Un amor extraordinario: la complicidad en la pareja

Un amor extraordinario retrata los procesos de la vida y la muerte, a través de una pareja de veteranos que enfrenta el cáncer 

Un amor extraordinario es la más reciente película de la directora británica Lisa Barros D’Sa (Good Vibrations) que cuenta la historia entre Tom (Liam Neeson) y Joan (Lesley Manville) el año en que Joan es diagnosticada y tratada por cáncer de mama.

Pero no se deje engañar, aunque la película trata de manera muy acertada la dureza de la enfermedad de Joan, no es el punto principal de la película. La historia expone un matrimonio que ha superado difíciles momentos a lo largo de su vida en pareja y a pesar de todo no dejan de apoyarse y empatizar cuando las cosas se ponen duras.

Lo bueno de ver una historia de amor de una pareja de veteranos es toda la química y empatía que se tiene por los años que han estado conociéndose. Es maravilloso ver cómo se comportan cuando se pone a prueba su amor: muestran miedo, discuten, se disculpan, se protegen entre sí. 

Las primeras secuencias nos muestran el gran vínculo y amor que caracterizan a la pareja. Pero rápidamente, al darse una ducha, Joan descubre un pequeño bulto en su pecho. Y este es el comienzo de la dramática historia: exámenes, diagnóstico, operación y tratamientos de quimioterapia.

Un Amor Extraordinario

Las actuaciones

Lesley Manville ha demostrado durante mucho tiempo ser una actriz extraordinaria, desde su papel nominado al Oscar en Phantom Thread hasta Harlots y que próximamente la veremos como la princesa Margarita en The Crow. La interpretación que hace de Joan, es muy cálida, conmovedora y realiza un trabajo extraordinario al interpretar a un personaje que enfrenta la mortalidad pero, se niega a ser definida por su enfermedad. 

Por otro lado, Liam Neeson (Búsqueda implacable) intenta encubrir el dolor del pasado y la angustia del futuro. Es un placer verlo ir más allá del papel de héroe de una película de acción, un trabajo que ha asumido mucho en los últimos años.

Los actores crean una relación que se define por el dolor y el sufrimiento, sin duda, pero también por el humor, la calidez y la comodidad de la rutina. Cuando los personajes caminan juntos, se abrazan o se sientan a cenar, transmiten que están ahí el uno para el otro, pase lo que pase.

Sus potentes actuaciones aseguran que este drama te genera mucha empatía sobre la dificultad de llevar una enfermedad, sin embargo, el mensaje no es que la pareja sea una roca, sino que, a pesar de los mejores esfuerzos de nuestro ser querido, todos estamos en este viaje solos.

Un Amor Extraordinario

Uno de los puntos más dolorosos de la historia es ver el terror de Joan a la muerte y el miedo de Tom a perderla. Despedir a la persona que amas es un miedo con el que cualquiera puede identificarse, pero, Tom se muestra naturalmente solidario, terco y cálido, por lo que le da un giro discreto, brindando tranquilidad a algunas escenas muy dramáticas.

Decididos a afrontar juntos el calvario, experimentan una intimidad que nunca antes habían conocido. Mientras Joan explora el miedo a la muerte, Tom siente la necesidad de ayudar de maneras extrañas, como cortar con ternura el cabello de su esposa cuando se le cae en mechones. Sorprendentemente, las dos estrellas evocan de manera emocionante la simpatía, la bondad, el resentimiento y la rabia que sienten las personas en crisis.

La película señala que el apoyo y el amor son necesarios para superar una enfermedad y cómo al estar con una pareja amorosa puede ayudarte a superar incluso las situaciones más oscuras. Un amor extraordinario es un argumento de que, por más difícil que sea la vida, vale la pena por los pequeños instantes de felicidad. 

¿Qué opinan Cinéfilas y Cinéfilos?

Colette: Liberación y deseo

Colette: Liberación y deseo es una película que nos invita a descubrir diversos temas que, aún en la actualidad, siguen siendo tabú. La cinta nos muestra una Francia de finales del siglo XIX totalmente machista. Nuestra protagonita Colette empieza viviendo con su madre en una casa rural, pero luego se va con su pretendiente a la gran ciudad. Sin embargo, desde el inicio vemos que ella es una mujer adelantada a su época, ya que piensa de una manera muy distinta a la esperada en aquella sociedad.

Estamos ante un drama de época que nos presenta la vida de la escritora francesa Gabrielle Colette. Los puntos más importantes son el matrimonio que tuvo con Willy, un mujeriego que se gana la vida gracias a escritores fantasma; y, sobre todo, el descubrimiento de su sexualidad y la liberación que logrará a través de sus obras literarias.

Kiera Knightley

El personaje protagónico recae en la actriz británica Kiera Knightley. Ella caracteriza de forma magistral a Colette, quien es un gran ícono del empoderamiento femenino.

Su viaje comienza cuando deja su casa y contrae matrimonio con Willy (Dominic West). Como ya lo comenté, su trabajo es promover a escritores nuevos, pero bajo su nombre al momento de publicar las obras. Colette tendrá que adaptarse a este estilo de vida. ¿Por qué esto es importante para la trama? Simple: porque Colette es una escritora nata y cuando Willy descubre el gran talento que tiene ella, la obligará a escribir para publicar las obras a nombre de él. Además de esto, Colette deberá aguantar las excentricidades y vicios de su marido que desestabilizarán la economía del hogar.

Sobre la liberación

Algo que marca la vida de Colette es cuando su marido le da ciertas libertades sexuales y creativas con tal de que ella continúe escribiendo. Esto debido a que las novelas que han publicado tienen gran éxito entre el público femenino a causa de las historias tan diferentes que cuentan y la sensibilidad con que lo hacen. Además, el público pide secuelas y muy pronto se van haciendo adaptaciones teatrales de las obras.  Sin embargo, al mismo tiempo, el matrimonio empieza a desmoronarse debido a las constantes infidelidades de Willy y otras situaciones que la pareja va atravesando.

