¿Por qué nos encanta Malcolm el de Enmedio?

Malcolm el de Enmedio (o el humor de la clase media) es una serie de comedia que se estrenó hace 20 años, exactamente el 9 de enero del 2000. Pero aún con el pasar del tiempo, tiene el privilegio de ser una de las pocas series que seguimos viendo sin aburrirnos.

El clásico de la televisión, que cuenta la historia de un niño genio que a su vez es el hermano de enmedio, también nos narra las dinámicas cotidianas de una familia de clase media a través de situaciones cómicas y a veces desesperantes. Retratando así la situación de familias reales en el día a día de países del primer mundo, como Estados Unidos, y del tercer mundo, como México. Siendo ese detalle una de las claves de su éxito en el país y en el resto de Latinoamérica


Todos Somos La Familia de Malcolm

La familia de Malcolm el de Enmedio está conformada por el padre, Hal (Bryan Cranston); Lois, la madre (Jane Kaczmarek); el hijo mayor Francis (Christopher Masterson); Reese, el segundo hijo (Justin Berfield), el tercer hijo, Malcolm (Frankie Muñiz), Dewey quien por la mayor parte de la serie fue el hijo menor (Erik Per Sullivan) y el pequeño Jaime (James y Lukas Rodríguez). Aunque en el último capítulo se muestra a una Lois con prueba de embarazo positiva, no tomaremos en cuenta a ese bebé, porque nunca le vimos como tal en pantalla. 

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El diseño familiar es una decisión de brillo, ya que una familia de cualquier parte del mundo puede sentirse identificada. Salvo por algunos aspectos que acarrean los personajes por ser creados para una serie estadounidense, éstos son mínimos, al grado de ser características que pasan a segundo o hasta un tercer plano.

Así, Malcolm El de Enmedio enfatiza ciertas situaciones, como la lucha entre hermanos (física, verbal y psicológica), la relación padres-hijos, la calidad del vínculo afectivo entre los padres (que es bastante fuerte) y el cómo beneficia o afecta al hogar, y claro, la convivencia social con personajes ajenos a su núcleo. 

Por otro lado, el no ridiculizar a los personajes desde una intención de mofa es otro de los aciertos por los cuales se da la popularidad de la serie. Caso contrario de otros contenidos (mexicanos, por ejemplo) que escriben con piedad al personaje pobre por ser pobre, y ridiculizan al rico por ser rico.

La serie, en este caso, se centra en hacer humor usando las situaciones como vehículo, en las cuales los personajes terminan afectados o beneficiados por una acción realizada por ellos mismos. Por ejemplo, faltar a clases, copiar en un examen, fumar a escondidas o faltar al trabajo cada viernes.


Crecimos con los Personajes

A pesar del nombre ‘Malcolm el de Enmedio’, Malcolm no es el protagonista como tal, ya que comparte tiempo en pantalla con cada uno de los miembros de su familia y otros personajes secundarios (los Krelboyne, cadetes de la militarizada, empleados del Grotto, etc).

A la vez que vemos a Malcolm con sus problemas, en el inter Hal, Lois, Francis, Reese, Dewey y Jaime son mostrados lidiando con sus propias tramas, igual de hilarantes y entretenidas.

Vimos crecer en pantalla a toda la familia de Malcolm, tanto física como patológicamente, lo hicieron junto con nosotros. Sin embargo, eso no crearía química sin el impecable diseño de personajes.

Cada miembro de la familia está construido para aportar algo distinto a la trama y que esta avance. Personajes inconfundibles e irrepetibles en la historia de la televisión que nos atraen como imanes y que provocan la difícil tarea de tener un favorito absoluto. 

Hal es un apasionado de la vida y de su esposa con grandes habilidades en ramos tanto artísticos (pinta el cuadro más increíble de la historia) como físico-matemáticos (crea un robot desde cero). Pero que no alcanzan la plenitud por el tiempo que invierte en relaciones sexuales con su esposa.

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Lois es la sargento temperamental de la familia, gracias a ella hay ‘orden’ en la casa (tres comidas a tiempo, ropa limpia y planchada, etc). Pero sobre todo, ese instinto para oler los problemas en que se meterán sus hijos, yendo así un paso adelante. 

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Francis, el hermano mayor, quien es visto siempre como figura de lo que es ser “buena onda”, se mantiene ausente en la casa por su estancia en una escuela militarizada. Pero, aún así, afecta la dinámica familiar por sus acciones en la institución. 

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Reese, por su cuenta, es un bravucón cabeza hueca de tiempo completo. De actitud antisocial en la casa y escuela, pero que al final defiende a sus hermanos de otros bravucones, y que demuestra su amor a ellos y a sus padres al usar su increíble talento para cocinar. 

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Malcolm, alguien un tanto asocial con un coeficiente intelectual de 165, cada capítulo rompe la cuarta pared al hablarle directamente al público (detalle poco utilizado en las series). Constantemente salva a su familia de los problemas con la genialidad del diseño de sus planes, pero otras veces éstos no salen como uno piensa. Su vida termina siendo tal y como su madre lo planeó para él, desde qué amigos tener, hasta a qué se iba a dedicar.

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Dewey es quien parece el verdadero hermano de enmedio, porque a lo largo de toda la serie es ignorado por su familia en muchas situaciones. Lo olvidan en México, no asisten a las actividades escolares que encabeza, no toman mayor relevancia a su talento musical ni a su potencial inteligencia que, de acuerdo a varios comentarios, podría igualarse o superar a la de Malcolm. 

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Jaime es el hermano menor, al cual en realidad vimos muy poco. Pero con sus participaciones podemos constatar que es alguien inteligente, pero que no gusta de hablar mucho. De hecho sus primeras palabras fueron ‘cállate, mamá’. También podemos decir que es igual de apasionado que su padre, pero con mala suerte, pues a su corta edad ya le han roto el corazón.

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ÉXITO EN LATINOAMÉRICA

El programa aún permanece en la grilla de programación de canales de televisión abierta en México y otros países. Claro, la trama no podría simpatizar mejor en una región del mundo donde el contexto socio-económico agoniza por una escasa diversidad de oportunidades, de empleos, educación, deficiencia en servicios públicos y para rematar, economías inestables. 

Malcolm el de Enmedio es una serie estadounidense que no restriega en cada capítulo una bandera o un himno. Ni tampoco vende a un país como un paraíso. Sino que expone el viaje de la vida a través de los años de cualquier núcleo familiar sin ‘privilegios excesivos’.

Los hijos nacen, se pelean, los padres los calman, vacían el refrigerador, la economía les afecta, alguno de los padres pierde el empleo, los padres buscan como sobrevivir, hacen la despensa, los hijos crecen, devoran la despensa, se van a la universidad y los padres envejecen.

Por otro lado, las situaciones expuestas a lo largo de 151 capítulos, divididos en un total de siete temporadas, recuerdan al espectador que al final de todo, la familia es lo que queda. Sin importar las peleas que surjan por cualquier situación trivial, prevalece un vínculo entre hermanos y padres. La unión familiar se mantiene fuerte, sobre todo cuando se alcanza la madurez o cuando surge un enemigo en común.

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Para una región tan apasionada y unida a la familia, aquel detalle es más que importante. Repercute en nuestro subconsciente, que tiene registro de aquellas peleas a golpes, o al filo verbal de crueles groserías con nuestros hermanos, que perdían importancia con el tiempo. O al instante cuando un archienemigo familiar aparecía, o cuando el número de los integrantes de la familia comenzaba a crecer. 

