Euphoria, serie juvenil formidable

Euphoria es la serie adolescente que ningún padre quiere ver. Ése es el comentario superfluo que gira alrededor de la misma, porque aunque sí trata temas vinculados a drogas, sexo, abusos y una que otra excentricidad; en su forma más pura se define como un drama juvenil auténtico, con una producción sublime y una mirada más cruda a la cotidianidad de la Generación Z.

La serie de HBO que es producida, escrita y dirigida por Sam Levinson, aborda a jóvenes de entre 16 y18 años de una secundaria de un pueblo en Estados Unidos, quienes conviven con libertades que a más de alguno tomarán por sorpresa.

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Rue, su protagonista interpretada por una genial Zendaya, es la que conduce la trama en cada inicio de sus 8 episodios de la Temporada 1 (ya confirmada la segunda). Ella se encarga de ser la narradora y dar un trasfondo a cada uno de los personajes jóvenes que tiene Euphoria.

En el abanico de figuras que encontramos en esta producción, tenemos a la chica popular y porrista, al galán y capitán del equipo de fútbol americano, la chica gordita y medio rebelde, la que roba suspiros de muchos y que se aprovechan los hombres de ella, un tierno expendedor, así como a la más especial de todas: Jules, una joven transgénero muy segura de sí misma, aunque también con sus propios demonios.

A pesar de que por esa descripción parecieran ser personajes unilaterales, a medida que avanzan los episodios nos van mostrando distintas facetas, complicaciones y dudas internas propias de jóvenes que todavía buscan una identidad y su lugar en la inminente adultez. Lo genial es que sobrepasan cualquier cliché por el tipo de abordaje más íntimo e intenso.

Nivel de producción

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Euphoria no sería lo mismo sin ese nivel de detalle y producción que posee, el cual es ¡fabuloso!.

Cualquier cineasta que observe con detenimiento esta serie se quedará sorprendido por esa frescura y audacia en cuanto a transiciones de las escenas, con cámaras que parecen van flotando por donde les plazca.

El uso de la paleta de colores y la fotografía es igualmente formidable, una técnica que haría sentir orgulloso al director Nicolas Winding Refn, quien habitualmente gusta de azules y rojos sobresaliendo en fondos oscuros.

Volviendo a la técnica cinematográfica, el ritmo que dicta Euphoria se vale mucho de acercamientos bruscos que van de un plano entero a un primer plano, a veces incluso a un plano detalle. Eso da realce a reacciones que van acompañadas por un espectro musical etéreo en ocasiones, aunque también por una pesada carga de hip-hop, trap y otra música contemporánea.

Rue, protagonista sin ser el centro

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Al comenzar Euphoria pensé que, siendo Zendaya una estrella en Hollywood con orígenes en Disney Channel, todo giraría a su alrededor.

Pero no es así, aunque sí sea quien tenga el hilo conductor en los momentos más importantes. Ella es una chica adicta a las drogas que recientemente salió de rehabilitación, dejando una cicatriz fuerte en su madre y hermana menor.

Con una actitud desentendida de su alrededor, vestida fuera de cualquier lujo y tratando de darle sentido al mundo sin la adrenalina que provocan las drogas, es en Jules donde encuentra esa compañera que la puede ayudar a no pensar en recaer.

Esta fantástica joven, recién mudada al pueblo, es quien viene a cambiar su vida por completo. Debido a su sonrisa dulce, a ese maquillaje tan especial y a los tintes de cabello llamativos, en Rue se despertarán sentimientos, quizás de dependencia, que al final construirán una historia de cariño, amor y comprensión con un matiz sincero y palpable. Y es que Jules y Rue juntas tienen una presencia en pantalla simplemente espectacular.

El lado crudo

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Una serie como Euphoria no podía estar completa sin esos valores de oscuridad, que se ocultan tras cuatro paredes.

El que encabeza la lista es Nate, el galán, sujeto con serios traumas que manifiesta con personalidad posesiva, irascible, y frágil al mismo tiempo. Ni qué decir de su padre, con aficiones sexuales con toques de perversión.

También está el lado rebelde de Kat, quien de ser virgen pasa a ser muy suelta con su sexualidad, al punto de ser estrella de shows privados en webcam; o Maddy que debajo de ese lado “plástico” tiene una gran sensibilidad que esconde por no parecer débil; o Cassie y su forma equivocada de buscar el amor en hombres que no lo valen; o Fezco y cómo es forzado al lado criminal; o bien Jules con su libertad sexual que confunde a una ingenua Rue.

Desnudos

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Otro aspecto es el shock value, que en un principio parecía ser solamente provocativo, debido a los desnudos que presentan.

Las fotos del miembro masculino expuesto quizás en demasía dieron mucho de qué hablar en distintos portales, ya que no es tan común ver este tipo de contenido en televisión, ni tampoco en cine como tal. También hay divulgación de fotos privadas de una chica, sin su consentimiento, lo que va acorde a los bajos valores que se ven en la actualidad.

Las escenas de sexo también causan cierto impacto, pero son con menos “intensidad” de cuando se empecinan en exhibir las conocidas “dick pics“, presentadas con explicación “académica” por parte de Jules y Rue.

Veredicto

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Euphoria es una serie que con un gran balance sabe captar la atención de los espectadores. Cada personaje tiene un aura especial que nos hace que nos interesemos, especialmente la imponente Jules.

La cinematografía es formidable, por lo que cada capítulo es un viaje hermoso por disfrutar, aunque me pareció que los últimos dos bajaron un poco el pie del acelerador, con menos trama y más puesta en escena.

Aun así, el cierre es una exhibición teatral y surrealista de un estado mental que ha pasado por drogadicción, abstinencia y depresión, representado de una forma poética.

En esta serie verán situaciones amargas en ocasiones y superficiales en otras, perfectamente coordinadas y expuestas como una obra magnífica y al mismo tiempo delicada.

Digna despedida de Orange Is The New Black

Orange Is The New Black ha llegado a su final. Mientras lo escribo, no puedo dejar de sentir un pesar por saber que una producción tan original nos ha dejado, pero me alegro muchísimo que se haya ido con la frente en alto.

En 2013 comenzó este viaje dramático, crudo pero al mismo tiempo con la gracia y la ligereza de una comedia agradable. Nadie dijo que la vida en la cárcel era fácil, y las prisioneras de Litchfield lo saben muy bien…

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Con su Temporada 7, y final, la serie nos ha hecho decir adiós a personajes que por tantos años nos han hecho reír y llorar. Piper, Alex, Nicky, Taystee, Cindy, Gloria, Blanca, Dogget, Suzanne y muchas más han pasado por momentos de luz y oscuridad, generando una empatía total con los espectadores.

Otro punto a destacar de esta serie de Netflix, una de las primeras que realizó este gigante del streaming, es que siempre supo cómo tocar temas sensibles de la sociedad, desnudando las fallas del sistema penitenciario, y poniendo en la mesa problemas de racismo, de falta de empleo y ahora  la crisis migratoria en Estados Unidos.

Humanas, antes que prisioneras

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Orange Is The New Black siempre manejó muy bien su guión y trama, con algunas temporadas mejores que otras por supuesto, aunque siempre con la capacidad de poder desarrollar personajes a niveles muy íntimos y desgarradores.

Las mujeres que conforman este casting —un 80% o más de todo el elenco (un verdadero logro en la televisión)—, vienen de diferentes razas y estratos sociales. A pesar de ello, todas tienen en común las luchas con sus propios demonios y con sus propias culpas.

Es el factor humano en cada una de ellas lo que ha hecho que esta serie haya sobresalido tanto. Algunas reaccionan con violencia, otras con consumo de drogas, otras con contrabando y otras sólo buscan cómo ayudar a las demás.

En cualquier caso, cada historia resulta interesante por apegarse mucho a la realidad de gente desafortunada que hoy sufre la indiferencia del sistema carcelario de Estados Unidos.

Inmigración, redención y la vida fuera de la cárcel

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En la Temporada 7, estos temas se siguen viendo pero ahora con nuevo enfoque. Jenji Kohan, showrunner, junto a su equipo de trabajo, supo muy bien cómo abordar el tema neurálgico de la inmigración, abarcando a la mayoría de las mujeres latinas presentes en esa cárcel.

El caso gira sobre todo alrededor de Blanca, quien a pesar de haber salido de prisión no tiene papeles y debe estar en un centro de detención para migrantes, que se muestra nada distinto a una cárcel para criminales.