Aunque a simple vista esta cinta parece una típica historia de época, Colette nos presenta ideas revolucionarias y frescas, una protagonista que rompe las normas de aquella Francia y una mujer que sale del molde de la feminidad. Además, la película explora el concepto del matrimonio abierto y la bisexualidad de la protagonista con entera franqueza y libertad. Asimismo, nos muestra a un personaje principal fuerte e independiente que luchará por demostrar al mundo su verdadero talento, sin imaginar que su historia será de ejemplo e inspiración para otras mujeres.

En conclusión…

Colette: Liberación y deseo es una película que vale la pena ver debido a la historia que nos cuenta y a la gran interpretación de Keira Knightley como Colette. Además, la cinta nos deja a las mujeres un gran mensaje de empoderamiento, liberación, creatividad y progreso constante.

 

BLACKKKLANSMAN

Inspirada en hechos reales, la nueva película de Spike Lee es brutal, honesta y sumamente entretenida.

Producida por Jordan Peele (Get Out!, 2017) y basada en la novela autobiográfica de Ron Stallworth, el viaje a los 70  que vemos en Blackkklansman sirve como denuncia social a un problema que, lamentablemente, sigue vigente.

¿De qué se trata?

Situado en Colorado Springs, el novato Ron Stallworth (Washington) llega a su primer día de trabajo en la policía local. Al ser el único oficial afroamericano, la situación es rutinariamente tensa.

Como si fuera un premio y con desdén a la vez, después de un tiempo recluido en la burocracia, Stallworth es promovido al área de inteligencia. Un día en la oficina, ve un clasificado del Ku Klux Klan al que decide llamar.

La situación no podría ser más irónica. Del otro lado de la línea, el reclutador de “La Organización” queda embelesado por el falso discurso de odio que Ron inventa sobre la marcha. Es tanto el encanto que genera que no pueden esperar a conocerlo en persona.

Convenciendo a su capitán y a su compañero Flip (Driver) de jugar como agentes dobles, les autorizan la operación de infiltrarse al KKK. Ron será encargado de mantener las comunicaciones por teléfono y Flip actuará como Ron cuando sea necesario dar la cara.

Paralelamente, Ron frecuenta a Patrice (Harrier), afín a las ideas de las Panteras negras, con quien discute los problemas del racismo y la opresión. Ambos hablan sobre cómo los prejuicios e ideologías están perfilando una inminente guerra civil.

En Blackkklansman Spike Lee nos presentará las motivaciones y puntos de vista de ambos grupos con una narrativa cruda, que en varios momentos resulta hasta incómoda. Persuadidos de que los planes del KKK irán más allá de quemar cruces, Ron y Flip seguirán hasta las últimas consecuencias su singular investigación.

Recepción e impacto social…

La cinta ya ha dado mucho de qué hablar. No sólo por la nominación al Oscar que se avizora para Washington, sino por la polémica que puede desatar. Y es que la advertencia que sale al inicio no es mentira: Blackkklansman está “basada en una, de verdad, verdadera, real mie%$@”

La historia es tan disparatada, irónica y emblemática que sobrepasa cualquier guion de los hermanos Coen. Llevar a cabo este proyecto en estos tiempos no fue coincidencia; es, más bien, una manifestación contra los discursos de odio en su totalidad.

El montaje final es estremecedor. Tiene como preámbulo la historia del linchamiento de Jesse Washington, intercalada con flashes de la iniciación de miembros del KKK, mientras proyectan la clásica The birth of a Nation (D. W. Griffith, 1915). El ritmo y la edición, con el sello inconfundible de Spike Lee, son impecables. El soundtrack es genial y los diálogos son tan agudos que no puedes dejar de prestar atención un segundo.

En cuanto corrieron los créditos, la metí en mi top 5 de 2018. Es una historia poderosa, entretenida y con mucho peso. Las actuaciones son excelentes y el guion, impecable.

La distribución estará un poco sesgada, pero si tienes suerte de verla en tu cartelera más cercana ¡no te la puedes perder!

Sharp Objects: ¡Una maravilla!

Estarán tratando de leer cada movimiento, cada gesto, cada palabra de sus personajes principales

 

No es nada sencillo tratar de hacer honor con unas cuantas palabras a una obra maravillosa como Sharp Objects. La miniserie que HBO nos trajo en este 2018 probablemente ganará en todo lo que la nominen.

Teniendo como cara principal a Amy Adams, convertida completamente en uno de los papeles más exigentes de su carrera; Sharp Objects sabe cómo introducirnos en una narrativa envolvente e intrigante. Wind Gap es el nombre de una pequeña ciudad que seguramente no saldrá fácilmente de sus cabezas.

Es ahí dónde transcurre esta historia fascinante por la manera en que es presentada al espectador. El uso continuo de flashbacks de uno o dos segundos de duración; podría parecer un recurso del que abusan en sus primeros capítulos, pero a medida que avanza… Entendemos el por qué son tan necesarios.

Esta miniserie es basada en el libro de Gillian Flynn, escritora que quizás conozcan por Gone Girl (una buena película). Cuenta con la dirección de Jean-Marc Vallée (Big Little Lies), quien en ocho episodios va colocando piezas fundamentales del pasado de Camille Preaker. Ella es la periodista que regresa a su pueblo natal para cubrir una terrible historia del asesinato de dos adolescentes.

Y aunque Camille sienta atracción periodística por estos hechos sangrientos, se ve preocupada por tener que regresar a la enorme casa donde se crió. Su madre, Adora, es una mujer pragmática que se esconde en una voz tenue y buenos modales; interpretación perfecta de la gran Patricia Clarkson.

