele cortar el desarrollo de los hechos en la trama. 

El final esta lleno de sucesos: con un abrumador fuego que termina con todo a su paso, se lleva a cabo la última lucha por la supervivencia. Medina Senghore, quien interpreta a la esposa del policía, toma más de protagonismo y se añade a la batalla. 

Visualmente el largometraje apuesta por un paisaje imponente, dominado por el naranja del fuego, y la oscuridad de un bosque bajo la penumbra de la noche, lo que le permite al relato, obtener un desenlace adecuado y entretenido, compensando la falta de acción a lo largo de la narrativa.

Aquellos que desean mi muerte

En conclusión… 

La trama puede llegar a sentirse dispersa, ya que deja algunos cabos al aire. Las actuaciones tienen sus altibajos, al igual que los momentos de mayor importancia, los cuales podrían ser buenos para algunos, mientras para otros les resulten tediosos. Aunque los efectos del fuego en el incendio forestal, generan un escenario inmejorable para el final.

A pesar de contar con algunos clichés y ser un tanto predecible, no llega a ser del todo una película mala, pero es verdad que algo le hace falta.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Aquellos que desean mi muerte

Las 7 películas del 23º Tour de Cine Francés

El Tour de Cine Francés es un festival de cine que reúne los mejores largometrajes galos contemporáneos. Este gran evento del séptimo arte que se encuentra celebrando su edición número 23, trae siete películas que proyectará a lo largo de 73 ciudades de México, Centro y Sudamérica.

Aquí en Fuera de Foco te compartimos la Selección Oficial del 23º Tour de Cine Francés que estará en México del 6 de septiembre al 17 de octubre:


Amanda (2018)

Dirigida por: Mikhaël Hers 

Duración: 107 minutos

David tiene veinticuatro años y disfruta plenamente de su libertad. Se gana la vida con pequeños trabajos y evita tomar decisiones que lo comprometan. Es solitario y soñador hasta que conoce a Lena, su nueva vecina. Su vida transcurre normalmente hasta que su hermana muere en un atentado en París. David se ve entonces confrontado brutalmente a la realidad pues es la única persona que puede hacerse cargo de Amanda, su sobrina de siete años.


Blanca como la nieve (2019)

Dirigida por: Anne Fontaine

Duración: 112 minutos

Claire, una hermosa joven, trabaja en el hotel de su padre fallecido que ahora es administrado por su malvada madrastra, Maud. Carcomida por los celos al darse cuenta que su amante se está enamorando de Claire, planea la muerte de su hijastra. Salvada por un hombre misterioso que la lleva a vivir a su granja, Claire decide quedarse a vivir en el pueblo despertando la curiosidad de sus habitantes. Siete de ellos caerán rendidos ante su belleza, lo que significará para Claire el comienzo de la emancipación carnal y sentimental.


Edmond (2019)

Dirigida por: Alexis Michalik

Duración: 112 minutos

París, diciembre de 1897. El joven poeta Edmond Rostand, aún no cumple treinta años pero ya tiene dos hijos y muchos problemas pues no ha escrito nada en dos años. Desesperado le ofrece al actor Constant Coquelin una nueva obra: una comedia heroica escrita en verso para su estreno en navidad. El único problema es que aún no la escribe. A pesar de los caprichos de las actrices, de los requerimientos de los productores  y de los celos de su esposa, Edmond empieza a escribir esta obra en la que nadie cree. Por el momento sólo tiene algunos versos y el título: “Cyrano de Bergerac”.


El misterio del Sr. Pick (2019)

Dirigida por: Rémi Bezaçon

Duración: 100 minutos

En una biblioteca de Bretaña, una joven editora descubre un manuscrito extraordinario que decide publicar. La novela fue escrita por el enigmático Henri Pick, un pizzero de la zona que murió dos años antes del descubrimiento. La viuda de Henri le cuenta que él no leyó ni un sólo libro en toda su vida y que lo único que escribía era la lista de compras diarias. Aún así la novela se convierte en un rotundo éxito, lo que despierta las sospechas de un famoso crítico literario que decide comenzar una investigación al respecto.


