¿Las películas de MARVEL están arruinando el cine?

A muchas personas les encantan las películas de Marvel, especialmente las que se llevan a cabo dentro del MCU. Sólo se necesita mirar cómo los éxitos en taquilla han dominado el paisaje cinematográfico durante la última década. Después de que Martin Scorsese hizo comentarios de que estas películas no son cine, muchos seguidores no estuvieron de acuerdo con las opiniones del cineasta, pero ¿tiene razón?


¿Cómo el universo cinematográfico de Marvel ha cambiado el cine?

En 2008, se estrenó la primera película del Universo cinematográfico de Marvel, Iron Man. Había estado en producción desde 1990 con varios estudios tratando de despegarlo. La película había sido rechazada por 30 guionistas; incluso mientras filmaban los actores improvisaban diálogos.

Cuando se lanzó Iron Man, el público en general ya estaba acostumbrado a las películas de superhéroes con las trilogías de Blade, Spider-Man y X-Men. Sin embargo, la fórmula de la película no era tan buena, los personajes no tenían antecedentes ni buenos propósitos para sus acciones, se sentía como si estuvieran allí solo para luchar. 

La fórmula de Marvel ha tenido éxito con muchos tratando de copiarlo y otros criticando. Los estilos de comedia de Iron Man, que combinan seriedad con bromas, lo diferencian de las otras películas de superhéroes de la época. Todas las películas de superhéroes mencionadas anteriormente adoptaron un enfoque más oscuro y con mucha melancolía.

Marvel tuvo éxito comenzando con películas en solitario como Iron Man, Hulk, Capitán América y Thor, antes de unir todo con los Vengadores. El hecho de que haya un plan claro desde el principio mientras que las películas se mantienen lo suficientemente bien por sí mismas, hace que tengan un hilo conductor y eso les encanta a los fans. 

Hay una cosa que se puede garantizar de las películas de Marvel: serán divertidas y llamarás la atención visualmente. Quizás no sea especialmente memorable, pero es una forma agradable de pasar el día,  y ése es el tipo de cosas que atrae a los espectadores, especialmente a las familias y a los aficionados al cine de cómics. Esto es lo que ha ayudado a convertir al MCU en un gran negocio. 

 


Las declaraciones de Martin Scorsese 

Fueron noticia en octubre por condenar las películas de Marvel como equivalentes a un parque temático. “No es el cine de seres humanos tratando de transmitir experiencias emocionales y psicológicas a otro ser humano”, dijo durante una entrevista con Empire que explotó en todas partes. El director, más tarde explicó sus comentarios en el BFI London Film Festival, afirmando que Marvel “no es cine, es otra cosa … No deberíamos ser invadidos por él”, lo que generó diversas críticas en redes sociales por parte de los fans de Marvel. 

 


La carta del cineasta 

The New York Times publicó un ensayo de opinión escrito por el propio Scorsese, titulado “Dije que las películas de Marvel no son cine. Déjame explicarte ”. En el artículo, Scorsese dice aún más de sus controvertidos comentarios. Argumenta que, si bien hay un arte técnico detrás de los lanzamientos de Marvel, no ofrecen el misterio y la sensación de descubrimiento que se encuentra en el cine con el que creció. 

Continuó diciendo que el cine se trata de “revelación estética, emocional y espiritual” y de “personajes: la complejidad de las personas y su naturaleza contradictoria y a veces paradójica, la forma en que pueden lastimarse unos a otros y amarse unos a otros y de repente venir cara a cara con ellos mismos “.

Para Scorsese, todo eso está ausente en el MCU. Él escribió  “lo que no existe es revelación, misterio o peligro emocional genuino”, nada está en riesgo. Las imágenes están hechas para satisfacer un conjunto específico de demandas, y están diseñadas como variaciones en un número finito de temas “.

El artículo de Scorsese confirmó sus opiniones de que las películas de Marvel son productos corporativos. “Esa es la naturaleza de las franquicias de películas modernas: investigadas en el mercado, probadas por el público, examinadas, modificadas, reventadas y remodificadas hasta que estén listas para el consumo”, escribió. Aún más sin rodeos, enmarcó su argumento en el contexto de muchos de los cineastas que cree que son artistas de cine: “Otra forma de decirlo sería que son todo lo que las películas de Paul Thomas Anderson o Claire Denis o Spike Lee o Ari Aster o Kathryn Bigelow o Wes Anderson no lo son “.

 


El futuro del cine 

Scorsese también ofreció un mensaje de advertencia sobre el estado actual de la exposición: “Si a las personas se les da sólo un tipo de cosas y se venden interminablemente solo un tipo de cosas, por supuesto que van a querer más de ese tipo de cosas”. El director expone sus preocupación por monopolizar las salas de cine y darle poca oportunidad de exposición a otro tipo de cine.

Scorsese también toca lo que lo atrajo primero al cine y las preguntas convincentes que presentan las películas, que según él están en juego a medida que el medio evoluciona. 

“Para mí, para los cineastas, llegué a amar y respetar, a mis amigos que comenzaron a hacer películas casi al mismo tiempo que yo. El cine se trataba de revelación: revelación estética, emocional y espiritual”.

 


Conclusión 

La opinión de Martin Scorsese puede desanimar a algunos fanáticos incondicionales de MCU, pero es su propia creencia. No está destrozando las películas o diciendo que está contento de que Iron Man esté muerto, simplemente está expresando su opinión. El director es una leyenda cinematográfica y se ha ganado el derecho a opinar. 

La razón es simple, en muchos lugares de este país y del mundo, las películas de franquicias ahora son tu elección principal si quieres ver algo en la pantalla grande. Es un momento peligroso en la exhibición de películas, y cada día hay menos cines independientes. La estrategia ha cambiado y la transmisión se ha convertido en el principal sistema de distribución. 

Por otra parte, Disney ha dominado desde hace mucho tiempo el cine, haciendo a los personajes antiguos más frescos y accesibles para las nuevas generaciones logrando reconocimiento en el mundo . Y desde que se hicieron cargo de Marvel, han estado aplicando esas habilidades para agregar los toques finales para hacer que el MCU sea el monstruo aparentemente imparable que es hoy.

Para cualquiera que sueñe con hacer películas, o que recién está comenzando, la situación en este momento es brutal para el arte, pues las grandes industrias monopolizan las salas completamente y sólo en algunos puntos del país se pueden encontrar cines independientes para ver más variedad, pero recordemos que esto no es en todo el mundo. Hace falta regularizar un poco su exhibición para que las personas no se acostumbren a ver sólo un tipo de cine.


 Ustedes, ¿qué opinan, cinéfilos? ¿Tiene razón Scorsese?

 

¿Por qué deberías ver Queer Eye?

La renovación de Netflix del clásico show Queer Eye , originalmente llamado Queer Eye for the Straight Guy , ha recibido excelentes críticas. El programa cuenta la historia de los “Fab Five” hombres homosexuales expertos en aseo, moda, cultura, diseño y cocina.

El espectáculo se adapta a las realidades sociales actuales, dando críticas sobre el machismo, racismo y la homofobia. Se emitió por primera vez en 2003 y se consideró atrevida simplemente por mostrar a hombres homosexuales y heterosexuales interactuando en la televisión.

En Queer Eye , los hombres están hechos para reflejar “una masculinidad impulsada por el mercado que depende de altos niveles de consumo”, todos los problemas se resuelven con dinero. Esto sigue siendo igual para la nueva versión, sin embargo, también se preocupa por da un mensaje positivo sobre los problemas actuales de la comunidad LGBT. 


Contenido social 

Los amigos abordan una gama más amplia de problemas, incluidos el racismo y las diferencias religiosas. El programa hace un buen trabajo al enseñar a los hombres heterosexuales cómo mostrar emociones y desarrollar la autoaceptación . Al hacerlo, Queer Eye se convierte en un enseñanza para la masculinidad tóxica que reducen la expresión de los hombres a la agresión y la ira. 

Aunque la serie se puede poner muy seria en momentos, la verdad es que encontramos muchas variedad de contenidos, pues también ofrece consejos de belleza y moda. De hecho, el enfoque del programa en el consumismo y la apariencia externa a veces puede opacar los temas serios. Pero debemos entender que los temas que son considerados banalidades, también pueden ser un estereotipo y que cualquier persona se puede interesar por su apariencia física y ser una persona crítica en temas sociales. 

