Gana blu-rays y DVDs de Call me by your name y Darkest Hour

Dos de las cintas favoritas nominadas y ganadoras en la última edición de los Oscars ya están al alcance de tus manos.

No pierdas la oportunidad de llevarte a casa un par de DVD’s y Blu-Rays de éstas películas

Call me by you Name: Cinta ganadora a mejor guión adaptado y nominada a Mejor Película y Mejor Actor.


Darkest Hour: Con múltiples nominaciones y ganadora a Mejor Actor y Mejor Maquillaje.

Si quieres participar para llevarte uno de éstos pares realiza los siguientes pasos:
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  • Envía un screenshot comprobando que nos diste follow con el asunto “CONCURSO DVDs” a contacto@fueradefoco.com.mx; diciéndonos cuál de estas cintas es tu favorita y porqué.
  • Las primeras 3 personas en hacerlo serán las ganadoras.

No olvides que también puedes leer nuestras reseñas de las películas Call me by your name y Darkest Hour aquí en nuestra página web.

5 directoras de Hollywood que hay que seguir

Hoy se conmemora el Día Internacional de la Mujer, es por ello que desde Fuera de Foco queremos homenajear a algunas directoras de la industria del cine que han demostrado sus capacidades regalándonos memorables películas.


5. Niki Caro

La directora atrajo la atención de los medios cuando Disney dio a conocer que ella sería la encargada de dirigir el live action de Mulan. La nacida en Nueva Zelanda se caracteriza principalmente por su trabajo como guionista. Su debut en la dirección llegó en el 2002 con la cinta Whale Rider.

Tendremos que esperar hasta el 2020 para ver cómo quedará tan esperadísima adaptación.


4. Greta Gerwig

La  nominada en 2018 al premio de Mejor Director en los Óscar entra a esta lista gracias a su trabajo en la película Lady Birddonde debutó como directora obteniendo el reconocimiento mundial gracias a las buenas críticas que recibió.

No dudamos que en el futuro la joven cineasta nos regalará historias memorables.


3. Patty Jenkins

Encargada de darle al DCEU su película mejor calificada, Wonder Woman, Jenkins es una de las mujeres más conocidas en el medio gracias a su impecable trabajo con la Princesa Amazona. Además, dirigió Monster (2003), cinta que le valió el Óscar como Mejor Actriz a Charlize Theron.

Nosotros, mientras tanto, esperamos con ansias la segunda entrega de la Mujer Maravilla, que obviamente estará bajo su cargo.

2. Sofia Coppola

La hija del famoso director Francis Ford-Coppola demostró que el talento es una constante en la familia. Coppola fue nominada a los premios Óscar en 2003, en las categorías de Mejor Director y Mejor Guión Original, ganando este último. Su trabajo más conocido es Lost in Translation,  dicha cinta la consagró a nivel mundial.

De momento, su carrera se encuentra en pausa, después de haber estrenado su película The Beguiled, pero estamos seguros que regresará para sorprendernos con su maravilloso trabajo.


1. Kathryn Bigelow

La directora hizo historia al convertirse en la primer mujer en ganar el Óscar a Mejor Director en 2010, por su película The Hurt Locker, ademas de que la misma también obtuvo el premio como Mejor Película. Después, estrenó su cinta Detroit. Sabemos que se encuentra grabando nuevos proyectos que no han sido revelados.

Sin duda alguna, Bigelow escribió su nombre con letras de oro en la historia del cine, mandando el mensaje a cientos de cineastas de que ellas también pueden sobresalir en una industria que tanto les debe.


Cuéntenos, cinéfilos, ¿Han visto las películas de estas increíbles mujeres? ¿Qué directoras creen que hizo falta incluir en esta lista?

 

Las primeras declaraciones de Guillermo del Toro tras ganar el Oscar

“Al crecer en México pensé que esto nunca iba a pasar”

-Esa fue la declaración inicial del cineasta ganador del Oscar, tras haber llegado a suelo mexicano el día de ayer.

El director de The Shape of Water no dejó de mencionar a los inmigrantes, ya que para él son un pilar de la sociedad; además de dedicar su premio a los jóvenes cineastas en formación con las siguientes palabras:

“Soy un inmigrante, llevo 25 años viviendo en un país que es y esta formado por todos. Estoy muy orgulloso, quiero dedicarle esto a todos los jóvenes cineastas del mundo, no dejen de trabajar y buscar sus sueños fuera de casa”

Del Toro recalcó la importancia del cine en la sociedad; ya que considera que las películas ayudan a eliminar esas fronteras entre naciones debido a su impacto:

“Creo que lo más grande de nuestro arte e industria es borrar esas líneas en la arena, debemos seguir haciendo eso cuando el mundo nos indica que las hagamos más profundas.”

