¡Nueva cinta de Sylvester Stallone estalla en controversia!

  • Armored, la nueva cinta de Sylvester Stallone, está rodeada en controversia porque se acaba de reportar que Randall Emmett, un productor acusado de abuso laboral, es el director de la cinta.
  • Supuestamente, Emmett se escondió de Sly y fingió que él no trabajaba en la cinta, incluso decidió usar un pseudónimo para no mostrar su nombre públicamente.
  • Sin embargo, reportes aseguran que la producción tuvo grandes tropiezos, pues no pagó los salarios adecuados, no tenía protocolos de seguridad y el productor creaba un ambiente tenso en el set.

En 2023, Sylvester Stallone aceptó participar en la cinta Armored, película que logró un acuerdo para filmarse en medio de la huelga de actores y actrices de Hollywood. Con un presupuesto de 11.5 millones, la historia iba a poner a la leyenda de acción como el líder de una banda de ladrones.

La película iba a ser supuestamente dirigida por una persona llamada “Ives”, aunque tiempo después esa figura desapareció y fue aparentemente reemplazada por Justin Routt, quien realmente tiene pocos créditos en Hollywood, pero se destaca más por su labor como productor.

Recientemente, se dio a conocer que la misteriosa figura detrás de la nueva cinta de Sylvester Stallone es Randall Emmett, un director que enfrenta múltiples cargos por abuso y acoso laboral que decidió esconder su verdadera identidad para poder filmar esta cinta.

Sylvester Stallone
Foto: Deadline

¿Sylvester Stallone no sabía quién era el verdadero director de Armored?

De acuerdo a un reportaje de Los Angeles Times, Sylvester Stallone se sumó al proyecto sin saber que Randall Emmett era el director real de la película. Sin embargo, su presencia causó grandes conflictos con el presupuesto general de la producción.

Y es que, supuestamente, a Sylvester Stallone le pagaron 3.5 millones de dólares por ser el antagonista de Armored, lo que representa el 30% del presupuesto total de producción. Esto provocó que no se le pudiera pagar en su totalidad a parte del equipo y otros proveedores, entre ellos el equipo encargado de supervisar la seguridad en el set.

La producción de la nueva cinta de Sylvester Stallone fue de los pocos proyectos que pudieron producirse durante la huelga, y muchas personas que colaboraron con el reporte de Los Angeles Times aseguraron que decidieron tomar el trabajo porque lo necesitaban, pero no sabían que Randall Emmett estaba involucrado.

De hecho, fuentes cercanas a la producción aseguraron que Sylvester Stallone sólo se iba a presentar a trabajar por un día. En ese momento, Emmett llegó con el equipo y les dijo que le explicaran a Stallone que había problemas con el desarrollo, por lo que él tendría que hacerse cargo solamente ese día.

Pero según los reportes de Los Angeles Times, Sylvester Stallone terminó siendo “el director” ese día. “Sly básicamente fue el jefe por un día” confesó el encargado de los accesorios. “Él y el jefe de cinematografía coreografiaron y prepararon escenas. Fue una dirección hecha por un comité”.

El equipo legal de Randall Emmett aseguró que Sylvester Stallone sí sabía de su presencia, pero no quisieron especificar si el actor estaba consciente de que él era director y productor de la cinta.

Además del incidente con Sylvester Stallone, la producción fue denunciada porque Emmett creaba un ambiente tenso en el set. “En general gritaba e insultaba mucho” mencionó al portal una fuente que pidió permanecer anónima.

Además, otras personas aseguran que no quisieron hacer una escena de riesgo en donde se supone que un camión tenía que caer en un río. En un principio, se había dicho que el agua del río era segura, pero luego se descubrió que tenía la presencia de una peligrosa bacteria, por lo que decidieron hacer la escena utilizando CGI.

Sylvester Stallone
Imagen: iMDB

¿Qué otras controversias suma el productor?

Randall Emmett tiene supuestamente más de 120 créditos en su currículum como productor. Y aunque la mayoría son considerados grandes fracasos de taquilla, destacan al menos dos proyectos: The Irishman de Martin Scorsese y Lone Survivor de Peter Berg.

El productor también es conocido por incluir en sus elencos estrellas como Sylvester Stallone, Bruce Willis, Mel Gibson, Al Pacino y Robert De Niro. Pero sus escándalos comenzaron en 2022, cuando se acusó al productor de hacer comentarios racistas, incurrir en bullying y abusar laboralmente de sus empleados en el set.

Se dice también que el productor fue grosero con Bruce Willis justo después de que fue diagnosticado con demencia frontotemporal. El productor ha negado rotundamente estas acusaciones, pero decidió alejarse de los reflectores de Hollywood.

Aunque eso no significa que se haya alejado del trabajo. Además de la cinta de Sylvester Stallone, se reportó que la nueva cinta de John Travolta: Cash Out 2: High Rollers, tiene como crédito de dirección el nombre de “Ives” pseudónimo que Emmett ha utilizado para asegurar su trabajo en la industria.

Sylvester Stallone
Imagen: Manlymovie

¡Los Hermanos Russo explican la Fatiga de Superhéroes!

En este artículo:

  • Los Hermanos Russo opinaron sobre la “fatiga de superhéroes” y por qué creen que en realidad lo que estamos viviendo es un cambio generacional importante.
  • Para ellos, las nuevas generaciones ya no tienen esa urgencia de ir a ver al cine un evento como Avengers: Endgame, y la audiencia que sí lo hacía ya está creciendo.
  • Los hermanos Russo fueron quienes orquestaron el fin de “la saga del infinito”, pero parece que el MCU no ha sabido cómo cimentar su futuro después de los finales de Tony Stark y Steve Rogers.

Desde Avengers: Endgame, Marvel y el cine de superhéroes han batallado en taquilla. Fracasos como Quantumania, la poca recepción que tuvieron la mayoría de las series en Disney+ y en general la forma en la que se discute el supuesto “cansancio” de cintas del género, han hecho que figuras como Bob Iger busquen repensar su estrategia de estrenos.

De hecho, en 2024 Marvel apuesta solamente por Deadpool and Wolverine, mientras que del lado de las series enfatizaron la propuesta de X-Men 97. Pero estos proyectos parecen ser las excepciones en un mundo donde la llamada “fatiga de superhéroes” es el estándar de la industria.

Sin embargo, los hermanos Russo, las mentes detrás del gran final de la saga del infinito, explicaron por qué no creen que exista la fatiga de superhéroes, y más bien dicen que estamos viviendo “un cambio generacional”.

Hermanos Russo
Foto: Esquire

Los Hermanos Russo no creen en la fatiga de superhéroes

Durante una entrevista con GamesRadar en el marco del Festival Internacional de Cine de St. Andrews, los hermanos Russo dijeron que “la idea de la fatiga de superhéroes ha estado presente desde antes del trabajo que hicimos. Parece una queja eterna de la cual hablábamos mucho cuando trabajábamos en Marvel” sentenció Anthony Russo.

La llamada “fatiga de superhéroes” es un tema de discusión que siempre ha estado presente debido a la enorme cantidad de títulos de superhéroes que se estrenan por año. Y aunque en ese entonces había fracasos y controversias, Marvel no había vivido una racha de fracasos tan intensa como lo hizo en el periodo de 2022 y 2023.

Para los hermanos Russo, este fenómeno se explica porque la forma de consumo está cambiando entre generaciones, lo que quiere decir que los/as fans más jóvenes ya tal vez no tienen el mismo incentivo para ir al cine como antes.

“Hay una división generacional sobre cómo se consume la media. Hay una generación que solía acordar una fecha para ir al cine a ver algo. Pero está creciendo.

La nueva generación es: lo quiero ahora. Lo quiero procesar ahora mientras hago otras dos cosas al mismo tiempo”.

Hermanos Russo, GamesRadar
Hermanos russo
Copyright @ Marvel

¿Marvel se está tardando en adaptarse a las tendencias?