Queer Eye

 


Representación

Queer Eye logra celebrar diversas representaciones de hombres homosexuales,  el programa original era culpable con la idea de que las personalidades gay debían adherirse a los estereotipos y minimizar las diferencias. En contraste, los nuevos personajes en su versión actual de Queer Eye discuten sus antecedentes durante todas la temporadas. Para empezar, los productores decidieron incluir en su elenco principal un hombre de color: Karamo Brown y un hombre pakistaní:  Tan France. También muestran una expresión de género más femenino con  Jonathan Van Ness.

Los productores han cambiado el enfoque de interacciones simples entre hombres homosexuales y heterosexuales a episodios que abordan cuestiones más amplias de género, raza, religión y política. Sin embargo, el programa sigue la tendencia general en la cual los hombres homosexuales se han vuelto más visibles y aceptados en la sociedad estadounidense. 

Abordar temas controversiales fue desde el principio fundamental para reiniciar el programa para una nueva generación, tocando nuevos temas y cuestionando otros.  No es común que los hombres heterosexuales se interesen por productos cosméticos y domésticos que a menudo se comercializan como femeninos, Queer Eye da el mensaje que preocuparse por la apariencia personal no es un tema de género y que debería ser normal ver a un hombre comprando una mascarilla.

Queer- Eye - 2

 


Nueva temporada

La temporada de cuatro episodios, Queer Eye: Estamos en Japón , se estrenó el 1 de noviembre en Netflix. Los Fab Five (Karamo Brown, Antoni Porowski, Bobby Berk, Jonathan Van Ness y Tan France) están de vuelta y mejor que nunca, ya que ayudan a guiar a una variedad de personas de diferentes géneros y orientaciones sexuales en Japón

A los chicos se les unirá la modelo y actriz Kiko Mizuhara y la comediante Naomi Watanabe, mientras son guiados por el país sus invitados descubrirán la cultura japonesa. Ademas, los creadores adelantaron que la quinta temporada ya se está grabando y estrenará en 2020.

Aquí te dejamos el trailer 

 

Las películas que se estrenan en FICM 2019

El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) es uno de los más importantes en México. Su objetivo es apoyar a los cineastas mexicanos, cultivar nuevos talentos y difundir la cultura cinematográfica de México para el mundo; además de ser reconocido por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.  

Al término de las actividades en Morelia inicia Lo Mejor del FICM en la Ciudad de México en donde se exhiben las películas ganadoras del festival para que más personas puedan disfrutar de su difusión a través de Cinépolis.


Éstos son algunos de los estrenos internacionales que formarán parte de la 17ª edición del FICM: 

1. The Lighthouse (Robert Eggers)

El director de The Witch  regresa con The Lighthouse, una  película de terror que narra la vida de Thomas Wake (Willem Dafoe) y su joven asistente, Ephraim Winslow (Robert Pattinson), quienes llegan a una misteriosa isla de Nueva Inglaterra en la década de 1890. Durante un período de cuatro semanas, Thomas, quien dice que su último asistente se volvió loco, trata a Ephraim como un esclavo.

Ephraim toma el abuso verbal con tanta calma como puede reunir, y trabaja duro en las tareas físicamente exigentes que Tom le da, como fregar los pisos, cargar barriles pesados de petróleo, recoger leña, blanquear el faro y palear carbón, mientras Tom, que tiene una lesión en la pierna, no hace nada más que atender a la linterna. Los dos forman una especie de camaradería, especialmente después de que Tom finalmente convence a Ephraim de compartir una bebida con él. Pero la negativa de Tom a permitir el acceso de Ephraim a la cima del faro hace que el hombre más joven crea que tiene un secreto.

Esta es una de las películas más esperadas del año y sin duda será parte importante del FICM 2019.

FICM- The Lighthouse

 


2. A Hidden Life (Terrence Malick)

Del reconocido director Terrence Malick, ganador de la Palma de Oro en Cannes por The Tree of Life (2011), llega su más reciente película, A Hidden Life, que cuenta la historia de Franz Jägerstätter (August Diehl), quien se negó a luchar por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.

El hombre se enfrenta a la amenaza de ejecución por traición, pero, su fe inquebrantable, sus convicciones y su amor por su esposa Fani (Valerie Pachner) son lo que mantiene vivo. Jagerstatter, fue declarado Mártir por el papa Benedicto XVI en 2007, tuvo su vida dramatizada antes, en la película de televisión austríaca de 1971 The Refusal, dirigida por Axel Corti. 

 

FICM- A Hidden Life


3. Downton Abbey (Michael Engler)

Esta es la  adaptación a la pantalla grande de la serie de televisión sobre las vidas de la familia Crawley y los sirvientes que trabajan para ellos a principios del siglo XX en su lujoso castillo. Contará la historia en 1927 sobre el Señor y la Condesa de Grantham (Hugh Bonneville , Elizabeth McGovern ), quienes reciben la noticia de que el Rey y la Reina de Inglaterra vendrán a visitar la abadía de Downton. Los sirvientes comienzan a pulir y limpiar todas las superficies en anticipación de la visita real, mientras que Lady Edith ( Laura Carmichael ) regresa a Downton Abbey con su hija Marigold y su esposo, Bertie Pelham ( Harry Hadden-Paton). 

Sin embargo, Lady Mary ( Michelle Dockery ) siente que Thomas ( Robert James-Collier ) no está preparado para manejar el trabajo de Head Butler durante la visita real, así que buscará a su mayordomo retirado, Carson ( Jim Carter ), para convencerlo de que regrese al servicio una última vez

 


4. A Rainy Day in New York (Woody Allen)

La más reciente película de Woody Allen narra las aventuras de dos jóvenes que llegan a Nueva York. Timothée Chalamet, es un joven rico de NY dividido entre su actual novia Elle Fanning, una estudiante periodista, y Selena Gomez, una seductora aspirante a actriz. La película fue filmada en Manhattan y ambientada en un período contemporáneo, Allen no ha creado una película exclusivamente en Nueva York desde Everything Works de 2009.

La película no tiene reparos en demostrar que los hombres mayores pueden encontrar atractivas a las mujeres más jóvenes y que una mujer joven puede enamorarse de hombres mayores, lo que podría desatar polémica por los recientes escándalos del director Woody Allen. 

FICM- A Rainy Day in New York

 


5. Contra lo imposible (James Mangold)

Basada en una historia real y situada en el año 1966, en el marco de la carrera de las 24 horas de Le Mans, Henry Ford II ( Tracy Letts ) y Lee Iacocca ( Jon Bernthal ) le asignaron al visionario automotriz Carroll Shelby (Matt Damon) una importante tarea. Decididos a que un automóvil Ford gane la prestigiosa carrera y derrocar al invicto Ferrari, hacen que Shelby, junto con un equipo de ingenieros y diseñadores estadounidenses, construyan un auto completamente nuevo. Con el piloto británico Ken Miles (Christian Bale) al volante, veremos uno de los dramas más interesantes de las carreras de autos.. El director James Mangold ha sido reconocido por películas como Walk the Line y Logan.

FICM- Ford

 


Otras películas que estrenarán durante el FICM:

La vida invisible de Eurídice Gusmão (Karim Aïnouz)
Los locos Addams ( Greg Tiernan, Conrad Vernon)
Al ritmo del corazón (Icíar Bollaín)
Así habló el cambista (Federico Veiroj)
And Then We Danced (Levan Akin)
Ella es Cristina (Gonzalo Maza)
Parásitos (Bong Joon-ho)
Espíritus del mar (Ayumu Watanabe)
Little Joe (Jessica Hausner)
Magari (Ginevra Elkann)
Sr. Link (Chris Butler)
Motherless Brooklyn (Edward Norton)
La odisea de los giles (Sebastián Borensztein)
Papicha ( Mounia Meddour)
Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma)
The Souvenir (Joanna Hogg)
The Traitor (Marco Bellocchio)
Tierra de zombies 2 (Ruben Fleischer)

¿Están listos para el FICM 2019? Cuéntenos si asistirán.