Para finalizar, el nacido en Guadalajara agradeció el apoyo de sus “compadres“; Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu:

“Me hace feliz compartir este logro con mis compadres, siempre ha existido mucha empatía entre nosotros”.


Guillermo del Toro ganó dos premios de la academia por su película The Shape of Water; obteniendo la estatuilla en las categorías de Mejor Director Mejor Película. Así, Del Toro se convierte en el tercer mexicano en obtener este galardón. Sin mencionar que 4 de los últimos 5 premios entregados a Dirección han terminado en manos de directores mexicanos.

La cinta más reciente del tapatío obtuvo un total de cuatro premios Oscar. Además de los anteriormente mencionados, también se coronó en las categorías de Mejor Banda Sonora y Mejor Diseño de Producción. 

De ésta forma, The Shape of Water fue la cinta más galardonada de la 90° edición de los Premios de la Academia.

Las Más Galardonadas del Cine En Studio Universal

Studio Universal nos tendrá preparado un especial dónde podremos ver películas cómo “La Teoría del Todo”, “El Club de los Desahuciados” y “Bastardos sin Gloria”; que han logrado grandes éxitos. Rompiendo récords en taquilla y han alcanzado los reconocimientos más importantes del cine.

Lunes 26 de Febrero

Comenzará con “La Teoría del Todo”. Podremos revivir esta emotiva historia dónde Eddie Redmayne se coronó como Mejor Actor en las premiaciones más importantes; Premios Oscar, Globo de Oro, entre muchas otras. Gracias a su magnífica interpretación del brillante astro-físico Stephen Hawking.

El especial continúa a las 10:20pm con “El Club de los Desahuciados”. Cinta independiente que obtuvo un total de 62 premios. Película biográfica, basada en la vida de Ron Woodroof; quien es diagnosticado con VIH y sólo le quedan 30 días de vida. Una increíble interpretada por Matthew McConaughey y Jared Leto; reconocidos con el galardón a Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto, respectivamente.

Martes 27 de Febrero

Tocará el turno de “Boyhood: Momentos de una Vida” este drama consolido las carreras de Patricia Arquette, premiada con el Oscar de la Academia y el Globo de Oro a Mejor Actriz; y del director Richard Linklater que logró coronarse como Mejor Director y Mejor Película de Drama en los Globos de Oro.

Tras 12 de años de grabación, narra la historia de Mason, comenzando a los 6 años, y que a medida que transcurre el tiempo, dentro y fuera de la pantalla, va creciendo hasta cumplir 18 años, momento en que entra a la Universidad, y va entendiendo la relación con sus padres divorciados, la adolescencia y todo lo que hay a su alrededor.

Miércoles 28 de Febrero

Memorias de una Geisha” cinta que logró alzarse con 3 premios Oscar, un Globo de Oro, entre otros reconocimientos, en los que destacan Mejor Vestuario y Mejor Dirección de Arte

Jueves 1 de Marzo

Para este día, tendremos en pantalla “Forrest Gump”, largometraje protagonizado por Tom Hanks; que interpreta la historia de Forrest. Un hombre con el IQ de un niño, que luchará en la guerra de Vietnam junto a su entrañable amigo “Bubba” y que incluso conocerá al presidente de los Estados Unidos. Pero para él sólo importará algo: el amor de su vida es y será Jenny, su amiga desde la infancia.

Galardonada con múltiples reconocimientos a lo mejor del cine, ésta cinta siempre será un clásico que vale la pena volver a disfrutar.

Viernes 2 de Marzo

Whiplash: Música y Obsesión” se une al especial. La película cuenta la historia de un joven músico que se esfuerza lo más que puede para llegar a lo más alto de su carrera musical como baterista de jazz, mientras un profesor de orquesta descarga sus frustraciones en él. Este drama, aclamado por la crítica obtuvo grandes reconocimientos para J.K Simmons Mejor Actor de Reparto y Damien Chazelle como Mejor Director.

Este mismo día también podremos disfrutar de “8 mille: Calle de Ilusiones”, la historia del rapero estadounidense Eminem. Ganadora de un Oscar a la Mejor Canción Original por Lose Yourself. convirtiéndose en la primera canción de hip-hop, en ganar dicho reconocimiento.

