El actor Pablo Lyle fue declarado culpable de homicidio involuntario y podría pasar más de diez años en la cárcel.
El actor mexicano Pablo Lyle, conocido por su participación en las cintas Mirreyes contra Godínez y Yankee, fue declarado culpable de homicidio involuntario por la muerte de Juan Ricardo Hernández, un hombre que golpeó en 2019 durante una pelea suscitada en las calles de Miami.
De acuerdo a la investigación del caso, Lyle se encontraba como pasajero en un automóvil conducido por su cuñado en la NW 27th Avenue y 14th Street de Miami, cuando el coche de Juan Ricardo Hernández, se cruzó frente a ellos. Durante un semáforo, Hernández se dirigió hacia la camioneta de Lyle y golpeó la ventana.
Fue entonces cuando Pablo Lyle salió de su auto y golpeó a Hernández, lo que provocó que la víctima perdiera el equilibrio y se golpeara en la cabeza, dejándole una herida que a las pocas horas le causó la muerte.
De acuerdo con la viuda de Hernández, la señora Mercedes Arce, el hombre de 63 años había salido de su propiedad esa mañana molesto por un golpe que tenía su auto y se dirigió a comprar un medicamento para la epilepsia de su hijo. Ahora, la viuda declaró que tras su fallecimiento, su vida había “acabado” y expresó que en Estados Unidos el actor tendría que enfrentar la justicia sin importar su fama.
“Acabó con mi vida y aunque él no lo crea, acabó con la de él, porque cada noche que ponga la cabeza en la almohada, le tendrán que venir pensamientos de lo que hizo por un acto de rabia, y esto no es México, es Estados Unidos, donde lo que haces lo tienes que pagar”.
Los seis miembros del jurado deliberaron durante más de cuatro horas antes de decidir el veredicto de culpabilidad. Sin embargo, será hasta el próximo 26 de octubre que se anuncie de forma oficial el tiempo que Pablo Lyle cumplirá sentencia en la cárcel, el cual se especula podría ser por más de diez años.
Tras ser declarado culpable, la fiscal estatal de Miami-Dade, Katherine Fernandez Rundle señaló que el lamentable caso podría servir de ejemplo para las múltiples peleas que suceden todos los días entre conductores. “Dos vidas fueron destruidas por simple ira en la carretera, una situación que vemos con demasiada frecuencia en nuestras calles y en las calles de todo el país”.
Por su parte, la jueza Marisa Tinkler Méndez decidirá si parte de su tiempo de sentencia se cumplirá mediante arresto domiciliario. De acuerdo con la revista People, la condena de Pablo Lyle podría reducirse, puesto que esta es la primera vez que es arrestado, tiene dos hijos, trabajo y educación, factores que la Corte considera en casos similares. Sin embargo, la abogada de la familia de Hernández, Zena Duncan, declaró que “ninguna medida de justicia corregirá lo que ocurrió en esa calle”.
Luego de varios reclamos, Netflix eliminó la etiqueta “LGBTQ” del programa Monster: The Jeffrey Dahmer Story
Netflix eliminó la etiqueta “LGBTQ” de la serie que retrata los asesinatos de Jeffrey Dahmer luego de que usuarios/as en redes sociales señalaron que la temática del programa no es una representación que busca la comunidad queer.
La serie creada por Ryan Murphy es protagonizada por Evan Peters como el asesino en serie de Milwaukee, que mató a 17 personas, muchas de las cuales eran jóvenes homosexuales afrodescendientes. Por ello, Netflix había clasificado el programa con la etiqueta “LGBTQ”; sin embargo, luego de los reclamos, solo dejo las etiquetas “siniestro”, “oscuro”, “psicológico” y “horror”.
Todas las series de televisión y películas en Netflix se clasifican en categorías para ayudar a impulsar el algoritmo de búsqueda de la plataforma de transmisión. No obstante, es probable que la plataforma debería de comenzar a tener cuidado en cómo clasifica sus contenidos.
Una serie controversial
La eliminación de la etiqueta LGBT no es la única controversia que ha provocado Dahmer, a inicios de este semana, los familiares de las víctimas del asesino han condenado la serie por ser demasiado “cruel” y no contactarlos para avisar que se retiraría en pantalla la historia.
Eric Perry, un primo de la víctima de Jeffrey Dahmer, explicó que su familia “están enojados con este programa” por recrear a Rita Isbell “teniendo un colapso emocional en la corte frente al hombre que torturó y asesinó a su hermano es SALVAJE”. Por el momento, Netflix no ha emitido una declaración al respecto, pero Peters explicó a través de un video promocional, que la intención del equipo creativo nunca ha sido humanizar al asesino, sino mostrar las perspectivas de las víctimas.