En la misma entrevista, los hermanos Russo consideran que “se está viviendo algo sin precedentes” ya que las tendencias se mueven a pasos sumamente acelerados, y eso no sólo está afectando la forma en la que la audiencia se relaciona con nuevos estrenos, obliga a las empresas a que tengan que adaptar la forma en la que producen sus historias.

Marvel está experimentando esta transición” explicó Joe Russo. “Se tiene que capturar rápido la tendencia y las discusiones generales. Creo que eso es lo que está afectando más que cualquier otra cosa”.

La opinión de los hermanos Russo tiene sentido si tomamos en cuenta que la pandemia y el streaming modificaron la forma en la que la audiencia va al cine. Antes de Endgame, era común que muchos grupos de fans compraran boletos para ver una película en su primera función de media noche. Pero esa práctica se desvaneció por completo.

Sin embargo, los hermanos Russo no toman en cuenta que, desde que terminó la saga del infinito, Marvel no ha podido cimentar bien cuál será su futuro. A pesar de que todavía tienen personajes como Capitana Marvel y han tratado de introducir nuevas figuras como Kate Bishop, Moon Knight o Kamala Khan, carecen de un hilo conductor y de una historia compartida, por lo que no tienen el mismo impacto que Iron Man o el Capitán América.

Por el momento, no nos queda más que esperar a ver cómo el MCU modifica su estrategia de estrenos. Pero si los Hermanos Russo tienen razón, eso quiere decir que el género de superhéroes necesita reinventarse si quiere seguir siendo el género que domine la taquilla y el interés de la audiencia en Hollywood.

Hermanos Russo
Copyright @ Marvel

Yeon Sang-Ho: ¿Cómo se logra una buena adaptación?

Yeon Sang-Ho, director que saltó a la fama por Train to Busan, tiene un ojo muy específico: él suele utilizar la ficción para mostrarnos crudas realidades sobre el sistema y el mundo en que vivimos. La cinta zombie de 2016 fue una exploración de lo difícil que es construir empatía en una sociedad tan complicada.

En The King of Pigs, él explora temas como la soledad, el arrepentimiento y el rencor con una historia sobre aspiraciones creativas. En The Fake, lanza duras críticas a la religión institucionalizada con un thriller lleno de giros argumentales.

Por eso no es de esperarse que en Parasyte: The Grey, una adaptación del exitoso anime, Yeon Sang-Ho haya podido utilizar la idea de una invasión extraterrestre para explorar de forma brutal nuestra necesidad de coexistencia y pertenencia en el mundo.

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Yeon Sang-Ho sobre las ideas que quería impregnar en el live-action de Netflix.

Yeon Sang-Ho
Copyright @ Netflix

Yeon Sang-Ho explica la filosofía de Parasyte: The Grey

En entrevista, Yeon Sang-Ho confesó que cuando vio el anime original “sintió una conexión muy fuerte con sus temas filosóficos, pues explora temas sobre la coexistencia y el medio ambiente”.

En lugar de ser una adaptación fiel al anime y el manga, Parasyte es una historia completamente original que pone en el centro a Jeong Su-in (Jeon So-nee), una joven que es asesinada justo en el momento en el que un parásito alien estaba por entrar a su cuerpo. El parásito logra salvarla de la muerte, pero no logra controlar su cuerpo por completo, por lo que se quedan atrapadas en una situación muy similar a la historia de Dr. Jekyll y Mr. Hyde.

Jeong Su-in decide nombrar a su parásito Heidi, y a través de brutales escenas va conociendo cuál es el impacto de esta invasión alienígena en el mundo. Los parásitos se presentan como una comunidad religiosa, y la serie explora también los peligros de la censura y el control mediático.

Pero para Yeon Sang-Ho, la idea central de su adaptación está en la coexistencia y la aceptación de un mundo que no va a poder cambiar.

“Heidi y Jeong Sun-in no pueden interactuar directamente entre ellas. Pero de cierta manera están obligadas a coexistir. Pero otro tema que quería explorar era la relación entre organizaciones y los individuos.

Este tipo de relaciones puede que no sea óptimo, y creo que el tono de la serie es deliberadamente pesimista, pero al final quería hablar sobre cómo la empatía y la coexistencia es la fuerza que tenemos los humanos para subsistir”.

Yeon Sang-Ho, Fuera de Foco

Los parásitos de la serie se presentan como seres intimidantes que se infiltran en el tejido social de la sociedad con mucha rapidez. Y por eso, Yeon Sang-Ho opina que el live-action de Netflix “en realidad también es una exploración de lo que necesitamos como sociedad para entender la corrupción y lo que más nos aqueja”.

Yeon Sang-Ho
Copyright @ Netflix

¿Cómo Yeon Sang-Ho se diferenció de la historia original?

En la obra original de Hitoshi Iwaaki, el personaje principal Shinichi Izumi puede conversar directamente con su parásito. “Pero yo quería añadir una capa adicional de drama” nos comentó Yeon Sang-Ho. “Así que por eso Heidi y Jeung Su-in no se pueden comunicar directamente, además de que tienen que usar una libreta que funciona como diario, y así la audiencia puede ver que tienen personalidades completamente diferentes, pero para ellas es más lento adaptarse y coexistir”.

Yeon Sang-Ho encontró una forma de explorar más a profundidad el tema de la empatía y la necesidad de conexión. “Su-in, en un principio, es muy solitaria y tiene la mentalidad de que el mundo es un lugar hostil, pero gracias a este proceso ella es obligada a confiar y a conocer nuevas perspectivas”.

Así, Sun-in no sólo va entendiendo mejor a Heidi, también logra encontrar una conexión más cercana con Seol Kang-woo, un gángster que también es rechazado por la sociedad que sólo ve por su beneficio y que poco a poco se da cuenta sobre la importancia de luchar por mejorar la sociedad.

Para el director Yeon Sang-Ho, la obra original de Parasyte “es muy interesante porque detrás de toda la acción, en realidad explora nuestro miedo primario y la envidia que yace en toda la humanidad” por lo que cree que la ciencia ficción y la fantasía “son buenos vehículos para explorar una gran gama de temas. Son metáforas, son formas de abrir conversaciones, formas de ser algo diferente. Mientras eso se mantenga, mientras se logre preservar la esencia, creo que historias como Parasyte dan la libertad de proponer una historia diferente, pues seguimos usando la ficción como vehículo para hablar de temas sociales”.

Yeon Sang-Ho
Copyright @ Netflix

¿Como el IMAX está dominando el cine mundial?

En este artículo:

  • El CEO de IMAX asegura que, en estos momentos, se están filmando una cantidad de películas “sin precedentes” con este formato.
  • Además del aumento en la producción, cintas como Dune 2, Oppenheimer y Wonka han posicionado a la tecnología como una de las empresas más redituables del mercado.
  • Actualmente la empresa tiene la intención de seguir expandiendo su presencia en los cines del mundo. ¿Será esta la solución para mejorar la asistencia a las salas después de la pandemia?

El formato IMAX sin duda está ayudando mucho a la experiencia cinematográfica. Al ser un formato específico de filmación y proyección, la experiencia de ver una cinta así es sumamente diferente a otras, pues ayuda a resaltar el sonido, la imagen y los colores.

Y también parece ser un recurso para nuevos cineastas. El director Luca Guadagnino filmó Challengers en formato IMAX a pesar de ser un drama deportivo precisamente para contar la historia a través de una experiencia sensorial. Francis Ford Coppola también filmó Megalopolis en este formato y busca que tenga una larga exhibición en sus salas.

Desde el azote de la pandemia, el formato IMAX parece ser también una buena solución para ofrecer una experiencia diferente y fomentar la asistencia al cine. Pero, ¿está funcionando? ¡Aquí les contamos todo sobre la evolución del IMAX en Hollywood!

IMAX
Foto: Melinda Sue Gordon | AP

¿IMAX vive un momento histórico en Hollywood?

De acuerdo con Richard Gelfond, CEO de IMAX, en 2024 “la compañía tiene más filmes en producción que en ningún otro momento de la historia”, asegurando que casi todos los blockbusters que estrenarán en el verano de 2025 estarán filmados en este formato y buscan tener una distribución amplia en este tipo de salas de cine.