Camille debe lidiar también el hacer contacto con Amma, su hermana menor. Ella es una adolescente hábil y astuta, que aparenta más edad cuando le conviene… Así como hacerse la inocente para salirse con la suya en algunas situaciones.

Es así que entonces el tema familiar y los traumas presentes en Camille se vuelven el centro de la historia. Ella definitivamente está marcada por su pasado; por la muerte de su hermana menor Marian cuando ella estaba pequeña. No se preocupen, eso no es spoiler, aparece prácticamente en los primeros 10 minutos.

Creció y su vida adulta no la ha manejado quizás de la mejor forma (abuso de alcohol), pero al menos es independiente. Logró extender sus alas y salir de la jaula que le representa su “hogar”. El padrastro que tiene es, por decirlo de alguna manera, muy peculiar.

El entorno alrededor de esa casa tampoco la ayudaría. Aquí representan a Wind Gap como una ciudad con mucha tradición sureña de EEUU… Mucho sol, mucha hipocresía, mucho chisme y muchos secretos.

El reencuentro con lo que fue su vida pasada es lo marca la pauta de esta producción. En términos cinematográficos está filmada de una forma estupenda. Todo momento se siente realmente intenso e íntimo… La combinación de enormes actuaciones y una cámara que parece respirar por su cuenta ayudan a esa sensación.

Debo decir que el ritmo es algo lento al principio. Es como una fogata que cuesta que encienda pero una vez que lo hace ¡es todo una llamarada! En los últimos capítulos estarán tratando de leer cada movimiento, cada gesto, cada palabra de sus personajes principales. Y es que va más allá de la típica pregunta: ¿quién es el asesino?, más bien te engancha para saber qué sabe cada persona.

La tarea de averiguar esa información le queda al detective Richard Willis, quien es el foráneo que llega como especialista para el caso de los crímenes. Existen dos hombres sospechosos y será a ellos a quienes intentará sacar la mayor información posible.

Willis, o “Dick” como le dice de broma Amma, va guiando al espectador a descubrir qué tipo de gente habita en ese pueblo; a descubrir sus costumbres y algunos trapos sucios. Sobre todo tendrá una dura tarea con Camille, que es una mujer blindada y que difícilmente se abre a un extraño.

Como sé que no todas las personas en México y el resto de Latinoamérica han visto esta miniserie, no seguiré contando más detalles que revelen algún spoiler. Lo que les puedo decir es que no se arrepentirán de verla, es un thriller muy emocionante.

Para los que sí ya la terminaron, los invito a que escuchen el podcast; donde hablo más a profundidad todo lo genial que es Sharp Objects.

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EL FINAL DE TODO

Netflix se ha vuelto referente en producciones de talla internacional.
Sin embargo en el género de ciencia ficción (al menos en largometrajes) no ha podido asestar un título contundente.

Lo que veremos…

Will (James) y Sam (Graham) viven felices en Seattle, esperan a su primer hijo y todo parece ir viento en popa. Will debe viajar por trabajo a Chicago, y aprovecha para visitar a sus suegros. De inmediato se nota la tensa relación que él tiene con su familia política, así que tiene programado su regreso a la mañana siguiente.

Al recibir una llamada de Sam, Will le cuenta lo incómodo que fue la cena con sus padres; la conversación se ve interrumpida por un estruendo. Sam no sabe qué fue, pero se ve asustada, la videollamada se corta y Will se apresura al aeropuerto para llegar pronto a su hogar.

A partir de aquí, a través de noticieros y pláticas ajenas nos podemos dar cuenta de lo que está pasando; El mundo se está yendo directo al infierno… otra vez.

Asustado y desesperado, Will regresa a casa de sus suegros, donde Tom (Whitaker); “sólo tiene una pregunta que hacerle: ¿vienes conmigo?” (cita textual). Ambos emprenden el largo viaje por carretera de Chicago hasta Seattle. A lo largo del trayecto se topan con merodeadores, saqueadores, estafadores y toda clase de basura humana que aprovecha el inminente cataclismo para sacar sus bajos instintos.

Incómodamente juntos, deben sortear todos los obstáculos; para que Will pueda regresar al lado de Sam y sobrevivir a toda esta oleada de desastres naturales.

Mi humilde opinión…

El Final de Todo, espero sea la última decepción que reciba por parte de Netflix en ciencia ficción.

Desde BRIGHT, pasando por WHAT HAPPENED TO MONDAY, sobreviviendo a ANON y haciendo de cuenta que TITAN nunca pasó; la historia se repite. Las producciones cuentan con gran elenco, premisas interesantes (o al menos originales), uso de CGI moderado o bastante decente, entonces ¿Qué les falta?

El punto débil de todas y cada una de las incursiones de Netflix en el género, reside en el guión. Ya sea que la trama se caiga en el tercer acto, o están repletos de los más absurdos clichés; hay algo en la historia que simplemente no termina de convencer.

En el caso especifico de esta cinta, tiene dos grandes problemas. El primero es que para ser una “Disaster Movie” no vemos a los protagonistas en suficientes escenarios o situaciones que nos permitan relacionarnos con su preocupación. De hecho, el mayor problema con el que la audiencia se puede identificar es cuando se descompone el auto.

El segundo, es el conato de triángulo amoroso que meten con calzador casi al final de la cinta. Fue completamente innecesario, no cumple con el propósito de aportar al climax, hace que el final sea aún más insípido.

Al igual que en otras cintas arriba mencionadas, en ésta hay buenas actuaciones e introducciones de personajes que tienen potencial, pero sin más, así como llegaron, se van.

No se ahonda en detalles que podrían darle peso al drama o justificar escenas que llegaron al corte final.

En resumen…

Al final de todo, es oficial de nada. Se queda en el limbo, no llega a ser  El Pico de Dante y dista mucho de las emociones que se retratan en The Road.

Teniendo un actor cumplidor como Forest Whitaker y el dinamismo de Theo James que encaja a la perfección en escenarios distópicos, a Netflix se le fue otra gran oportunidad de hacer algo memorable.

