¡Netflix firma acuerdo histórico con artistas Alemanes!

En este artículo: 

  • Netflix acordó que pagará regalías a los/as artistas de una serie o película dependiendo de las reproducciones que tenga. 
  • Esta es la primera vez que el gigante del streaming establece una medida estándar para medir el éxito de una producción original. 
  • Esto podría cambiar toda la industria del streaming y es un precedente importante a favor de las huelgas de Hollywood, quienes exigen el pago de regalías y mayor transparencia de datos.

Netflix firmó un nuevo acuerdo de remuneración económica para los/as artistas alemanes en conjunto con United Services Union (Verdi), el principal sindicato del sector de servicios de Alemania, y la Asociación Federal de Actores de Alemania (BFFS), para pagar regalías adicionales gracias al éxito de sus producciones locales. 

De acuerdo con Variety, dichas regalías estarán destinadas a los talentos que trabajan delante y detrás de la cámara en las series y se basarán de acuerdo a la cantidad de reproducciones realizadas por la serie en la plataforma de streaming.

El acuerdo no solo es un logro para los/as artistas alemanes, sino que también el sindicato aseguró que este es el primer paso para lograr que todas las plataformas paguen regalías en su país.

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¿Cómo pagará Netflix las regalías en Alemania?

El acuerdo de Netflix se alinea con los derechos que la Directiva de la UE (Unión Europea) ha estado peleando por sus artistas en el mercado digital, cuyo objetivo es lograr que todos sus creadores/as (cineastas, escritores, compositores, músicos, etc) sean reconocidos/as y protegidos/as por su trabajo. De modo que ahora todos los directores, directores de fotografía, actores, editores y maquilladores, así como diseñadores de escenografía, vestuario y sonido tendrán derecho a recibir regalías. 

Netflix describió a este acuerdo como “un hito para la industria del cine y la televisión”, con el cual garantizarán que todos los/as colaboradores/as de una producción se beneficien cuando un programa es reproducido en la plataforma.

Si bien no especificaron el porcentaje que será remunerado, señalaron que estará alineado al éxito de cada temporada individual de una serie que se pagará como un monto total y luego se distribuirá a todas las partes autorizadas. 

Para que Netflix tome en cuenta una reproducción del programa, el espectador tendrá que ver el 90% de la temporada de una serie y las regalías se pagarán cuando se alcance la meta de de los 10 millones de reproducciones a nivel global. Si se alcanza este número varias veces, el importe se abonará con la misma frecuencia.

Sin embargo, en caso de que un programa no alcance dicho número de reproducciones en un tiempo específico, se abonará una parte proporcional del importe fijo correspondiente al número de reproducciones alcanzadas.

Por su parte, Rachel C. Schumacher, quien es la asesora principal de relaciones laborales internacionales de Netflix, comentó que garantizar una remuneración justa y adecuada “es de vital importancia para nosotros”, dado que es importante mantener una buena relación con todos los/as creadores/as de los programas. “Creemos que es la piedra angular de nuestra relación con los artistas y de una asociación sostenible y de confianza con la escena creativa alemana”.

El acuerdo con Netflix podría marcar una gran diferencia en la industria a nivel mundial, ya que en un contexto en donde los sindicatos Hollywoodenses se encuentran en paro por exigir derechos laborales, Alemania ha logrado que por lo menos una plataforma de streaming se comprometa a pagar regalías de acuerdo a las reproducciones que tenga un programa o película dentro de su territorio.

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¿Por qué el acuerdo de Netflix es importante?

No se puede negar que las series de Netflix alemanas como Dark, Dogs of Berlin y How to Sell Drugs Online (Fast), son una de las más famosas de la plataforma a nivel global, de modo que reconocer el trabajo de sus creadores es solo el principio para llegar a que más plataformas de streaming firmen acuerdos de remuneración económica. 

Mientras tanto, Christoph Schmitz, quien es miembro de la junta directiva nacional de Verdi, dijo que el acuerdo representaba “una solución clara y no burocrática de las reclamaciones por una remuneración adicional significativa para los/as creativos/as cinematográficos”. Asimismo, muestra cómo las personas en el medio y los servicios de streaming, pueden beneficiarse “de una ley de derechos de autor que funcione bien” para ambas partes.  

Se espera que, con el tiempo, Netflix logre acuerdos similares en otros estados miembros de la Unión Europea a medida que se avance en los derechos de autor en el mercado digital. Por lo mientras, la plataforma de streaming también firmó un acuerdo similar en Suecia.

Estos cambios son importantes porque van de la mano con lo que pelean las huelgas de guionistas y artistas en Hollywood. Históricamente, Netflix les ha pagado un salario mayor a sus artistas, pero nunca ha publicado datos duros sobre el número exacto de reproducciones que tienen sus películas y series ni cómo se traduce eso en ganancias para la compañía, por lo que en estos momentos están luchando por un plan de regalías y licencias dependiendo de qué tan exitoso sea su producción.

Por eso, realmente nunca ha pagado regalías ni se ha creado un estándar de conversión directa entre visualizaciones, tiempo de reproducción, popularidad de un producto y sus ganancias. Los nuevos acuerdos sin duda podrán sentar un precedente importante para las huelgas de Hollywood y podrían empujar por que la industria del streaming sea más transparente.

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¡Lupita Nyong’o rinde homenaje a Chadwick Boseman!

En este artículo: 

  • Lupita Nyong’o rindió tributo a su compañero Chadwick Boseman en el tercer aniversario de su lamentable muerte. 
  • La prematura partida del actor hizo que tuvieran que reescribir el guion de Black Panther: Wakanda Forever, para poder rendirle homenaje dentro de la historia de Marvel. 
  • Chadwick Boseman ha sido reconocido aún después de su triste deceso, y el próximo año será condecorado con una estrella en el Paseo de la fama en Hollywood.

Lupita Nyong’o escribió unas palabras a través de su cuenta de Instagram para su amigo y compañero de reparto de Black Panther, Chadwick Boseman, quien falleció hace tres años a la edad de 43 años a causa de un cáncer de colon. 

La actriz ganadora del Oscar reveló que después de la muerte de Boseman le llevó meses volver a confiar “en el sentimiento de alegría” al no saber cómo procesar su partida, pero el amor “generado por la vida que vivió” hace que cada aniversario recuerde todos los momentos que compartió junto a él. “Puede que Chadwick ya no esté en nuestras fotos, pero siempre estará en nuestros corazones”.

Lupita Nyongo
IMAGEN: JEFF VESPA/WIREIMAGE

Lupita Nyong’o comparte sus recuerdos de Chadwick Boseman

Lupita Nyong’o acompañó su publicación junto a una fotografía que tomó en Corea del Sur en 2018 cuando estaban aprendiendo a “hacer el corazón con los dedos” y en donde pasaron “72 horas gloriosas y llenas de alegría.”. Sin embargo, escribió que su partida aún es un recuerdo que le genera dolor. “La muerte es difícil de entender, tal vez incluso más difícil de aceptar” agregó Lupita Nyong’o.

Esta no es la primera vez que Lupita Nyong’o  habla sobre la inesperada muerte de Chadwick Boseman. En 2021, la actriz comentó que todavía era muy difícil sobrellevar el duelo mientras filmaba la secuela de Black Panther: Wakanda Forever, pero que el guionista y director Ryan Coogler, había hecho un estupendo trabajo para homenajear al actor en la trama de la secuela. 

“Su idea, la forma en que reformuló la segunda película es muy respetuosa con la pérdida que todos hemos experimentado como elenco y como mundo. Por eso se siente espiritual y emocionalmente correcto hacer esto”. 

