Zorro: ¿Qué hace diferente esta nueva versión?

Escrito por

La próxima serie de Prime Video, Zorro, transportará a los/as espectadores/as a una emocionante aventura llena de acción y valentía ubicada en el siglo XIX, cuando Diego de la Vega (Miguel Bernardeau) asume el papel de Zorro para desenmascarar a los asesinos de su padre y llevarlos ante la justicia. Sumado a esto, el héroe deberá enfrentarse a nuevos desafíos y entender cómo su papel afecta a California en una época de cambio constante.

Aunque la historia del Zorro ya ha sido llevada al cine y la televisión en diferentes ocasiones, esta vez han prestado especial atención en darles un espacio y representar a las mujeres de manera más acertada, así como resaltar la importancia de la mezcla de culturas. De esto y más en Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con parte del elenco de la serie. A continuación te revelamos los detalles.

Zorro: ¿Qué hace diferente esta nueva versión?
Copyright © Prime Video.

¿Zorro para nuevas generaciones?

El personaje de Zorro creado por Johnston McCulley en su novela de 1919, La maldición de Capistrano, se ha convertido es uno de los héroes mas importantes en la historia del cine y la televisión, al formar parte de numerosas historias por el que ahora es considerado como un símbolo de venganza y justicia. Por esta razón, no parece extraño que, a pesar de los años, Prime Video decida extrañar una nueva versión que promete no decepcionar.

Esta vez, la historia será contada con un equipo de talento internacional conformado por Miguel Bernardeau (Élite), Renata Notni (La Venganza de las Juanas), Dalia Xiuhcoatl (La Venganza de las Juanas), Emiliano Zurita (El baile de los 41), Andrés Almeida (Bardo. Falsa crónica de unas cuantas verdades), Cuauhtli Jiménez (S.O.Z: Soldados o Zombies) y Ana Layevska (Tríada). 

En especial, esta versión tiene una presencia femenina muy importante en donde Lolita, personaje que alguna vez interpretó Catherine Zeta Jones en el cine, es mucho más fuerte a la hora de compartir sus opiniones y no dejarse de nadie. “Eso es lo que son las mujeres”, añadió Renata Notni. “Ahora ya vemos heroínas en películas y series, antes no, antes eran mujeres que esperan al príncipe a que lleguen a rescatarlas del dragón”.

Para Renata Notni era muy importante que Lolita tuviera su propia voz en el programa y no fuera solo la pareja romántica del Zorro. “Me parece que las mujeres merecemos ser representadas como lo que somos y Lolita rompe con todos estos estereotipos y códigos sociales que existían en ese entonces”, agregó la actriz. “Esto claro es una ficción, pero estos decesos de la mujer han existido desde siempre, pero ahora ya no pedimos permiso”.

En consecuencia, la nueva serie de Zorro está más focalizada para que nuevas generaciones puedan conectar con esta historia que ya es más conocida por personas adultas de los noventas y dos mil. “Yo creo que definitivamente es una versión de Zorro que no se ha contado antes, es una historia completamente modernizada y actualizada”, explica Notni. “El poder femenimo está a la par de este protagonista hombre, está asumido, bien protagonizado eso creo que también a las nuevas generaciones no le parece extraño”, agregó Layevska.

Copyright © Prime Video.

Zorro abre un camino para hablar de temas urgentes 

Al igual que otras versiones, en Zorro los pueblos originarios tienen un gran importacia en la historia y es el personaje de Dalia Xiuhcoatl quien le da voz y deficiente sus raíces que son agredidas por la clase alta. “Son temas invisibilizados a nivel histórico y entretenimiento y es muy importante reconocer este tipo de personajes”, dijo la actriz. “Es una guerrera y se cuestiona la idea de la justicia y, hablando de las nuevas generación, son temas que ellos hablan mucho más que otras”.

De igual manera, el protagonista de la historia, Miguel Bernardeau, considera que el Zorro siempre se ha caracterizado por tratar temas como la justicia y la opresión que aún son muy actuales hoy en día. “Es algo muy real como lo son las injusticias en general y el racismo”, añadió. “Entonces creo que esta serie parte de la actualización y modernización pero habla de temas que pasaban antes y pasan ahora”. 

Asimismo, para  Cuauhtli Jiménez es muy importante destacar que la mayoría de los personajes, en particular con infantes, son de piel morena. “Entonces que puedan ver una protagonista con la que creo  se sientan identificados es un mensaje muy importante y reconocible”. Además de que el Zorro es uno de los pocos héroes que hablan español. “Nos podamos arraigar y reflejar (…)  tener la posibilidad de conocer a un superhéroe en su idioma”, agregó Almeida.

Zorro está disponible en Prime Video a partir del 19 de enero 

Copyright © Prime Video.

¿Jacob Elordi “odió” estar en la saga de The Kissing Booth?

Escrito por

En este artículo:

  • Jacob Elordi confesó que se arrepiente de haber estelarizado la trilogía de The Kissing Booth para Netflix.
  • Acepta que aceptó el proyecto porque no tenía más oportunidades y le pareció una buena forma de comenzar su carrera. Aunque realmente le parece una historia “ridícula” que no ofrece nada a la audiencia.
  • En el pasado, ya se había pronunciado en contra de la historia, y dice que no entiende a la gente que lo critica por expresar sus opiniones.

A partir de 2018, la trilogía de The Kissing Booth se convirtió en una de las películas románticas más populares de Netflix luego de posicionarse como la octava cinta original más grande de la plataforma con 203,9 millones de horas vistas en sus primeros 28 días. Además, lanzó la carrera de actores como Jacob Elordi, para después integrarse a proyectos más reconocidos por la crítica como Euphoria y, recientemente, Priscilla. 

Sin embargo, para Elordi parece que no fue una experiencia positiva ser parte de la trilogía romántica, ya que en una entrevista con GQ confesó que en realidad nunca quiso realizar The Kissing Booth y, de hecho, se arrepiente un poco de su participación. A continuación te platicamos sus razones.

Jacob Elordi
Copyright © Netflix.

Jacob Elordi critica la historia de The Kissing Booth

The Kissing Booth fue una de las primeras películas de Jacob Elordi en donde interpretó al chico malo del fútbol americano Noah Flynnm el interés amoroso de la protagonista Elle Evans (Joey King) y hermano mayor de su mejor amigo, Lee Flynn (Joel Courtney).

Si bien las películas de Netflix que fueron adaptadas de la novela homónima de Beth Reekles resultaron ser un éxito en la plataforma que provocó la realización de una trilogía completa, Jacob Elordi las calificó de “películas son ridículas” y que “no son universales. Son un escape”. 

