¿Cómo Sydney Sweeney está transformando su carrera?

En este artículo:

  • En su visita a México, Sydney Sweeney habló sobre el largo proceso que le tomó para crear Inmaculada y cómo suele construir a sus personajes.
  • Aunque originalmente audicionó cuando tenía 17 años, ahora es productora de la cinta y modificó por completo la historia para que resonara mejor con el momento que está viviendo en su carrera.
  • Alvaro Morte y Sydney Sweeney consideran que Inmaculada logra subvertir el género de horror y al mismo tiempo tocar temas controversiales.

Sydney Sweeney es una de las artistas que se están convirtiendo en la nueva generación de grandes estrellas de Hollywood. Y es que además del gran éxito que tuvo como productora y protagonista de la romcom Anyone But You, ahora se prepara para sorprender a las audiencias con Inmaculada.

En esta nueva cinta de horror, Sydney Sweeney interpreta a Cecilia, una monja devota que se suma a un convento italiano que esconde fuertes secretos.

Con ideas sobre el control del cuerpo femenino y las estructuras de la iglesia. Sydney Sweeney contó durante su visita a México el largo proceso para construir Inmaculada y el proceso que tiene para construir a sus personajes.

Sydney Sweeney
Foto: Fer Ramírez/ Fuera de Foco

¿Cómo Sydney Sweeney trabaja para crear a sus personajes?

Durante su visita a México para celebrar la presencia de Inmaculada en la CCXP, Sydney Sweeney habló sobre el proceso que suele seguir para construir a sus personajes.

“Yo construyo toda su historia de origen: hago líneas de tiempo, les dibujo relaciones, memorias, me imagino todo lo que han vivido y que les llevó a llegar a un punto específico.

Así, puedo brincar dentro de ellas y saber cómo va a reaccionar y cómo se va a sentir”.

Sydney Sweeney, Visita a México

La actriz es también productora de Inmaculada, pero en la conferencia reveló que “hubo un momento en el que pensé que no iba a obtener este papel” pues audicionó cuando tenía 17 años y nunca recibió respuesta.

Una vez que consiguió el papel, decidió hacer cambios importantes en la historia. Originalmente, la trama iba a tratar sobre una estudiante en un internado en Irlanda. “Pero después de tanto tiempo, ya no tenía sentido hacer una historia así. Así que tuvimos que cambiarlo todo”.

Álvaro Morte, coprotagonista que interpreta al padre Sal Tedeschi, mencionó que Sydney Sweeney “es una trabajadora incansable que ya tenía claro cada aspecto del guion y cómo tenía que verse la historia”.

“Como actriz, sabe ponerse al servicio de la historia y del director” mencionó Morte, “pero fuera de cámara, también trabaja muy duro para tenerlo todo planeado. Cada paso, cada decisión, Sydney lo tiene dominado”.

Sydney Sweeney
Copyright @ Diamond Films

¿Inmaculada es una película difícil?

Según Sydney Sweeney, lo que más le interesó sobre interpretar a Cecilia, “fue el crear a un personaje muy activo, pero ingenuo. Lo que más me preguntaba era: ¿qué pasa cuando el sistema de valores de una persona muy devota se derrumba?”.

Durante la conferencia, Sydney Sweeney confesó que le gustaría ver a su personaje en historias como El bebé de Rosemary. “Tomamos muchos elementos de cintas de horror de los 60 y 70 en términos de atmósfera, jumpscares, quisimos usar la nostalgia de esas películas de horror”.

Inmaculada consiguió una atmósfera sofocante y aterradora grabando en lugares siniestros, como catacumbas. “Era un lugar con cadáveres reales que despedían un aire venenoso, estos fueron elementos que hicieron que construyéramos una historia intensa y que se sintiera real”.

Morte confesó que realmente no le gustan las películas de terror, pero que esta película “es un horror que esconde temas que se tienen que hablar: tan solo por el hecho de que un lugar lleno de mujeres es dominado por un hombre, pero también habla sobre el control de la mujer, sobre la tecnología”.

Sydney Sweeney complementó la idea del actor diciendo que “trata sobre algo muy aterrador: sobre una persona suficientemente loca para intentar usar tecnología, como el control de ADN, para promover sus creencias”.

Pero el mayor aprendizaje que tiene la actriz de esta película es “nunca aceptar un no. Yo creía que ya tenía el no con Inmaculada, pero al final logramos empujar barreras gracias al trabajo duro y un gran compromiso. Así que, el punto es confiar en lo que puedes hacer y hacerlo”.

Sydney Sweeney
Foto: Fer Ramírez / Fuera de Foco

CCXP 2024: ¿Una convención verdaderamente diferente en México?

En este artículo:

  • Ródrigo Chávez, director de marketing de la CCXP, nos habló sobre lo que hace diferente a esta convención y sus planes a futuro.
  • Asegura que han tenido un cuidado minucioso para asegurar que el evento sea una experiencia diferente, pues hay mucha expectativa alrededor del evento.
  • También nos comentó cuáles son sus planes a futuro y lo que buscan lograr para impulsar el arte en México.

La Comic-Con Experience (CCXP) es uno de los eventos de cultura pop más grandes del mundo. Usualmente celebrado en Brasil, esta es una de las convenciones que más llama la atención, no sólo por la enorme cantidad de talento hollywoodense que desfila por sus paneles, sino también por ser un recinto que celebra el encuentro entre creadores y fans.

El 4, 5 y 6 de mayo, la CCXP tendrá lugar en México y las expectativas están por los cielos. Y es que, a pesar de ser uno de los lugares más importantes de cultura geek en Latinoamérica, el país realmente no ha tenido una convención grande que se vuelva un referente de información internacional.

Pero de acuerdo con Rodrigo Chávez, su director de Marketing, la CCXP en México tiene todo para convertirse no sólo en un referente internacional, sino también en un espacio que impulse el trabajo local.

CCXP 2024
Imagen: CCXP 2024

¿Qué hace diferente a la CCXP de otras convenciones?

“Lo que nosotros buscamos es demostrarle a los estudios, demostrarle a los/as fans y a las marcas, que México es un gran lugar para celebrar la cultura geek” nos mencionó Chávez en entrevista, pues asegura que él desde siempre ha sido un gran fanático de los cómics, las películas y la series, por lo que ahora busca construir una comunidad “que logre formar una convención con la calidad que merecemos en el país”.

La CCXP tendrá de invitados a Giancarlo Esposito, Sydney Sweeney, el elenco de The Boys, Fede Álvarez, así como paneles con el talento de El Planeta de Los Simios, The Acolyte, CrunchyRoll, House of The Dragon y Rick & Morty con el talento principal de estas producciones. Además, en el primer día se abrirá una premiere de Inmaculada.

La última vez que vimos una convención con perfiles tan altos fue en 2017, cuando Stan Lee y Tom Holland se presentaron en la Conque, pues convenciones como La Mole o la TNT suelen traer a talento más de nicho enfocado en cómics y animación.

Al respecto, Chávez considera que a estas convenciones “lo que les ha faltado es inversión y apoyo. Porque son grandes ideas, grandes propuestas, pero tal vez no tienen el apoyo suficiente para poder sostener una organización así a largo plazo”.

La CCXP está auspiciada por OCESA, la empresa de organización de eventos más grande del país. “Creo que ese cobijo ha sido invaluable porque nos ha permitido desenvolvernos con soltura y con mucha más ambición. Es un apoyo tremendo el que hemos recibido de la compañía en términos de logística y organización, ha sido un gran plus”.

De acuerdo con el director de marketing, en la CCXP de México tuvieron un minucioso cuidado con su agenda de talentos. “Cuadramos mucho con las fechas de embargo, de spóilers y las agendas para asegurar que la experiencia que anunciáramos fuera fija y no tener cambios de último minuto”.

Según Chávez, la convención está pensada para que sea “un lugar que posicione a México como un verdadero referente de este tipo de convenciones. Que se vea que podemos ser una cuna de información y celebración para fans del cine, las series y los cómics“.

Imagen: CCXP 2024

¿Qué planea la CCXP en México a futuro?

La convención no ha estado exenta de controversias. En días recientes, artistas y fans en redes sociales denunciaron el alto costo de las mesas de exhibición para artistas, pero al final la CCXP decidió que el espacio fuera gratuito.