Lupita Nyong’o para The Hollywood Reporter

Al inicio de Black Panther: Wakanda Forever que se estrenó en los cines en noviembre de 2022, el equipo decidió despedir al personaje de Chadwick Boseman dentro de la historia de la cinta para “honrar lo que él comenzó con nosotros y mantener su luz a través de ello”, una escena que sin duda es la más sentimental de la película. “Porque nos dejó mucha luz en la que todavía nos vamos a bañar. Lo sé con seguridad”, agregó la actriz.

Sin embargo, este no era el final planeado para Black Panther, ya que en entrevista previa, Ryan Cooler comentó que la secuela iba a ser protagonizada enteramente por el personaje de T’Challa, pero desaforadamente se tuvo que reescribir. “El primer borrador era como un vehículo para T’Challa”, añadió. “Ya habíamos presentado el mundo, ahora queríamos meternos en la mente de este tipo lo más que pudiéramos y ver las consecuencias de la decisión que tuvo cuando dijo la verdad sobre Wakanda”.

Lupita Nyong'o
IMAGEN: INSTAGRAM LUPITA NYONG’O

Chadwick Boseman tendrá una estrella en el paseo de la fama

El mes pasado, Ellen K, presidenta del Comité de Selección del Paseo de la Fama, anunció que Chadwick Boseman recibirá una estrella póstuma el próximo año para reconocer su carrera en la cual cosechó grandes éxitos.

El actor ganó de manera póstuma un premio Emmy por prestar su voz en la serie de televisión animada What If?, así como el premio de Screen Actors guild y una nominación al Oscar por Ma Rainey’s Black Bottom, en donde dio vida a Levee Green.

Otras celebridades que también recibirán su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood el próximo año serán las actrices Gal Gadot,  conocida por su personaje de Wonder Woman; y Michelle Yeoh, quien fue la ganadora del Oscar a Mejor Actriz de este año por su papel en Everything Everywhere All at Once. Del mismo modo recibirá su estrella Kevin Feige, quien ha sido el presidente de Marvel Studios y el productor principal del Universo cinematográfico de Marvel desde el 2007

También se destaca el nombre de otros actores de Hollywood como Christina Ricci, Maggie Gyllenhaal, Chris Pine y las celebridades Charles Fox, Sammy Hagar, Brandy Norwood, entre otros.

Lupita Nyong'o
IMAGEN: ALBERTO E. RODRÍGUEZ/GETTY IMAGES 

Hijos de Perra: ¿Por qué debe verse en el cine?

Lo que debes saber: 

El director de Hijos de Perra, Josh Greenbaum, le platicó a Fuera de Foco por qué la película es más profunda de lo que parece y las razones por las que se debe ver en el cine.

Hijos de Perra (Strays) es una película muy especial. Dirigida por Josh Greenbaum, la mente detrás de historias como The New Girl, esta comedia pretende usar las historias sobre perros y la amistad que tenemos con los mejores amigos de la humanidad desde otra perspectiva. 

Protagonizada por Jamie Foxx y Will Ferrell en las voces en inglés, Hijos de Perra cuenta la historia de Reggie (Ricardo O’Farril en español), un perrito que, después de darse cuenta que su dueño intentó abandonarlo, se junta con un grupo de perros que lo ayudarán a encontrar el camino a casa para tomar venganza. 

En su camino, se encuentra con Bug (Carlos Ballarta), un perro callejero que le muestra lo que significa ser libre y tener una buena relación, Hijos de Perra es una curiosa propuesta que sí ofrece algo diferente en el cine. 

En Fuera de Foco, tuvimos la oportunidad de platicar con el director sobre lo que hace diferente a Hijos de Perra y por qué vale la pena irla a ver al cine. 

Hijos de Perra
Copyright @ Universal Pictures

¿De dónde salió la historia de Hijos de Perra? 

Cuando pensamos en películas sobre perros, pensamos siempre en cintas como Marley y Yo, Dog’s Purpose o Hachiko, historias que nos muestran la lealtad y la gran relación que podemos tener con nuestros compañeros/as de 4 patas. Y usualmente, son historias conmovedoras que hacen llorar a más de una persona. 

Al respecto, el director Josh Greenbaum nos comentó que el guionista Dan Perrault le propuso (American Vandal) “y tenía bromas maravillosas que de verdad aprovechaban la idea de una película sobre perros, pero además era evidente que había algo mucho más en el fondo de una comedia irreverente”.

El doblaje de Hijos de Perra resulta muy divertido, ya que la simpatía de personas como Ballarta y Michelle Rodríguez combina a la perfección con los dobles sentidos y los juegos de palabras que la hacen obscena, pero con bromas muy bien ejecutadas. Ambos estanduperos le contaron a Fuera de Foco que eso se logró gracias a la libertad que tuvieron para construir a sus personajes con la voz. 

Pero dentro del viaje de Hijos de Perra, el director nos comentó que pronto se dieron cuenta que podían explorar una historia mucho más emotiva y real.

“se convirtió en una oportunidad para explorar también cómo es estar en una relación tóxica y cómo nuestros amigos son quienes se convierten en nuestro más grande apoyo para que podamos volver a encontrar nuestro valor”.

Josh Greenbaum, Fuera de Foco

A través de loquísimas experiencias, Reggie tiene que irse dando cuenta de que la relación con su dueño no es la mejor. “Y aunque nos esforzamos mucho por mantener la historia rara y divertida, no queríamos alejarnos de su corazón, en donde comparamos de cierta forma dos filosofías: la de Reggie, que es un perrito listo para amar a cualquiera; y la de Bug, que es mucho más cerrado”. 

El director dijo que la idea de Hijos de Perra “se puede resumir en que es mejor haber amado y perdido que nunca haber amado” y alabó el gran trabajó de voz que también hicieron Will Ferrell y Jamie Foxx en el doblaje original. 

Hijos de Perra
Copyright @ Universal Pictures

¿Por qué Hijos de Perra se tiene que ver en el cine? 

El director nos confesó que a él le parece que Hijos de Perra “es un milagro”, ya que no pensó que podían materializarla en el cine. “El hecho de que pudimos hacerla y que va a llegar a los cines de todo el mundo lo considero ya un éxito absoluto. Nunca pensé que lo lograríamos”.

Pero lo que más espera el director de Hijos de Perra, es que su película se convierta en un referente de por qué vale la pena ver comedias irreverentes como esta. 

“Creo que [Hijos de Perra] es un gran recordatorio de lo divertido que puede ser ir a ver una comedia al cine y disfrutar un par de horas riendo muchísimo con cientos de personas extrañas en un mismo cuarto. 

Creo que hay algo muy humano en eso. Y me parece muy saludable que podamos tener este tipo de experiencias al aire libre después de tanto tiempo”. 

Josh Greenbaum, Fuera de Foco

Con un presupuesto de 46 millones de dolares, Hijos de Perra recaudó 21 mdd en la taquilla mundial en su primer fin de semana. Y aunque es una recaudación modesta, esta cinta es una gran opción para quienes gusten de las comedias raras, extravagantes y que se burlan de otro tipo de géneros cinematográficos.

Hijos de Perra
Copyright @ Universal Pictures

¿Por qué The Idol fue cancelada por HBO?

  • HBO anuncia oficialmente la cancelación de The Idol, la controversial producción de Sam Levinson y The Weeknd.
  • Previo a su estreno, Sam Levinson aseguraba que The Idol sería la serie más popular de 2023
  • The Idol fue duramente criticada por la prensa especializada, rankeando como la peor serie en la historia de HBO

Oficialmente el controversial reinado de The Idol ha llegado a su fin, así lo ha declarado HBO al anunciar que la producción de Sam Levinson y The Weeknd sería cancelada. La serie era una de las apuestas más grandes de HBO para 2023, sin embargo entre polémicas y escándalos tanto dentro como fuera de la pantalla, el show no fue recibido como sus creadores esperaban.