El maltrato, el abuso y la falta de acceso a la justicia quedan plasmados a la perfección en esta parte de la trama, donde conocemos a una salvadoreña que lucha por permanecer con sus hijos. La resolución de este personaje es un espejo perfecto de las realidades de miles de centroamericanos, desgraciadamente.

Por otro lado, hay personas que buscan su redención, como María quien busca enmendar sus errores del pasado; Almeida que quiera intentar dar orden a su familia; Taystee que transforma su odio al sistema en apoyo a sus semejantes; o bien Dogget, que quiere superarse a sí misma con un mejor nivel de educación básica.

También está el tema del amor y la vida fuera de la cárcel con Piper, esa protagonista casi silenciosa y que muy sabiamente esta serie logra utilizar para hacer un contraste con lo que viven las demás. A final de cuentas, Piper es caucásica y aunque pasa dificultades para encontrar trabajo, es muy distinto a lo que vive  Cindy, quien literalmente tiene que dormir en la calle.

Amor eterno

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Obviamente no podía continuar este review sin mencionar algo del drama amoroso entre Piper y Alex, dinamitado ahora por la separación; una está libre y la otra todavía encerrada.

Esta situación irá pasando por distintas etapas de autodescubrimiento, bien realizadas y con la actuación de Taylor Schilling siempre formidable.

Aunque esta parte es la más ligera en esta Temporada 7, comparado a lo que sobrellevan las demás, no deja de tener momentos de profundidad y reflexión. Su final es el cierre perfecto para el arco del personaje. Les recomiendo que vean los primeros minutos del primer episodio para que sepan por qué.

La esperanza, el eje de todo

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Si queda algo de esta Temporada 7, además de unas cuantas lágrimas, es la lección de que la esperanza debe brillar incluso en el agujero más profundo de la tierra. Ver cómo esas mujeres, a pesar de tantos golpes de la vida, continúan buscando crecer es admirable.

También es entendible que haya quienes se dejen contaminar por la corrupción del sistema, el cual seguirá así aunque no lo queramos…

Pero esa es la idea de la esperanza, que no importa que los Hellman predominen encima de los Caputo (aun con sus imperfecciones marcadas con cargos de acoso) o de Tamika, quienes buscaban hacer un bien en la cárcel. En la vida, hay que buscar ser como Nicky (la escena final con Alex es impresionante) o Taystee, cada una con su propia forma de brindar amor a los demás, pero sobre todo, a sí mismas.

Veredicto

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Orange Is The New Black nos abandona pero igual queda en nuestros corazones. En esta temporada, en comparación con las anteriores, hubo ciertos aspectos que pudieron ser mejorados, pero en una vista panorámica el trabajo es muy loable y comprometido.

Hubo algunos personajes cuyas historias no cerraron por completo, o que quizás cambiaron radicalmente sin un espacio de reflexión, además de una que otra fatalidad que nos sorprendió muchísimo.

Pero en definitiva, esta serie nos abrió la mente a conocer submundos ignorados, o que tratamos de olvidar que existen, pero también nos mostró el tesoro que se esconde en estas personas que cometieron errores en la vida y que, en algunos casos, quieren cambiar para tener una segunda oportunidad.


Si quieren conocer mi opinión con mayor profundidad, les dejo este podcast.

Big Little Lies 2: Mentiras que hacen una amistad

Las 5 de Monterrey comparten un secreto mortal que las llevará a diferentes tipos de descontrol en sus vidas. Ésa es la premisa de la segunda temporada de Big Little Lies, la cual finalizó recientemente en HBO.

Para estos nuevos capítulos, la gran adhesión al elenco —probablemente el más talentoso jamás reunido para la televisión— fue la de Meryl Streep (todos de pie por favor). Ella interpreta a Mary Louise, la suegra de Celeste, papel que realiza Nicole Kidman. La presencia de esta mujer significará dolores de cabeza constantes para estas madres de California.

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Así mismo, las cicatrices de esa fatalidad, que fueron el momento cúspide del final de la primera temporada, recalan fuertemente. Bonnie no puede ni consigo misma; Jane es sometida a tener que recordar el dolor de la violación, además de no saber lidiar con un nuevo amor; Renata se verá derrumbada al perder su estatus social y Madeline busca como puede la forma de reparar su matrimonio.

Pero sin duda la más expuesta a soportar las fuertes olas de consecuencias es Celeste, quien debe convivir con una suegra que busca cómo entrometerse por completo en su vida y, sobre todo, la de sus nietos. Esto se elevará a niveles críticos hasta llegar a un juicio de por medio.

En esto se va la segunda temporada de Big Little Lies, que, aunque nos deja momentos realmente emotivos, fuertes, auténticos y performances bellísimas; no llega a tener el nivel de la primera entrega.


Trama extendida

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A pesar de contar con solamente 7 episodios, por momentos se siente que la trama se extiende sin mayor propósito. Ése es el principal problema con este conjunto de capítulos: aunque lo que tenían que contar valía la pena, me parece que no era suficiente para una temporada completa. ¿Pudo haber sido una película tal vez?

Esto no significa que hayan descuidado la producción y cinematografía, porque realmente se mantiene con gran nivel y muy parecido a lo visto en 2018; más bien, me refiero a que hubo la construcción de algunas subtramas que estaban de más o que no terminaron de desarrollarse por completo. Peor aún, hubo algunas que se alargaron sin mayor necesidad.


Actuaciones de primer nivel

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Es imposible hablar de Big Little Lies y no hacer ovación a cada una de las actuaciones, que aquí nuevamente vuelven a brillar.

Lo de Meryl Streep es impecable, una suegra que con cortesía y una voz suave es capaz de lanzar los peores venenos de la historia. Es un personaje a la vez complejo, humano, errado y perfecto para el talento más que reconocido de la múltiple ganadora del Óscar.

Laura Dern, Reese Witherspoon, Shailene Woodley y Zoë Kravitz igualmente se lucen en sus caracterizaciones. Punto y aparte para Renata (Dern), quien se vuelve en esa mujer que dice lo que muchas ocultan en momentos de desesperación o ira, pero lo hace con cierta picardía y humor negro que van genial con la temporada. Es un personaje directo para memes y gifs.

También hay que reconocer el trabajo de Adam Scott como Ed, quien ahora tiene mucho más que decir ante lo ocurrido con su esposa Madeline.


La polémica

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No se puede hablar de esta segunda temporada sin hablar de la polémica alrededor de la misma, la cual —eso sí— es, a mi juicio, una forma de querer desprestigiar a una muy correcta y cumplidora producción de televisión.

Sucede que Jean Marc-Vallée, alabado por su trabajo en la temporada 1, en esta segunda sólo fungía como uno de los productores por cuestión de tiempo. Es así que se decidió trabajar con la directora británica Andrea Arnold. Hasta ahí todo bien, ella dirigió todos los episodios y todo parecía normal hasta el momento de la edición…

Aparentemente, en una decisión conjunta entre Marc-Vallée y HBO, se realizó una edición sin consultar ni tener presente a Arnold, con el fin de darle un toque similar al planteamiento visual de la primera temporada.

Esto desató cierta ira en seguidores de la serie, quienes ahora piden que salga la versión original de Arnold, ya que creen que es una injusticia lo que hicieron con ella. A pesar de todo, nada ha sido confirmado y HBO desmintió la noticia. Sin embargo, uno nunca sabe…


Veredicto

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Big Little Lies 2 es una temporada que, aunque era muy interesante explorar, sobre todo debido al clímax del final de la anterior, no consigue ser tan necesaria.

Es cierto que escudriñar en la vida de las 5 de Monterrey lucía sumamente apetitoso, especialmente para descubrir esas secuelas psicológicas en mujeres que sobrevivieron un trauma alrededor de una mentira que las une.

Aun con todo eso planteado, desarrollado y manifestado con una enorme calidad cinematográfica (con una que otra exageración en cortes y montaje), Big Little Lies 2 resulta ser poco para lo esperado. El ritmo de la primera temporada no es alcanzado en la segunda, además de que desperdiciaron un elemento silencioso que proveía mayor naturalidad a la historia: los niños.

Acá salen muy poco y casi no influyen en la trama. El hecho de que eran madres que hacían todo por sus hijos se sintió menos, con excepción del caso de Celeste por supuesto. No obstante, hizo falta la inocencia de los pequeños en el colegio, o bien escuchando ese mix de canciones hermosas que uno descubre gracias a esta serie.