“Hay que entender que esto no es un sprint, es un maratón” nos comentó Chávez, quien asegura que está constantemente leyendo comentarios y opiniones en redes sociales sobre la organización del festival. “Para mi, como fan y para nosotros como empresa, respetamos el trabajo de cada artista, queremos que esta sea una experiencia única como jamás se ha visto en México, y eso implica seguir aprendiendo”.

“Lo que buscamos es crear una comunidad de soporte. Tenemos a estos increíbles creadores y artistas nacionales que estarán presentándose cerca de marcas y grandes estudios de Hollywood.

Nuestro objetivo es que se puedan construir redes que ayuden a impulsar el talento de México en el mundo, así como encontrar vías para que se gesten nuevos proyectos, nuevas ideas”.

Rodrigo Chávez, Fuera de Foco

La CCXP tendrá lugar los días 3, 4 y 5 de mayo en el Centro Citi Banamex de la Ciudad de México.

CCXP 2024
Imagen: Prensa OCESA

¡Todo sobre la compra de Ryan Reynolds al Necaxa!

  • Ryan Reynolds y Rob McElhenney han adquirido parte de las acciones de Club Necaxa, el equipo de fútbol mexicano originario de Aguascalientes.
  • Se estima que el equipo, quien entre sus dueños cuenta a personalidades como Eva Longoria, pasaría por una transformación mediática, de la misma manera en que Reynolds y McElhenney hicieron con el equipo Wrexham de Reino Unido.
  • Si bien, aún no se han puesto sobre la mesa los planes con el Necaxa, anteriormente Reynolds produjo una docuserie sobre el equipo galés, por lo que se estima que el equipo mexicano podría pasar por una exposición similar, para llegar a públicos internacionales.

Tras transformar un equipo y ciudad completa en Galés, Reino Unido, Ryan Reynolds y Rob McElhenney se preparan para invertir ahora en un equipo de fútbol mexicano: el Club Necaxa.

Y es que reportes señalan que ambos actores, han adquirido una cantidad de acciones significativas del club deportivo, entre cuyos dueños también se cuenta a la actriz Eva Longoria y a los inversionistas Al Tylis y Sam Porter.

Pero, ¿por qué Ryan Reynolds está interesado en el Necaxa y qué representa ésto para el equipo? ¡Te lo explicamos!

¡Todo sobre la compra de Ryan Reynolds al Necaxa!
Imagen: Getty via Variety

¿Ryan Reynolds planea un documental del Necaxa?

Reportes señalan que Ryan Reynolds y Rob McElhenney adquirieron acciones del Club Necaxa con un muy interesante objetivo en mente: hacer crecer al equipo dentro del reflector internacional de fútbol.

La estrella de Deadpool, quien tiene un sólido historial de inversiones, y Rob McElhenney, hicieron la compra a través de su compañía RR McReynolds, la cual también es dueña del equipo Wrexham AFC, de Galés, en Reino Unido. Actualmente, ambos actores forman parte de la mesa directiva de dicho equipo, aunque al momento se desconoce qué tan involucrados estarán con el liderazgo del Necaxa.

Sin embargo, anteriormente la compañía conjunta de ambos actores, apunta a que buscarían que el Club Necaxa sea punto focal de una docuserie, similar al proyecto que ambos pusieron en marcha con el equipo Wrexham, el cual logró poner al equipo de regreso en el mapa de la cultura pop.

La serie del Wrexham, la cual estrenará su tercera temporada a principios de mayo, sigue la revitalización de la ciudad local del club, además de cómo la inyección de capital en el equipo, el cual es uno de los más antiguos en el mundo, volvió a mover el turismo y la economía local.

La segunda temporada de la serie ganó cinco premios Emmy en 2023, incluyendo el galardón por mejor reality.

Fuentes cercanas a la producción del documental del Wrexham, señalaron que proyectos similares para el Necaxa son muy posibles, aunque aún es pronto, debido a que no se han planteado negociaciones entre el equipo para ello.

¡Todo sobre la compra de Ryan Reynolds al Necaxa!

¿Qué necesita el Necaxa para tener un documental?

Ryan Reynolds y Rob McElhenney necesitarán bajar tratos tanto con productoras mexicanas como otras casas internacionales, además de examinar los pactos actuales que tiene el equipo con transmisoras y demás distribuidores.

Sin embargo, la inversión de ambos actores apunta también a poner a prueba el qué tan cruciales son los medios y la promoción en la cultura pop, más allá del desempeño deportivo de un equipo, para volverlo popular.

Por ello, socios de Ryan Reynolds y Rob McElhenney, destacaron que las celebridades tocarán puntos de negociación con plataformas como Netflix, Amazon Prime Video y otros servicios de streaming de alcance global, pues su meta no sólo es fortalecer la parrilla de fanáticos/as que tiene el equipo dentro de México, sino hacer crecer las bases de fans internacionales más allá del país local, Estados Unidos y Latinoamérica.

En 2021, Longoria, Tylis y Porter se volvieron dueños parciales del equipo de Aguascalientes, y según se estima, la inversión de McReynolds también es significativa, aunque un número concreto no se ha hecho público todavía.

En 2021, el equipo estaba valuado en menos de cien millones de dólares, lo que llevó a la organización de Longoria a adquirir el 50% de la franquicia. Tras sumar otros inversionistas, el equipo cerró su valor en $200 millones de dólares en 2022.

¡Todo sobre la compra de Ryan Reynolds al Necaxa!

¡Cristina Rodlo conquista el mundo del streaming!

Cristina Rodlo es una de las actrices mexicanas que actualmente la está rompiendo en cine, televisión y por supuesto, en el streaming. Pues, la estrella nacida en Torreón, Coahuila, comenzó el 2024 con grandes estrenos que al momento han dado mucho de qué hablar.

Y es que poco después de concluir con la segunda temporada de Halo, donde Rodlo da vida a Talia Perez, la actriz también estrenó película en Netflix de la mano de Bill Nighy: una historia feel good inspirada en la Copa Mundial para Personas sin Hogar: The Beautiful Game.

En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con Cristina Rodlo, quien nos contó más sobre The Beautiful Game, la copa en que se inspira, el balance entre la fisicalidad y la emoción en la actuación, y también sobre su tiempo en una de las series de sci-fi más ambiciosas de los últimos años: Halo.

¡Cristina Rodlo conquista el mundo del streaming!
Imagen: Cristina Rodlo

¿La marine favorita en Halo?

Cristina Rodlo coronó las pantallas por varias semanas como Talia Perez —o Corporal Perez— en la serie de Paramount+, Halo.

Si bien, la segunda temporada de Halo recibió críticas mixtas y opiniones divididas desde la trinchera de los/as fanáticos de la franquicia, el personaje de Cristina Rodlo destacó como una de las virtudes más grandes de la serie hasta el momento.

Sin embargo, al tratar de de una historia que se inspira en los icónicos videojuegos, era vital tanto para la actriz como para el equipo detrás del show hacer justicia a las dos facciones que empujan la historia: The Covenant y la UNSC —o la facción humana—.

Por ello, Cristina Rodlo nos contó más sobre el entrenamiento para sumarse a los marines en la historia, remarcando el trabajo que se hizo con los directores, el elenco y la producción para tales fines, “Teníamos que estar a la altura de los spartans y los marines. Y entrenamiento de armas también, tienes que aprender todo”.

No obstante el aspecto físico es tan sólo una de las exigencias del personaje, pues Rodlo remarcó que lo más interesante de Perez y la razón por la que decidió interpretarlo, es por la gran esencia humana que posee.

“Ella decide ser marine porque es muy buena y lingüísticamente es increíble también. Entiende idiomas, sabe cómo habla el Covenant. Piensa que no va a tocarle la batalla, hasta que baja por error, y cambia su vida.

Entiende que los marines y spartans hacen están ahí por algo más que salvar el mundo, sabe que hay razones ocultas por las que están peleando.”

Cristina Rodlo

“Lo increíble de Perez es empezar en un punto con su historia, y encontrarla cuestionando todo después”, señaló.

Por su lado, la actriz también destacó el trabajo de efectos visuales que se hizo en el show, los cuáles no sólo fueron creados a partir de CGI, sino con recursos prácticos en escena.

“Cuando peleamos con aliens, hay monos gigantes peleando con nosotros. No tienes que imaginar, reaccionas a las acciones reales, cosa que casi nunca pasa” alabó Cristina.