En realidad, Jacob Elordi señaló que aceptó filmar Kissing Booth porque no se presentó otra oportunidad profesional en el camino, pero vivía con la esperanza de conseguir un mejor proyecto en el futuro, ya que la trilogía de películas no le apasionaba ni motivaba. “No tienes ideas originales y estás muerto por dentro. Así que es un buen baile para iniciar”, agregó. 

El actor también le contestó a las personas que lo han tachado de pretencioso por decir sus opiniones respecto a la historia de Kissing Booth. ¿Cómo puede ser pretencioso preocuparse por la producción?”, añadió. “La alternativa es no preocuparse y ofrecerle mierda a la audiencia, sabiendo que estás haciendo dinero con el tiempo de la gente, que es literalmente lo más valioso que tienen. ¿Cómo puede ser eso bueno?”.

Jacob Elordi
Copyright © Netflix.

¿Jacob Elordi discutió con la producción de The Kissing Booth?

Esta no es la primera vez que Jacob Elordi expresa abiertamente su arrepentimiento por las películas de The Kissing Booth. El año pasado, el actor explicó en una entrevista que presionó a Netflix para que hiciera a su personaje más similar al libro original en el cual se caracteriza por ser un joven rudo que fuma. Sin embargo, la plataforma de streaming se negó por ser una película dirigida a un público adolescente.

“Recuerdo haber dicho: ‘Él fuma en el libro. Necesito fumar. Necesita cigarrillos. Es un chico malo. Yo decía: ‘¡Esto es una mierda!’ Recuerdo haber ido a la guerra por él”. 

Jacob Elordi

El actor insistió que para él era muy importante interpretar a su personaje tal y como lo describen en el libro. Y en realidad, no entendía el conflicto de mostrar a un adolescente fumando. “¿Les estamos mintiendo a los millones de jóvenes de 14 años? Este tipo fuma nicotina. Dice aquí en la página cuatro: ¡mira! Me imagino que la gente decía cosas como: ¿Este tipo habla en serio?“.

Al final, el papel de Jacob Elordi en The Kissing Booth probablemente lo llevó conseguir la atención suficiente como para lograr un casting para el papel de Nate Jacobs en Euphoria, uno de los personajes más destacados del programa de HBO. Asimismo, años después logró uno de los papeles que lo han llevado hasta el festival de cine de Venecia con su reciente interpretación como Elvis en Priscilla, así como un papel principal en Saltburn de Emerald Fennell.

Jacob Elordi
Imagen: Jamie McCarthy/Getty Images

¿La Gen Z quiere menos historias de sexo en cine y TV?

Escrito por

  • Un estudio de la Universidad de California revela que el 48% de los encuestados de la Gen Z no están interesados en historias repletas de sexo, sino en romances y amistades platónicas.
  • Los encuestados aseguraron preferir historias feel good en lugar de producciones que romantizan la violencia e hipersexualización de sus personajes, tales como Euphoria o The Idol.
  • La Gen Z destacó la necesidad del público por tener historias sobre responsabilidad afectiva, pero también producciones que desmientan estereotipos aspiracionales y románticos, tales como los triángulos amorosos, historias estrictamente heteronormativas o historias donde sus protagonistas romantizan la explotación laboral para “alcanzar sus metas”.

De acuerdo con un nueva estudio de la Universidad de California, la Gen Z ya no está interesada en ver series y películas en donde los jóvenes sean estereotipados, mantengan relaciones tóxicas o escenas frecuentes de sexo, tal y como ha pasado en programas recientes como Euphoria y The Idol. 

En cambio, la Gen Z, busca encontrar en las historias relaciones más románticas y sanas en donde se priorice el bienestar y la responsabilidad afectiva, nombrado de ejemplo a series juveniles recientes como Stranger Things, Heartstopper y The Summer I Turned Pretty. A continuación te revelamos todos los interesantes hallazgos de la investigación.

Gen Z
Copyright © Netflix.

La Gen Z está harta de los estereotipos y relaciones poco realistas  

El estudio titulado Teens and Screens, encuestó a 1.500 adolescentes de entre 10 y 24 años para preguntarles sobre las historias que prefieren ver en la televisión y el cine, dando como resultado que, en su mayoría, ya no quieren ver escenas sexualmente explícitas, romances tóxicos, heteronormados, o estereotipados. 

“Como se demuestra en este informe, [los/as adolescentes] se han cansado de las narraciones estereotipadas y heteronormativas que valoran las relaciones románticas y/o sexuales (especialmente las que son tóxicas) y buscan más representaciones de la amistad, que es un aspecto central de la adolescencia y bienestar social”. 

Teens and Screens

Alrededor del 51.1 por ciento de la Gen Z contestó que “quieren ver más contenido centrado en amistades y relaciones platónicas”, tal y como sucedió en Stranger Things con los personajes de Robin (Maya Hawke) y Steve (Joe Keery), que si bien en un principio todo parece indicar que tendrían un típico romance heteronormado en el programa, en realidad forjaron una amistad muy fuerte. 

La Gen Z también está cansada de ver a parejas amorosas en la televisión que constantemente tienen problemas, se separan y después regresan, debido a que normaliza las relaciones tóxicas. Asimismo, no estuvieron de acuerdo en que se muestre a las mujeres envueltas en triángulos amorosos o constantemente sufriendo por un hombre. En particular, este estereotipo se ha utilizado en series adolescentes de los 2000, tales como Gossip Girl, en donde era común que los protagonistas Chuck (Ed Westwick) y Blair (Leighton Meester) mantuvieran comportamientos tóxicos y se separaran constantemente. 

Por otro lado, más allá de las relaciones tóxicas, a la Gen Z también les gustaría ver que los estereotipos raciales y el contenido aspiracional poco realista se eliminen de los medios, por ejemplo, “el trabajo duro siempre equivale al éxito, todo siempre sale perfectamente, etc”, ya que afecta a la salud mental.

Gen Z
Copyright © The CW.

La Gen Z rechaza las franquicias 

Dejando de lado las relaciones amorosas, alrededor del 56 por ciento de los encuestados pertenecientes a la Gen Z también ha dejado claro que está en contra de las “franquicias, adaptaciones y remakes” ya que prefieren el contenido original. Esto explicaría los recientes fracasos en taquilla de películas de Marvel, DC y hasta franquicias exitosas en el pasado como Indiana Jones. 

Respecto a qué les gustaría ver en el futuro en el cine y la televisión, la Gen Z contestó que temas con “contenido esperanzador y edificante con personas que superan las probabilidades”, así como “personas con vidas como la mía” y “amistad”, citando series como Stranger Things, Heartstopper y The Summer I Turned Pretty, tres programas que han sido muy exitosos en los últimos años. 

