¿Habrá una versión más sangrienta de M3GAN?

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M3GAN tendrá una versión más larga y más sangrienta, pero este puede ser el inicio de una gran franquicia

M3GAN era un experimento de terror muy importante para James Wan y Blumhouse. Esta es la primera película que hacen juntos en colaboración, ya que el año pasado recientemente Jason Blum y el director de Insidious firmaron un contrato para fusionar sus empresas y producir historias de terror. 

Dirigida por Gerard Johnstone y protagonizada por Allison Williams, M3GAN trata sobre una programadora que diseña aparentemente una muñeca animatrónica que es simultáneamente el mejor juguete que puede tener un niño/a y una niñera. Sin embargo, rápidamente M3GAN toma demasiado literal la idea de proteger a su mejor amiga a toda costa. 

Con un presupuesto de 12 millones, la cinta ya lleva recaudados más de 45 millones en la taquilla mundial y se ha convertido en toda una sensación de internet. Y aquí les contamos cuál podría ser el brillante futuro de la franquicia. 

M3GAN
Todos los derechos reservados @ Universal Pictures | Obtenida de Variety

¿Una versión más violenta? 

Parece que todavía no vemos todo el potencial destructivo de M3GAN, ya que en una entrevista para Los Angeles Times, la guionista Akela Cooper, quien escribió la historia junto con James Wan, dijo que existe una versión con más muertes y mucho más sangrienta que será estrenada en algún punto. 

“Seguramente se lanzará una versión sin censura. Me parece que está en planes” aseguro Cooper, quien también trabajó con Wan en la película de Malignant. Y además, aseguró que la versión original de la historia que escribió fue tan brutal, que el mismo James Wan quedó maravillado con la propuesta, e incluso le dolió que matara a tantos personajes. 

“La versión original era mucho más sangrienta y [M3GAN] . No es una masacre como en Malignant, pero sí eran muchas más. Incluso James Wan me dijo: 

‘Me gusta lo que hiciste con esos personajes, pero quería que vivieran´ no tuve piedad. Pero esa soy, mi sentido del humor es muy negro”. 

Akela Cooper, Los Angeles Times

Uno de los grandes atributos de M3GAN es precisamente la facilidad con la que logra balancear el horror cómico y situaciones absurdas con escenas brutales de violencia y sangre. Y además, la evolución de la muñeca en el transcurso de la historia es sencillamente cautivador, ya que muchas personas entienden sus decisiones. 

Eso lo sabe muy bien el equipo detrás de la película, por lo que también explicaron el potencial que tiene para seguir inspirando y expandiendo la franquicia. 

M3GAN
Todos los derechos reservados @ Universal Pictures | Obtenida de iMDB

¿El inicio de una nueva saga de horror? 

Tanto Jason Blum como James Wan ya han hablado sobre su interés de hacer más películas sobre M3GAN y el director nos contó en exclusiva algunas de las ideas que ya tiene para continuar su historia. Y como la película ya superó todas las expectativas de la crítica y la taquilla, muy seguramente volveremos a ver a este robot psicótico. 

Pero no sólo eso, Akela Cooper está convencida de que M3GAN puede iniciar una nueva tendencia entre las cintas de horror, ya que asegura que en los últimos años se le ha dado demasiado hincapié a la idea de “terror elevado” con cintas como The Witch, The Lighthouse o Hereditary, las cuales ya no recurren a la sangre, los sustos o los monstruos y su horror viene desde una perspectiva más psicológica.

De hecho, Cooper compartió en la entrevista que platicó con un ejecutivo que le dijo que el guion, aunque le había gustado, “era muy sangriento y nadie estaba haciendo películas de horror sangrientas” y le dijo que prefería esperar a que alguna otra película de horror fuera sangrienta y fuera un éxito para que el mercado de cine cambiara y poder hacer M3GAN. 

Pero, ¿por qué M3GAN no podía ser la que liderara ese cambio? Eso fue precisamente lo que se preguntó Cooper, y ahora dice que está feliz de ser parte de una cinta que justamente inspiró que cambiaran las reglas del género. 

“Estoy feliz de ayudar a girar el bote y que los ejecutivos digan: ¡Ah, mira! Sí hay dinero aquí. Ahora estoy leyendo historias loquísimas que están por salir o acaban de ser compradas. Y algunas son originales. ¡El futuro es emocionante!”

Akela Cooper, Los Angeles Times
M3GAN
Todos los derechos reservados @ Universal Pictures | Obtenida de nsider

Crítica | Nope: ¿Jordan Peele lo logró de nuevo?

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Puede que Nope tenga demasiadas ideas que no cuajan muy bien entre sí, pero es un espectáculo tan grande que sería un desperdicio perdérselo

Jordan Peele se ha convertido en todo un referente del cine de terror. Las formas que encuentra para mezclar ideas como el racismo internalizado y la marginación de clases sociales en historias que ocurren a plena luz del día y en escenarios completamente mundanos, ha hecho que el cineasta sea conocido por explorar temas muy difíciles mientras da un increíble espectáculo. 

La originalidad con la que el terror de Get Out se desarrolla a plena luz del día en medio de una aburrida reunión con los suegros, es de las historias más originales que se han presentado en los últimos años. Y la manera en la que Us se situó durante el evento de caridad Hands Across America para poner en perspectiva los horrores de quienes se quedan detrás en el escalafón socioeconómico  y lo aterrador que es perder el privilegio, consolidó a Peele como un cineasta que hace cine con muchas capas. 

Pero Nope es sin duda su película más grande, no sólo en escala de producción, ya que la película de Universal Studios costó 68 millones de dólares, mientras que Us tuvo un presupuesto de 20 millones  y Get Out se hizo con apenas 4.5. Se podría decir que esta es su primera película blockbuster, y como gran nerd del cine decidió inspirarse en Steven Spielberg para entregar una aventura que sea tan épica en escala como rica en significados, aunque al final puede que se tropiece con sus propias ambiciones.

