La más reciente versión de Mean Girls incluye un chiste donde la cantante Megan Thee Stallion hace referencia a titulares sexistas hacia Lindsay Lohan en los 2000.
El descriptivo fue usado en contra de Lindsay Lohan en diversos titulares, los cuáles tanto la actriz como su familia encontraron ofensivos al incluirse en la nueva versión de Mean Girls.
Reportes señalan que tras la protesta de la actriz, la broma sobre Lindsay Lohan fue eliminada de la cinta a su lanzamiento en plataformas digitales.
Mean Girls (2024) ha hecho cambios a su versión para plataformas digitales, así lo han reportado diversos usuarios quienes, al adquirir la versión digital de la cinta estrenada en 2024, remarcaron que un chiste hecho sobre Lindsay Lohan fue borrado por completo de la nueva edición.
El chiste, el cual menciona Megan Thee Stallion durante la cinta, hace referencia a titulares sexistas hechos en contra de Lindsay Lohan en la década de los 2000, mismos que la actriz señaló le acecharon por años, por lo que se pronunció sumamente decepcionada y dolida de que la producción de la nueva versión de Mean Girls no le avisara e incluyera la broma sin su autorización.
Imagen: John Lamparski/WireImage
¿Mean Girls eliminó chiste de Lindsay Lohan?
La nueva versión de Mean Girls —inspirada tanto en la cinta de 2004 como en el musical de Broadway— finalmente llegó a plataformas digitales tras su tiempo en cines. Sin embargo, usuarios reportaron que la más reciente edición de la cinta contó con cambios mínimos en comparación a su versión para cines, y en específico, puntualizaron la eliminación de un chiste sexista sobre Lindsay Lohan que generó gran malestar en la actriz tras el estreno de la película.
En Mean Girls, la cantante Megan Thee Stallion tiene un pequeño cameo dentro del montaje de videos y reacciones en redes sociales de los estudiantes de la cinta, donde la artista alaba al personaje de Angourie Rice, Cady Heron, y la describe como “la entrepierna de fuego de los 2000 está de regreso”.
El chiste ha sido ahora eliminado de algunas versiones al lanzamiento digital de Mean Girls, así señaló el portal The Hollywood Reporter, y en su lugar fue sustituido por una versión recortada del cameo de Megan Thee Stallion donde dice: “chicas sexys, el rojo está de vuelta”.
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¿Lindsay Lohan no estaba contenta con la broma?
Lindsay Lohan asistió a la alfombra roja de la nueva cinta de Mean Girls, en la que también contó con un cameo hacia el final de la historia, durante la competencia de mate-atletas. Si bien, la actriz se mostró emocionada por el remake musical de la película, más adelante reportes aseguraron que Lohan no estaba tan contenta con la cinta, debido a un chiste donde se hacía referencia a los encabezados sexistas en su contra.
El publicista de la actriz señaló que “Lindsay estaba muy herida y decepcionada por la referencia en la película”, y que la producción jamás se había puesto en contacto con ella para avisarle de tal chiste. Asimismo, el padre de Lindsay Lohan señaló a la broma por ser un “comentario repugnante”, arremetiendo en contra en contra de la película para asegurar que “nadie podría reemplazar a Lindsay o al elenco original de la película”.
Si bien, Paramount no emitió una declaración en su momento, la eliminación de la broma en la nueva versión de la película podría haber sido resultado de la intervención de los representantes de Lindsay Lohan, y de los comentarios de la actriz misma.
Mean Girls ya está disponible para renta y venta en plataformas digitales.
Denis Villeneuve arremetió contra el formato de televisión, pues asegura que “corrompió” el cine,
El cineasta asegura que la obsesión con los diálogos es un problema que enfrenta el cine y que se dio a raíz del auge de la televisión.
Villeneuve estuvo a punto de dirigir una serie, pero también explicó por qué “al final no cuadraba con su sensibilidad”.
El directorDenis Villeneuveha logrado construir una carrera sólida en el cine gracias a proyectos reconocidos por la crítica internacionalismo Blade Runner 2049, Arrival, Prisoners y Enemy, por mencionar algunos. Sin embargo, a diferencia de otros de sus compañeros/as, el cineasta confesó que no le interesa desarrollar una serie de televisión.
A pesar de que durante los últimos años las series de televisión se han fortalecido y entregado historias complemente destacables, Denis Villeneuve, afirmó durante una entrevista con el Times, que considera que el cine se ha “corrompido” por culpa de la televisión. Pero, ¿Qué lo hizo llegar a pensar esto? A continuación te lo explicamos.
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¿La televisión arruinó el cine?
A lo largo de los años, el cine, en especial el que no es comercial, se ha caracterizado por comunicar a través de las imágenes y la acción de sus personajes, dejando como último recurso el diálogo que solo se debe de ocupar cuando es totalmente necesario para una historia. Sin embargo, Denis Villeneuve, considera que la televisión abusa de este recurso y lo utilizado de tal forma que la audiencia ya no conecta con una película que cuenta su historia sin que hable tanto un personaje.
“Francamente, odio el diálogo. El diálogo es para el teatro y la televisión. No recuerdo las películas por una buena línea, recuerdo las películas por una imagen fuerte. No me interesa en absoluto el diálogo”.
Denis Villeneuve
Villeneuve describió que el cine es imagen y sonido, “ese es el poder del cine”, pero “es algo que no es obvio cuando miras películas hoy en día”, porque ya han “sido corrompidas por la televisión”. En específico, el periodista del Times, Jonanthan Dean, le preguntó que si esto se debe a que la televisión también tuvo su época dorada y los ejecutivos pensaron que las películas deberían copiar su éxito, a lo que Denis Villeneuve, respondió: “Exactamente”.
El nominado al Oscar aseguró que uno de sus grandes propósitos es realizar una película que no “contenga ni una sola palabra” pero que tampoco parezca como “un experimento” único y la audiencia conecte con la historia. “La gente salía del cine y decía: ‘Espera, ¿no hubo diálogo?’ Pero no sentirán la falta”.
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Denis Villeneuve estuvo a punto de hacer una serie
A pesar de sus comentarios en contra de la televisión, Denis Villeneuve, estuvo durante muchos años en conversaciones para dirigir una adaptación en serie limitada de la novela The Son del autor noruego Jo Nesbo, que sigue a Sonny Lofthus, un prisionero drogadicto que cumple condena por un crimen que no cometió.
Los planes de Denis Villeneuve para adaptar The Son se remontan a 2016, cuando originalmente se estaba considerando como un posible largometraje. Pero fue hasta mediados del año pasado que el proyecto comenzó a tener fuerza cuando se anunció que HBO sería la productora y estaría protagonizada por Jake Gyllenhaal.
Sin embargo, mientras promocionaba Dune: Part 2,Denis Villeneuve aseguró que se había retirado del proyecto porque siente que los guiones finales del programa difieren de su propia sensibilidad creativa. “Sentí que la adaptación que hicimos, cuyos guiones creo que fueron excelentes, pero muy alejada de mi sensibilidad”.
El director destacó que es siempre ha sido fan del libro y que, por esta razón, pensó que lo mejor era adaptarlo a una miniserie para “tratar de proteger todos los elementos del libro” porque “era demasiado para un largometraje”, pero al final no funcionó y ahora solo espera que “esto encuentre la luz del día” pero dirigido por alguien más.