Todo sobre la película de Breaking Bad

Breaking Bad, la galardonada serie dramática se estrenó en enero de 2008 y duró cinco temporadas. La historia se centró en Walter White (Bryan Cranston), un maestro de química de la escuela secundaria que recurrió a la fabricación de metanfetaminas para apoyar económicamente a su familia después de que le diagnosticaron cáncer de pulmón. Con ayuda de un traficante de drogas y ex alumno llamado Jesse Pinkman (Aaron Paul), Walter se convirtió en un capo de las drogas conocido como Heisenberg. 

Breaking Bad terminó en septiembre de 2013 y la exitosa serie tendrá una secuela de la película titulada El Camino: una película de Breaking Bad, escrita y dirigida por el creador original Vince Gilligan.  

Aquí te contamos, con spoilers, lo que debes saber sobre la próxima película:

¿Quiénes serán los personajes?  

Sabemos que la continuación se centrará en Jesse Pinkman. Más allá de eso, está todo incierto. Según unas declaraciones recientes de el creador Vince Gilligan, regresarán más de 10 personajes del programa. 

Eso descarta algunos personajes, especialmente Walter White, dado que murió al final de la serie. Aunque, siempre existe la posibilidad de que se incluyan flashbacks, lo que podría permitir que Walt, o cualquier número de personajes fallecidos, regresen. Es probable aparezcan personajes, viejas historias y elementos que se muestran brevemente para los espectadores más atentos. 

Charles Baker repetirá su papel de Skinny Pete, uno de los amigos de Jesse. En el primer avance, es visto siendo interrogado por las autoridades con respecto a Jesse. Dado lo cerca que él y Badger estuvieron con él durante los eventos finales, tiene mucho sentido que aparezca.

Matt Jones, quien interpretó al otro amigo de Jesse llamado Badger, también regresará para la película. El avance más reciente reveló que Larry Hankin volverá como Old Joe, el dueño del depósito de chatarra que ayudó a Jesse y Walter algunas veces en la serie.

 


La trama 

La última vez que los fanáticos vieron a Jesse, fue tomado como rehén y lo obligaron a cocinar en un complejo. Con la ayuda de Walter, Jesse pudo escapar y conducir en su camioneta. Según la sinopsis, la película comenzará justo después de los eventos del final de la serie, y el paradero de Jesse aún no está claro. 

Tal vez conoceremos más sobre los pensamientos de Jesse después de haberlo tenido todo y haber perdido a las personas que más amo, pues recordemos que debido a sus acciones en el pasado murieron sus dos parejas románticas en la serie. Por otro lado, después de matar a Gale por órdenes de Walter White, Jesse no volvió a ser el mismo. 

El trailer de El Camino termina con un periodista hablando de una “persona de interés” que huyó de la escena. Vince Gilligan admitió en una entrevista reciente que se pensó en la idea de un repaso, pero no pudo encontrar una manera de hacerlo funcionar. Entonces, si no has visto Breaking Bad, la película podría no ser tan independiente, lo que significa que es mejor ver la serie antes.  


La música tendrá un papel importante  

En la serie, hay excelentes secuencias de montaje con música. La delicada atención a los personaje y los detalles de la trama hacen que quieras volver y mirar episodios para ver lo que te has perdido y  es probable que en la película este elemento no sea ignorado.  

Además del intenso drama, el creador Vince Gilligan ofrece una serie de montajes bellamente diseñados y coreografiados con música que se han convertido en un elemento básico de la serie y  probablemente lo repetirá en la película.


Extrañaremos la relación de Jesse y Walter  

La tumultuosa relación entre Bryan Cranston y el personaje de Aaron Paul te mantiene al borde de tu asiento en la serie. Ellos tienen una relación de amor y odio, ya que el maestro mayor se frustra a menudo con el joven que no tiene experiencia en química a causa de su inmadurez. 

A medida que avanza la serie, los espectadores ven a los dos desarrollar una especie de vínculo padre-hijo, con Walt cada vez más cerca de Jesse que su hijo real, Walt Jr. Por otro lado, Jesse se vuelve muy protector con su antiguo maestro cuando otros amenazan su vida.  Es difícil pensar en otra serie de televisión que presente un personaje principal simpático que lentamente se vuelve diabólico, codicioso, egocéntrico y cruel.  

La química también se traduce fuera de la pantalla. Cada vez que estos dos salen juntos al público, la pareja siempre entrega una serie de fotos imperdibles. 

 


Aquí puedes ver el trailer de El camino.

¿Estás listo?

5 películas imperdibles de Joaquin Phoenix

Joaquin  Phoenix está acaparando la atención de muchos por su actuación en Joker, pero desde antes ya era considerado uno de los grandes talentos en el cine. Phoenix ha demostrado una y otra vez ser un actor increíblemente diverso, y parece que nunca interpreta al mismo personaje dos veces.  

A menudo ha interpretado personajes que tienen un lado oscuro y trágico. Sus personalidades suelen generar un poco de lástima y es difícil no gustar de ellos o admirarlos de alguna manera. 

Aquí te compartimos las mejores actuaciones de la carrera de Joaquin Phoenix hasta el momento. 

1. HER (2014) 

Her cuenta la historia de Theodore (Joaquin Phoenix) , un hombre que está casado con Catherine (Rooney Mara), pero se encuentra en medio de un divorcio. Samantha (Scarlett Johansson) es un sistema operativo, responde a las dificultades de la vida, está diseñada para adaptarse y evolucionar. A medida que pasa el tiempo Theodore y Samantha entran en una relación; si bien eso es difícil de entender, la película hace un buen trabajo al dejarnos creer que es totalmente posible. 

La forma en que retrata Phoenix a este personaje como una persona solitaria que anhela amor nos hace animar, reír y llorar. Si la has visto, no puedes negar la cantidad de emoción que le brinda a este personaje, es un espectáculo de un solo hombre, en donde él lleva las emociones de esta película sobre sus hombros. Nadie más podría haber desempeñado este papel tan bien. Por su actuación como Theodore, Phoenix fue nominado para su cuarto Globo de Oro. 

 


2. NUNCA ESTARÁS A SALVO (2018) 

Joaquin Phoenix presenta una actuación dramática como Joe, un veterano traumatizado por su vida pasada. Después de que la hija del senador desaparece, Joe se ve envuelto en una conspiración que conducirá por un camino peligroso.  

Phoenix nos hace sentir mucho por este personaje que parece tan perdido en el mundo en el que vive. Con las breves tomas mostradas de su pasado, realmente podemos ver cuán roto está el personaje. Con la pesada carga de su memoria sobre él, Joe no se detendrá ante nada para hacer lo correcto.  Por su actuación, ganó el premio al Mejor Actor en Cannes.

 


3. THE MASTER (2012) 

Freddie Quell (Joaquin Phoenix) es un vagabundo problemático y borracho que lucha con el trauma de la Segunda Guerra Mundial y los demonios internos que atormentaron su vida antes de eso. Una noche, Freddie aborda un bote y se encuentra con Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), el carismático líder de un movimiento religioso llamado “La Causa”. Freddie se convierte en un discípulo y se esfuerza por cumplir con las extrañas enseñanzas de Dodd, incluso cuando otros miembros del círculo íntimo de Dodd lo ven como una amenaza. 

Por su actuación como Freddie, Phoenix obtuvo su tercera nominación al Premio de la Academia y Globo de Oro. Phoenix tiene una técnica formidable en esta película, es un actor que transmite sus emociones de enojo muy natural.   

 


4. GLADIATOR (2000) 

El general romano Maximus es el más fiel defensor del emperador Marco Aurelio, a quien dirigió a sus victorias con ejemplar valentía.  Celoso del prestigio de Maximus (Russell Crowe), el hijo de Marc Aurele, Commodus (Phoenix), se arroga brutalmente el poder, luego ordena el arresto del general y su ejecución. Maximus escapa de sus asesinos, pero no puede evitar la masacre de su familia. Capturado por un comerciante de esclavos, se convierte en gladiador y prepara su venganza. 

En esta película, Phoenix interpreta a un hombre muy aterrador y despiadado. Se convirtió en uno de los mejores villanos del cine estadounidense en ess últimos años y probablemente es una razón por la que todos creen que Phoenix en el papel del Joker es una gran idea. 