A pesar de esto, Dahmer ha sido un éxito de audiencia para Netflix al acumular 196.2 millones de horas visualizadas en su primera semana de estreno. Además, la crítica ha elogiado la actuación de Evan Peters y Niecy Nash.
Jane Seymour, protagonista de Harry Wild, platicó con nosotros sobre la necesidad humana de resolver misterios y la ruta que debe seguir un buen personaje femenino.
Pocas personas cuentan con una carrera tan extensa y legendaria como Jane Seymour, quien en su juventud fue rostro de producciones como 007 Live and Let Die y Battlestar Galactica. Ahora, la actriz consolida su carrera con Harry Wild, la serie original de Acorn TV, donde Seymour interpreta a Harry, una profesora de literatura recién jubilada cuya pasión por los misterios la lleva a resolver crímenes junto a un adolescente problemático llamado Fergus (Rohan Nedd).
Por el estreno de Harry Wild en la plataforma, tuvimos la oportunidad de platicar con Jane Seymour sobre cómo deben evolucionar los personajes femeninos en la televisión y el por qué somos adictos a los misterios.
Lo mejor empieza a los 15, y a los 30, y a los 70
Harry Wild ofrece una visión única sobre qué esperar de la vida. Pues aunque estamos acostumbrados a ver historias donde adolescentes y personas en sus 20s encuentran sus pasiones o son llevados a aventuras épicas, casi pareciera que el cine le niega esa oportunidad a personajes mayores. Sin embargo, la historia de Harry comienza en el fin, cuando la profesora se jubila de su trabajo y descubre que su verdadera vocación es resolver crímenes y misterios, especialmente aquellos inspirados por sus novelas favoritas.
Al respecto, Jane Saymour comentó en exclusiva para Fuera de Foco:
Muchas personas, especialmente mujeres, sienten que después de los 40 años la vida se acabó y no hay más qué hacer. Es lo que nos han enseñado, que nuestra vida es inútil después de ese momento. Lo que hace increíble a Harry es que ella sigue encontrándose a sí misma, y es mucho más feliz, vibrante y útil a los 70 a comparación de cuando era joven.
Jane Seymour
Asimismo, la actriz considera que esta es la forma en que los personajes femeninos de cualquier edad deben evolucionar, sin dejar las “grandes aventuras sólo a los personajes interpretados por hombres”. De acuerdo a Seymour, la forma en que Harry Wild aborda el tema es al “presentarnos a una baby boomer que está empezando de nuevo, que tiene un propósito y no se va a quedar sentada a tejer.”
“Se trata de qué haremos con nuestras vidas, en cada parte de ellas. Harry empodera e inspira a todos a dar un salto de fe e intentar algo distinto; desde cosas pequeñas como ayudar a alguien que quizá no sabe cómo criar a un niño, hasta meternos en crímenes y misterios sólo porque nos gustan. Es nuestra forma de decir que aún no hemos terminado y que seguimos aquí.”
Jane Seymour
Una dinámica que sigue en movimiento
La edad es otra cuestión que Harry Wild quiere explotar con sus personajes, puedes desde el comienzo plantea un quiebre generacional visible entre las personas, que puede restaurarse al conectar entre todos y perseguir los mismos objetivos. Pues además de Harry —quien siempre ha sido respetada, educada y de una buena posición económica— conocemos a Fergus, un chico de 15 años cuyas condiciones lo han llevado a inmiscuirse en una vida de crimen, además de interesarse poco por la escuela.
“Harry necesita a Fergus, de la misma forma en que nosotros nos necesitamos los unos a los otros. Él entiende el mundo criminal, el mundo fuera de la escuela y Harry termina necesitándolo, porque ella tiene inteligencia académica y Fergus inteligencia callejera. Cuando trabajan juntos, todo se trata de hacer empatar a ambos grupos de edad, las personas que están en mi rango, y personas de 15 o 16 años también. El objetivo es demostrar que juntos, siempre hay algo que podemos ganar de los demás”.
Jane Seymour
Quizá una de las cosas más interesantes de la serie, es que ninguno de sus personajes encajaen los estereotipos que hemos visto anteriormente. Aunque el personaje de Seymour es una mujer de buena vida, lidia con el alcohol y posee una irreverencia que la hace única y por la cuál su familia no siempre la toma en serio. De la misma manera, Fergus no es expuesto sólo como un criminal víctima de su situación, sino alguien dispuesto a hacer lo correcto a su estilo.