¡Cristina Rodlo conquista el mundo del streaming!
Imagen: Paramount+

Entender al personaje a través del cuerpo

Cristina Rodlo no es ajena a las historias que además de una gran demanda emocional, exigen un nivel físico alto. Pues si bien, en Halo interpreta a una soldado que se exige constantemente, también ha podido dar vida a otros personajes que requieren un entrenamiento estricto, tal es el caso de la Rosita en la cinta de Netflix, The Beautiful Game.

Tanto para The Beautiful Game, como para Halo, entre varios otros proyectos, Cristina Rodlo combina tanto el perfil psicológico y emocional de sus personajes con su fisicalidad.

“Siempre voy de la mano con lo que haría el personaje. Nunca separo lo emocional de lo físico, porque es como uno en la vida.

Todos somos cuerpo, mente y alma. Y el personaje también es cuerpo, mente y alma.”

Cristina Rodlo.

Asimismo, la actriz señaló que en el proceso de construcción de personaje, los ensambla más allá de lo que plantea la página del guión. “Para mí es importante entender de dónde viene, su infancia. Hago un trabajo sobre la vida del personaje. Qué necesita, cómo se mueve, cómo respira, qué siente.”

¡Cristina Rodlo conquista el mundo del streaming!
Imagen: Paramount+

Detrás del juego en The Beautiful Game

The Beautiful Game se inspira en la Homeless World Cup, una fundación enfocada en apoyar a las personas en situación de calle a través del deporte. Su primer torneo tuvo lugar en 1999, y a partir de 2008 añadió también una categoría femenil. La película además contó con la participación de jugadores que fueron parte de la Homeless World Cup en ediciones anteriores.

“The Beautiful Game es un proyecto muy lindo” nos contó Cristina Rodlo, “Justamente está basado en una copa y fundación que existen, que apoyan a gente que no tiene casa” relató.

Si bien, el personaje de Rodlo es una dreamer que forma parte del equipo estadounidense, la actriz remarcó la presencia del talento mexicano en el torneo: “El equipo mexicano de mujeres ganó el año anterior al rodaje, y saber eso, hizo que toda esta experiencia fuera aún más maravillosa” añadió.

Llegar a The Beautiful Game parecía escrito para Rodlo, quien al momento del casting estaba en Nueva York, sin trabajar y celebrando su cumpleaños. “Mi agente me dijo, tienes que mandar casting. Veo que es una historia de fútbol, y toda mi vida he sido apasionada del deporte”, por ello la producción le pidió un video jugando fútbol,

La actriz destacó que su amor por el deporte le llevó a ser considerada para la selección femenil mexicana, por lo que cambiar su “pasión por actual, con el fútbol fue maravilloso”.

Sin embargo, Rodlo también puntualizó que el núcleo de la historia va más allá del ámbito deportivo, pues a final de cuentas The Beautiful Gamese trata de perseguir tu sueño, y que no importa dónde estés y qué hagas, si crees en ti, siempre habrá alguien más que también crea en ti.”

The Beautiful Game ya está disponible en Netflix, y la segunda temporada de Halo ya también se encuentra completa en la plataforma Paramount+.
Imagen: Netflix

Demon Slayer: ¿Cómo el fandom latino ha impactado al anime?

En este artículo:

  • Yuma Takahashi, productor de la película de Demon Slayer; Kengo Kawanishi, voz en japón de Tokito y Takahiro Sakurai, voz de Giyu Tomioka, nos contaron su opinión sobre el fandom mexicano y latino.
  • Ellos agradecen la forma en la que Crunchyroll ha abierto la puerta a que audiencia fuera de japón pueda disfrutar de la historia. Y aseguran que la pasión del fandom mexicano les ayudan e inspiran a seguir haciendo un buen trabajo.
  • También nos dijeron qué podemos esperar de la película de Demon Slayer: to the Hashira Training y por qué es diferente  a las entregas pasadas.

El estreno de Demon Slayer: to the Hashira Training que se llevó  a cabo en México fue un gran éxito. Con mas de 7,000 asistentes, la visita de Kengo Kawanishi y Takahiro Sakurai en México dejó claro que lo nuevo que el entrenamiento que le espera a Tanjiro será mucho más conmovedor que en entregas anteriores y que lo/as fans de la saga están más comprometidos/as que nunca con el arco que vendrá.

Es la segunda vez que la voces en japonés de Demon Slayer vienen a México. La primera fue apenas en 2023, cuando el intérprete protagonista, Natsuki Hanae, visitó el país en un evento inédito para celebrar que el anime rompió récords alrededor del mundo.

En esta visita, al igual que el anterior, el gran fandom de Demon Slayer se hizo presente en una gran celebración. En Fuera de Foco, pudimos platicar con el talento de doblaje y con el productor Yuma Takahashi sobre el impacto del fandom latino en la evolución del anime en general y en Demon Slayer.

Demon Slayer
Foto: Fuera de Foco

¿Cómo el fandom latino inspira al talento de Demon Slayer?

Durante la alfombra roja, Kengo Kawanishi confesó que tenían mucha gana de venir específicamente a México después de lo comentario que hizo Natsuki Hanae: “él llegó muy emocionado  por cómo lo recibieron aquí [En México] y de verdad queríamos experimentarlo por nosotros mismosdijo durante la alfombra roja.

No sólo eso, Takahiro Sakurai complementó diciendo que “sentimos incluso más amor y emoción aquí que en Japón”. ambos aseguraron que el sentimiento que les generaba ver a tantas personas reunidas para festejar el nuevo arco, “da mucha más inspiración para continuar y seguir haciendo un buen trabajo. Porque inspira a seguir mejorando, seguir avanzando, ser mejor”.

En entrevista, Yuma Takahashi, productor de las dos películas de Demon Slayer, no comentó en exclusiva que “le sorprendió mucho ver el que el público latino tiene un amor y una pasión más grande que el del fandom japonés sobre el material original”, pues realmente no dimensionó el amor de los/as fans mexicanos/as hasta que llegó al país.

Y para él, fenómenos como el de Demon Slayer se ha dado en gran medida gracias al impacto que ha tenido Crunchyroll en todo el mundo. “El sistema que tenemos en donde [Demon Slayer] se transmite el mismo día en Japón, latinoamérica y otras partes del mundo, ha hecho que la historia conecte con un público más amplio”.

La atención mediática que ha recibido gracia a la popularidad de Demon Slayer, serie que se mantiene en el primer puesto de visualizaciones en la plataforma “es lo que les ha permitido también seguir conectando con un público amplio y buscar oportunidades para viajar y celebrar la evolución de la serie”.

“El world tour de Demon Slayer en una forma de agradecerle a lo/las fan por todo el cariño que le dan a la obra” nos comentó en exclusiva el productor.

El estreno de to the Hashira Training fue un celebración especial, ya que los dos actores de doblaje también nos confesaron que tal vez esté en un punto de inflexión que marcará un antes y un después en la historia.

Demon Slayer
Foto: Fuera de Foco

¿Qué podemos esperar de Demon Slayer: to the Hashira Training?

Según lo que no comentó Kengo Kawanishi, hasta el momento, Demon Slayer “se ha centrado mucho en Tanjiro y sus amigos, con alguno que otro pilar por ahí, pero en el nuevo arco, Tanjiro formará un vínculo más estrecho que cambiará a todos los personajes”.

Kengo Kawanishi interpreta a Muiichiro Tokito, el pilar de la niebla. Y lo que dice Kawanishi tiene mucho sentido, ya que como descendiente directo de Kokushibo, Luna Superior Uno, él esconde muchos secretos. En el manga, Tanjiro ayuda a Tokito a recuperar su confianza y sus memorias, por lo que Kawanishi está seguro de que “es un arco muy emocional para todos los personajes”.

Al respecto, Takahiro Sakurai, quien da vida a Giyu Tomioka, complementó diciendo que “de la misma manera en la que Tanjiro aprende de los pilares, sus acciones también repercuten en la actitud y evolución de lo Pilares. En especial en esta película, nos van mostrando cómo se dan esos vínculos o esas interacciones que no pudimos ver en capítulos o arcos anteriores de Demon slayer”.

Cosas que no eran evidentes hasta el momento,  a través de cómo se desarrolla la historia en esta película, hace que la audiencia pueda apreciar mejor estos vínculos entre los personajes” sentenció.

Demon Slayer
Foto: Fuera de Foco

Dune 2: ¿La adaptación más ambiciosa en la historia del cine?