En buenas manos (2018)

Dirigida por: Jeanne Herry 

Duración: 110 minutos

Théo acaba de nacer. Después de dar a luz, su madre biológica lo entrega a un programa de adopción, dentro del cual tiene dos meses para cambiar de opinión. Los servicios de ayuda social y de adopción se ponen en marcha: unos deben encargarse del bebé en esta fase de incertidumbre, los otros deben encontrar a la que se convertirá en su madre adoptiva. Se llama Alice y lleva casi diez años luchando por ser madre.


Mi niña (2019)

Dirigida por: Lisa Azuelos

Duración: 85 minutos

Héloïse es una madre divorciada con tres hijos. Jade, su hija más pequeña, acaba de cumplir 18 años y está a punto de abandonar el nido para continuar sus estudios en Canadá. Conforme se acerca la despedida, y con el estrés que esto implica, Héloïse trata a toda costa de generar recuerdos grabando los últimos instantes de su hija en el hogar materno.


Un amor a segunda vista (2019)

Dirigida por: Hugo Gélin

Duración: 117 minutos

Raphaël es un exitoso escritor felizmente casado con Olivia, una pianista que puso su carrera en segundo plano para estar con su marido. Después de una fuerte pelea entre la pareja, Raphaël se despierta en una vida paralela en la que no está casado con Olivia y él es un simple maestro de secundaria. Al darse cuenta que su mujer lo era todo para él, tratará de reconquistar al amor de su vida que se volvió una perfecta desconocida.


El 23º Tour de Cine Francés se llevará a cabo de septiembre a octubre de este año en varias ciudades de Latinoamérica, con una duración de 2 semanas en cada una de ellas.

 

La Maldición: ¿En qué falló?

Esta semana se estrena La Maldición (I still see you) y debo decirles que me ha sorprendido muchísimo. Cuando escuché el título por primera vez pensé que sería una película de terror del montón, pero no fue ni una película de terror ni una película común. Sin embargo, tampoco es una película perfecta. Por ello, me he dado la misión de averiguar cuáles son los puntos en que acertó y en que falló esta cinta.


¿Película sin género?

A pesar del título en español de la cinta, ésta no es una película de terror. Sin embargo, tampoco me atrevería a encajarla en un solo género debido a la complejidad de la historia que nos tratan de contar. En ella, vemos un mundo que ha sido arrasado por un accidente similar a los nucleares y que mató a miles de personas. La diferencia es que, a raíz de eso, se han quedado una especie de rastros u hologramas de las personas muertas que aparecen haciendo diversas acciones día a día a manera de bucle. Por ello, los que han quedado con vida deben aprender a convivir con estos rastros de sus familiares y amigos muertos.

Los fantasmas en La maldición vagan a sus anchas por un mundo desolado debido una catástrofe desconocida que tuvo lugar hace una década. Un día, Roni (Thorne) recibe un mensaje del más allá que enciende todas las alarmas: su vida corre peligro. Con la ayuda de un misterioso compañero de clase, Kirk, Roni desciende a un mundo de sombras en el que es difícil separar la realidad de la imaginación.


Escenas explicativas

Lo que llama la atención de la cinta son sus primeras secuencias. En ellas vemos escenas de clases escolares en la que un profesor nos cuenta cómo fue que el accidente ocurrió y cómo es el mundo ahora. Esos primeros minutos se sienten como si de verdad estuvieras en una clase. La información no se recibe de forma natural, se siente como un bombardeo de datos que tienes que aprender para poder comprender la cinta porque, si no lo haces, estarás perdido durante la próxima hora. Sin embargo, una vez que pasamos esos primeros minutos, la historia fluye de forma mucho más natural y nos centramos en lo que le ocurre a los personajes principales.


Personajes planos

Creo que la mitología del mundo que nos presentan en La Maldición es bastante original e interesante, pero pierde un poco de fuerza debido a sus personajes. Tenemos como protagonistas a Roni (Bella Thorne) y Kirk (Richard Harmon), quienes no llegan a ser personajes tridimensionales con miedos, fortalezas, motivaciones claras ni objetivos fijos. Ambos necesitan tener una escala de tonalidades mucho más amplia que la que nos presenta la película. Nunca los vemos como personas reales que están sufriendo y que buscan un buen desenlace. Se sienten como personajes que están vagando a través de la historia para descubrir qué les puede suceder, pero no tienen un rumbo claro hasta la tercera parte de la cinta.