“Harry se mete en muchísimos problemas. Toma decisiones alocadas que casi le cuestan la vida, pero por suerte, Fergus casi siempre aparece para salvarla. Hasta ahora como spoiler, han logrado sobrevivir juntos 8 episodios, entonces algo están haciendo bien.”
Jane Seymour
Una de las cosas que más divierte a Jane Seymour sobre su personaje y la dinámica de este con Fergus, es la manera en que los escritores lograron empatar tanto una atmósfera de misterio con la comedia, la cual se refleja especialmente en las aventuras de los dos personajes. “Pueden estar huyendo de un criminal letal, y aún así, Harry se va a tomar el tiempo de corregir la gramática y el vocabulario de Fergus”, añade la actriz.
Somos adictos a los misterios. Y al drama
Las series sobre persecuciones e investigaciones criminales no son nuevas, pues es una tendencia que se ha dado con fuerza prácticamente desde el cine noir, y en la literatura, a través de diferentes piezas de misterio como podrían ser las obras de Arthur Conan Doyle. No obstante, el género no ha flaqueado y cada vez son más las producciones que encuentran la forma de darle la vuelta a las historias y hacerlas atractivas para nuevas audiencias.
El público y los seres humanos en general, somos adictos a los misterios. En la serie, la curiosidad de Harry Wild la impulsa a resolver crímenes y eventualmente abrir su despacho de investigación privada; y en la vida real, podemos empatizar con el personaje al querer solucionar algo que creemos que de pronto no encaja en nuestra realidad. Sobre su relación con los misterios Jane Seymour comenta:
“Como actriz, siento que tengo oportunidad de resolver misterios porque cada personaje es uno distinto. Y para darles vida, mi trabajo es estudiar a las personas, su comportamiento y de ahí poder tomar algo que pueda usar para un papel. Cuando entras en un personaje, también la gente tiende a abrirse mucho más hacia ti y te cuenta cosas que quizá en otra situación no haría. Es una herramienta muy útil”.
Jane Seymour
Además, la actriz agregó que nos encantan los misterios de asesinatos porque “queremos sentir que al adivinar hacia dónde va la historia, tenemos el control”.
No obstante, afirma que sus predicciones con respecto a las historias vistas dentro de la serie, casi siempre los giros terminaron sorprendiéndola, alejándose de las teorías que tenía la primera vez que leía el guión. “Los guionistas hicieron un trabajo excepcional. Nada en la serie puede darse por sentado, está construida de una forma muy audaz y es un viaje que vale la pena seguir”.
Harry Wild estrena episodios nuevos los jueves a través de Acorn TV.
La Forense (2019), o The Coroner en su idioma original, es la nueva serie de Universal que nos presenta un interesante drama policíaco basado en las exitosas novelas escritas por M.R Hall y cuya trama nos demostrará que en varias ocasiones los muertos hablan más que los propios vivos.
¿De qué trata?
La historia de La Forense sigue a Jenny Cooper (Serinda Swan), una ex médica de urgencias, quien ahora es nombrada policía forense; además, es madre y acaba de perder a su esposo. Esa experiencia le da un acercamiento más personal y crudo con la muerte a la cual estaba acostumbrada. Pero también le brindará un ejemplo que le servirá a lo largo de su trabajo. El no quedarse con las primeras conclusiones en un caso, indagar más allá de lo superficial para llegar a la verdad, sin importar qué o quién diga lo contrario.
En la ausencia de su marido comienza a descubrir los secretos que le guardaba a ella y a su hijo, y que ahora le acarrean severos problemas, especialmente financieros. Asimismo, aunado al reciente duelo, toda la experiencia traumática se materializará constantemente en la visión de un perro negro en momentos donde no parece haber salida.
Lo bueno
La forense es una serie que ofrece diversidad al colocar a una mujer como protagonista en historias que encabezan en su mayoría hombres, y donde ellas suelen ser las co-protagonistas de las parejas investigadoras. Un ejemplo claro son La Ley y el Orden: UVE con Christopher Melonie y Mariska Harggitay,o Bones con Emily Deschanel y David Boreanaz.
Por otro lado, lo que hay detrás de escena es destacable ya que las historias de los fallecidos están basadas en hechos reales. Además, para la redacción del guión fueron consultadas personas especialistas en su área: médicas forenses, detectives, policías, patólogos, etc., dando así mayor veracidad a la historia de Cooper.