La Dra. Yalda T. Uhls, fundadora y directora de Center for Scholars & Storytellers, el departamento encargado de realizar el estudio, señaló que si bien la Gen Z quieren menos sexo en la televisión y en las películas, lo que realmente dice la investigación es que desean ver “diferentes tipos de relaciones reflejadas en los medios que ven”, debido a que buscan “modelos en el arte que consumen”. 

Aunque algunas series de televisión y películas utilizan el sexo y el romance como un medio para establecer la conexión de los personajes, según el estudio, es importante que Hollywood “reconozca que los/as adolescentes quieren historias que reflejen todo el espectro de relaciones.”

Gen Z
Copyright © Prime Video.

Cuando sea joven te invita a vivir en el presente

Escrito por

Platicamos con Natasha Dupeyrón y Michael Ronda sobre ‘Cuando sea joven’

Cuando sea joven es una película mexicana que narra la historia de Malena (Verónica Castro), una mujer de 70 años, que tiene una segunda oportunidad en la vida cuando mágicamente se convierte en su yo de 22 años (Natasha Dupeyrón). Para ocultar su verdadera identidad, Malena se hace pasar por “María” y se convierte en la cantante principal de la banda de su nieto (Michael Ronda). 

A lo largo de la película, Malena intenta realizar su sueño de cantar, el cual tuvo que abandonar en algún momento de su vida por diferentes circunstancias. Sin embargo, ahora puede retomar los planes que tenía en su mente antes de formar una familia. 

Por su parte,  Natasha Dupeyrón nos platicó que Cuando sea joven es una historia que te invita a intentar cumplir tus sueños y darte cuenta que nunca es tarde para llevarlo a cabo aunque sientes que es demasiado tarde. 

“Hoy estás en un momento de cumplir lo que tú quieras. Y yo amo ese mensaje, creo que las personas que vayan a verla, ya sean chicos o grandes, se van a sentir conmovidos con esto porque creo que nuestra cultura de pronto es como ver por los demás y no por tus sueños”. 

Natasha Dupeyrón

Malena es una mujer que se entregó durante años a su familia y terminó por olvidarse de ella misma y sus propias metas. Algo que es bastante común en los seres humanos. Por ellos, Dupeyrón considera que la película tiene un gran mensaje de comenzar a vivir en el presente. 

“Me gusta que normalmente decimos “cuando sea grande” y aquí es “cuando sea joven” es como dejar de vivir en el futuro, al contrario es hacer lo que quieras hoy y no dejarlo para después”.

Natasha Dupeyrón
Cuando sea Joven

¿Qué tiene de especial Cuando sea joven?

El tema principal de la película son las segundas oportunidades que da la vida y los lazos que podemos hacer con otras personas. Es por eso que al final, es una historia muy conmovedora que te hace replantearte tu presente, pasado y futuro.  

Por ello, Michael Ronda externo que aceptó trabajar en la película, por ser un proyecto familiar y positivo. “La verdad es que lo disfruté muchísimo”. Además, explicó que al igual que su personaje, ama la música y se ha “encontrado en momentos de decir que es imposible seguir un sueño”. 

Mientras tanto, Dupeyrón comentó que la película es especial porque te alienta a atreverte a realizar cosas que nunca te has permitido. “Siento que a partir de ahí aprender que te gusta y que no”.

Cuando sea Joven

¿Te gustaría vivir en otra época? 

La película nos remonta al pasado en una época donde los boleros en México eran populares y la forma de vivir era totalmente diferente, un detalle que terminó por encantar a Dupeyrón. “Antes las cosas estaban hechas para adorar, hoy ya todo es desechable creo que me gustaría vivir en ese momento”. 

Por su parte, Ronda agregó que le encantaría vivir en una época en donde las personas se transportaban en caballos y todo era “súper elegante” . Sin embargo, confesó que le gusta estar en el presente porque “no podría vivir sin tiktok”. 

Cuando sea joven la puedes disfrutar en los cines 
¿Qué opinan cinéfilas y cinéfilos?

¡Call Me By Your Name no es romántica según su director!

Escrito por

Luca Guadagnino piensa que Call Me By Your Name no es una película romántica, ¿por qué?

Probablemente la película más famosa de Luca Guadagnino es Call Me By Your Name, una cinta del 2017 que nos narra la historia de un adolescente conocido como Elio (Timothée Chalamet), el cual se enamora de un adulto llamado Oliver (Armie Hammer). Desde su estreno, el filme ha sido catalogado por algunos/as como romántico, sin embargo su director no está de acuerdo, tal y como reveló en una entrevista a Fantastic Man:

“La película es muy trágica. Hay personas que piensan que es romántica, pero no, porque Elio está enamorado de las mentiras de Oliver. Cuando Elio llora, lo hace por el hecho que ha sido apuñalado por la deshonestidad de Oliver, lo cual suele pasar cotidianamente en las relaciones”.

¿Por qué no filmar las escenas íntimas?

Tras lo anterior, Guadagnino argumentó que interpretar Call Me By Your Name como “una película romántica o una versión fantasiosa del amor gay” es “ridículo e irónico”, y posteriormente explicó porque en la escena donde sus protagonistas tiene relaciones sexuales no decidió filmarlos y en cambio centró la cámara en un árbol:

“En ese momento quería dejar a los enamorados tener su privacidad. No quería hacer una película sobre la lujuria de dos cuerpos. Call Me By Your Name es sobre el amor, no sobre mostrar un momento de sexo. Ese no era el punto”.

Sumado a esto, Guadagnino explicó que la decisión de no mostrar a sus protagonistas teniendo relaciones sexuales también fue derivada de buscar una narrativa que se alejara de lo cotidiano:

“Nunca intenté hacer una película para las grandes audiencias. Nunca me planteé si algo de lo que filmamos molestaría a las masas. Nadie pensó durante el rodaje que estábamos haciendo una cinta comercial sobre amor gay, o que la iban a ver muchas personas, ¿quién podría haberlo sabido? La idea detrás de no querer mostrar a dos chicos teniendo relaciones sexuales es absurda”.

Call Me By Your Name

¿Sus nuevos proyectos si son románticos?

Expuesto lo anterior, Guadagnino explicó que actualmente se encuentra trabajando en dos películas románticas: la primera es una cinta llamada Challengers, la cual nos contará el relato de un triángulo amoroso suscitado entre tres personajes interpretados por Josh O’Connor, Mike Faist, y Zendaya.