En este artículo:

  • Durante su visita a México, el elenco de Dune explicó las diferencias principales que tiene la primera con la segunda parte.
  • El director Denis Villeneuve explicó el intenso trabajo que le tomó crear la adaptación. Pero espera que su versión sea lo más parecido a lo que quería lograr el autor Frank Herbert con su obra original.
  • El elenco de Dune estuvo de acuerdo que la segunda parte es todavía más ambiciosa y diferente a la primera parte.

Dune, dirigida por Denis Villeneuve, es una de las sagas cinematográficas más ambiciosas que se han hecho en la historia de Hollywood. Considerada “una obra inadaptable” por sus temáticas surreales, la mezcla de profecías, complejos árboles genealógicos y guerras cósmicas, el libro creado por Frank Herbert tuvo que dividirse en dos películas. 

En su visita a México, Villeneuve fue muy enfático al decir que Dune 2 “no es una secuela, es la segunda parte” de una historia que se esmeró mucho por construir y traducir a un lenguaje cinematográfico. “Nací para hacer esta película”.

¿Por qué Dune es un proyecto tan grande y por qué es diferente la parte 2 de la primera entrega? ¡El elenco contó todo durante su visita a México y aquí les decimos todo!

Dune
Foto: Elle Mexico

Dune 2: ¿Más grande que la primera parte?

“Sabia que la primera parte sería la introducción a nuestro mundo” contó Denis Villeneuve durante la conferencia de prensa que se suscitó en la Ciudad de México. Siempre dije que era como un aperitivo. Me arrepiento un poco de haberme referido así de la primera parte, una cinta de esa magnitud siendo considerada un aperitivo, pero es la verdad”.

Denis Villeneuve asegura que puso todo de él para crear esta segunda parte, “es mucho más robusta, tiene más acción”. En esta historia, Paul Atreides (Timothée Chalamet) debe decidir si tomará la posición de líder como el Lisan Al Gaib entre los Fremen y luchar contra las fuerzas del barón Vladimir Harkonnen, que tiene subyugado a Arrakis por la producción de la aclamada “especia” y mantener el status quo del imperio.

Aunque Denis Villeneuve enfatizó que “él estaba destinado a hacer esta película”, Josh Brolin, quien interpreta a Gurney Halleck, el mentor de Paul y una de las figuras más leales a la Casa Atreides, dijo que “Villeneuve estaba destinado a hacer todas las películas que ha hecho, sólo ha ido mejorando”.

Y tiene razón, cintas como Prisoners, Sicario, Enemy, Blade Runner 2049 y Arrival se han convertido en grandes clásicos en donde se ha visto la evolución del director como cineasta de autor, capaz de mezclar temas sumamente complejos con tramas intrigantes. La diferencia, además de la magnitud de esta película, es que también tuvo que organizar presupuestos de más de 150 millones de dólares.

“En esta película, Paul se convierte en un hombre.” explicó Villeneuve. “Aquí toma grandes decisiones, sobre vengar a su padre, sobre tomar las riendas de su destino. Tal vez crear caos. ¿Cuál es el camino correcto? Es una historia trágica”.

Por su parte, Timothée Chalamet alabó el trabajo que ha hecho en Dune, asegurando no sólo que es la mejor película en la que ha participado, sino que se siente honrado y “espera tener la suerte de volver a estar en una película tan buena de nuevo”.

Chalamet está de acuerdo en que la primera parte “cimentó la historia”, ya que en la primera cinta “Paul estaba protegido por grandes murallas, privilegios. Ahora es cuando por fin logra comenzar a tomar decisiones importantes sobre tomar su destino”.

Pero ese camino sin duda pone en peligro su relación con Chani (Zendaya), ya que como explicó la aclamada actriz en la conferencia, “ella tenía fuertes debates internos sobre si debía confiar en Paul y si es seguro amar”, cosa que le maravilló a la actriz, pues fue parte del intenso trabajo de Denis Villeneuve para lograr crear una adaptación de Dune ambiciosa y diferente..

Zendaya explicó que Denis Villeneuve le dio a esta versión de Chani “una fuerte convicción, lo que agradecí porque hizo la historia de amor mucho más difícil, porque su amor no se da natural, se lo tienen que ganar”.

Denis Villeneuve concluyó diciendo que Dune “es, por mucho, el trabajo más complejo que he hecho en mi carrera”, ya que si bien la investigación, el diseño de producción y los efectos se trabajaron desde que comenzó el proyecto general, “conjuntarlo todo y hacer también grandes escenas de acción, con una historia más densa e intensa, fue un gran desafío”.

Dune
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Qué sigue más allá de Dune: Part Two?

Florence Pugh y Austin Butler también estuvieron presentes en México para presentar la secuela de Dune. Ellos interpretan a dos personajes esenciales para la historia, pero de quiénes vimos muy poco en la primera parte: la Princesa Irulan, quien es entrenada en el camino de las Bene Gesserit y que narra gran parte de la historia.

“Nunca había interpretado a un personaje tan callado y tranquilo” explicó Pugh, “siempre había tenido la oportunidad de interpretar a personajes feroces y muy vocales”. Por lo que, para ella, estar en la película “fue como estar en el Disneyland para adultos”.

Tanto Florence Pugh como Austin Butler empezaron a trabajar juntos después de que Villeneuve les invitó un café. “Es una cita barata y fácil” bromeó el cineasta, pero ambos mencionaron que ya habían tenido la oportunidad de ver y enamorarse del mundo de Dune con la primera parte, “fue un regalo y una increíble oportunidad poder participar en algo que le importa tanto a tanta gente”.

Austin Butler interpreta a Feyd-Rautha Harkonnen, el cruel sobrino del emperador que también fue criado para convertirse en el elegido Kwisatz Hadernach, lo que lo convierte en uno de los rivales más grandes de Paul. “Creo que ha sido el personaje más ambicioso en el que he estado” sentenció la estrella de Elvis.

Por eso, asegura que “fue un duro entrenamiento” en donde tuvo que modificar la forma de caminar y moverse por el mundo. “Cuando has crecido toda tu vida entendiendo la violencia como poder, y viendo a alguien como el emperador como el máximo exponente del poder, eso cambia la forma en la que te mueves en el mundo”.

Josh Brolin también aseguró que la gran química que tienen los actores fue gracias a la gran dirección de Villeneuve. “Estaba en una escena llena de arena, era la batalla principal, y él me dijo molesto: Pero, ¿dónde está la emoción?”

Cuando se le preguntó por qué no quiso introducir a Feyd-Rautha o a Irulan desde la primera parte de Dune, Villeneuve aseguró que “quería que la parte uno estuviera centrada en la perspectiva de Paul. Y en esta segunda parte, quería introducir más elementos, para mostrarle a la audiencia cómo se ha expandido el universo de Paul y por ende el de Dune”.

Dune
Copyright @ Warner Bros Discovery

El Secreto de Denis Villeneuve para adaptar Dune

En su visita a México, Villeneuve aseguró que su trabajo como documentalista “fue el más grande maestro de cine que tuvo” pues la libertad que le dio el tener una cámara para captar la realidad le ayudó a formar las texturas, a entender el poder de la luz, de la naturaleza. Y a poder mostrar el choque cultural de los Fremen con el mundo de Atreides y el imperio.

“La historia es muy poderosa. Pero cuando la estaba adaptando, quería que mi madre pudiera entender también el poder de la naturaleza, de la luz, de las texturas del mundo.

El poder de la naturaleza, de las personas, es lo que brinda intimidad a una adaptación de esta escala”.

Denis Villeneuve, Master Class, México

El director espera poder haber hecho una adaptación que se acerque a la obra de Frank Herbert, ya que contrario al autor en los 50, él tuvo el lujo de entender la historia y lo que él quería contar desde el principio. “El primer libro se entendió como el viaje de un héroe, entonces hizo Mesias para hablar de los peligros de las figuras carismáticas. Yo ya tuve el lujo de saber eso desde que estaba haciendo esta adaptación, así que espero que esta versión sea la más cercana a la idea original del autor”.

El cineasta ha dicho que quiere hacer una tercera película de Dune para completar el viaje de Paul Atreides. Y a todas luces, se perfila para convertirse en una saga que pasará a la historia como uno de los más grandes y mejores proyectos de ciencia ficción que se han hecho en el cine.

Dune
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿El Cine mundial sufre una crisis de desigualdad?