Y es que películas como Wonka, Oppenheimer, Godzilla y Kong y Dune: Parte 2 han sido grandes muestras de lo rentable que puede ser este formato. Tan solo con la cinta de Adam Wingard y Denis Villeneuve, la compañía IMAX generó alrededor de 261 millones de dólares en los primeros cuatro meses de 2024.

Eso significa que, al menos en Estados Unidos, IMAX actualmente ocupa el 5% del mercado de cine en el país, una cifra sin precedentes para la compañía de Gelfond. Sin embargo, este nivel de ganancias se redujo en un 9% en parte porque no lograron tener el mismo nivel de éxito que Avatar: The Way of the Water tuvo cuando se estrenó a finales de 2022.

Pero para Gelfond, este es un ejemplo de lo mucho que está cambiando la compañía, pues asegura que estas cifras son también una muestra importante del impacto que puede tener IMAX en el mercado internacional.

“Oppenheimer, Godzilla x Kong y Dune demostraron que cada vez más las cintas más exitosas se filman en formato IMAX.

Esto no sólo aumenta nuestros resultados de taquilla, también manda el mensaje de que somos un formato que se tiene que tener en el mercado global”.

Richard Gelfond, Variety

Pero no sólo son una fuente de ingresos importante para grandes blockbusters. A principios de año, se estrenó en IMAX se reestrenó el concierto de Queen: Rock Montreal en salas estadounidenses, recaudando más de 5 millones de dólares en su primer fin de semana y convirtiéndose en una de las experiencias más taquilleras para la compañía.

Esto demuestra que la experiencia no sólo es benéfica para películas de ficción, sino también para otro tipo de experiencias que inviten a una audiencia a ir a una sala de cine.

IMAX
Imagen: Tom’s Guide

¿Cómo funciona IMAX en el resto del mundo?

En México se instalaron 6 pantallas IMAX láser en 2023, dando un total de 21 salas con este formato alrededor de la República. Pero de acuerdo a lo que mencionó el CEO recientemente, la compañía tiene la intención de seguir expandiendo su formato en el mercado internacional.

En lo que va de 2024, IMAX instaló 15 sistemas en países como Tailanda, India, China y Turquía. En 2023, instalaron solamente 9 sistemas en todo el año.

La rápida expansión ha hecho que actualmente existan al menos 1,772 sistemas a lo largo de 89 países, por lo que tan sólo en 2024 ya crecieron un 11% la presencia de IMAX en el mundo.

El precio de ir a ver una película en formato IMAX sí es mayor a ir a ver un formato tradicional, pero parece que se está convirtiendo en una opción diferente que amerita verse en una sala de cine.

IMAX
Foto: Futuro Verde

Sundance CDMX 2024: ¿Un experimento revolucionario?

En este artículo:

  • Creadores que presentarán cintas en el marco de Sundance CDMX 2024 opinaron sobre la importancia de esta iniciativa para el cine en general.
  • Caroline Lindy, cineasta que trabajó con Melissa Barrera, le comentó a Fuera de Foco su perspectiva sobre las conexiones que se pueden crear en espacios como estos.
  • Más organizadores y presentadores también hablaron sobre cómo esta iniciativa en realidad puede abrir espacios de realización cinematográfica.

“Esta es una iniciativa que hemos estado trabajando desde 2019, pero que hasta 2024 pudimos materializar” comentó en conferencia de prensa el CEO de Cinépolis, Alejandro Ramírez sobre el festival de Sundance 2024, pues el fin de semana del 25 al 28 de abril se proyectarán cintas del prestigioso festival en diferentes complejos de cine en CDMX.

Entre 12 largometrajes que incluyen el intenso experimento de Kristen Stewart: Love Lies Bleeding, el documental nominado al Oscar 20 Days in Mariupol, también incluye una increíble selección de 6 cortometrajes que buscan abrir espacios para que la audiencia pueda acceder a otro tipo de cintas.

Pero, ¿exactamente por qué la iniciativa de Sundance CDMX podría ser revolucionaria? ¡Platicamos con Caroline Lindy, la directora de Your Monster, sobre la importancia del proyecto!

Sundance
Imagen: Dónde Ir

¿Cómo Sundance CDMX ayuda a nuevos cineastas?

Caroline Lindy es una directora que presentó “Your Monster”, cinta estelarizada por Melissa Barrera, en el festival de Sundance de este año. Y para ella, el poder tener la oportunidad de presentarse en México para hablar de la película “es una oportunidad increíble para poder inspirar a nuevas generaciones de cineastas, así como a mi me inspiraron directores que tomaron riesgos”.

Your Monster es una película que mezcla el horror, el gore, con las cintas musicales y de comedia, por lo que su directora opina que “este tipo de experimentos que apoya Sundance, de verdad abren la puerta y más espacio a que la gente conozca otro tipo de cine que se aleja de lo más conocido de Hollywood. Es un momento emocionante, porque este tipo de espacios de verdad son una oportunidad inspiradora para nuevas voces”.

La industria de cine en México está atravesando un momento de transición, pues cada vez hay más producciones extranjeras haciéndose en el país. “Necesitamos llamar más la atención del resto del mundo para proyectos que tomen riesgos y demostrar que además de Estados Unidos y Canadá, se está haciendo cine que resuena y que es valiente”.

Para ella, la iniciativa de Sundance también es “un momento de conexión con otros agentes de la industria, pero también una oportunidad para que la audiencia vea experimentos que nunca ha visto antes”.

Sundance
Imagen: Sundance 2024

Sundance CDMX puede acercar a la gente a ver más cine

Eugene Hernández, director del festival de Sundance, mencionó en conferencia de prensa que “Sundance no sólo es un festival, en realidad es una institución que empuja diferentes programas para apoyar cineastas y la realización cinematográfica en todos los niveles” por lo que el nuevo programa con Cinépolis es en realidad “una oportunidad de expandir los esfuerzos de la institución para apoyar el cine en el mundo”.

El festival de Sundance es uno de los más prestigiosos del mundo. Cada año, más de 17 mil personas intentan entrar a la competencia. “Buscamos una cultura vibrante que le guste el cine para crear una alianza” mencionó Kim Yutani, directora de programación del festival sobre esta iniciativa. “La idea es que podamos expandir la cultura del cine”.

Esta primera edición de Sundance traerá In the Summers, que ganó el premio de jurado en esta edición del festival. Pero el programa también incluye experimentos como el cortometraje Chica de Fábrica, una historia protagonizada por Yalitza Aparicio sobre una mujer que quiere esconder su embarazo por miedo a ser despedida.

Alessandra Lacorazza. directora de In the Summers, opina que “la oportunidad de hablar sobre temas punzantes en México a través del cine es un privilegio, y más si tenemos este tipo de plataformas que nos permiten mostrar diferentes facetas de sus realidades junto con otras perspectivas”.

Sundance
Imagen: FICM

Disney: ¡Los 4 candidatos para reemplazar a Bob Iger!

En este artículo:

  • Reportes aseguran que Disney ya tiene a 4 candidatos para que reemplacen a Bob Iger como CEO de la compañía.
  • Los 4 candidatos son: Dana Walden, Jimmy Pitaro, Josh D’Amaro y Alan Bergman. Todos con diferentes años de experiencia en la empresa.
  • Les contamos aquí por qué son considerados como posibles CEOs, los éxitos que han tenido en la compañía, sus fracasos y qué tan buenos candidatos son en realidad.

El CEO de Disney: Bob Iger, ha intentado retirarse de la compañía desde 2020. El ejecutivo, quien supervisó importantes compras como la de Pixar, Lucasfilm, Marvel y Fox, dejó la compañía en 2020 para que Bob Chapek se convirtiera en la nueva cabeza de la empresa y navegara nuevos tiempos.