Sólo me resta decir que La maldición es una cinta que no se define en sí misma, que busca abarcar diversos temas y géneros, pero que no puede lograrlo en los 90 minutos de duración que tiene. Sin embargo, también es interesante verla y estoy segura que será mucho más genial poder leer la novela Break my heart 1000 times de Daniel Waters, de la que es adaptación.

Y sí, yo también estoy impresionada por todas las malas traducciones que ha tenido esta adaptación desde el título del libro, pasando por el título original de la película, hasta el título en español.


¿Qué piensan de La maldición, cinéfilos? ¿Qué otros puntos añadirían a esta lista de fallos?

 

BAD TIMES AT EL ROYALE

Tener un reparto de alto calibre, puede representar más un reto que una ventaja.

Drew Goddard, escritor de series como Buffy (1997-2003), Angel (1999-2004) y Alias (2001-2006), dirige su segundo largometraje acompañado de rostros muy familiares. En una cinta clásica de atracos, nos transporta a la década de los 70 situándonos en un emblemático hotel entre California y Nevada.

¿De qué se trata?

En el otrora famoso y concurrido hotel El Royale, llegan a hospedarse 4 desconocidos con muchos secretos en el armario.

Recibidos por el tímido y atormentado Milles (Pullman), un vendedor de aspiradoras (Hamm), una cantante (Erivo) y un sacerdote (Bridges) hacen check-in en el mostrador; a la par, una hippie (Johnson) llega de último para alquilar la habitación más sencilla del hotel.

Cada quien con sus asuntos particulares comienzan a desempacar en sus respectivas habitaciones. Mientras, a modo de flashbacks, veremos los motivos por los que llegaron a El Royale.

Todo se complica cuando las verdaderas identidades salen a flote y las intenciones de cada uno se obstruyen entre sí.

El bondadoso padre Flynn es un experimentado asaltabancos, el insufrible vendedor es un honorable agente federal, la chica rebelde es una temeraria vengadora y, al parecer, sólo Darleen (la cantante) está en el momento y lugar equivocados. Hasta el tímido Milles esconde más secretos de los que aparenta.

Todo se conjuga para que, al final, un carismático pero sanguinario Chris Hemsworth llegue para reclamar lo que es suyo y convierta el hotel en un verdadero infierno.

Lo bueno…

Bad times at El Royale es muy entretenida. Las actuaciones, en general, son bastante efectivas. Destaca la experiencia de Jeff Bridges, que de la escena más pequeña, puede llenar la pantalla con dos o tres frases.

Tiene buen ritmo, de hecho, me recordó bastante a Smoking Aces (Joe Carnahan, 2006) tanto por la trama, como por los giros de tuerca y revelaciones que se van haciendo a lo largo de la cinta.

La cinta logra mantener el interés del espectador. A pesar de caerse por minutos, logra enganchar de nuevo justo en el momento adecuado.

Lo malo…

Es imposible no hacer la comparación con los trabajos de Tarantino; la música, la estética, algunos diálogos, el reparto multiestelar. Lamentablemente para Goddard, la película se queda como un buen intento nada más.

Donde se hace más notoria la falta de experiencia del director, es en el balance que tuvo que hacer con tantas estrellas. No logra sacarles jugo a todos y es una lástima.

Al ser el director y escritor pudo conjugar estos aspectos, pero pierde la oportunidad en varios momentos de la historia; ahonda demasiado en partes de los personajes que resultan irrelevantes y en el arco final resuelve de manera apresurada el clímax de la cinta.

En conclusión…

En Malos tiempos en el Royale, nos encontramos con una buena historia de atracos y secretos. Pero a pesar de sus dos horas y media de duración y la edición por capítulos al estilo Tarantino, queda de alguna manera inconclusa.

Los cabos sueltos son de temas demasiado mencionados y que, como espectador, te dejan ansiando una resolución. Por otro lado, las temáticas principales se resuelven de manera muy simple y el desenlace se siente forzado.

Sin embargo, es una buena opción para pasar una buena noche de películas.

BLACKKKLANSMAN

Inspirada en hechos reales, la nueva película de Spike Lee es brutal, honesta y sumamente entretenida.