En este artículo:

  • Te contamos cómo está cambiando el cine alrededor del mundo después de la pandemia, las huelgas de Hollywood, la inflación y la crisis económica.
  • En general, mientras los gobiernos invierten menos, las producciones de Hollywood siguen dominando el mercado. Pero eso trae problemas para los/as cineastas independientes.
  • El avance de la inteligencia artificial y el streaming también complican el panorama de cine en el mundo, pues incrementan las desigualdades.

Las huelgas de Hollywood paralizaron la industria durante más de 6 meses. De acuerdo con análisis y estadísticas, el estado de California perdió alrededor de 5 mil millones de dólares por los paros, pues la huelga afectó a servicios de transporte, comida y diseños de modas que trabajan de manera tangencial en la industria.

Entre los paros, la crisis económica, la pandemia y el desarrollo de la inteligencia artificial, grandes cadenas como Netflix, Disney y Warner Bros Discovery han tenido que adaptarse a duras condiciones y reestructurar el tipo de películas y series que producen.

Aunque usualmente la información y noticias vienen del mercado estadounidense de Hollywood, es innegable que el cine mundial se ha visto afectado por estos cambios, y algunos países incluso quieren apostar menos por la producción del séptimo arte.

¿Cómo es que el cine mundial está cambiando? ¿El streaming de verdad ha creado más desigualdad entre los mercados? ¡Les contamos todo aquí!

Cine
Foto: RTHK

Hollywood y el streaming vs el cine independiente

Recientemente, un reporte hecho por el Estudio de Cine Británico reveló que la inversión para la producción de cine y series bajó al menos 32%. Según sus números, solamente se invirtieron 5.3 mil millones de dólares en la producción de series y películas (de esos, solamente 1.7 mil se destinaron a cine), y aunque se estrenaron grandes producciones como Doctor Who, The Crown y Slow Horses, de todas formas se estrenaron menos películas.

El año pasado, los productores británicos de Pack enviaron una carta al gobierno de Gran Bretaña para pedir su intervención, ya que “las películas independientes estaban al borde del colapso financiero” debido a la inflación, el lento regreso de la gente a las salas de cine, la inversión en televisión de alto prestigio y las producciones de Hollywood.

Pero este panorama no es exclusivo de Gran Bretaña. El presidente de México, Andrés Manuel López Obrador, ha impulsado legislaciones para recortar estímulos fiscales a la industria de cine bajo el argumento de ahorrar el gasto público y disminuir la corrupción. La maniobra también quiso ser implementada en Argentina, ya que el nuevo presidente Javier Milei busca desesperadamente controlar la hiperinflación y los problemas de deuda que atraviesa el país.

Incluso en Francia, uno de los países que más defiende la producción de cine local e independiente, ha comenzado a surgir el debate sobre si el gobierno gasta demasiado en la industria, al punto en el que no se está analizando cómo los problemas de distribución y competencia están afectando la salud financiera de la industria.

Pero mientras los sectores de cine alrededor del mundo pierden financiamiento, otras áreas e inversiones siguen aumentando. En Gran Bretaña, 77% de la producción de cine (1.2 mil millones de dólares) fue extranjera, específicamente por el desarrollo de la película de Beetlejuice 2 y Ghostbusters: Frozen Empire. 

Netflix, en comparación, ha gastado 1,500 millones de dólares en Gran Bretaña los últimos 4 años. De acuerdo a cifras oficiales, la inversión de estudios como Disney, Sony, Universal y Warner Bros en México es de 96 mil millones de pesos, mientras que el presupuesto que el gobierno federal asigna a la industria nacional es de apenas 196 millones de pesos.

El problema que se ve aquí y parece repetirse en varios países, es que el cine es tanto un modelo de negocio como una expresión artística, y las crecientes problemáticas internacionales han hecho que se ponga en duda la necesidad gubernamental de financiar películas si ya hay grandes estudios que lo hacen.

El problema, es que las ganancias entonces se concentran en pocas manos, quienes escogen el tipo de cine y series que se producirá y se distribuirá con éxito. Esto pone en problemas no sólo a nuevos/as creadores, sino también a artistas cuyo arte no es tan popular.

Pero además del los problemas entre gobierno e industria, le tenemos que sumar la llegada del streaming y nuevas tecnologías.

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¿El streaming y la AI hacen al cine más desigual?

Además de los problemas de financiamiento, la inflación y las crisis económicas, uno de los temas que ha dominado el debate en la industria internacional es sin duda la evolución del streaming y el cine.

Recientemente se confirmó que Amazon aumentará la inversión en Prime Video a 18.9 mil millones de dólares, mientras que Netflix anunció que seguirá invirtiendo en contenido original alrededor del mundo.

Y aunque Disney quiere ahorrar presupuesto y busca recortar sus producciones, también busca invertir en una división de inteligencia artificial. Y aunque el gobierno estadounidense ya le pidió que rindiera cuentas sobre la evolución de sus investigaciones, la compañía todavía no está obligada a hacer ningún tipo de reportes al respecto.

Como mencionó Kathleen Kennedy a su visita en el Festival de Morelia en 2023, “las empresas de Hollywood se están enfrentando a otras que no dependen de la taquilla para generar ganancias” enfatizando que empresas que dependen de la tecnología y otros servicios, como Apple y Amazon, no tenían las mismas urgencias para ser rentables que casas productoras dedicadas 100% al cine.

Cabe destacar también que, mientras CEOs como Bob Iger y David Zaslav reciben en promedio 30 millones de dólares como salario anual, las empresas de Pixar y HBO siguen despidiendo de manera masiva a sus trabajadores. Pero también estamos viendo cómo grandes estudios batallan para que sus inversiones se vuelvan rentables.

Esto quiere decir que, en aras de seguir manteniendo las expectativas del mercado, el cine en el mundo se comporta de manera diferente, y recibe el impacto de los cambios en la industria de manera diferente.

Por esta razón, Denis Villeneuve mencionó recientemente que el cine “está a la merced de los algoritmo y de Wall Street”. El año pasado, Christopher Nolan aseguró que los estudios de Hollywood “no saben qué hacer” ante las exigencias de inversión que requiere sostener los servicios de streaming.

Es claro que el cine mundial actualmente está en una crisis para encontrar el balance entre ser un negocio rentable y le de libertad a sus cineastas. Pero tendremos qué esperar a ver si éxitos como el de Barbie, Oppenheimer, Godzilla Minus One o Anatomía de una Caída logran cambiar algo el panorama de consumo.

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Masacre en Teques: ¿Qué la hace un slasher mexicano?

  • El director y elenco de Masacre en Teques presentaron su ambiciosa cinta de género en el Festival Feratum 2023.
  • Tras ganar la Alucarda a Mejor Guión, el equipo detrás de Masacre en Teques destacan lo que hace a esta cinta algo único en el género y dentro del cine mexicano.
  • Rodrigo Hernández Cruz puntualizó que más que ser un slasher “a la mexicana”, Masacre en Teques es una cinta de terror que busca dar pie a más producciones de género en el país.

El Festival Feratum cerró su doceava edición con propuestas mexicanas, iberoamericanas e internacionales sumamente interesantes. Y es que un año más, el icónico festival demuestra que el cine de género es un gran espacio para ideas que van más allá de las historias convencionales.

Una de las propuestas que sin duda apuesta por ideas distintas y, especialmente, historias que conecten con el público mexicano, es Masacre en Teques, la cinta de Rodrigo Hernández Cruz que celebra los puntos más icónicos del cine slasher para llevarlo a un contexto muy local.

¡Aquí lo que nos contó sobre la película!

Masacre en Teques: ¿Qué la hace un slasher mexicano?
Imagen: Víctor Campuzano | FERATUM

Masacre en Teques, amor por el género

“Masacre en Teques no es un slasher a la mexicana” aclaró el director Rodrigo Hernández Cruz durante la conferencia de prensa de la película en el Festival Feratum, el cual por cuarta ocasión se realizó en Pátzcuaro, Michoacán. 

“Me gusta mucho el cine de género y la verdad, es muy difícil filmarlo por todas las cosas que ya conocemos” destacó. Más adelante, el director señaló que el primer paso para lograr Masacre en Teques, tenía que ver con reunir los elementos clásicos del subgénero, “piezas plásticas, estéticas, narrativas. Pero también con recursos limitados”.