En fin, para los amantes de Big Little Lies, no es que no vayan a disfrutar de la Temporada 2, sino que si esperan algo mucho más grande y emocionante que la primera temporada, quedarán un poco decepcionados.


Si quieres explorar mejor esta segunda temporada de Big Little Lies, te compartimos el siguiente podcast:

Neon Genesis Evangelion: Majestuosidad hecha anime

El punto de convergencia entre la filosofía, la reflexión espiritual, la psicología y los traumas; en ningún lugar se encuentra eso más que en la majestuosidad conocida como Neon Genesis Evangelion, anime que regresa en versión remasterizada a través de Netflix.

Aunque hay algunas pequeñas variantes, una bastante importante en contexto (el amor de Kaworu), la verdad es que disfrutarla ahora a través de esta plataforma de streaming provoca una ebullición de nostalgia… Tan sólo hay que recordar que la película The End Of Evangelion se vio por primera vez en un cassette de VHS. ¡Las nuevas generaciones ni siquiera saben qué es eso!

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Volver a experimentar los problemas existenciales de Shinji, Asuka, Rei, Misato; el misterio constante de Gendou y Fuyutsuki, más la ansiedad de explorar qué es exactamente el Proyecto de Instrumentalización Humana… todo es increíble.

Nunca hubo un anime o pieza de ficción que quizás me haya llegado tan profundamente como Evangelion, y eso que lo vi en mi adolescencia/juventud, pero ahora que lo hago con los ojos de la madurez que me dan mis 31 años, debo señalar que la sensación es inclusive maximizada.

Evangelion es un anime muy bien trabajado de principio a fin (sin incluir esas películas raras que salieron luego). Cada diálogo, cada escena, cada detalle artístico tiene un significado importante, que contribuye a echar a andar esa maquinaria de reflexión interna que como resultado da un desenlace espectacular, magnánimo. Me atrevo a decir que es un producto realmente bendecido por un ser superior, sin importar la religión que se profese.

Trama de Evangelion

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Para tratar de resumir la trama, en caso que no la conozcan del todo, es sobre cómo la humanidad está buscando evitar su extinción al detener a unos ángeles, seres que se les ha denominado así y que tienen formas diversas. Eso sí, gigantes prácticamente todos.

El objetivo de ellos es llegar a Adán, un ser que fue encontrado en la Tierra en el año 2000 y que, al intentar experimentar con él, causó una explosión que destruyó buena parte del ecosistema mundial. A ese hecho se le conoce como Segundo Impacto.

Desde entonces, y gracias a lo conseguido en ese experimento, se pudieron crear criaturas gigantes llamadas Evangelion, las cuales son controladas por las almas de niños, o de algunos que hayan nacido luego de ese Segundo Impacto.

Así comenzarán una serie de batallas que irán mermando las capacidades mentales y físicas de los pilotos y de todos los que trabajan en NERV, empresa dedicada a la defensa de la humanidad.

¿Qué lo hace tan especial?

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La trama sola no parece ofrecer un contenido demasiado distinto a otras historias de anime. La diferencia es el planteamiento, la dirección que toma para abordar distintos momentos de ansiedad, frustración, depresión y, por supuesto, la acción.

A nivel de producción, es impecable. Neon Genesis Evangelion fue lanzada hace más de 20 años, en el año 1995, y todavía se ve fenomenal. Es cierto que ayuda el trabajo que hicieron en Netflix para mejorarlo, pero aun así se ve la pureza de la creatividad y el esfuerzo para que se mirara impresionante.

Más allá de esto, lo esencial del por qué Evangelion es una pieza que todo amante del cine, del séptimo arte, de la cultura en general debe ver, es por esa maravillosa película de su ending. Es físicamente imposible no afectarse con todo lo que ocurre en la misma, la mente les va a volar y pasarán analizando todo lo que vieron por horas.

Neon Genesis Evangelion te lanza a inspeccionar tu propia psique, a valorar qué es lo que conoces como ser superior y qué lugar ocupamos los humanos en este planeta. ¿Qué es de la vida y que hay luego de la muerte? ¿Nuestra alma está contenida en el cuerpo o es al contrario? ¿Nos dejamos afectar por los demás o permitimos adrede su daño? Eso sí, puede ser algo difícil si son muy cristianos. La simbología es poderosa.

Por lo tanto, no pierdan el tiempo viendo otras series de anime que no son tan buenas en esta plataforma y pónganse ya mismo a ver Neon Genesis Evangelion. Y si quieren escuchar más reflexiones sobre ella, los invito a escuchar este podcast:

Fleabag: ¿por qué debes verla ya?

La soltura y honestidad de mostrar los pliegues humanos de un personaje femenino siempre da espacio para muchas situaciones; éstas pueden ir de la comedia al drama, o bien, de la alegría a la tragedia. Este amplio abanico se encuentra mostrado eficzmente en Fleabag, y eso sólo por mencionar la cereza del pastel.

Esta serie producida por la BBC Three y Two Brothers Pictures, para luego ser distribuida al mundo a través de Amazon Prime Video, es otra de esas joyas a las que la “pantalla chica” nos tiene tan acostumbrado en los últimos años.


Su creadora, una genio

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La mente creativa detrás de Fleabag tiene un solo nombre: la fabulosa Phoebe Waller-Bridge, una joven de 33 años cuyo cerebro ya debería ser congelado para futuras generaciones. Ella está también detrás de ese gran proyecto llamado Killing Eve, serie televisiva ganadora de múltiples premios.

Es Waller-Bridge, quien, además de haber escrito Fleabag, encarna a la protagonista de esta historia, que parece tan convencional en un principio, pero que evoluciona a un punto de reflexión sumamente interesante. Bueno, para ser sinceros, tampoco es que sea completamente “convencional” al inicio, ya que presenta de forma muy abierta aspectos relacionados al sexo.

No piensen mal, no es un Euphoria con escenas explícitas, sino que hay momentos en la cama que se vuelven más gráficos gracias a las palabras y no a las acciones.


La cuarta pared

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La característica más llamativa del estilo que posee esta serie es cómo la protagonista, a quien nunca le dicen su nombre por lo que se asume como “Fleabag“, siempre está hablando a nosotros los espectadores.

Rompe la cuarta pared y hace guiños constantes para hacernos saber qué piensa en determinados momentos, ya sea en una discusión con su rígida hermana Claire; lidiando con su padre y madrastra (una brillante Olivia Colman); en citas con distintos hombres o aguantando al insoportable cuñado (Brett Gelman), entre otros.

La mirada pícara hacia nosotros es lo que refuerza cada situación y profundiza las emociones cuando es necesario. También existen flashbacks del trauma que la acompaña: la muerte de su mejor amiga Boo, los cuales forman espasmos mentales que la afectan directa o indirectamente.


Autenticidad en todo momento

Cuando uno descubre de esas "joyas secretas" de la TV 📺 la sensación que queda es pura satisfacción. Así es descubrir…

Posted by Echados Viendo Tele on Tuesday, June 25, 2019

La fórmula de Fleabag en su sinopsis puede que no llame demasiado la atención. No estoy diciendo nada particularmente especial, y, además, no se le puede dar el crédito suficiente a un show que lo es todo en cada minuto: cada broma, cada instante que puede ser de incomodidad cómica así como depresiva, las reacciones sorpresivas y atrevidas que suman una capa de autenticidad increíble; todo eso lo vuelve un producto imperdible de la televisión.

Los ademanes exquisitos de la madrastra, ahora compañera de vida del padre de Fleabag, son geniales. Olivia Colman, ganadora del Óscar, se luce aquí de forma sutil. Su comportamiento pasivo-agresivo tiene ese toque británico que siempre sobresale tan bien.

Claire es un caso de análisis y exposición al mismo tiempo. Con un rostro que denota infelicidad pero al mismo tiempo una seguridad innata muy curiosa, conduce en distintos episodios a situaciones de rivalidad de hermanas; mismas que viajan de lo risible a lo triste y solitario.

Pero el personaje más destacable luego de la protagonista es…

“Hot Priest”

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En la segunda temporada, Fleabag busca nuevos elementos que llenen su vida, ahí se topa de casualidad con un sacerdote destinado a casar a su padre con su madrastra. Este “Hot Priest” (bautizado así en redes sociales) es interpretado por un impecable Andrew Scott, a quien seguro recordarán por su papel de Moriarty en Sherlock.