Sin embargo, la pandemia y el desarrollo del streaming trajo grandes problemas para Disney. Y después de malas decisiones que fueron extremadamente críticas y hasta causaron una demanda por parte de sus inversionistas, Iger tuvo que tomar las riendas de la compañía del ratón nuevamente.

Pero después de una intensa batalla interna, Bob Iger sigue teniendo el control de la compañía y está listo para dejar su puesto nuevamente. ¿Quiénes son los nuevos candidatos para ser CEO de Disney? ¡Les contamos aquí!

Disney
Imagen: Deadline

El líder de los parques de Disney: Josh D’Amaro

Recientemente, se acaba de confirmar que Disney hará una expansión con un valor de 60 mil millones de dólares para mejorar sus parques temáticos. Y a la cabeza de todo eso estará Josh D’Amaro, la cabeza de los parques temáticos de la compañía.

Desde la pandemia, D’Amaro ha supervisado la reestructuración y cambios de los parques de Disney para asegurar que sean experiencias novedosas y atraer a la gente de nuevo a los recintos. En 2023, las ganancias de los parques temáticos alcanzaron un aumento de 16%, generando más de 32.5 mil millones de dólares.

Aunque tiene en su currículum el fracaso del crucero inspirado de Star Wars, el ejecutivo está administrando el acuerdo con Fortnite, en donde disney hará una inversión de 1,500 millones de dólares para crear una alianza entre Epic Games y sus icónicos personajes.

El ejecutivo también tiene una amplia experiencia en la compañía, pues comenzó a trabajar en ella como ejecutivo de cuenta en 1998 y poco a poco ha ido subiendo los rangos empresariales. Se dice que es un buen comunicador y a su cargo tiene más de 180 mil personas.

Disney
Foto: The Disney Theme Park Insider

La Sangre Nueva: Dana Walden

Cuando Disney compró Fox en 2019, Dana Walden era la cabeza de la división televisiva de la extinta compañía. Ella, además de estar muy bien conectada en Hollywood, fue quien descubrió los talentos de Ryan Murphy (American Horror Story) y Elizabeth Meriwether (New Girl).

Durante su tiempo en Fox, Walden fue la responsable de que la compañía se llevara alrededor de 184 premios Emmy. Pero cuando se sumó a Disney, ella tuvo que encontrar la solución para los problemas de audiencia que enfrentan ABC, FX, los estudios de televisión de Disney y National Geographic.

¿Su solución? Hacer de todas las series que se transmiten por cable series de streaming. Y eso la llevó a crear los éxitos de Abbott Elementary, nominada a 14 premios Emmy y estuvo detrás de Percy Jackson & The Olympians y por supervisar las negociaciones de incluir la serie de Las Kardashians en Hulu.

De ser elegida como la nueva sucesora de Bob Iger, ella se convertiría en la primera mujer en ser la CEO de Disney.

Disney
Foto: Jon Kopaloff |  Getty Images

El compañero de Dana Walden: Alan Bergman

Alan Bergman comparte las responsabilidades de la división de entretenimiento casero de Disney con Dana Walden, pero Bergman tiene mucha más experiencia en la compañía. Él entró en 1996 como el director de finanzas de la compañía, y se dice que tiene muy buenas relaciones con figuras como Kevin Feige y Kathleen Kennedy.

Eso ha hecho que sus responsabilidades aumenten y sea el responsable de decidir sobre los contenidos de Marvel, Star Wars, 20th Century Studios  y Pixar. Sin embargo, en los últimos años su visión ha generado una ola de decepciones para la compañía, lo que provocó que Bob Iger confirmara que revisarían a profundidad todas su estrategias de contenido para entregar más calidad, aunque menos cantidad.

Bergman sin duda tiene que empezar a generar éxitos en taquilla si quiere retomar su buena reputación. Pero también hay que señalar que, desde 2005, la compañía no dejó de crecer en taquilla.

Disney
Foto: The Walt Disney Company

La Cabeza deportiva: Jimmy Pitaro

Disney y MAX tienen como objetivo mejorar su servicio de streaming a través de su oferta de deportes. De hecho, acaban de firmar un ambicioso acuerdo para poder transmitir partidos en ambas plataformas, y mientras tanto, la compañía del ratón apuesta por crear un servicio de streaming dedicado al contenido de ESPN.

A cargo de supervisar todo eso está Jimmy Pitaro, un ejecutivo que saltó a la fama empresarial durante los 90 en Yahoo y que se sumó a Disney en 2010. Su experiencia en servicios digitales será crucial para desarrollar los nuevos servicios de streaming, y aunque habrá qué esperar para saber el resultado, ESPN es una marca muy conocida y popular, por lo que el mundo tiene los ojos puestos en esta nueva apuesta.

La razón por la que está en la terna para ser el sucesor de Bob Iger es porque se reporta que sabe organizar equipos grandes y tiene habilidades para navegar los cambios que se dan debido a la evolución del internet. Pero también es otro de los jugadores nuevos que deben demostrar que tienen lo que se requiere para tomar el mando de Disney.

Disney
Foto: Front Office Sports

¿Directores de Hollywood en crisis por Rotten Tomatoes?

En este artículo:

  • Un nuevo reporte asegura que los directores de Hollywood enfrentan una grave crisis laboral.
  • La razón es que hay menos trabajo en general, pues los estudios no quieren apostar por nuevas visiones, además de que plataformas como Rotten Tomatoes también han tenido un fuerte impacto al momento de construir una carrera como cineasta.
  • Esto puede afectar más a mujeres y personas racializadas que trabajan en Hollywood, pero hay indicios de que todavía puede haber salvación.

Hollywood todavía no se recupera de las múltiples crisis que ha enfrentado en años recientes y poco a poco la industria ha tenido que aceptar que tal vez no volverá a ser como antes. Y es que después del azote de la pandemia, la llegada del streaming, las huelgas y la inteligencia artificial, el ambiente ha cambiado mucho.

Y esto ha afectado principalmente a los/as artistas. Grandes figuras y actores de Hollywood han hablado sobre los nuevos retos que representa la inteligencia artificial, y muchos/as guionistas y animadores han hablado largo y tendido sobre los problemas de copyright.

Pero algo que tal vez es menos discutido es el rol de los/as directores en Hollywood. Y es que, aunque cineastas como Alfred Hitchcock, Martin Scorsese y Francis Ford Coppola cimentaron desde la década de los 60 la idea de que la figura del director era de las más importantes para la realización de una cinta, la realidad es que este trabajo es ahora uno de los más complicados en la industria.

Hollywood
IImagen: StudioBinder

¿Los estudios de Hollywood ya no quieren apostar por cineastas?

“Antes, si no la cagabas, tenías la posibilidad de trabajar como cineasta (en Hollywood) durante al menos 20 años” mencionó una fuente anónima para The Hollywood Reporter. El/la cineasta, asegura que ahora simplemente hay menos trabajo y menos oportunidades para construir una carrera.

Las razones varían mucho, pero no hay duda que la obsesión con los algoritmos y el desempeño de taquilla son factores importantes que hacen que los estudios sean mucho más meticulosos al momento de escoger sus proyectos.

En los 70, apostar por una visión novedosa fue lo que llevó a cintas como El Padrino, Taxi Driver o El bebé de Rose Mary a ser grandes éxitos. Pero en 2024, la idea de invertir 120 millones de dólares en estrategias de marketing para lanzar una cinta como Megalopolis suena a un proyecto sumamente arriesgado.

Y es que si tomamos en cuenta la gran inflación, la inversión que hacen los grandes estudios para solventar sus servicios de streaming, los estudios ya simplemente son más selectivos al momento de escoger qué producciones toman.

Esto entra en un gran contraste con los 450 millones de dólares que Netflix invirtió en Rian Johnson para comprar los derechos de Knives Out. O el ambicioso acuerdo que firmaron Troy Parker y Matt Stone valuado en 900 millones de dólares para que South Park se transmita exclusivamente en las plataformas de Paramount.