“Nosotros hicimos un checklist, punto por punto, de qué lleva un slasher y tratamos de abordar todo eso y un poco más.

En ese sentido estamos sumamente felices, agradecidos y orgullosos de poder contribuir a la cinematografía mexicana con una película de género que está hecha para el espectador.”

Rodrigo Hernández Cruz

Asimismo, Rodrigo puntualizó que la producción responde al público que “tanto es exigente en el sentido de los subgéneros, como también lo somos nosotros”.

Masacre en Teques: ¿Qué la hace un slasher mexicano?

¿Cómo conecta Masacre en Teques con el público mexicano?

El slasher es un género que si bien se entiende a nivel universal, es nativo de la esfera hollywoodense, y por ello, llevar tales arquetipos a industrias alrededor del mundo es sumamente complicado.

En Masacre en Teques, su director procuró sí rescatar grandes elementos del género y de la cultura mexicana, pero no resumirlos a “una cinta de género al estilo mexicano”.

“Siempre he tenido la disyuntiva, la exigencia del mercado de: haces slasher o haces slasher a la mexicana, haces ciencia ficción o hace ciencia ficción a la mexicana.

Nosotros abordamos el slasher como género. Simplemente le ponemos una historia que deriva del cine mexicano, porque al fin y al cabo, es una historia que rinde homenaje a una parte del cine mexicano”.

Rodrigo Hernández Cruz

Por ello, el director de Masacre en Teques destacó también la misión de la cinta por mostrar ante el público cuáles son las dinámicas de los realizadores de cine en México, a partir de un grupo de personajes —estudiantes de cine— que espejean a la industria cinematográfica mexicana.

“Abordamos lo bueno y lo malo.” puntualizó, “Se puede hilvanar con el contexto nacional porque de alguna manera se habla de la problemática real mexicana para filmar y de los elementos que pueden ser vicios y virtudes del cine independiente mexicano.”

De igual forma, sus estrellas destacaron el acercamiento a los personajes, los cuáles si bien responden a una estructura arquetípica del género, no están estrictamente trazados a partir del estereotipo.

Tatiana del Real, quien protagoniza la historia, destacó que nunca se encasilló a ningún personaje: “nunca fue de “tú eres la virgen, tú el jock. Los ensayos nos dieron la libertad de crear algo distinto”.

Masacre en Teques obtuvo el Premio Alucarda a Mejor Guión en una producción mexicana durante la XII Edición del Festival Feratum.
Imagen: Masacre en Teques

Ex-Husbands: Un Retrato Moderno de la Masculinidad

Ex-Husbands, protagonizada por Griffin Dune, James Norton y Miles Heizer, es una comedia que puede parecer convencional: Un padre (Dune), en el ocaso de su vida y a punto de divorciarse, se topa con sus hijos durante unas vacaciones en Cancún, lo que les hace reconectar y descubrir cosas de ellos mismos que no sabían que eran posibles.

La película se presentó durante el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) Ex-Husby en Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con el elenco, quienes nos comentaron la importancia de crear historias que hablen sobre la masculinidad.

Ex-Husbands
Foto: Deadline

Ex-HusBands: ¿Un retrato clásico de la masculinidad? 

“Creo que este tipo de historias se contaban más en los 60-70. No me parece que sea una película novedosa en ese sentido, pero tiene estos detalles que la hacen tierna y conmovedora, algo que no se ha explorado recientemente” nos comentó el legendario actor Griffin Dune. 

En Ex-Husbands, la comedia es sencilla pero efectiva, centrada más en las diferencias generacionales que un padre vive con sus hijos. De acuerdo a lo que nos mencionó el director, él se inspiró en la despedida de soltero de su hermano, ya que no le permitieron que su padre asistiera.

“Creo que la inspiración más grande para construir buen cine es la vida misma. Constantemente nos nutrimos de lo que leemos, lo que vemos, y tal vez hay elementos que nos fascinan de un artista o de algún tipo de arte.

Pero es indispensable que lo veamos también desde nuestra perspectiva, desde cómo entendemos eso, y de nuestras experiencias”.

Noah Pritzker, Fuera de Foco

Una de las escenas más conmovedoras de Ex-Husbands es cuando el personaje de Griffin Dune intenta comprender los hábitos sexuales de su hijo menor, quien es gay. “Creo que eso habla sobre las nuevas sensibilidades” nos comentó el legendario actor. “Mostrar la apertura y ternura que se puede dar entre diferentes generaciones sobre un tema que se discute tanto y que tiene tanta importancia, es una forma especial de ver la lucha por la representación”. 

El director Noah Pritzker nos comentó que él “no quería hacer una película que fuera sólo para hombres” por lo que está feliz que la audiencia femenina esté respondiendo también de manera favorable a Ex-Husbands. “Al final, son un grupo de hombres que tratan de ser decentes y de mejorar, pero que de todas formas batallan. Es una conversación que me parece interesante tener, porque es algo que continúo entendiendo”.

Ex-Husbands
Copyright @ Pimienta Films

¿Cuál será el futuro del cine tras la huelga? 

Durante la plática, el elenco se mostró sumamente agradecido de poder hablar y promover Ex-husbands, la cual no tiene nada que ver con ningún estudio grande de Hollywood y logró obtener un permiso del SAG-AFTRA para poder celebrar su estreno en el FICM.

“Es muy importante seguir empujando y hablando de este tema” nos dijo Miles Heizer. “Somos tremendamente afortunados, pero tenemos la responsabilidad de hablar de la huelga y de seguir debatiendo los temas por los que estamos luchando”. 

Al respecto, el director de Ex-Husbands nos comentó que “ciertamente la industria de Hollywood cambiará por completo” después de la huelga, pues “nos ha demostrado que hay todo un paisaje diferente, fuera de los estudios. Hay otros modelos de distribución, hay otras formas de hacer cine”. 

Ex-Husbands se filmó casi en su totalidad en Cancún, demostrando que México continúa evolucionando como patrimonio de cine internacional. “El hecho de que hayamos tenido la fortuna de viajar a Cancún, ese lugar hermoso, y poder capturar una historia ahí que sea diferente, es la punta de lanza de que algo va a cambiar en la industria”.

Ex-Husbands es una propuesta conmovedora y divertida que seguramente conmoverá a más de una persona.

Ex-Husbands
Foto: Cineuropa

Martin Scorsese: ¿Los documentales ya no funcionan?

  • Martin Scorsese visitó México para hablar de Killers of the Flower Moon, cinta que sigue el caso documentado de los asesinatos en la Nación Osage en 1920.
  • El cineasta explicó por qué cree que las películas que se inspiran en hechos reales, como Killers of the Flower Moon, tienen un mayor impacto en la audiencia que los documentales que narran puntualmente los hechos.
  • Martin Scorsese señaló que ante el bombardeo de información actual, es difícil que las audiencias conecten emocionalmente con un documental, por lo que considera al storytelling del cine vital para generar empatía en el público.

Martin Scorsese regresa al cine con Killers of the Flower Moon, su ambiciosa película protagonizada por Leonardo DiCaprio y Lily Gladstone, en la que se retratan los asesinatos ocurridos en la Nación Osage hace 100 años.

El caso fue documentado y de hecho, la cinta está inspirada en la novela del mismo nombre, aunque no sigue de lleno la investigación del FBI que relata el libro, sino que se introduce directamente en los hechos y la vida de Ernest Bukhart y Mollie. Este detalle, el director decidió abordarlo debido a los comentarios de la comunidad Osage al momento de investigar para la película.

Es por eso que, en su visita a México, y luego de preguntarle qué tanto podría considerarse Killers of the Flower Moon un documental, el director señaló que aunque relatar los hechos fielmente era una de sus principales intenciones, la película tuvo que tratarse como una cinta de ficción inspirada en hechos reales para lograr una empatía que, de otra manera, habría sido difícil lograr en el público.

¡Te compartimos la opinión de Martin Scorsese sobre el tema!

Martin Scorsese
Imagen: Apple Films

¿Killers of the Flower Moon es parcialmente un documental?

Durante la conferencia de prensa de Killers of the Flower Moon, el director Martin Scorsese ahondó en su visión y filosofía alrededor del cine, al cuál consideró un método infalible para generar emociones en la audiencia y provocar reacciones diferentes.