Producida por Jordan Peele (Get Out!, 2017) y basada en la novela autobiográfica de Ron Stallworth, el viaje a los 70  que vemos en Blackkklansman sirve como denuncia social a un problema que, lamentablemente, sigue vigente.

¿De qué se trata?

Situado en Colorado Springs, el novato Ron Stallworth (Washington) llega a su primer día de trabajo en la policía local. Al ser el único oficial afroamericano, la situación es rutinariamente tensa.

Como si fuera un premio y con desdén a la vez, después de un tiempo recluido en la burocracia, Stallworth es promovido al área de inteligencia. Un día en la oficina, ve un clasificado del Ku Klux Klan al que decide llamar.

La situación no podría ser más irónica. Del otro lado de la línea, el reclutador de “La Organización” queda embelesado por el falso discurso de odio que Ron inventa sobre la marcha. Es tanto el encanto que genera que no pueden esperar a conocerlo en persona.

Convenciendo a su capitán y a su compañero Flip (Driver) de jugar como agentes dobles, les autorizan la operación de infiltrarse al KKK. Ron será encargado de mantener las comunicaciones por teléfono y Flip actuará como Ron cuando sea necesario dar la cara.

Paralelamente, Ron frecuenta a Patrice (Harrier), afín a las ideas de las Panteras negras, con quien discute los problemas del racismo y la opresión. Ambos hablan sobre cómo los prejuicios e ideologías están perfilando una inminente guerra civil.

En Blackkklansman Spike Lee nos presentará las motivaciones y puntos de vista de ambos grupos con una narrativa cruda, que en varios momentos resulta hasta incómoda. Persuadidos de que los planes del KKK irán más allá de quemar cruces, Ron y Flip seguirán hasta las últimas consecuencias su singular investigación.

Recepción e impacto social…

La cinta ya ha dado mucho de qué hablar. No sólo por la nominación al Oscar que se avizora para Washington, sino por la polémica que puede desatar. Y es que la advertencia que sale al inicio no es mentira: Blackkklansman está “basada en una, de verdad, verdadera, real mie%$@”

La historia es tan disparatada, irónica y emblemática que sobrepasa cualquier guion de los hermanos Coen. Llevar a cabo este proyecto en estos tiempos no fue coincidencia; es, más bien, una manifestación contra los discursos de odio en su totalidad.

El montaje final es estremecedor. Tiene como preámbulo la historia del linchamiento de Jesse Washington, intercalada con flashes de la iniciación de miembros del KKK, mientras proyectan la clásica The birth of a Nation (D. W. Griffith, 1915). El ritmo y la edición, con el sello inconfundible de Spike Lee, son impecables. El soundtrack es genial y los diálogos son tan agudos que no puedes dejar de prestar atención un segundo.

En cuanto corrieron los créditos, la metí en mi top 5 de 2018. Es una historia poderosa, entretenida y con mucho peso. Las actuaciones son excelentes y el guion, impecable.

La distribución estará un poco sesgada, pero si tienes suerte de verla en tu cartelera más cercana ¡no te la puedes perder!

The Girl in the Spider´s Web

En las calles de Suecia, existe una heroína que defiende a las mujeres agredidas por hombres. Sus métodos son poco ortodoxos, pero la gratitud de las víctimas es innegable. Ella es Lisbeth Salander (Claire Foy), la protagonista de The girl in the spider’s web (aka La chica en la telaraña), quien prefiere vivir alejada del radar de las autoridades.

Además de justiciera, Lisbeth es también una hábil hacker y siempre está a la espera de nuevos retos. Por eso, cuando un ex agente de la Agencia de Seguridad Nacional en Estados Unidos le pide recuperar un programa que él creó, pero al cual ya no tiene acceso; ella decide aceptar la misión sin saber que le traerá más problemas de los que imaginó; empezando por el hecho de que deberá reencontrarse con gran parte de su pasado.

Mejor lean el libro…¿o no?

En 2011, David Fincher empezó a contar esta historia con la excelente película La chica del dragón tatuado. Para la segunda parte, surgieron varios problemas que ocasionaron como varios cambios. Entre ellos, Fede Álvarez entró como nuevo director y Claire Foy como protagonista.

¿Cuál fue el resultado de estas modificaciones? The girl in the spider’s web quedó como una de esas grandes producciones que sólo se hacen con la intención de mantener una franquicia viva y ganar algo de dinero en el camino.