Nick Offerman obtuvo el premio a Mejor Actuación de Reparto en una serie nueva dentro de los Independent Spirit Awards, por su papel como Bill en The Last of Us.
Bill en The Last of Us es uno de los sobrevivientes a la infección quien encuentra una vida al lado de Frank (Murray Bartlett) en el tercer episodio de la serie.
Durante su discurso de aceptación, Nick Offerman respondió a los/as fans tóxicos/as de The Last of Us, quienes atacaron al actor con comentarios homofóbicos tras su aparición en el show.
Hace poco más de un año que la adaptación de The Last of Us de la mano de HBO presentó a Bill (Nick Offerman), un hosco sobreviviente del caos alrededor del mundo tras la infección de Cordyceps, quien incluso antes del brote se encontraba convenientemente preparado para sortear el apocalipsis.
En la historia, Bill conoce a Frank (Murray Bartlett), un viajero a quien da asilo, enamorándose de él y viviendo juntos en su idílico hogar por varios años. La historia de Bill y Frank, que cambió partes clave de su relación en contraste con los videojuegos, se convirtió en una de las aristas más fuertes de The Last Of Us, siendo el episodio de su historia de amor uno de los más aclamados.
Sin embargo, a su estreno algunos/as fans de los videojuegos se pronunciaron en contra de la historia, criticando a HBO por poner bajo el reflector “tanto tiempo” a Bill y Frank, en lugar de centrarse en sus protagonistas. Dichas quejas también vinieron acompañadas de una gran cantidad de comentarios homofóbicos y mensajes de odio, a los cuálesfinalmente Nick Offerman, tras recibir un Spirit Award por su labor en The Last of Us, decidió responder.
Imagen: HBO
¡Nick Offerman responde a comentarios homofóbicos!
Nick Offerman recibió el premio a Mejor Actor de Reparto en una nueva serie, durante la entrega de los Independent Spirit Awards, gracias a su papel como Bill en The Last of Us.
Es por ello que, durante su discurso, el actor tomó la oportunidad para abordar los comentarios tóxicos de fans en su contra y en contra de la serie, varios de los cuáles recibió en sus redes sociales tras el estreno del episodio Long, Long Time, y el cual tiene por historia central el romance entre dos hombres gay.
“Estoy sorprendido de estar en esta categoría, es una locura” aceptó el Nick Offerman a la par en que ascendía al escenario, donde agradeció a HBO por “tener la valentía” de contar historias verdaderamente independientes y las cuáles desafían “el odio” de las audiencias.
“Gracias por apostar por historias con coraje, para que cuando el odio homofóbico venga en contra mía a partir de la pregunta “¿Por qué tenían que hacer una historia gay?” podamos decir:
“Lo hacemos porque ustedes siguen haciendo preguntas así. No es una historia gay, es una historia de amor, imbécil.”
Nick Offerman.
El auditorio aplaudió el discurso de Nick Offerman, quien también obtuvo el premio a Mejor Actor de Invitado en los Emmys este año.
Imagen: HBO
¿The Last of Us recibió comentarios homofóbicos a su estreno?
Al estreno del episodio céntrico en Bill y Frank, una gran cantidad de comentarios homofóbicos inundaron las redes sociales; ante los cuáles diversas estrellas del show reaccionaron.
Bella Ramsey, Ellie Williams en el show, destacó que la presencia de personajes queer en televisión es por suerte cada vez más fuerte, por lo que señaló que “la gente podrá pensar lo que quiera, pero tendrán que acostumbrarse a ver estas historias”.
“Si no quieren ver la serie porque tiene historias gay, o porque tiene un personaje trans, ese es su problema, se lo están perdiendo”, señaló Ramsey.
Semanas después, The Last of Us volvió a ser el centro de una gran cantidad de comentarios homofóbicos, aunque esta vez ya no por los personajes de Nick Offerman y Murray Bartlett, sino por la relación entre Ellie y Riley (Storm Reid), la cual es clave para dar pie al viaje de la joven heroína.
Tras los comentarios, Reid destacó que “hacer una revuelta por ver a dos personajes que se aman es absurdo”, subrayando que tanto los actores como la producción tomaban los comentarios positivos alrededor de la representación con mucha más importancia que el hate.
Otros usuarios justificaron su desdén por la serie a partir de los cambios que se hicieron a algunas de las historias, como la de Bill y Frank, a lo que Craig Mazin y Neil Druckmann, showrunner y creador respectivamente, defendieron desde el punto de vista narrativo:
“¿Qué tal que Bill ya no es el augurio oscuro sobre el posible futuro de Joel, sino un símbolo de esperanza, de que, incluso en este mundo por terrible y peligroso que sea, hay una oportunidad de encontrar amor positivo, y lograr una relación exitosa a largo plazo”.
Craig Mazin.
Al igual que la primera temporada, la segunda parte de The Last of Us tendrá en frente y centro a personajes e historias queer. La primera temporada completa de la serie ya está disponible en HBO Max.
El cierre de Berlinale estuvo lleno de controversias políticas, al grado en que la ceremonia fue catalogada como “antisemita” por medios de comunicación y figuras políticas alemanas.
Esto ocurrió debido a algunos discursos que dieron ganadores del festival, pero también porque las redes sociales del evento fueron hackeadas por un grupo pro-palestino.
Berlinale ya está tomando acciones sobre el caso del hackeo, pero aumenta los problemas sobre el tema de libertad de expresión política en espacios artísticos importantes.
La edición número 74 del Festival internacional de cine de Berlín (Berlinale) estuvo plagada de controversia. Entre demandas por haber invitado a representantes de ultraderecha y críticas por no posicionarse abiertamente sobre el tema de Israel y Palestina, el festival ha tenido una de sus ediciones más políticas en su historia.
¿Qué pasó en Berlinale y por que fue tan controversial? ¿Se podrían tomar acciones legales? ¡Les contamos tod el problema aquí!
Foto: EuroNews
¿Qué pasó con las redes sociales y el cierre de Berlinale?
Durante la ceremonia de cierre de Berlinale, se publicó una infografía en su cuenta de Instagram en donde se publicó una serie de imágenes que se posicionaba a favor de Palestina, pero su comunicación fue sumamente controversial.
Para empezar, las imágenes tenían el eslogan de “from the river to the sea” (Desde el río hasta el mar), una frase que es considerada antisemita por parte de algunas figuras nacionalistas de Israel, pues se puede entender que se busca desmantelar el estado judío. Melissa Barrerarecientemente fue fuertemente criticada por utilizar el canto durante una protesta pro-Palestina en el Festival de Sundance.
El posteo también aseguraba que “Alemania siempre había estado del lado incorrecto de la historia” haciendo alusión a su pasado Nazi y criticando el silencio por parte de las autoridades alemanas sobre el tema.
El festival borró la publicación poco tiempo después y mandaron un posicionamiento oficial asegurando que “esas imágenes no representaban las ideas ni los posicionamientos reales de Berlinale.
Pero las controversias no pararon ahí. Una serie de ganadores también causaron revuelo por sus posicionamientos durante la ceremonia de clausura. Por ejemplo, Ben Russell, quien compitió con el documental Direct Action, se presentó en el escenario usando una Kufiya, una pieza de ropa que se entiende como una de las muestras de apoyo al nacionalismo palestino.