Sin embargo, estos acuerdos dependen más de la propiedad intelectual que del cineasta. Netflix invirtió alrededor de 200 millones para desarrollar Rebel Moon con la esperanza de que la franquicia se expandiera más allá de las dos películas que tenía planeadas Zack Snyder. Y si las cosas no salen bien, es más fácil que un cineasta deje de trabajar en la industria.

Hollywood
IImagen: THR

¿Rotten Tomatoes también impactó Hollywood?

Además de las duras realidades económicas que enfrenta Hollywood, otros factores han comenzado a permear la industria de maneras insospechadas. Según el reporte de THR, los/as cineastas ahora también tienen que lidiar con el escrutinio de las redes sociales y plataformas como Rotten Tomatoes.

“El éxito ahora es un juego” aseguró otra fuente anónima en el reporte. “Los niveles de Rotten Tomatoes ahora son una métrica muy usada cuando un director presenta una idea. Definitivamente impacta el proceso de decisión creativa cuando los estudios de Hollywood escogen a un director”.

Parte de la razón por la que esto sucede es porque muchas personas se han aferrado al poder en la industria, lo que dificulta o hace más lento el proceso de evolución en Hollywood. Una fuente del reporte puso de ejemplo a Robert Zemeckis, un director que tuvo mucho éxito en la década de los 80 y hasta principios de los 2000, pero que ya no ha podido encontrar un verdadero éxito en los últimos años.

Pero el reporte también pone de ejemplo a Michael De Luca, ejecutivo de New Line que recientemente se convirtió en una de las cabezas de la división de cine de Warner Bros. “Los estudios de Hollywood parece que simplemente quieren seguir trabajando con las mismas personas. Mientras, nuevas voces sólo tienen su calificación de Rotten Tomatoes y sus trabajos pasados para defenderse”.

El sistema de hecho ha desencantado a figuras como Woody Allen, quien en 2023 lamentó mucho el no poder encontrar financiamiento para su película, situación que lo ha hecho pensar seriamente en el retiro. Y Martin Scorsese también ha dicho que “el trabajo de los/as cineastas fue reemplazado por la ambición de los estudios” que no buscan originalidad, sino simple “contenido” del cual puedan seguir capitalizando a través de secuelas y spin-offs.

Hollywood
Foto: StudioBinder

¿Hay salida para estas problemáticas?

En el marco de CinemaCon, Damien Chazelle mencionó que “no tenía ilusión” de que lo volvieran a contratar después del fracaso taquillero de Babylon. Aunque en el mismo evento, se anunció que ya está preparando su próxima película con Paramount.

La disminución de trabajo afecta más a sectores demográficos marginalizados, como cineastas femeninas o personas racializadas. En 2023, solamente 12% de las 105 películas más taquilleras de Hollywood fueron dirigidas por mujeres, y en lo que va del año, de las 25 películas más taquilleras en Estados Unidos, solamente dos han sido dirigidas o co-dirigidas por mujeres: Madame Web y Mean Girls.

Pero no todo está perdido. Cineastas han encontrado un espacio muy próspero en la televisión, ya que el desarrollo de grandes producciones como True Detective le permitieron a cineastas como Issa López tener gran éxito a inicios de año.

También sorpresas como Everything Everywhere All At Once, Civil War, Challengers o Wonka han sido una muestra de que la originalidad no sólo se traduce en grandes resultados de taquilla, también que la visión de cineastas creativos/as es crucial para asegurar el éxito de una cinta y que conecte con la audiencia. Barbie y Oppenheimer también es un ejemplo de lo lucrativo que puede ser confiar en la visión creativa de un cineasta.

No sabemos cuál es el futuro del cine ni de Hollywood, pero este tipo de reportes es una muestra de la incertidumbre que enfrentan los departamentos creativos del cine, y lo mucho que hay que trabajar para asegurar que artistas puedan dedicarse a su arte y vivir de ello.

Hollywood
Foto: NBC News

Challengers: ¡El largo camino para que llegara a cines!

En este artículo:

  • En conferencia de prensa, el elenco de Challengers hablaron del largo proceso para conseguir que la cinta llegara a cines.
  • A pesar de varios tropiezos debido a la compra de MGM por parte de Amazon y las huelgas de Hollywood, la cinta por fin tuvo un estreno que se asemeja al de un gran blockbuster.
  • Esta no sólo es una película ambiciosa, es también una prueba de fuego para Zendaya, protagonista y productora que busca cimentarse como una gran estrella de Hollywood.

Challengers, la nueva cinta de Luca Guadagnino y Zendaya, es una cinta sumamente ambiciosa. Además de ser un drama deportivo, esta podría ser la película más grande en donde la actriz se desempeña como productora, y si todo sale bien en taquilla, ella se convertirá en una de las estrellas más grandes y exitosas de su generación en Hollywood.

Gracias a los memes, la expectativa que generó Dune: Part Two, Challengers y la idea de que la cinta está hecha para formato IMAX, la historia de tres tenistas envueltos en un complicado triángulo amoroso es una de las cintas más esperadas del año, pero no siempre fue así.

De hecho, en conferencia de prensa, el talento de Challengers reveló el largo camino que han tenido que atravesar para que la cinta se estrene en cines.

Challengers
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Challengers corrió peligro de no estrenarse?

De acuerdo con Amy Pascal, la productora cabeza de Lucasfilm, mencionó que cuando leyó el guion “se enamoró tanto de la historia” que buscó por todos los medios posibles realizarla. “Incluso prometí que Zendaya iba a estelarizar y producir, ese fue un gran gancho, y creo que fue una de las razones por las que se logró fue porque prometí que ella estaría en la cinta”.

Pero Challengers enfrentaba otro duro reto: el complicado ambiente que se vive en Hollywood. Apenas empezaron a producir la cinta, Amazon compró los estudios MGM por 8.5 mil millones de dólares, de manera que heredó los derechos de Challengers, y por esa razón la cinta no se presentó en el festival de Venecia de 2023.

“Eso fue muy decepcionante” mencionó anteriormente en otra entrevista Mike Faist, quien interpreta a Art, el esposo de Tashi (Zendaya) que sí logró convertirse en jugador profesional. “Pero estoy feliz de que Challengers sí haya tenido la oportunidad de brillar. Es fabuloso escuchar las reacciones de la audiencia”.

En la conferencia, Zendaya mencionó que “es muy raro que las grandes películas se centren sobre relaciones adultas y sobre sexo”. Warner Bros, la empresa encargada de la distribución, ha tratado la cinta como un gran blockbuster, pues además de buscar que se estrene en formato IMAX, ha tenido premieres y alfombras en Londres, París, Roma y Los Ángeles.

Después de superar la reestructuración de MGM por parte de Amazon, Challengers enfrentó otro dilema: la huelga de actores y actrices en Hollywood. En entrevista, Josh O’Connor mencionó que “está de acuerdo con todo lo que se luchó en la huelga” y él estaba dispuesto a que la película se estrenara sin ningún tipo de promoción o tour de prensa, pero sin duda habría sido un obstáculo mucho mayor para alcanzar el éxito de la cinta.

Al final, parte del gran atractivo de Challengers no sólo es la gran química que tienen los tres protagonistas, también porque representa para Zendaya una nueva motivación: es una metáfora de lo mucho que ha evolucionado su carrera.

Challengers
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Challengers también explora la realidad de mujeres afrodescendientes?

Tashi, el personaje de Zendaya, sufre una lesión que acaba con su carrera profesional. Pero a lo largo de la cinta no cabe duda de que ella no sólo era la mejor, también era quien tenía las mejores estrategias para conseguir lo que quería. “Es muy claro para ella que está entrando a un lugar de privilegio en el que no creció. Ella lidia diario con lo que significa ser una mujer negra en esos espacios”.

Aunque el mundo de Hollywood ha cambiado, figuras como Ncuti Gatwa han denunciado lo difícil que es desarrollar una carrera siendo un artista afrodescendiente. Y Zendaya, quien desde los 16 años se convirtió en el soporte económico de su familia, conoce bien la sensación de tener que alcanzar la excelencia en cada aspecto de su vida para poder llegar a tener un lugar en la industria.