Sábado 3 de Marzo

Nos presentarán “Inquebrantable”, drama bélico dirigido por Angelina Jolie, que presenta la historia de un piloto de origen italiano, quien con otros dos miembros de su tripulación sobrevivió 47 días en una balsa, después de que su avión cayera al mar durante la II Guerra Mundial.

Tarantino no podía faltar en un especial de este tipo, por lo que ese mismo Sábado se presentará con “Bastardos sin Gloria” a las 10:30pm. Basada en una historia sobre la II Guerra Mundial, la invasión Nazi y un grupo de soldados judíos-norteamericanos conocidos como Los Bastardos. Film que logró ganar 45 galardones de las 100 nominaciones que recibió.

Domingo 4 de Marzo

Este especial llegará a su fin el Domingo con el drama “Perfume de Mujer”, en la que, Al Pacino obtuvo el Premio Oscar y el Globo de Oro al Mejor Actor, por su papel del Teniente Frank Slade.

Y a las 11:20pm con “Rescatando al Soldado Ryan”, la multipremiada cinta de Steven Spielberg. Ambientada en la II Guerra Mundial y tras la desaparición del soldado James Ryan; único superviviente de cuatro hermanos, se llevará acabo la enorme misión de ir en busca de él y su escuadrón de paracaidistas, para rescatarlos con vida.

Y tú Cinéfilo, ¿Las verás todas?

Dunkirk

Dunkirk no es otra cinta de guerra. Es una historia de supervivencia y más que nada un filme de suspenso.

-Christopher Nolan


La última cinta de Christopher Nolan ganó muchos puntos con la Academia, llegando a estar nominada para nada menos que 8 categorías este año. Por eso mismo, parece apropiado analizar los factores tras el éxito crítico de Dunkirk. ¿Será tan objetivamente buena? ¿O habremos exagerado? Averigüémoslo

Un artista evolucionando su estilo

Ya desde el inicio, parece que Nolan está tratando de renovarse como director y corregir sus defectos como guionista. En la escena inicial, simplemente muestran un folleto y unos cuantos textos para explicarnos la situación que viven los soldados británicos. Luego, unos alemanes empiezan a perseguirlos, y estos huyen aterrados. La tensión, el estrés y la necesidad de sobrevivir quedan claras desde el principio.

Lo mejor es que así se mantiene durante toda la película. Nolan finalmente entendió que no necesita llevarnos de la mano. Como espectador, debes prestarle atención y recordar cada información o detalle que te dan. Todo lo que necesitas saber te lo dicen mediante recursos más cinematográficos, en lugar de con los típicos diálogos de exposición. Dunkirk es casi una película muda, y le funciona sorpresivamente bien.

Tres historias simultáneas

La narrativa está dividida en tres historias, las cuales ocurren en distintos momentos. Algunos piensan que eso complica demasiado el montaje, pero tiene sentido si tomas en cuenta que estas coinciden varias veces. Las tres historias se desarrollan simultáneamente, y por ende, hay secuencias en que los momentos de tensión son mostrados al mismo tiempo. Eso crea una atmósfera más efectiva y atrapante, con cada escena dejándote una mayor impresión. Si Dunkerque tuviera una edición convencional, entonces habría sido fácilmente olvidada entre tantas otras películas bélicas. Pero las tres perspectivas combinan muy bien sus mejores momentos, y todas tratan temas importantes y apropiados sobre la Segunda Guerra Mundial.

El sonido justifica el precio de la función IMAX

Cabe destacar que Nolan decidió filmarla en formato IMAX. Yo pienso que esa fue la decisión correcta, porque le da mayor potencia a cada sonido. Los disparos se quedan retumbando en tus oídos, y las bombas producen un estruendo rotundo a tu alrededor. Por otro lado, la banda sonora (compuesta por Hans Zimmer) no se queda atrás. Por momentos parece casi imperceptible, y se funde bien con las escenas. Pero no debemos subestimarla. Zimmer y Nolan ya han trabajado juntos, y saben cómo complementar su trabajo. La banda sonora crea una sensación de agobio inevitable, gracias a que ambos usan uno de sus trucos más conocidos, llamado la Escala de Shepard.

La Escala de Shepard es una ilusión auditiva, en la cual escuchamos cómo un sonido va progresivamente aumentando o disminuyendo su tono de forma casi infinita. El mayor ejemplo que puedo poner de este truco utilizado en Dunkirk es cuando los aviones alemanes aparecen. Estos comienzan con un tono bajo y lejano, pero poco a poco aumentan hasta que sus sonidos inundan la escena. Abajo tienen otro ejemplo de cómo La Escala de Shepard es utilizada en la banda sonora.