Hay una escena en la que Salander y Blomkvist (Sverrir Gudnason) mencionan que llevan 3 años sin verse, pero nunca ahondan en esto. ¿Por qué? ¿No merecía la audiencia conocer la razón de este alejamiento? Si lo mencionan, debe ser importante para la trama, ¿cierto? ¿Para qué traerlo a colación si no va a hacer nada por el desarrollo de la historia o los personajes? Ésta es solo una de las inconsistencias que llenan el resto de la película, junto con clichés del género, lo que me hace dudar de la calidad no sólo de la cinta, sino del material original: el cuarto libro de la saga Millenium, escrito ya no por Stieg Larsson, quien falleción en 2004, sino por David Lagercrantz.

Una versión deslavada de Salander

Sin comparar esta cinta con la de Fincher, lo que ciertamente sería muy injusto, en The girl in the spider’s web el personaje y las motivaciones de Salander son traicionados una y otra vez a lo largo de toda la historia. Sigue siendo una chica fuerte, pero no la vemos tomando decisiones crudas con frialdad, actitud que atraía, o repelía, a quienes la conocían por primera vez.

Por desgracia, el pobre desarrollo de Lisbeth es el menor de los problemas. El tráiler nos cuenta, sin ninguna sutileza, quién es el villano a vencer. La cinta lo deja también muy claro desde el principio. El problema es que, entonces, si el misterio no es descubrir a quién se persigue, debería ponerse énfasis en cómo se logrará derrotarlo. Es decir, debería haber sido una película con mucha acción.

Pero La chica de en la telaraña no es eso. Ninguna de las secuencias (una de ellas bastante inverosímil) llega a levantar el ánimo tedioso de la cinta. Para ser un (intento de) thriller, nunca se siente temor por el villano ni empatía por apoyar a los héroes. Claire Foy hace lo que puede con ese guión, pero no llega a convencer por completo como Salander.


Díganme, cinéfilos,¿ustedes conocían a este personaje?, ¿han visto alguna de las películas anteriores o leído los libros? Me gustaría saber su opinión en los comentarios.

GREEN ROOM

El tercer largometraje de Jeremy Sauliner está lleno de tensión y una estética impecable para el género de horror.

Ahora disponible en “agregados recientemente” de Netflix, puedes disfrutar de esta cinta que te tendrá al borde del asiento.

La premisa es básica y casi tomada del encabezado de la nota roja. La habitación verde, se desenvuelve con un dinamismo y autenticidad que resalta el miedo de sus protagonistas.

¿De qué se trata?

Embarcados en un tour por la costa oeste de E.U. una banda de punk trata de conseguir nuevos shows. La suerte no les favorece; la dura rutina de estar de gira, los tiene hambrientos y cansados.

Después de su última desilusión en Oregon, el organizador del evento les promete un mejor foro. Así, en la espesura del bosque, llegan al bar donde abrirían un show.

Bajo la advertencia de que el lugar era frecuentado por neo-nazis de la región, la banda acepta el trato. La necesidad de conseguir algo de dinero para terminar la gira es más grande.

Así, convencidos de que sólo tocarían y se irían, se preparan para salir al escenario. La audiencia no esconde sus preferencias extremistas, pero logran terminar la presentación sin inconvenientes.

Apresurados y motivados por su pago, alistan sus cosas para salir lo más pronto posible. Ya con un pie fuera del recinto, regresan por el celular de la guitarrista, que olvidó conectado en el camerino.

Para horror de todos, cuando Pat (Yelchin) entra sin tocar la puerta, descubre que la banda estelar había asesinado a una chica. El caos explota y a partir de ese momento, comienza una espiral de violencia fuera de serie.

Los empleados, la banda asesina y varios asistentes, tratarán de que “el incidente” (y sus testigos) no crucen las puertas del bar. Desesperados y con pocos recursos a su favor; la banda y la mejor amiga de la chica muerta (Poots), tratan de escapar de los sádicos planes de Darcy (Stewart) y sus súbditos.

¿Qué la hace interesante?

Al igual que los protagonistas, la historia no cuenta con muchos recursos, pero utiliza todos a su favor.