Nope

Una Cinta para los Nerds del Cine

Con Nope Peele parece demostrar que está muy consciente de cómo ha subido los rangos de la industria de Hollywood y su posición como cineasta de horror. Por eso, su historia se sitúa dentro de un contexto en el que constantemente se cuestiona la ética, la moralidad y la obsesión de estar en el mundo del espectáculo. Esto comienza con los hermanos OJ (Daniel Kaluuya) y Emerald (Keke Palmer) descendientes del jinete que aparece en la primera secuencia de fotografías en movimiento, pero que ahora batallan por mantener la empresa de su familia a flote. 

Ellos se dedican a criar caballos para producciones de Hollywood, pero el creciente uso del CGI está haciendo que su negocio se vuelva obsoleto. Desde aquí, Peele busca ya presentarnos cuál será el tema central de su historia: ¿por qué estamos tan obsesionados con la imagen? y dentro de la película propone la idea de que tal vez es una forma de dominación.

Esto lo vemos en la forma en la que constantemente se refieren a OJ y Emerald como “realeza de Hollywood” de manera irónica. En realidad, ellos ya fueron olvidados por la industria hace mucho tiempo, y es que el experimento del caballo no fue una hazaña que se hizo por el compromiso a la evolución artística, sino por la ocurrencia de Leland Stanford, un hombre blanco rico que quería comprobar si los caballos quedan suspendidos en el aire cuando corren.

Y así de pragmáticas son también las razones de Emerald para enfrentar al OVNI cuando descubren que su rancho puede estar siendo invadido por alienígenas. En aras de encontrar una forma de volverse famosa para poner su negocio en el mapa nuevamente, en cuanto la amenaza extraterrestre se hace presente en el metraje ella busca “capturarlo” en video o fotografías. 

La forma con la que luchan contra el monstruo para conseguir ese objetivo es simplemente genial, especialmente por la forma en la que Peele nos va revelando cada vez más detalles sobre él y la manera en la que crece la aventura y las secuencias de acción, las cuales son un verdadero espectáculo visual. Cada escena está también llena de referencias históricas, simbolismos y revelaciones que impactan la historia de Nope en general, lo que de verdad hace que la historia se sienta muy entretenida. 

Nope

¿Demasiadas tramas juntas?

Además de que los comentarios que hace Nope sobre las limitaciones de la fotografía y la obsesión con el espectáculo a través de la relación de OJ y Emerald son muy potentes, ya que su dinámica hace que nos cuestionemos incluso qué es lo que más importa: lo que se captura en la imagen o todo lo que debe pasar para poder lograrlo. Cosa que resuena de manera especial en estos tiempos donde ya no podemos despegar la imagen y la representación de la realidad a través de un lente de nuestro día a día.

Parte de lo que hace tan cool a Nope, es la forma en la que presenta a sus personajes. Todos y cada uno tienen un estilo tan diferente y distintivo, que en el minuto en el que aparecen en pantalla no sólo conectan de inmediato con la audiencia, sino que comienzan a dar indicios sobre cuál será su rol dentro de la historia.

Jupe (Steven Yeun), con su ropa limpia, estilizada y obsesionado con dar un gran espectáculo, nos prepara precisamente para dos de las escenas más brutales e incómodas de toda la historia, en las que vemos las consecuencias de no entender que los animales salvajes son impredecibles y la arrogancia de pensar que pueden ser dominados y usados para montar un show.

Sin embargo, son estas mismas secuencias las que juegan en contra de la película de Peele, ya que sí rompen con la narrativa principal y añaden capas de comentarios de una manera tan sensacionalista e impactante que cuando intenta regresar a su dilema central, la historia puede volverse demasiado confusa y repleta de ideas. 

Y es que, aunque sean los momentos más impactantes de Nope, realmente el personaje de Jupe es simplemente una herramienta para que veamos la brutalidad del extraterrestre.

Esto se vuelve todavía más evidente con el personaje de Antlers Holst (Michael Wincott), el mítico cineasta que pretende ayudar a capturar a la bestia. Él está ahí para representar lo mejor y lo peor de Hollywood: esa ingenuidad y pasión por el arte que lo lleva a grandes extremos con tal de obtener “la captura perfecta”. Pero estas mismas escenas entregan momentos de tensión, asco, rareza y morbo que son difíciles de digerir y que sin duda le dan una dimensión sumamente terrorífica a la cinta, incluso más que las películas anteriores de Peele.

Nope

Una Historia de Horror con Final Feliz

Holst es fabuloso, como todos los personajes de Nope, pero su presencia en el metraje es tan corta y tan brutal que nuevamente invita a tener discusiones diferentes alrededor de la película, y como no resuena con el punto más importante de la historia, también se puede sentir inconexo, como si fuera una idea aparte. Aunque cada escena está hecha con tanto cuidado y son tan emocionantes, que todas se vuelven un espectáculo imperdible.

Al final, Peele quiere que su aventura termine con una nota positiva, por lo que decide hablar sobre la importancia de ver más allá del lente y nos presenta su primer final feliz en toda su carrera, y aunque algunas personas pueden creer que tiene demasiados elementos inconexos, lo que logra es que Nope sea una aventura tan grande que simplemente vale la pena verla y disfrutarla desde su visión más básica.

Pero los personajes, su construcción del mundo y la enorme cantidad de referencias a la industria de Hollywood hace que se vuelva una experiencia que tienes que ver más de una vez, ya que desentrañar todos lo que tiene que decir es también una experiencia interesante, aunque así es como nos damos cuenta de qué pata cojea este caballo.

¿Y ustedes qué opinan, Cinéfilas y Cinéfilos? ¿Le darán una oportunidad a Nope?

¡Neve Campbell revela por qué no regresará a Scream! 

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Neve Campbell, conocida por interpretar a Sidney Prescott en la franquicia de Scream, revela que no volverá a la sexta parte a causa de una paga injusta.

En el auge de los slashers, el cine vio nacer a varias final girls —chicas finales— en más de una franquicia. Entre Laurie Strode en Halloween, Sally Hardesty en Texas Chainsaw Massacre, y Sidney Prescott en Scream, el término se volvió altamente popular y uno de los arquetipos más repetidos en la historia del cine de terror.