Una de esas series que marcó el corazón de toda una generación. Un fenómeno cultural latinoamericano, al cual sólo podría compararse con el caso de la obra de Akira Toriyama: Dragon Ball Z.


MALCOLM, SIEMPRE CON NOSOTROS


Una historia de hace veinte años que aún nos provoca carcajadas, y que en su momento, mantuvo pegados al sofá a millones de familias alrededor del territorio hispano, entre risas y silencios incómodos (por reflejarse en alguna situación).

Y, por supuesto, también nos hizo cantar ‘Boss of me now de They Might be Gigants a la par que se preguntábamos por los fragmentos de películas y programas de televisión de la secuencia de créditos de apertura.

¡Cuéntanos, cinéfila y Cinéfilo! ¿A ti te gustaba Malcolm El de Enmedio? ¡Comenta con nosotros!

Historia De Un Matrimonio ¿Funciona?

Netflix no se conformó con “El Irlandés”  y también agregó a su catálogo la increíble “Historia De Un Matrimonio”


Cada que alguno de nosotros escucha la palabra matrimonio, la respuesta automática es una pequeña expresión de incomodidad. Al final, ¿quién no conoce la historia de una pareja que se divorció? ¿quién no ha visto como una persona se transforma en otra completamente diferente a la que se casó?

Todos esperaríamos que nuestros amigos, familiares o conocidos que deciden aventurarse en esta osadía que es el matrimonio, sobrevivieran con el menor número de daños posibles. Pero son pocos los que lo logran.

Nicole (Scarlett Johansson) y Charlie (Adam Driver) no son la excepción. De manera cruda y profunda, comienza Historia de un Matrimonioun ambicioso filme llevado de la mano de la mano del director Noah Baumbach.

Historia de Un Matrimonio

 

Desesperanza, frustración y cansancio


Nicole es una artista que dejó en pausa su prometedora carrera como actriz y más adelante como directora en Hollywood para dedicarse a su matrimonio. Sin embargo, llega a un punto de su vida en el que ya no puede volver atrás, ya no puede seguir viviendo sólo para Charlie. Su proceso se puede definir en una palabra: Cansancio, pues siente que no hay equilibrio y justicia en su matrimonio.

Charlie es director de teatro de una compañía independiente en Nueva York. Pero no logra encontrar catarsis a sus emociones, y de repente se ve sorprendido poco a poco con todo lo que desconoce de su matrimonio con Nicole.

A pesar de que, para ambos, su objetivo principal era tener un divorcio lo más tranquilo posible, la diferencia de intereses hará que se vayan complicando las cosas. Esto dará pauta a que Nicole contrate a Nora Fanshaw (Laura Dern), una capaz abogada decidida a proteger a su cliente. Nora, no solo será una increíble abogada, si no que nos dará un claro ejemplo de lo que es la sororidad. En Historia de un Matrimonio, no parece haber una respuesta fácil al tema de la separación.

Historia de Un Matrimonio

 

La Madre Abnegada


Una madre abnegada deja de lado sus propios intereses, debe tener una moralidad casi intacta, lista para sacrificarse por la vida de su familia, dejar de lado sus sueños. Eso es lo que intenta explicarle Nora a Nicole en una escena en la que el personaje de Johansson, al ser interrogada por el juez, no tiene problema en decir que toma vino, que ha fumado marihuana y que su hijo puede ser un sorete. Algo meramente normal, ¿cierto?

“Aceptamos un padre imperfecto, y todos decimos que queremos que eso cambie. Pero básicamente, lo aceptamos. Pero las personas no admiten para nada lo mismo de una madre. Así que tú debes ser perfecta y Charlie puede ser una mierda y no importa. A la mujer siempre le ponen la vara más arriba.  Es una mierda, pero es lo que hay”

Nora está completamente en lo cierto: queremos cambios, pero aceptamos lo que hay porque por el momento así es el sistema.

Y las cosas no van a cambiar hasta que podamos ver a la madre como una mujer. Con sueños propios, que tiene sexo, que puede ser deseada por otros, y que como persona también siente. Hasta que entendamos que su objetivo no es una casa, ni los hijos, hasta que entendamos que una madre no es una “Virgen María”, entonces veremos un cambio real.

Es por este momento en el que se puede visualizar que, si no se llegó a un acuerdo durante y después de su matrimonio, Nicole ya no va a dejar de lado sus sueños ni su crecimiento personal y profesional, algo que más adelante en la película le dará frutos, pues después deberá ser Charlie el que haga el esfuerzo por permanecer a lado de su hijo.

 

 

 

El Machismo No Es Solo Hacia Ellas


En Historia de un Matrimonio, hay una escena en particular en la que Charlie y Nicole toman sus propias decisiones, esto dará pauta a visualizar una exploración de emociones entre ambos de una forma muy diferente. Nicole ha logrado poco a poco sublimar su dolor hacia la palabra y el llanto, pero, ¿qué pasa con Charlie?

En Charlie hay muy poca exploración de sentimientos, y esto dará pauta para que colapse por la irresponsabilidad que tiene de sus propias emociones. Algo que le suele pasar comúnmente al género masculino por el juego de roles, en donde al hombre difícilmente se le permite expresar cualquier tipo de emoción.

Son varias las escenas en las que Charlie se encuentra en un constante estado de confusión. Para él, las cosas no fueron como Nicole las vivió, él de verdad sentía que se preocupaba por su familia y por sus trabajadores.

Para Charlie, fue más importante todo lo que hizo para el bien de su familia, fueron más sus sacrificios que los fallos que Nicole le recriminó. Esto es el resultado de vivir una vida en automático, de una falta de comunicación con tu pareja. Para ella muchas cosas eran sueños, para él muchas cosas solo eran pláticas.

Historia de Un Matrimonio

 

¿Funciona?


En la primera escena de la película, podemos apreciar una carta escrita tanto por Nicole como por Charlie, en la que se describen el uno al otro, sus defectos, virtudes y cómo se relacionan entre sí:

“Baila muy bien, es contagiosa. Es una madre que juega y juega de verdad, hace regalos geniales, es competitiva, y sabe cuándo presionarme y cuándo dejarme en paz.”

“Es muy competitivo, tiene muy claro lo que quiere, sabe vestir bien, nunca va desaliñado, cosa rara en un hombre. Aguanta bien mis estados de ánimo, y no me hace sentir mal por ellos, rara vez se desmoraliza, no como yo.”

El hecho de que se pueda visualizar el dolor de ambos, da un resultado completamente diferente en la audiencia, pues así como se manejan las cartas, se maneja la cinta. Se logra un equilibrio entre ambas partes, lo que provoca una mayor aceptación en el público.

La historia como base ya ha sido contada muchas veces. Es la forma cruda, realista y dolorosa con la que se expresan los sentimientos, lo que la diferencia de lo que estamos acostumbrados a ver, transmite en cada escena la impotencia, el cansancio y el hastío de lo que puede resultar una separación.

Gracias a su gran elección de personajes, un increíble diálogo, la manera en la que te logras identificar con los personajes la posicionan en una de las mejores películas del año, sin duda es una maravilla para el catálogo de Netflix.

 

VEREDICTO.