Por su actuación como Commodus, Phoenix obtuvo su primera nominación al Óscar y su segunda nominación al Screen Actors Guild. 

 


5. WALK THE LINE (2005) 

Joaquin Phoenix interpreta al legendario Johnny Cash en esta película biográfica sobre los primeros días del músico.  Este filme lo tiene todo con las canciones familiares y la desgarradora historia de regreso del mejor cantante de country de la historia.  Phoenix se convierte en Johnny Cash a través de la apariencia, la personalidad y el canto. Vemos su ascenso y caída debido a las drogas y la fama. Hace que esta actuación sea tan creíble que se siente como un documental en lugar de una película.  

Hasta la fecha, la representación de Phoenix de Johnny Cash sigue siendo su triunfo artístico, no sólo intentando una actuación similar, sino tratando de llegar a la esencia del hombre. Por su actuación como Johnny ganó su primer Golden Globe y fue nominado para su segundo Premio de la Academia y su cuarto Premio del Screen Actors Guild. 

 


Cinéfilos y cinéfilas, ¿cuál es su película favorita de Joaquin Phoenix?

American Horror Story: lo mejor de una década

La estructura innovadora de American Horror Story de Ryan Murphy fue pionera en la “miniserie antológica”, formato en el que cada nueva temporada cuenta una historia diferente , aunque a menudo con algunos de los mismos miembros del elenco. Cada temporada tiene lugar en un momento diferente y cada renovación da la oportunidad al programa de probar cosas inquietantemente nuevas. 

Estamos a unos días para que American Horror Story regrese con su novena entrega, por eso aquí te dejamos una rapidísimo review de las temporadas anteriores.  


Murder House 

La trama de Murder House es probablemente la más común en historias de terror: una pareja se muda a una mansión con un pasado oscuro, descubren que hay fantasmas y  luego la casa comienza a destrozar su matrimonio. Pero, es en este giro que la historia nos muestra cómo lo realmente monstruoso son los propios humanos, ya que vemos cómo la familia comienza a quebrarse por los secretos del padre de familia. 

La primera temporada de American Horror Story nos dio hombres con trajes de goma, asesinos adolescentes, amas de casa fantasma, embarazos muy espeluznantes y la maravillosa actuación de Jessica Lange. 


Asylum 

Asylum es la mejor historia de American Horror Story  y una de las mejores temporadas de televisión de la década. Es la única temporada del programa en la cual  todo lo que intenta Murphy realmente funciona. La actuación de Sarah Paulson es fenomenal, y la narrativa es bien justificada, incluso al agregar extraterrestres en la historia.  

Asylum es la descripción de las formas en que la sociedad estadounidense una vez intentó literalmente borrar a las personas LGBT del planeta por no ajustarse estrictamente a las normas. 

Es el personaje de Lana Winters (Sarah Paulson) una periodista lesbiana que visita un asilo como parte de un proyecto de denuncia y luego queda atrapada allí cuando su sexualidad sale a la luz. Ésta es una serie que tiene como objetivo asustar, claro, pero aquí sus historias de terror son también una crítica social. Asylum es una temporada que difícilmente podrá ser superada.  

 


Coven  

Han pasado más de 300 años desde los turbulentos días de los juicios de Salem. Aquellas brujas que lograron escapar ahora están en peligro de extinción,  se están produciendo misteriosos ataques y, por ello, deciden enviar a las más jóvenes a una escuela especial en Nueva Orleans donde puedan aprender a protegerse.

Esta temporada parece ser la favorita de muchas personas por las buenas actuaciones y el gran carácter de sus personajes. Probablemente lo único que no me gustó de Coven es cómo matan a personajes y luego los resucitan inmediatamente, aunque podría quedar justificado dado que son brujas; sin embargo, este recurso resulta cansado.  

Sobra resaltar el gran acierto de la representación de luchas internas entre los marginados y la idea de que sólo ellos pueden conducir a una mayor superioridad por parte de los hombres blancos que dirigen el mundo.  

 


Freak Show 

En esta temporada, Jessica Lange interpreta a Elsa Mars, una mujer alemana que sueña con el estrellato, pero que sólo se ha acercado a la presentación de un espectáculo de monstruos en Júpiter, Florida, en la década de 1950. Ahí encuentra una variedad de personas con anormalidades genéticas, un grupo interesante que utiliza para crear su espectáculo.  

Su descripción de un mundo gobernado por los caprichos crueles de los hombres blancos que no notan a nadie diferente a ellos, se combina para formar lo que podría ser la temporada más sentimental de la serie. También, es la temporada en la que Jessica Lange interpreta “Life on Mars” y todos los fans rompieron en lágrimas.  

La temporada también explora el clasismo y el privilegio social, con una madre acomodada y su hijo sociópata y mimado. El hijo, Dandy Mott (Finn Wittrock) , es la muestra de los excesos de riqueza y de los privilegios llevados demasiado lejos.

 


HOTEL  

La historia de la temporada está ambientada en el Hotel Cortez, un enigmático lugar art-decó de seis pisos,  con sede en Los Ángeles. La trama sigue a The Countess  (Lady Gaga), la dueña del hotel, mientras trata de protegerse a sí misma y a sus hijos de la furia de su amante anterior que busca vengarse de ella. 

Al principio, Hotel parecía examinar la incapacidad de la humanidad para lidiar con el dolor. La idea era buena, pero, en la segunda mitad de la temporada, la serie comenzó a dar muchos giros ridículos y la temporada se desvaneció.  Encanta Lady Gaga, claro. Y es emocionante ver actores como Denis O’Hare, Chloë Sevigny, Matt Bomer , Evan Peters  y la larga lista de estrellas que actuaron en la temporada, pero nada de eso alcanza para salvar la temporada.

 


Roanoke

Filmado como un falso documental, esta temporada cuenta la historia de la pareja de Shelby Miller (Lily Rabe) y Matt Miller (Andre Holland), recreados por Audrey Tindall (Sarah Paulson) y Dominic Banks (Cuba Gooding Jr.) respectivamente. Ellos se mudan a una casa embrujada y allí deciden contar las horribles experiencias que tuvieron que pasar.   

Por un lado, la primera mitad de la temporada es una burla de los reality shows sobre fantasmas de la “vida real”. Pero la segunda mitad de la temporada es una sátira brutal de la industria del entretenimiento, misma que hace todo para ganar dinero y sigue filmando incluso cuando hay vidas que están en peligro.

 


CULT  

Cult se desarrolla en los suburbios de Detroit con Sarah Paulson como protagonista, una mujer llamada Ally traumatizada por los ataques del 11 de septiembre. Ella ha desarrollado tres fobias: tripofobia, ansiedad por objetos o formas que tengan agujeros o cavidades; coulrofobia, miedo a los payasos; y hemofobia, un miedo irracional a la sangre. La victoria electoral de Donald Trump hace que sus temores vuelvan a agravarse y el personaje es amenazado por un grupo de payasos siniestros, al tiempo que su esposa piensa que tuvo un episodio psicótico. La falta de apoyo hace que Ally tome medidas drásticas para protegerse a sí misma y a su familia  

American Horror Story: Cult comenzó como una visión oscura, satírica e infundida de horror de la política y la sociedad estadounidense, y terminó como una elaborada fantasía de venganza femenina en la que una mujer finalmente gana una gran elección. La temporada sufre bastantes giros y se pierde la historia al final de temporada. 

 


APOCALYPSE   

Después del apocalipsis nuclear, la élite sobrevive en puestos seguros creados por la misteriosa cooperativa. La inesperada llegada de un representante decidido a salvar a la sociedad con un paraíso secreto, arroja su orden al caos. Sin embargo, debajo de la superficie de la salvación de la humanidad se encuentra un campo de batalla para el conflicto final entre el bien y el mal. 

Apocalypse fue por lo menos hecho con un tiempo inteligente para enfrentar un problema: la idea de que las cosas finalmente simplemente terminen.  La serie se ha caracterizado durante mucho tiempo en mostrar a las personas, ya sea en su peor comportamiento o en su faceta más vulnerable y en esta temporada nos quiere decir: ¿Qué mejor escenario para ambos que el fin del mundo?  