The First Purge

Las 12 horas terminarán en algún momento…

La franquicia de La Purga, (perdonen a este intento de purista que no puede llamarle 12 horas para sobrevivir, ni la noche de las bestias, a esta genial franquicia) ha sobrevivido a 4 entregas, e incluso se ha visto fortalecida por los seguidores que constantemente la recomendamos; aunque inevitablemente parece empezar a clarear esta noche del 21 al 22 de marzo.

7 PM: Suena una alarma y aparece un aviso

Está es la primera precuela de la franquicia, y cómo su nombre en inglés lo señala, es la primera purga de las 19 que se realizaron en el universo de la franquicia. En esta entrega, el derecho constitucional del vecino del norte es sólo un experimento en Staten Island, una isla del estado de Nueva York, con una población mayoritariamente pobre y de raza negra.

Mucha gente es alentada económicamente a permanecer en la isla, y muchos otros se quedan pensando que no pasará nada. Como de costumbre, la película se desarrolla descubriendo de lo que son capaces cada uno de los personajes.

9 PM. La gente aún no ha salido a las calles

La película cumple con lo que promete: actuaciones decentes, incluso destacables para el género; (la presencia de una actriz reconocida como Marisa Tomei demuestra que esta es una franquicia importante de bajo presupuesto) muertes descabelladas, personajes desquiciados, e incluso aquello que ha atrapado a muchos espectadores: una reflexión light sobre una solución, cada día menos extraña, a la sobrepobalción, crimen y violencia que se viven hoy en día.

Esta precuela muestra los personajes menos desquiciados, las muertes menos arriesgadas y en general, la película más light de las 4. Pero haciendo un análisis no sólo de está película, sino también de todas las anteriores, se nota un problema grabe: Han perdido de vista la esencia de la película.

11 PM. Esto se va a descontrolar

Cada uno de los filmes pone en nuestra mente la idea de un gobierno malvado, que sin embargo, se ve opacado junto a una población mayoritariamente desesperada por purgar. Y nos hace preguntarnos entre muchas otras cosas: ¿Yo lo haría? ¿pasaría esa noche con mi pareja actual? ¿Podría volver a ver a un vecino que hiciera eso?

Incluso hay videos por la red sobre estudios de muchos otros crímenes que se podrían realizar durante esa noche, y que no incluyen el asesinato.

Tan fuerte ha sido el impacto de esta franquicia, que no sólo los más conspiranoicos han visto, o esperado, en la administración de Trump, una ley parecida a la de La Purga. Y es que quizá lo realista de la premisa, lo que la ha llevado a tener que bajarle dos rayitas en la tercera y cuarta entrega.

1 AM. La hora más difícil

La segunda parte exploró diferentes posibilidades que pueden darse en este universo, pero aún quedan muchas más. Y sin embargo, la producción ha decidido desde la entrega anterior, pero sobre todo en esta, que haya un villano: El Gobierno.

Parte de la magia de estas películas es que no había villanos, los más despiadados… ciudadanos ejerciendo su derecho… eran eso y no villanos. Podía uno cuestionar sus acciones, pero no siempre sus motivaciones, ni mucho menos su legítimo y constitucional derecho de purgar.

3 AM. No todos sobrevivirán

En esta cuarta parte, spoiler alert, casi todo se viene abajo, al menos todo lo que la destacaba de una simple película de gente matándose. Nos muestra un gobierno malvado, que manipula las circunstancias para que la purga sea todo un éxito. Deja atrás la pregunta de “¿De qué seríamos capaces la gente que conozco y yo?” y aparece la afirmación “¡Qué gobierno tan malo!”.

5 AM. Estamos cerca de terminar… quizá una entrega más y amanezca

Como fan, iría gustoso a ver una quinta entrega si esta se realizara, pero muy consciente de que el espíritu de la historia está en mí, y no en el filme. Por cierto productores: ¿Es real? ¿Una bomba con detonador manual? ¿Manual? ¿Lentes de contacto como cámaras y… UNA BOMBA MANUAL? Aquí se acabó la poca y buena ciencia ficción de está franquicia.

Safe

El ritmo que lleva esta producción de ocho capítulos es incesante.

El abanico de opciones para las series con temática de misterio/crimen/drama es altísima en estos tiempos. Las opciones abundan pero no todas merecen el preciado tiempo del consumidor. Con Safe, a como su nombre lo dice, es una apuesta segura.

Está basada en un libro del prestigioso Harlan Coben, quien en su haber tiene obras de gran popularidad. Es un maestro del género, por lo cual la adaptación a la televisión es el conducto confiable al éxito…. Pero, ¿lo logra?. A decir verdad, lo que cumple es con ser altamente maratoneable, con cliffhangers sorprendentes en cada episodio.

Protagonizada por Michael C. Hall, conocido por su rol en Dexter; trata sobre un cirujano viudo en Inglaterra llevando la vida con sus dos hijas menores. En una noche, Jenny, la hija mayor, sale de fiesta a una casa y luego desaparece. A partir de ahí, la desesperación del padre, Tom Delaney, lo conducirá a descubrir secretos que jamás imaginaría.

Todo esto transcurre en una comunidad cercada en un lugar privilegiado del país europeo; con viviendas que gozan de un status de vida cómoda y con familias aparentemente perfectas. Naturalmente esto no es así, y aquí veremos los “trapos sucios” de los Marshall, Mason y los Chahal, por mencionar algunos.

La desaparición de Jenny desencadena hechos que en un inicio uno no puede ni sospechar, menos imaginar. Y es que no es solo que se haya esfumado, también ocurre un asesinato en la fiesta donde ella estuvo. ¿Qué ocurrió? ¿Cómo se relacionan cada uno de estos vecinos? ¿Qué hay detrás de todo? Esas preguntas se van respondiendo de forma muy satisfactoria.