Sin embargo, más allá de ser un cliché, las final girls se volvieron parte de una cultura importante en la construcción de heroínas, pues incluso años después a sus lanzamientos originales y con los revivals de tales franquicias, el público sigue apostando por estos personajes, a fin de cuentas son ellas las que mantienen cada franquicia a flote. 

A principios de este año, Neve Campbell volvió a la saga de Scream en su rol como Sidney, manteniendo viva a la leyenda y dándole un extra a los/as fans de la saga que de por sí, ya esperaban la continuación. Sin embargo, tras la quinta película, Campbell anunció que no volvería de nuevo a Scream, revelando ahora el verdadero motivo de su salida: la brecha salarial.

Sidney Prescott Scream

¿Una paga injusta?

En una entrevista para People, Neve Campbell afirmó que la razón por la cuál no estará presente en la siguiente entrega de Scream se debe a una paga injusta, pues asegura que “no sentía que me estuvieran ofreciendo el equivalente al valor que mi personaje ha traído a esta franquicia por 25 años”.

De acuerdo a la actriz, durante las negociaciones había comparado con los ejecutivos la paga promedio que los actores masculinos han recibido por apariciones en las nuevas versiones de sus películas. 

“Como mujer en este negocio, creo que es importante ser valorada y pelear por ese valor. Honestamente, creo que si hubiera sido un hombre y hubiera hecho cinco películas de una saga de blockbusters tan grandes por 25 años, no me habrían ofrecido la misma cantidad que me propusieron”.

Neve Campbell para People.

Además, la actriz añadió que no consideraba “correcto aceptar un regreso” cuando se sentía “infravalorada y parte de una injusticia que tiene que parar”. 

Campbell ha aparecido en las cinco películas de Scream desde la primera lanzada en 1996. Y en total, la saga de películas ha logrado más de $744 millones de dólares en la taquilla. 

Anteriormente, Neve había compartido a través de sus redes sociales que no volvería a la franquicia, despidiéndose del personaje y sus fans.

“A todos los fans de Scream, los amo. Siempre me han apoyado muchísimo y estoy por siempre agradecida con ustedes y con lo que esta franquicia me ha dado por 25 años”. 

Neve Campbell
Scream 5

El futuro de Scream

Si bien, en la última película marcó el final de uno de los personajes clásicos de la historia, Dewey Riley interpretado por David Arquette, se sabe que para la siguiente entrega volverá Courteney Cox como Gale Weathers.

La siguiente parte de la saga además, será en totalidad heredada por Jenna Ortega, Melissa Barrera, Jasmin Savoy Brown, y Mason Gooding, quienes tanto para la crítica como para los/as fans de la serie de películas, fueron recibidos de forma positiva como un legado fresco a la historia que comenzó en los 90. Scream 6 está programada para llegar a cines el 31 de Marzo de 2023. 

Puedes ver la última cinta de Scream suscribiéndote a Star+ aquí.
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¿Qué opinan, cinéfilas y cinéfilos?

Swallow: ¡Rompiendo las barreras del género!

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Conversamos con el director de Swallow: Carlo Mirabella-Davis, y esto fue lo que nos contó.

Swallow es el primer filme de ficción del cineasta Carlo Mirabella-Davis, quien nos cuenta la historia de Hunter (Haley Bennett): una ama de casa que tras embarazarse desarrolla la compulsión por ingerir objetos peligrosos. Tras enterarse de esto, su esposo Richie (Austin Stowell) y familia comienzan a vigilarla, y conforme avanza la historia la prisión en que se encuentra se vuelve más evidente.

Durante una conversación con Fuera de Foco, Carlo Mirabella-Davis nos comenta que esta historia se inspira en su abuela, una mujer que el director describe como “una ama de casa de los 50’s, que vivía en un matrimonio triste y desarrolló diversos métodos de control, tales como lavarse de manera compulsiva las manos, se gastaba cuatro barras de jabón al día y 12 botellas de alcohol isopropílico a la semana”.

Ecos personales

El ya mencionado cineasta argumentó que su abuela desarrolló estas obsesiones debido a que “buscaba un orden en un tipo de vida en la que cada vez sentía menos control”, sin embargo confesó que las vivencias externas no fueron las únicas que inspiraron el relato en cuestión, pues:

“Todo lo que escribes viene de un lugar personal, y hay veces que me he sentido como Hunter, no exactamente en ese contexto, pero sí empatizo con sentirse alineado y buscar cumplir con lo que otras personas quieres que seas”.

Swallow

Las características perfectas para el papel

Swallow cuenta con una brillante interpretación protagónica de Haley Bennett, quien a partir de pequeños gestos faciales permite entender a la audiencia la presión a la que se encuentra sometida, la inconformidad con la que vive, y la pasión que experimenta al sentirse en control de la situación.

Precisamente, los matices en la interpretación de Haley Bennett fueron la razón por la que Carlo Mirabella-Davis decidió contar con la afamada histrionisa como Hunter:

“Necesitábamos a alguien que pudiera transmitir este relato psicológico con muchos detalles y empatía, especialmente en lo que no se dice: las reacciones. Haley es una brillante actriz y es muy buena dando matices a las emociones de Hunter”.

El susodicho cineasta también mencionó que Bennett realiza una brillante trabajo en Swallow ya que interpreta a la perfección las diversas máscaras que Hunter tiene, la primera es aquella donde refleja “la alegría plástica de lo que su esposo quiere que sea”, la segunda es otra donde muestra “su dolor y dudas”, y la última es “su verdadero ser”.

Una ayuda estética

Pero la interpretación de Haley Bennett no es el único apartado donde Swallow cuenta con matices, pues la estética forja un contraste entre lo plástico y grotesco, que tal y como menciona Carlo Mirabella-Davis, refleja el debate ante el cual se enfrenta su protagonista:

“En la superficie, vemos una casa luminosa donde todo es moderno y está limpio, pero debajo hay algo siniestro, y esto me permitió explotar diversos elementos corporales en las obsesiones de Hunter, las cuales a su vez son la manera de rechazar esa figura de mujer que le es impuesta, una realidad donde no es humana. Ese contraste me fascina”.