Luca Guadagnino y el guionista Justin Kuritzkes estaban muy interesados en explorar estas dinámicas raciales de poder. “Tashi siempre fue una mujer negra, Patrick siempre fue un hombre judío y Art siempre fue un protestante anglosajón”, mencionaron en la conferencia de prensa.

Para Zendaya, crear este triángulo amoroso interracial “es también una metáfora de las dinámicas de poder y lo que tienen que enfrentar las mujeres negras en posiciones de poder. Ella (Tashi) no quiere ser sólo reducida a ser su esposa. Es su entrenadora, constantemente le recuerda eso al mundo”.

A través de intensos flashbacks y con un cuidado tan preciso de la música y la escenografía, Challengers explora las dinámicas de poder, la precisión, el compromiso y el trabajo que se requiere para alcanzar la gloria. Esta cinta no sólo es un experimento ambicioso que relata un intenso triángulo amoroso, es también un escalón más para que Zendaya construya una carrera que por fin la cimente como una gran estrella de Hollywood.

Todavía tenemos que esperar a ver los resultados en taquilla y la recepción de la audiencia, pero la pelota está en el aire, y Zendaya tiene los ojos bien puestos en ella.

Challengers
Copyright @ Warner Bros Discovery

Pablo Larraín: ¿Por qué el cine debe ser político?

Lo esencial:

El director Pablo Larraín y la actriz Antonia Zegers nos comentaron la importancia del cine como herramienta de debate que logre hacernos hablar de temas difíciles.

Los Premios Platino fueron un importante lugar para exponer los problemas del cine en Argentina. Además del discurso que dio Cecilia Roth sobre la importancia de que la industria fílmica en Iberoamérica se reúna para discutir estos temas, grandes personalidades como Juan Antonio Bayona dedicaron su tiempo para posicionarse en contra de los regímenes gubernamentales que buscan disminuir el impacto del cine.

Cargado con un mensaje político, el director Pablo Larraín compitió por 7 premios en la ceremonia por El Conde, una sátira de Netflix que habla precisamente sobre lo duradero y pernicioso que son las dictaduras como la de Augusto Pinochet y las formas en las que estos regímenes sobreviven.

Además de estar consciente de la situación de Argentina, en Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con Pablo Larraín y con la actriz Antonia Zegers sobre cómo la ficción puede ser una herramienta de lucha.

Pablo Larraín
Foto: RockandPop

Pablo Larraín: La ficción es una ventana para discutir temas

En El Conde, Augusto Pinochet es un vampiro con crisis de identidad que ya no encuentra su lugar en el mundo. Sus 5 hijos, entre los que destacan Jacinta, el personaje de Antonia Zegers, están más preocupados por su herencia que por la sombra que ha dejado su padre a lo largo de los años.

“La metáfora de los vampiros, como personajes que no van a morir nunca, es muy correcta en el sentido de que vamos a tener que lidiar con esto siempre” nos comentó en entrevista Zegers, quien asegura que la ficción “es una forma de taladrar estos temas, de seguir discutiéndolo, porque sigue presente”.

Pablo Larraín, quien se ha destacado por la forma en la que cuenta dramas políticos en cintas como Spencer, Neruda, No y Jackie, cree que “las películas, las series, son espacios metafóricos en donde precisamente podemos seguir hablando de lo palpable que es la figura del fascismo, no sólo en Chile, sino en todo el mundo”.

Para Antonia Zegers, esa es la parte fascinante de ser actriz y de poder trabajar con directores como Pablo Larraín. “Cuando hay una visión tan particular, es mejor ir abierto, dispuesto a lo que sea. Es fascinante poder ir encontrando espacios que resuenan con algo más grande, pero es cosa de abrirse, tener la mente abierta, y dejar entrar lo que pueden ofrecer este tipo de historias o personajes”.

Jacinta es un personaje maquiavélico que busca simplemente su beneficio, por lo que Zegers nos mencionó que El Rey Lear de Shakespeare y los mitos griegos “están muy presentes en la película de El Conde, una muestra de que este tipo de historias, este tipo de dilemas, no sólo son universales, han sido parte del tejido social desde hace muchos años”.

Sobre la persistencia de estos regímenes, Pablo Larraín opina que “Argentina está viviendo un momento complicado, pero Chile también la extrema derecha está entrando con mucha potencia porque tenemos un problema de seguridad muy grande. Y ahí está (Nayib) Bukele siendo una muestra de que la ultra derecha joven es muy fuerte”.

“Cuando hay crisis, la democracia se pone en duda. Y el fascismo empieza con mentiras y termina con violencia.

El cine, las series, son una ventana para que a través de la ficción, podamos avisar lo que se viene en el futuro, pero también ser usado como una ventana para mostrar que no es nuevo y señalar de dónde salió”.

Pablo Larraín, Fuera de Foco
Pablo Larraín
Foto: San Diego Union

¿El cine está cambiando en Latinoamérica?

Además de El Conde, Antonia Zegers actualmente estelariza El Castigo, una intensa película que retrata cómo una madre que descubre que no quería tener hijos ahora debe lidiar con el problema de que su pequeño se perdió en un bosque.

Para ella, haciendo eco a lo que mencionó Pablo Larraín, “el cine puede incluso funcionar como un termómetro social” pues le parece que cintas como El Castigo, que exploran la maternidad desde otra perspectiva, son una muestra de cómo está cambiando la sociedad en su conjunto.

“Parece que la lucha por salarios más o menos equitativos, trabajo e independencia nos dejó entrar con fuerza en el mundo laboral. Pero luego se nos somete por el lado de la maternidad, porque no nos dejan ser madres y trabajar.

Cuando empieza a nacer una ficción como El Castigo, es síntoma de una conversación pendiente entre hombres y mujeres”.

Antonia Zegers, Fuera de Foco

Para ella, “la ficción es un hermoso espacio de debate, de disección. Es una forma hermosa en la que podemos unirnos, hombres y mujeres por igual, para abordar estas temáticas que están tan presentes en la sociedad”.

Tanto Pablo Larraín como Antonia Zegers comentaron que es un momento en el que el cine debe ser una herramienta de consciencia, de diversión y entretenimiento, pero también de espacios para armar conversaciones incómodas” sentenció la actriz en el marco de los Premios Platino.

Pablo Larraín
Imagen: Cineteca Nacional

¡Estrellas de La Bruja de Blair Exigen Justicia a Lionsgate!

En este artículo:

  • Los protagonistas de la Bruja de Blair publicaron una carta a Lionsgate exigiendo justicia tras años de no haber recibido regalías ni haber sido consultados en los reboots y secuelas de la saga.
  • Aseguran que su participación fue fundamental para su éxito, pues los protagonistas prestaron sus nombres e improvisaron la gran mayoría del metraje.
  • Ellos aseguran que su película ya tuvo dos reboots, y ninguno de ellos alcanzó el éxito que tuvo la cinta de 1999.

La Bruja de Blair fue uno de los fenómenos más grandes de la década de los 2000. Con un presupuesto de entre 200 mil y 700 mil dólares, la película recaudó más de 250 millones y se convirtió en la película de terror más taquillera de la época.

La cinta también popularizó el género denominado mockumentary, el cual cuenta una historia ficticia con los elementos de un formato documental para dar la sensación de que ocurrió en verdad, ya que seguía la historia de tres cineastas que buscaban encontrar la verdad detrás de la leyenda de la Bruja de Blair, lo que les lleva a adentrarse al bosque controlado por una extraña entidad.

De hecho, gran parte de su publicidad se basó en la duda sobre si los eventos eran reales o no, cosa que eventualmente inspiró las estrategias de marketing de Actividad Paranormal y Cloverfield.

La popularidad e influencia de la saga acaba de confirmar que tendrá un reboot, pero eso está causando una ola de gran controversia, pues los protagonistas de La Bruja de Blair exigen ahora que se les pague los derechos por pago de regalías que les deben.