A veces sólo hay que aceptar que las cosas son como son, que nuestro camino al lado de las personas termina, que todo tiene, un principio y un fin y que entre más rápido podamos aceptar eso, mejor será nuestra sanación.

En ambos pudimos observar que se quisieron y que sufrieron. Pero, a veces, el amor no lo puede todo. Se necesitan acuerdos, se necesita escuchar. Siempre pedimos, necesitamos, exigimos, pero, ¿qué hay del otro?

Nos separamos de una persona a la que conocemos, pero si nunca logramos ser transparentes, ¿realmente nos conocemos? Si en la relación jamás se logra tener empatía hacia la pareja, ¿por qué es que nos sorprendemos tanto cuando nos separamos? Esas son algunas de las interrogantes que Historia de un Matrimonio pone satisfactoriamente en la mesa.

Y como decía el famoso escritor francés Stendhal:

 “Adiós querido amigo, intenta no ocupar tu vida en odiar y tener miedo”


Y a ustedes, Cinéfilas y Cinéfilos, ¿Les gustó Historia de un Matrimonio? ¡Opinen en los comentarios!

Polvo

Polvo (2019) es una novedosa ópera prima que aborda el narcotráfico en México desde un punto de vista cómico, sin brincar hacia lo ridículo o arriesgado. Sin embargo, peca de inverosímil en ciertas situaciones. Algo que roza con la ambientación realista. Sobre todo, por la latente amenaza que se teje encima de un precario pueblo olvidado en la nada.


¿De qué va?

La historia de Polvo sucede en 1982, en el pueblo de San Ignacio, Baja California Sur, cuando una noche caen de una avioneta paquetes conteniendo un polvo blanco y misterioso. Los habitantes al desconocer que se trata de cocaína, le dan diversos usos. Sin embargo, ese cargamento de 500 kilos, pertenece a un cartel colombiano que esperaba la avioneta en Tijuana.

Al enterarse que los paquetes terminaron ahí, el cartel envía al Chato (José María Yazpik) al sitio de donde es oriundo. Regresará tras diez años de ausencia, al pueblo donde creen que es actor de Hollywood, para recuperar la mercancía lo más rápido posible.


Ópera prima fuera de lo común

Polvo es escrita, dirigida y protagonizada por el mexicano José María Yazpik, quien en los anteriores años ha tenido sus trabajos de actuación en series con temáticas de crimen organizado como en Narcos (2017) y Narcos México (2018), donde da vida al narcotraficante Amado Carrillo.

Ahora, tras varios años de cercanía con el tema, presenta un punto de vista personal, con gotas de humor criticas, abrazadas a la realidad. Algo lejano a la abundante violencia, sexo y tensión que nutren las mencionadas series.

Es una ópera prima poco habitual, porque, el que la misma persona dirija, escriba y protagonice una película, normalmente da como resultado proyectos que no emiten más que vergüenza ajena y arrepentimiento. Afortunadamente Polvo no es el caso, pues José María Yazpik sorprende al realizar un buen trabajo en las tres ramas.


Involuntariamente inoportuna

Polvo se estrena en el marco de una serie de meses trágicos para México. En primer lugar, el infierno en vida por el que tuvieron que pasar los habitantes de Culiacán, Sinaloa en el mes de octubre. En segunda, a inicios de noviembre sucedió la masacre de la familia LeBarón en una remota zona de Sonora; en donde perdieron la vida mujeres y niños, al ser calcinados al interior del vehículo en el que viajaban.

A pesar de ello, Polvo camina con sentido ajeno a los trágicos hechos. Poco vemos de la glorificada jornada de un cartel. De hecho, el Chato, más que un capo, es un burrero que encomendaron simplemente por ser oriundo del pueblo.


Fortalezas 

Uno de los puntos más fuertes de Polvo es el ritmo. En ningún momento la película se percibe como lenta, o asfixiada de chistes innecesarios. De hecho, administran la dosis adecuada para sobre llevar la trama utilizando el humor como vehículo, pintado de un tono critico, que, aunque disimulado, le permite a Yazpik posicionarse respecto al tema.

Por ejemplo, es cuando los niños dejan de ir a la escuela, o cuando los jóvenes faltan a la práctica de béisbol por ir a buscar los paquetes de cocaína, que se explican los daños que provoca el narcotraficante en una sociedad. Asimismo, el dinero y bienes fáciles que adquieren los habitantes, y con ello, ‘sus nuevas vidas de lujos’.

El elenco, por su lado, es un detalle que también sobresale. Se tiene a una fila actores ya posicionados dentro del cine y entretenimiento como Mariana Treviño (Club de Cuervos), Joaquín Cosío (Belzebuth), y Jesús Ochoa (Hombre al agua) sin que estos se hagan sombra el uno al otro, ni sin que veas en esta película a viejos personajes de los actores.


Debilidades

Son los minutos de duración, y el final, los puntos más débiles de Polvo. Porque, si bien, el ritmo te hace sentir un montaje ligero, es al finalizar la historia cuando se siente un cierre forzado. De ninguna manera podría justificarse como un final abierto a la imaginación, ya que se trata de bajar el telón de forma atrabancada.

Se desaprovechó una oportunidad de crear tensión al espectador, al ver la amenaza del cartel más cerca del Chato, y del pueblo que lo vio nacer. Las palabras de amenaza no pasaron de una llamada del patrón.

Claramente una película no debe regirse estrictamente por cantidad de minutos, sino por el contar una buena historia en el tiempo que sea necesario. Pero teniendo una hora y veintiocho minutos de corte ‘final’, se tenía tiempo de sobra para dar un cierre que no dejara con hambre.

Por otro lado, que el nivel de ignorancia de los habitantes del pueblo sea tal, que son incapaces de reconocer un paquete de cocaína o la sustancia misma, resulta inverosímil. Sin importar la posición económica, o nivel educativo, la cocaína desde que es traficada tiene la misma presentación. Punto en contra.


¿Debe verse?

La película Polvo, que por momentos recuerda al trabajo de El Infierno (Luis Estrada, 2010) merece una oportunidad por atreverse en un terreno donde abordan este tipo de historias desde la habitual acción. Además, es relevante para presenciar el inusual inicio de una interesante carrera de escritura de guión, y de dirección de cine.


¿Ustedes ya vieron Polvo, cinéfilos?

Cómo criar a un superhéroe

Si hay algo que está dominando tanto en la pantalla grande como en la chica, es, sin duda alguna, todo lo relacionado con superhéroes. Desde hace algunos años la oferta de estos personajes es amplia, incluso —algunos dirán— que nos encontramos ante una sobreexplotación del género. Es en esta marea de contenido que llega Cómo criar a un superhéroe o Raising Dion.

Hay que ser sinceros, el tema de los superhéroes funciona, al menos en la mayoría de las veces. Y como hoy prácticamente todas las plataformas de streaming tienen al menos un proyecto dedicado a los superhumanos, Netflix no podía quedarse atrás.


¿De qué va?

Basada en el cómic de Dennis Liu, Cómo criar a un superhéroe nos cuenta la historia de Nicole, una viuda y madre soltera que tiene que afrontar los problemas de criar sola a su pequeño hijo de siete años, Dion.

Las cosas se van a complicar mucho cuando el niño empiece a mostrar que tiene superpoderes. Si ya criar a un hijo es complicado, a uno con un montón de habilidades sobrenaturales es aún mas complicado.