Swallow

¿Cómo romper las dinámicas de poder?

Si bien las figuras masculinas no son las únicas que forman parte de la opresión que Hunter experimenta en Swallow, si son una gran parte de la problemática, y el cineasta en cuestión reveló que esta dinámica en torno a las opresiones patriarcales es algo que desde hace tiempo le interesaba dialogar en una película, en especial por un importante período en su vida:

“Siempre me ha interesado el género y cómo la sociedad sitúa restricciones a quienes se identifican con lo femenino. En mis 20’s me identifiqué como mujer, fue un momento maravilloso que me abrió los ojos, porque cuando creces como hombre no te percatas de los sexismos en la sociedad, nos criamos bajo una sensación arraiga de privilegio y opresión, los cuales ejercemos aunque no nos demos cuenta”.

Actualmente Carlo Mirabella-Davis se identifica como hombre, y piensa que el papel que deben asumir quienes se identifican con el género masculino es el “aprender a escuchar a personas que experimentan cotidianamente la opresión”, y añade:

“Los hombres no debemos dar por hecho que estamos haciendo lo correcto, hay que constantemente cuestionarnos, examinarnos, y asumir que tenemos una venda sobre los ojos con respecto este pasado que nos determina. Si un hombre nunca se cuestiona y dice que todo esta bien, allí hay una importante problemática”.

Swallow

¿Hemos superado las barreras?

El cineasta ya mencionado no sólo le interesa dialogar sobre el género bajo los anteriores términos, sino también en el plano cinematográfico, donde se declara gran fanático de los filmes de horror y thriller, razón por la cual buscó unirlos:

“Amo la mezcla de géneros y Swallow es el resultado ella, pues tiene horror psicológico, drama domestico y comedia negra. Creo que vivimos una época muy interesante para los géneros cinematográficos, donde grandes películas como Get out o The Babadook utilizan los mismos como un medio para explorar aspectos sociales o internos”.

Si bien en el plano cinematográfico Carlo Mirabella-Davis ha logrado superar las barreras impuestas por los géneros, similar a lo que realiza Hunter en Swallow, el cineasta siente que en la vida cotidiana aún no lo hace:

“Estoy trabajando en ello. Cuando haces un filme regularmente es una cosa aspiracional. Pero espero que las personas puedan ver la cinta y conectar con algo dentro de la misma, como ese sentimiento que te hace preguntarte: ¿Quién soy? ¿Cómo me liberó psicológicamente de los traumas y sus barreras? Tengo esa esperanza”.

Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué les pareció Swallow? 

¡Morbido Film Fest 2021: Lo que no te puedes perder!

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Morbido Film Fest celebrará su edición número 14 con una cartelera imperdible. 

Morbido Film Fest es uno de los festivales cinematográficos más importantes en México enfocados en los géneros del terror/horror, y del 28 al 31 de octubre del presente año celebrará su edición número 14 mediante una versión híbrida, es decir habrá funciones en complejos cinematográficos y streaming. 

Los eventos presenciales del festival se llevarán a cabo en Cinépolis Diana, Cinemanía y Autocinema Coyote, mientras que 7 de los 19 títulos que conforman la selección oficial también podrán vislumbrarse en Cinépolis Klic del 1 al 5 de noviembre del 2021, los cuales podrán rentarse con un costo de 150 pesos. Además mediante Morbido TV -un canal de paga disponible para toda Latinoamérica- se presentarán 42 cortometrajes de 17 países.

También se anunció que este año Morbido Film Fest se llevará a cabo en Chile, esto del 1 al 5 de noviembre del 2021, en los espacios de Matucana en Santiago y la Sala Insomnia de Valparaíso.

Morbido Film Fest

¡Las películas imperdibles!

La selección oficial del festival esta compuesta de 19 títulos internacionales, los cuales encabeza una presentación especial de Scream: clásico de 1996 que cumple su aniversario número 25 este año, por lo que contará con una función donde además se presentarán materiales exclusivos de la nueva película de la franquicia. 

Entre las cintas restantes destacan filmes como The Sadness: una película taiwanesa dirigida por Rob Jabbaz, la cual ha sido calificada como la Train to Busan de Taiwán, sólo que esta infección zombie es particular debido a que las personas infectadas se ponen tristes y tienen ansiedad por mantener relaciones sexuales.  

También tendrán su premiere en México títulos como La abuela -el más reciente filme del cineasta detrás de REC: Paco Plaza-, The Scary of Sixty-First -una cinta de Dasha Nekrasova en la cual dos chicas entran a un departamento que pertenecía a Jeffrey Epstein, el cual está embrujado-, y The Amusement Park: una película de George A. Romero que estuvo perdida durante años y acaba de ser restaurada en 4K. 

¡Todos los detalles del evento se encuentran disponibles en las diversas redes sociales de Morbido Film Fest!
Morbido Film Fest
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Qué películas verán en la edición 14 del Morbido Film Fest?

¿De qué trata la serie de Guillermo del Toro para Netflix?

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Guillermo del Toro prepara una serie antológica para Netflix, pero ¿de qué trata y quienes participarán?

Cabinet of Curiosities es una serie antológica producida por Guillermo del Toro para Netflix, la cual es descrita por la plataforma streaming como una “colección de historias sin precedentes que definen el género y buscan desafiar las nociones tradicionales del horror. De lo macabro a lo mágico, del gótico a lo grotesco o espeluznante.”

El comunicado de Netflix menciona que los 8 cuentos seleccionados, de los cuales dos pertenecen al cineasta mexicano, cobrarán vida gracias a diversos/as directoras/es y escritores/as elegidas/os de manera personal por Guillermo del Toro.