 


American Horror Story: 1984 

La nueva temporada, algunos especulan que tendrá gran inspiración en la novela de George Orwell, 1984. El avance  presenta un clip de una mujer huyendo de un asesino. Después de huir a su cabaña, el asesino apuñaló su cuchillo por la puerta.  Todos conocen las películas clásicas como Pesadilla en la Calle del Infierno, Viernes 13 y Campamento sangriento, cintas que redefinieron el género de terror y el mundo del cine. Según el director y creador Ryan Murphy, esa década de horror es lo que inspira esta nueva temporada de American Horror Story

Por primera vez en la historia de AHS, el actor Evan Peters no volverá al programa, porque decidió tomarse un tiempo, al igual que Sarah Paulson. 

La promesa de una temporada de American Horror Story siempre es genial. O, solía serlo, pues muchos críticos consideran que cada vez se ve más desgastada la serie. Por lo poco que hemos visto en los avances la próxima temporada promete mucho. 

Aquí te dejamos el avance: 


¿Ustedes esperan esta nueva temporada de American Horror Story?

Mostra de Venecia 2019: Lo que hay que saber

Uno de los festivales de cine más prestigiosos y conocidos del mundo, el Festival de cine de Venecia regresa este año para su 76a edición, del 28 de agosto al 7 de septiembre.

El objetivo del festival es promover el cine internacional en todas sus formas a través de un espíritu de libertad y diálogo, para apoyar la más destacado de este arte.

El León de Oro es el premio más codiciado del festival y uno de los premios internacionales de cine más importantes. El año pasado el ganador del prestigioso premio fue para Roma de Alfonso Cuarón y un año antes La Forma del Agua de Guillermo del Toro. 

Además del León de Oro, hay varios otros premios otorgados.  El “León de Plata” se otorga al mejor director;  el “Gran Premio del Jurado” y el “Premio Especial del Jurado” se otorgan a películas especialmente merecedoras.  El “Premio Marcello Mastroianni” reconoce a un actor o actriz emergente,  el “Golden Osella” es para el mejor guión y  la “Copa Volpi” , otorgada al mejor actor y actriz.


Jurado 

Lucrecia Martel será la presidenta del jurado de la competencia, además del crítico canadiense Piers Handling , la actriz británica Stacy Martin, el fotógrafo mexicano Rodrigo Prieto, el director japonés Tsukamoto Shinya y Paolo Virzì , mientras que Mary Harron reemplazará a la directora australiana Jennifer Kent, quien no pudo llegar a Venecia. 

 


Principales películas en competencia 

El Festival de Cine de Venecia se ha convertido en el verdadero comienzo de la temporada de películas de otoño, y la plataforma de lanzamiento más confiable para la cosecha anual de los ganadores de premios. 

Una de las películas más comentadas es Ad Astra de James Gray, protagonizada por Brad Pitt. Cuenta la historia del ingeniero Roy McBride, que viaja al borde del sistema solar en busca de la única persona que podría resolver una crisis de extinción en su Tierra. 


La verdad

La película de apertura de este año es del director japonés Hirokazu Kore-eda, quien se llevó a casa la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2018 por su película Un asunto de Familia. Hirokazu presentará La verdad,  protagonizada por Juliette Binoche quien encarna a una mujer que regresa a París con su madre, una famosa actriz interpretada por Catherine Deneuve. Las películas del director son elogiadas por usar medios simples para contar historias intensas sobre personas comunes en situaciones desafiantes.

 


Historia de matrimonio

Historia de matrimonio de Noah Baumbach se rumora que es una de las mejores películas de Baumbach, y se posiciona como la mayor obra para los premios Óscar de la productora Netflix.  Adam Driver y Scarlett Johansson son una pareja cuyas vidas son destrozadas por un agotador divorcio. Contará con la participación con de una de las actrices favoritas de año Laura Dern. Sin duda, es una película con altas expectativas debido a las criticas positivas que ha recibido alrededor del mundo, apostándole nominaciones al Oscar el próximo año, logrando que Netflix tenga más presencia en festivales de cine importantes. Ademas, han catalogado la actuación de Johansson como una de las mejores del año. 

 


Red de avispas

Red de avispas de Olivier Assayas está inspirada en una historia real sobre un grupo de espías cubanos que operaron fuera de Florida en la década de 1990 con el consentimiento del gobierno estadounidense. Es protagonizada por Penélope Cruz, Gael García Bernal y Ana de Armas.  Comenzaron a filmarla en Cuba el año pasado, y aunque aún no tenemos ningún avance se ha convertido en una de las películas mas prometedoras de los festivales de cine.

 


Joker

El sábado, será el momento de proyectar Joker, dirigida por Todd Philips, y protagonizada por Joaquin Phoenix. Varios críticos predice, que esta película irá directamente a los Óscar, pues el hecho de que Warner Bros. ponga a Joker en competición para unos premios tan importantes es un gran voto de confianza para la cinta. A medida que nos acercamos al lanzamiento de Joker, parece que las cosas se están volviendo aún más intrigantes en cuanto a lo que estamos a punto de ver.

 


Premio honorífico 2019

El director español Pedro Almodóvar recibe el León de Honor por el trabajo de su carrera. El director ha sido bastante aclamado por su más reciente película Dolor y Gloria, que aún se exhibe en muchos cines de todo el mundo.

 

Danny Boyle: 5 películas imperdibles

El director Danny Boyle ha creado películas distintivas y visualmente llamativas que se quedarán para siempre en la historia del cine. Con temas recurrentes como la religión y la amistad, y con personajes metidos en circunstancias poco convencionales, Boyle ha demostrado su capacidad de contar historias variadas, admirables y siempre con un estilo visual distintivo. 

A continuación, y a propósito del estreno próximo de Yesterday, te dejamos una lista de sus películas que no te puedes perder: 


1. Trainspotting (1996)

Trainspotting puso a Boyle en el mapa cinematográfico internacional desde su estreno convirtiéndose en un clásico instantáneo.  Al contar la historia de un grupo de adictos en Edimburgo en la década de 1980, la película toma la esencia de la novela de culto de Irvine Welsh y presenta algo único. 

La cinta explora la amistad en circunstancias disfuncionales y Ewan McGregor ofrece una de las mejores actuaciones de su carrera como Renton, un joven adicto a las drogas. Algunos críticos consideran que la película glorifica las drogas, pero Boyle elige simplemente representar la adicción, dejando que el espectador tome cualquier decisión moral. 

El amor de Danny Boyle por la música se usa con éxito en la película, dando como resultado una de las bandas sonoras más vendidas de todos los tiempos. En cada canción de la cinta, la normalidad es interrupida por las distorisiones que provoca vivir con adicción. “Lust for Life” de Iggy Pop se ha convertido en sinónimo de Trainspotting y, por consecuencia, de toda una generación.

 


2. 28 Days Later (2002) 

Un hombre llamado Jim se despierta de un coma en un hospital vacío. Encuentra todo desierto, lleno de signos de caos y sin nadie más allí. Luego, Jim deja el hospital y se dirige al centro de Londres , donde descubre que la ciudad está completamente vacía de vida humana y ha padecido una catástrofe masiva. También halla un gran tablero de anuncios cubierto con miles de personas desaparecidas. 

28 days later muestra el colapso de la sociedad tras la liberación accidental de un virus altamente contagioso y se centra en la lucha de cuatro sobrevivientes para lograr permanecer en el mundo.

Un éxito comercial y crítico, la película es ampliamente reconocida por revitalizar el género zombie y de terror.  Muestra cómo una vez que el individuo está infectado, su humanidad da paso a lo monstruoso.

La posibilidad de supervivencia ciertamente apunta hacia la esperanza. Sin embargo, la circularidad de la trama inspira consternación, manteniéndonos atentos y nerviosos frente a la pantalla.

 


3. Millions (2004) 

Damián, de 7 años, y su hermano Anthony, de 9, se mudan con su padre al norte de Inglaterra para comenzar de nuevo después de la muerte de su madre. Damián está obsesionado con los santos católicos, describiendo con entusiasmo hechos sobre sus vidas, milagros y muertes a cualquiera que pueda escuchar. Su vida cambia cuando una bolsa llena de dinero aparentemente cae del cielo a los pies de Damian, y él cree que es un regalo de Dios para ayudar a la gente pobre.  