Es bastante simple: estar en el momento y lugar equivocados; pero la genialidad con la que está escrita, la vuelve muy entretenida y sobre todo auténtica. La forma en que se justifican las ideas que se desarrollan, es completamente plausible y no escatiman en la crudeza del realismo; y tanto la manera en que los nazis planean ocultar el crimen, como las reacciones de la banda de Pat, hacen que la audiencia se identifique con ellos.

El ritmo es excelente; la frialdad y voz de Patrick Stewart, contrasta de maravilla con la interpretación de Yelchin; y la vagueza y resignación de Poots, sirve como amalgama dentro de este rompecabezas de horror. Las tres historias que se entrelazan, aunque cortas, no dejan cabos sueltos y se complementan entre sí a la perfección.

En un género saturado de fenómenos paranormales, esta cinta nos recuerda que no hay nada más aterrador que la realidad.

En conclusión…

Si gustas de las películas de horror, las escenas gore; eres fanático de las producciones del estudio A24, seguramente disfrutarás de Green Room.

Es una excelente opción en el catálogo de Netflix, para esta temporada de sustos, terror y sangre.

UPGRADE: máquina asesina

Cuando el talento, una buena idea y un enfoque original se juntan, los resultados sobrepasan las expectativas.

De la mente y lente de Leigh Whannell (SAW, Insidious); y la productora BLUMHOUSE (Get Out, The Purge) nace este thriller de culto instantáneo.

La historia…

El mecánico Grey Trace (Marshall-Green) trabaja en casa y vive feliz con su esposa Asha (Vallejo). En un futuro donde casi todo es automatizado, Grey prefiere mantener ciertas cosas a la antigua.

Uno de los autos que reparaba, es adquirido por el genio multimillonario, Eron Keen (Gilbertson) dueño de Vessel technologies; quien el día de la entrega, les muestra a la pareja su más reciente avance tecnológico: STEM. El pequeño dispositivo, es un procesador que ayudaría a reactivar sistemas nerviosos y mejorar la vida de veteranos de guerra, así como personas con discapacidad motriz.

De regreso a casa e irónicamente, el auto de Asha (donde viajaban), tiene una avería en el sistema de auto-manejo, que termina en una volcadura. Para agravar el asunto, segundos después llega un comando armado a ejecutarlos. Asha muere en el lugar y Grey queda cuadrapléjico.

Deprimido y enojado, Grey eventualmente recibe la visita de Eron; quien le ofrece la oportunidad de probar STEM de manera clandestina.

Así, desesperado y sin nada que perder, Grey acepta. Los resultados son inmediatos, recuperando la movilidad de todo su cuerpo. La cosa se pone rara cuando, revisando los videos el accidente, escucha dentro de su cabeza la voz de STEM, el cual le ofrece su ayuda para encontrar a los responsables de la muerte de su esposa.

Todo comienza a descarrilarse cuando Grey le otorga control de su cuerpo a STEM para salir de apuros. Cegado por la sed de venganza, Grey levanta sospechas; haciendo que la detective Cortez (Gabriel) lo siga muy de cerca.

De uno en uno, van encontrando a los mercenarios y completando pedazo a pedazo la perturbadora verdad; mientras la línea entre quién controla el cuerpo de Grey se va haciendo más difusa.

Lo interesante…

La cinta producida por BLUMHOUSE, contó con presupuesto de 5mdd (que es el estándar de dicha casa productora). A la fecha, ha recaudado casi 15mdd, es decir el triple de su inversión inicial; consagrando la visión y fórmula que ha implementado Jason Blum en sus proyectos anteriores.

La película, es prácticamente el primer protagónico de Logan Marshall-Green. Ya lo habíamos visto incursionar en el género, gracias a películas como ALIEN: Covenant y Spider-Man Homecoming; donde sus personajes no salieron muy bien librados. Con UPGRADE, parece que por fin encontraron cómo hacerlo brillar.

Espero que con más proyectos así, logre salir de su eterna comparación con Tom Hardy; el cual aceptémoslo, parece su hermano gemelo más famoso.

Conclusión…

La estética y encuadre de la película, el soundtrack, más la sorprendente actuación de Marshall-Green, redondean la película. Con excelente ritmo y secuencias de acción, no hay un minuto en que la cinta afloje. Tiene momentos que nos recordarán títulos como Equilibrium, Elysium e incluso Blade Runner, pero logra adueñarse de esos guiños y ser auténtica.