Un enfoque distinto

Es verdad que Dunkirk no tiene personajes interesantes. De hecho, ni siquiera son personajes. No sabemos quiénes son, qué les gusta y necesitamos investigar sus nombres en IMDB. Eso es intencional, ya que todos son simplemente personas. Personas a la que, dependiendo de su historia, les interesa una cosa en común. Además, la simpleza de los personajes permite que cada tema se desarrolle con profundidad. Aquí no quieren romantizar la guerra, y las historias están creadas para exhibir diversas caras de este conflicto.

La lucha por sobrevivir de los soldados muestra que la guerra saca lo peor de las personas. Por el contrario, la solidaridad del Sr. Dawson (interpretado por Mark Rylance) dice que la guerra también puede sacar lo mejor de las personas (y sin dejar de ser realista, ya que el personaje de Cillian Murphy sirve para destacar los traumas que la guerra deja en los soldados). Y la trama del piloto Farrier (interpretado por Tom Hardy) retrata que el heroísmo en medio de la guerra consistió en sacrificar muchas cosas, para que otras personas pudieran vivir.

Conclusión

Dunkirk no está hecha para todo el mundo. Es una cinta bélica poco convencional, cuyo montaje puede confundir la primera vez. Su guion no tiene el mismo enfoque en los personajes que otras películas sobre la Segunda Guerra Mundial, y para algunos eso hace que se sienta fría o aburrida. Sin embargo, a quienes les funcionó la experiencia cinematográfica que Dunkirk ofrece, quedaron encantados con los resultados.

Christopher Nolan es un experto en utilizar la magia del cine, y Dunkirk es la cinta ideal para ese trabajo. Un evento fílmico, que te mantiene de principio a fin y te deja gratamente sorprendido. Una cinta bélica diferente, con un espectacular apartado técnico que merece ser reconocido. Aquí Nolan sale de su zona de confort y logra compaginar sus dotes de director y guionista como solo en el pasado lo ha hecho. ¿Es la mejor de Nolan? Pues esa pregunta queda en la opinión de cada quien. Pero para mí, es su mejor film en años, y de las mejores en su filmografía. Este año, las categorías técnicas en los Premios de la Academia están reñidas; pero espero que le den su lugar a Dunkirk, porque de verdad se lo merece.

 

 

 

Phantom Thread

Definitivamente no es una película que cambia la manera en contar historias de amor; pero sí cambia para mí el significado de enfermo de amor.


Phantom Thread o en español El Hilo Fantasma; nos cuenta la historia de un meticuloso sastre muy famoso en los años 50, quien conoce a una mujer llamada Alma. Esta se convierte primero en su musa, después en su amante, donde eventualmente los problemas llegan. Pues Reynolds Woodcock (Daniel Day Lewis) es un artista bastante serio; tanto así que yo diría que no se ve a sí mismo como diseñador de modas, sino como un artista. Opino esto ya que él se sentaba todas las mañanas con su block de dibujo, e intentaba crear diseños nuevos. Y si alguien hacia ruido, le hablaba o hasta masticaba impropiamente, interrumpía su rutina y el resto del día estaba perdido.

La actitud del artista empieza poco a poco a crear dificultades en Alma; ya que ella quiere ser amada en la misma manera en que ella lo ama a él. Ella siente que amaría poder cuidarlo y estar al pendiente de él cuando sea que el la necesitara; pero el problema viene donde realmente él no la necesita tanto o al menos aparenta no hacerlo.

Reynolds es el tipo de artista que necesita interacción humana; intercambiar ideas porque, no importa que tipo de artista seas, músico, escritos, pintor, diseñador; naturalmente todos tenemos la necesidad de conectar con alguien o algo, y tomar estas ideas para nuestros propios fines creativos.

A Reynolds no le gusta aceptar que necesita este tipo de comunicación con la gente, entonces toda su vida se la ha pasado colocando a las personas como si fueran una pieza en un tablero de ajedrez. Y él, sabiendo siempre cómo se mueve la gente y dónde esta colocada, se siente satisfecho, por así decirlo. Es así como ve la vida, y esto creó todos los conflictos en su relación.

Algunos podrán considerar Phantom Thread aburrida, porque realmente nunca pasa nada; no hay secuencias largas e intensas donde la audiencia sienta que algo gigante esta por ocurrir. Pero la actuación de Daniel Day Lewis es espectacular y lleva la cinta en sus hombros de manera excelente. Increíble la manera en que este actor desaparece en el personaje… Obviamente reconoces que es él, más que nada por su fama, pero si no lo conocieras, pensarías que el personaje aún existe.