A pesar de las grandes defensas de sus creadores a la serie, y del mismo presidente de contenido de la plataforma, The Idol fue cancelada a meses de haber finalizado su primera temporada, así lo compartió HBO a través de un comunicado. Pero, ¿cuál fue exactamente la razón? ¡Te lo contamos!

The Idol
Imagen: HBO

¿The Idol fue demasiado para HBO?

A través de un comunicado, HBO compartió que The Idol no continuaría con su historia, a pesar de haber asegurado que los personajes de Sam Levinson tendrían potencial para llegar a una audiencia tan grande como Euphoria.

“The Idol fue una de las series originales más provocativas de HBO” planteó el comunicado, asegurando que la empresa está “satisfecha” por “la fuerte reacción” que generó entre el público.

Sin embargo, dicha reacción estaba lejos de ser positiva, pues entre una terrible recepción de la crítica y el público, con esfuerzos el show llegó a figurar con un 19% de aprobación de en el portal Rotten Tomatoes, posicionándose como una de las series peor evaluadas en la historia de HBO.

“Tras mucho considerarlo, HBO, los creadores y productores, han decidido no continuar con una segunda temporada” señaló la declaración, agradeciendo además a todos los actores, y equipos de producción involucrados en la realización de su primera y única parte.

Previamente, el presidente de contenidos de HBO, Casey Bloys, había asegurado que The Idol no sería cancelada, pues el canal se jactaba de “seguir siempre adelante” con sus producciones, además de apostar por historias completas, y no a través de pilotos.

A pesar de ello, la pésima recepción de The Idol, protagonizada por The Weeknd y Lily-Rose Depp, parece haber superado a los ideales de la misma compañía.

The Idol
Imagen: HBO

¿The Idol no cumplió las expectativas?

Más allá de la recepción crítica, uno de los factores que influyó en la reciente decisión de HBO por cancelar The Idol podría ser la audiencia, cuyos números oficiales no fueron revelados a totalidad por la cadena.

El primer episodio de la temporada contó con tan sólo 913,000 espectadores, —17% menos que la cantidad de audiencia que logró el primer episodio de Euphoria en 2019—, mientras que el segundo logró reunir a tan solo 800,000 personas, contrario a lo que HBO esperaba generar, teniendo a la pluma de Sam Levinson involucrada en el proyecto.

Y a pesar de sus polémicas semanales, The Idol pasó casi inadvertida durante su transmisión, por lo que HBO no publicó oficialmente los ratings del resto de sus capítulos.

Las expectativas alrededor del show se vieron duramente afectadas luego de las grandes polémicas detrás de la serie. Por un lado, un reportaje de Rolling Stone donde se señalaba a la producción de The Idol por ser un lugar de trabajo tóxico, además de retratar una historia de abuso y explotación sexual meramente desde un punto de vista masculino.

The Weeknd respondió a las controversias publicando una escena donde The Idol dice que Rolling Stone es irrelevante, y más adelante, el mismo Levinson abordó el polémico reportaje, asegurando que la publicación le hizo darse cuenta que “The Idol sería la mejor serie del verano”.

No obstante, inmediatamente después surgieron las primeras críticas a la serie en el Festival de Cannes, donde la serie fue descrita como “una enfermiza fantasía de venganza sexual masculina”, y un show por demás decepcionante; figurando inicialmente con tan sólo el 4% de la aprobación crítica en RT.

The Idol
Imagen: HBO

¿El final de Stranger Things será diferente a otras series?

En este artículo: 

  • Dan Trachtenberg, director de Prey, The Boys y otras series, asegura que tuvo oportunidad de preparar el último episodio de Stranger Things antes de que las huelgas suspendieran la producción.
  • Asegura que será algo muy diferente a otras historias de fantasía, como Game of Thrones. 
  • El actor que da vida a Will Byers, Noah Schnapp, ya también ha detallado cómo será la última temporada del éxito de Netflix.

A pesar de que la última temporada de Stranger Things no ha podido avanzar por las huelgas que atraviesa Hollywood, durante las últimas semanas el elenco ha comenzado a hablar respecto al gran desenlace que prepara el programa, incluido el director quien estará a cargo del último episodio, Dan Trachtenberg. 

Trachtenberg, quien recientemente dirigió Prey, la secuela de Predator adelantó durante una plática con Variety, que ya tuvo la oportunidad de leer el guion del último episodio de la serie de Netflix y que lo estuvo preparando desde antes que comenzaran las huelgas de escritores y guionistas, por lo que habló sobre por qué es el final de Stranger Things será diferente a otras series de fantasía, como Game of thrones.

Stranger things
Copyright © Netflix.

¿Stranger Things prepara un final único en la televisión?

El director Dan Trachtenberg ya cuenta con una gran experiencia en proyectos de televisión, ya que estuvo a cargo del spin-off de Predator, Prey,  que resultó ser un éxito instantáneo tanto entre los/as fans como los medios especializados.

El cineasta también dirigió el episodio piloto de The Boys, así como Black Mirror. Pero quizá sea más conocido por el thriller de terror 10 Cloverfield Lane, con la cual obtuvo una nominación al premio del Directors Guild of America a la Mejor dirección en largometraje debut.

Este impresionante trabajo de Trachtenberg nos puede asegurar que el episodio que dirigirá en Stranger Things no solo será épico, sino que también incluirá el suspenso y el terror que le gusta agregar en sus proyectos, pero de acuerdo a la entrevista, la serie de los hermanos Duffer “se fue directamente a mi corazón porque nunca había hecho algo así en mi carrera”.

Según el director, “el último episodio es genial”, pues será diferente a otro tipo de programas de fantasía, como Game of Thrones, ya que no sigue el estilo en donde el desenlace es una gran batalla.

“No creo que Stranger Things entre en la misma categoría de programas de televisión como Game of Thrones, donde los primeros episodios son geniales, luego se calma y los dos últimos episodios son la gran batalla.

Puedo decirte, comparándola con otras temporadas, que hay rock and roll durante toda la [última temporada] temporada”.

Dan Trachtenberg

El director detalló que se encuentra muy orgulloso de poder ser parte de una de las series más populares de la televisión. “Me he limitado a hacer pilotos y películas, pero Stranger Things es algo especial. Los hermanos Duffer son increíbles”, añadió. “Tenemos mucho en común y los lugares a los que puedo ir con este último episodio me tienen muy emocionado” aseguró el director.

Stranger things
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¿Qué más sabemos del final de Stranger Things?

Las palabras de Dan Trachtenberg son realmente interesantes para determinar el final de Stranger Things, ya que la temporada anterior, terminó en un lugar bastante tenso cuando los protagonistas deben regresar a  Hawkins para finalmente cerrar el Upside Down y enfrentarse al gran villano, pero parece que la serie podría sorprendernos una vez más y no enfocarse en solo la batalla.  

El actor Noah Schnapp previamente adelantó que la historia dará un giro completamente sorprendente y Will volverá a ser el centro de atención en la trama debido a su conexión con los Demogorgons y Vecna, lo cual tendría mucho sentido ya que al final de la temporada se comienza a establecer este camino. 

“Solo puedo decirles que estoy muy emocionado por lo que está por venir. Creo que hicieron un gran trabajo con el personaje de Will esta temporada y abordaron maravillosamente todo lo que necesitaban.

La forma en que cerraron el programa es simplemente perfecta: la historia comenzó con Will y terminará con Will”.

Noah Schnapp para Forbes

Por ahora solo queda esperar a que la producción de Stranger Things finalmente pueda comenzar con la filmación de la última temporada que apunta a tener un cierre realmente épico que dejará a sus fanáticos/as satisfechos y llenos de nostalgia.