El ritmo que lleva esta producción de ocho capítulos es incesante… El trabajo de cámara es importante en mantener esa intriga alta, muchos primeros planos en los rostros acentúan las reacciones desesperadas de sus personajes.

Las actuaciones son muy importantes, gran labor de un elenco que tiene estrellas de la tv británica. Amanda Abbington no decepciona como la Detective Sophie Mason; mujer dura, ordenada pero con impulsos que la llevarán a veredas que le costará explorar.

Es esencial que una historia de misterio que de forma continua va abriendo nuevas capas y dudas, sepa cómo afrontar un desenlace cuerdo y preciso. Para en los capítulos finales, entre tantos descubrimientos (quizás excesivos incluso), tenía dudas si sabrían hacerlo bien. Debo decir que me sorprendieron al envolverlo casi a la perfección.

Hubo momentos en que llegué a conclusiones que resultaron certeras, pero no exactamente en su desarrollo. En dos situaciones siento que el autor juega con esos que aspiramos a adivinar tramas; ese aspecto sin duda que me dejó una gran impresión.

Es así que con jóvenes fiesteros con sus propios traumas; policías buscando reencontrarse con el pasado; sentimientos de culpa ocultos en bóvedas; bares clandestinos con temática ochentera; familias sufriendo de luto más revelaciones para nada cómodas, es que en Safe tienen una serie para disfrutar en una sentada de fin de semana.

La serie Safe está disponible en Netflix

Versailles, Temporada 2

No existe personaje secundario aburrido en la segunda temporada de Versailles, convirtiéndolo en un show muy entretenido para ver.

Situada cuatro años después de la primer temporada, Versailles mostró una faceta menos rígida en su segunda entrega. El glamour francés se mantiene espléndido como la intriga dentro de la Corte de Louis XIV, pero ahora habrán más sombras de las cuales cuidarse la espalda.

Esta serie producida por Canal+ y que envuelve a Estados Unidos, Francia, Canadá y Reino Unido; no es una por la que alguien deba detenerse con urgencia para no perderla. Aún así, es refrescante tener un vistazo al juego sucio de poder de la Realeza… Sobre todo si es en una de las eras más prósperas para Francia.

Recorrer esos pasillos de Versailles es una experiencia que pocas veces se logra apreciar. Eso y una historia que sabe manejar mejor el tema del misterio y la traición -sobre todo con uso de veneno-; hacen de esta segunda temporada una que se disfruta más que la de su debut.

Es cierto que ya las bases estaban puestas, pero el argumento tiene un desarrollo más entretenido y consumible. Por ejemplo Philippe, el hermano del rey, es simplemente suculento en cada una de sus intervenciones ¡Y vaya que tiene varias!

El tórrido romance con el incurable Chevalier de Lorraine es de las mejores químicas vistas en dramas medievales. En un momento se aman apasionadamente y en otro explotan con furia.

Acostumbrados a la excentricidad de bebidas y fiestas sin mayor responsabilidad, en un momento eso se desploma por un matrimonio arreglado. De esa forma llega la Princesa Elizabeth Charlotte, cuya auténtica sagacidad de una crianza menos ostentosa dará pinchazos que harán al propio Philippe más consciente de sus deberes y su lugar en el reino. El triángulo amoroso resultante es sumamente divertido de ver.

En el lado medular tenemos el romance casi enfermizo de Louis XIV con su amante Madame de Montespan. Esta mujer que perfuma un salón entero con su sensualidad tiene un carácter imponente. Es digno de admirar cómo fue escalando, aunque esa posición de privilegio no le será vitalicia.

Como en todo reino existe conflicto bélico y esta vez es contra Holanda. Louis XIV siente un rival digno en William III de Orange, con quien comparte algunas semejanzas. Llega un momento en que se da un encuentro diplomático entre ellos, con conversaciones intensas que llegan a quitar la venda de los ojos al Rey Sol.

Igualmente el rol de la religión tiene bastante peso. La Iglesia tendrá distintos representantes con sus propias agendas y el Rey siente la responsabilidad de corresponder. Aunque también habrá fuerzas oscuras que conspirarán en su contra.

No existe personaje secundario aburrido en la segunda temporada de Versailles, convirtiéndolo en un show muy entretenido para ver.

Ya sea el trabajo leal -y letal- del espía Fabien Marchal; la rectitud de Marie-Thérèse de Austria, esposa del rey; la ironía y bajos instintos hechos persona del ministro Cassel; Sophie, escurridiza dama atenta a los salones de apuestas; entre otros, tienen el tiempo necesario para desarrollar sus propias historias sin decepcionar. Interesante también el uso de frascos con drogas en medio de la Corte.

A veces quien se siente queda atrás es el personaje principal, pero para el último tercio de la temporada obtiene algunos cambios en su personalidad que le permiten ser más versátil en su actuación. Añadan la resolución al complot contra el Rey y tienen unos episodios finales muy buenos.

A como dije antes, perderse Versailles no es sinónimo de tragedia. Pero sin duda que la majestuosidad de su producción, el vestuario, los diálogos y algunos giros que da; es suficiente como para recomendarla si tienen el tiempo para dedicarle.


Las dos primeras temporadas de Versailles están disponibles en Netflix.

Blockers “No me las toquen”

‘No me las toquen’ es una sorpresa muy agradable y divertida

No me las toquen nos lleva a la noche de graduación de 3 adolescentes. Las graduaciones están llenas siempre de ansiedad y expectativas más aparte la posibilidad de embriagarse y hacer locuras. Entonces aquí seguimos a 3 amigas, que han sido muy unidas desde el primer día en jardín de niños. Los tiempos han cambiado. Es la última noche como preparatorianas, hacer un pacto para perder la virginidad #sexpact2018 es lo mas lógico, cierto? Lo gracioso en esta cinta, es que los padres de ellas se enteran de esto, e intentan evitar que esto pase.

no me las toquen

¿Qué podemos esperar?