En Cómo criar a un superhéroe también encontraremos algunas referencias a frases relacionadas a cómics u otras películas en los nombres de los episodios, como “Days Of Future Past” o “Why So Serious?”


¿Una serie más de superhéroes?

Cómo criar a un superhéroe toca algunos temas bastante interesantes, como lo son los dramas familiares, la inclusión, el bullying y el racismo. Si bien éstos son comunes en los cómics, en el caso de las adaptaciones a pantalla muchas veces han sido dejados de lado para darle más prioridad a la acción.

Es la combinación de temas y la forma en la que éstos son tratados lo que sirve como la mayor fortaleza que tiene esta serie.

A pesar de que estamos en una historia con gente con poderes, no deja de lado la parte humana de los personajes, ellos son como cualquiera de nosotros, no están exageradamente dramatizados o caricaturizados.

La serie arranca lento, los primeros 3 o 4 episodios son algo aburridos, pero una vez que la trama empieza a avanzar y se revelan algunos misterios con respecto al origen de los poderes de Dion y la relación que estos tienen con su padre, todo se torna mucho más emocionante.

Además, la participación de Michael B. Jordan es uno de los mayores atractivos. Este actor ha demostrado en varias ocasiones tanto dentro como fuera de la pantalla que es un gran conocedor de estos temas. Aquí, además de actuar, también funge como productor.


No todo es “súper”

Uno de los mayores problemas está en el protagonista. Desafortunadamente hay algo en el que hace que cueste trabajo empatizar con Dion, tal vez por su edad o por su personalidad. Si bien la serie se centra en él y conocemos su evolución en la trama, termina siendo opacado por otros personajes.


Veredicto

Cómo criar a un superhéroe es una serie que está enfocada a un público más familiar, pero que no va a decepcionar a aquellos que buscan historias un poco serias y oscuras. L serie tiene una historia bastante bien escrita que hará que muchos de ustedes se encariñen con los personajes y deseen saber más de ellos.


¿Ustedes ya vieron Cómo criar a un superhéroe? Cuéntenos qué les pareció.
¿Esperan una segunda temporada?

La Forense: lo bueno y lo malo

La Forense (2019), o The Coroner en su idioma original, es la nueva serie de Universal que nos presenta un interesante drama policíaco basado en las exitosas novelas escritas por M.R Hall y cuya trama nos demostrará que en varias ocasiones los muertos hablan más que los propios vivos.


¿De qué trata?

La historia de La Forense sigue a Jenny Cooper (Serinda Swan), una ex médica de urgencias, quien ahora es nombrada policía forense; además, es madre y acaba de perder a su esposo. Esa experiencia le da un acercamiento más personal y crudo con la muerte a la cual estaba acostumbrada. Pero también le brindará un ejemplo que le servirá a lo largo de su trabajo. El no quedarse con las primeras conclusiones en un caso, indagar más allá de lo superficial para llegar a la verdad, sin importar qué o quién diga lo contrario.

En la ausencia de su marido comienza a descubrir los secretos que le guardaba a ella y a su hijo, y que ahora le acarrean severos problemas, especialmente financieros. Asimismo, aunado al reciente duelo, toda la experiencia traumática se materializará constantemente en la visión de un perro negro en momentos donde no parece haber salida.

 


Lo bueno

La forense es una serie que ofrece diversidad al colocar a una mujer como protagonista en historias que encabezan en su mayoría hombres, y donde ellas suelen ser las co-protagonistas de las parejas investigadoras. Un ejemplo claro son La Ley y el Orden: UVE con Christopher Melonie y Mariska Harggitay, o Bones con Emily Deschanel y David Boreanaz.

Por otro lado, lo que hay detrás de escena es destacable ya que las historias de los fallecidos están basadas en hechos reales. Además, para la redacción del guión fueron consultadas personas especialistas en su área: médicas forenses, detectives, policías, patólogos, etc., dando así mayor veracidad a la historia de Cooper.

Otro aspecto es que la serie es entretenida, las secuencias logran mantenerte interesado sobre qué hay detrás del caso que está investigando Jenny, y sobre el porqué de la aparición de ese desconcertante perro negro. 


Lo malo

El personaje de Jenny Copper, si bien es interesante, no es memorable. Carece de una chispa que la haga destacar de entre todos los personajes de dramas policíacos que existen actualmente. Perdió a su marido, es madre soltera, lucha por la justicia, y a pesar de eso se siente que hace falta algo más para que sea “la policía forense” que guardaremos en la memoria.

De hecho, ésta es una constante en varios de los personajes, brillan pero carecen de un detalle que los identifique fuera del molde de policía de drama televisivo que hemos visto por años.

 

 


La forense: ¿Una serie recomendable?

The Coroner o La Forense es una de las series que no debes perderte en julio, sobre todo por la pregunta que plantea al público: “¿Qué nos pueden decir los muertos?” Aunque ya no se encuentren con nosotros, siempre habrá en ellos detalles que nos expliquen más que las palabras que puedan decirnos los mismos vivos. 

Si quieres disfrutar esta historia, puedes hacerlo mediante la señal del canal UniversalTV Latinoamérica.

 

La larga noche llega a GOT

Trato de recordar si alguna otra serie desencadena semana con semana lo que Game Of Thrones. Y, si bien vienen a mi memoria algunos casos muy específicos, estoy seguro que ninguna provoca tantas y tan vehementes reacciones entre la audiencia.

El episodio que acabamos de presenciar nos confirma por qué Game Of Thrones no sólo es la serie más vista de la actualidad, sino también uno de los sucesos televisivos más importantes de la historia.

La tormenta

Los dos episodios anteriores fueron como una calma antes de la tormenta. No hubo mucha acción, pero sí mucha construcción del argumento. La serie se enfocó en los personajes, en darnos un poco de cada uno para fortalecer nuestra empatía hacia varios de ellos (como si no la tuviéramos ya). Sólo nos estaban preparando para arrebatárnoslos.

La batalla de Winterfell no sólo prometía ser el clímax de esta temporada, sino que aseguraron que sería la batalla más grande en la historia de la televisión. ¿Lo lograron?

¡Completamente!

Al momento de escribir este texto sigo temblando, trato de asimilar cada cosa que vimos en pantalla: tanto los momentos que nos hicieron saltar del asiento, como también los que nos dejaron en silencio.

La guerra

Ésta no es una batalla más, es la gran batalla: los vivos contra los muertos. Ya no hay segundas oportunidades, ni revanchas, ni retiradas. Es la noche del todo o nada.

Muchos personajes no sólo pelean por su vida y la ilusión de recomenzar después de la guerra, sino también por algo mucho más profundo: la redención. Para varios, ésta es la última oportunidad de reparar los errores del pasado, de recuperar el honor perdido, de encarar el destino con la cara en alto.

Ante el fin del mundo

Invernalia ha dejado de ser el escenario que sirve de testigo de la historia. Es un personaje más: ha estado con nosotros desde el principio de esta aventura, ha evolucionado, se ha convertido en el símbolo de los vivos, el último bastión de los hombres. Es el lugar más importante de todo Westeros.

También hay otro personaje clave que aporta demasiado a la batalla: la oscuridad. Hay muy poca visibilidad tanto afuera como adentro del castillo. Apenas y podemos saber lo que está ocurriendo, oímos gente peleando, pero no podemos distinguir quién lucha con quién. La experiencia no puede ser más angustiante y real.