La cineasta Eliza Hitman, quien ganó el Oso de Plata en 2020, pidió un cese al fuego y dijo que “cualquier persona que diga que es sólo una guerra está incurriendo en un acto grotesco de autoengaño”.
Pero la controversia aumentó cuando Yuval Abraham, Basel Adra, Hamdan Ballal, y Rachel Szor, directores del documental No Other Land que ganó en su categoría como Mejor Documental, subió a recibir su premio.
Abraham, un cineasta judío israelí, comparó cómo se diferencian sus derechos y experiencias con respecto a los que tiene Basel Adra, cineasta palestino que vive en la zona ocupada de la franja de Gaza. “Aunque nuestras casas están a 30 minutos de distancia, nuestras experiencias y derechos varían enormemente”.
La película precisamente retrata la lucha de Basel Adra y de su pueblo en contra de la ocupación de la Franja de Gaza, y como sus hogares y derechos han disminuido con el paso del tiempo debido a las actividades de las fuerzas israelíes en la región.
Foto: EuroNews
¿Qué consecuencias enfrenta Berlinale?
El discurso de los directores de No Other Land causaron que muchas figuras políticas llamaran a la ceremonia anti-semita. E incluso, el gobernador de Berlín, Kai Wegner utilizó sus redes sociales para decir que “La ciudad tiene una postura muy clara a favor de Israel”, por lo que pidió que Berlinale mejore sus protocolos para evitar que se den despliegues como los de la ceremonia de clausura se repitan, ya que el festival “es financiado por el estado”.
Después de la controversia, Berlinale confirmó de manera oficial que buscará “presentar cargos” en contra de las personas que hackearon sus redes sociales y las autoridades ya empezaron a investigar el caso.
Sobre los posicionamientos políticos de sus ganadores, Berlinale fue claro al decir que “fueron una muestra de una opinión personal y que no reflejan los valores o pensamientos del festival”.
La posición de Berlinale, aunque entendible, es muy diferente a la que tuvieron los Spirit Awards, ya que aunque la ceremonia también fue interrumpida por protestantes que pedían la liberación de Palestina, la host del evento Aidy Bryant aseguró que eran “personas ejerciendo su derecho a la libre expresión”.
El tema del conflicto entre Hamas e Israel ha causado revuelo en la esfera cinematográfica mundial, y ninguna industria ha sabido bien balancear el problema de la creación de discursos de odio con la opinión personal de figuras con grandes plataformas, y el caso de Berlinale es uno que ejemplifica la gran problemática que se enfrenta en vista de una guerra que lleva meses en curso.
Tim Ballard y Angel Studios enfrentan nuevas demandas por Sound of Freedom, esta vez una mujer acusa a la historia de difamar su caso para mostrarla como una traficante.
El caso es sumamente delicado, pues ella pasó supuestamente 18 meses en prisión de manera injusta debido a las operaciones que llevó a cabo Ballard en Colombia y que inspiraron la película.
Todavía no hay información sobre qué tipo de compensación busca, pero se suman a las variadas denuncias que tiene Tim Ballard sobre agresión y abuso sexual.
Una mujer colombiana demandó a Tim Ballard y Angel Studios por difamación y angustia emocional debido a la forma en que fue retratada en el famoso largometraje Sound of Freedom,en la cual se asegura que fue parte importante de una red de tráfico infantil.
La película, que afirma estar basada en una historia real, presenta al actor Jim Caviezel en el papel de Ballard mientras trabaja para rescatar a víctimas de la trata de personas al rededor del mundo. Sin embargo, la demanda señala que el caso de la mujer fue tergiversado en la historia para hacerla pasar como una delincuente. A continuación te explicamos los detalles.
La película estrenada el año pasado,Sound of Freedom, se volvió viral en Estados Unidos entre grupos religiosos y conservadores, quienes crearon una campaña mediática basada en una teoría de conspiración, pues aseguraban que el tema de la cinta era tan sensible que “Hollywood no quería mostrar la cinta”, por lo que supuestamente élites en la industria bloquearon su estreno y tuvo problemas de financiamiento y distribución.
En realidad, la cinta siguió el modelo de financiamiento que suele llevar Angel Studios y las acusaciones terminaron siendo falsas, ya que la cinta recaudó en la taquilla estadounidense más de 250 millones de dólares y logró un acuerdo con Amazon Studios de 8 cifras.
Desde su estreno, el creador de la películaTim Ballardha enfrentado varias demandas en su contra por agresión sexual, razones por las que tuvo que dejar su posición en la empresa. Ahora, se suma el caso de Kely Johana Suárez Moya, quien busca acusar a Ballard y a Angel Studios por la forma en la que representan su historia en la película, pues ella aparece como el “gancho” de una red de tráfico infantil,
De acuerdo con la demanda publicado por Rolling Stone, Suárez fue arrestada injustamente durante una operación encubierta dirigida por Tim Ballard en Colombia, que luego se convirtió en el “mito fundador” de su organización Operación Ferrocarril Subterráneo (OUR), lo que generó titulares falsos sobre ella y, eventualmente, la película de Sound of Freedom.
Todo comenzó cuando Tim Ballard viajó a Colombia en 2014, poco después de fundar OUR, con el deseo de retratarse en un documental o serie de televisión como un heroico salvador de los niños/as traficados. Es entonces, cuando hizo algunos contactos con personas a las que pidió que consiguieran adolescentes para una fiesta sexual de pedófilos en una isla frente a la costa de la ciudad de Cartagena con la finalidad de realizar una operación encubierta y rescatar a las menores.
El documento alega que a una sesión de planificación del evento asistió una joven llamada Natalie Taborda Atencio, o “Naty”, quien le prometió a Tim Ballard que podría traer a la isla a varios/as infantes de las escuelas secundarias locales y a un joven de 18 años llamado Samuel David Olave Martínez, a quien Suárez conocía de una escuela de modelos a la que ambos asistieron.
Martínez también supuestamente le dijo a TimBallard que podría reclutar niños/as de esa escuela para la fiesta y otros adolescentes fueron atraídos a unirse al evento con una invitación en las redes sociales que circuló en Facebook.
Pero, para en este punto de la historia, Suarez, aún no tenia ningún conocimiento del complot y solo aceptó la invitación para asistir a la fiesta y recibir un pago por trabajo sexual. De hecho, la demanda alega que al final ninguno de los jóvenes fue traficado, excepto por Tim Ballard y sus asociados de OUR.
Es entonces cuando los Agentes del CTI (la policía de Colombia) allanaron la fiesta después de que Tim Ballard pasara dinero a Martínez y a otro hombre que ayudó a obtener esclavas sexuales falsas para los supuestos pedófilos, dejando a los/as jóvenes y adolescentes “confundidos/as y traumatizados/as”. Además, Suárez, que estaba sentada junto a Martínez, fue arrestada como traficante junto con él y otros dos hombres.
Suárez declaró que jamás participó en la planificación de la fiesta, en la obtención de los/as jóvenes y no estaba al tanto del falso pretexto de la fiesta hasta que fue arrestada, pero fue presentada erróneamente por Tim Ballard como responsable de la acciones de Atencio, la mujer que ayudó a montar la fiesta, pero que no estuvo presente.