Lo que puedes esperar con esta película son grandes risas pero no solo por momentos, sino que son constantes. Encontraron una manera muy inteligente de cambiar lo que usualmente vemos en estas películas. Se trata de manera cómica la sexualidad de las chicas, la preocupación de los padres y los vínculos que existen entre todos. Ya que las que realmente son amigas son las niñas, pero los padres tienen que aprender a convivir también.

Te ríes de principio a fin, aunque la cinta no le va muy bien cuando intenta ser sentimental. Puede sentirse incluso, que no todos los actores se sienten cómodos con las escenas un poco más profundas a las que esta cinta va. Lo más importante de esta cinta es que encuentra un buen balance entre lo divertido, dulce y a veces absurdo.

no me las toquen

Bastante entretenida e inclusiva.

Esta comedia es para todos. Aunque sea clasificación C o para adultos, creo que todo el público puede disfrutar de una parte en esta cinta. Todo el cast es excelente, pero hay 2 actores que se roban la cinta. John Cena y Geraldine Viswanathan te harán reír, por la química entre ambos, con los demás y el excelente tiempo cómico que manejan. La cinta es diferente a las demás. Está hecha para hacerte saber que a pesar de su edad, cada quien tiene derecho a decidir cuándo, con quien y donde hacer con su cuerpo lo que quiera.

no me las toquen

Esta cinta podría decirse está a la par Neighbors o Bad Moms, donde ves adultos haciendo cosas que por lo regular no te imaginas que podrían hacer. Y la química entre los dos grupos de amigos, papas e hijas, es increíble. Todos tienen diferentes ángulos y maneras de ver las cosas que pasan y esto hace a cada individuo genial. Te dan ganas de ver más de estos personajes juntos, pero también como funcionarían individualmente.

no me las toquen

No todas las cintas de comedia, tienen historia y esta la tiene. Más que historia tiene arco, puedes ver a los personajes crecer interiormente mientras la noche pasa. Puedes ver como todos se van dando cuenta, que lo que hacen está mal o bien y van aprendiendo de esto. Es la yuxtaposición perfecta. Ver como los jóvenes son los que tienen a veces más sentido común, y los grandes son los que por ratos lo pierden.

En Conclusión…

Definitivamente una cinta que vale la pena ver en cines, te hará reír mucho y pasaras un rato muy agradable con cualquier compañía que elijas.

SOLO: A Star Wars Story

El nuevo spin off de Star Wars centrado en el Capitán del Halcón Milenario, Han Solo por fin ha llegado. ¿Es lo que esperábamos? ¿Un fracaso anticipado o una grata sorpresa? Descubrelo a continuación.


A partir de la compra de Lucasfilm por Disney en 2013; el anuncio de múltiples proyectos no se hizo esperar. Tras el estreno de cintas como The Force Awakens, Rogue One y The Last Jedi las opiniones de los fans eran divididas respecto al nuevo canon de Star Wars.

Solo en particular sufrió desde el inicio de su producción, con rumores de que el protagonista Alden Ehrenreich, no sabía actuar, hasta el despido de los directores Phill Lord y Christopher Miller a mitad del rodaje, siendo sustituidos por el legendario Ron Howard. La cinta del Capitán del Halcón Milenario parecía destinada al fracaso.


Solo A Star Wars Story.

Sinceramente fui al cine con la mentalidad de sorprenderme. ¡Vaya que lo hizo! La cinta de Han Solo es sin duda un gran trabajo de parte de los productores de Star Wars. ¿Por qué? La película tiene una historia sencilla, no busca armar subtramas como su antecesora, The Last Jedi. Es por ello que, aunque no tengas conocimiento de Star Wars, puedes disfrutar de Solo como si fuera cualquier otro largometraje.

La trama aborda a un joven Han Solo que escapa de su planeta natal, Corellia, buscando convertirse en piloto y liberar a su amada Qi’ra del cautiverio en el que vive. Tras varios acontecimientos, Solo se embarca en una operación para robar combustible al lado de su fiel amigo Chewbacca. En el camino vemos a nuestros protagonistas adentrarse en situaciones de peligro, además que de principio a fin hay acción, referencias y momentos que te mantendrán emocionado toda la película. Además de una gran sorpresa para los amantes de la franquicia de Lucasfilm, que sin duda los hará aventar las palomitas a quien tengan enfrente.

En aspectos visuales la película está bien trabajada, el CGI es implecable, además de alternar con efectos prácticos. Si bien la cinta falla en algunos huecos argumentales y de guión, se compensa con las referencias y el fan service para los puristas de Star Wars. Se siente la esencia en cada escena de la cinta.


Los Personajes.

Alden Ehrenreich como Han Solo, cumple. Es difícil ver a nuestro querido Capitán en otro actor que no sea Harrison Ford, pero Ehrenreich no lo hace mal. Se nota que se esmero por darnos lo mejor de sí en la interpretación de uno de los mejores personajes de Star Wars.

Donald Glover en el papel de Lando Calrissian es de lo mejor de la cinta. El protagonista de Atlanta nos regala un Lando bien trabajado, divertido y tramposo, tal cual lo conocimos en el Imperio Contraataca. Gran elección tenerlo en el cast.

Emilia Clark como Qi’ra. Su personaje no fue de lo mejor, si bien no lo hace mal, por momentos la sentí fuera de lugar. Como si su participación no fuera vital en la cinta . En el tramo final de la película fue donde más me gusto su intervención, fue la mejor parte de todas.

Woody Harrelson como Tobias Beckett. Sinceramente, me agrado su personaje, la cinta pudo funcionar sin él, pero fue grata su participación. El humor y carisma de Harrelson hacen del actor un gran añadido en las películas donde participe.