Todo el capítulo es caótico, confuso y demasiado dramático, emocionante casi hasta el desgaste. No nos da ni un minuto para descansar, va de más a más, te envuelve y no deja que quites la vista de la pantalla.

Durante el combate, cada personaje tiene su momento para brillar. Aunque algunos lo hacen más que otros, ninguno ha quedado relegado. Al final, todos han hecho frente con valor a la fatalidad de su destino.

La sorpresa de Arya

Estoy seguro que este episodio estuvo lleno de sorpresas para muchos. Los pronósticos y predicciones quedaron completamente fuera. El final fue totalmente inesperado.

La música que Ramin Djawadi preparó para este momento funciona maravillosamente de principio a fin. Guarda silencio largo rato y nos deja solos frente al fragor de los cuerpos caídos, pero luego nos recoge de nuevo y nos conduce de la mano por la trepidante coreografía de la muerte.

Los casi 2 meses invertidos en la realización de la Batalla de Winterfell han dejado la vara muy alta para cualquier otra serie en los próximos años, pero el capítulo no fue perfecto. El hecho de que Arya Stark matara al Rey de la Noche deja en mí un sabor de insatisfacción. Sé que “Azor Ahai” (el que en los libros está marcado para acabar con el Rey de la Noche), fue muy pocas veces mencionado en la serie, pero creo que todos esperábamos que fuera Jon el que acabara con el villano. Se venía planteando esta posibilidad desde temporadas pasadas, y que finalmente fuera Arya, provoca un poco de decepción. Intuyo que se trató más de una decisión de fan service. Espero que el “el Señor de la Luz” tenga algo mucho más grande planeado para Jon.


Aún hay varios episodios por delante, pero ya se puede sentir el espectacular desenlace de Game of Thrones cada vez más cerca.

La batalla de Winterfell pudo haber acabado, pero todavía queda la última guerra por librar.

 

 

 

Daredevil – Temporada 3

La tercera temporada de Daredevil llegó a Netflix para continuar la historia de Matt Murdock y Wilson Fisk, y sin duda alguna, es la mejor serie de superhéroes del momento.


Daredevil T3

Desde su aparición en The Defenders el año pasado, no habíamos vuelto a ver a Daredevil en la plataforma de streaming. Este año, afortunadamente, la serie de Marvel regresó para consolidar a Matt Murdock como el mejor personaje, desde mi punto de vista, de todo su universo tanto cinematográfico como televisivo.

Recapitulemos. El momento en el que se desenvuelve la trama es muy difícil; Matt se recuperaba de sus lesiones tras eliminar a The Hand en Los Defensores, mientras que Wilson Fisk salía de la prisión para terminar el plan que había desarrollado desde la primera temporada. Karen Page y Foggie Nelson viven momentos complicados al creer que Matt había perdido la vida tras su heroica hazaña. Estas diversas situaciones, al final, llevaron al límite a cada uno de los personajes.

 


Fisk, el mejor villano de Marvel hasta el momento…

Vincent D’Onofrio como Kingpin es una de las mejores cosas que le pudo pasar a Marvel/Netflix. En mi opinión, es el personaje más sobresaliente del universo. Para esta temporada, el villano manipuló a todos, ¡absolutamente a todos!

Desde prisión, el rufián calvo armó un plan impresionante con base en mentiras, control y amenazas. Poner de su lado al FBI fue algo épico. Luego de recuperar su reputación y el control de la ciudad, hizo dudar a todos del sistema de justicia y de las creencias de Matt y Foggie. Pero el punto fulminante fue cuando puso de su lado a Benjamin Pointdexter, mejor conocido en los cómics como Bullseye.

 


Bullseye

En esta temporada se introdujo al icónico villano de Daredevil, quien, al ser un hombre trastornado, ocasionó un sinfín de dificultades. Pointdexter comenzó como Agente del FBI. Conocer a Fisk fue el punto de quiebre en su historia, ya que sucumbió a su manipulación. Ahí conocemos al verdadero Bullseye: al hombre que no falla ni un disparo.

Pointdexter alteró la reputación de Daredevil al suplantarlo y cometer atroces crímenes.  Con ello ayudó a Fisk en su plan de desacreditar al justiciero y poner al pueblo de su lado. Sin duda fue una estrategia brillante donde Bullseye sólo sirvió como peón.

 

El regreso al traje negro…

Ahora sí, adentrémonos totalmente en nuestro héroe, Matt Murdock, que regresó de nuevo para salvar a Hell’s Kitchen sin importarle nada. Con un largo camino recorrido, y toda la experiencia adquirida durante dos temporadas, llegó su momento de consolidación. Su historia de principio a fin ha sido la mejor. Sin duda, es el personaje más desarrollado de todo Marvel, puesto que conocemos sus fortalezas, sus motivaciones y debilidades.

Tras los sucesos de The Defenders, Matt dejó sus creencias y religión de lado. Él creyó que había colgado el traje para siempre, pero no fue así.

Al enterarse de la salida de Fisk de prisión, Murdock retomó el traje con el que inició la serie para terminar de una vez por todas su tarea; no obstante, primero debía desmentir las acciones que dañaron su reputación.

Sin contar detalles de la historia, quiero mencionar que las secuencias de acción son, como siempre, de lo mejor. Las peleas de pasillo, características de la serie, son impresionantes y en esta temporada vemos, posiblemente, la más increíble.

 


¿El final de la serie?

Daredevil T3 significó un parteaguas en el personaje. La serie ató todos los cabos sueltos y dejó a nuestros personajes en paz. Si bien pienso que es la mejor temporada de todas, también creo puede fungir como punto final de la serie.

¿Por qué? Disney, dueño de Marvel, pronto abrirá su plataforma de streaming y con Netflix como competencia, dudo mucho que permita que uno de sus mejores personajes esté en contra de ellos. El aviso más claro lo tenemos en las recientes cancelaciones de Iron Fist y Luke Cage. El tiempo lo dirá.

 


En conclusión…

Daredevil es la mejor serie de superhéroes del momento, superior a todas las que he podido ver. La acción, la trama y sus personajes la hacen inigualable. Cada capítulo deseas saber más y más de la historia. En verdad no veo a ninguna otra producción que le haga competencia. De confirmarse su final, habrá concluido de manera digna. Espero, sin embargo, que ésta no sea la última ocasión que sepamos del Hombre sin Miedo.

Venom

Venom, la película que debió ser sanguinaria y épica pero que terminó siendo chistosa.

Venom es una de las películas más esperadas del año por todos los fans de los cómics. Desde el anunció de una cinta en solitario del Simbionte, las expectativas eran muy altas. Sin duda, todos queríamos que se realizará justicia al personaje después de su adaptación en Spiderman 3.
La cinta es protagonizada por Tom Hardy, uno de los mejores actores de los últimos tiempos. Una de las cosas que mayor decepción causó fue su total desvinculación con Spiderman. Esta noticia pegó fuerte debido a que su creación es totalmente ligada al trepamuros.
Después de entrar un poco en contexto, vamos con la película. Venom no es el total fiasco que dicen los críticos. No es comparable ni con Los Cuatros Fantásticos ni con Daredevil, como manejaban. La cinta es completamente genérica, una calca de las películas de superhéroes de hoy en día, acción y comedia. Sony trató de seguir la línea de Marvel Studios para esta película.