La denuncia también afirma que se nombró a Suárez como una “Sra. Reina de belleza de Cartagena” a pesar de que nunca había ganado un concurso de belleza, solo compitió y perdió en un concurso para representar a su vecindario como parte de una celebración de la independencia colombiana. Asimismo, se afirmó que ella dirigía una escuela de modelos y traficaba a sus estudiantes con pedófilos, un relato totalmente falso.
Al final, la operación en la isla fue noticia en todo el mundo y la reputación heroica de Tim Ballard se disparó, con Suárez “trágicamente condenada por los demandados ante todo el mundo como traficante de niños/as sin ningún debido proceso o debida diligencia por parte de los demandados”.
Como consecuencia, los titulares sobre “la reina de belleza colombiana convertida en traficante” de niños/as esclavos/as arruinaron su nombre y pasó los siguientes 18 meses arrestada antes de ser liberada en espera de juicio.“El hombre que dice rescatar a niños de jaulas, colocó a un niño en una jaula durante 18 meses, por su propia fama y estrellato”, dice la denuncia.
Imagen: Fred Hayes | Getty Images
Sound of Freedom la pone como villana
Suárez comentó que toda su comunidad estaba en su contra tras la cobertura periodística inexacta sobre ella, pero que este desprecio se fortaleció luego del estreno de Sound of Freedom en el 2023, cuando el mundo volvió a ponerla como una villana al dramatizarla como “una malvada traficante de mujeres negras y ex reina de belleza” que en la cinta es llamada “Katy Giselle”.
El personaje en la película es interpretado por Yessica Borroto, quien de acuerdo a los materiales promocionales de Angel Studios enfatizaron repetidamente que está basada en la verdadera Suárez, quien no fue declarada culpable de ningún delito. Incluso, algunas vallas publicitarias y carteles en Colombia anunciaban a la película con imágenes de ella y Borroto como “La Reina de Cartagena”, lo que dio lugar a otra ronda de correos de odio y ataques personales.
Los documentos legales no solo nombran a Tim Ballard, sino también su esposa Katherine Ballard,Angel Studios, Sound of Freedom Movie LLC y VAS Portal, la compañía a través de la productora de cine financia colectivamente inversiones y ventas de sus películas con promociones potencialmente engañosas.
De igual manera, se nombra a Harmon Brothers Marketing, una agencia dirigida por los mismos dueños de Angel Stuidos, que normalmente se encarga de la publicidad de los proyectos del estudio, al igual que Fondo SPEAR, otra organización contra la trata de personas que promocionaba a Tim Ballard como uno de sus principales asesores pero, tras la demanda, lo eliminó de la página de su sitio web.
Los abogados también agregaron en la demanda al director y coguionista de Sound of Freedom, Alejandro Monteverde, así como a Janet Russon, una mujer de Utah que supuestamente proporcionó información a Tim Ballard para sus operaciones a través de sus habilidades “psíquicas”.
Ken Leung, quien interpreta al Comandante Zhao en el nuevo live-action de Avatar: The Last Airbender, no estaba familiarizado con la caricatura antes de entrar al proyecto.
De hecho, cuando le dijeron que podría participar en la serie de Avatar, pensó que estaba audicionando para aparecer en la historia de James Cameron.
Por supuesto, después de empaparse de la historia animada, entendióla importancia de la serie.
El famoso programa original de Nickelodeon,Avatar: The Last Airbender, es una de las series animadas más importantes en el mundo de la televisión desde hace dos décadas. Con una puntuación de 100% en Rotten Tomatoes, la serie tiene también novelas gráficas, cómics, libros que expanden la historia de su universo, por lo que el live-action de Netflix tenía muchas expectativas qué cumplir.
No obstante, a pesar de la fama mundial, intentos de adaptaciones, controversias y reconocimientos, el actor Ken Leung, quien es conocido por proyectos como Rush Hour, y Star Wars: The Force Awakens, aseguró que no tenía idea sobre el proyecto que preparaba la plataforma de streaming y llegó a pensar que lo estaban buscando para ser parte del universo de Avatar creado por James Cameron.
El actor no tenía idea sobre qué era Avatar: The Last Airbender
En declaraciones a Deadline durante el estreno de Avatar:The Last Airbender,el actor Ken Leung, quien interpreta al Comandante Zhao en la serie, reveló que no estaba familiarizado con el programa original animado por una cuestión tal vez generacional. “No conocía el original en absoluto. Quiero decir, ¿tal vez sea una cuestión de edad? Pero no lo sabía”, dijo.
Sumado a esto, el actor quien también ha participado en otras series como Lost, relató que cuando le informaron sobre la realización del casting, en realidad estaba prohibido decirle exactamente para qué proyecto estaba siendo considerado, de tal modo que cuando se enteró que era para algo llamado “Avatar” pensó que se trataba de la película dirigida por James Cameron.
“En primer lugar, la audición: no se podía decir que era para Avatar. Así que estaba disfrazado como un proyecto diferente. Y cuando escuché por primera vez que era para Avatar, pensé que iba a ser azul”.
Ken Leung
Sin embargo, al enterarse que en realidad se trataba de Avatar: The Last Airbender,Leung quedó encantado con el proyecto y agradece que tuvo la oportunidad de entrar sin saber nada del show animado. “Cuando entras, cuando tienes ideas, puedes corromper un proceso puro”, añadió el actor. “Cuando estas en blanco, entrarán cosas que informarán tu interpretación de hacerlo de una manera que podría no serlo si vinieras con ideas preconcebidas”.
Imagen: Alberto Rodríguez | Getty Images
¿Avatar: The Last Airbender no es lo que esperábamos?
A pocas horas de que se estrenará Avatar: The Last Airbender, el programa ya ha dado mucho de qué hablar en redes sociales y no por motivos positivos. Por ejemplo, el periodista de la BBC, Kambole Campbell, ha llamado a la serie una explotación “a nostalgia de la gente, en lugar de trabajar en sus propios términos”.
Aunque los remakes no siempre son bien recibidos por la audiencia, parece que los estudios y plataformas de streaming continúan apelando a estos proyectos precisamente por la nostalgia que siente el público pero, desafortunadamente, se pueden olvidar de las historias. Pero, para Campbell el mayor problema es que algunos proyectos animados no funcionan en el live action.
“La animación tiene flexibilidad visual; los personajes pueden transformarse de innumerables maneras según lo requiera la escena. Por lo tanto, las mismas escenas o elecciones de diseño de personajes no necesariamente funcionarán de la misma manera en live-action”.
Kambole Campbell
Por otro lado, para la crítica de Variety, Aramide Tinubu, Avatar: The Last Airbender es un programa “bellamente diseñado” pero decepcionante. “Muchas de las representaciones de la serie carecen de la emoción necesaria para transmitir un espectáculo centrado en los horrores del genocidio, la guerra y el totalitarismo”. Sin embrago, aun queda por escuchar la precepción de los fans que hasta ahorita acumula un 75% de aprobación en plataformas como Rotten Tomatoes.
Paul Sun-Hyung Lee y Daniel Dae Kim, actores que dan vida a Iroh y Ozai en el nuevo live-action de Avatar de Netflix, le contaron en exclusiva a Fuera de Foco que la serie podría explorar más a profundidad el pasado de sus personajes y la historia de la nación del fuego.
Según ellos, el pasado de Iroh y Ozai no se ha explorado antes en series animadas, pero la primera temporada cimenta el camino para poder hacerlo.