Stranger things
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¡Estrella de Harry Potter estaba frustrada por su personaje!

  • Bonnie Wright dio vida a Ginny Weasley a lo largo de las 8 películas de Harry Potter
  • La actriz asegura que su personaje perdió fuerza al pasar de los libros originales de Harry Potter a las películas
  • Bonnie Wright admite haberse sentido decepcionada por lo poco que pudo hacer con Ginny en la saga.

A más de una década de la última película de Harry Potter, sus actores continúan compartiendo sus experiencias en el set, para bien y para mal. Ahora, Bonnie Wright, quien dio vida a Ginny Weasley durante las ocho películas de la saga, ha decidido hablar sobre su papel y cómo no sentía hacerle justicia al personaje del libro.

En las novelas de Harry Potter, Ginny Weasley es presentada inicialmente como la hermana de Ron, aunque más adelante cobra una relevancia mucho mayor durante sus años en Hogwarts y más allá de eventualmente convertirse en el interés amoroso de Harry, forma parte importante de los eventos en los últimos libros. Pero, ¿qué faltó para poder explotar al personaje en las películas? ¡Bonnie Wright lo explica!

Harry Potter
Imagen: Warner Bros.

¿Las películas de Harry Potter hicieron de lado a Ginny?

Durante una conversación con Michael Rosenbaum en el podcast Inside of You, Bonnie Wright habló sobre su sentir con respecto a las películas de Harry Potter, y en específico, a su personaje: Ginny Weasley.

Pues aunque si bien, en los libros Ginny tiene un rol realmente importante, por tiempos en las cintas, la participación de la misma fue reducida, y su relación con Harry, precipitada.

“Definitivamente tenía mucha ansiedad al interpretarla y dar lo mejor de mí para el personaje” explicó Bonnie Wright, añadiendo que temía no hacer justicia a un personaje que sabía, era muy querido por los/as fanáticos/as de Harry Potter. “Eso siempre fue difícil, pero en especial cuando inevitablemente muchas de las escenas que tenía el personaje en el libro fueron recortadas para la película”, señaló.

“Fue decepcionante. Había partes del personaje que nunca se resolvieron porque no hubo escenas para ello. Eso me hizo sentir demasiado ansiosa y frustrada”.

Bonnie Wright, Inside of You.

Bonnie Wright añadió que a través del gran corte que se hizo a la historia de Ginny, “no tenía mucho espacio para interpretarla en las películas”, cosa que resultaba frustrante para la actriz, al no poder profundizar y estudiar más de su personaje.

Harry Potter
Imagen: Warner Bros.

¿No había espacio para improvisar en Harry Potter?

Más adelante, Bonnie Wright explicó que gran parte de la limitación hacia su personaje, venía desde la poca capacidad que tenían los actores para intervenir en los guiones de las películas de Harry Potter.

“No había mucho espacio para cambiar esos guiones. Había un millón de ejecutivos revisando los guiones todo el tiempo.” comentó, explicando que por ello, no se atrevía a pedir más desarrollo para Ginny.

Asimismo, Bonnie Wright añadió que al reducir tanto el papel que tenía Ginny en la historia, temía que los fanáticos de Harry Potter creyeran que “estaba interpretando mal al personaje”, aunque más tarde se dio cuenta que ni siquiera tenía la oportunidad de hacerlo mal, dado el mínimo de escenas que tenía.

Sé que no era mi culpa. Y cuando los fans comparten su decepción, lo hacen diciendo “sabemos que no fuiste tú, al contrario, queríamos ver más de ti”.

Bonnie Wright, Inside of You.

Por otro lado, la actriz dijo ser consciente que llevar la totalidad de la historia de los personajes de Harry Potter al cine era casi imposible, pues para ello “se requerirían películas de cinco horas”.

En las cintas, la interacción entre Harry y Ginny es por demás limitada, por lo que a la sexta película, The Half-Blood Prince, cuando comienza a plantearse en forma el romance de los personajes, los fanáticos señalaron las situaciones como “incómodas o fuera de lugar”. Pues hasta entonces, Harry no había mostrado interés alguno por Ginny, cuya personalidad y capacidad de liderazgo son dos de los elementos clave por los que el protagonista le admira.

Sin embargo en las películas no se mostró mucho del verdadero rol de Ginny dentro de su Casa, el equipo de Quidditch, y el Ejército de Dumbledore, momentos que la preparan para dirigirse a la batalla de Hogwarts en el último libro.

Harry Potter
Imagen: Warner Bros.

David Ayer:¿Deadpool impactó su versión de Suicide Squad?

En este artículo: 

  • David Ayer habló sobre cómo Deadpool impactó el estreno de su versión de Suicide Squad. 
  • Asegura que hubo un momento en el que él parecía que iba a convertirse en una de las cabezas del DCEU, pero las constantes reestructuraciones de Warner son muy complicadas. 
  • Él sigue en pie para estrenar su “AyerCut” y dice que ya contactó a James Gunn, pero que el productor no ha decidido qué hacer.

David Ayer es uno de los directores de DC más controversiales de la última década. Él fue quien dirigió la película de Suicide Squad en 2016, cinta protagonizada por Margot Robbie y Will Smith que resultó tan controversial que Warner Bros decidió cambiar la estrategia que tenía con su universo cinematográfico.

Suicide Squad recaudó 746 millones de dólares, pero fue severamente criticada por parte de los medios especializados y fans de DC Cómics por igual, lo que complicó la relación con Zack Snyder y causó un gran impacto en el DCEU.

David Ayer ha dicho constantemente que el estudio interfirió demasiado en su visión y cambió mucho la película. Y ahora reveló que los cambios fueron para aprovechar el éxito de Deadpool.

David Ayer
Imagen: The Playlist

David Ayer asegura que Warner Bros lo traicionó 

En una plática con Jon Bernthal en el podcast Real Ones, David Ayer reveló que el estudio decidió cambiar la historia de Suicide Squad después del éxito de Deadpool. La película de Ryan Reynolds se estrenó en febrero de 2016 y recaudó 782 millones de dólares, convirtiéndose en una de las cintas de superhéroes para adultos más taquilleras de la década. 

Por esta razón, David Ayer acusa a Warner de que ya no hizo tests de audiencia para Batman v. Superman o para Suicide Squad, cosa que dañó mucho el desempeño de la historia en taquilla y que piensa que fue una estrategia muy dañina. 

“Deadpool estrenó y ya no probaron Batman v. Superman, la estrenaron sin probarla. Estaban esperando un resultado diferente y luego fracasó. 

Entonces dijeron: vamos a convertir la historia oscura e introspectiva de David Ayer en una jodida comedia”. 

David Ayer, Real Ones Podcast

Ayer asegura que eso “lo jodió personalmente”, especialmente porque, según él, en ese momento los ejecutivos le decían al director que él podría convertirse en el nuevo heredero del universo de DC, cosa que cambió por la reestructuración interna de Warner y DC Studios. 

“Mientras hacíamos Suicide Squad, se rumoraba tipo: David Ayer va a tomar el control de DC” reveló el director. “Es como Game of Thrones. Las políticas desde arriba es una locura”. Por eso, él aseguró que su paso por Hollywood ha sido “como ver a alguien que odias joderse a alguien que amas”. 

David Ayer
Imagen: Código Spaguetti

¿Podemos ver el corte del director de Suicide Squad? 

David Ayer reveló que “Warner Bros no probó su versión de la película” y asegura que las personas que han visto su versión dicen que es mucho mejor que la que mostraron en cines. 

“Todo el mundo al que le he mostrado mi versión ha tenido la misma reacción: se enojan. Todas las personas dicen: ¡Esta es lo que queríamos ver! ¿Por qué no tuvimos esto?”. 