Otro aspecto es que la serie es entretenida, las secuencias logran mantenerte interesado sobre qué hay detrás del caso que está investigando Jenny, y sobre el porqué de la aparición de ese desconcertante perro negro.
Lo malo
El personaje de JennyCopper, si bien es interesante, no es memorable. Carece de una chispa que la haga destacar de entre todos los personajes de dramas policíacos que existen actualmente. Perdió a su marido, es madre soltera, lucha por la justicia, y a pesar de eso se siente que hace falta algo más para que sea “la policía forense” que guardaremos en la memoria.
De hecho, ésta es una constante en varios de los personajes, brillan pero carecen de un detalle que los identifique fuera del molde de policía de drama televisivo que hemos visto por años.
La forense: ¿Una serie recomendable?
The Coroner o La Forense es una de las series que no debes perderte en julio, sobre todo por la pregunta que plantea al público: “¿Qué nos pueden decir los muertos?” Aunque ya no se encuentren con nosotros, siempre habrá en ellos detalles que nos expliquen más que las palabras que puedan decirnos los mismos vivos.
Si quieres disfrutar esta historia, puedes hacerlo mediante la señal del canal UniversalTV Latinoamérica.
Osamu (Lily Franky), hombre entrado en los cuarenta, y Shota (Jyo Kairi), un niño de unos 10 años, quieren llevar comida a casa. Su trabajo: no ser descubiertos por el personal de la tienda, pues no piensan pagar por los productos que han tomado. El lenguaje no verbal entre ambos nos da entender que ya tienen experiencia haciendo esto.
En el camino de regreso a casa encuentran a una pequeña niña, Yuri (Miyu Sasaki), que parece estar sola y hambrienta. Y como si fuera otro paquete de comida, deciden llevársela consigo también. En casa los esperan Nobuyo (Sakura Ando), pareja de Osamu y Aki (Mayu Matsuoka), nieta de la anciana Hatsue (Kirin Kiki).
En Shoplifters es la llegada de Yuri a sus vidas la que nos ayudará a entender la dinámica de esta rara pero funcional familia, llena de áreas grises que hará al espectador reflexionar sobre todo lo que está a punto de ver en pantalla.
Sí robamos, pero nomás poquito
Un asunto de familia nos permite conocer a profundidad a cada uno de sus personajes. Entendemos sus motivaciones, incluso las de los más pequeños. Además, el verlos interactuar nos ayuda a conectar y generar empatía con ellos, sin importar que lo que hagan sea moralmente inaceptable.
Esto es porque el director, Hirokazu Koreeda, nos presenta los momentos donde esas relaciones crecen y se toma el tiempo para hacerlo. Quizás demasiado tiempo. Me parece que pudo acelerar el ritmo sin descuidar el desarrollo de sus personajes, pero entonces, no sería una cinta de Koreeda. Este drama se cocina a fuego lento, están advertidos.
Aún así, rescato los diferentes mensajes que envía. Por una parte, Nobuyo dice que no están secuestrando a Yuri porque “no van a pedir un rescate por ella”. Y al enterarse que sus padres no la trataban bien, Osamu remata con un “yo la encontré, alguien más la abandonó”.
La cinta recalca mucho el mensaje de poder escoger a nuestra familia y los posibles beneficios ante dicha oportunidad. Así, después de ver el amor incondicional que recibe una pequeña de 5 años de un grupo de desconocidos, es imposible preguntarse si lo que le pasó es una bendición y no una desgracia.
También disfruté la manera en cómo refleja a la sociedad japonesa. Para los occidentales, es una muestra de que no todos los orientales son limpios, honrados o incluso fríos. Y para los propios japoneses, me parece una crítica ante esos mismos estándares de perfección que no todos pueden alcanzar.
Más reflexión que tensión
Ya hablaba antes de los problemas de ritmo, y aunque toda la película es bastante lenta, creo que es al final donde más pesa. Después de presenciar el plot twist, esperaba una resolución dinámica y sin lugar para dejar dudas. Pero no. No me molesta la parte de intuir algunas cosas, pero creo que la leve emoción después de descubrir el “misterio” de la cinta no es recompensada.
Seguimos viendo a estos personajes, pero ahora en otras circunstancias; sin embargo, la narrativa me hace pensar que no hubo grandes cambios. Además, el arco del personaje de Aki es el único que no cierra por completo, pues deja muchas más dudas sin responder que el resto.