El progreso de la cinta es sumamente lento; pero cuenta escenas que resaltan del resto por el ritmo diferente que tienen. No son tantas, pero suficientes para mantenerte atento.

Phantom Thread, más que por su historia, reluce por las actuaciones. Como ya mencionamos, Daniel Day Lewis es excelente en el papel; pero también Vicky Krieps, quien da vida a Alma; misma que resulta un personaje bastante cautivador e interesante.

La historia en simples palabras, es cómo un artista, con una mentalidad bastante cerrada y una forma de ser determinada en sí mismo, puede tener muchas dificultades al momento de aceptar a otros en su vida. También hace énfasis en cómo todos a su alrededor enfrentan dichas dificultades; luego de que llegan a apreciarlo, preocuparse por él o hasta amarlo; pues sufren porque él no los deja entrar a su vida.

Es una película sutil pero poderosa; donde lentamente una cosa conecta a otra y no siempre de la manera mas predecible. Cubre excelentemente tres aspectos de la vida: amor, trabajo y la dinámica de quién tiene el poder.

Su intención, es que al ser espectador puedas darte cuenta que al final, para llegar lejos y que tu arte trascienda; es vital tener un compañero que impulse tu creatividad y entienda por qué haces lo que haces.

Definitivamente no es una película que cambia la manera en contar historias de amor; pero sí cambia para mí el significado de enfermo de amor.

Lady Bird

Más que una película es una historia que te está contando una muy buena amiga que hace mucho no ves.

La primera escena de Lady Bird es un momento de  unión entre Christine “Lady Bird” McPherson y su mamá. Vienen de regreso de un viaje y escuchan el final de un audio libro que habían escuchado todo el camino; lloran juntas por el final y luego ríen. No pasa un minuto de esto y la conversación cambia a una discusión que termina en Lady Bird saltando del auto. Esta pequeña escena es un gran prefacio de lo que vendrá.

La historia que nos cuenta esta película no es para nada compleja. Christine está cansada de su ciudad y sueña con estudiar en Nueva York. Su madre lidia con la escasez de dinero y el desempleo de su esposo; mientras intenta convencerla de quedarse en la ciudad donde viven, Sacramento California.

La carta fuerte de Lady Bird es lo real y humana de su historia. Cada personaje de esta historia se siente real y genuino. Te invita a reflexionar que motiva a cada persona que interactúa con Christine; interpretada por Saoirse Ronan, a ser de la manera que es.  Las actuaciones son tan buenas y sutiles que es fácil perderse en la historia. A veces se puede sentir que más que una película es una historia que te está contando una muy buena amiga que hace mucho no ves.

Pareciera que no hay personaje secundario que no haya sido pensado…

La cereza del pastel sin duda es la relación de Lady Bird y su madre, Marion McPherson, interpretada con maestría por Laurie Metcalf. Cada escena donde comparten pantalla es un deleite, el ir y venir de sus diálogos, las situaciones tan comunes y las constantes peleas. Las discusiones entre ellas son recurrentes durante la trama y son la espina dorsal de la historia. La tristeza de Lady Bird al sentir que su mamá no la quiere o la apoya; la frustración de esta al verse incapaz de demostrar su cariño. No solo es desgarrador de ver si no también es muy fácil sentirse identificado.

La escritora y directora Greta Gerwig hace un trabajo fantástico desarrollando la historia de Lady Bird. Mantiene un equilibrio que se agradece mucho; no deja que la película sea solo un drama o uno más de esos filmes independientes donde al final parece no sucedió nada durante toda la historia.

En un mundo lleno de universos cinematográficos y grandes héroes de acción peleando entre sí; es una bocanada de aire fresco ver un filme que cuente una historia tan compacta, que se del tiempo de conocer a las personas. Esta historia le da al espectador razones para interesarse en cada persona que aparece en pantalla.

Porque eso logra la directora en esta película. Pareciera que no hay personaje secundario que no haya sido pensado, que haya sido puesto en pantalla para llenar un espacio de cuadro. Cada personaje sobre el cual se posa el lente de esta directora está peleando su propia batalla interna; aunque Christine sea nuestra protagonista es fácil apreciar el cariño que se le dio a la creación de cada personaje.

Pocas películas logran conectar de manera tan humana con el espectador, y aunque tal vez Lady Bird no sea la película más sorprendente técnicamente, al terminarla quería seguir viéndola. Quería saber que pasaría con todos los personajes y ese es el cumplido más grande que le puedo dar.

Directores con más premios Oscar

Ahora les toca ir con sus amigos a presumirles este conocimiento que hoy les he otorgado.