Anthony, más práctico y terrenal, lo ve como una oportunidad de inversión y le sugiere que no le digan a su padre. Sin embargo, deben averiguar qué hacer con él rápidamente, ya que la libra esterlina será reemplazada por el nuevo euro en cuestión de días y, por lo tanto, dejará de tener valor.

El mensaje más fuerte de Millions es que tener mucho dinero puede causar más problemas de los que resuelve, corrompiendo a casi todos los que entran en contacto con él.  Se demuestra que el amor al dinero lleva a los buenos personajes por mal camino hacia la mentira, el conflicto y la infelicidad.  

La película nos pregunta, ¿alguien puede ser realmente bueno?

 


4. Slumdog Millionaire (2008)

Nominada a diez premios de la Academia y ganadora de ocho, incluido el de Mejor director, esta película muestra lo que el director puede hacer con un presupuesto mayor.  Basado en el libro de Vikas Swarup, Slumdog Millionaire cuenta la historia de Jamal (Dev Patel), un adolescente que llegó a la pregunta final de el programa  ¿Quién quiere ser millonario?  y es acusado de hacer trampa. La película relata la historia de su vida, explicando cómo logró saber las respuestas a cada pregunta.

Slumdog Millionaire es quizás la cinta más convencional del trabajo de Danny Boyle, con un romance agradable en el corazón de la historia. De todas maneras, es una película imprescindible y un ejemplo de cómo el director puede adoptar diferentes géneros para crear algo nuevo y único.

 


5. 127 Hours (2010)

Otro tema común en el trabajo de Danny Boyle es el triunfo del espíritu humano y la voluntad de sobrevivir. En 127 Hours cuenta la vida del excursionista Aron Ralston, que estuvo en un cañón durante más de cinco días después de que su brazo quedará atrapado por una roca.  

Boyle nuevamente colaboró ​​con el guionista de Slumdog Millionaire, Simon Beaufoy, para llevar al cine la historia basada en hechos reales. Boyle optó por contar el suceso a su estilo, ya que al principio la historia solo se basaría en el protagonista atrapado, pero decidió usar una combinación del video diario de Ralston y alucinaciones para comunicar el estado mental del personaje, transmitiendo la sofocante sensación de claustrofobia que experimentó el excursionista. 

 


Cinéfilas y cinéfilos, ¿cuál es su cinta favorita de Danny Boyle?

Cine mexicano: entre Hollywood y las nuevas generaciones

En estos días, el cine mexicano está viendo un aumento en su producción cinematográfica año con año. Sin embargo, los jóvenes cineastas enfrentan grandes dificultades para distribuir sus obras. La competencia abrumadora de las superproducciones estadounidenses que inundan el mercado no favorece la distribución y exhibición de muchas de las películas mexicanas. 

Debido a que es difícil competir con estas superproducciones, muchos cineastas mexicanos siguen recurriendo a fórmulas trilladas (comedia romántica) de entretenimiento para durar en taquilla. Pero existe otro caso de un grupo de jóvenes cineastas que dan la espalda al cine comercial y aceptan el desafío actual de producir cine con propuestas diferentes.


El gran éxito de “Los 3 amigos”

Muchas publicaciones nacionales y extranjeras sugieren un renacimiento del cine mexicano atribuido principalmente a películas que no se producen  dentro del país. 

Los directores Alfonso Cuarón (Roma), Alejandro González Iñárritu (El renacido) y Guillermo del Toro (La Forma del Agua) han logrado consolidarse gracias a grandes películas que, no obstante, difícilmente pueden considerarse como producciones mexicanas. Una excepción podría ser Cuarón quien, cobijado por Netflix, sorprendió al mundo cuando regresó a producir en su país natal, ganando premios internacionales y la admiración de viejos y jóvenes. 

Muchas des estas producciones creadas por mexicanos en Hollywood  han ayudado a romper las líneas entre películas independientes y películas comerciales, ya que las mismas películas que triunfaron en los Óscar también triunfaron previamente en festivales de cine independiente (Venecia, San Sebastián, Berlín, etc…).

 


¿Y las nuevas generaciones?

Recién salidos de las escuelas de cine, después de hacer su primera película, sólo unos cuantos privilegiados logran llegar al segundo largometraje

Muchas de las películas más aclamadas por la crítica en México y Festivales Internacionales se han producido en condiciones muy difíciles, a veces a través de cooperativas, gracias al formato digital barato, con actores poco profesionales y sin mucha esperanza de compensación económica. El cine mexicano independiente tiene la misma experiencia: está mal distribuido y, cuando finalmente llega a cartelera, permanece escasamente un fin de semana, en horarios poco atractivos o en cines independientes.  

Las mejores películas independientes sobreviven para unos pocos espectadores interesados, casi sin publicidad, vencidos  por la competencia de las producciones norteamericanas que ocupan más del 90% de las pantallas del país.

 


No todo está perdido

Una nueva generación de cineastas elige trabajar en México y hacer películas probando formas innovadoras de producción y distribución alternativas. Utiliza Festivales Internacionales para ganar la visibilidad que se le niega localmente, y cuando un director gana reputación en el extranjero, llama la atención de instituciones oficiales que lo ayudan para producir la próxima película.

El cine producido en México ofrece una variedad de temas y propuestas artísticas cada vez más buenas. Explora el documental y la ficción de una manera mucho más creativa que hace diez o veinte años, a pesar de la falta de medios, materiales y de las dificultades en la distribución. En ficción tenemos a directores como Amat Escalante (Heli), Alonso Ruizpalacios (Güeros) y  Michel Franco (Las hijas de Abril), quienes encabezan una generación de directores interesados en hacer historias originales y alejadas de las comedias románticas

En cuanto a documentales los temas que predominan son  el narcotráfico, la injusticia, y la violencia e inseguridad en el país. No podemos dejar de mencionar 3 de las obras más representativas de los últimos años: La Libertad del Diablo (2017), de Everardo González y Diego Enrique Osorno,  Tempestad de Tatina Huezo (2016) y Hasta los Dientes (2018) de Alberto Arnaut. 

No obstante, siguen faltando estrategias para superar la brecha entre las películas premiadas y el público. Por ejemplo, La jaula de oro, premiada en Cannes, sólo se pudo ver en algunas  pantallas de México en 2014.

 


Por todo esto, un día como el 15 de agosto en que se celebra al cine mexicano vale la pena preguntarnos qué películas de nuestro país estamos decidiendo ver. En las y los espectadores está también la responsabilidad de hacer que la industria nacional se diversifique y adquiera más fuerza. Te invitamos a que busques los distintos canales (Netflix, FilminLatino…) que este fin de semana pondrán a tu disposición buena parte de estas películas que son difíciles de encontrar en carteleras.

Cuéntenos, cinéfilas y cinéfilos, ¿ustedes qué cine mexicano prefieren ver?

 

Mindhunter regresa con temporada 2

Después de una primera temporada oscura e intensa, que cautivó a los amantes del suspenso con la elaboración de perfiles de asesinos en serie, Mindhunter regresa para una temporada 2 que promete la oportunidad de sumergirnos en las mentes de algunos de los asesinos en serie más sádicos de la historia moderna. 

Dos años después de su lanzamiento, la segunda parte de Mindhunter se lanzará en unos días en Netflix. Mientras esperamos el 16 de agosto, repasamos lo que nos ofrecerá la próxima temporada en la cual Holden Ford (Jonathan Groff) y Bill Tench (Holt McCallany) buscan comprender los misterios de la psique de los asesinos en serie. Para esto, construyen teorías de comportamiento a partir de entrevistas con asesinos violentos. 


Un elenco sin cambios

La segunda temporada regresa con su elenco original: con Jonathan Groff interpretando a Holden Ford, Holt McCallany como Bill Tench y Anna Torv como la psicóloga Wendy Carr. Como recordatorio, el programa de Netflix fue creado por Joe Penhall y producido por David Fincher y Charlize Theron.