Bruja de Blair
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Protagonistas de la Bruja de Blai exigen justicia

Los actores protagonistas de la Bruja de Blair: Rei Hance, Joshua Leonard y Michael Williams publicaron una carta abierta a Lionsgate hablando sobre por qué sienten que el anuncio sobre un nuevo reboot es injusto, pues aseguran que después del éxito de la cinta original, no se les ha vuelto a consultar para las siguientes películas ni han recibido pagos de regalías.

Por ello, a través del Facebook de Joshua Leonard, los tres protagonistas publicaron tres peticiones hacia Lionsgate con el fin de ser retribuidos por su trabajo en la Bruja de Blair

El primero tiene que ver con el pago de regalías. La carta pide que ellos reciban pagos retroactivos y futuros basándose en lo que el SAG-AFTRA hubiera estipulado si en esa época hubieran estado cobijados por el sindicato antes de trabajar en la producción.

La segunda petición dice que se les consulte antes de producir cualquier otra película, reboot, serie, juego, juguete o escape room. También piden que sus nombres sean incluidos de manera prominente durante la promoción de estos productos.

En el tercero, piden que Lionsgate construya “la beca Bruja de Blair”, la cual consista en un apoyo económico de 60 mil dólares (que fue el presupuesto original con el que comenzaron el proyecto) para que se le otorgue anualmente a cualquier cineasta que quiera empezar su primera cinta.

En este apartado, el trío protagonista insiste en que es una beca, no una inversión, por lo que piden que Lionsgate se deslinde del proyecto y no se adueñe de los derechos del proyecto.

Bruja de Blair
Foto: Facebook Joshua Leonard

¿La Bruja de Blair ya ha tenido otros reboots?

La Bruja de Blair ya ha tenido otras producciones: en el año 2000 se estrenó Book of shadows: Blair Witch 2 y en 2016 el director Adam Wingard estrenó otro reboot llamado simplemente Blair Witch.

En la carta abierta, los tres protagonistas rechazaron estas producciones y el nuevo reboot de Blumhouse, ya que confirmaron que ninguno ha sido consultado para el desarrollo de la historia y no han recibido ningún tipo de regalías a pesar de todo su éxito.

El trío protagonista se queja de esta situación porque ellos fueron cruciales para el éxito de la Bruja de Blair. Ellos prestaron sus nombres reales, improvisaron escenas enteras y se hicieron pasar por personas desaparecidas durante la campaña de marketing para darle realismo al proyecto, por lo que consideran que tuvieron un importante impacto en el desarrollo intelectual de la obra.

“Nuestra película ya tiene dos reboots. Las dos fueron una decepción tanto para los/as fans como en la taquilla y entre la crítica. Ninguno de estos filmes fue hecho con el apoyo del equipo original”.

Carta a Lionsgate, Facebook de Joshua Leonard

Durante la CinemaCon, Jason Blum expresó su admiración por el proyecto asegurando que “fue todo un fenómeno cultural” pero no se sabe cómo abordará la historia en la época de redes sociales, TikTok y el internet.

Bruja de Blair
Copyright @ Prime Video

¡Ncuti Gatwa responde a las críticas racistas por Doctor Who!

En este artículo:

  • Ncuti Gatwa respondió a los comentarios racistas que ha enfrentado desde que lo escogieron como el décimo quinto Doctor en la saga de Doctor Who.
  • Asegura que le parece “fascinante”, pues dice que es una respuesta a los cambios que se han dado en Hollywood.
  • Aunque el actor es optimista, asegura que le ha costado trabajo aceptarse por quién es, pues considera que las personas afrodescendientes se tienen que esforzar el doble para triunfar.

Cuando Ncuti Gatwa fue elegido como el nuevo Doctor Who, fue un tema de gran controversia. Al ser el primer hombre afrodescendiente en poder interpretar al icónico personaje, muchas personas en redes sociales comenzaron a criticar la decisión, especialmente porque aseguran que es una forma de seguir avanzando la llamada “agenda woke”.

Ncuti Gatwa, quien saltó a la fama gracias al fenómeno de Netflix Sex Education, ya había hablado de cómo los productores detrás del show de streaming buscaron limitar un poco la identidad racializada que quería impregnarle a Eric Effiong porque “la audiencia caucásica no lo iba a entender”.

Y ahora, el actor decidió responder a las críticas racistas que enfrentó sobre el cast de Doctor Who, asegurando que los/as artistas afrodescendientes tienen que trabajar el doble simplemente para “poder trabajar” en Hollywood.

Ncuti Gatwa
Copyright @ Disney+

A Ncuti Gatwa le parecen “fascinantes” las críticas a su Doctor Who

Durante una entrevista con el portal Attitude, Ncuti Gatwa aseguró que “le parece fascinante la cantidad de energía que la gente pone para criticar su cast como Doctor Who”, ya que le parece que es una forma “materializada” de ver cómo los tiempos sí están cambiando.

“Sí hay un cambio en la forma en la que se hacen castings, las dinámicas de las posiciones de poder y en general en el status quo.

No es tan rápido, creo que las cosas podrían hacerse con más prontitud, pero la gente empieza a reaccionar extraño porque se están viendo los cambios”.

Ncuti Gatwa, Attitude

Antes de que Ncuti Gatwa tomara el rol de Doctor Who, Jodie Whittaker se convirtió en la primera mujer en interpretar al icónico personaje. Y aunque recibió una cantidad similar de quejas por parte de fans en internet, la saga ha seguido comprometida con ampliar el tipo de artistas que participan en la serie.

Por ejemplo, Doctor Who también escogió a la actriz transgénero Yasmin Finney como la hija de Donna Noble en el especial de aniversario, y su identidad de género fue un tema que se exploró de manera prominente, siendo parte de su evolución como personaje. Y aunque también recibió críticas y quejas, el hecho de que la serie siga empujando estas temáticas es una muestra no sólo de que la producción está comprometida con la inclusión, sino también de que siguen haciendo buenas historias que conectan con la audiencia.

Además de ser el primer Doctor afrodescendiente, el personaje de Ncuti Gatwa es el primer Doctor “bi-generacional” ya que en el especial donde hizo su debut, se confirmó que no reemplazó al Doctor anterior interpretado por David Tennant, sino que nació de una parte de él y esto significa que pueden coexistir al mismo tiempo.

Ncuti Gatwa
Copyright @ Disney+

¿Las oportunidades para artistas afrodescendientes están cambiando?

En la misma entrevista, Ncuti Gatwa mencionó que ha estado trabajando mucho tiempo “pensó que si no era excepcional, nadie lo iba a querer” ya que en un principio consideraba que tenía que trabajar mucho más para ser aceptado en Hollywood debido a su color de piel.

“Hay mucha mediocridad blanca que es celebrada y nosotros/as, la gente negra, tenemos que ser absolutamente impecables para poder llegar a la mitad de eso” mencionó Ncuti Gatwa. “Así que he estado aprendiendo a decir: No, yo merezco amor sólo por existir, y eso me ha enseñado a ser mucho más amable también”.

Ncuti Gatwa no es el único actor afrodescendiente que ha enfrentado este tipo de problemas. Samuel L Jackson e Idris Elba también fueron objeto de duras críticas racistas cuando fueron escogidos como Nick Fury y Heimdall en el MCU.

Eventualmente, su buen trabajo hizo que se convirtieran en dos de los actores favoritos de Marvel, por lo que parece que los comentarios de la estrella de Sex Education no están equivocadas y cada vez vemos cambios importantes para artistas diversos/as en Hollywood.

Ncuti Gatwa
Copyright @ Disney+

¡Director de Robot Dreams opina de la funa a Perro!

En este artículo:

  • Pablo Berger, el director de Robot Dreams, opinó sobre si Dog merece ser “cancelado” por no haber hecho más por Robot.
  • Él asegura que quería que la audiencia “hiciera la película suya” y lanzar más preguntas que respuestas, por lo que parece que es una reacción interesante.
  • Aún así, considera que hay que “cancelar menos y abrazar más a Dog”, pues asegura que todos en algún momento hemos sido él, o Robot, o Mapache.