David Ayer, Real Ones Podcast

David Ayer ha sido muy vocal sobre su interés de estrenar su corte de Suicide Squad en cines, algo así como ocurrió con la película de Zack Snyder de La Liga de la Justicia, ya que incluso ha dicho que realmente tiene que hacer cambios mínimos y que está lista para salir a la luz.

Y en el podcast, reveló que “todavía tengo mi película, maldita sea” pero no está seguro de si podremos verla materializada debido a que James Gunn todavía está reestructurando el nuevo universo de DC Cómics. 

Según lo que mencionó en el podcast, Gunn todavía no se decide, insinuando que eso le ha impedido poder cerrar ese capítulo de su vida.

“Ahora es como la versión de Schrödinger. He hablado con James Gunn pero todavía está decidiendo… Como que quieren primero ganar puntos por ellos mismos, ¿sabes? Pero es difícil porque yo quiero ya dejar esto atrás. Quiero Sanar de eso”.

David Ayer, Real Ones Podcast

James Gunn estrenó otra versión de Suicide Squad con Margot Robbie, pero es incierto qué pasará con los personajes de esa saga.

David Ayer
Imagen: The Direct

¡Disney+ tiene problemas con más series!

  • Disney+ anuncia la cancelación del reboot de The Spiderwick Chronicles y el show Nautilus, antes de estrenar en la plataforma.
  • Disney busca implementar nuevas medidas de ahorro desesperadas ante grandes pérdidas de dinero
  • Disney posiblemente continuará con la eliminación de contenido y cancelación de proyectos en los próximos meses.

La purga de contenido continúa en Disney, y esta vez es su plataforma de streaming Disney+, la que parece estar llevando las cancelaciones a un nuevo nivel. Pues recientemente se dio a conocer que antes de siquiera estrenar algunos de sus proyectos, las continuaciones de estos han sido suspendidos, mientras que otros a pesar de estar terminados, no llegarán ni siquiera a la plataforma.

La decisión parte de la necesidad de la empresa por ahorrar tras los grandes despilfarros en Disney+ generados por su antiguo CEO, Bob Chapek, aunque también otros factores, tales como la actual huelga en Hollywood, podrían haber influido en tales resultados, ¡Te explicamos lo que está pasando!

Disney+
Imagen: Disney

¿Disney+ está fuera de control?

El portal Variety ha reportado que un reboot, basado en los libros The Spiderwick Chronicles, no llegará a Disney+ a pesar de estar prácticamente lista para estrenar. La serie de seis episodios, hecha en colaboración con 20th Century y Paramount Television, ha quedado a la deriva tras dicha decisión.

Al momento no se ha informado sobre cuál será el paradero definitivo de la serie, si es que esta llegará a ser exhibida en lo absoluto. Aunque de inmediato, la suspensión del proyecto ha generado también grandes especulaciones respecto a otros programas de Disney+ que podrían enfrentar destinos similares.

Y es que poco después al anuncio de Spiderwick, también se dio a conocer que el show Nautilus, inspirado en la novela 20,000 leguas de viaje submarino de Julio Verne, tampoco estrenará en la plataforma a pesar de haber concluido con la fotografía principal de sus 10 episodios. 

Tales cancelaciones llegan a la par del anuncio de Disney por continuar con sus estrategias de ahorro masivo, las cuáles comenzaron a implementarse a principios de año de manera abrupta, y a través de la que más de 7,000 personas perdieron su empleo dentro de la compañía.

Sin embargo, aunque Disney+ ha sido la división más afectada por los recortes, las estrategias han apuntado también a reducir la cantidad de contenido creada por la empresa en otros estudios aledaños, tales como Marvel y Lucasfilm. 

Disney+
Imagen: Simon & Schuster

¿Disney+ seguirá eliminando contenido?

Aunque las más recientes cancelaciones llaman particularmente la atención al no llegar ni siquiera a la plataforma de streaming, estas no son las únicas suspensiones que han generado incertidumbre y molestia entre los usuarios de Disney+.

Entre otras estrategias de ahorro, Disney se ha sumado a compañías como Warner en la eliminación de contenido original de sus plataformas para “ahorrar”, limitando así el pago de residuales a guionistas y actores, al no generar reproducciones dentro de la aplicación.

La medida ha afectado a más de una docena de producciones, tanto series y películas añadidas al catálogo en años anteriores, como a producciones generadas por y para Disney+, generando una pérdida de material al que ahora es imposible acceder.

Tal ha sido el caso de series como Willow, la producción de Disney+ que tras ser cancelada en su primera temporada, fue removida a totalidad de la plataforma. Y, como dicha producción fue creada para el streaming, y no para otros medios, no hay formatos físicos que los usuarios puedan consumir en su lugar.

Tales decisiones han generado grandes críticas, en especial al ser cada vez más cercanas a sus propias fechas de estreno, los anuncios de cancelación y eliminación de la plataforma.

Disney+
Imagen: Disney+

¿Cómo afecta a la industria la decisión de Disney+?

La eliminación de contenido ha sido implementada como una estrategia meramente financiera, luego de que los resultados de los últimos cuatrimestres de 2022 arrojaran que la plataforma de streaming de Disney no es realmente rentable.

Por otro lado, dicho fenómeno ha repercutido no sólo en los números de la empresa, sino en el registro histórico de producciones que, actores y actrices, han intentado denunciar durante la actual huelga de la SAG-AFTRA.

Pues a la par en que series y películas son eliminadas, también lo son el registro de trabajo de actores, guionistas, directores, fotógrafos, diseñadores, entre varios otros creativos que contribuyen a cada proyecto.

Asimismo, una gran cantidad de series que se encuentran en puerta esperan a la decisión de la empresa por saber si serán transmitidos en lo absoluto, o si a pocos días de sus estrenos serán cancelados.

Entre el gran freno dentro de la industria del entretenimiento a más de 120 días de paro de guionistas y cerca de los 50 días en la huelga de actores, tanto Disney como otras productoras podrían comenzar a enfrentar una gran sequía de contenido, al no ceder aún los CEOs a las demandas de sus creativos y, por el contrario, continuar con la implementación de estrategias que afectan a sus producciones y creativos.

Disney+
Imagen: Brian Feinzimer

¿Por qué el creador de One Piece participó en el live-action?

En este artículo: 

  • El director del nuevo live-action de One Piece, Marc Jobst habló sobre la influencia del creador Eiichiro Oda sobre la adaptación. 
  • Menciona que se tuvieron que hacer cambios, pero que trabajaron mucho para ser fieles a la adaptación original. 
  • Eiichiro Oda ya había hablado sobre los cambios que la serie tendrá con respecto a la historia original y por qué le dio su bendición.

One Piece es uno de los animes más populares del mundo por ser una de las sagas de manga más vendidas de todos los tiempos. Por esta razón, su adaptación ha causado gran emoción por parte de sus fanáticos/as quienes esperan que el próximo show de Netflix se mantenga fiel a la historia y alcance el nivel del manga. 

Si bien aún tenemos que esperar unos cuantos días para finalmente ver la serie, el director Marc Jobst aseguró que la participación del creador original, Eiichiro Oda, fue muy importante durante el desarrollo del proyecto y esto asegurará que se apegue a los principios reales de lo que hace que One Piece sea tan popular en la cultura pop. ¡Te contamos por qué prometen que la adaptación live-action de One Piece es tan única y especial!

One Piece
Copyright © Netflix.

One Piece tiene la aprobación del creador original 

El creador original de One Piece,  Eiichiro Oda, es el productor ejecutivo de la serie, de modo que esto le permite tener la libertad de externar sus comentarios y hacer que la serie se apegue más al manga original, lo que más adelante podría asegurar el éxito del programa. Por esta razón, el director Marc Jobst le platicó a Screen Rant que tener a Oda en el equipo fue una decisión casi obvia para todos, porque “sería una locura no incluirlo” en las distintas etapas de desarrollo y elecciones creativas.