Un asunto de familia está nominada a Mejor Película Extranjera en los próximos premios Oscar. ¿Crees que es mejor que Roma? Déjanos tu opinión en los comentarios.
En las calles de Suecia, existe una heroína que defiende a las mujeres agredidas por hombres. Sus métodos son poco ortodoxos, pero la gratitud de las víctimas es innegable. Ella es Lisbeth Salander (Claire Foy), la protagonista de The girl in the spider’s web (aka La chica en la telaraña), quien prefiere vivir alejada del radar de las autoridades.
Además de justiciera, Lisbeth es también una hábil hacker y siempre está a la espera de nuevos retos. Por eso, cuando un ex agente de la Agencia de Seguridad Nacional en Estados Unidos le pide recuperar un programa que él creó, pero al cual ya no tiene acceso; ella decide aceptar la misión sin saber que le traerá más problemas de los que imaginó; empezando por el hecho de que deberá reencontrarse con gran parte de su pasado.
Mejor lean el libro…¿o no?
En 2011, David Fincher empezó a contar esta historia con la excelente película La chica del dragón tatuado. Para la segunda parte, surgieron varios problemas que ocasionaron como varios cambios. Entre ellos, Fede Álvarez entró como nuevo director y Claire Foy como protagonista.
¿Cuál fue el resultado de estas modificaciones? The girl in the spider’s web quedó como una de esas grandes producciones que sólo se hacen con la intención de mantener una franquicia viva y ganar algo de dinero en el camino.
Hay una escena en la que Salander y Blomkvist (Sverrir Gudnason) mencionan que llevan 3 años sin verse, pero nunca ahondan en esto. ¿Por qué? ¿No merecía la audiencia conocer la razón de este alejamiento? Si lo mencionan, debe ser importante para la trama, ¿cierto? ¿Para qué traerlo a colación si no va a hacer nada por el desarrollo de la historia o los personajes? Ésta es solo una de las inconsistencias que llenan el resto de la película, junto con clichés del género, lo que me hace dudar de la calidad no sólo de la cinta, sino del material original: el cuarto libro de la saga Millenium, escrito ya no por Stieg Larsson, quien falleción en 2004, sino por David Lagercrantz.
Una versión deslavada de Salander
Sin comparar esta cinta con la de Fincher, lo que ciertamente sería muy injusto, en The girl in the spider’s web el personaje y las motivaciones de Salander son traicionados una y otra vez a lo largo de toda la historia. Sigue siendo una chica fuerte, pero no la vemos tomando decisiones crudas con frialdad, actitud que atraía, o repelía, a quienes la conocían por primera vez.
Por desgracia, el pobre desarrollo de Lisbeth es el menor de los problemas. El tráiler nos cuenta, sin ninguna sutileza, quién es el villano a vencer. La cinta lo deja también muy claro desde el principio. El problema es que, entonces, si el misterio no es descubrir a quién se persigue, debería ponerse énfasis en cómo se logrará derrotarlo. Es decir, debería haber sido una película con mucha acción.
Pero La chica de en la telaraña no es eso. Ninguna de las secuencias (una de ellas bastante inverosímil) llega a levantar el ánimo tedioso de la cinta. Para ser un (intento de) thriller, nunca se siente temor por el villano ni empatía por apoyar a los héroes. Claire Foy hace lo que puede con ese guión, pero no llega a convencer por completo como Salander.
Díganme, cinéfilos,¿ustedes conocían a este personaje?, ¿han visto alguna de las películas anteriores o leído los libros? Me gustaría saber su opinión en los comentarios.
El protagonista de Réplicas,Will Foster (Keanu Reeves), es un científico que ha trabajado en un proyecto para transferir la mente de las personas muertas a un cuerpo mecánico. Sin embargo, sigue sin tener un caso 100% exitoso.
Durante un viaje familiar, su esposa e hijos fallecen. Con ayuda de su otro amigo científico, Ed Whittle(Thomas Middleditch), trae de vuelta a su familia con cuerpos funcionales y memorias prácticamente intactas. En pocos días, la vida de todos vuelve casi a la normalidad.
Créanme, si aquí se acabara la película, tendríamos lo menos malo de la trama.
Ahora estás muerto. Ahora no lo estás.
La ciencia ficción nos ha dado películas dignas de admirar. No sólo porque es un género que permite a los creadores lucirse con los efectos especiales, sino por la complejidad de sus guiones. No es raro que tiendan a lo filosófico, llevados quizás por ese miedo que aún nos genera el pensar que máquinas y humanos podamos convivir como iguales.