El segundo título es Bones and All, un largometraje protagonizado por una pareja caníbal que será interpretada por Timothée Chalamet y Taylor Russell, pero ¿por qué este filme si será romántico? Guadagnino lo explica de la siguiente manera:

“Me gusta pensar que Bones and All es extremadamente romántica ya que aborda el amor que se encuentra dentro de nosotros y las relaciones. Literalmente hay dos amantes caníbales, lo cual es extremo en mucho sentidos, pero lo más fuerte de este largometraje es la intensidad de los sentimientos por los que pasan estas personas, la imposibilidad del amor.”

Call Me By Your Name
Cinéfilas y cinéfilos, ¿Son fans de Call Me By Your Name?

La Fábrica de Sueños: ¿Un genérico drama romántico?

Escrito por

Si bien La Fábrica de Sueños se trata de una producción alemana, su drama romántico es propio de una típica narrativa estadounidense. 

Me considero un gran fanático de aquellas películas que dentro de su mundo, se toman el tiempo para retratar el detrás de cámaras de una filmación, pues representa un acercamiento al contexto que siempre me ha cautivado y apasionado. 

A veces, estas escenas pueden ser simples guiños decorativos para la ficción, como sucede en La La Land, donde sus protagonistas caminan y conversan mientras de fondo se esta llevando a cabo una grabación. También la aparición de los elementos que componen la producción cinematográfica pueden formar parte de un comentario metaficcional, para ejemplo el desenlace de la emotiva y personal: Dolor y Gloría de Pedro Almodóvar. 

La Fábrica de Sueños

En ocasiones las conexiones con la manera de realizar cine, pueden formar parte de la narrativa principal, tal y como se ve reflejado en una de mis películas favoritas de Martin Scorsese: La invención de Hugo Cabret, en donde el afamado cineasta estadounidense se embarca en una fantasía infantil, para rendir un homenaje -tanto en el fondo como en forma- a la historia del séptimo arte. 

Específicamente a la figura de George Méliès: el gran pionero de efectos especiales como el stop trick o la sobreimpresión, además de ser el creador de los primeros estudios cinematográficos, y el cual alcanzaría la fama en 1902 por su obra Viaje a la luna, en donde la imagen de un proyectil de cañón clavado en el ojo del satélite natural, se convertiría en un ícono de la cultura popular. 

En el mismo ámbito, aunque lejos de la maestría narrativa que caracteriza a la mayoría de filmes a cargo de Scorsese, se suscita La Fábrica de Sueños, una producción alemana que llega a salas mexicanas esta semana. 

La Fábrica de Sueños

Romance a la alemana 

La historia se centra en Emil Hellberg (Dennis Mojen) un joven que por influencia de su hermano Alex, comienza a laborar en un estudio cinematográfico alemán. Allí se enamora a primera vista de Milou (Emilia Schüle), una bailarina que funge como doble y con la cual el sentimiento será reciproco, forjando en apenas horas una profunda conexión.

Sin embargo su dinámica amorosa se verá interrumpida, cuando en ese mismo año -1961- comienza la construcción del Muro de Berlín, pero ante un amor tan fuerte como el suyo, no habrá barreras capaces de separarlos. 

La Fábrica de Sueños

El guión a cargo de Arend Remmers sitúa a sus protagonistas en un contexto interesante, tanto a nivel político como también a lo referente al detrás de bambalinas de un estudio cinematográfico, es precisamente en esto último que la mejor secuencia del filme sucede: aquella en que Emil tiene su primer contacto con este universo. 

Ahí la luminosa cinematografía del germano: Martin Schlecht, nos sitúa bajo la misma mirada de su protagonista, junto con quien nos sorprendemos de la magia que compone la realización del séptimo arte: la creación de nuevos mundos mediante el uso de efectos prácticos, la creación de los grandes sets y la diversidad de vestuarios. 

Es verdad que esta secuencia cae en un romanticismo exagerado que será el punto común que terminará definiendo la película, pero representa muy bien la ilusión que el cine provoca en las personas espectadoras.

La Fábrica de Sueños

¿Construyendo sueños?

Aunque el largometraje dirigido por Martin Schereier, coquetea con subvertir los estereotipos del género romántico en el primer encuentro entre Emil y Milou, La Fábrica de Sueños es una narrativa clásica de inicio a fin, tanto en el fondo como la forma:  diversas cámaras que se encuentran grabando varias perspectivas de una misma acción, las cuales serán intercaladas en un montaje externo que brinde la impresión de dinamismo, cuando en realidad se trata de un relato audiovisual perezoso.

Quizá lo más preocupante del filme radica en su tratamiento temático sobre el amor, el cual sitúa al romance como la única razón de vivir de ambos protagonistas, lo que los hace caricaturescos y ridículos, al enarbolar conductas tóxicas propias de viejos tiempos. 

Por lo que más que una fabrica de sueños, la obra se dedica a edificar narrativas fast food dignas de los 50’s. 

¡Las 4 peores películas de Romance!

Escrito por

Porque el romance no siempre es efectivo en San Valentín

Ha llegado la fecha más importante para festejar el amor en todos sus lenguajes. Parejas, amigos, familia se unen este 14 de Febrero para festejar el día del amor y la amistad. En esta fecha, el romance se respira y existen demasiados planes para pasar un bonito día, ver una película de amor es una excelente idea.

Respecto al romance es muy probable que más de un cinéfilo tenga su cinta romántica preferida, puede ir desde un drama hasta una película desbordante de amor. Pero como todo en lo bueno, hay un mal y por lo tanto existen algunas películas románticas que simplemente no deberían de existir. En seguida te dejamos 4 de las peores películas de romance de la historia ¿te atreverías de ver alguna de estas opciones?

4. Gigli: Una relación peligrosa. (2003)

Gigli es un producto nacido de la popularidad (en aquel entonces) de la relación entre Ben Affleck Y Jennifer López. Ya que dicha relación se encontraba en boca de todos los medios se creyó que sería una buena opción realizar una película en torno al romance de Affleck y JLo. El resultado, fue un fracaso en taquilla. Se invirtió un total de $54 millones de dólares y solo se recaudó $7.7 millones, en cierta parte la mala recaudación fue gracias a que la audiencia se encontraba cansada de escuchar y ver a esta relación en todos los medios.

El fracaso también fue gracias a una absurda trama en donde se ve envuelto un dúo de gánsters que tienen como misión secuestrar a un hombre con problemas mentales. En todo este proceso Larry Gigli (Ben Affleck) y Ricki (Jennifer López) se terminan enamorando y dejan vivir libre al secuestrado. Pudiera parecer una buena premisa para una película, aquí el gran detalle es que no existe química entre los protagonistas a pesar de ser una pareja formal en la vida real. Ante todo esto Gigli hoy en día es considerada una de las peores películas de la historia. Para colmo, se llevó 6 de 9 premios Razzie, entre ellos los premios más importantes de la noche como: Peor Película, Ben Affleck como Peor Actor, Jennifer López como peor actriz y ambos fueron nombrados la Peor Pareja en pantalla.