La vida sin Spiderman…
En Venom se nos presenta un origen común del personaje. Este llega desde el espacio y se adhiere a Eddie Brock como su portador. Algo importante a resaltar es que no tiene los poderes arácnidos, ya que nunca se une al trepamuros primero. Más bien es como un ‘Flubber Espacial‘, algo flexible y que adquiere cualquier forma.
Si nos adentramos a la trama, los primeros cuarenta y cinco minutos son olvidables. No sucede absolutamente nada relevante. Únicamente nos presentan a nuestro protagonistas y su desarrollo.
En cuanto a la relación de Eddie-Venom, esta es divertida. Y divertida no es el adjetivo que me gustaría utilizar para ello. Venom es un niño inquieto y necio que busca ser el centro de atención. Si bien, ya transformado es imponente, no compensa todo esa comedia innecesaria. La cinta perdió mucho al no ser clasificación R, necesitábamos ver a ese personaje sanguinario.
El villano, es olvidable, el Simbionte Riot no es nada memorable. El Doctor Drake,  no funciona. Al final de la cinta, cuando se fusionan, es lo único rescatable de ambos personajes. Fuera de ello, hasta el Mandarín de Iron Man 3 me gustó.


Venom no es tan mala como los críticos dicen…
Pero no me malentiendan, no todo es malo. Personalmente soy un gran admirador del personaje, no tienen idea de cómo esperaba verla. La cinta, toma mejor rumbo a partir de la segunda parte, literal, es como ver dos cintas diferentes. Se convierte en otra a partir de la escena de la motocicleta.
Si bien, no me gustó mucho la relación Eddie-Vemom, estos al transformarse son imponentes, visualmente es el Venom perfecto. Eso no lo puedo discutir. Los efectos, el CGI, la caracterización. Son excelentes. Las escenas de Venom transformado son épicas, que lastima no verlo frente a Spiderman.
La escena postcréditos, la bendita escena postcréditos me emocionó más que toda la película. El momento que Eddie fue a entrevistar a Cletus Kasady, que a la postre se convertirá en Carnage, fue excelente. Woody Harrelson será el encargado de dar vida al sanguinario y despiadado personaje. El poco diálogo que tuvo el actor fue suficiente para engancharme y hacer que espere una secuela.
Sinceramente espero que la película le vaya bien en la cuestión económica para que pueda confirmase la segunda parte. Porque esa secuela con Carnage como antagonista será memorable.


En conclusión…
Venom es una película palomera, que te mantera entretenido en su hora y media de duración. Una película divertida, que sigue mucho la idea de Marvel Studios. Con algunas escenas bizarras y suficiente acción, cumplió, pero hasta ahí, se quedo corta ante las expectativas que causó.
Espero que la segunda parte remedie esta gris película.

Ruben Blades Is Not My Name

El documental sirve como acercamiento y reconocimiento de nuestra identidad latinoamericana a través de la música que se hace en nuestro continente.

¡Hola cinéfilos!

Hoy les vengo a recomendar un documental que se acaba de estrenar cines de nuestro país y que bien me parece que es de esos imperdibles para aquellos melómanos por excelencia y sobre todo para aquellos que sean amantes de la salsa.

“Yo no me llamo Rubén Blades” es el nombre que lleva este documental que sirve, en palabras del mismo Blades, como una especie de testamento de su legado y obra.

Para aquellos que no sepan quien es Rubén Blades…

Es un músico, compositor, abogado, actor, activista político de origen panameño, quien hoy en día es considerado como uno de los grandes exponentes en la historia de la salsa.

Este documental despertó en mis unas altas expectativas, sobre todo porque la salsa es un género que llegué a estudiar en la universidad, y que, además, como bajista tengo cierto gusto y respeto.

Rubén Blades nos cuenta su propia historia…

En principio, mientras va recorriendo las calles de su natal Panamá, llevándonos a conocer la casa donde vivió a demás de las calles en las que creció.

También nos cuenta del como nació su amor por la música, gracias a sus padres; de la relación con su abuela, de como esta fue una de las personas que más peso tuvo en su filosofía de vida. De como fue que, durante su juventud, los conflictos por los que pasó su país fueron determinantes para definir su postura política, y de como lo llevaron a usar su música como un método de protesta.

La segunda mitad se centra en su vida en Nueva York, ciudad que lo ha adoptado desde hace muchísimos años, en las que no solo nos lleva a pasear por esta emblemática ciudad, sino que también nos lleva al edificio que vio nacer a la salsa, aquel en el que hace muchas décadas atrás fue la cede de “Fania”, la disquera que trajo a todas las leyendas de la salsa, como lo fueron Héctor Lavoe, Celia Cruz, Ray Barreto, entre muchísimos más.

También vemos parte de su recorrido por varios puntos de Latinoamérica, en donde el mismo artista se dice asombrado de lo que ha logrado su música tras tantos años.

Además de una cantidad impresionante de valiosísimas anécdotas en una carrera de 50 años en la música donde nos comparte sus pensamientos y sentimientos a lo largo de su vida.

Otras facetas suyas…

También aborda su etapa como actor, en la cual el mismo menciona que aún no sabe como es que ha seguido haciendo series y películas. En las que ha compartido con estrellas de la talla de Jack Nicholson, Robert De Niro.

También se da el tiempo de mostrarnos algunas otras facetas no muy conocidas del cantante, como su amor por los comics, de los cuales es un ávido coleccionista. Inevitable que también abordara sobre su parte política y filántropa, donde nos comparte que se siente muy obligado a ayudar su gente.

El documental sirve como acercamiento y reconocimiento de nuestra identidad latinoamericana a través de la música que se hace en nuestro continente.

Muchas veces creemos que, los artistas latinoamericanos no tienen la misma trascendencia o influencia que tienen los artistas anglosajones. Este documental nos confirma que esa idea está totalmente equivocada, con testimonios, aunque breves, de leyendas de la música como Paul Simon y Sting, quienes nos comparten como la música del panameño ha sido de importancia para ellos y la música en sí.

También aparecen artistas de la talla de Gilberto Santa Rosa y de Residente, quienes nos dejan conocer un poco mas a Rubén, la persona.

Hay otros temas que son tocados en el documental, pero no quiero contarles todo, espero que le den una oportunidad a “Yo no me llamo Rubén Blades” sé que no estará en muchas salas, pero si en verdad tienen una oportunidad de verlo, háganlo.

¿Recuerdan en que películas o series han visto a Rubén Blades o recuerdan alguna canción suya? háganlo saber en los comentarios.

Batman Ninja

“Una película de Batman que deja una sensación un poco amarga”

Batman Ninja

La cinta animada del Caballero de la Noche nos transporta al Japón antiguo; donde Batman y sus aliados deben derrotar a todo su repertorio de villanos para volver a su época. Pero bueno, la cinta salió directo a formatos caseros, fiel a la costumbre de Warner con esta clase de películas. Con un estilo de animación similar al animé, Batman Ninja es un sin fin de claroscuros en sus 1:30 horas de duración.


La historia

Todo comienza en el presente, donde Bruce Wayne se enfrenta a Gorilla Groot en una batalla por el dispositivo del tiempo. Por una serie de imprevistos, Batman y sus villanos son teletransportados al Japón del siglo XVI. Como era de esperarse, El Joker se apodera del pasado; dando pie a nuestro héroe para derrotarlo y regresar todo a la normalidad. Una trama bastante explotada, pero la novedad es ver a nuestros personajes en una época distinta.