Los cimientos de esta mujer muy libre con su sexualidad se verán amenazados por un hombre célibe, quien posee algo que la atrae demasiado y que al comienzo no sabe el por qué. Religión, creencias, Dios y el amor fungen en una química increíble y realmente interesante entre estos dos.

La resolución es todavía más emocionante, por lo que les recomiendo que vayan a verla ya mismo si es posible.


Veredicto

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Si buscan una serie corta (dos temporadas de 6 episodios) que los haga reír, conmoverse, analizarse, evaluar su vida de adultez y al mismo tiempo reflexionar sobre los traumas internos que no manifestamos bien, o que erróneamente escondemos bajo máscaras y actitudes lacerantes, este show es para ustedes.


De paso les dejo un podcast con mi opinión más ampliada:

Euphoria: la propuesta más provocativa de HBO

A veces es complicado entender que existen diferentes generaciones, que los Milennials no son lo mismo que la Generación Z, y algo de eso es lo que pretende mostrarnos Euphoria, la nueva serie provocativa de HBO.

La llamada Generación Z son los que nacieron entre el 1995-2010, quienes ahora están saliendo de su vida adolescente y comenzando a afrontar la vida como adultos. Al menos los nacidos entre el 1995 y 2001.

Ahí es donde se ubica la protagonista Rue, interpretada por una irreconocible Zendaya, una joven de 17 años que nació apenas unos días luego del infame 9-11. Esa fecha es la que marcó la historia de Estados Unidos para siempre, junto con la de sus habitantes.

A modo de narración, escuchamos la voz de Rue contándonos cómo fue su crecimiento desde pequeña, cuando presentó síntomas de bipolaridad y otros diagnósticos parecidos. Eso la sometió desde temprana edad a consumo de químicos, lo cual —quizás indirectamente— provocó que ya luego en el high school se volviera adicta a distintas drogas.

Ésa es la puesta en escena de esta producción de HBO, creada por Sam Levinson y basada en una serie del mismo nombre de origen israelí.

Valor de impacto

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Lo que más llama la atención desde un principio es que Euphoria es una serie juvenil, pero los temas que aborda y cómo lo hace es la razón por la que ha causado polémica.

No recuerdo la última vez que en televisión o en cine, fuera del ámbito independiente, se mostraba con tanta naturalidad y exposición el consumo de drogas o prácticas sexuales. La clasificación es no apta para menores y tiene bastantes motivos para ello.

Ese shock value o valor de impacto te lo dejan saber de inmediato, ubicando al espectador de frente a la vida de estos jóvenes con problemas existenciales y familiares.

Por ahí han escrito que en Euphoria buscan “normalizar” ese estilo caótico de existencia, cuando en realidad me parece que, aunque sí se exagera un poco, no deja de estar apegado a realidades que efectivamente se dan en la juventud. Muchos padres quizá desconozcan las complejas situaciones que atraviesan hoy las y los jóvenes en algunos contextos.

Buena producción

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Con una fotografía muy artística y planos sumamente interesantes, hay pasajes en que Rue sufre alucinaciones y —literal— el mundo le da vueltas. Ese tipo de escenas dan un realce a la producción que, se nota, ha puesto mucho cuidado en los detalles, desde los colores hasta la ubicación de cámaras.

Al tener alto contenido sexual, se debe ser preciso para esos momentos íntimos o desenfrenados, y hasta ahora lo que han presentado con el primer episodio luce acertado y adecuado.

Argumento y personajes

El drama no puede estar ajeno a una destructiva vida juvenil con consumo de drogas y Euphoria no es la excepción.

Rue tiene una personalidad auténtica, indescifrable y enigmática, gracias a una actuación correcta por parte de Zendaya. Parte de eso es porque sufrió una sobredosis en su cuarto, y quien la descubrió fue su hermana menor, lo que parece pesarle en su subconsciente.

A pesar que ella es la protagonista, los personajes secundarios también parecen tener arcos importantes, sobre todo en el caso de Jules (Hunter Schafer). Ella probablemente se convierta más bien en co-protagonista, cuyos giros pueden dejar momentos muy intensos, más de los que ya se vieron en sólo una hora de metraje.

Jules es una chica transgénero, quien parece buscar el amor o el placer con aplicaciones de citas, lo que puede dejarle secuelas desastrosas. Es ella quien a la vez se volverá muy cercana a Rue, una química curiosa que puede dar grandes momentos a la serie.

Veredicto

Con tan solo un episodio de los ocho que tendrá esta temporada, Euphoria aspira ser una de las series que más se comenten en este 2019, con una propuesta osada y arriesgada, a la que hay que darle tiempo para comprobar si tiene más motivación que solamente la provocación.

En lo personal, espero que esta provocación posea por un propósito claro y definido, algún mensaje o argumento sólido que consolide el por qué de esa decisión, aunque sea por valor artístico.

Me decepcionaría si esto fuese solamente un collage de imágenes provocativas (dick pics, frontal nudity de hombres y mujeres) sin mayor sustento o significado. De momento, me quedo con esperanzas de que sea una buena serie.

Black Mirror T5: aterrizado y actual

Black Mirror es una serie que se distingue por su mirada distópica e irónica de un futuro cercano —a veces más cercano de lo que uno quiere pensar—; como en su Temporada 5, en la que busca estar “5 minutos más adelante a nuestro tiempo“.

A pesar de ello, en esta ocasión nos presentan tres capítulos más cercanos a la realidad contemporánea. El desglose de la psique humana al exponerse a realidad virtual, fiebre por redes sociales y gadgets que fomentan la híper imagen del pop, o la música popular en sí.

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Black Mirror se siente más honesto y aterrizado en esta nueva entrega. Charlie Brooker, showrunner y co-productor, tiene nuevamente agallas para contar historias de una forma que casi nadie hace: planteamiento original y entretenido, a veces con mensaje sutil y otros más directo; pero en definitiva con un estilo muy propio y en sí una marca personal.

Las comparaciones son odiosas a como dicen. Por ello, tratar de medir si este nuevo conjunto de episodios son iguales o peores a los anteriores, resulta complicado. Más bien, está sujeto a una apreciación individual, la cual será distinta en cada persona. Están los que prefieren el lado más trágico y oscuro de esta serie, mientras otros disfrutan de historias puras y auténticas como San Junipero.

Con eso de antesala, ahora presento una pequeña opinión de cada uno de estos buenos capítulos:

Striking Vipers

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La vida en familia, cuando eres un adulto joven, se envuelve en reuniones sociales con amigos y sus respectivos hijos. Mirando en retrospectiva, hace 10 años había otra tónica, más fiesta y una vida en pareja más relajada. Incluso el compartir con esa persona que es tu best buddy mientras se juega en alguna consola, solía ser motivo de gran felicidad.

Así se plantea este capítulo, que parece ordinario hasta que nos introducen el elemento tecnológico que en cuestión va a a cambiar el rumbo de los personajes. Lo que era un simple fighting game, al estilo Tekken o Street Fighter, muta a un universo completamente distinto cuando permiten al usuario, literalmente, meterse en el avatar de batalla.

Usando elementos que hemos visto en muchos episodios, con un pequeño chip que se coloca en la sien se sumergen en el videojuego online. Ambos amigos, Danny (Anthony Mackie) y Theo (Nicole Beharie), empiezan a pelear y acostumbrarse a sentir golpes y lanzarlos con destreza sobrehumana… Hasta que todo eso evoluciona de roces violentos a otros más vinculados al líbido.

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Lo que hace bueno este episodio es la ambigüedad que presenta; temas de heterosexualidad, homosexualidad, fidelidad y amistad se meten en una licuadora. La naturalidad con la que se aborda también sorprende, además de ser un casting meramente afroamericano. Los encuentros de sexo online –en que uno usa avatar de hombre y otro de mujer– es un factor que da mucha discusión.

Algunos retractores señalan que este episodio propicia el “volver al clóset“, al estar un Theo que solo “es mujer” en un espacio “secreto e íntimo”, mientras sigue siendo un mujeriego hetero por fuera. Una posición exagerada, pues se trata en realidad de una versión extrema del alter ego ficticio que se adoptan en los juegos online, lo cual no determina personalidad ni preferencias en el “mundo real”.

En términos generales tiene un rango promedio de calidad, pero quédense con la propuesta audaz de plantear una historia que roza con lo LGBTQ, sin llegar a ofender o exagerar la temática, sino enfocarse en las relaciones humanas con el amor, fidelidad y la sexualidad.