Algunos de los nombres más destacados de la producción son el de la directora de The Babadook: Jennifer Kent, quien se reencontrará con la protagonista del susodicho filme Essie Davis, la cual compartirá pantalla con Andrew Lincoln (The Walking Dead). Además otros episodios contarán con  la realización de la cineasta Ana Lily Amirpour (A Girl Walks Home Alome At Night) y Panos Cosmatos (Mandy).  

Guillermo del Toro

¡Todo el equipo creativo de Cabinet of Curiosities!

  • Episodio 1: Dirigido y escrito por Jennifer Kent,  este capítulo basado en una historia de Guillermo del Toro contará con las interpretaciones de Essie Davis (The Babadook), Andrew Lincoln (The Walking Dead) y Hannah Galway (Sex/Life).
  • Episodio 2: Dirigido por David Prior (The Empty Man), este capítulo se encuentra escrito por David S. Goyer (The Dark Knight) –quien se baso en una historia corta de Michael Shea– y protagonizado por F. Murray Abraham (Mythic Quest), Glynn Turman (Ma Rainey’s Black Bottom) y Luke Roberts (Ransom)
  • Episodio 3: Tim Blake Nelson (Watchmen), Elpidia Carrillo (Euphoria), Demetrius Grosse (Fear The Walking Dead) y Sebastian Roché (The Man in the High Castle) protagonizarán este capítulo escrito por Regina Corrado (Deadwood) –quien se inspiró en una historia de Guillermo del Toro-, y dirigido por Guillermo Navarro (Godfather of Harlem).
  • Episodio 4: Lee Patterson (Curve) escribe esta historia inspirada en un cuento corto de H.P. Lovecraft, la cual será dirigida por Keith Thomas (Firestarter) y protagonizada por Crispin Glover (River’s Edge) y Ben Barnes (Shadow and Bone).
Guillermo del Toro
  • Episodio 5: Este capítulo dirigido por Panos Cosmatos (Mandy) es escrito por Aaron Stewart-Ahn y protagonizado por Peter Weller (Star Trek Into Darkness).
  • Episodio 6: Mika Watkins (Origin) escribe este capítulo inspirado en un relato corto de H.P. Lovecraft, el cual será dirigido por Catherine Hardwicke (Twilight). Aún se desconoce al elenco.
  • Episodio 7: Vincenzo Natali (Hannibal) dirige y escribe este capítulo protagonizado por David Hewlett (See).
  • Episodio 8: Ana Lily Amirpour (A Girl Walks Home Alome At Night) dirige este capítulo escrito por  Haley Z. Boston (Brand New Cherry Flavor) –quien se inspiró en un relato corto de Emily Carroll-. Aún no se anuncia el elenco.
Guillermo del Toro
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Les emociona la serie de Guillermo del Toro para Netflix?

El bosque maldito y el folclor irlandés

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El cine de género en las islas británicas ha tenido una peso importante casi desde su creación.

Las historias del escritor irlandés Bram Stoker, junto con sus compatriotas Oscar Wilde y Joseph Sheridan Le Fanu, definieron la novela gótica con personajes que permanecido en gran parte del imaginario colectivo. Y Stoker, no hay que olvidarlo, se inspiró para crear a Drácula en historias y leyendas de los bosques de Europa del Este. 

Del folclore a otras historias: el changeling

El folclore europeo y, en especial, de Irlanda, ha dado lugar a historias que forman parte del inconsciente colectivo: pixies, leprechauns, hadas, son seres que viven en el bosque y forman parte de incontables historias en la cultura popular. Estos niños intercambiados eran justificaciones para deformaciones de nacimiento o enfermedades hereditarias. Se dice que en la misma Irlanda, ésa era una de las explicaciones sobre los niños zurdos.

El bosque maldito

Uno de los seres más curiosos es el changeling, que suplanta la identidad de una persona y se manifiesta a través de ella con cambios repentinos de carácter y de estados de ánimo. El folclore y las tradiciones han intentado dar explicaciones sobre las enfermedades psiquiátricas a través de dichos seres. El escritor Aaron Mahnke, creador del podcast Lore, menciona a los changeling como seres con sus propias agendas, quienes secuestraban a niños y personas adultas para sustituirlos por otras.

El bosque maldito

El cine de horror irlandés ha utilizado a estos extraños y fascinantes seres para contar sus historias. Es el caso de la ópera prima del director Lee Cronin, El bosque maldito (The Hole in the Ground), quien ya tenía experiencia previa en televisión y cortometraje. La película nos cuenta la historia de la joven madre Sarah O’Neill, interpretada por Seána Kerslake y su hijo Chris (James Quinn Markey); quienes se mudan a una pequeña ciudad en la provincia irlandesa. Por lo mismo, al pequeño Chris le cuesta trabajo adaptarse a su nueva realidad, una escuela diferente y un modo de vida distinto, además alejado de su padre.

En la cinta no se detallan los pormenores de la separación de Sarah, pero es un momento que marca la vida del niño. Todo aparenta normalidad, hasta que en un camino se encuentran de manera accidentada en la carretera con Noreen Brady (Kati Outinen), una mujer de edad avanzada quien años antes perdió a su hijo, y permanece en estado de trance, afectada todavía por mencionada muerte.

El bosque maldito

Es a partir de ese encuentro y de una incursión a un bosque cercano en donde halla un enorme orificio en la tierra (de ahí el nombre en inglés The Hole in the Ground), cuando la vida de Sarah empieza a cambiar. Su hijo cambia su personalidad: el niño tímido es transformado en uno extrovertido y diferente. Aquí conocemos a este changeling, quien controla por completo la vida de Chris hasta llegar al punto de agredir físicamente a su madre. A través de una serie de situaciones inusuales en la vida de Chris, como por ejemplo ese surgimiento repentino de una fuerza sobrenatural y los cambios en su actitud, es que Sarah decide investigar las razones de ese cambio abrupto.