“¡Él es la fuente! ¿Por qué no irías a la fuente? Ha creado algo que el mundo adora. Creo que sería una locura no incluirlo en cada decisión que se tomó para asegurarnos que fuimos sinceros y que honramos lo que ha hecho ”[…]

Él fue una mano guía en toda la serie. Es un colaborador fantástico. Él quería que nosotros lo hiciéramos bien, y nosotros queríamos hacerlo bien por él.

Marc Jobst

El cineasta también confesó que “Si hay una traducción del manga y el anime al live-action” y que se tuvieron que hacer cambios para que al historia se adecuara a la ambición y el estilo de una serie de Netflix, pero aseguró que Oda “siempre estuvo abierto a entender que a veces los cambios eran necesarios” para poder hacer una buena historia.

la historia de las adaptaciones de anime al live action ha sido muy criticada por sus fans, pues no se había logrado una propuesta que cumpliera las expectativas.

Sin embargo, el director de One Piece aseguró que este no es el caso del próximo show de Netflix, ya que gracias al creador original, se mantuvieron “ fieles y honramos el espíritu de lo que es su maravillosa creación” dado que todos los involucrados querían que el resultado fuera épico.

Esto marca una diferencia importante con respecto a otras adaptaciones live-action que se han hecho de animes populares, como Death Note o Cowboy Bebop, las cuales hicieron cambios tan importantes a la historia original que fueron rotundos fracasos para Netflix.

One Piece
Copyright © Netflix.

El creador de One Piece ya habló sobre los cambios que tendrá la historia original

Aún cuando el director aseguró que la serie se apega al manga original, también explicó que, como cualquier adaptación al live-action, tuvieron que realizar ligeros cambios en la narrativa, pero todo con el objetivo de tener mejores resultados.

“Hay una traducción del manga a la acción en vivo, es necesario hacer adaptaciones, y eso está bien”, explicó. “Él (Eiichiro Oda) siempre estuvo muy abierto a entender que hay que hacer algunos cambios para poder hacer esa transición”.

Estas declaraciones se alinean con las palabras que otorgó Eiichiro Oda cuando se estrenó el primer avance de la serie, en donde aseguró que algunos/as fanáticos/as podrán notar que no todos los personajes estarán dentro del programa o que no todas las escenas son igual pero, al igual que el director, comentó que esto es solamente a conveniencia de la narrativa. 

“Después de que se estrene, estoy seguro de que algunas personas señalarán que falta algún personaje, que quitamos una escena o que algo es diferente al manga.

Pero seguro vienen desde el amor, así que espero verlos.¡ La serie tendrá 8 episodios y nos llevarán hacia ustedes saben donde!

Eiichiro Oda

La serie original de One Piece tiene más de 1.000 episodios y está repleta de personajes con superpoderes increíbles, por lo que es de esperar que no todo pueda ser parte del programa de Netflix, pero Oda detalló que el resultado les estará a los fans. “Este es un proceso de muchas personas y un trabajo de 7 años. Así que contamos la historia de los personajes, el diseño y la historia de una manera que sólo se pueda hacer en live-action”.

One Piece
Copyright © Netflix.

¿Por qué Barbie sigue dominando la taquilla?

En este artículo:

  • Barbie sigue dominando la taquilla internacional al recaudar 1,340 millones de dólares. 
  • Oficialmente es la novena película más taquillera de México, superando el estreno de Fast and Furious 7 y el live-action del Rey León. 
  • Barbie y Oppenheimer son una muestra de la recuperación que ha vivido el cine, pero no se sabe cómo las huelgas impactarán dado los cambios en algunos estrenos.

Barbie oficialmente se ha convertido en la película más taquillera en la historia de Warner Bros. Y es que en su sexto fin de semana, la película se mantiene muy presente en la taquilla internacional, aún cuando tuvo que competir con Gran Turismo, la ambiciosa cinta de David Harbour y Orlando Bloom. 

¿Cómo es que Barbie ha logrado mantenerse? ¿Y qué dice eso para la industria del cine por las huelgas? 

Imagen: Variety

Barbie vs Gran Turismo: ¿Quién ganó? 

Gran Turismo, la biopic de Sony que cuenta la historia de un chico que cumple su sueño de convertirse en corredor de autos profesional, recaudó 17.3 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos y otros 36 mdd en 61 mercados, haciendo un gran total de 53 millones, nada mal para una cinta que costó 60 millones de dólares y sus artistas ya no pudieron promocionarla el día de su estreno. 

Pero el fenómeno de Barbie es algo especial. La cinta de Greta Gerwig se mantuvo en el segundo lugar de la taquilla estadounidense, recaudando 17.1 millones de dólares. Este fin de semana, Estados Unidos celebró el “Día Nacional del Cine”, y puso el costo de sus boletos a 4 dólares (68 pesos mexicanos). 

Esto al parecer pudo haber ayudado mucho a Barbie, ya que estadísticas de Box Office Mojo aseguran que la asistencia por día aumentó, manteniendo la taquilla de Barbie estable y catapultando una recaudación total de 594 millones de dólares en Estados Unidos.

Pero en el mercado internacional Barbie también sigue dominando. De acuerdo con Deadline, la cinta protagonizada por Margot Robbie recaudó alrededor de 18 millones de dólares en 75 mercados (una caída de 32% con respecto a la semana pasada), convirtiéndola también en la segunda película más taquillera del mundo en su sexta semana de estreno con un agregado total de 1,340 mdd. 

Ya sólo le faltan 19 millones de dólares para superar la cinta de Super Mario Bros. 

México es uno de los países más importantes para Barbie. En territorio nacional, la cinta ha recaudado 54 millones de dólares, o el equivalente de alrededor de 918 millones de pesos. Y de acuerdo con información de Canacine, en la quinta semana de exhibición  tuvo 12.7 millones de asistentes mexicanos. 

Esto pone a Barbie en el top 10 de las películas más taquilleras de la historia en México. Pues superó los 51 mdd que recaudaron el live-action de El Rey León y Fast and Furious 7. 

Imagen: JoBlo

¿Qué dice el éxito de Barbie del resto de la taquilla?

Oppenheimer fue la película que se posicionó como la más taquillera a nivel internacional, ya que recaudó 29 mdd en 81 mercados. En total, la cinta ha recaudado 777 mdd a nivel internacional, lo que la convierte en una de las cintas más taquilleras de Christopher Nolan. 

Esto sin tomar en cuenta que su taquilla pudo verse afectada en Estados Unidos, pues el precio de un boleto de IMAX es de aproximadamente 19.69 dólares (334 pesos mexicanos) por lo que en el fin de semana del Día Nacional del Cine, el costo de su boleto bajó 20%. 

Se podría decir que el interés por Barbie y Oppenheimer no han disminuido demostrando la importancia de mantener el interés de la audiencia por mucho tiempo., Ya que junto con Elemental, que recaudó más de 468 mdd en la taquilla internacional a pesar de haber sido considerada un fracaso en sus primeras semanas de estreno, su prevalencia a lo largo del tiempo es lo que ha asegurado su éxito. 

Blue Beetle llegó a un acumulado de 80 millones de dólares, una caída de 61% con respecto a su semana de estreno. Este resultado ya es mejor que los que tuvieron The Flash y Shazam, pero todavía se tambalea en taquilla dado que es una cinta de superhéroes y es indicador del interés general sobre una franquicia más grande.

Esto es importante si tomamos en cuenta que muchos estudios decidieron retrasar algunos de sus estrenos más importantes en 2023, pues todavía no pueden llegar a un acuerdo justo con los grupos de huelga en Hollywood.