Por desgracia, Réplicas no tiene ninguno de estos elementos.
La muerte de la familia de Will es cero significativa para el espectador. Aunque aprecio el intento por hacer que la trama llegue de manera rápida al punto principal de la historia, eso evita que nos identifiquemos con los personajes. Y si consideramos que son ellos quienes mueven a Will a tomar todas sus decisiones, se pierde todo el sentido.
Está bien que esta película quiera ser menos pretenciosa que otras y busque entregarnos solamente algo entretenido. Pero eso tampoco lo logra. Hay momentos en que quiere ser comedia negra, pero no da nada de risa; y acaba siendo muy incómodo ver cómo tratan de arreglar la historia a la mitad, cuando es obvio que ya no queda mucho por hacer.
Decepción al género
Ninguno de los personajes parece cuestionarse las consecuencias morales de sus actos. Luego, hacia el final, tratan de poner mucho peso en las consecuencias legales con un villano muy forzado y nada creíble. Todo termina resolviéndose de forma rápida y carente de emoción: ¡es como si a los personajes no les hubiera pasado absolutamente nada!
¿Cuál es el motivo de ver una película así? Ninguno, sobre todo porque en los últimos años hemos tenido grandes producciones en este género como Arrival, A Quiet Place, e incluso la secuela Blade Runner 2049, sin mencionar a los clásicos del género. Justo a eso me refiero: la vara está alta desde hace ya muchos años. Es una pena, entonces, ver cómo una idea que tenía potencial se desbarata por la falta de habilidad de sus involucrados.
Así que olviden, o eviten, Réplicas y mejor compártanos sus películas favoritas de ciencia ficción en los comentarios.
Acusado por un crimen que no cometió, Henri Charriere (Charlie Hunnam) mejor conocido como “Papillon”, es enviado a una colonia penal en la Guayana Francesa. Resignado a que nadie querrá escucharlo o defenderlo, deberá buscar la manera de sobrevivir en un lugar tan hostil; y la encontrará en Louis Dega (Rami Malek), un tipo de aspecto frágil pero con el dinero suficiente para ofrecerles a ambos una oportunidad de salir de ese lugar.
Así de rápido es como la película nos presenta a los personajes y su situación. Sabemos que veremos a dos personas buscando escapar, ¿pero es eso suficiente para mantenernos interesados en la historia?
Pañuelos no necesarios
Me parece que estas historias, donde el protagonista es sometido a castigos de forma cruel e injusta, atraen demasiado por la esperanza que tenemos de que, al final, este consiga su libertad. Y claro, en el camino sufriremos y aprenderemos junto con él.
Películas como Inquebrantable o 12 Años de Esclavitud nos envuelven por completo en ese viaje de sufrimiento pero también de superación. Se crea una conexión, sentimos empatía por el personaje. Y ese es el gran ausente en este caso.
Jamás vemos la vida previa de “Papi”. Conocemos a su novia, pero sólo por 5 minutos. Claro que se entiende por qué querría escapar cuando se le acusa de algo que no cometió, pero no se desarrolla esa conexión emocional. No estás ahí apoyándolo para que logre su cometido.
Esto es en parte por el ritmo tan irregular de la cinta. Empieza rápido, pero frena en cuanto llegamos a la parte importante. Las escenas de acción son pocas y cero emocionantes, e intentan enfocarse en el sufrimiento emocional, sin lograrlo por completo.
El otro error: la falta de un gran villano. Está ahí, pero no creo que cumpla su propósito de ser esa presencia desagradable y sin escrúpulos.
“¿Apoco es un remake?”
Si tienen menos de 30 años, seguramente también se sorprenderán al saber que esta no es la primera película que nos cuenta esta historia. En 1973, fue protagonizada por Steve McQueen y Dustin Hoffman ¿Por qué esto es relevante? Porque funciona como otro ejemplo de que la moda por los remakes debería empezar a disminuir.
Si bien resulta una buena idea acercar estas historias a nuevas generaciones, ésta no parece la mejor manera de hacerlo. Y es una pena, porque las actuaciones de los protagonistas son de lo poco rescatable.
Hunnam se entrega al papel, y es agradable ver de lo que puede ser capaz, tras verlo en aquella cosa aún más horrible llamada El Rey Arturo. Malek por su parte, con mucho menos tiempo en pantalla, entrega un personaje creíble, a pesar de las deficiencias del guión.