Smithereens

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Jamás Black Mirror había tocado el tema de las redes sociales y empresas de telecomunicaciones como en este episodio. Las consecuencias de la obsesión a estas plataformas trasciende a un punto, en que la intriga y el suspenso se manifiesta con actuaciones soberbias, conformadas por un casting en mayor parte británico. Así deberían ser todos.

El título de este capítulo se refiere a una empresa muy parecida a Facebook, quien tiene a la cabeza a un hípster ultra millonario con actitud pretenciosa y una vida a años luz del resto de los mortales. El protagonista no es éste, interpretado por Topher Grace, sino un taxista (u uberista si prefieren), quien tiene una misión suicida. Enorme actuación de Andrew Scott, quienes muchos recuerdan por Sherlock.

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Lo que busca es secuestrar a un trabajador para captar la atención del director general (ese hípster), y reclamarle por una tragedia personal. Todo ligado a esa crítica de cómo nos hemos vuelto zombies esclavos a celulares, de apps y redes sociales que consumen nuestra atención, y nos aíslan del entorno.

El capítulo se desarrolla en la tensión por la toma del rehén, acciones de la policía, el poder o invasión que hay dentro de estas empresas de telecomunicación al punto de tener más accesos que el propio FBI; así como el elemento humano que hay de la empatía, la ira, la frustración y otros.

Todo eso nos deja uno de los mejores episodios de Black Mirror, sin duda alguna. Otros dicen que no, pero pareciera que olvidaron la esencia de la serie.

Rachel, Jack and Ashley Too

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El último episodio es uno de los menos arriesgados. Sin embargo, teniendo a Miley Cyrus como protagonista, se vuelve de los más notables. A eso súmenle el hecho que es casi una radiografía de su infancia como estrella pop juvenil y hay elementos para atraer nuevas audiencias.

El mayor problema quizás, es que aunque abarca temas puntuales no los desarrolla en demasía. Desde la soledad que se puede sufrir en la adolescencia, el abuso de la realidad virtual y el merchandising, hasta las mezquindades ocultas en el feroz mundo del showbiz.

Con un carácter más adolescente, nos guían por el vertiginoso mundo de la avaricia de los managers de artistas, la supresión del talento al estar un escalón abajo al espectáculo, así como la apariencia por encima de todo… sobre todo de la moral.

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Las protagonistas joviales funcionan muy bien, dos hermanas muy distintas entre sí pero se terminan encontrando por un fin común: rescatar a Ashley O, el nombre que ocupa aquí Cyrus.

De aquí lo que más quiero rescatar y porque me provocó una enorme sonrisa es… ¡Miley Cyrus tocando Head Like a Hole de Nine Inch Nails! Wow, jamás esperé eso y no me ofende como fan de la banda de rock industrial, sino me alegra que Trent Reznor (líder de la agrupación) haya tomado con buen cara el asunto y cediera el permiso.

Veredicto

La quinta temporada se resume a tres episodios que gozan de una muy buena y característica originalidad, con temas vigentes y peligrosamente cercanos, trabajados bajo una dirección y producción excepcional.

La duración igual llama la atención, ya que todos pasan de los 60 minutos. Dicho propiamente, cualquiera de ellos pudo ser una película de éxito, pero menos mal no fueron así, pues mejor que los disfrutemos así en el método moderno: el streaming.

Downton Abbey: Razones para verla

En septiembre se estrenará la película de Downton Abbey, un hecho que seguro ilumina los corazones de quienes nos enamoramos de este drama de época que nos llevó a adentrarnos en un enorme castillo con alma propia, habitado y cultivado tanto por aristócratas como por sirvientes.

Esta producción de la ITV en Gran Bretaña parece un cuento de hadas, por la presentación ostentosa de los lujos y modales de gente elegante en la alucinante country house llamada Downton Abbey. Imposible no asombrarse con la pulcritud de las vestimentas, el acento británico y pieles lisas como las nubes de ensueño que rodean el cielo en Yorkshire.

Romance a lo Downton

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La trama de esta serie rodea a la familia Crawley, formada por padre y madre más tres bellas hijas, que buscan un buen matrimonio con alguien que provenga de una noble estirpe.

Lady Mary encabeza el trío de hermanas que son muy distintas entre sí, con una Lady Edith que es quizás la más recatada y Lady Sybil que es la más rebelde. Mary es quien hace gala de sus genes británicos y en todo momento posee esa distinguida ironía, por lo cual no le sale fácil a ningún pretendiente poder tener la conexión deseada con ella.

Pero el amor no solo fluye en las hijas Crawley, el matrimonio cabecilla es un delicado postre británico acompañado con té de las 5. El amor de Cora, Condesa de Grantham, y Robert, Vizconde de Downton, transmite una química tan buena como pocas veces se ve en la televisión.

Por la época, obviamente (y desgraciadamente), en Downton Abbey se impone muchas veces la voz del varón; pero la sutileza y gracia de una astuta y delicada dama logra voltear las situaciones para persuadir a su esposo de que tome la vía correcta.

Y si nos vamos a los aposentos de abajo, fluye mucho amor e historias curiosas entre los sirvientes; quienes, a pesar de no contar con la misma clase que los de arriba, sí que saben reparar en decoro cuando la situación lo amerita. No siempre, y por ello, los exabruptos aquí son tan interesantes y cómicos.

Humor británico

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El guión de Downton Abbey es uno de sus mayores fuertes. Los parlamentos son una melodía fina que penetrará en tus oídos para reposar y ver el atardecer. Sobre todo, relucen los comentarios sagaces de una brillante Condesa Violet, interpretada por la inigualable Maggie Smith. Su mirada, lenguaje corporal y modales son sumamente especiales.

Aunque siendo esto un drama británico de época, obviamente que el estilo de humor aparece en diferentes instancias. Puede ser con comentarios ácidos de Lady Mary, o cuando Carson —el mayordomo y jefe de los demás empleados— hace un regaño sutil a algunos de sus súbditos.

Difícilmente encontraremos un personaje que no tenga más de alguna línea con esa ironía servida en bandeja de plata.

Inesperada tristeza

Algo que en definitiva a mí me sorprendió muchísimo de esta serie es que no escatima en sus recursos dramáticos. A veces quizás hasta más de la cuenta, perdiendo en algunas temporadas cierta consistencia. Eso sí, la calidad se mantiene en términos muy aceptables casi todo el tiempo.

No estamos ante un Game Of Thrones, pero sí que Downton Abbey tiene unas sorpresas crudas que te calan en el corazón.

La narrativa puede tener tintes coloridos, brillantes y de júbilo; y luego cambiar a una tonalidad más grisácea, desalmada y espesa como el famoso clima que siempre ha caracterizado esta zona del mundo.

Acontecimientos históricos

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Durante la época en que se llevan a cabo las temporadas (1912-1926), hay muchos hechos históricos que trastocan el estilo de vida de los aristócratas, así como de la servidumbre.

Las estelas de la guerra, los cambios para la participación de las mujeres, los problemas económicos y algunas manifestaciones por derechos laborales no son temas ajenos a Downton Abbey; que no hace alarde de levantar banderas, pero sí de hacer señalamientos o, por qué no, hasta contrastes con la sociedad actual.

Estética y producción

La manera en que la cámara pasea por aquellas escaleras imponentes o por los pasillos de abajo del castillo, más la belleza e iluminación que da una sensación de ensueño en cada toma; todo esto dota a Downton Abbey de una verdadera belleza audiovisual que cualquier cinéfilo disfruta de principio a fin.

Tienen que verla

Hay que darle una oportunidad a Downton Abbey si buscan algo muy distinto a lo que habitualmente encontramos en la televisión. Aquí no hay reinos luchando ni dragones; tampoco hay superhéroes salvando el día; lo que encuentran es una familia de clase muy alta de una Inglaterra en las postrimerías de la época eduardiana, un vistazo a una vida que resulta tan inverosímil como atractiva.

Weird City: una copia mala de Black Mirror

Hace un tiempo que la competencia en las plataformas de streaming se ha vuelto feroz. En los próximos meses se avecinan gigantes como Disney y Apple. También de forma más tímida están competidores como YouTube Originals, con algunas producciones como Weird City que en su premisa lucen interesantes.

Aunque la idea de la serie parecía llamativa, la ejecución del guión más la simpleza de su desarrollo la convierten en un producto desechable.