En la primera temporada de Mindhunter, la trama siguió a dos agentes del FBI, Holden Ford y Bill Tench. En un momento en que las autoridades están luchando por comprender los actos de los asesinos en serie, los dos hombres deciden cambiar sus métodos manteniendo varias entrevistas con las partes interesadas. Su objetivo es comprender cómo trabajan estas personas para resolver casos en curso. 

 


Nueva temporada 

Esta segunda temporada se centra en el caso de Atlanta Child Murders, una serie de asesinatos sangrientos que sacudieron la capital del estado de Georgia entre 1979 y 1981. Durante este período al menos 28 miembros de la comunidad negra fueron asesinados. 

Otro protagonista igualmente aterrador que firma su regreso en la temporada 2 es Ed Kemper, condenado por diez asesinatos, incluidos los de su madre y sus abuelos. Kemper (Cameron Britton) “cooperó” con las autoridades en la primera temporada, después de reconocer sus asesinatos, pero en el nuevo tráiler parece ya no ayudar mucho.  

Finalmente, la sombra de Charles Manson, condenado por haber ordenado el asesinato de varias personas, incluida la actriz y esposa del cineasta Roman Polanski, aparece en esta segunda temporada. Una llegada que todos los fanáticos de la serie estaban esperando y que podría alterar a Ford y Tench en el futuro.  

 


Importantes directores  

Los episodios son dirigidos por David Fincher (El club de la pelea), Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James) y Carl Franklin (House of Cards). Fincher es conocido por su estilo: puesta en escena sobria, linealidad narrativa y elegancia constante. En los tráilers de la próxima temporada vemos  que la serie mantiene la misma atmósfera a través de una fotografía urbana oscura para lograr una buena ambientación. 

Mindhunter ha demostrado que no solo es un thriller, sino también es una serie histórica, la primera que muestra el nacimiento y la historia de los perfiles criminales tal como lo conocemos hoy. Mirando a Mindhunter, estamos presenciando el cambio de conciencia en las masas que tuvo lugar después del nacimiento del concepto de “asesino en serie”: no olvidemos que Mindhunter es una serie basada en hechos reales. 

 


Recomendación obligada

Esta serie logró convencer gracias a sus innumerables cualidades y una excelente puesta en escena. Mindhunter desarrolla una fascinación por la psicología del comportamiento, invita al espectador a ser cautivado por el trabajo de investigación. 

La temporada 2 de Mindhunter llega el viernes 16 de agosto en Netflix. Con nuevos episodios, la serie busca rememorar la creación de la psicología y el perfil criminal en la década de 1970, en la que el FBI se enfrenta a nuevos enemigos, conservando su  atmósfera “clásica” de las historias de asesinos en serie, con un aumento de la tensión y una sensación de temor y suspenso perfectamente dominada por los directores. 

Aquí puedes ver el  tráiler


 

Years and Years: 4 razones para verla

Years and Years, la nueva serie de HBO, toma nuestras situaciones sociales y políticas y las envía a un futuro nada alentador.

Years and Years comienza en tiempo actual y se acelera a lo largo de 15 años, exponiendo la vida de una familia normal de Inglaterra. Es una serie de anticipación más que futurista, en el sentido de que los escritores han tomado las situaciones sociales, políticas y geopolíticas actuales y han imaginado las consecuencias que tendrán en el futuro.

Algunos la llaman, incluso, una versión más aterrizada de Black Mirror ajustada a nuestra realidad; donde el mañana retratado en pantalla es algo tan probable que asusta.

Aquí te presentamos cuatro razones por las cuales no puedes perderte esta serie:


1. Los personajes 

La serie vincula la tecnología con la política, mientras sigue las historias individuales de cada uno de sus personajes. Ellos exploran cómo el mundo se está volviendo cada vez más loco, extraño y todos están más politizados o más hartos de la política. 

Exploramos la situación cada vez más tensa de los migrantes con la historia de Daniel Lyons (Russell Tovey), un trabajador de  Manchester Housing Services, el cual lo pone en contacto con los muchos inmigrantes que llegan a Inglaterra desde las zonas más peligrosas del mundo. Ahí se encontrará con Viktor (Max Baldry), un ucraniano que tuvo que huir de su país. A lo largo de los episodios, Daniel y Viktor serán víctimas de políticas migratorias y conflictos que ponen a las personas en situaciones tan absurdas por culpa de gobiernos xenófobos.

 


2. La política 

También se exploran asuntos políticos: los Estados Unidos y China entran en un desacuerdo sobre la tierra y el poder. Se explora el debate actual sobre los refugiados y la inmigración, que resulta en un campamento de refugiados. Hechos que vemos actualmente, pero que la serie muestra a manera de evolución a lo largo de los años. 

Después, vemos el ascenso de Vivienne Rook, una política populista de la extrema derecha interpretada por Emma Thompson. El drama muestra hábilmente cómo se eleva al poder de “personaje nacional” al provocar controversia en programas de televisión. Ella dice hablar en nombre de la gente, poniendo en voz alta lo que muchos pensarían en un susurro.

Diariamente, las noticias dejan caer un montón de historias que podrían cambiar todo, y la serie muestra temas relacionados con Donald Trump, la tecnología, la familia real, Brexit, la economía, migración, entre otros. 

 


3. La tecnología 

No se podría hacer una serie sobre el futuro sin darle un peso importante a la tecnología, su evolución y la idea aterradora de controlar al ser humano. 

Las nuevas tecnologías se han vuelto cada vez más importantes, todos los miembros de la familia están constantemente conectados entre sí y se comunican principalmente a través de conferencias de audio. Esta nueva tecnología es una versión avanzada de Siri o Alexa.

Pero Bethany (Lydia West) quiere ir más allá y vivir en el mundo virtual. Se declara transhumana y quiere abandonar su cuerpo o, en el peor de los casos, mejorarlo mediante una serie de procesos informáticos para que sus pensamientos vivan eternamente. 

 


4. Realidad cercana 

La nueva serie de HBO es tan creíble y está claramente arraigada en los temas políticos y tecnológicos actuales que nos deja preocupados por los problemas de nuestra sociedad. A diferencia de otras series futuristas, Years and Years muestra situaciones que actualmente vemos en el mundo, sólo que de forma más grave; lo que nos pone a pensar si realmente ésas serán las consecuencias de lo que sucede hoy en el mundo. 

Hace 20 años los espectadores podrían haber tachado de ridícula la idea de que un político con las características de Vivienne Rook (Emma Thompson) se convierta en Primer Ministro, pero hoy en día es mucho más probable. 

Years and Years destaca cómo las cosas que pensamos que hubieran sido imposibles en un momento dado, ahora son más lógicas que nunca y cómo el mundo necesita cambiar para evitar que tales situaciones se produzcan.

El punto principal de la serie, finalmente, se revela durante un discurso memorable de la abuela Muriel: ¿Qué estamos haciendo con nuestro país, nuestra cultura se derrumba ante nuestros ojos? ¿Qué estamos haciendo para evitar que los gobiernos neoliberales tomen el poder? ¿Qué estamos tratando de hacer para que nuestro país no se aleje de sus valores democráticos?”. Muriel muestra que las elecciones que tenemos que hacer no solo están en la casilla de votación en el momento de las elecciones. Cambiar el mundo también empieza desde nuestras elecciones de consumo, nuestras acciones diarias y  nuestra forma de expresarnos osbre los demás.


Aquí puedes ver el tráiler:

Supernatural y Riverdale cierran SDCC 2019

La Comic-Con 2019 de San Diego llegó a su fin, pero en su último día hubo muchas novedades y grandes anuncios, entre los que destacaron los paneles de Supernatural y Riverdale. Aquí te contamos qué fue lo que sucedió.

Supernatural

La SDCC 2019 tuvo una emotiva despedida en su panel final de Supernatural.  Las estrellas de la serie: Jared Padalecki, Jensen Ackles, Misha Collins y Alexander Calvert fueron acompañadas por los productores ejecutivos Robert Singer, Andrew Dabb, Eugenie Ross-Leming, Bob Berens y Brad Buckner.

Supernatural es la serie de mayor duración en The CW y el programa de televisión de ciencia ficción con mayor trayectoria en la televisión abierta. Al terminar su décimo quinta temporada el próximo año, habrá emitido un total de 327 episodios. 