Falta aproximadamente un mes para que se celebre la 90.ª edición de los premios Oscar. Y después de darse a conocer las nominaciones en cada una de las categorías de estos premios, las apuestas comenzaron.

Como es bien sabido; el mexicano Guillermo del Toro parte como favorito para ganar el premio como mejor director por su película The Shape of WaterEl de Jalisco ya ganó el Globo de Oro y el premio del Sindicato de Directores; por lo que es más que probable que lo veamos este 4 de marzo ganando el Premio de la Academia.

Pero antes de ver si se lleva o no este premio, hemos decido hacer un micro top de los directores que más veces han ganado el Oscar como MEJOR DIRECTOR.

3. Alejandro G. Iñárritu | Clint Eastwood | Steven Spielberg | Ang Lee | Robert Wise | Fred Zinnemann, etc. (2)

Ok, ok. Aquí fue imposible sólo poner un nombre, porque hay muchos directores que ya han ganado en esta categoría en dos ocasiones. Pero, lógicamente, teníamos que poner a Alejandro González Iñárritu; pues es de dar gusto ver a un latinoamericano con la misma cantidad de Oscares que directores como Spielberg, Ang Lee y Clint Eastwood.

El mexicano ha ganado este premio por Birdman y The Revenant.


2. Frank Capra y William Wyler. (3)

Capra y Wyler comparten el segundo lugar con tres premios en esta categoría. Capra los ganó por su dirección en películas como It Happened One Night, Mr. Deeds Goes to Town y You Can’t Take It With You. Mientras que Wyler lo hizo por Mrs. Miniver, The Best Years of our lives y Ben-Hur.


1. John Ford. (4)

Este director nacido en Estados Unidos es quien más veces ha logrado el premio como mejor director. Lo hizo en cuatro ocasiones con películas como El Delator, The Grapes of Wrath, ¡Qué verde era mi valle! y The Quiet Man.


Bueno, cinéfilos, ya tienen la lista de los directores con más premios Oscar. Ahora les toca ir con sus amigos a presumirles este conocimiento que hoy les he otorgado.

Y estén bien atentos, porque pronto les traeré el top de las actrices y los actores con más premios Oscar.

¡Saludos!

Top 10 momentos incómodos en los Oscar

Hay una fecha que los fanáticos del cine esperamos cada año y es la entrega de los ¡Premios Oscar!

Este 2018 ya han sido mencionados los nominados. Ya corren las apuestas; Jimmy Kimmel debe estar preparando su monologo, buscando mejorar el del año pasado; las mujeres eligen sus vestidos (evitando todos los “Marchesa”); los hombres piensan si negro o azul marino será su color de esa noche. Y todos los cinéfilos sabemos que el próximo domingo 4 de marzo, no estamos para nadie.

Los Premios Oscar son la fiesta del cine, la gran celebración que, como cualquier evento, tiene sus momentos incómodos.

Aquí les recordamos algunos de años anteriores:

 


10. La Felicidad manifestada en saltos (1999)

En 1999 la película “La Vida es Bella” tenía siete nominaciones a los Premios Oscar, lo cual evidentemente era mucho más de lo que el director, guionista y protagonista Roberto Benigni había imaginado, se llevó tres estatuillas en las categorías de Mejor película extranjera, Mejor Música original y Mejor Actor.

Al escuchar su nombre por tercera vez saltó, corrió, gritó, río, lloró y hasta besó varias veces a Sofía Loren. Todo esto mientras personalidades como Gwyneth Paltrow, Steven Spielberg y muchos más lo miraban sorprendidos y entre risas.


9. Siempre hay que tener un discurso preparado (1999)

Gwyneth Paltrow con toda su simpatía y belleza recibe entre lágrimas el premio a la Mejor Actriz por su papel en “Shakespeare in Love” en el año 1999. Ya era tarde, incluso Jack Nicholson comento cuando presento a las nominadas “Si lo sé, están cansados y por eso no hablaré mucho”. Pero la Srita. Paltrow tenía otros planes en mente y habló, lloró, mencionó y agradeció por cerca de 10 minutos!!!


8. En las alfombras rojas suelen pasar cosas muy extrañas, MUY. (2001)

El vestido que uso  Björk en esta edición de los Premios Oscar, no es solo uno de los conjuntos de alfombras más emblemáticos de la historia, sino también entre los más criticados. La gente que pensó que “había sufrido un accidente incómodo” mientras caminaba hacia el lugar de la ceremonia se sorprendió al ver que ella soltó un gran huevo a propósito, de su vestido de cisne.