De momento van seis episodios, de los cuales dos se pueden ver de manera gratuita. En ellos tenemos historias independientes en una ciudad de un futuro “no muy lejano“, en donde existe una división de los que viven “arriba de la línea” y los que viven “debajo de la línea”.

De ahí surgen elementos para jugar con diferencias de clase social y el acceso a tecnología avanzada. El problema es que no lo combinan bien, hay bromas o intentos de comedia burdos que muestran pobreza de imaginación. Para una serie futurista, esto es un gran defecto.

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Es cierto que Weird City no busca parecerse exactamente a Black Mirror, ya que no tiene el tono irónico y cruel de la decadencia humana que presenta la magnífica obra de Charlie Brooke. Pero sí Weird City propone una serie antológica que se pregunta cómo la tecnología moldea distintos estilos de vida. Es ciencia ficción con mucho menos cinismo y más comedia. O al menos así fue vendida al público.

Las tramas

El primer capítulo de Weird City tiene un enganche positivo. A nivel de producción cumple con los requisitos modernos y el ritmo es llevadero, por lo que uno se adentra sin complicación ni recelo. La trama es entretenida, con el planteamiento de un problema y una resolución satisfactoria, nada del otro mundo que deja un sentimiento feel-good en el final.

Luego continúa el que quizás es uno de sus capítulos más fuertes, con un protagonista bien escrito y bien actuado, un ser que desespera por su incompetencia y urgencia de aceptación. La manera en que termina es igual de atractiva, con tono oscuro, pero sin caer en lo trágico o tenebroso que puede ser la serie disponible en Netflix.

En el capítulo 3, de toque universitario, es donde quedan expuestas las fallas en la estructura, el guión, las actuaciones y hasta la dirección. Aquí sólo veremos una paupérrima idea con un pésimo desarrollo y proyección.

El episodio 4 tiene un concepto cautivador de una casa inteligente, lástima que tampoco supieron armarlo para lograr algo original y con algún twist audaz. Queda demasiado a deber.

El episodio 5 es quizás el más trabajado a nivel conceptual, con una clara referencia y crítica a las características de las personas pudientes, egoístas y supuestamente altruistas. Por último, el episodio 6 intenta ser meta-narrativo, con un rompimiento de la cuarta pared. Mejor hubiera sido que quedara sepultado, porque no aportada nada interesante a la serie.

Veredicto

Weird City intenta ser una de las series que atraigan audiencia a YouTube Originals, pero está muy lejos de conseguirlo. Ni su elenco verdaderamente importante (Rosario Dawson, Michael Cera, Laverne Cox, Steven Yeun, Gillian Jacobs, Awkwafina y otros) la rescata.

En una era en que la televisión y las series están ganando terreno incluso frente al séptimo arte, y donde existen historias más envolventes en la pantalla chica que en la grande, es un total desperdicio que se haga inversión en producciones de este estilo.

Tenía esperanza de que tuviese un mejor valor al ver que era co-creada por Jordan Peele, quien ya ganó un premio Óscar por su película Get Out y alcanzó buenas críticas con Us. Pero me equivoqué.

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En fin…, para entretenerse o matar el tiempo con capítulos cortos (media hora máximo) y si ya van al día con todos los videos del canal de YouTube de Fuera de Foco, échenlo un ojo a Weird City a ver si tienen una opinión distinta.

Pero, si creen en mi palabra, les advierto: no pierdan su tiempo.

The Last Of The Starks: GoT a un paso de la locura

Este episodio de Game Of Thrones se vanaglorió de todos esos elementos que han convertido esta serie en una must-see. Sí hubo un par de escenas incómodas en su planteamiento, pero la forma en que distintas tramas convergen nos anticipan que en los últimos episodios se jugará un ajedrez tanto interesante como letal.

La fortaleza que ha tenido Juego de Tronos no han sido las grandes batallas, aunque lo visto en el capítulo anterior fue simplemente excepcional. Lo que ha dado un realce a esta producción de HBO son esos momentos de análisis y diálogos entre sus personajes, esa construcción fina de tipos de comportamiento, a veces predecibles y muchas otras sorpresivos, aunque siempre consecuentes.

Muchos dirán que a Daenerys la están pintando como inestable e incorrecta con sus acciones, exagerándola con tropiezos y hasta suplicando por su posición. La reina de los dragones ha visto mermada su cuota de poder por las tragedias de la guerra y será ahora que demostrará si tiene la capacidad para realmente gobernar los Siete Reinos.

Por otro lado, Jon goza de esa ingenuidad propia del guerrero justo, del héroe que no rompe su palabra, del hombre que por su rectitud pierde en el juego político al desconocerlo, al ser manipulado incluso. Pero estoy seguro de que su verdadero apellido y derecho al trono jugarán un papel fundamental en el desenlace de esta historia.

A partir de aquí, Game Of Thrones nos mostrará que la fuerza puede triunfar en batallas, mas la inteligencia es la que realmente gana guerras.

Duelo en el frío invierno

Este episodio comenzó con ese momento necesario de duelo. Las pérdidas tras la Batalla de Winterfell fueron numerosas, dolorosas y profundas.

La misma Daenerys confesaría luego que Ser Jorah siempre la amó pero ella nunca pudo amarlo igual. Asimismo, se fueron otros que ahora deben ser tratados como leyendas por su valor en esta lucha por la humanidad.

Jon Snow es el encargado de dar un sentido discurso, evocando el carácter de quien siempre creyó era su padre: el honorable Ned Stark. Con esa vehemencia y aplomo da las últimas palabras para que los muertos puedan descansar en paz.

El banquete

Haciendo una buena referencia a la época medieval, luego de la gran batalla ganada y que se hiciera honor a los caídos, es momento de festejar. Mucha bebida y un gran banquete alumbra Winterfell con esos hombres y mujeres que quedaron de pie.

Esto da lugar a conversaciones agudas y a miradas sospechosas. Resalta Dany viendo cómo se encuentra fuera de lugar. Los elogios de Tormund a Jon Snow y a su “enorme valentía” hacen mella en la temple de la Khaleesi, quien ve cómo se diluye su poder. Esto no escapa a la vista del siempre sagaz Varys.

Asimismo, hay miradas entrecortadas entre Daenerys y Sansa, quienes todavía no logran acoplarse y parece que jamás sucederá.

Bebidas y el calor de los cuerpos

Entre muchas bebidas y coqueteo por parte de Tormund, éste termina aceptando su destino de fracaso con su gran amor, ya que mira cómo el amputado Lannister es quien se robó el corazón de Brienne.

Antes de ese momento, Tyrion y Podrick participaban, junto a los nuevos tórtolos (aunque no duró mucho), en el clásico juego del Lannister menor: un gran callback de verdades y vino. La verdad incómoda es cuando se deduce que Brienne es virgen y Jaime es quien se encargará de cambiar esa condición. Sí: este cuento de amor logró consumarse.

Por otro lado, y siempre con los rechazos, después de ser un simple bastardo Baratheon, Gendry fue nombrado Lord de Storm’s End, y así le propone matrimonio a Arya. Esta chica no es una Lady ni jamás lo será, así que declinar esa oferta era algo esperado.

Listos para la Última Batalla

De vuelta a los asuntos político-bélicos, se planea la forma de encarar el peligro de Cersei. Daenerys quiere ir de una buena vez a acabarla, aunque Sansa sugiere esperar un poco más para que los soldados se recuperen.

Jon apoya a su reina, como juró hacerlo en un momento íntimo entre ambos, en que el Rey del Norte indica que no puede ocultar la verdad de su descendencia a sus hermanas. Dany le indica que eso acabará con ambos y que las implicaciones de esa verdad son muy poderosas: sería el fin de un amor, por lo que le suplica que ese secreto sea guardado. Jon no puede, no sabe hacerlo.

Es así que se planifica ir contra los barcos de Euron por un lado y por tierra con otro grupo, tratando de minimizar el ataque que tiene la reina Lannister.

Cuando todo sale mal

Los barcos zarpan y Daenerys va con sus dragones algo recuperados hacia Rocadragón, sólo para ser emboscados por la gran flota de guerra Greyjoy. Ahí con ballestas acaban rápidamente con Rhaegal, una pérdida sumamente sensible para esta guerra final.

Así mismo capturan a Missandei, amiga y aliada muy cercana a Daenerys. Todas estas acciones contraproducentes provocan el mejor momento del episodio: las pláticas entre Tyrion y Varys, consejeros que han sabido sobrevivir a distintos gobernantes.