Batman en Japón es considerado un profeta, un héroe que llegaría a salvarlos del mal y regresar todo a su estado antiguo. Algo raro, ya que el Caballero de la Noche no es contemporáneo a esa etapa del tiempo. Eso generó un vació argumental en toda la trama de la película. En un momento la sentí como una película de Power Rangers por los Robots y el Batman gigante en la batalla final.


Animación

Si bien intenta imitar al animé, la película hace un fallido intento en emularlo; en lo personal, considero la animación como el punto más débil de la cinta. Un estilo 3D/2D que no combina bien el estilo japonés, inclusive, lo demerita. Un punto bastante negativo en Batman Ninja.


¿Está al nivel de otras producciones animadas de DC?

No, realmente no lo está. Es una película con una historia bastante floja, que no aporta ninguna nueva aventura a Batman. Su único punto a favor fue trasladar todo al pasado en Japón, de ahí en fuera, es una cinta animada del montón, que no alcanza a otras producciones animadas de Warner y DC.


Conclusión…

Batman Ninja es una cinta entretenida de DC; tienepuntos positivos, como el ver a nuestro héroe en el pasado y otros negativos como la animación, ademas de algunos huecos argumentales. Pero a grandes rasgos, es una cinta que fácilmente puedes disfrutar. Puesto que una batalla a muerte entre Batman y sus villanos jamás sera aburrida.


¿Cuál es tu película animada de DC? ¡Cuéntanos en los comentarios!

TEEN TITANS GO! TO THE MOVIES

“Te guste o no la serie, es una película bastante disfrutable y que tienes que ver”

Una de las principales quejas sobre las cintas de DC Comics se basa en decir que son demasiado oscuras. Pues bien, el debut en cines de los Teen titans se aleja completamente de este paradigma. Y no es para menos, ya que los personajes de la igualmente amada y odiada serie Teen Titans Go!, quienes dan el salto a la pantalla grande, son todo lo contrario a oscuro. Alegres, absurdos, irreverentes, graciosos, divertidos, sarcásticos y hasta ingenuos es lo que son y lo demuestran en esta cinta.

teen titans go

 

¿UNA PELÍCULA SOBRE ROBIN?… NO SE OYE TAN MAL

Bajo la premisa de “Sólo eres un superhéroe cuando tienes tu propia película” es que Beastboy, Starfire, Raven, Cyborg y Robin, buscarán a la mejor directora de Hollywood para que realice una película sobre el equipo. Esto, al darse cuenta de que son los únicos superhéroes que no tienen una. Sin embargo, nadie los toma en serio ni los considera verdaderos héroes, pero los Teen Titans, en especial Robin, harán lo que sea por convertirse en estrellas. Hasta que un villano se topa en su camino…

TEEN TITANS GO

SLAAAAAAAAAAADE

Como todo superhéroe, los Titans enfrentarán a un supervillano, que es nada menos que el Deadpool de DC, Slade. Y como todo buen supervillano, su plan es conquistar el mundo… a través de su CONTROL MENTAL. Como todo dentro de esta película, este villano también es una burla, aunque cumple muy bien con  su papel.  Al enfrentarlo es como los Jóvenes Titanes logran demostrar que son héroes y no los payasos que todos creían.

 

REFERENCIAS, REFERENCIAS Y MAS REFERENCIAS

Algo que hace irresistible a esta película es sin duda la cantidad inmensa de referencias y cameos en ella. Desde íconos de DC como Superman, Batman y Wonder Woman, hasta leyendas de Marvel: ¡EXCÉLSIOR!. La mayoría, si no es que todos, son abordados de forma cómica, lo que le da esa esencia característica de la serie, y que no se pierde en ningún momento. He de decir que ni siquiera había pasado un segundo de la película cuando apareció la primera referencia. Y, (con permiso de Infinity War) es la película en la que vi mas superhéroes reunidos en un solo lugar. El verlos así, aún en forma de comedia, resulta emocionante, y hasta inevitable intentar reconocer a todos y recordar sus nombres.

Otra cosa a resaltar es la referencia misma al sistema de Hollywood en cuanto a películas de superhéroes; pues ésta es básicamente una burla a ello. Al no tomarse en serio, funciona perfectamente la sátira que pretenden transmitir.

TEEN TITANS GO

EN CONCLUSIÓN…

Jóvenes Titanes en Acción, el primer estreno de DC en cines del año resulta ser una cinta muy divertida. Con un humor sencillo pero ingenioso y funcional dirigido mayormente al público infantil, pero que no deja indiferentes a los de mayor edad. Su guión es un tanto predecible, por lo mismo de su sencillez, sin embargo cuenta con escenas épicas que resultan una agradable sorpresa. Poner especial atención en la secuencia de los ¿Triciclos del Tiempo?

Un mérito extra es que se siente fresca, pues aunque cuenta con la clásica pelea de héroes contra villanos, no es lo principal en la trama, sino de alcanzar los sueños y la amistad. Así de cursi. Al salir de la sala te quedas con el aprendizaje de… Lo olvidaba. Esta no es esa clase de película.

Teen titans go

Un consejo: si no quieren sentir las miradas de todos en la sala, eviten sentarse en la fila cinco (experiencia propia).

Better Call Saul 4×01: “Smoke”

Su hermano ya no estará con él para bien o para mal. Quizás todavía no sabe cuál de las dos opciones.

Better Call Saul finalmente está de regreso con su cuarta temporada. Los acontecimientos con lo que cerró la temporada anterior nos preparaban para un cambio en Jimmy. Y ahora, luego del cierre de este episodio “Smoke“, definitivamente que el cinismo y el hielo en las venas parece que serán la nueva postura de vida de su protagonista.

El episodio comienza con el “futuro”, o para no enredarnos con timeline y esas cosas; los acontecimientos luego de todo lo sucedido en Breaking Bad. Lo último que habíamos visto en esas escenas perfectamente filmadas y editadas en blanco y negro era que “Gene”; nombre que se puso Saul tras los sucesos en Breaking Bad, se desplomaba mientras trabajaba en el Cinnabon.

Rápidamente es trasladado a un hospital donde le dicen que no fue nada grave y que puede irse a casa. La mirada de “Gene” es siempre de nervios, ocultándose y vigilando cada esquina casi de forma involuntaria. Por ello no es de extrañarse cuando una enfermera le pide los datos de su seguro social… O cuando aborda un taxi con una figura de los “Isótopos de Albuquerque”… Un recuerdo explícito del lugar que con tanta desesperación salió.

Ya veremos más adelante si ese estado de alerta es justificado o solo es la paranoia que ahora es su sombra.

De regreso al “pasado”, nos topamos con que Jimmy y Kim se dan cuenta de la trágica noticia… Chuck ha muerto. Es así que Jimmy llega a lo que era la casa de su obsesivo, pedante y meticuloso hermano… La reacción del menor de los McGill es de incredulidad, de un vacío existencial.

Ese vacío, como si le hubieran raptado el alma, es lo que representa perfectamente Bob Odenkirk alrededor del capítulo. Los intentos de Kim por consolarlo son sutiles, nada exagerados, más que por la botella del famoso tequila Zafiro.