No es una cinta que no tenga sus bemoles. *Pequeños spoilers a continuación

En el tercer acto suceden unos saltos de fe inexplicables que anteceden un final un poco atropellado. El director no explica bien por qué Sarah decide entrar al orificio para buscar la respuesta a la afectación de Chris. ¿Quién se metería en un hoyo en medio del bosque sin un objetivo? ¿Quién “llamó” a Sarah a realizar tan intrépido acto?, y ¿cómo es que regresó a su casa sana y salva?  Salvo estas interrogantes que quedan sin contestar, El bosque maldito cumple con su objetivo: ser una historia de terror bien ambientada, con algunos buenos sustos y con buenas actuaciones. Además, Lee Cronin aporta algo al cine de género en la cinematografía irlandesa al introducir a este personaje perturbador que no es tan visto en las películas de terror hoy día. Gracias a él, tendremos en el changeling a un  habitante más de nuestras pesadillas.

Clímax

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Lo que pareciera una inofensiva presentación de un grupo de baile, en Clímax (Gaspar Noé, 2018) se torna en una experiencia incómoda. Pero deberíamos haber visto venir este escenario, pues esta cinta tiene tatuada la intensidad por donde se le vea, haciéndole honor a su nombre.

Empezamos conociendo a los integrantes del mencionado grupo de baile. Los han grabado en cintas VHS respondiendo preguntas sobre el baile, su vida, y la próxima gira que harán en Estados Unidos. Sus voces se reproducen en una televisión, que ahora llamaríamos “antigua”, enmarcada por un cúmulo de libros de filosofía y otras cintas VHS, todas con títulos de reconocidas películas de terror.

La música y la cámara no se detienen

Después de las entrevistas, pasamos a la primera de las dos escenas de baile en la cinta. Desde este momento entendemos que el foco de la historia está en los personajes (aunque no recordemos el nombre de todos) y en cómo se relacionan entre ellos. Con una cámara que rara vez se queda quieta, y la música de fondo que también se niega a detenerse, no debemos esperar un ambiente relajado.

De principio a fin, Clímax se desarrolla en el mismo lugar: una especie de salón conectado a unas habitaciones. La mezcla de luces, colores, y el saber que no podemos salir de ahí crea una sensación pesada que va creciendo casi sin que nos demos cuenta.

¿Por qué no se puede salir de ahí? Porque descubren que alguien puso LSD a la sangría de la que todos estaban tomando y están decididos a dar con el culpable. Esto desatará muchas emociones entre el grupo de jóvenes y nosotros como espectadores vamos a vivirlas con ellos.

Eviten la comida antes o durante la película

No me considero “delicada” ante las imágenes vertiginosas que pueda ver en el cine. Sin embargo, creo que la razón por la que sentí un poco de náuseas con esta cinta, es porque el malestar se va construyendo poco a poco.

Aun cuando sabemos que los protagonistas están ante un “peligro” inminente (el efecto de las drogas en su cuerpo), no los sentimos vulnerables de inmediato. Los hemos visto bailar, los hemos escuchado expresarse sobre el resto de sus compañeros. Como cualquier otro joven, se muestran llenos de sueños y energía.

De pronto se ven ante una situación que no controlan. Es ahí donde se vuelven vulnerables, donde dejan salir sus peores actitudes y los conocemos sin máscaras.

Bailarines a fin de cuentas, ellos viven ese viaje ácido a través de sus cuerpos: sus movimientos y sus acciones. Nosotros lo hacemos a través de la cámara que los acompaña. La película se cuenta, en su mayoría, en un falso plano secuencia que contribuye bastante a incrementar la impresión de que el fr´enesí nunca va a terminar. Pasamos de un sufrimiento a otro sin descanso.

Añadan a eso una larga toma de cabeza y creo que se puede entender la razón de mi malestar.

Aún así, Clímax es una película que recomiendo si quieren, no solo ver algo diferente, sino sentir algo nuevo. Me queda claro que, después de verla, no necesito ingerir drogas nunca en la vida. Ya puedo decir que conozco la sensación que producen.

GREEN ROOM

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El tercer largometraje de Jeremy Sauliner está lleno de tensión y una estética impecable para el género de horror.

Ahora disponible en “agregados recientemente” de Netflix, puedes disfrutar de esta cinta que te tendrá al borde del asiento.

La premisa es básica y casi tomada del encabezado de la nota roja. La habitación verde, se desenvuelve con un dinamismo y autenticidad que resalta el miedo de sus protagonistas.

¿De qué se trata?

Embarcados en un tour por la costa oeste de E.U. una banda de punk trata de conseguir nuevos shows. La suerte no les favorece; la dura rutina de estar de gira, los tiene hambrientos y cansados.

Después de su última desilusión en Oregon, el organizador del evento les promete un mejor foro. Así, en la espesura del bosque, llegan al bar donde abrirían un show.

Bajo la advertencia de que el lugar era frecuentado por neo-nazis de la región, la banda acepta el trato. La necesidad de conseguir algo de dinero para terminar la gira es más grande.

Así, convencidos de que sólo tocarían y se irían, se preparan para salir al escenario. La audiencia no esconde sus preferencias extremistas, pero logran terminar la presentación sin inconvenientes.

Apresurados y motivados por su pago, alistan sus cosas para salir lo más pronto posible. Ya con un pie fuera del recinto, regresan por el celular de la guitarrista, que olvidó conectado en el camerino.

Para horror de todos, cuando Pat (Yelchin) entra sin tocar la puerta, descubre que la banda estelar había asesinado a una chica. El caos explota y a partir de ese momento, comienza una espiral de violencia fuera de serie.

Los empleados, la banda asesina y varios asistentes, tratarán de que “el incidente” (y sus testigos) no crucen las puertas del bar. Desesperados y con pocos recursos a su favor; la banda y la mejor amiga de la chica muerta (Poots), tratan de escapar de los sádicos planes de Darcy (Stewart) y sus súbditos.

¿Qué la hace interesante?

Al igual que los protagonistas, la historia no cuenta con muchos recursos, pero utiliza todos a su favor.

Es bastante simple: estar en el momento y lugar equivocados; pero la genialidad con la que está escrita, la vuelve muy entretenida y sobre todo auténtica. La forma en que se justifican las ideas que se desarrollan, es completamente plausible y no escatiman en la crudeza del realismo; y tanto la manera en que los nazis planean ocultar el crimen, como las reacciones de la banda de Pat, hacen que la audiencia se identifique con ellos.