En particular, también explicaron cómo el arco de sus personajes se parece al de Zuko y Azula y por qué podría funcionar en la versión live-action.
Uno de los atributos más interesantes del nuevo live-action de Avatar: The Last Airbender, es que hizo uso de las novelas gráficas y otras historias que se crearon después de la historia original para expandir el mundo y los personajes de ese universo.
En la serie vemos un poco más sobre el cometa Sozin, del Avatar Kyoshi y hasta de personajes menos conocidos como el Avatar Kuruk a lo largo del camino de Aang (Gordon Cornier).
Pero sin duda, la representación de la nación del fuego y de personajes como el tío Iroh (Paul Sun-Hyung Lee), Ozai (Daniel Dae Kim), Azula (Elzabeth Yu) y Zuko (Dallas James Liu) son las partes más emocionantes e interesantes del nuevo live-action de Avatar.
El live-action explora ya cosas que no se habían visto en la serie animada, como la relación entre Azula y Ozai y la presión de su hija para satisfacer las expectativas de su padre. También se hace más clara el daño que el Señor del Fuego le hace a sus hijos en aras de controlar las 4 naciones y alcanzar el balance.
Y de acuerdo con lo que le contaron a Fuera de Foco Paul Sun-Hyung Lee y Daniel Dae Kim, el nuevo live-action de Avatar podría de verdad explorar un tema que ha quedado pendiente en la saga: La relación entre Iroh y Ozai y sus similitudes con la que tienen Zuko y Azula.
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¿Nunca se ha contado la historia de Iroh y Ozai?
En la serie de Avatar, Azula tiene el trono de fuego en la bolsa. Su hermano mayor Zuko, desterrado por desobedecer órdenes, está en una búsqueda incansable para encontrar el Avatar y entregarlo a su padre, pero el mismo Ozai sabe bien que, sin importar lo que pase, su hija será la heredera al trono.
Esto se asemeja un poco a la historia que hemos visto a través de novelas gráficas sobre Iroh y Ozai. Los dos hermanos compiten ferozmente por la aceptación de su padre, y al final, Ozai logra usurpar el trono y afianzarse como Señor del Fuego.
Sin embargo, todavía no se explora a profundidad la relación de Iroh y Ozai cuando estaban creciendo. En novelas gráficas, se menciona que Azulon, su padre, los sometió y siempre los puso a competir, siguiendo con la ideología de la nación del fuego que está sembrada en la idea de “la supervivencia del más fuerte”.
Y de acuerdo con lo que nos dijo Paul Sun-Hyung Lee, este podría ser un punto importante en temporadas futuras. “Tenemos la habilidad de realmente profundizar e ir más a fondo. Es algo que Daniel y yo hemos hablado, explorar esa relación, porque, como sabes, se supone que Iroh era el heredero al trono”.
Él siguió explicando que, contrario a la serie animada, en donde Iroh y Ozai realmente no interactúan entre sí. “Aquí hay una tensa aceptación sobre el por qué (Ozai) está ahí y él (Iroh) no. Hay respeto, pero hay mucho subtexto que, para mi, no se ha tocado”.
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¿Podríamos ver más de la Nación del Fuego?
La tensa relación entre Iroh y Ozai se relaciona directamente con Zuko y Azula. En la serie animada de Avatar, es un hecho que la hermana menor será la heredera del trono, pero en el live-action, se explora más la competencia y lucha que hay entre ambos, pues su padre los lleva a extremos muy duros para decidir quién merece heredar el control de la nación del fuego.
Daniel Dae Kim opinó que la historia podría adentrarse más en el pasado de la nación del fuego y cómo llegaron a ese punto. “claramente hay algo en la forma en la que Iroh y Ozai fueron criados que se traduce en la forma en la que Azula y Zuko son criados”.
Por eso, ambos actores están de acuerdo en que hay oportunidades de explorar más a fondo la relación de Iroh y Ozai cuando eran jóvenes, lo que significa que veríamos también un poco del tiempo en el que Azulon, el señor del fuego que destruyó la tribu agua del Sur, estuvo al mando de la nación del Fuego.
Sería fascinante ver a Ozai y a Iroh peleando, y ver las razones detrás de las situaciones sobre eso y cómo afecta su relación. Es algo delicioso que no hemos visto y me encantaría poder hacerlo.
Paul Sun-Hyung Lee,Fuera de Foco
Explorar con mayor profundidad la relación entre Iroh y Ozai sin duda le daría una dimensión más dramática al live-action de Avatar. Y así como se presentó un momento sumamente emotivo entre Iroh y Zuko cuando hablaron del fallecido Lu Ten, el hijo de Iroh y el primo de Zuko, ver una representación más clara sobre cómo se construyen las relaciones de la nación del fuego y cómo llegaron a dónde llegaron sería una forma muy novedosa de seguir contando la historia de esta épica saga.
Ballerina es el spin-off de John Wick, el cual contará con Ana de Armas como una agente especial quien se entrenó en el mismo lugar que el personaje interpretado por Keanu Reeves.
Ballerina originalmente iba a estrenar en Junio de 2024, sin embargo, su estreno ha sido retrasado un año, según se reportó por complicaciones tras la huelga, y más adelante, por cambios en su historia.
Sin embargo, Ian McShane quien regresa como Winston a Ballerina,aseguró que el retraso se debe a que la producción trabaja en nuevas escenas y que, contrario a los rumores, no sehicieron cambios a otras escenas ya filmadas.
Ballerina es uno de los varios spin-offs de John Wick que están por llegar al cine. Y contando con Ana de Armas en el rol protagonista, la esperada cinta retomará elementos icónicos de la franquicia de John Wick para cocinar una nueva historia de agentes y mercenarios al más puro estilo de Chad Stahelski.
Sin embargo, aunque Ballerina es uno de los proyectos sobre John Wick más esperados por la audiencia, la cinta pasó por un gran retraso, pues aunque se estimaba que estrenaría a principios de Junio de este año, oficialmente se anunció que pasaría su estreno hasta 2025.
Ante la noticia, rumores aseguraron que el retraso de Ballerina se debía a complicaciones por la huelga, aunque también a que la historia requería regrabaciones (o reshoots) debido a que sus productores no estaban tan contentos, y por lo que su elenco había sido convocado de nuevo. No obstante, ha sido Ian McShane —Winston Scott en la franquicia— quien ha decidido aclarar las verdaderas razones detrás del cambio en su estreno.
Imagen: Lionsgate
¿Ballerina marcha de acuerdo con el plan?
Durante su aparición en The One Show, el actor Ian McShane quien interpreta a Winston en la franquicia de John Wick, destacó que Ballerina no se ha retrasado por problemas en su producción, sino porque la película continúa ensamblándose con “nuevas escenas”.
“No estamos regrabando cosas, son nuevas cosas” aclaró el actor, añadiendo que las escenas nuevas están pensadas para “seguir solidificando a la franquicia y protegerla al realizar bien sus spin-offs”.
“Están filmando Ballerina, el spin-off con Ana de Armas. Y están escudándose con todo para que salga a la perfección”.
Ian McShane.
Asimismo, el actor destacó que Chad Stahelski se involucró de lleno en el spin-off para asegurarse que se mantenía bien en la calidad y espectacularidad que caracteriza a la franquicia de John Wick, destacando que su involucramiento “hará las cosas increíblemente mejores”.