Romance

3. From Justin to Kelly. (2003)

A simple vista, parece que De Justin para Kelly, es un musical más, no obstante existe cierta controversia que rodea a la película y a sus protagonistas. La película contó con un presupuesto de $12 millones de dólares, pero solamente logró recaudar $4.9 millones, resultando un fracaso en taquilla. Por otra parte la critica definió a la cinta como un musical sin alma con una trama sin sentido y según los Razzies, el peor musical jamás visto dese 1980.

Uno de los principales errores de esta producción, fue haberse colgado del éxito de American Idol, para hacer una película con los participantes de dicho show y esperar que la cinta vendería por si sola, gracias esta fusión. Sin embargo, el problema más grande recae en la ganadora del Gramy, Kelly Clrackion, quien fue obligada a toda costa en ser la protagonista del filme. La cantante recuerda horrorosamente todo el proceso de grabación, ya que ella no se sentía cómoda actuando, inclusive llegó pensar que su carrera musical terminaría gracias a esta película.

2. Insólito destino. (2002)

Madonna es reconocida mundialmente por ser la reina del pop, sus logros en la música son inigualables. Sin embargo su carrera como actriz ha sufrido más tropiezos que aciertos, esto lo podemos ver reflejado en sus 7 premios Razzie como Peor Actriz, incluyendo Peor Actriz del siglo. Una de las tantas películas donde vemos a Madonna como protagonista es Insólito Destino, un remake del clásico italiano: Insólita aventura de verano.

Insólito Destino fue duramente señalada por su confuso romance el cual pretendía ser una critica dirigida a las clases sociales con un toque de aventura y comedia pero en el intento de ser todo, termina en nada y es que el director Guy Ritchie intentó replicar el drama de la cinta original. La película fue galardonada por ser el Peor Remake del 2002, además de mostrar en pantalla a la Peor Actriz y Peor pareja, entre otros premios se llevó un total 5 Razzies y 2 menciones otorgadas por The Stinkers Bad Movie Awards.

Si revisamos varios sitios web de la critica especializada, nos encontraremos con calificaciones negativas para Insólito Destino, por ejemplo en Rotten Tomatoes cuenta con un 5% de desaprobación mientras que en Metacritic tiene 18 puntos de 100; no obstante, existe cierto sector de cinéfilos que mencionan que la película no es tan mala como se menciona, por lo que han hecho valer su opinión a través del sitio web español FilmAffinity página de recomendación de películas y series.

1. The hottie and the nottie (2008)

Solamente con ver el poster de la película, sabemos que algo no va bien, luego observamos que Paris Hilton es la protagonista y así, deducir que estamos a punto de presenciar un bodrio; The Hottie and the nottie o mejor conocida en español por La Bella y La Bestia trata de Nate, un hombre que esta enamorado de Cristabel (Paris Hilton) no obstante para poder salir con ella tiene que primero lidiar con June su amiga fea.

La película intenta y fracasa rotundamente en dar un mensaje positivo. Se pretende comunicar que la belleza interior es lo importante, pero erróneamente termina por enseñarnos que si no eres Paris Hilton, no eres atractiva. Además , se hace énfasis en la importancia de tener dinero para poder alcanzar cierto estándar de belleza, esto lo vemos representado en June, a quien le ayudan pagándole varios tratamientos para lucir mejor y al final de la película Nate se termina enamorando de June.

La cinta esta rodeada de malos estereotipos, cuando vemos a Paris Hilton en pantalla todo es sexy y bonito mientras que cuando June está presente, las situaciones son grotescas, además, casi la mitad de la película los protagonistas se esmeran en recordarle a June lo fea que es. En muchos sentidos es cruel y nunca pretende ser divertido. El resultado final, es un intento de comedia romántica la cual fue duramente criticada. Actualmente, The hottie and the nottie, cuenta con una calificación de 1.9 estrellas en el portal de IMDb y 7 puntos en Metacritic. , estas criticas destructivas se ven respaldadas por el Razzie a Peor Actriz y Peor pareja en pantalla, por otro lado el Círculo Femenino de Críticos de Cine se refirió a la película como una vergüenza total. Como dato final, The Hottie and the nottie es la séptima película peor calificada de todo el portal de IMDb.

¡Cuéntenos, Cinéfilas y Cinéfilos! ¿Se atreverían a ver en pareja las peores películas de romance de la historia?

Muestra 67: Un día lluvioso en Nueva York

Escrito por

Woody Allen, siendo Woody Allen, trae “Un día lluvioso en Nueva York”

Cuando piensas en Allen, curiosamente también piensas en la bella ciudad de Nueva York, y esta cinta no es la excepción, pues en ella es posible apreciar que el amor por Manhattan sigue intacto para el director.

La película está protagonizada por Gatsby (Timothée Chalamet), personaje de carácter bohemio, que Allen utiliza para seguir mostrando su álter ego, haciendo una crítica a la doble moral que se vive en la sociedad y en la industria del cine.

De igual manera, se presenta a Ashleigh (Elle Fanning), estudiante de periodismo, que junto con Gatsby, conformarán una pareja de jóvenes entusiasmados por pasar juntos un fin de semana lluvioso en la Gran Manzana.

 

Un día lluvioso en Nueva York

Nada salió como lo planeado

Los problemas comienzan cuando Ashleigh, al tener que entrevistar a Roland Pollard (Liev Schreiber), un célebre director de cine, comienza a posponer los planes que tenía con Gatsby, quien se había dedicado a elaborar un detallado itinerario para conocer la ciudad.

Así, mientras Ashleigh se ve envuelta en la crisis existencial del famoso director, Gatsby se encuentra a un viejo compañero de escuela filmando una película para su clase, y es ahí donde conoce a Shannon, (Selena Gomez).

En Un Día Lluvioso en Nueva York, vemos como distintos acontecimientos harán que estos jóvenes comiencen a distanciarse, pero también harán que comience a cambiar su perspectiva sobre lo qué ellos creen de sí mismos y de la vida.

Un Día Lluvioso en Nueva York-2

Un Viaje Introspectivo

Gatsby, a pesar de que es un joven al que no le hace falta nada, intelectual y es un audaz jugador de póker, pertenece a un grupo social con el que no logra identificarse. Y no puede escapar de una pregunta constante: ¿quién soy? Aquí, Shannon, con mucha sobriedad y frescura, será una pieza clave para que Gatsby continúe con ese viaje de auto-descubrimiento.