¿Dog pudo haber hecho más por su amigo Robot? Ese es uno de los grandes debates que desató la cinta Robot Dreams. Y es que tiempo después de que el mundo tuvo tiempo de procesar todo lo que tenía que ofrecer la cinta de Pablo Berger, muchas personas parece que llegaron a la conclusión de que Dog pudo haber hecho mucho más.

En Robot Dreams, aunque Dog y Robot parece que tienen una gran relación, Robot se descompone en la playa, y después de varios meses separados, Perro eventualmente conoce a otras personas y parece que sigue con su vida, por lo que parece que él superó el incidente mucho más rápido y con más facilidad que su amigo, quien se queda mucho tiempo varado en la playa y después es desmantelado y vendido por partes en una tienda de segunda mano.

Pero, ¿de verdad pudo haber hecho algo más? En Fuera de Foco, platicamos con Pablo Berger en el marco de los Premio Platino, quien nos contó por qué cree que la gente tiene una respuesta tan fuerte sobre la historia de Robot Dreams.

Robot Dreams
Imagen: X/Twitter

El director de Robot Dreams quería causar debate

Durante la alfombra de los Premios Platino, el director Pablo Berger nos dijo que él cree que cuando la gente habla de cancelar a Dog, “se refiere a que no está de acuerdo con todo (sobre lo que pasa en Robot Dreams), pero a Dog hay que abrazarlo, hay que amarlo. Creo que lo que hay que hacer es menos cancelar y más abrazar a Dog”.

Y es que según el director, lo que él buscaba con Robot Dreams era “lanzar más preguntas que respuestas” para que la audiencia “de verdad pudiera hacer la película suya. Y creo que este tipo de reacciones son naturales porque la gente se siente identificada, todos/as hemos conocido o hemos sido Dog y Robot en algún momento”.

El director de hecho aseguró que en este punto de su vida “de hecho me siento más identificado con mapache, que es un poco más mayor que Dog” hablando sobre el personaje que metafórica y muy literalmente reconstruye a Robot y comienza una tierna relación con él rumbo al final de la cinta.

En entrevista, el director ya le había comentado a Fuera de Foco que “en Robot Dreams hablábamos del paso de la vida, y de cómo si tú no cambias, la vida te cambia, porque es algo que siempre pasa”, por lo que realmente él no ve su cinta a través de un lente binario, sino una manera de expresar que hay cosas que simplemente hay que dejar ir.

Robot Dreams
Copyright @ CineCanibal

El director de robot Dreams agradeció a México el amor a su cinta

Robot Dreams se alzó con el premio a Mejor Cinta de Animación en los Premios Platino, y durante su discurso de aceptación, agradeció específicamente a México por el cariño con el que la audiencia había recibido la cinta.

En la historia, Dog intenta entrar dos veces a la playa, y las dos veces es sorprendido por el guardia de seguridad, por lo que decide esperar los meses necesarios para ir por Robot. En el inter, él se siente solo, conoce a más seres, suela con su reencuentro, pero una vez que abren la playa, él sí va a buscarlo, pero ya no está ahí.

Sin embargo, Robot pasa muchos meses atorado en la playa sin poder moverse. Mientras está ahí, un grupo de conejos le corta el pie y ayuda a una pájara a criar a sus polluelos hasta que aprenden a volar. Eventualmente, un mono se lo lleva para venderlo por partes, y mapache lo reconstruye.

Como eventualmente Dog compra otro Robot y es más libre durante el metraje, muchas personas consideran que eso es suficiente para que sea el villano de Robot Dreams, pero no es el punto de la película.

Al final, tanto Robot como Dog son capaces de recordar con felicidad su tiempo juntos, siendo mejores parejas, mejores seres para quienes comparten su vida. “Yo lo que espero es que, quienes amaron Robot Dreams, le llamen a alguien que no han visto en mucho tiempo y les inviten a ver una película. Si es iberoamericana, mejor” sentenció el director durante su discurso de aceptación.

Robot Dreams
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¿Cómo el Cine Argentino cambió tras ascenso de Milei?

En este artículo:

  • Agustina Llambi Campbell, productora de Blondi, una de las cintas nominadas en los Premios Platino, nos contó cómo ha cambiado el cine argentino a raíz del ascenso del Presidente Javier Milei.
  • Ella asegura que sus políticas austeras han sido un duro golpe para la producción argentina, especialmente después del éxito que tuvo Argentina, 1985
  • Pero para ella, las historias y la forma revolucionaria en la que las siguen contando, trascenderán estos problemas. “No nos vamos a ir a ningún lado”.

El Cine Argentino atraviesa un duro momento. Y ese fue uno de los llamados más importantes que hicieron productoras como Agustina Llambi Campbell, quien participó en el desarrollo de Argentina, 1985 y que ahora presenta Blondi, cinta que compite en los Premios Platino en la categoría de Mejor Ópera Prima de Ficción, Mejor Música Original y Mejor Interpretación Femenina.

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con Llambi Campbell sobre cómo las políticas del presidente Javier Milei han afectado el cine argentino, pero también por qué están más unidos que nunca para solucionar el problema.

Cine Argentino

¿Cómo Javier Milei impactó el cine argentino?

“Venimos de tener Argentina, 1985 nominada en los Oscar de 2022 a no tener producciones próximas en todo lo que va de 2024” se lamentó Llambi, quien hace eco a lo que comentó Cecilia Roth en el marco de su premio de honor durante los Premios Platino en Xcaret.

Javier Milei anunció una reducción drástica al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, bajo la lógica de que su financiamiento solamente beneficiaba a una pequeña élite. Pero de acuerdo con Llambi “no sólo impactó grandes producciones, paralizó a todo el mundo que quería hacer cine y los prospectos que hay a futuro”.

“El gobierno no se da cuenta de todo el talento y empeño del cine argentino” nos comentó la productora. “Sí, Argentina, 1985 fue financiada por Amazon, pero eso es porque en el país existen grupos de cineastas y creadores educados que hemos trabajado durante años para construir un cine argentino que es original, versátil y vigoroso”.

Llambi menciona que Blondi es “un proyecto que ha impactado profundamente a todas las madres, porque representa con otra luz a la maternidad, a las madres cínicas, las madres que fuman”. Para ella, este tipo de películas son innovadoras y diferentes, que demuestran “la evolución del cine argentino y cómo se ha posicionado como una herramienta de cambio social”.

Dolores (Fonzi) hizo un trabajo excepcional con un guion increíble. Ella no es solo una actriz” nos comentó sobre la directora y protagonista de esta película. “Acaba de ganar el premio del Público en los Premios Platino, creo que esa también es una muestra de cómo el cine argentino y sus artistas están impactando la industria internacional”.

Para Llambi, los cambios que implementó Milei “son muy vistosos en el cine argentino porque son muy duros, y es una afrenta a la memoria histórica, a la documentación. Veníamos de años de trabajar como locomotora a un paro total. Ha sido una transición tan rápida que es una pesadilla”.

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El Cine Argentino no va a dar su brazo a torcer

Aunque Llambi lamenta que este 2024 no haya producciones argentinas, “estoy segura que no nos va a tumbar. Sí fue un golpe, si nos afecta, pero esta industria está aquí como lanza cultural, de protesta. Y seguramente vendrán nuevas historias que van a cimbrar y capturar este momento”.

Para la productora, lo más importante es que “se puedan contar historias como Blondi con la libertad que tuvimos para hacerlo” ya que “confiar en los cineastas, en su proceso, siempre ha sido benéfico para mi”.

Llambi ha producido varias de las obras de Santiago Mitre, el director de Argentina, 1985, por lo que mencionó que por el momento “su interés y esfuerzo están volcados en seguir creando cine argentino que resuene no sólo con una época, sino con una realidad mundial y compartida”.

Para ella, estar nominada a los Premios Platino es un honor emocionante, pero más por el tipo de historia que hemos logrado capturar con Blondi, que no sólo es cine argentino para argentino, es una exploración completa de la maternidad y los estigmas que se viven aún en la sociedad contemporánea”.

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