Imagen: Lionsgate
¿The Continental no fue del agrado del equipo de John Wick?
Más adelante, Ian McShane señaló que el show precuela de John Wick, The Continental, fue realizado sin consultar a Reeves o a otras de las estrellas involucradas en la franquicia, por lo que no fue el resultado que los fans esperaban: “Solo fueron e hicieron una serie” señaló.
Por ello, subrayó su interés porque Ballerina sí estuviera dentro de la supervisión de las estrellas y equipo originales de John Wick, pues también requería que “la historia hiciera sentido con lo que hemos contado nosotros”.
También aseguró que el elenco congenió de gran manera con Ana de Armas, quien lidera la cinta: “Lance —en paz descanse, mi amigo— y yo, trabajamos mucho con ella, y es un gusto increíble”, además de señalar que tanto por el trabajo de la actriz como la organización del director Len Wiseman con Chad Stahelski y el resto del equipo, “se realizó todo de acuerdo al plan y a la perfección”.
Durante la ceremonia de premiación del Sindicato de Diseñadores de Vestuario, muchas personas alzaron la voz contra Hollywood.
El grupo asegura que buscan negociar mejores condiciones laborales y un respeto más grande a la paridad de género, pues aseguran que es un grave problema en su profesión.
Los estudios de Hollywood y el sindicato de diseñadores se reunirán en marzo para renegociar sus contratos, y confirmaron que están dispuestos a irse a paro en caso de que no se cumplan sus demandas.
Durante la 26ª edición de los Premios del Gremio de Diseñadores de Vestuario (CDG) que reconocen el trabajo de los artistas en el cine y la televisión de Hollywood, los miembros del gremio lanzaron la campaña Pay Equity Now que tiene como objetivo lograr la equidad salarial frente a sus jefes de departamentos creativos dominados por hombres.
Esto se produce cuando la Alianza Internacional de Empleados de Escenario Teatral (IATSE por sus siglas en inglés) y la Alianza de Productores de Cine y Televisión (AMPTP) esperan comenzar las negociaciones con el sindicato sobre su contrato con los estudios el próximo mes de marzo, de manera que se ha comenzado a hablar sobre la posibilidad de que Hollywood se enfrente a una nueva huelga si las diseñadoras no logran llegar a un acuerdo sobre sus derechos laborales.
IMAGEN: MICHAEL BUCKNER | VARIETY
Diseñadoras de Hollywood piden igualdad en salarios
El tema de la equidad salarial no es nuevo para el gremio de diseñadores/as en Hollywood, puesto que durante años, han estado luchando por lograr un cambio verdadero en una industria en donde 87% son mujeres pero los jefes de departamentos creativos son dominados por hombres. Por esta razón, el sindicato aprovechó la ceremonia anual de los premios que reconocen su talento para dar a conocer que, de no llegar a un acuerdo, podrían entrar en huelga.
De acuerdo con la iniciativa Pay Equity Now, a los/as diseñadores/as de vestuario en Hollywood se les paga casi un 30 por ciento menos que a los jefes de departamentos creativos. Esto a pesar de realizar trabajos que, según los miembros de CDG, requieren preparación, trabajo y construcción de equipo que impactan enormemente el éxito de una producción. “Tenemos que hacer esto ahora porque la brecha salarial sigue aumentando cada año”, dijo Whitney Anne Adams a Indiewire,copresidenta del sindicato.
Adams enfatizó en la importancia que tienen los/as diseñadores/as de vestuario en cualquier producción de Hollywood, no solo desde el punto de vista narrativo, sino también “para la cultura en su conjunto”. Mientras que la diseñadora Ariyela Wald-Cohain señaló que aunque su departamento se considera un “trabajo de mujeres” no reciben la misma remuneración. “Nuestros trabajos son sustancialmente similares y estamos hablando específicamente de diseñadores de producción y directores de arte”.
La directora ejecutiva del CDG, Brigitta Romanov, quien llevó un vestido estampado de Pay Equity Now en la alfombra roja, puntualizó que “la lucha continua por la justicia, la igualdad y la dignidad” será el punto más importante para las negociaciones de su nuevo contrato. “Tenemos una historia de disparidad de género y, por lo tanto, desigualdad salarial entre los/as diseñadores/as de vestuario, los/as asistentes de diseño de vestuario y los/as ilustradores/as de vestuario, y esto se debe a que el trabajo del departamento de vestuario se considera un trabajo de ‘cuello rosa'”, dijo Daniel Selon, copresidenta del sindicato.
IMAGEN: MICHAEL BUCKNER | VARIETY
Las estrellas de Hollywood muestran su apoyo
Durante la ceremonia, la actriz Wendi McLendon-Covey, quien es famosa por aparecer en películas como Damas en Guerra o The Single Moms Club, se pronunció a favor de las diseñadoras luego de presentar un premio y decir que estaba sorprendida al enterarse de las desigualdades en la escala salarial de los diseñadores/as de vestuario, pero “luego investigué un poco y me di cuenta: ‘Oh, sí, es porque es un campo dominado por las mujeres”.
De igual manera la actriz Annette Bening, que no estuvo presente pero recibió el premio Spotlight por su aprecio y defensa del diseño de vestuario a lo largo de su carrera, envió una carta en la cual reforzó su apoyo al sindicato “porque cuando se trata de diseño de vestuario, no se trata sólo de encontrar el vestido adecuado para un personaje; se trata de tener la fuerza de carácter para abordar los problemas que garantizan la capacidad de vivir la vida como un profesional creativo”.
Otras diseñadoras expusieron que muchas han tenido que mudarse a producciones en Canadá y Alemania, porque pagan mucho mejor que Hollywood. “Los diseñadores de vestuario realmente llevan la historia a la pantalla; somos narradores de historias que van más allá”, dijo la diseñadora Mandi Line “Al final del día, no se trata de enojarse, hacer groserías o pelear; simplemente es hora de que nos paguen lo que merecemos”.
Austin Butler confesó que “dejó atrás la actuación de método” para interpretar a su personaje en la segunda parte de Dune, ya que pensó que lastimaría a sus seres queridos.
El director Denis Villeneuve aseguró que solamente fue Feyd-Rautha un 25-30% del tiempo que el actor no estaba grabando en el set, dando una perspectiva diferente a la noción de “actuación de método” que se conoce en Hollywood.
Butler también reveló las intensas condiciones climatológicas que tuvieron que soportar durante la filmación de la épica película.
Mientras protagonizaba Elvis de Baz Luhrmann, AustinButler permaneció en el personaje del cantante icónico durante tres años, provocándole daños físicos, internarse en el hospital e incluso llegó a contratar a una persona experta en lenguaje para ayudarlo a quitarse el acento sureño. Por supuesto, el arduo trabajo valió la pena, ya que obtuvo elogios por su actuación, además de su primera nominación al Oscar.
Sin embargo, eso no significa que esté dispuesto a llegar a tales extremos nuevamente para darle vida al villano Feyd-Rautha enDune: Part Two,un personaje muy destacado y complejo de los libros que sin duda requiere de una gran preparación actoral. Pero, ahora, AustinButler, aclaró cuáles fueron sus tácticas para entender la psicología de su personaje y porque decidió ya no ser un “actor de método” en este proyecto en particular.