Sin embargo, aunque el director es mejor conocido por retratar ficciones e historias lejanamente inspiradas en hechos reales, en el caso particular de Killers of the Flower Moon tuvo que recurrir a una gran investigación sobre el pueblo Osage y los eventos suscitados hace 100 años en las que la familia Burkhart atentó en contra de la comunidad para adueñarse de sus riquezas.

Y aunque aseguró que tanta investigación ayudó a que Killers of the Flower Moon capturara ciertas características de documental, Martin Scorsese destacó que el valor de la cinta está en su historia y personajes y no sólo en el planteamiento de los hechos, cosa que tienden a hacer los documentales históricos.

“Hay muchos documentales, mucha televisión y mucha información en internet.” señaló el director, abordando al exceso de contenido y data que permea a los medios actuales: “Pero creo que la mejor manera de mostrar algo, algo que funcione y conecte, es a través de una buena estética”.

En sí, el director explicó que “una buena historia” tiene el potencial de conectar más que un documental o una serie de datos que “solo dan un mensaje”.

Martin Scorsese
Imagen: Apple Films

¿La audiencia no está dispuesta a escuchar?

Martin Scorsese destacó el valor narrativo del cine sobre la explicación de los documentales, no precisamente porque éste último fuera un medio menor, sino por lo mucho que considera, han cambiado los públicos.

“No creo que nadie vaya a escuchar ya. Las personas no quieren oírte, tienes que agarrar su corazón. Es necesario tomar el corazón de alguien y demostrar que somos personas.

Sí, hay problemas económicos, sociales, climáticos, políticos. Sí, hay toda clase de conflictos. Pero en el fondo somos lo mismo: personas con alma y corazón.”

Martin Scorsese.

A partir de dicha declaración, el director señaló la importancia del cine como medio “emocional”, el cual continúa evolucionando para responder a la evolución del público.

“¿Qué significa una imagen, una toma? La manera de verlo es algo muy nuevo y es muy emocionante.” puntualizó el cineasta, “Yo no estaré aquí para verlo, pero sus generaciones son las que harán cosas nuevas para atrapar la atención del público y eso es maravilloso”.

“El cine ya no es de la manera en que era cuando yo crecí, en los 40s, 50s, y 60s. Pero es algo más, y eso es fascinante, me emociona ver lo que se hará y cómo se seguirán contando historias en la pantalla grande”, finalizó.

Killers of the Flower Moon de Martin Scorsese ya está en cines.
Martin Scorsese
Imagen: Apple Films

Somos: Un cortometraje hecho para desafiar al cine

  • Conversamos con Paola Ramones, joven cineasta mexicana que presenta su nuevo cortometraje Somos.
  • Somos surge de un proyecto editorial fotográfico, con el que Paola busca expandir una serie de imágenes a través de micro-historias.
  • Paola Ramones explica cómo el cortometraje se consolidó en medio de una industria que frecuentemente rechaza al talento femenino joven.

Paola Ramones es una cineasta mexicana quien, a la edad de 22 años, está por estrenar su tercer cortometraje, “Somos”. Si bien, el proyecto fue realizado de la mano de Harper’s Bazaar, Paola Ramones nos contó en exclusiva cómo es que este fue realmente posible, en medio de una industria cinematográfica internacional que constantemente rechaza al talento joven y femenino por inexperiencia.

A través de Somos, Paola busca defender las ideas y voces de los creativos mexicanos que comienzan a incursionar en la industria, además de retar al medio a ver al cine más allá de la pantalla ¡Esto es lo que nos contó!

Somos
Paola Ramones

¿Somos es un proyecto único?

Durante una entrevista con Fuera de Foco, Paola Ramones nos contó cómo es que el proyecto Somos se hizo realidad. Pues si bien, la directora no tenía en mente liderar la historia, ésta fue posible a través de una colaboración con el portal Harper’s Bazaar, quien buscó a la joven para modelar en una de sus sesiones fotográficas.

Sin embargo, la ambición de Ramones llevó a que la serie de fotografías se convirtieran en algo más que un trabajo de modelaje, proponiéndole a la editorial el concepto detrás de Somos, tanto para la sesión, como para una historia que hilara a tal contenido.

“Les dije, soy directora, ¿me podrían dejar dirigirlo?” pidió a la editorial, asegurando que podría desempeñarse mucho mejor detrás de “un liderazgo creativo”, que solamente posando para el proyecto.

“Le quise dar un significado a las fotos, no sólo ponerme un outfit bonito y posar y sonreír, sino darle un trasfondo. Y para ello dije “el cine, hagamos un cortometraje”.

Paola Ramones

La idea de Ramones era simple, pero profunda: hacer que las fotografías de la sesión cobraran vida, y llevaran a quienes las vieran a buscar el cortometraje para entender lo que había detrás: “No hay personajes, son las fotos tomando vida. Pero el mensaje de cada una de estas fotos son mini historias, reunidas en un solo cortometraje” explicó.

¿Un cortometraje difícil de lograr?

Somos destaca una gran serie de temáticas que han sido relevantes para la vida, carrera y visión de Paola Ramones, por lo que para ella era vital que cada fotografía y cada cuadro del cortometraje transmitiera lo que tenía para decir.

“Hablamos sobre la importancia de la mujer en el set, obre cómo alguien puede florecer cuando encuentra su vocación, el niño interior. Y también sobre mis raíces, porque este memento es como una entrevista por fotos.

Paola Ramones.

Sin embargo, para lograrlo la directora tuvo que salir de su zona de confort, especialmente luego de que algunos de los involucrados en el proyecto abandonaran el mismo días antes de grabar.

“Varios me cancelaron porque creían que era muy chiquita, y que cómo alguien a los 21 años iba a estar dirigiendo y dándole órdenes a gente de 40 y tantos” explicó, añadiendo que Somos implicó un gran trabajo de confianza de la industria sobre su trabajo: “No importaba que tuviera 21 años, quería demostrar que tenía las ganas y que eso era lo que importaba”.

Por ello, Somos se convirtió en un reto personal de perseverancia de Paola Ramones ante el cine, quien produjo a través de sus propios fondos: “Estuve a punto de botar la toalla, pero dije no. Porque cuando esto se logré, estaré orgullosa de que no me di por vencida”.

Somos
Paola Ramones
Imagen: Instagram Paola Ramones

Impulsando a las mujeres jóvenes en el cine

Somos es un proyecto que, al final del día, reúne la determinación de su directora por demostrar que las voces jóvenes deben ser escuchadas en la industria, además de buscar impulsar al talento femenino en un medio que, a la fecha, continúa dominado por hombres.

“A los 22, tengo una nueva voz, tengo un mensaje, tengo cosas qué poner sobre la mesa. El cine debería abrir las puertas para que entren los chavos, porque son un nuevo aire de ideas, tenemos cosas nuevas, y necesitamos ese nuevo arte, esas nuevas formas de pensar.”

Paola Ramones.

Por ello, el proyecto de la directora pasa de ser una colaboración editorial a un mensaje contundente hacia la industria, donde invita al medio cinematográfico a abrirse a las visiones de cineastas, artistas, fotógrafos, escritores y creativos que pueden realmente cambiar al cine mexicano.

Somos estará disponible el 21 de septiembre
Somos
Paola Ramones
Imagen: Cortesía Paola Ramones

¿Saw X revitalizará la franquicia de terror?

En este artículo: 

  • El director de Saw X asegura que, en caso de que esta entrega sea exitosa, podría inspirar más secuelas de la franquicia. 
  • Dice que es la cinta más personal de John Kramer, por lo que el regreso de Tobin Bell es sumamente importante. 
  • También aseguró que trataron de ir más allá del gore para crear una película que también fuera un viaje emocional.

Se sabe muy poco sobre Saw X, la nueva película de la franquicia de Jigsaw que estará ambientada en México. Sabemos que es una intercuela, o sea, que será una secuela directa de los eventos de la segunda parte, y no tiene nada que ver con la versión de Spyral. 

Esto puede poner en una encrucijada a la franquicia, ya que nos han prometido que la película será algo nuevo y diferente para Saw, pero al formar parte de un canon que se construyó hace una década, es incierto cómo será el futuro de la saga en caso de que esta nueva entrega tenga mucho éxito. 

Pero el director de Saw X, Kevin Greutert, explicó por qué cree que la nueva película podría tener mucho éxito y qué pasos seguiría después. 

Saw
Copyright @ Corazon films

¿Saw tiene mucha libertad de aquí en adelante? 