¿Vale la lealtad a una reina que ha perdido perspicacia? ¿Qué honor queda con la traición? ¿Varys tiene un plan bajo la manga para “ganar y pelear por los justos”? Sin duda, estas preguntas y la astucia con que son abordadas son el fuerte de Game Of Thrones.

Dracarys

En la escena final, tenemos un stand-off entre la minimizada fuerza de Daenerys y Cersei, esa reina absoluta que ha sabido jugar sus piezas a la perfección. Crueldad sí, pero estrategia a su máxima potencia también. Todos la odian. Yo ahora la respeto.

Tyrion es quien hace de mensajero, lo mismo que Qyburn. Ambos están seguros en que apoyan al lado ganador. Más confiado está éste último, al ver la cantidad de soldados que lo respaldan.

Tyrion intenta hacer razonar a su hermana… y ésta parece conmoverse un poco, ya que no lo mata al instante. Más bien le permite hablar y escuchar cómo le dice que ella “no es un monstruo y que siempre ha amado a sus hijos”. El asunto del bebé dentro de ella puede ser la clave de la resolución del próximo baño de sangre.

Aún así, Cersei no se deja afectar y continúa con el mensaje claro que quería dejar: quien se acerque a querer usurpar el poder, terminará muerto, o decapitado, como la pobre Missandei cuyas últimas palabras fueron las aguerridas: ¡Dracarys!

Apuntes finales

  • La mirada de Dany lo dice todo, tiene un fuego interno que está por salirle a través de la nariz. La idea de proteger a las personas en King’s Landing, puestas como carnada por la propia Cersei, parece a este punto imposible.
  • Fuego y Sangre prometen los Targaryen. Daenerys parece en estos momentos digna hija del quien fuese conocido como El Rey Loco.
  • Será vital lo que puedan hacer The Hound y Arya, unidos de nuevo en el camino hacia esta tierra soleada. La silenciosa heroína tiene pendiente acabar con Cersei mientras que el otro busca ajusticiar a su hermano. Uno de ellos cumplirá su promesa y el otro morirá, se los aseguro.
  • ¿Estará Sansa moviendo el ajedrez de una forma silenciosa? ¿Será que alguien está filtrando información para debilitar a la Reina de los Dragones?
  • Parece que ya les decimos “hasta nunca” a Sam y su familia, así como a Tormund que vuelve a sus tierras… Pero, ¿y Ghost? Qué feo ha sido cómo se deshacen tan fácilmente de este fiel huargo. Muy mal, Jon, así no será tan difícil llorar tu muerte.
  • ¿Jaime es tan desgraciado para abandonar así a Brienne? No creo quiera unirse a Cersei, pero intentará salvarle la vida. Así es el amor tóxico.
  • ¿Bronn podrá ser Lord de Highgarden aún con su estilo tan desfachatado? Algo es seguro, puede matar a los hermanos Lannister en cualquier momento si no le cumplen.


¿Qué les pareció este tercer capítulo? ¿Continúan emocionados por ver el final de esta saga épica?

After Life: Depresión, soledad y humor negro

Ricky Gervais, el comediante irreverente y de humor negro/ácido, desde hace tiempo ha mostrado sus habilidades para generar dramas profundos, como en la serie Derek. Lo que jamás esperaba es que daría verdaderas lecciones de madurez, vida y análisis de la depresión en After Life, otra producción original de Netflix.

A pesar de contar con sólo seis episodios de alrededor de media hora cada uno, no es tan fácil verlo en una sola sentada. No es que no entretenga, es que tiene brochazos a veces muy duros de asimilar. After Life nos pinta el escenario de una persona que contempla el suicidio constantemente, lo que le brinda este “súper poder” —como él lo denomina— de tratar a las personas a su alrededor de la peor manera: sin preocuparse de las consecuencias.

Es aquí que el guión recurre a la creatividad burlona y sarcástica de Gervais. Él es encargado de escribir y dirigir esta obra tan auténticamente real en cada segundo de metraje, que es difícil pensar que no se apega a su propia vida.

¿De qué trata?

Gervais es Tony, un hombre mayor que está decepcionado y deprimido por haber perdido a Lisa, la mujer que siempre amó, a causa del cáncer. Desde entonces vive solo con una perrita que ayudó a criar junto a su cariñosa esposa. Es esta fiel mascota la que le “impide matarse”, ya que sin él no sabe quién la cuidaría. O al menos es la excusa que se dice a sí mismo.

Tony trabaja en un modesto y bastante pequeño diario local, Tambury Gazette, encargado de resaltar “historias curiosas”: desde un bebé que “se parece a Hitler” (sólo le dibujan un bigote), hasta una mancha en la pared de una casa cuyo dueño —asegura que— luce como el actor Kenneth Branagh.

Sus compañeros de trabajo tampoco le dan un propósito diferente a su percepción fatalista de vida. Hay un fotógrafo que gusta de comer mucho, así como una mujer cuya soledad ha sido su más fiel compañía.

Además, llega una joven pasante con entusiasmo por comenzar en el mundo de la comunicación, pero ni ello anima a Tony a cambiar su actitud pesimista. Cada palabra emitida en After life es un desglose de amargura y humor negro que funciona de maravilla, si gustan de ese tipo de comedia.

Tony también tendrá otros encuentros en la rutina diaria de ese pequeño pueblo británico. Desde contacto con el cartero, llegar a un asilo donde se encuentra su senil padre, hasta conocer a una mujer mayor que tarde tras tarde llega a un cementerio local a ver a su difunto esposo, igual que hace el protagonista para ver a su querida Lisa.

Lidiando con la depresión

A pesar del aparente tono ligero que posee esta serie, posee diálogos simplemente excepcionales. Pueden ser conversaciones casuales entre Tony y su cuñado; o entre Tony y una trabajadora sexual; o entre Tony y un drogadicto cuyo único fin anhelado es la muerte.

De esos diálogos relucen argumentos profundos y con una íntegra carga emocional. La depresión no se describe como un concepto sino como una serie de condiciones que tienen un valor propio en cada ser humano. No hay melodramas, no hay lágrimas en exceso, no hay espiritualidad innecesaria. Es una forma real de cómo se lidia con la pérdida de un ser querido en los tiempos modernos.

Mañanas solitarias con una computadora viendo grabaciones de su difunta esposa, sacar la comida para que su perra pueda comer, salir a trabajar en historias ridículas… Ya todo le parece tiempo extra para Tony, este hombre que no encuentra ningún sentido sin tener a su lado a lo único que le importa.

Esa idea se extiende de manera sumamente inteligente con distintos tipos de interacciones, inesperadas muchas veces, ya que nos situamos casi en todo momento en la visión que Tony tiene de su vida. Será después que se dará cuenta que ser así es simplemente privarse de una nueva felicidad, por más imposible o egoísta que eso pueda sentirse.

Veredicto

No hay que esperar en After Life un cúmulo de bromas ácidas de Ricky Gervais, para eso tienen sus stand-up que son fenomenales. Esperen en esta serie lecciones de vida adulta, empatía, tristeza y a la vez cinismo combinado con ironía, algo que pocas veces es reunido con tanto esmero en la televisión.

Aunque me parece que la mayor parte de esta historia ya fue contada, se confirmó que en 2020 se lanzará una segunda temporada, de la que ya tengo altas expectativas.

Game of Thrones 8×01: Winterfell

Game Of Thrones está de regreso y el mundo se paralizó durante una hora para la emisión del estreno de la Temporada 8: el gran final. La acción fue muy poca, pero el fan-service de esos esperados encuentros hizo que valiera la pena.

Uno de los más significativos, sin duda, fue el de Arya con Jon Snow. Parece que fue hace siglos que dejaron de verse y ambos han pasado por cambios radicales. Jon revivió y Arya se ha vuelto una asesina fría, por citar ejemplos. Igualmente fue genial que las hermanas Stark conocieran a Daenerys, esa imponente mujer con cabello de plata que es capaz de montar dragones.

Sansa no se ve del todo contenta con la presencia de ella y su ejército, y desconfía de esa nueva alianza; asimismo no tiene claro qué significa alimentar a tantas personas en ese duro invierno.

Hablando de ella, fue interesante el reencuentro con Tyrion, con quien mantuvo siempre una gran relación cordial, a pesar de tantos tropiezos. Fue intenso cuando le dice que no es tan inteligente como ella creía.