Debido a esto, muchas estrellas no pueden hablar sobre ni participar en ningún tipo de promoción de sus proyectos. Y los estudios aseguran que, el que no se pueda hablar de una película, dañará enormemente su promoción y tendrá pocas oportunidades en taquilla.

Esto ha despertado algún debate sobre cómo afectará la taquilla y a la industria del cine, ya que algunos analistas comparan el paro de actividades y la desaceleración de estrenos con la pandemia de COVID-19. 

Pero el interés por cintas como Barbie, Oppenheimer, Elemental, e incluso reestrenos nacionales como el de la trilogía de Batman, muestran que la audiencia está dispuesta a ir al cine, se promocione con artistas o no. Pero es un fenómeno muy reciente y falta información para poder brindar datos certeros.

Todavía quedan estrenos importantes rumbo a finales de 2023, como The Marvels, Napoleon, Aquaman 2, Wonka o Killers of the Flower Moon, y la fiesta de El Festival Internacional de cine de Venecia, por lo que será interesante ver cómo se desarrolla el desempeño de la taquilla y su impacto en la industria internacional.

Imagen: ScreenRant

¿La secuela de District 9 quedó a la deriva?

  • Neil Blomkamp ganó gran popularidad a través de la cinta District 9, la cual le valió cuatro nominaciones al Oscar
  • District 9 despertó gran interés en el público, por lo que rápidamente se especuló sobre una secuela.
  • District 10 —la potencial secuela de la cinta—, es al momento un proyecto incierto tanto para Neil Blomkamp como para Sony.

En 2009, District 9 demostró que la ciencia ficción no sólo tiene el potencial de abrir la puerta a grandes blockbusters, sino a historias aclamadas por la crítica. Pues, luego de reunir cuatro nominaciones al Oscar —entre las que se encuentran Mejor Película y Mejor Guión Adaptado—, District 9 rápidamente se convirtió en un referente del género.

Por ello, mucho se especuló sobre una posible continuación de la cinta, habiéndose discutido a lo largo de los años qué tan viable sería realizar un proyecto titulado District 10 y empezando con su etapa de desarrollo en 2021. Pero entre huelgas, cambios en Hollywood y espectadores cada vez más exigentes, ahora el director Neil Blomkamp revela qué tan probable es que dicho proyecto se realice y si District 9 realmente tiene potencial para transformarse en una franquicia.

District 9
Imagen: Sony Pictures

¿La secuela de District 9 no sucederá después de todo?

Durante una conversación con The Hollywood Reporter por el próximo estreno de Neil Blomkamp, Gran Turismo, el director compartió su opinión con respecto al futuro de District 9, cinta que co-escribió y la cual lleva varios años esperando una secuela.

Sobre el proyecto, Blomkamp explicó que los resultados de Gran Turismo —cinta que trabajó para Sony— podrían influir en la decisión de dicho estudio sobre continuar con la historia de District 9.

“Sony aún está involucrado” detalló el director, aunque más adelante aclaró que desconoce “hasta qué punto se ha trabajado la historia” y si realmente la película “se hará o no”.

Desde su trinchera, Neil Bompkamp comentó no estar muy seguro de ser él quien continúe con la historia, mostrándose no tan interesado por el proyecto como se esperaría.

“No sé si quiero hacer algo así por ahora, pero sé que en algún momento, en el futuro, la secuela sucederá de una u otra manera” 

Neil Blomkamp.

En 2021 se confirmó que una secuela de District 9, titulada District 10 estaba en desarrollo dentro de Sony, aunque al momento no han habido muchas más noticias al respecto.

District 9
Imagen: Sony Pictures

¿Sony quiere apostar a la segura con District 10?

Durante la entrevista, Neil Blomkamp explicó que aunque no está por el momento interesado en continuar con District 10, un gran factor que podría decidir si el proyecto continúa o no, es el desempeño de Gran Turismo en cines.

La cinta, inspirada en la historia real de Jann Mardenborough, es también una de las más ambiciosas del estudio, contando con una gran producción tanto de efectos prácticos como de efectos especiales.

Por ello mismo, Sony espera ver el esfuerzo puesto en la cinta reflejado en su taquilla, la cual podría ser decisiva para el futuro de Blomkamp dentro del estudio.

Al momento, Gran Turismo ha recibido comentarios en su mayoría positivos, ruido que el director señaló “es algo positivo” para los fans de District 9 que realmente quieren ver una secuela de la cinta, pues aseguraría la apuesta del estudio por Blomkamp y la guionista Terri Tatchell.

Por otro lado, con la actual huelga de guionistas y actores en Hollywood, District 10 podría tardar aún más en terminar su desarrollo, y más complicado aún, en entrar en una etapa de producción; por lo que aún es demasiado pronto para asegurar que el proyecto realmente podrá consolidarse.

District 9
Imagen: Sony Pictures

¿El cast de Friends estaba harto de la serie rumbo al final?

En este artículo: 

  • Patty Lin, escritora que se sumó a Friends en la séptima temporada, reveló que el cast principal se mostraba harto durante la filmación.
  • Asegura que boicoteaban chistes para que el equipo de escritores tuviera que presentar diferentes versiones, además de que “rara vez tenían algo positivo que decir” sobre las historias y el guion de cada episodio. 
  • Estas no fueron las únicas controversias que enfrentó el show a lo largo de sus diez años de producción.

Friends es uno de las series más populares en la historia de la televisión. Con 10 temporadas, el programa se convirtió en una de las historias más aclamadas de la década de los 90 y principios de los 2000, además de que catapultó las carreras de Jennifer Aniston, Matthew Perry, David Schwimmer, Matt LeBlanc, Courteney Cox y Lisa Kudrow

Friends también es el claro ejemplo de cómo una serie que logra sindicalizarse puede traer grandes recompensas y remuneraciones para los/as artistas involucrados/as. Anualmente, cada estrella recibe 20 millones de dólares por el concepto de licencias y comisiones (Warner Bros recibe al menos mil millones). Además de que, para el final de la serie, las estrellas recibían 1 mdd por episodio. 

Pero parece que el éxito no compra la felicidad, ya que una escritora reveló recientemente que las estrellas estaban hartas de Friends y boicotearon bromas que no les gustaban. 

Friends
Copyright @ Warner Bros

¿El Cast de Friends estaba harto de la serie? 

La escritora Patty Lin, que trabajó en series como Breaking Bad, y Desperate Housewives, reveló en su nuevo libro End Credits: How I Broke Up With Hollywood, que cuando comenzó a trabajar en la séptima temporada de Friends, descubrió que el ambiente de trabajo era muy pesado, y nadie parecía feliz de estar ahí. 

Además de expresar su experiencia siendo la única persona racializada en el equipo de guionistas, lo que le hizo dudar si había sido elegida para cubrir la cuota del “programa de diversidad” que instauraron en la producción o por su talento, pronto se dio cuenta que las estrellas parecían hartas de estar en la serie. 

En el libro, ella detalla la emoción inicial de estar en una mesa de lectura con todas las estrellas de Friends, pero pronto se dio cuenta de que estos procesos no eran tan creativos ni amigables. 

“Las estrellas se veían infelices de estar encadenados a una serie vieja cuando podían estar haciendo más cosas. Y creo que constantemente analizaban cómo les beneficiaba cada guion. 

Todos sabían cómo entregar una broma, pero si no les gustaba, deliberadamente la arruinaban para que tuvieran que reescribirse”. 

Patty Lin, End Credits

La escritora asegura que “hubo decenas de chistes” que las estrellas de Friends decidieron arruinar para que entonces el equipo de escritores tuviera que reescribir varias versiones diferentes. “Muy rara vez tenían algo positivo que decir, y cuando señalaban problemas, realmente no ofrecían soluciones” sentenció la escritora. 