Aún bebiendo la botella, Jimmy sigue congelado en sus pensamientos y una mirada desolada; su hermano ya no estará con él para bien o para mal. Quizás todavía no sabe cuál de las dos opciones.

Lo cierto es que Jimmy parece no inmutarse ni con el enorme obituario que Howard prepara; tampoco con el pésame de ex colegas… Hay algo más que está en su mente. ¿Qué activó la reacción de Chuck, cuando cinco días atrás estaba mejorando su condición?

La respuesta es dicha por el propio Howard, quien le explica a Jimmy y a Kim que él había expulsado a Chuck de la firma HHM, la que el mismo Chuck había ayudado a fundar. Howard se siente culpable de la muerte “intencional” de Chuck, además que le dice a Jimmy que Chuck había perdido su seguro por malas prácticas; algo que fue propiciado por Jimmy como venganza contra su hermano.

Pero Jimmy aquí es donde adquiere su máscara Saul… Deslinda responsabilidad por la muerte de su hermano y le dice de forma fría y directa a Howard que “deberá lidiar con eso”, pasándole así la culpa para que sea él quien sufra por ello. En ese momento Jimmy cambia su semblante, prepara un café e incluso silba, como si hubiese sido una liberación interna… Todo ante la mirada fija de Kim.

El capítulo también nos mostró por supuesto a Nacho, quien fue el que envenenó al señor Salamanca. El plan no resultó tanto como quería, porque en vez de salirse del mundo de los cárteles se introduce más; al reunirse tanto con Gus Fring como con Juan Bolsa, quienes ya tienen planes para evitar que el negocio caiga.

Por otro lado está el buen Mike, el silencioso y especial Mike… Éste de una vez renuncia a ese trabajo de levantar la aguja para que pasen los carros. Si recuerdan, ahora estará en planilla por trabajar con Gus, pero parece que quiere escudriñar más. Es así que se introduce a la empresa Madrigal, donde una de las directoras es Lydia Rodarte-Quayle.

Fue interesante ver la “aventura” de Mike metiéndose casi que literalmente hasta la cocina de la planta; conduciendo un carrito en la bodega y engañando a todos para extraer información y puntos débiles de seguridad. Típico Mike, un verdadero espía/matón de alto nivel.

Y eso fue lo que nos dejó este comienzo de temporada 4 de Better Call Saul. No quiero cerrar esto sin decir que la fotografía de esta serie sigue siendo magnífica. Los ángulos de las tomas son intrigantes y misteriosos, como si siempre hay algo detrás de lo que se ve. Por algo es de las series más respetadas en la actualidad.

Better Call Saul se transmite los lunes en la noche en AMC (Estados Unidos) y en Netflix Latinoamérica está disponible los martes

Luis Miguel: La Serie – Temporada 1

El fenómeno mediático del verano en México. La serie del cantante mexicano mantuvo expectante semana con semana a cientos de miles de espectadores. Es por ello, que en Fuera de Foco queremos dar un balance de la temporada 1 de Luis Miguel: La serie.


Luis Miguel: La serie

No es ninguna mentira que la vida del cantante de origen puertorriqueño siempre ha sido un misterio para su público. Desde su anuncio, los fanáticos del “Sol” aguardaron con emoción el estreno de la producción de Netflix y Telemundo.

En primer lugar, la serie cumple con su cometido de entretener. En segundo, la productora supo llevar cada capítulo de una forma adecuada; con personajes bien armados, una historia cautivadora, con base en hechos reales. Simplemente Luis Miguel: La serie tuvo todo para triunfar.

La serie del cantante maneja de excelente forma diferentes líneas temporales de su vida. En su niñez, vemos lo complicado que fue para el pequeño “Micky” la vida como figura pública. Durante su adolescencia, se tocan temas mucho más sensibles. Y en su juventud, vemos a un Luis Miguel empoderado, que busca una independencia de la imagen que alguna vez dio.

El eje central de toda la serie fue la desaparición de su madre, Marcela. A partir de la mitad de temporada, dicho tema se instauró como el principal tópico de interés de los fans del programa; puesto que las causas que rondan su ausencia son demasiado extrañas, dándonos a entender que su destino pudo ser el más trágico.

En aspectos negativos, la serie cuenta con demasiadas incongruencias respecto a los hechos reales. Varios protagonistas de la vida real desmienten las situaciones que se presentaron en el programa; dando como resultado un producto impreciso respecto a los hechos que pasaron. Ejemplo de ello es el “Cadete Tello“, el cual causó una gran empatía en los fans; lamentablemente, este personaje nunca existió en realidad.


Los personajes

Diego Boneta como Luis Miguel: El actor mexicano hizo una impecable actuación. Su interpretación como un Luis Miguel joven cautivó a todos los fans del programa. Un plus fue que el mismo Boneta interpretara todos los temas del cantante en la serie. Sin dudar, la mejor elección para encarnar al Sol.

Oscar Jaenada como Luis Rey: El español hace un excelente papel, es el mejor de toda la serie. Semana con semana Luisito Rey lograba posicionarse como tendencia; puesto que en cada episodio consiguió que lo odiáramos como a nadie. Jaenada, retrató de una forma impecable a un hombre ambicioso, mitómano, manipulador y egoísta. ¡Un villano de la vida real!

Anna Favella como Marcela Basteri: La italiana realizó un gran trabajo como la madre del cantante. Capítulo con capítulo, la actriz hizo que nos encariñáramos con su personaje debido al amor de mamá que le brindó a Mickey. A medida de que avanzaba la serie, Favella retrató de manera perfecta el sufrimiento de Basteri en esa etapa de su vida. La pregunta obligada sigue siendo: ¿Dónde está?

Izan Llunas como Luis Miguel niño: El pequeño español se ganó los corazones de todos. Su interpretación como el pequeño Mickey fue perfecta, su parecido con el cantante, sorprendente. Sin lugar a dudas una gran actuación del joven actor.

César Bordón como Hugo López: El argentino encarnó al manager de Mickey, que más bien pareció su segundo padre. López inmediatamente se convirtió en uno de los favoritos, debido al cariño, apoyó, confianza y protección que brindo a Luis Miguel el tiempo que estuvo con él.


El futuro

Netflix y Telemundo confirmaron el regreso de la serie para una segunda temporada, misma estrenará en 2019 y cerrará el tema de Marcela Basteri desde su inicio. La nueva entrega abrirá nuevos problemas en la vida del cantante, tales cómo: la relación con su hija Michelle, su relación sentimental con Erika, la muerte de su amigo y manager Hugo López y por supuesto, su ascenso en la industria musical.

Será hasta el próximo año que podremos disipar todas las interrogantes que dejó la primera temporada y abriremos nuevas dudas de la vida del multipremiado artista.


En conclusión…

Luis Miguel: La serie fue la sorpresa del verano. Nos regaló momentos de drama, felicidad y suspenso; reposicionó al cantante en lo más alto de la industria de la música sin la necesidad de sacar una nueva producción. ¿La recomendaría? Sí, pero sólo si simpatizas con la música del cantante, ya que si no es de tu agrado, posiblemente no disfrutes del programa.

Para cerrar… sólo se puede añadir un: ¡Coño, Mickey, por qué vuelves hasta 2019! 


¿Ya la viste, cinéfilo? ¡Cuéntanos que te pareció en los comentarios?