Por mi parte, creo que lo mejor que he sacado de esta cinta son las ganas de investigar más sobre la historia real (que algunos han puesto en duda) y ver la versión original.
¿Les gustan este tipo de historias? Esperamos sus comentarios.
¿Puede un abogado en la época actual, aferrarse a sus valores y convicciones en todos los aspectos de su vida diaria?
Después de un ataque cardíaco a su socio, Roman J. Israel Esq. (Denzel Washington) se verá en la penosa necesidad de cerrar su firma de abogados y buscar otro trabajo. La familia de su socio ha llegado a esta conclusión; aconsejados por un amigo del difunto y también abogado George Pierce (Colin Farrell).
Al ver su talento, Pierce le ofrece un trabajo en su propia firma, una mucho más grande que la que él tenía. Pero a Roman no le agrada el enfoque corporativo y desinteresado del lugar. Al no ser aceptado en ningún otro lugar, acepta; aunque se aferra a sus creencias y su enfoque más personalizado con los clientes.
Es justo ese cambio de ambiente lo que llevará a Roman a cometer acciones de las que no se creía capaz, y afrontar con las consecuencias de estas.
Este es el tipo de películas que con ver el trailer, ya has visto prácticamente toda la trama y las escenas interesantes. El ritmo es muy irregular. Aunque sí nos presentan las motivaciones del protagonista, no hay una escena donde conectemos con ellas. Están ahí porque son parte de la historia, pero como espectador no logras empatizar con ellas.
Algo parecido pasa con la trama. Hay un problema, y este y sus consecuencias son coherentes con el personaje. Pero no vi una lucha interna de parte de Roman. Es obvio que le afecta, pero creerías que para alguien tan recto como él sería un gran desafío.
Las actuaciones, sin embargo, son lo mejor de la cinta. Colin Farrell podría caer en el cliché del abogado avaro y de frío carácter, pero da una actuación mesurada pero sobre todo, un buen balance para el papel de Denzel Washington. Que, al ver la película, entiendes por qué estuvo nominado como mejor actor en la pasada entrega de los premios Oscar.
La poca o mucha credibilidad que pueda tener el personaje se debe a la actuación de Denzel. Se nota su experiencia, su capacidad para crear personajes. Porque no es el mismo Denzel que ya hemos visto muchas veces en otras películas. Roman J. Israel es un personaje que tiene grandes virtudes que se pueden convertir a la vez en sus grandes defectos. Pero lo acompañamos en este viaje de conocerlo, de ver como se niega a cambiar y ser firme en sus valores, y por lo tanto podemos llegar a sentir empatía por lo que hace. Y eso no sería posible si no hubiera una gran actuación detrás.
Y, aunque ya sabemos quién fue el ganador en esta categoría, les invito a que la vean y descubran por ustedes mismos esta actuación, pero sobre todo esta historia. Que no necesita tocar un tema como el acoso, para considerarla vigente a los estándares de lo políticamente correcto en estos días. A mi parecer es otro caso, muy común, de una gran idea pero no muy bien ejecutada.
¿Ustedes, que opinan? ¿Piensan ver Roman J. Israel Esq.?
Antes de la premiación de los Oscares de este año, repasemos algunas de las ganadoras en ediciones pasadas.
Dirigida por Tom McCarthy; la cinta nos cuenta sobre una investigación hecha por ‘Spotlight’, unidad perteneciente al periódico The Boston Globe. En ella, dan a conocer los casos de pederastia cometidos por sacerdotes de las iglesias católicas locales; revelando así una lista de involucrados que va más allá de la localidad de Boston.
Las actuaciones de todo el elenco son de lo más sobresaliente de la película. Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, Brian d’Arcy James y John Slattery entregan un trabajo muy creíble; lleno de momentos tensos pero también con mucha humanidad.
Porque eso es algo que la película hace muy bien. Podría haber tomado el camino fácil —sobre todo con un tema tan controversial—, y caer sólo en la parte del escándalo; de hacernos sentir odio por los villanos y lástima por las víctimas. Pero Spotlight se centra en mostrarnos la labor periodística; tanto su parte humana como el arduo trabajo que hay detrás de ella.
Porque claro que hay momentos que pueden hacer que cuestiones tu propia fe (si la practicas); pues a los protagonistas les pasa y por eso puedes empatizar con ellos.