El ritmo es excelente; la frialdad y voz de Patrick Stewart, contrasta de maravilla con la interpretación de Yelchin; y la vagueza y resignación de Poots, sirve como amalgama dentro de este rompecabezas de horror. Las tres historias que se entrelazan, aunque cortas, no dejan cabos sueltos y se complementan entre sí a la perfección.

En un género saturado de fenómenos paranormales, esta cinta nos recuerda que no hay nada más aterrador que la realidad.

En conclusión…

Si gustas de las películas de horror, las escenas gore; eres fanático de las producciones del estudio A24, seguramente disfrutarás de Green Room.

Es una excelente opción en el catálogo de Netflix, para esta temporada de sustos, terror y sangre.

El Legado Del Diablo “Hereditary”

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El legado del Diablo entrará a tu cerebro y difícilmente saldrá de él.

Hereditary o El Legado Del Diablo nos cuenta la historia de la familia Graham; que como nos iremos dando cuenta en la cinta, está llena de tragedias. Esta película abre con Annie diciendo unas palabras de adiós a su madre que ha muerto, el día de el velorio. Ella tiene dos hijos, es casada y tiene un pasatiempo extraño: el de hacer figuras, casas y cualquier cosa de la vida real, pero en miniatura.

la noche del diablo

Mientras Annie trabaja en sus miniaturas, empieza a notar cosas raras en casa. Empieza a ver sombras donde no debería haberlas y a sentir como que algún tipo de presencia, que simplemente la hace sentir incómoda, está en la casa. Al mismo tiempo, su familia también empieza a sentir lo mismo, y a partir de esto, tenemos una cinta de horror.

la noche del diablo

Esta película fue un éxito en todos los festivales, y se escuchaba que podría ser el próximo “Exorcista”. También se habló, que debía ser comparada con cintas como “Psicosis”. Habiendo escuchado esto, se debe ir al cine con altas expectativas, pero manteniéndolas realistas. Desde el primer minuto, con solo la primera toma y el movimiento de la cámara, sabes que estás viendo algo memorable; una película hecha por un director que siente pasión por lo que hace.

Los primeros minutos de esta cinta son tenebrosos y tétricos; no necesariamente de miedo. Esta cinta entiende que el miedo y el terror son subjetivos; y por lo mismo, pueden sentirse diferente dependiendo de la persona.

la noche del diablo

Hereditary o El Legado Del Diablo no es una película que cae en clichés; es inesperada en cada giro que va dando. Y a pesar de que el miedo es subjetivo, todos o al menos la mayoría, podemos sentirnos relacionados a los dramas o tragedias familiares. Algo que puede sentirse como si a cualquiera pudiera pasarle. Un hijo perturbado. Un hijo que no puede sacar de su mente, lo que ha visto por lo terrible que es. Una madre con una familia llena de tragedia y su esposo que solo intenta balancear la situación.

Esta es una cinta que todo el tiempo pareciera que le pudiera ocurrir a cualquiera. Claro que tiene sus aspectos supernaturales, pero el núcleo de esta historia se siente real. Hay escenas y situaciones, que seguramente entraran a tu cerebro y probablemente nunca salgan.

la noche del diablo

Si hay algo que destacar de la película, que ya es bastante destacable, es la actuación de Toni Collette; que definitivamente podría estar nominada a un Oscar. La exigencia actoral que se le pide en cada escena es enorme. Toda la emoción que la actriz provoca en cada una de ellas es de admirarse; logra la combinación perfecta entre realismo y completa locura.

ATENCIÓN: Mira detenidamente las esquinas. Hay escenas donde si se mira con cuidado, las sombras significan algo. Y si te das cuenta de qué es, a ti como a muchos, se te pondrán los pelos de punta.

la noche del diablo

Milly Shapiro, la hija menor, es magnífica. Este siendo su primer rol, logra ser tan perturbadora con tanto poco diálogo, que pareciera tiene más experiencia. Su personaje es clave para la película, y definitivamente tiene escenas que difícilmente se olvidaran.

Finalmente

Mas que una película de terror, podría ser un thriller psicológico. Más que dar miedo, es una película que te desestabiliza al ritmo que la vas viendo y te pone por momentos al límite del suspenso más que de terror. Definitivamente no te la puedes perder.

The Ritual

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Es una entretenida historia que mantiene al espectador interesado en lo que sucederá.

El ritual es una película británica de horror que narra la historia de Luke y sus viejos amigos de la universidad, quienes emprenden un viaje a los montes suecos, después de la violenta muerte de uno de ellos. Al adentarse en el bosque y tras ver un animal asesinado de forma brutal, los sucesos extraños no tardan en llegar para el grupo, ahora acechado por una presencia inquietante.

La premisa suena bastante recurrente para este género, y aunque es así, la efectividad del guión la hace sentirse fresca. A pesar de las clásicas malas decisiones de los protagonistas, en esta cinta funcionan porque están justificadas. Estas parecen ser influenciadas por la entidad que los vigila pues cada una de ellas los lleva por una camino que aparenta estar bien trazado.

Al jugar con la culpa y sufrimiento de los cuatro hombres y enfrentarlos constantemente a ello los hace verse vulnerables. Esto desata el terror en ellos ante lo desconocido que están viviendo, provocando conflictos dentro del grupo. A pesar de las distintas personalidades de sus personajes, cada uno de los actores transmite esos sentimientos y logra mostrar la paulatina pérdida de cordura tras los traumantes sucesos.

ritual

El entorno juega un papel importante

De lo mejor que tiene la cinta es sin duda su bella e impecable fotografía. Junto a la angustiosa música conforman el ambiente abrumador necesario para el desarrollo de la historia. Ambas partes hacen efectivo cada momento en el que se intenta producir tensión y sustos. Algo que no se ve arruinado por exceso de sangre o violencia, mas que la cantidad necesaria.