Como la mayoría de los episodios del programa, el panel comenzó con un video titulado “The Road So Far” que muestra un resumen de las 14 temporadas y termina con un “Gracias” a los fanáticos. El panel insinuó que la temporada 15 revelará cómo el “mayor mal” del programa no es otro que Dios mismo.

“Estoy tratando de no llorar”, dijo Padalecki (Sam Winchester) al comienzo del panel. Es un sentimiento que todos los fanáticos que han seguido el show por más de una década sin duda compartirán. “Para mí, Sam Winchester nunca se irá”, dijo Padalecki, después de frotarse los ojos con pañuelos.

Jensen Ackles dijo que el programa le había dado “amigos y experiencias de toda la vida”. Ackles admitió que por primera vez en 15 años que regresó a la Comic-Con, estaba “nervioso”. 

Para cuando el panel llegó a su fin, las lágrimas fluían libremente mientras los panelistas y la audiencia comenzaban a aceptar el hecho de que esta será la última vez que el programa llegue a la SDCC. El productor ejecutivo Robert Singer dijo: “Soy un poco tardío en llegar a Comic-Con. He estado viniendo los últimos tres o cuatro años y no sabía cuánto me estaba perdiendo. El espectáculo terminará, pero las amistades y los recuerdos seguirán viviendo”. Luego se unió al elenco y sus compañeros productores ejecutivos cuando salieron del Hall H juntos por última vez.


Riverdale

Riverdale tuvo un arranque emocional cuando el productor ejecutivo del programa Roberto Aguirre-Sacasa subió al escenario e hizo un anuncio: “Sufrimos una pérdida enorme, enorme, enorme y es algo que vamos a sentir mientras tengamos la suerte de seguir haciendo el espectáculo”, dijo refiriéndose a la muerte de Luke Perry .

Además de la participación de Shannen Doherty en el tributo al difunto Luke Perry, en el panel se proporcionó información muy importante. Para empezar, el productor ha anunciado que ocurrirá una muerte significativa en el cuarto episodio, que tendrá como tema Halloween. No dio más detalles, pero aseguró que no será  Archie (KJ Apa), Betty (Lili Reinhart), Jughead (Cole Sprouse), Veronica (Camila Mendes) o Cheryl (Madelaine Petsch).

El productor explicó que la próxima temporada mantendrá la tradición de tener un episodio musical. También se reveló que Jughead comenzará a estudiar en una escuela de preparación pretenciosa, y que tiene una rivalidad con Riverdale High. A su vez, Cole Sprouse anunció que dicha trama tendrá un estilo de Gossip Girl y se conectará con el misterio del final de la temporada pasada . Ya entre las noticias del elenco, Kerr Smith (Dawson’s Creek) fue elegido como el Sr. Honey, el nuevo director de Riverdale High. 

Sobre un posible cruce con El mundo de Sabrina, Aguirre-Sacasa comentó que existe el deseo, pero todavía hay muchas cuestiones contractuales por resolver. Ya  se ha confirmado prácticamente una reunión con el spin-off Katy Keene, a pesar de haber sido programada en diferentes momentos. Y por último, se confirmó al menos el episodio de tributo a Luke Perry.


Gracias por acompañarnos en nuestra cobertura especial de SDCC 2019.
¿Cuál fue su momento favorito?

 

Rumbo al Emmy 2019

El Emmy que premia lo mejor de la televisión está a unos días de anunciar a sus nominados, así que es hora de nombrar a posibles candidatos que podrían llevarse a casa el famoso galardón. 

El año pasado, Game of Thrones y The Marvelous Mrs. Maisel se llevaron a casa los principales premios. Este año, los favoritos ganadores anteriores de los premios Emmy, como The Handmaid’s Tale, Big Little Lies y Stranger Things se emiten fuera de la ventana de elegibilidad. Eso deja espacio para que los nuevos contendientes puedan reclamar la gloria del Emmy.


Mejor Drama

Game of Thrones tendrá varias nominaciones este año, incluyendo Mejor Serie. Dejando de lado las fallas de  la séptima temporada, la serie fue uno de los mayores eventos de cultura pop del año pasado y creo que suficientes miembros de la Academia la incluirán por su importancia en los últimos años. Es probable que sea una de las series más nominadas por sus actores y por la dirección. 

Entre las nuevas series nominadas es muy probable que aparezcan Pose de Fx  y Sucesión de HBO, dos grandes y ambiciosos conjuntos que sólo crecerán en popularidad con el lanzamiento inminente de sus segundas temporadas. Otros programas que son posibles contendientes son Ozark , Better Call Saul y Homecoming de Amazon.

 


Mejor comedia

El año pasado, el favorito de siempre, Veep, se quedó fuera, pero regresará por última vez, y espero que los votantes se pongan sentimentales y le den su cuarta victoria. Sin embargo, este año The Big Bang Theory también se despidió de la televisión y es posible que la nominen. Sin duda, otra tremenda temporada fue la de Barry, pero me alegraría mucho ver series como Fleabag y Russian Doll que no deberían pasar desapercibidas.

 


Mejor miniserie 

El recién llegado Chernobyl  generó mucho impacto entre los críticos y audiencias, y se convirtió en una de las series mejor calificadas. Por lo tanto, es casi segura su nominación en varias categorías y posiblemente sea la gran ganadora.

También, el thriller de HBO Sharp Objects podría quedar nominada, debido a que en la temporada de premios le fue muy bien.  Una entrada tardía, pero no menos impresionante, es Así nos ven de Netflix, pero quizá sea expulsada para dejar espacio a The Act o True Detective.

 


Mejor actriz 

Emilia Clarke es una de las actrices que nunca ha ganado por interpretar a Daenerys Targaryen, pero ella enfrenta una batalla pues los escritores no le hicieron ningún favor en la recta final. Además, tiene mucha competencia ya que es probable que se enfrente con la nominada anterior, Sandra Oh, quien sólo ha acumulado más elogios por Killing Eve.

Lena Headey podría quedar nominada como Actriz de reparto. Aunque no pudo hacer mucho como Cersei en la temporada final del programa, apuesto a que los votantes optarán por rendir tributo a su frialdad por última vez. La nominación que me daría mucho gusto es la de Maisie Williams por su papel como Arya Stark, quien definitivamente fue uno de los personajes favoritos de la última temporada. Patricia Clarkson por Sharp Objects  y Patricia Arquette por The Act son otras posibles nominadas. 

 


Mejor actor 

Kit Harington ha sido nominado en la categoría de actor de reparto, pero nunca como líder, por su interpretación de Jon Snow; esta vez sospecho que los votantes no dejarán que Game of Thrones termine sin un guiño final por su trabajo. 

En actor de reparto podría destacar el trabajo de Coster-Waldau y Peter Dinklage, ambos nominados el año pasado (Dinklage ganó por tercera vez). También, Justin Hartley debería alcanzar la nominación, ya que con su papel como Kevin realizó una actuación muy emotiva durante la tercera temporada de This Is Us. Mahershala Ali por True Detective es otro posible nominado debido a su gran desempeño en la tercera temporada. 

 


Dirección 

Los directores nominados de la serie de drama pueden incluir talentos como Miguel Sapochnik, por el episodio de “The Long Night” de Game of Thrones de este año (que ya ganó anteriormente por la Batalla de los Bastardos en 2016). La directora Ava DuVernay podría quedar nominada por Así nos ven. Tampoco hay que descartar una nominación para el director Johan Renck por Chernobyl. Probablemente figurará entre los nominados por su trabajo en Sharp Objects el cineasta Jean Marc Vallee. 

Este año, por ejemplo, el ganador de la mejor serie de drama de 2017,  The Handmaid’s Tale,  no es elegible en esa categoría debido a que la mayoría de los episodios de la segunda temporada se proyectaron antes del período de elegibilidad del 1 de junio de 2018 al 31 de mayo de 2019 y la tercera temporada comenzó justo después ventana de elegibilidad cerrada. Pero los episodios individuales del final de la segunda temporada sí calificarán para los premios de dirección y escritura de este año.

 


Ustedes, ¿qué opinan?, ¿qué serie será la más nominada este año?