El amor, el amor…

Un momento que me pareció innecesario, aunque comprensible, fue el paseo en dragones y el beso en la cascada. Los tórtolos son nada más y nada menos que Snow y Dany, quien le pide a su amado: Mantén caliente a tu reina, una frase que seguro resonará en los corazones de muchos enamorados.

No es que la escena sea mala o le falte toque romántico, sino que ha sido tan rápida la atracción de estos dos que por alguna razón todavía no me lo creo. Y con tan pocos capítulos que restan, no sé si logren consolidar esta relación.

¿Y los elefantes?

Por el otro lado de Westeros, está Cersei muy cómoda esperando que los Caminantes Blancos arrasen con el ejército de Daenerys y sus aliados. Ella confía en que la Compañía Dorada será suficiente para proteger Desembarco del Rey en cualquier escenario apocalíptico, pero estos famosos mercenarios (veinte mil) no tienen elefantes guerreros, para decepción de la hermana Lannister.

Y ya sin Jaime cerca —y como los Lannister siempre pagan sus deudas— Cersei accede a acostarse con Euron, el Greyjoy que no creo tenga mucho tiempo de vida, ya que Yara está liberada gracias a Theon y ésta buscará la venganza a toda costa.

Jon, el heredero al Trono

Lo que era inevitable es que Jon supiera quién es en realidad: Aegon Targaryen, el verdadero heredero al Trono. Es el propio Sam quien le da la noticia, lo cual deja a Snow completamente desconcertado. Es mucho para procesar definitivamente.

Esto cambia todo el panorama y justo a vísperas de una guerra, no cualquier guerra, la más grande en la historia. Si es Targaryen, sabe que comparte sangre con su nuevo amor, además ¿dónde queda su honor como Señor del Norte? De por sí a los lords no les gusta que se haya arrodillado ante la Reina de los Dragones ¿Cómo procederá Jon ante tantos cambios?

Otro punto importante a mencionar es que Sam le cuenta todo esto a Snow después de tener la certeza absoluta tras hablar con Bran, quien todo el episodio pasó con una mirada fija y enigmática. Hasta asusta por parecer que juzga y analiza en cinco segundos.

Quien queda petrificado también al recibir esa mirada fulminante es Jaime Lannister, el cual llega a Invernalia de forma incógnita. ¿Qué verá Bran en el hombre por el cual ahora usa silla de ruedas? ¿Querrá venganza o verá en este hombre a un caballero en busca de redención?

Veredicto

Es cierto que no fue un episodio marcado por la acción. Llegué a sentir incluso que, con solo cinco episodios restantes, algo más importante tuvo que haber pasado. Quizás lo más relevante en cuanto a los Caminantes Blancos es ver ese “mensaje” que dejaron en la Casa Umber, con un pequeño destripado y pegado a una pared.

¿Bastará con una espada de fuego para contrarrestar la fuerza de los White Walkers? ¿Estarán listos los dragones para enfrentar al ejército de muertos, o querrán seguir viendo cómo un hombre besa a su madre?

Otra gran pregunta es Bronn, ya sabíamos que es un caza recompensas, pero en verdad accedió a la petición de Qyburn a pesar de sus alianzas previas, ¿será capaz de traicionar y matar a los hermanos Lannister? ¿Tanto teme Cersei a la profecía sobre su muerte?

Ojalá el siguiente capítulo suba un poco el ritmo, pero no incomoda para nada que se den encuentros rápidos y cómicos, como el The Hound con Arya y ésta a la vez con Gendry. Si el Rey de la Noche debe asustarse por alguien, ese alguien tiene que ser Arya Stark.


¿A ustedes qué les pareció este primer capítulo? ¿Echaron de menos la acción?
No olviden dejar sus opiniones en los comentarios.

De amor y tripas: Santa Clarita Diet

Drew Barrymore, una de las sweethearts de Hollywood y cuyo carisma no se disipa con los años, está de regreso para la Temporada 3 de Santa Clarita Diet. Esta serie de comedia-zombie de Netflix realmente es una bocanada de aire fresco en este mundo caótico que vivimos.

Justamente caos es lo que rodea siempre a la familia Hammond, con un Joel (Timothy Olyphant) siempre al borde de una crisis nerviosa, pero manteniéndose como el esposo comprensible, atento y cariñoso que cualquier mujer desearía tener.

Lo mismo puede decirse sobre Sheila (Barrymore), quien además de ser una esposa cuyo principal impulso es conservar la “cordura” en su familia, tiene la entereza suficiente para tomar decisiones de forma independiente y buscar su “misión de vida”.

¿Será acaso que su “poder” le fue dado para hacer el bien en el mundo? La respuesta a esa pregunta irá madurando a lo largo de esta temporada hasta desembocar en un momento lleno de emotividad.

Entre divinidad y mitología serbia

En el final de la Temporada 2 habíamos visto cómo Anne, la policía, se había convencido de que Sheila era una enviada divina con la tarea de eliminar a la gente mala. Así comienza esta nueva tanda de episodios: con el matrimonio Hammond tratando de mantener cerca a Anne, pero al mismo tiempo evitando que se entrometa demasiado. Con este giro, la religión ha entrado al suburbio californiano.

Además, hay que enfrentar un nuevo reto: los Caballeros de Serbia, una orden mitológica que desde tiempos ancestrales se encarga de cazar a los “No Muertos” (zombies es una palabra ofensiva, recuerden).

Otro tema que ocupa buena parte de la trama en estos 10 capítulos, es la investigación de las autoridades por la explosión en el sitio del fracking. Abby y un divertidísimo Eric planearán todo tipo de argucias para que no los descubran. Resulta lindo ver la química entre estos dos amigos que se quieren, pero todavía no saben qué tanto.

Como cereza en el pastel, hay un grupo de serbios que buscan a toda costa a los “No Muertos” en Santa Clarita. Los motivos se desconocen, pero no tienen pinta de ser buenos.

Bromas sangrientas

La frescura que tiene Santa Clarita Diet está intacta, así como un brazo recién cortado que hace que la sangre salga a presión. Sí, realmente el gore ahí está, aunque ahora se han ahorrado algunos baldes. Eso, o a estas alturas ya me acostumbré al baño de tripas.

Súmenle a eso una cabeza putrefacta que habla (Gary), muchos más “No Muertos” que se agregan al casting, cadáveres cuyos gases los hacen explotar, “albóndigas” con patas, y armas medievales. Todo produce un coctel de gore mezclado perfectamente con una comedia puntual, inteligente, sarcástica y con el toque de humor negro que tanto nos gusta.

Hay momentos en que me reí bastante, aunque un par de segundos después del chiste por lo inesperados y abruptos que pueden resultar. El balance que hay entre lo cómico, lo “serio” y lo sentimental es una de los puntos más altos de esta serie.

Inmortalidad y aceptación

Cualquier comedia sin elementos de cohesión dramática no funciona bien. Santa Clarita Diet siempre ha tenido esos mensajes intrínsecos que a primera vista no se hacen notar tanto, por tantas bromas rápidas y situaciones absurdas o delirantes, pero en su núcleo posee mucho corazón.

La mejor explicación de esto ocurre con el tema de la “inmortalidad“. Al ser una “No Muerta”, Sheila vivirá por siempre. Eso significa que Joel, la persona que más ama en el mundo, lo mismo que su hija, no podrán estar con ella por siempre…, a menos que les transfiera sus poderes con una mordedura.

Aquí se refleja la inteligencia de guión y los diálogos que hay en esta producción original de Netflix. Hay momentos en que éstos discuten como pareja madura sobre este asunto; Joel duda si es realmente lo que quiere, especialmente por ese detallito de comer a otros humanos.

Otro punto de inflexión es la relación padres e hija. Abby, aunque tiene el temple de una guerrera y actitudes de mujer mayor, no deja de ser una adolescente. Por más que se esmera en ayudar a sus padres, éstos buscan que no se acerque tanto para protegerla, mas no se dan cuenta de que ello puede resultar contraproducente.

Querer es aceptar que los hijos crecen, a final de cuentas.

Veredicto

Entre la forma de hablar de Ron, los nervios encantadores de Eric, la boca ingeniosa de Abby y, por supuesto, la química impresionante de Sheila y Joel; puedo asegurarles que si buscan una comedia que los haga sentir bien (a menos que les dé mucho asco el gore), en Santa Clarita Diet tienen una de las mejores opciones.