Por otro lado, el gusto de Ashleigh por los hombres mayores y gracias a su pequeño romance con el actor Francisco Vega (Diego Luna), harán que se cuestione hasta qué punto puede corromper sus propios ideales.

La forma en la que avanza por separado la historia de Gatsby y Ashleigh y despúes los vuelve a unir da una pauta para reflexionar; esta bien escuchar a otros y abrirse ante un mundo de posibilidades, pero como le sucedió a Gatsby, es mejor escuchar lo que hay dentro de nosotros mismos.

 

¿Más de lo mismo?

Fue fácil apreciar en sala la manera en que las personas siguen disfrutando del sello distintivo que tiene Allen, el amor por el arte, la manera de crear un clima que envuelve al espectador, un clima que ya se conoce: lluvia,  líos amorosos, la ciudad de Nueva York; las platicas intelectuales y buenos diálogos llenos de sátira y de ironía.

Un Día Lluvioso en Nueva York ha recibido varias críticas debido a que parece que Woody Allen se reusa a salir de su zona de confort. Pero el director explota su estilo característico al máximo para entregar una gran muestra de arte.

Un Día Lluvioso en Nueva York

Veredicto

A pesar de que le director tiene la forma de contar historias un tanto inverosímil, en Un Día Lluvioso en Nueva York, la buena selección de su casting trae a pantalla una historia profunda y muy divertida.

Hay que destacar que esta película se vio opacada por diferentes factores: la demanda por parte de Woody Allen a Amazon Studios por incumplimiento de contrato, las declaraciones de Dylan Farrow sobre el director en movimientos como el #MeToo, y comentarios de artistas como Timothée Chamalet, quienes expresaron su arrepentimiento por haber trabajado con él. Pero Un Día Lluvioso en Nueva York ha logrado levantarse por sí misma y ha tenido una buena recepción en diferentes eventos, como el Festival Internacional de Cine de Morelia y la67 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nanional.

¡Y claro!, no esta de más mencionar que las actuaciones de Selena Gómez y Elle Fanning, llenan la pantalla de frescura, un gran acierto por parte de este director.

Cuéntennos Cinéfilas y Cinéfilos, ¿qué historia hanU vivido o imaginado en esta hermosa ciudad?

Cold War

Escrito por

La segunda guerra mundial ha terminado. En Polonia, Wiktor (Tomasz Kot) e Irena (Agata Kulesza) harán audiciones para formar un grupo de canto y baile regional. Así conocemos a Zula (Joanna Kulig), quien destaca de inmediato por su voz y su belleza, al menos ante los ojos de Wiktor. Después de intercambiar unas pocas frases, la atracción entre ellos es evidente.

La historia la han oído antes. Él es un hombre mayor y experimentado. Ella es una jovencita con sueños y ambiciones. Lo que hace diferente a Guerra Fría son sus personajes, el cómo los acompañaremos a través de sus vidas y el papel de la música en su relación.

El amor en tiempos de postguerra

Wiktor le pide a Zula que escapen juntos a París. Al principio ella acepta, pero cambia de opinión en el último minuto. Wiktor queda solo en un país que no conoce, con una situación política inestable. Aun así, ella va a buscarlo cuando tiene la oportunidad, y él responde agradecido de que no lo haya olvidado del todo.

Esta dinámica de reencontrarse y abandonarse sucede una y otra vez a lo largo de toda la película. Y no resulta cansada, al contrario: los personajes cambian en cada nueva reunión y deben sacar el máximo provecho a su situación para intentar hacer funcionar su relación esta vez.

La pasión entre ambos nunca se pierde. Les crees cuando dicen que se siguen amando después de tantos años, sin importar las relaciones pasadas, o actuales. Su cariño lo demuestran no sólo en los momentos íntimos que comparten juntos, sino en las decisiones difíciles que tienen que tomar para seguir con vida, para asegurar que tendrán otro día en el cual volverse a ver.

Hay que destacar la importancia de la música en Cold War. Más que un acompañamiento, evoluciona junto a la situación de los personajes. Se vuelve introspectiva, con deseos de cambio; pero también es segura y sensual a su vez.Con Zula, empieza como un inocente coro de música folclórica, hasta convertirse en un número de jazz. La voz de Kulig también muestra un cambio, se escucha más madura, y no deja duda de las emociones por las que pasa su personaje.

Historia pasional en menos de dos horas

Si bien hay otros personajes, es obvio decir que son Wiktor y Zula quienes cargan con el peso emocional de toda la historia. Ambos actores se entregan a su papel, pero es ella quien destaca. La historia nos lleva a conocer más el lado de la historia de Wiktor, pero son sus ganas de volver a ver a Zula lo que lo mueven. Y como espectadores, queremos lo mismo.

Kulig no decepciona, pues siempre se roba la pantalla. Ya sea con el encanto de su voz o el de su rostro, el talento de la chica es innegable. En otra actriz, este personaje podría volverse insoportable, pero en ella se siente sincero.

Visualmente, Guerra Fría también tiene mucho que destacar. Gracias a la fotografía de Lukasz Zal, cada encuadre luce hermoso. La pantalla cuadrada e imágenes en blanco y negro le dan cualidades que harán de esta cinta atemporal.

Se dice que esta es la gran rival de Roma en la categoría de Mejor Película Extranjera, aunque yo creo que también puede darle batalla en Mejor Fotografía. ¿Qué creen ustedes? Dejen su opinión en los comentarios.

Disobedience

Escrito por

¿Cómo se le hace frente al lugar que te vio nacer, pero que a la vez te condenó cuando no cumpliste con sus reglas?

Después de dar un sermón sobre el libre albedrío del ser humano, el rabino cae muerto ante la sorpresa de todos los presentes. A cientos de kilómetros de distancia, en Nueva York, su hija recibirá la noticia. Sin ningún conocimiento previo de una enfermedad, decide regresar a casa. Aunque quizás la idea de despedirse de su padre no sea lo que más le aterre de ese viaje.

Al llegar a Londres, Ronit (Rachel Weisz) deberá afrontar a una comunidad que la había olvidado. Aunado a los prejuicios sobre su persona: desde su vestimenta hasta las decisiones que ha tomado en su vida. Por lo que los momentos incómodos serán la constante durante toda su visita.

Pero las sorpresas no terminan ahí para ella. Primero, porque se entera de que su padre la ha olvidado por completo en su testamento.

Y  segundo, porque se reencuentra con sus amigos de la infancia: Dovid (Alessandro Nivola) y Esti (Rachel McAdams), quienes ahora están casados. ¿Acaso Esti también la ha hecho a un lado de su vida?