Pero el director prefiere enfocarse en mostrar ese periodismo que, dicen los que saben, está desapareciendo. Los reporteros van a tocar puertas, apuntan en lápiz y papel, y tienen máquinas en sus escritorios que ahora nos parecen obsoletas. A eso se suman todos los detalles como el haber grabado en las oficinas del Globe, el vestuario; y sobre todo, las reuniones de todo el equipo con los verdaderos miembros de Spotlight, las víctimas, jueces o sacerdotes. Al final nada sobra y, por el contrario, ayuda a que la película se sienta redonda en todos los aspectos.
Con todo esto, creo que podemos decir que la cinta contaba con los elementos necesarios para llevarse la estatuilla dorada. Pero aún así, no era para nada la favorita para ganarse el Oscar a mejor película.
Ese año, entre las nominadas había opciones por demás interesantes: Spielberg con una impecable Bridge of Spies; George Miller regresaba con una nueva entrega de su trilogía ochentera, llamada ahora Mad Max: Fury Road; Ridley Scott presentaba una muy entretenida The Martian; y el ganador del año anterior, Alejandro González Iñárritu, volvía a las premiaciones con The Revenant.
Y aunque estas y el resto de las nominadas (The Big Short, Brooklyn y Room) tenían también unos valores de producción que las hacían fuertes competidoras; La Academia se decidió por la que se enfocó en contar hechos de un suceso doloroso. Cero efectos, sólo mostrar lo que pasó y las repercusiones que sigue teniendo al día de hoy.
¿Debió haber ganado? No voy a negar que me hubiera gustado ver a Mad Max: Fury Road llevarse el premio. Fue quizás la nominación menos conservadora en la categoría.
Y entiendo que habrá gente que diga que Spotlight ganó por eso: porque es de esas películas para complacer a los viejitos de La Academia. Pero yo quiero pensar que además de entretenernos, con el pasar de los años, esta cinta nos hará darnos cuenta de la magnitud de un problema que lleva años siendo denunciado. El poder tener en Spotlight una referencia sobre lo que se hizo para denunciar un tema que, por desgracia, en la actualidad sigue muy vigente.
¿Ustedes que opinan de esta ganadora? ¿Se lo merecía? ¿Cuál es su favorita?
Liam Neeson regresa a las pantallas para salvar el día. Una vez más.
Jaume Collet-Serra nos presenta The Commuter, o por su título en español: El Pasajero. Donde ésta vez, Neeson interpreta a Michael MacCauley; un hombre de familia que todos los días recorre el mismo trayecto en tren de su casa al trabajo y pasa tanto tiempo en su traslado, que conoce y socializa con muchos de los otros pasajeros.
A pesar de ser uno de los mejores en su ramo; un día es despedido después de 10 años de trabajar en la misma empresa sin ninguna explicación. Abatido, debe regresar a casa para dar a su esposa la noticia y durante el trayecto, conoce a una mujer, Vera Farmiga, que le propondrá un extraño reto:
Si pudieras hacer algo que afectara a una a persona en este tren, a cambio de una recompensa, ¿lo harías?
Tentado por la repentina falta de dinero, acepta. Pero de inmediato se da cuenta que las reglas de este juego no le favorecen: Si comete cualquier error o trata de pedir ayuda, estará afectando a inocentes; incluyendo a su familia quien ha sido amenazada. Sin opción para arrepentirse, Michael debe terminar el reto, sin importar el daño que pueda ocasionar esa “pequeña” acción.
Con esto, estoy segura que saben que esperar de la película: un misterio a resolver, escenas de acción; y Liam Neeson siendo el héroe correcto que salvará el día al final de la película (¿Eso se considera un spoiler?). Y tienen razón: la película no pretende ser nada más que eso.
Aún así, debo decir que la película sorprende al final. La primera mitad no te atrapa; a pesar de que la trama se plantea de manera rápida, se siente como algo que ya hemos visto antes y por lo tanto es difícil seguir interesados en lo que pasa. Pero después toma un mejor ritmo, y el misterio que no parecía interesante, tiene una resolución bastante entretenida y hasta emocionante. La última media hora tiene una buena escena de acción, y de ahí en adelante los personajes no dejan de moverse para resolver el problema, lo que levanta mucho la película.
Punto aparte, me gustó que en este caso el papel de Neeson no sea invencible. Es decir, sí da sus buenos golpes pero también los recibe y le afectan; eso le da un toque creíble, dentro de lo que cabe, al personaje.
En conclusión, no es Taken, pero tampoco Un paseo por las tumbas. Está en ese punto medio lo suficientemente bueno para pasar una tarde de domingo agradable.
¿A ustedes les gustan las películas de este actor?