El guión, aunque aborde temas que ya hemos visto, lo hace desde un ángulo fresco y original. Haciendo que el final se sienta completamente satisfactorio.

¡No te puedes perder esta joya! Si no la alcanzas en tu cine favorito, puedes adquirirla en físico o digital a partir de octubre.

Historias de Ultratumba

Historias de Ultratumba es una experiencia realmente emocionante, conmovedora y terrorífica.

La mente ve lo que quiere ver… 

Esta frase estará presenta durante los 97 minutos que dura esta película, y aunque en un inicio parece ser un lema muy superficial sobre la historia, conforme la película avanza, nos damos cuenta de hay un trasfondo mucho más importante sobre esta frase.

Historias de Ultratumba cuenta la historia de un profesor que se dedica a desmentir cualquier caso de índole sobrenatural. Hasta que un día, un colega suyo lo contacta con la intención de que pueda investigar tres casos que él jamás logró resolver.

Es claro que lo que la gente busca en una película de terror es asustarse. Pero yo creo que lo que hace que una película de terror sea buena, es la historia, pues el miedo siempre es algo muy subjetivo.

Lo bueno

Una vez diciendo esto, puedo decir que Historias de Ultratumba cuenta con una de las historias más interesantes que he visto en muchos años; y que, además, logra generar momentos de tensión bastante importantes. Es más, tengo que admitir que en más de una ocasión quería sacarme los ojos del miedo que me estaba dando.

Bueno, también influyen los gritotes de mi novia. Los cuales a veces me asustaban más que la misma película. Pero bueno, es parte de la experiencia, ¿no?

La película tiene puntos realmente positivos. Entre ellos la fotografía, la cual en su mayoría se clava en planos muy abiertos, lo cual termina siendo visualmente muy atractivo. Además de esto, la musicalización y todo el diseño sonoro es realmente imponente, y logra que se te pongan los pelos de punta. El diseño de producción también es bastante acertado, principalmente en el primer caso, en el que la ambientación resulta espeluznante.

Además de esto, la película cuenta con un reparto medianamente desconocido, siendo Martin Freeman y Alex Lawther las caras más conocidas dentro del reparto.

Y aunque las interpretaciones de todo el talento son en general muy buenas; quisiera mencionar que es Lawther quien se roba toda la película con las pocas apariciones que tiene en pantalla. Realmente hace un trabajo brutal.

¿Lo malo?

Historias de Ultratumba también tiene sus detalles, entre ellos el uso excesivo de los tan nefastos jump scares. Realmente es una lástima que hubiera tantos, porque creo que la película de verdad no los necesitaba.

Otra cosa que tampoco convence es la manera en la que terminan los casos, porque todos quedan con muchos huecos y muy al aire; hecho que realmente me confundía e incluso molestaba un poco.

Estos detalles me hacían pensar que, a la hora de escribir esta reseña, no podría darle a la película más de 4 estrellas.

Pero… Fue a partir del tercer acto cuando todo cambió. Al principio estaba tan confundido, pero al mismo tiempo tan maravillado con todo lo que estaba pasando. Poco a poco todo iba tomando sentido. Sí, hasta los jump scares y los finales abiertos de cada caso. Y justamente la secuencia final fue tan impactante y tan deprimente que, aunque ya pasaron días de que vi la película, aún siento un vacío interno que el final me generó.

Eso sí, lo que de plano no se puede defender son los efectos especiales. Pero bueno, esto es básicamente nada en comparación de todo lo bueno que tiene la película.

Conclusión

Son pocas las películas de terror a la que podría darle 5 estrellas. Pero Historias de Ultratumba es una experiencia realmente emocionante, conmovedora y terrorífica. Y estoy seguro de que en un año leeré esta reseña y sabré que no me habré equivocado en darle 4 estrellas y media de 5. Porque sí, las tiene realmente merecidas.

¡Cinéfilo! Cuéntame, a ti qué te pareció Historia de Ultratumba. ¿Fui el único miedoso que se asustó con esta cinta? Deja tus impresiones en la cajita de comentarios.

Y recuerda… La mente ve lo que quiere ver