Algo curioso es que mas allá de las escenas que involucran sangre u horror directo, fueron las tomas enfocadas en mostrar exclusivamente el bosque las que me parecieron mas perturbadoras. Y no es que haya algo malo con el, por el contario es un lugar hermoso. Pero da la sensación de que el mismo bosque estuviera observando y vigilando indiferente ante lo que sucede en el.

Ya al final de la cinta se presenta una locación diferente al bosque. Un lugar que sigue conservando la atmosfera oscura y elementos paganos mostrados sutilmente a lo largo de la cinta. Y en el que finalmente podemos ser testigos del plan para llevar a esos hombres hasta allí.

ritual

En conclusión, “El ritual” es…

Con un desenlace un tanto predecible pero acertado, es una entretenida historia no muy fuera de lo convencional que mantiene al espectador interesado en lo que sucederá. Maneja el terror psicológico de tal forma que logra la empatía con los personajes y la culpa que cargan. Los efectos utilizados lucen muy bien y acorde con el tono oscuro del ambiente.

Dada la premisa, y al no ser yo una persona que se asuste con facilidad, esperaba mas horror que suspenso. Así que seguiré en la busqueda de una película que logre quitarme el sueño.

ritual

Gana boletos para “Los Extraños: Cacería Nocturna”

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¿Te gustan las películas de terror? Si la respuesta a está pregunta es afirmativa. Fuera de Foco y Diamond Films te invitan a ver antes que nadie “Los Extraños: Cacería Nocturna“. La secuela de la cinta estrenada en 2008 llega este verano para atormentarnos una vez más.

La cita será el día de mañana, Jueves 19 de Abril, a las 10:00 pm en Cinépolis Universidad y Cinemex WTC.

Para ganar uno de los 10 pases dobles que tenemos para ti debes seguir los siguientes pasos.

En los comentarios de este post comenta:

  • 3 películas del director de ésta cinta.

Para ganar sólo debes enviar un correo a contacto@fueradefoco.com.mx con el asunto “Extraños”, un screenshot de tu comentario, y tu nombre completo.

Sinopsis:

La secuela de esta cinta de horror sigue los pasos de una familia. La cual planea enviar a su problemática hija adolescente a un internado, ésta se embarca en un viaje de despedida. Pero toda está travesía se convierte en un gran horror cuando tres psicópatas enmascarados los visitan mientras se alojan en un parque de casas móviles para pasar la noche

¿Nos acompañas? ¡Participa con nosotros!

Verónica

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Netflix es el principal enemigo de Verónica por el simple hecho de venderla de una manera tan exagerada y ridícula.

Hace ya un tiempo que no veía a tanta gente emocionada por una película de terror como lo está ahora con Verónica. Y después de verla, puedo entender por qué.

Verónica es la última película del director Paco Plaza, quién fue uno de los creadores de la franquicia REC. Lo que deja claro que este señor ya tiene experiencia en el género del terror.

En esta reseña decidí hacer algo diferente. La voy a dividir en dos categorías. Primero mencionaré los puntos positivos de la película y después los puntos negativos.

Lo bueno:

La película está inspirada en una historia real.

El filme cuenta la historia de una chica llamada Verónica, que después jugar a la Ouija con dos compañeras dentro de su escuela, las cosas para ella y su familia comienzan a complicarse un poco.

La historia que inspiró esta película quedó registrada como El Expediente Vallecas, y es, hasta de hoy, el único caso paranormal comprobado por la policía española.

La forma de contarse

Como ya se mencionó, Paco Plaza no es un novato en el género de terror, y en Verónica lo deja más que claro. La manera en la que la historia se va desarrollando, de la mano con el buen desarrollo de personajes, termina por crear un interés real del espectador por los personajes y la situación en la que están involucrados.

La música compuesta por Eugenio Mira (Chucky Namanera) y el sountrack son excelentes.

Eugenio Mira es el compositor de la banda sonora de esta película, y vaya que logra un trabajo excelente. Con una música compuesta en su mayoría por instrumentos como pianos y órganos, termina por crear una ambientación sonora muy adecuada para la película.

Por otro lado, la elección de canciones que forman parte del soundtrack es muy buena. Dentro del sountrack se pueden encontrar canciones de los Héroes del Silencio, lo que va perfecto con la ambientación de los años 90’s que maneja la película.

Sí da miedo

Actualmente es muy difícil encontrar una película que logre causar miedo al espectador, pero vaya que Verónica lo logra. El trabajo de arte, el diseño sonoro y la gran dirección de Paco Plaza terminan por crear un producto audiovisual que en más de una ocasión te hará querer cerrar los ojos.

Las actuaciones son muy buenas

No hay mucho qué decir. Tanto Sandra Escacena (Verónica), como los niños que interpretan a sus hermanos, hacen un trabajo fenomenal.

Lo malo:

La película cae en ciertos clichés.

Hay momentos en los que Verónica pierda la originalidad y termina por usar fórmulas que han sido vistas en muchísimas otras películas del género: Una monja espeluznante que sólo está para causar nerviosismo al espectador, pesadillas que se terminan combinando con la realidad, y en un todo, los tan famosos y odiosos jump scares.

Netflix:

¿Pero cómo Netflix puede ser un punto negativo en esta película? Pues la respuesta es muy sencilla… Netflix es el principal enemigo de Verónica por el simple hecho de venderla de una manera tan exagerada y ridícula.

Netflix promocionó esta película como el filme más terrorífico jamás hecho, y además afirmaba que sólo una de cada cien personas lograba verla de inicio a fin. Todo esto hizo que mucha gente terminara con un mal sabor de boca por las falsas expectativas, sin importar que la película no era realmente mala.

Conclusión:

Verónica no es la película más terrorífica de la historia y difícilmente será recordada como uno de los grandes iconos del género del horror, pero afortunadamente son más los puntos positivos que negativos, lo que termina haciendo de Verónica una opción muy interesante para un viernes por la noche.

Cinéfilo, ten la libertad de dejarme en los comentarios qué tal te pareció a ti esta película. ¿Te sacó algún susto? ¿O piensas que es más de lo mismo?