Ella detalla que las estrellas constantemente protegían lo que sus personajes decían o hacían, y aunque entiende que estaban tratando de hacer una buena serie, “estas sesiones siempre eran tensas y agresivas, carecían de la livianez que uno podría esperar en una sitcom”. 

Otros escritores ya han hablado sobre el tenso ambiente laboral que vivían en Friends. En el libro Top of the World: Inside the Rise and Fall of Must See TV, el guionista David Crane detalló las largas jornadas de trabajo que tenían que pasar. 

“Nuestras horas laborales eran una locura. A veces en la madrugada ya teníamos notas del estudio”. Pero Marta Kauffman, co-creadora de la serie, dijo que esto sucedía porque “ponían mucha atención a cómo reaccionaba la audiencia”. 

Friends
Copyright @ HBO Max

¿El cast de Friends no estaba feliz filmando la serie? 

Desde hace mucho tiempo, se ha debatido los problemas que atravesaban las estrellas de Friends conforme avanzó la serie y su popularidad. Matthew Perry, por ejemplo, tuvo que lidiar con sus problemas de adicción durante la serie, y aunque nunca afectó la producción, sí ha confesado que fue difícil para él lidiar con la fama y el escrutinio público. 

Y aunque en su momento fueron las estrellas mejor pagadas de la televisión, también han revelado que tuvieron que pelear por mejores condiciones. En particular, David Schwimmer (Ross Geller) propuso que todo el cast de Friends negociara sus contratos como equipo para que se les pagara de manera equitativa. 

Al final, esas negociaciones llevaron a Marta Kauffman, una de las creadoras principales de Friends, a decir que su salario era “ridículo”, revelando parte de las tensiones que se vivían dentro de la producción de la serie. 

Además, la agenda de Jennifer Aniston sí afectó la producción de Friends. Como se volvió extremadamente popular, para la décima temporada ella tenía tantos compromisos, que estuvo a punto de dejar la serie. Y para acomodar sus tiempos, la producción decidió reducir los episodios de la última temporada de 24 a 18. 

Friends sigue siendo un programa sumamente popular y sigue siendo visto por muchas personas. Pero en medio de una huelga que pretende cambiar las condiciones que viven los equipos de guionistas en los sets de filmación, experiencias como las de Patty Linn nos ayudan a entender mejor cómo se produce o se escribe una serie así.

Friends
Copyright @ Warner Bros Discovery

Disney Channel: ¿Por qué es incómodo ser estrella infantil?

En este artículo: 

  • Alyson Stoner, actriz que participó en la exitosa serie de Disney Channel: Zack y Cody, habló sobre las veces que se sintió incómoda durante la producción. 
  • Asegura que hay muchas actividades “normales” en el set que resultan confusas cuando las experimenta una persona muy joven, como que constantemente personas adultas tengan que tocar su cuerpo. 
  • También habló sobre la vez que tuvo que besar a Dylan y Cole Sprouse para un episodio, a pesar de no sentirse preparada para hacerlo. 

Zack Y Cody: Gemelos en Acción fue una de las series más populares de Disney Channel en la década de los 2000. Esta serie, fue parte de una época en donde la cadena del ratón y estudios como Nickelodeon, producían contenido juvenil con artistas adolescentes, dándoles aparentemente la oportunidad de convertirse en grandes estrellas. 

Además de Zack y Cody, el canal de Disney Channel presentó durante finales delos 90 y principios de los 2000, historias como Es Tan Raven, Hannah Montana, Sonny entre estrellas o películas como High School Musical y Camp Rock, mientras que Nickelodeon tuvo gran éxito con producciones como Drake & Josh, iCarly, Victorious o Kenan & Kel. 

Muchas controversias han surgido sobre el salario que recibían, abusos laborales, sexuales, entre otros problemas relacionados con la fama y el trabajo infantil. Y ahora, otra estrella de Disney Channel rompió el silencio sobre lo complicado que puede ser estar en un set de filmación. 

Disney
Copyright @ Disney Channel

¿Por qué es difícil ser una estrella infantil en Disney Channel? 

Alyson Stoner, quien interpretó a Max en Zack y Cody: Gemelos en Acción durante 2 años y que estuvo en cintas como Más Barato por Docena y otros shows como Drake & Josh, explicó las confusas experiencias que vivió como estrella infantil. 

Durante un episodio en su canal de YouTube, Stoner detalló lo complicado que puede ser para una estrella infantil poder marcar límites, ya que su cuerpo está constantemente expuesto. 

“Es muy común que un/a artista infantil se tenga que desvestir y cambiar frente a personas adultas durante las pruebas de vestuario, y eso incluye que esas personas te toquen cerca del área de los genitales, para tomar medidas o así. 

Después, el equipo de maquillaje y peinado te está tocando todo el tiempo. Peinándote, maquillándote. Luego, una persona extraña mete su mano bajo tu ropa para acomodarte el micrófono”. 

Alyson Stoner, YouTube

Ella también habló sobre lo extraño que se siente que “una persona esté escuchando cómo respiras, estornudas o dices cualquier palabra aunque las cámaras no estén grabando”. 

Ella reveló que se sentiría mejor “si pidieran permiso primero”, pero que de todas formas esa idea no quita el hecho de que “personas adultas constantemente tocan mi cuerpo desnudo”, sentenció la actriz de Disney.

Ella también mencionó que estas actividades “no son automáticamente malas o peligrosas” pero que sí “están condicionando a una persona muy joven a tener un cierto entendimiento de cómo funciona la autonomía corporal”. 

Disney
Copyright @ Disney Channel

¿Un sistema injusto que promueve abusos? 

Para ejemplificar su punto, ella contó cómo fue tener su primer beso con Dylan y Cole Sprouse durante una de las filmaciones para la serie de Disney. 

Ella reveló que realmente no se sentía cómoda haciéndolo y que en el contrato que firmó nunca le especificaron que debía besar a alguien durante el show, “pero ya había firmado un contrato y no quería parecer difícil, menos porque yo solo tenía un personaje regular, un estatus poco más importante que ser un/a artista invitado/a”.

“Recuerdo que [Disney] me contrató y en un momento ni siquiera era amiga de Zack y Cody, pero unas semanas después escribieron un episodio en donde Max, mi personaje, tenía que besarlos. 

No recuerdo si los dos besos llegaron al corte final o si Disney decidió que era demasiado para un solo episodio”. 

Alyson Stoner, YouTube

“¿Estaba lista para eso? No. Me sentía incómoda y era muy joven” aseguró. “Pero lo razoné pensando que podía besar a estas personas para la serie de Disney, y luego tener mi primer beso en otra ocasión”. 

La ex-estrella de Disney considera que es un problema que “no se hable con las estrellas sobre qué tipo de evolución o arco tendrán sus personajes”, ya que al final esas prácticas son el resultado de un “sistema que no ha sido regulado ni examinado a detalle, lo que inevitablemente causa una predisposición a incrementar el sufrimiento [de las estrellas] e incita a comportamientos problemáticos”. 

Sus palabras hacen eco a las continuas acusaciones de acoso y abuso que ha enfrentado el productor Dan Schneider por parte de estrellas infantiles de sus shows, como Jennette McCurdy (iCarly) o Alexa Nikolas (Zoey 101), quienes han insinuado que el productor las obligaba a vestirse de cierta manera y hacer cosas que las hacían sentir incómodas, pero que no podían reaccionar o decir nada por miedo a ser despedidas y por la gran popularidad de la que gozaba el productor en Nickelodeon.

De acuerdo con la ex-estrella de Disney, este tipo de experiencias “son el primer acercamiento que un infante tiene con la realidad, por lo que muchas veces eso también provoca un comportamiento extraño o problemático” sentenció Stoner.

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