Según lo que el director de la nueva entrega de Saw le contó a la revista SFX, el hecho de “no tener una dirección clara sobre a dónde ir después de este filme” cree que abre muchas probabilidades para el futuro de la franquicia en caso de que sea exitosa. “Creo que se harán muchas otras películas después de esta”. 

En esta nueva historia, John Kramer (Tobin Bell) viaja a México para probar una cura experimental contra el cáncer. Sin embargo, el tratamiento resulta ser una estafa, y cuando se da cuenta, comenzará una venganza estilo Saw, con trampas muy nacionales. 

Esta nueva premisa, supuestamente, es lo que le dará a Saw X un estilo único, ya que asegura que la historia, la premisa y la forma en la que se desarrollan ha sido la propuesta más parecida a la primera cinta, la cual fue dirigida por James Wan. 

“De verdad creo que esta es la película más independiente de Saw que hemos tenido desde la primera parte en 2004. 

No se trata de recordar ni de saber nada de las otras, quizá sería una experiencia más enriquecedora conocer la saga, pero es muy claro lo que está pasando”. 

Kevin Greutert, SFX

El director parece confirmar que esta será una aventura muy personal para John Kramer, y el hecho de que esté en un territorio completamente nuevo le da al equipo creativo libertad para explorar otra faceta de Saw, con otros personajes, sin necesariamente afectar los eventos de las siguientes historias que ya conocemos. 

De todas maneras, el director aseguró que espera también que los/as fans de Saw sientan que es casi tan realista como la original, ya que se centraron más en crear trampas funcionales, aunque en definitiva no es un proyecto tan pequeño como el inicio en 2004.

Saw
Copyright @ Corazon Films

¿Qué hace diferente esta entrega de Saw? 

El director, en otra entrevista, reveló que no fue fan de Spyral porque decidieron hacerla sin el personaje principal. “Eso fue algo muy aventurado”, por lo que de verdad buscaron centrar esta historia en el personaje. 

En la entrevista, confesó que “esta es probablemente la película de Saw en donde aparece más Jigsaw”, pues se centrará también en la evolución del personaje. 

“Saw X es un viaje emocional en el que te embarcas con John Kramer. No es tanto el matadero que experimentamos desde el punto de vista de las víctimas. 

Obviamente hay cosas que no toda la gente puede soportar, pero esperamos llegar a otra audiencia que no sólo sean los/as fans del gore”. 

Kevin Greutert, GamesRadar

El director insistió que “Kramer es el centro de la historia” lo cual puede dar pie a que exploremos un poco más detrás de las motivaciones del personaje para organizar tan horribles experiencias. 

Al final, Jigsaw es un personaje con una filosofía muy particular, y tener la oportunidad de explorarla desde su punto de vista es algo que no ha experimentado todavía la franquicia, pero tendremos que esperar a ver cómo resulta el próximo 29 de septiembre.

Saw
Copyright @ Corazon Films

¿Es falso que Disney dejará de usar doblaje en streaming?

En este artículo:

  • Una persona que trabaja de cerca haciendo doblajes para Disney, opinó en exclusiva para Fuera de Foco sobre el rumor que asegura que la compañía dejará de producir doblajes para ahorrar costos. 
  • La fuente considera que eso es poco probable, ya que no ha escuchado nada entre sus círculos cercanos y le parece una compañía muy grande. 
  • De todas formas, considera que el doblaje está “en un proceso de transformación” debido a las nuevas tecnologías, la inteligencia artificial y las huelgas de Hollywood.

Disney, a nivel internacional, está atravesando una fuerte crisis. Desde hace meses, el CEO de la compañía, Bob Iger, anunció que trataría de eficientar los costos de producciones de Marvel y Star Wars, ya que después de la salida de Bob Chapek, se comprometió a ahorrar más de 5 mil millones de dólares. 

Estas estrategias han causado que Disney retire contenido de su plataforma de streaming y despida a miles de personas, pero en su más reciente estado de resultados, se reveló que su plataforma sigue perdiendo suscriptores y además, que sus ganancias siguen en declive. 

Por esa razón, surgieron rumores que aseguran que Disney dejará de contratar doblaje para sus producciones originales en aras de ahorrar más costos. Pero, ¿qué tan cierto es esto? 

En Fuera de Foco, platicamos con una persona que trabaja directamente en el área de doblaje de Disney en México y nos contó su perspectiva.

Disney
Imagen: Forbes

Disney: ¿Un gigante demasiado grande para caer? 

A través de la plataforma Whats On Disney Plus, se dio a conocer que la compañía estaba pensando en “reducir considerablemente” la producción de doblaje que hace para sus producciones locales e internacionales, de manera que ya no tenga que invertir en doblaje alrededor del mundo. 

Sobre el tema, una persona que ha trabajado directamente con Disney en México haciendo doblaje, nos comentó que realmente no le han comentado nada al respecto y no parece haber indicios de que la estrategia que tiene la compañía con el doblaje en México vaya a cambiar. 

“Conozco de cerca a los responsables del doblaje de Disney acá en méxico y pues no han dicho nada muy alarmante o que nos dé sentido a preocuparnos inmediatamente”. 

Fuente Anónima, Fuera de Foco

Durante la plática, también opinó que le parece poco probable que Disney vaya a disminuir el doblaje que produce, ya que el tamaño de la compañía es demasiado grande. “Es un monstruo de industria y desmontarla en un día suena un poco difícil, incluso desde un punto de vista de dinero” sentenció. 

Nuestra fuente aseguró que, actualmente las huelgas de Hollywood están presentando retos mucho mayores para la industria del doblaje, ya que “se ha entorpecido el trabajo de producciones estadounidenses aquí en México”, aunque recalcó que empresas que trabajan con producciones de otros países “son quienes se están llevando la rebanada más grande del pastel”. 

Entonces, tal vez es poco probable que Disney vaya a disminuir su producción de doblaje en un futuro cercano, pero nuestra fuente afirmó que de todas maneras, la industria del doblaje se encuentra en un periodo de transición y cambio debido a las nuevas tecnologías y al uso de la inteligencia artificial. 

Disney
Copyright @ Disney+

¿Los cambios del Doblaje van más allá de Disney? 

Con respecto a los cambios que tendrá la industria del doblaje, nuestra fuente nos afirmó que “Conociendo a Disney, algo se le va a ocurrir para sacar el mejor partido de la Inteligencia Artificial y sus demás aplicaciones” y ese es un tema que le parece que es mucho más importante para la industria del doblaje actual. 

En particular, nos comentó que actualmente la industria del doblaje “está viviendo un periodo de lucha, entre el cambio y dejarlo todo igual” ya que, desde su perspectiva, las nuevas tecnologías están abriendo un abanico de posibilidades muy grandes para la industria del doblaje. 

“Muchos estudios están negados al teletrabajo y la grabación remota. Y ambos puntos de vista tienen argumentos muy válidos a favor y en contra […] Muchos procesos que antes tomaban horas y mucho esfuerzo se han vuelto algo tan sencillo que parece magia. 

Pero muchas empresas están renuentes a invertir en ello o aprender a usar programas que ya existen y que en mi opinión funcionan de maravilla”. 

Fuente Anónima, fuera de Foco

Nuestra fuente mencionó que actualmente se está viviendo una especie de “globalización del doblaje”, ya que el uso de la nueva tecnología permite “tener un doblaje totalmente latinoamericano o de habla hispana. Porque la gente ya puede trabajar para llamados desde México en Miami, Argentina, Colombia y hasta España, abriendo el mercado y llevando el doblaje a una nueva etapa”. 

Aunque se mantiene optimista, también nos comentó que “habrá que esperar los siguientes 2 o 3 años para ver en qué dirección se mueve la flecha”. 

Y es que, aunque aparentemente las nuevas tecnologías pueden expandir el trabajo, también está el tema de la regulación y las compensaciones, problema que pelean actualmente guionistas y artistas en Hollywood, ya que recientemente se ha revelado que Marvel ha escaneado digitalmente a artistas de reparto con el objetivo de reutilizar su imagen, sin tener claro cómo se compensará su trabajo o si recibirán regalías por ello. 

Asimismo, ya existen programas gratuitos que permiten simular la voz de una persona o personaje de manera automática, lo que seguramente complicará la regulación y evolución de la industria del doblaje. Pero parece que tendremos qué esperar para saber qué cambios son reales y cómo impactarán el trabajo de sus artistas. 

Disney
Imagen: Forbes