Imagen: Dave Benett | WireImage
Austin Butler estableció límites en su actuación para Dune 2
Austin Butler interpreta a Feyd-Rautha, quien es conocido por ser el cruel y sádico sobrino menor y heredero del barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) que se convertirá en el principal rival de Paul (Timothée Chalamet) en esta segunda entrega de Dune.
Aunque previamente el actor ya había experimentado sumergirse por completo en sus personajes al punto de llevarlos a su día a día, en esta ocasión Austin Butler le platicó a Los Angeles Times queno creyó que fuera oportuno hacerlo debido a que, esta vez, se trata de un villano cuyas características podrían afectar a sus seres queridos.
“Definitivamente en el pasado, con ‘Elvis’, exploré la vida en ese mundo durante tres años y era lo único en lo que pensaba día y noche. Con Feyd, sabía que eso no sería saludable para mi familia y mis amigos/as”.
Austin Butler
Así que, por razones de salud Austin Butler decidió “establecer un límite” y se dio cuenta que de manera sorprendente, esto le ayudaba a tener más libertad estre “entre la acción y el corte” porque “sabía que iba a proteger a todas las personas fuera del contexto de lo que estábamos haciendo”. Sin embargo, esto no quiere decir que la fuerte personalidad de Feyd-Rautha no llegue a su vida fuera del set, pero estaba seguro que “no iba a hacer nada peligroso fuera de ese límite, y de una manera que me permitiera profundizar más”.
Al final, el talento de Austin Butler y la tremenda dirección de Denis Villeneuve dieron como resultado que el actor pudiera dar lo mejor de sí solo cuando la cámara estaba encendida y después seguir siendo él mismo. “Cuando la cámara estaba apagada, todavía eras quizás un 25 o 30% Feyd”, añadió el director. “Lo suficiente para seguir presente y concentrarse, pero lo suficientemente alejado como para no matar a nadie en el set”.
Más allá de lograr entrar en la personalidad de un villano, Austin Butler relató en una plática con EW, que otro reto importante a vencer fue poder estar en el set de filmación de Dune porque era agotador físicamente al estar en en un desierto real que llegaba a los 100 grados fahrenheit, lo que equivale aproximadamente a 37.7 grados centígrados.
“Tenía la gorra calva puesta y estaba entre dos escenarios de sonido que eran solo estas cajas grises de paredes de 60 metros y arena. Se volvió como un microondas. Había gente que se desmayaba por un golpe de calor. Y esa fue solo mi primera semana”.
Austin Butler
Villeneuve admitió que ambas películas “se hicieron en condiciones muy duras” y todos estaban agotados, por lo que agradeció que no se filmaran ambas partes al mismo tiempo. “Tener un descanso entre ellas fue una bendición”, dice Villeneuve. “Lo primero que pensé fue rodar ambas películas juntas, pero ahora creo que habría muerto”.
Todas estas condiciones climatológicas provocaron, según Austin Butler, que el elenco y equipo de producción se ayudará aún más para sacar adelante el proyecto. “Realmente une a todo el equipo”, añadió Butler. “Hay algo muy humillante en estar en un ambiente tan incómodo”.
El actor Barry Tubb interpretó a Leonard “Wolfman” Wolfe en la película original deTop Gunde 1986.
Aunque Barry Tubb no formó parte de la secuela Top Gun: Maverick,una fotografía donde aparece su personaje junto al de Tom Cruise y el del actor Anthony Edwards aparece brevemente en la cinta.
A pesar de la brevedad de la escena, Barry Tubb ha puesto una demanda en contra de Paramount por utilizar su imagen en la secuela de Top Gun sin autorización.
Barry Tubb, quien interpretó a Leonard “Wolfman” Wolfe en la cinta de Top Gun de 1986, ha decidido poner una demanda en contra de Paramount por utilizar su imagen en la secuela Top Gun: Maverick de 2022 sin permiso.
Y es que de acuerdo al actor, la fotografía utilizada en una de las escenas de la secuela, donde su personaje aparece junto a los de Tom Cruise y Anthony Edwards, no era parte de la propiedad bajo copyright del estudio, por lo que buscará una indemnización por daños y llevar a Paramount a juicio.
Imagen: Paramount
¿Por qué Barry Tubb quiere demandar a Paramount?
En 2022, Top Gun: Maverick trajo de regreso a Tom Cruise como Peter “Maverick” Mitchell, quien asesora a una joven generación de pilotos para lograr una misión casi imposible. Situada varias décadas después a la cinta original de 1986, Top Gun: Maverick también contó con el regreso de Val Kilmer como Iceman.
Sin embargo, varios otros personajes originales de la cinta no volvieron para la secuela, pues al situarse en una generación completamente nueva, lo sucedido en la primera cinta de Top Gun fue abordado desde la nostalgia; tal como una escena donde se muestra una fotografía de Wolfman, Maverick y Goose, y la cual ahora Barry Tubb asegura no podía ser utilizada por Paramount.
Y es que en su demanda, Tubb señaló que el estudio no “pidió su autorización” para hacer uso de la imagen del actor, además de asegurar que la imagen utilizada fue alterada a partir de una fotografía tomada detrás de cámara, la cual “no conforma parte del copyright de Paramount”.
Al momento Paramount no ha respondido a las acusaciones, y del lado de los denunciantes, Tubb ha solicitado que se le compense monetariamente por los daños, además de buscar llevar al estudio a juicio.
Imagen: Paramount
¿Todos quieren un pedazo de Top Gun?
La demanda de Barry Tubb no es la primera vez que la exitosa propiedad de Paramount se ha encontrado en medio de una disputa legal. Pues semanas después de que la primera cinta de Top Gun estrenara en cines, la familia del autor cuyo artículo inspiró la cinta acusó al estudio de plagio.
La publicación, lanzada en California Magazine en 1983, fue utilizada como evidencia en contra de la película, y de hecho, se volvió a utilizar en un intento para frenar el estreno de la secuela en 2022, sumándose a otra declaración que aseguraba que Top Gun: Maverick tomó partes de otro artículo sobre la Fuerza Aérea sin permiso.
Dicha demanda asegura que la cinta copió partes del artículo de Ehud Yonay titulado Top Gun, destacando que una escena donde Maverick es empujado a pagar una ronda completa al bar por usar su teléfono fue descrita originalmente en la publicación.
Sin embargo, Joseph Kosinski respondió a la demanda asegurando que la escena fue inspirada por su propia experiencia visitando un bar en una base militar, donde fue obligado a pagar las bebidas de todos, por lo que la demanda no procedió a juicio y toda alegación en contra de Paramount fue desestimada.
Al momento se desconoce si la corte aprobará la demanda en contra de Paramount por el supuesto uso de imagen sin autorización de Tubb, aunque se espera claridad en los próximos meses.
Se reveló que la ambiciosa cinta de Borderlands no es una adaptación live-action del primer videojuego, sino la primera cinta de un universo cinematográfico más grande.
La idea es presentar historias de personajes poco conocidos y que las cintas se relacionen con el canon de los videojuegos de manera directa.
Con una producción impresionante, podría ser el inicio de una forma en la que los videojuegos y el cine se relacionan.
Finalmente esta semana se estrenó el primer vistazo de Borderlands, una película live-action basada en la serie de videojuegos del mismo nombre desarrollada por Gearbox Software que ha vendido alrededor de veintitrés millones de copias alrededor del mundo desde su estreno en 2009 y se ha consagrado con uno de los videojuegos favoritos de acción.