7. No todos los besos son de película (2003)

Ser ganador por primera vez te lleva a pasar por todos los estados de ánimo mientras vas camino al escenario a recibir tu premio… o al menos eso le ocurrió a Adrien Brody.

En 2003 Brody tomó a todos por sorpresa (especialmente a Halle Berry) cuando envolvió a la actriz en sus brazos por un beso largo luego de ganar un Oscar como Mejor Actor por “The Pianist”.

Años después Berry confeso en una entrevista que lo primero que pensó fue: “Que coño está pasando… ahora mismo” y reacciono por empatía porque entendía muy bien la emoción de Brody en ese momento.


6. Sin química no hay conducción (2011)

Para la ceremonia del 2011 los anfitriones fueron elegidos en un afán de llegar a un público más joven, desafortunadamente muchos estuvimos de acuerdo en que la combinación Anne Hathaway y James Franco fue un rotundo fracaso: bromas imprevistas, una completa falta de comunicación y algunos comentarios decididamente incómodos.

Hathaway hizo un esfuerzo honesto, e incluso parecía que estaba tratando de compensar en exceso a Franco, quien en el mejor de los casos podría describirse como alguien completamente desinteresado con una actitud de “lo último que quiero es estar aquí”.


5. La experiencia no es una garantía (2012)

La premiación del 2012 empezó con contratiempos desde que Brett Ratner renuncio por hacer comentarios homófobos, con él se fue también Eddie Murphy quien ya había sido seleccionado para conducir. Billy Crystal había sido el anfitrión nueve veces anteriores, así que era la elección segura.

Desafortunadamente, cuando Crystal recurrió a la imitación de Sammy Davis Jr. durante su número de apertura, aprendió de la peor manera que la sensibilidad del espectador sobre ponerse la cara negra ha cambiado significativamente desde la década de 1990. Más tarde, después de que Octavia Spencer ganara el premio como  Mejor Actriz de Reparto, Crystal bromeó: “Después de ver ‘The Help’, solo quería abrazar a la primera mujer negra que vi. Que desde Beverly Hills está a unos 45 minutos en coche.” Para muchos, fueron comentarios absolutamente innecesarios.


4. Un vestido puede hacerte la noche… o destrozártela (2013)

En 2013, el sueño de Anne Hathaway se hizo realidad: ganó un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto en “Les Miserables”. Pero nadie lo recuerda, porque lo hizo con un vestido rosa pálido que se ajustaba a su busto. Como ella misma explicó más tarde: “Parece que mis pezones son duros”

El vestido causó tanta sensación en redes sociales que Hathaway llegó incluso a hacer una declaración oficial sobre el vestido, explicando que era una elección de último minuto después de que los otros dos que ella había elegido previamente fueran usados ​​por otras personas.

Hathaway considera este uno de los dos peores momentos que le han pasado en los Premios Oscar… el otro peor momento ya sabemos cual fue.


3. Como caerse en los Oscars y no morir en el intento (2013)

Jennifer Lawrence se ganó aún más el cariño del público después de que se tropezó con su vestido de Dior y se revolvió cuando se dirigía al escenario para recoger su Oscar a la Mejor Actriz en 2013, otorgado por su actuación en “Silver Linings Playbook”.

Luego procedió a caerse de nuevo en la ceremonia del año siguiente, aunque esta vez, fue en la alfombra roja.


2. Segunda máxima pesadilla: pronunciar mal un nombre (2014)

Este año John Travolta fue invitado a presentar una de las canciones nominadas al Oscar, el tema “Let It Go” de “Frozen”  (que se llevaría el premio esa noche) interpretado por Idina Menzel. Pero Travolta olvido por completo la pronunciación del nombre y termino presentando a ´Adele Dazeem´. Fueron tantos sus intentos por explicar que fue lo que paso, que hasta Goldie Hawn salió involucrada


1. La máxima pesadilla: presentar al ganador equivocado (2017)

Era el final de la ceremonia, solo faltaba escuchar quien ganaría como Mejor Película. Warren Beatty y Faye Dunaway eran los responsables de mencionar a la ganadora, abren el sobre y Dunaway anuncia “La La Land” como la triunfadora, suben todos productores y demás a recibir, empiezan los discursos y un angustiado stagehand comienza a notificar que ha habido un error de sobre y “Moonlight” era la ganadora real del premio. Pero no todo termino ahí, ya que Jimmy Kimmel trato de aligerar la situación mientras Beatty daba una explicación aún más confusa.


Con estos bizarros momentos en nuestra memoria, preparémonos para ver que sorpresas nos deparan los Premios Oscar 2018.