El libre albedrío como moraleja

Desde la primera escena con el sermón del rabino, hasta llegar casi al final de la historia (curiosamente, otra escena de sermón) el mensaje de la cinta es muy claro: los seres humanos tenemos la libertad de escoger en nuestras vidas. Pero eso no significa que será fácil, o que todo mundo estará de acuerdo con esas decisiones.

La relación entre Ronit y Esti muestra esas dos caras de la moneda. La primera, es una mujer que ha aceptado el exilio de su comunidad como una oportunidad para aceptarse. Mientras que la otra ha asumido “su papel” en la comunidad como la esposa buena y sumisa; la que se hará invisible de ser necesario.

Pero desobedecer también es una decisión; porque en la desobediencia podemos encontrarnos a nosotros mismos: Es la otra parte del libre albedrío. Aunque haya que lidiar después con las consecuencias de estos actos.

Mujeres rompiendo esquemas

“Desobediencia” es el primer largometraje en inglés del chileno Sebastián Lelio. Historia adaptada por el mismo y por Rebecca Lenkiewicz, de la obra literaria de Naomi Alderman. Quizás lo recuerden por su trabajo anterior, la cinta ganadora del premio Oscar a mejor película extranjera, “Una mujer fantástica”.

Es obvio que a Lelio le interesa retratar a mujeres que se salen de lo establecido, en búsqueda de su propia identidad. Esta vez lo hace con un trabajo de una cinematografía muy clásica y momentos tanto sutiles como intensos. Aunque si ven el tráiler sabrán que esperar de la trama de la película, el director se toma su tiempo para revelar las intenciones de sus personajes.

Y lo logra de una manera que mantiene interesado al espectador. Sentimos la incomodidad de Ronit cada vez que tiene que interactuar con su comunidad; de igual manera, la escena íntima entre las protagonistas está llena de emoción y sensualidad.

McAdams y Weisz entregan unas actuaciones de gran calidad. El final es lo único que sigue causándome confusión. Pero de nuevo: cada quien es libre de escoger lo que hace con su vida.

Cinéfilos, les recomiendo que busquen esta cinta y nos comenten que les ha parecido a ustedes.

A TI TE QUERÍA ENCONTRAR

Escrito por

A ti te quería encontrar busca explorar la Ciudad de México con el romance. El director Javier Colinas nos comenta sobre la experiencia con su elenco. En él podemos encontrar a Erick Elías (¿Qué culpa tiene el niño?). Paulette Hernández (Mis demonios nunca juraron soledad). Luis Arrieta (3 idiotas), y Concepción Martínez.

 

  • Javier, felicidades por tu película. A pesar de ser una propuesta fiel al género, ¿de qué manera le inyectaste frescura, cinematográficamente?

Cumple todos los puntos de una comedia romántica sin estar enfocada como una. Se buscó un lenguaje que rompiera las reglas. Trabajamos con Carlos Hidalgo para separar visualmente a Erick y a Eréndira al principio de la película. No hay una sola toma over the shoulder en toda la primera parte. Luego los vamos juntando. Con Erick y Paulette ocurre al revés: empiezan juntos, los vamos separando con cada toma, con cada encuadre.

Todos los temas han sido tocados, pero aquí hay algo actual. Hoy en día nos quejamos de las normas sociales: a qué edad debes casarte, encontrar el amor, etcétera. Pero son paradigmas, no realidades sociales. Abordamos el romance desde el punto de vista actual.

  • Erick, tú eres Diego, el protagonista. El que pasa por el viaje de autodescubrimiento. ¿Como trabajaste para buscar la simpatía de la audiencia antes de que tu personaje diera el cambio?

  • Escarbamos muchísimo el guion. No nos preocupamos por eso. Planteamos una historia sobre un personaje que siempre vivió en su zona de confort. Cuando viene el conflicto, si queda bien o mal como personaje no es el tema. No es por ser egoísta, pero simplemente debe buscar lo que quiere de la vida, como le aconseja su abuela en una escena.

  • ¿Hubo alguien en tu vida que ejerció ese papel?

  • Mi abuelo, él me aventaba hacia mis sueños de ser actor. En mi casa era debatirlo, probar que podía ser trabajador y decente. Él siempre me apoyaba y buscaba alivianar a los demás.

  • Concepción, tu interpretas a la abuela de Diego, y tu personaje habla sobre tomar tus propias decisiones y sujetar el timón. ¿Te recordó a algún momento de tu vida?

Sí, después de mi primer matrimonio. Pedía permiso para ir a comprar cigarros, para ver a mi mamá que vivía a dos cuadras. Tenía 28 años. Luego descubrí el teatro, la actuación, la magia del cine.

  • Paulette, tú interpretas a Julia, la prometida de Diego. Pero ¿con qué personaje te identificas más? ¿Con Lu (Eréndira Ibarra) o con Julia?

Con Lu, soy una curiosa empedernida. Quiero probar todo, quiero viajar. Y por mi familia, tengo un lado de pueblo, muy conservador, que también es de Julia. Es muy bonito, porque empiezo como Julia, y espero que termine como una Lu. Creo que estoy muy mezclada.

  • Luis, interpretas a Jerónimo, el mejor amigo de Diego (Erick). Aún en este momento se nota mucho el compañerismo entre ustedes. ¿Como fue su relación durante el rodaje?

Erick y yo no nos conocíamos. Para Javier, el director, era muy importante convencer a la audiencia de que éramos mejores amigos. Hicimos muchas dinámicas de convivencia. Nos fuimos a comer los tres, al boliche. Queríamos vender esa química y fue fácil porque Erick es un gran tipo.

  • Por último: ¿cual es su comedia romántica favorita? ¿Pensaron en alguna al actuar, escribir o dirigir esta película?

Luis: para mí es clarísima, me sirvió mucho Love Actually. Son muchas historias y en una de ellas, un personaje está enamorado de la novia de su mejor amigo, y es el caso de Jerónimo con Diego. No pasa lo mismo que en Love Actually , pero también se logra ese elemento romántico y dramático.

Concepción: no hay una en especial que te pueda decir, pero me gusta mucho como las mejores logran cautivarte.

Javier: No me inspiré en ninguna, es una película única. Pero me gusta mucho Love Actually.

Erick: Y así como lo ves, es el más cursi de todos.

Javier: ¡Por favor, Erick!

Film Stars Don’t Die in Liverpool

Escrito por

Corría el año 2000 cuando se estrenó una película sobre un joven talentoso y la maestra que lo encaminó a su pasión: el ballet. Nos referimos a “Billy Elliot” y la pareja protagónica Jamie Bell y Julie Walters.