Chewbacca es simplemente perfecto, su aparición e importancia en su relación con Han lo hacen fundamental. En lo personal Solo y Chewie los considero como la mejor pareja de amigos en la historia del cine. Siempre quise ver en pantalla la manera que se conocieron, hoy se cumple.

Me gustaría resaltar la participación de la droide L3, ¡Que gran personaje! para algunos puede ser desesperante, pero yo la considero como una grata sorpresa. Su actitud rebelde, revolucionaria y divertida la convirtieron en un gran añadido de la cinta.


Finalmente…

Solo es una cinta entretenida, que no amplía de gran forma el canon de Star Wars. Pero es una historia divertida y que te hará pasar un gran rato en el cine. Sí eres fan de la saga, disfrutarás la esencia de la trilogía original y un mar de referencias. Sí sólo quiere ver una cinta el fin de semana y no conoces nada de la misma, la disfrutaras porque no necesitas estar en contexto ya que no aborda nada de películas pasadas.


¿Te gusto la cinta de Han Solo? ¿Hasta ahora que es lo qué mas te ha gustado del nuevo canon de Star Wars?

 

The Alienist

Desde el primer capítulo tenemos el encuentro con lo inhumano, lo grotesco y lo macabro.

Basada en una novela ficción-histórica de 1994 escrita por Caleb Carr; The Alienist es una serie que nos transporta a las calles humeantes, lóbregas, peligrosas y muchas veces inmundas de Nueva York en el año 1896. Es ahí donde se desarrolla una trama de misterio de carácter criminal que vale la pena disfrutar.

No mentiremos en decir que es la mejor serie sobre estas temáticas, pero creemos firmemente en que es una propuesta que no deberían dejar pasar. Las actuaciones son bastante convincentes, sobre todo en el regreso de Dakota Fanning, actriz que hace mucho no mirábamos.

Nos situamos en el año 1896, época en que a los psicólogos se les llamaba “alienistas” porque trataban con individuos con problemas mentales; a quienes se les llamaba gente que “estaban alienados de ellos mismos”. Como uno de sus principales exponentes está el Dr. Laszlo Kreizler, interpretado por un Daniel Brühl que cumple con la tarea aunque sin deslumbrar.

La trama se desenvuelve a un ritmo aceptable, se ralentiza pero es a ratos. Hay momentos en que retoma velocidad y es una experiencia intensa que hasta causa terror. Y la razón de ello es porque se aborda la investigación de un asesino en serie, quien mutila de manera horripilante a niños que trabajan en prostíbulos.

Desde el primer capítulo tenemos el encuentro con lo inhumano, lo grotesco y lo macabro… Un niño que le sacaron los ojos, le cortaron miembros y que yace en un lugar desolado. Kreizler se interesa inmediatamente por el caso… Sabe que está viendo la obra oscura de un hombre con un problema mental que él desconoce.

Es evidente que en muchos momentos el personaje de Laszlo se asemeja a Will Graham… Ese retrato exquisito de un hombre perturbado en la serie “Hannibal“. Pero por mucho que lo intente, el guión no permite que se desarrolle igual que el mejor “profiler” que se ha visto en la televisión; quedando a veces cortas las razones del comportamiento que tiene este doctor.

Aún así existe una buena química entre éste y John Moore (Luke Evans), ilustrador de periódico que se mete de lleno en la investigación; así como con Sara Howard (Dakota Fanning), primera mujer en trabajar en la Policía de Nueva York.

Son ellos tres que van descubriendo más de sus capacidades a medida que avanza la trama. El misterio que tienen delante significa muchos riesgos, presiones que se manifiestan con palabras hirientes y que desencadenan tensión en el mismo trabajo investigativo. Por ahí su dosis de romance también.

También cuentan con la ayuda de los hermanos Marcus y Lucius Isaacson, así como el mismísimo Theodore Roosevelt; Comisionado de la Policía de Nueva York. (Por si se preguntan, sí es el mismo hombre que llegaría a ser presidente de EEUU).

En 10 episodios presentan diversos asesinatos del desquiciado psicópata; la corrupción en las fuerzas policiales; la ostentosidad de la oligarquía en contraste al bajo mundo neoyorkino; el machismo y la desventaja de las mujeres en el ámbito laboral y social; más un vistazo a la misma mente oscurecida de Kreizler, adicto a escudriñar la psique de los asesinos.

Hay que mencionar que The Alienist es producida por el director de True Detective, Cary Fukunaga; por ende tiene una enorme calidad visual. El presupuesto es notable en un trabajo impecable que requiere atención al mínimo detalle, una recreación fidedigna del mugriento ambiente de Nueva York en esos años.

Los pasillos de los prostíbulos, persecuciones, las calles, los coches… Todo encaja a la perfección. Existen suficientes elementos que se van incorporando para que la historia no carezca de sobresaltos. A eso agreguen la capacidad mental estilo “sherlockiana” de Kreizler y por ahí tienen un atractivo más.

Quizás en el desenlace se pudo haber hecho algo para mejorarlo… Pero en general es un viaje muy interesante y desafiante que los mantendrá en algunas partes al filo del asiento. Si buscan misterio, crimen y algo de gore, definitivamente es recomendable.

The Alienist está disponible para ver en Netflix

Gringo

Gringo no es una película completamente mala, pero no es buena.

Gringo nos cuenta la historia de unos terribles jefes, interpretados por Joel Edgerton y Charlize Theron, que toman ventaja de su empleado interpretado por David Oyelowo. Este se ve envuelto en una serie de conflictos, que incluso llegan a la mafia mexicana.

gringo movie

La película básicamente son 2 horas, de ver como gente terrible, se daña entre sí. Excepción de gente buena son, el personaje de David y Amanda Seyfried, que tienen muy poco peso y tiempo de pantalla en la película. Realmente, esta historia pudo contarse en media hora menos.