Yo, Tonya

Yo, Tonya es un gran trabajo. Uno que se aleja de lo convencional para estudiar a la persona que vivió estos eventos, como cualquier biopic debería.

 

Tonya Harding era una figura polémica y polarizante. La amabas, o la odiabas. Así que hacer una película basada en su vida no es tarea fácil; porque resulta que la gente quiere la verdad. Quieren poder señalarla y decir ‘’ella es buena’’ o ‘’ella es mala’’ con total seguridad… Pero nunca hubo una verdad.

Desde allí parte Yo, Tonya. Un biopic que, desde el inicio, reconoce estar basado en dos entrevistas muy contradictorias, hechas a Tonya Harding y Jeff Gillooly. Ante semejante diatriba, el guionista Steven Rogers tomó la mejor alternativa posible: estudiar a su protagonista. En lugar de ser un biopic genérico que muestre toda la vida de su protagonista sin profundizar, aquí se incluyen momentos importantes en la vida de Harding, todos con la finalidad de profundizar en ella.

Pasando a las actuaciones, debo decir que el trío protagonista hace un trabajo excelente. Sebastian Stan finalmente nos demuestra que puede ser un actor bastante competente fuera de Marvel; ya que logra captar toda la ira, ignorancia y torpeza del verdadero Jeff. También está Allison Janney como la madre de Tonya, LaVona Golden, con un papel mucho más complejo de interpretar. A la verdadera Sra. Golden no pudieron contactarla antes de hacer esta película, por lo que solamente pudieron retratar lo que Harding les dijo sobre su madre. Pero, objetivamente, se ve que buscaban pintar a LaVona Golden como la peor madre de la historia; y bajo esa narrativa específica, Allison Janney hace un trabajo increíble. Ella termina siendo una mujer terrible, cuyo maltrato hacia su hija la afectaría de por vida.

Me gusta que, al inicio, estos dos no tengan ni idea de cómo ser novios.

 

Pero párrafo aparte para Margot Robbie. Sé que Allison Janey ha sido la favorita de muchos, pero para mí, aquí Margot Robbie es la estrella. Robbie encarna a Harding de forma espectacular, y da la mejor actuación de su carrera (sí, incluso mejor que en Suicide Squad. Ya lo dije). Ella nos muestra a una Harding tan polarizante como siempre, con su vocabulario de camionero y carácter hostil, pero con toques de empatía y lástima que nos hacen sentir mal por ella cuando conocemos la absurda cantidad de maltratos que vivió. También incluye todos los problemas internos que probablemente Harding tuvo, y todos ellos son capturados cuando Tonya, antes de participar en los Juegos Olímpicos, se quiebra emocionalmente mientras trata de maquillarse y se obliga a fingir una sonrisa. Al mismo tiempo, que Margot se pusiera en forma para el papel y aprendiera a patinar es un plus.

Un Óscar para esta mujer, por favor.

 

Aunque las secuencias de patinaje no son perfectas, y quienes ya la hayan visto sabrán por qué. Margot no podía hacer todos los saltos que Harding solía hacer, lo cual es comprensible. Pero recurrieron a un pobre manejo del CGI para recrear dichos saltos. Sobre todo porque distrae demasiado de las escenas, y en lugar de concentrarnos en lo bien que patina esta mujer, vemos una cabeza flotando en el cuerpo equivocado.

Por otro lado, la dirección de Craig Gillespie es efectiva, y logra contarnos lo que quiere sin afectar el ritmo del film. Las transiciones de un evento a otro son destacables, ya que el director recurre a la utilización de montajes. Estos no son especiales, pero a veces los personajes romperán la cuarta pared para darnos información resumida que aporte al montaje. Romper la cuarta pared es complicado, pero aquí lo manejan apropiadamente, y se los reconozco.

El maquillaje también es bastante bueno.

 

Pero hablemos de la violencia, ya que ese es otro de los puntos claves que nos quieren contar. A Tonya la maltrataron de distintas formas, y eso la hizo adicta a la violencia sin que ella lo supiera. La película da bastantes ejemplos de cómo Harding nunca pudo alejarse de la violencia. Y de hecho, al final Harding acepta su suerte y abraza la violencia como una compañera de toda la vida.

En conclusión, Yo, Tonya es un gran trabajo. Uno que se aleja de lo convencional para estudiar a la persona que vivió estos eventos, como cualquier biopic debería. No es perfecta, pero si está en sus cines, les aconsejo encarecidamente que vayan a verla. Ojalá que les guste tanto como a mí.

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