Años después, este par de actores entrañables regresan a la pantalla, pero ahora como madre e hijo, junto a Annette Bening; quien interpreta a Gloria Grahame, una actriz de Hollywood cuya sensual y temperamental presencia iluminó una serie de clásicos del cine noir de las décadas de 1940 y 1950.

Basado en el recuerdo de Peter Turner, ex amante de Grahame;“Film Stars Don´t Die in Liverpool” es la historia biográfica de un momento determinado, en la vida de una estrella que se niega a desaparecer.

Gloria Grahame, es una actriz de mediana edad que había nacido para el cine en blanco y negro; su hermoso rostro enmarcó historias como “The Big Heat”. Pero, como ocurrió con muchas otras estrellas, el cine sonoro la ha echado a un lado; lo que la lleva a protagonizar pequeñas producciones teatrales en Inglaterra.

La película inicia con Grahame en su camerino de un teatro de Liverpool; mientras vemos cómo se va metiendo en su personaje de “The Glass Menagerie”. La manera en que Annette Bening la interpreta; con un tono de voz que arrulla y una mirada ansiosa en busca de la afirmación; nos lleva a darnos cuenta que, no es el personaje que está representando; sino la misma Grahame la que está buscando algo que necesita con urgencia.

Por su parte Peter Turner (Jamie Bell) es un británico aspirante a actor que desconoce por completo el pasado de Grahame. Junto con sus padres, Bella y Joe (Julie Walters y Kenneth Cranham); la reciben con amorosa generosidad en su casa.  Y quizás es la suma de la empatía, calidez, comprensión y soledad lo que une a Gloria y Peter en un ardoroso romance… Sin importar la diferencia de edades. Porque más allá de la pasión, son dos personas aferrándose uno al otro, para salvar sus propias vidas.

Precisamente en este hogar, con estos desconocidos que la arropan y la cuidan mientras la enfermedad la va consumiendo; es cuando Grahame descubre que no tiene otro lugar a donde ir. Que lo que tiene enfrente de si no es otra historia ajena que este interpretando.

En esta película, Bell encuentra la manera de dotar a un personaje, aparentemente débil, con un singular sentido de propósito. Su Peter es crudo y empático y siempre pendiente del momento; Gloria es lo más interesante que le ha pasado, y aprovecha la oportunidad con la ceguera de un hombre enamorado.

“Film Stars Don´t Die in Liverpool” está complementada de veteranos talentos británicos; que convierten a sus personajes en seres entrañables con historias propias, a cual más humana. Una de estas es sin duda la relación de amistad que Gloria desarrolla con los padres de Peter; en donde se le rinde culto a la complicidad que los padres suelen tener con sus hijos.

La cinta, dirigida por Paul McGuigan, logra con la actuación de sus protagonistas, que esta historia sea un verdadero placer verla. Jaime Bell siempre ha sido uno de esos actores que lo dicen todo con una mirada; con esa melancolía que es tan inmensamente enternecedora, capaz de mover el corazón del mas duro. Annete Bening por su parte encarna a un ser frágil que jamás traiciona a su personaje. Lo va construyendo desde la honestidad; enmascarando el miedo a envejecer con una sonrisa alegre y una aparente vida sin complicaciones.

En conclusión:

Aunque los espectadores sabemos que en cualquier momento ambos personajes se pueden desmoronar y caer en pedacitos a nuestro lado; no podemos dejar de ver hipnotizados, la mágica combinación de actores mostrándonos el retrato íntimo de las estrellas de cine que tanto admiramos, y cuyas vidas verdaderas nunca imaginamos.

 

 

Love, Simon

Escrito por

Love Simon es un cambio cultural.

Love, Simon es la historia de Simon Spier; un chavo de preparatoria que tiene un secreto. Cuenta con una vida feliz, amigos y familia que se preocupan por él. Pero. Simon esta entendiblemente preocupado. Si le dice el secreto a su familia, su vida ya no será la misma. Ese secreto es que, él es gay. Nunca se lo ha dicho a nadie, pero ya tiene tiempo que lo sabe.

Cuando Simon empieza a tener una relación online con alguien que también es gay, pero tampoco se lo ha dicho a nadie; Nuestro protagonista adquiere el valor de hacer muchas cosas que siempre había querido hacer, pero tenía miedo y aquí es donde comienza la historia.

yo soy simon

El mayor acierto de Love Simon, es que es una excelente historia de amor; con la cual todos se pueden relacionar. Pero contada desde el punto de vista de un hombre gay. Esto no es algo muy común, o al menos no algo que recibamos frecuentemente. Y no solo es buena por esto sino que también: Está muy bien escrita, es excelentemente actuada, hecha con muy buena dirección y es ¡GENIAL!

yo soy simon

Nick Robinson da la mejor actuación que ha tenido en su carrera hasta ahora. Interpreta al personaje de manera muy realista; sin llegar a los extremos emocionales que se ven constantemente. Gracias a esta actuación se tiene otro gran acierto en la película; Siendo este que la historia es contada de una manera original. La cual no nos está pidiendo sentir pena por el personaje de Simon. Más bien nos posiciona en un lugar, donde nos pide que intentemos sentirnos identificados con el personaje.

yo soy simon

Es increíble como esta película no te hace ver al personaje y pensar: “Pobre Simon”. Sino que más bien, te relacionas con el. Todos hemos tenido que contar algo a alguien; y nos da temor ver como reaccionara esa persona, o nuestro entorno. Para todos aquellos que fueron a la secundaria o preparatoria, resultara increíblemente fácil relacionarse con alguno, o más de uno de los personajes en esta cinta.

Esta película tiene un sentimiento de autenticidad que muchas otras en su género no tienen

Love Simon toma su tiempo para presentarnos a los personajes; ya que entre las conversaciones con amigos y familia de Simon, podemos apreciar y entender a cada uno de ellos.

yo soy simon

La parte esencial de la historia es esta relación online que tiene Simon. Ya que él tiene a sus amigos y familia; pero muy aparte, está viviendo este increíble romance con alguien que no conoce, pero lo entiende.

La cinta tiene algo malo: El antagonista.

Ya que a pesar de que hace de todo para chantajear a Simon y contarle al resto del mundo su secreto; La cinta desea que hasta cierto punto, por el sí tendríamos que sentirnos mal.

yo soy simon

En conclusión

La película es aire fresco al género. Como en el 2015 lo fue “The Age of Seventeen”. Love Simon una película ligera, divertida, e increible. Es una película que necesitábamos sin saberlo, ya que te hace entender más el mundo de ahora. El mensaje más importante que nos deja esta película, es aceptar a quienes te rodean; pero aún más importante, acéptarte y amarte a ti mismo tal y como eres.