La película será protagonizada por Cate Blanchett como Lilith, una cazadora de tesoros que regresa a su planeta natal, Pandora, para encontrar a la hija desaparecida de un magnate junto con un grupo de aliados improbables, como un soldado, un adolescente experto en demoliciones, un robot y un científico excéntrico.
Además de la ganadora del Oscar, Borderlands cuenta con un elenco impresionante de estrellas como Kevin Hart, Jack Black, Jamie Lee Curtis, Ariana Greenblatt, Florian Munteanu, Edgar Ramírez y Gina Gershon,quienes, de acuerdo con el director, Eli Roth, podrían estar a punto de construir un nuevo universo cinematográfico.
La adaptación de Borderlands es solo la primera parte de un amplio universo
En los últimos años, las adaptaciones de videojuegos se han vuelto más populares y exitosos gracias a que los estudios se han concretado en hacer adaptaciones más fieles para los/as fanáticos/as, tal y como sucedió recientemente con The Last of Us o la película de Super Mario.Por esta razón, la adaptación de Borderlands ya está siendo muy esperada y con expectativas altas.
Si bien apenas tenemos un primer avance y los detalles son escasos, el director deBorderlands, Eli Roth, le contó en exclusiva aIGN, que la película no es simplemente una nueva versión de los juegos existentes debido a que tiene planeado crear todo un universo cinematográfico que también conviva con el videojuego en general.
“Una de las cosas interesantes de la película es que hemos creado un universo cinematográfico que convive con el universo de los videojuegos. Y, por supuesto, los personajes están ahí y son auténticos en los temas e incluso en algunas de las historias. Pero son historias independientes”.
Eli Roth
Por tal motivo el cineasta confesó que Borderlands no es precisamente la primera película, sino “la primera del Universo Cinematográfico de Borderlands” y los/as fans podrán ver algunos personajes de los videojuegos en contextos específicos. De igual forma, la película les otorga la oportunidad de profundizar en personajes que ya ubican los/as fans pero no del todo. “Nunca conociste al CEO de Atlas Corporation y conocerás a ese personaje por primera vez en la película Borderlands y su nombre es Deukalian Atlas”.
Borderlands cuenta con una producción impresionante
La adaptación de Borderlands cuenta con la aprobación del fundador de Gearbox, Randy Pitchford, quien también es productor ejecutivo de la película y afirmó que el mundo digital que conocemos de la historia ha sido plasmado para la cinta de manera muy minuciosa. “El set es tan impactante para mí, tan significativo y emotivo para mí y el equipo”.
Pitchford confesó que estaba tan encantado con todo el diseño de producción y los vestuarios que cuando se terminaron las filmaciones decidió tomar algunos de los accesorios. “Simplemente no podía dejar que lo tiraran a la basura”, añadió. “Es simplemente fenomenal que estas cosas existan ahora en el mundo real y hasta ahora solo las hemos imaginado digitalmente. Entonces es algo hermoso”.
Pero más allá de cuidar la parte del diseño, el fundador explicó que la película también cuenta con una historia muy importante en donde tratan “cosas serias” y “emociones humanas reales” al ser una narración sobre la familia que formas en lugar de la familia con la que naces y, sobre todo, de “cómo lidiar con la lealtad”. Por otro lado, por supuesto que contará con una gran dosis de comedia. “Nos gusta reír y divertirnos y nos gusta cuando las personas que disfrutan del entretenimiento que ofrecemos se divierten. Así que prepárate para reír”.
Borderlands se estrena en los cines el próximo 9 de agosto del 2024
Warner Bros acepta que su división cinematográfica tiene severos problemas, pero se convirtió en la primera empresa en hacer que su streaming genere ganancias.
Estas ganancias se fueron a aminorar su enorme deuda, y aunque son buenas noticias, no quiere decir que sea un camino estable para que la empresa se recupere.
Warner Bros lleva mucho tiempo tratando de mejorar sus libros contables, y aunque tiene signos de mejora, inversionistas en Wall Street no están tan seguros de que funcione a largo plazo.
El CEO de Warner Bros, David Zaslav, confesó que el 2023 la empresa se enfrentó con varias decepciones. Entre los pobres desempeños de Shazam 2, Blue Beetle, Aquaman 2 y hasta El Color Púrpura y controversias como Coyote vs Acme, el mundo sigue esperando ver qué resultados dan los fuertes cambios y reestructuración que atraviesa la compañía.
Pero no todo es malas noticias, Warner Bros también se ha esforzado en empujar y estabilizar MAX, su servicio de streaming que ya se convirtió en la primera plataforma de un gran estudio de Hollywood en ser rentable.
¿Qué está pasando con Warner Bros? ¿Están mejorando sus planes? ¿Cómo beneficia a cintas como Superman Legacy? ¡Les explicamos todo aquí!
¿Warner Bros por fin comienza a recuperarse?
Durante una llamada con inversionistas para hablar sobre el desempeño de Warner Bros, David Zaslav reveló que la plataforma de streaming MAX por fin presentó ganancias, pues durante todo 2023 la compañía logró aminorar la deuda de la compañía y presentar unas ganancias netas de 158 millones de dólares.
Este no es un logro menor, ya que es el primer servicio de streaming de un estudio de Hollywood que presenta ganancias. Y además, según Zaslav, los esfuerzos por ahorrar y ser más conscientes a la hora de producir contenido lograron generar más de 6,200 millones de dólares en flujo de efectivo, y de la deuda de 44 mil millones de dólares que tienen desde que Warner Bros se fusionó con Discovery, lograron pagar 5,400 mdd.
Esto lo lograron gracias al aumento de precios en su servicio de streaming, pero también por los acuerdos para licenciar su contenido en otras plataformas, sus estrategias sobre el contenido de deportes y las ideas para llevar a MAX a mercados internacionales.
Con esto, la plataforma de streaming de Warner Bros alcanzó los 97.7 millones de suscriptores, un aumento importante considerando que, a principios de año, perdió al menos 700k suscriptores.
Foto: CNBC
¿Qué le falta a Warner Bros para mejorar?
Aunque los reportes en streaming fueron benéficos, los precios de las acciones de Warner Bros cayeron 5%, esto debido a que los grupos inversionistas en Wall Street todavía no están seguros de que su mejora sea sostenible.
El incremento en sus ganancias de streaming realmente solamente representó el 4% con respecto a 2022. Y la empresa también está teniendo problemas en la división de televisión por cable, ya que la venta de espacios publicitarios sigue cayendo.
Y aunque las estrategias de ahorro lograron aminorar sus deudas, las ganancias de Warner Bros Studios cayeron 20% debido a las constantes decepciones en taquilla que enfrentó en 2023.
Al respecto, David Zaslav confesó que “tienen un plan de ataque para 2024, que implican estrategias para posicionar a MAX en el mercado internacional y una fuente creativa más robusta a lo largo de nuestra división de cine y TV”.
Pero Warner Bros tiene un largo camino por delante en 2024, y habrá que ver si sus estrategias de contenido, que incluyen a la nueva película de Joker y Furiosa, mejoran rumbo a 2025, año en el que se dará inicio al nuevo Universo de DC Comics con Superman Legacy.