Esta cinta se siente como una comedia obscura de finales de los 90´s. Es un gran cast en el cual todos son horribles personas, por el simple hecho de serlas; se siente antigua, muy atrasada en el tiempo. Hasta cierto punto, la comedia ya no es tan relevante en la cinta; es una mezcla de todo, que al final termina siendo nada.

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Aunque Charlize Theron y David Oyelowo son increíbles actores, y se ve como intentan plasmar todo lo que pueden en la pantalla, este guión es tan vacío en esencia, que los giros parecen contradictorios, y simplemente llega un punto donde no te importa ningún personaje. Cualquier podría morir o seguir viviendo, y la cinta seguiría siendo la misma para la audiencia.

Esta cinta intenta ser lo que películas como las de Quentin Tarantino son; simplemente los guionistas y el director no lo lograron. Claro que hay momentos chistosos, donde el cast tiene algunos brillos, por talento propio más que por la trama.

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La trama en sí es otro problema en la historia. No termina de pasar un conflicto cuando comienza otro: Tenemos demasiados cambios radicales en la historia, que no terminamos de entender qué paso con lo anterior. Hubiera sido más efectivo simplemente apegarse al inicio.

Curiosamente en esta cinta, hay un par de personajes que son bastante interesantes; desde un hermano mercenario que intenta ir por el buen camino, hasta una mujer de negocios de alto rango que se siente sola y enamorada de su compañero. Estos personajes son más impulsados por la individualidad de los actores, y esto nos hace pensar que pudo haber sido una mejor cinta.

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En Conclusión…

El final de Gringo es simplemente un desastre, tal vez entretenido, pero al final de cuentas un desastre.

Francamente se puede decir que esta película no es completamente mala, pero no es buena. Es una película que se siente como si la hubieras encontrado un domingo en casa, y te quedas viéndola porque no hay nada mejor qué hacer. Te hará pasar un rato agradable, pero al terminar de verla, habrás olvidado de que trató.

ACS: Versace 2×8 “Creator/Destroyer”

Si tú eres una mentira, yo también lo soy.

En la recta final de la 2da temporada de American Crime Story: The Assassination Of Gianni Versacenos encontramos con “Creator/Destroyer“; uno de los mejores episodios hasta la fecha. Conocer ciertas acciones que moldearían al Andrew sociópata y despiadado es un placer audiovisual.

La actuación de Jon Jon Briones; quien interpreta a Modesto Cunanan, padre del infame asesino, es genuinamente grandiosa. Igualmente hay que decir del propio Darren Criss que tiene un compromiso total al encarnar al asesino de Versace.

El capítulo comienza en el año 1957 con un Gianni de infante. A pesar que no nos muestran mucho de él sí aprendimos que desde pequeño adquirió el gusto por la costura a través de su madre; es ella quien lo alienta a perseguir sus sueños, sin importar lo que le digan las demás personas. También le inculca que se debe trabajar duro para conseguirlo.

Esa frase crea el contraste con la infancia cómoda en 1980 de Andrew, el hijo favorito de su padre; un hombre tenebrosamente optimista y sonriente. Modesto ha perseguido el “sueño americano” y logra mover a su familia a una casa más grande, con facilidades, además de obtener un empleo en Merril Lynch como corredor de valores.

La espiral va en ascenso y los beneficios son específicamente para el pequeño Andrew; al cual le entrega un cariño extremo y sospechoso. Es tanto así que le regala un carro cuando éste claramente no tiene edad para manejarlo. La madre de Andrew reacciona y reclama, solo para recibir violencia física por parte de Modesto; todo esto ante los ojos atentos de quien se convertiría en un mentiroso compulsivo.

Y de las mentiras también tuvo a su padre como un modelo a seguir, aunque no lo percibiera en un primer instante.

Saltamos el tiempo al año 1987, ahí es un adolescente muy llamativo en su colegio, quien no parece tener temor a ser abiertamente gay. Quizás el poder adquisitivo le ayudó a no ser objeto de bullying. Todo parece estar normal, pero en realidad su padre ya no es el hombre exitoso que siempre presumió ser.

Ya no trabaja para la prestigiosa empresa y ahora se ha disminuido en un puesto menor. La burbuja explota rápidamente cuando el FBI se da cuenta que ha estado vendiendo acciones no existentes a gente mayor… algo “no ético moralmente y además ilegal“, a como le avisan sus superiores.

La desesperación corre por sus venas y escapa de la oficina donde es buscado para el arresto. Llega a su casa, arma su maleta y empuja a su esposa violentamente con tal de salir del inmueble. En el camino hacia afuera se encuentra a un desconcertado Andrew, a quien le arrebata las llaves del carro que le regaló y se despide con un escueto: “No creas lo que te digan“.

Sin nada de dinero, porque Modesto hasta vendió la casa semanas antes previendo el declive; Andrew y su madre quedan desamparados…. Pero éste no lo cree, confía demasiado en su padre para pensar que eso que pasó es real… “Debe haber un plan” se dice a sí mismo. Incluso llega a agredir a su madre tapándole la boca… El monstruo está naciendo en él.

De alguna forma consigue dinero y se va hasta Filipinas en donde huyó su padre. El encuentro es sentimental pero no tarda mucho en hacerse amargo… Andrew se siente engañado. “Si tú eres una mentira yo también lo soy” le dice a su padre, el que reacciona molesto al ver que su hijo es “débil como su madre”.

Llega a tanto la discusión que Andrew toma un cuchillo al sentirse amenazado. Su padre le grita que lo intente pero un sudado Andrew no se atreve… no en ese entonces al menos. Al regresar a EEUU busca trabajo en una tienda, en donde comienza generando su red de mentiras que lo definirían hasta el final.

En conclusión

Estamos claros que estos factores no convierten a cualquier persona en asesino, pero nos deja claros que fueron acontecimientos de este estilo que formaron el carácter volátil de este hombre.