Anya Taylor-Joy explica por qué Furiosa se rapa la cabeza

En este artículo:

  • Durante su visita a México, Anya Taylor-Joy explicó por qué Furiosa tiene el cabello largo en esta precuela de Mad Max.
  • La actriz confesó que desde siempre estuvo dispuesta a raparse la cabeza para imitar el icónico look de Charlize Theron, pero George Miller le explicó que el cabello era un símbolo de inocencia y esperanza.
  • Anya Taylor-Joy también habló sobre por qué Furiosa engloba los temas más importantes de la historia de Mad Max.

Anya Taylor-Joy está a punto de convertirse en Furiosa en la nueva cinta de Mad Max de George Miller. A casi una década de que se estrenara la cinta de Fury Road, que convirtió a Charlize Theron en una de las estrellas de acción más interesantes de Hollywood, las expectativas por ver cómo se construye el origen de la guerrera está por los cielos.

Durante una conferencia de prensa que se llevó a cabo para celebrar la visita de Anya Taylor-Joy a México, la actriz explicó un poco sobre la filosofía de Furiosa, quien asegura que se define por ser “una mujer resiliente que lucha por una esperanza perdida”.

Y además, también explicó el significado del icónico corte de cabello que usa Furiosa, un detalle que salió 100% de la cabeza de George Miller y que le da una dimensión muy profunda al personaje.

Anya Taylor-Joy
Copyright @ Warner Bros Discovery

Anya Taylor-Joy quería raparse, pero George Miller se lo prohibió

Durante la conferencia de prensa, Anya Taylor-Joy confesó que, desde un principio, “ella estaba dispuesta a raparse por completo la cabeza”, pero el director George Miller no se lo permitió, ya que el cambio de look que tiene el personaje resulta ser sumamente importante para su arco argumental.

En Fury Road, Furiosa se presenta como una fuerte guerrera con un brazo biónico y una cabeza afeitada. Su estilo se ha vuelto icónico y parte importante de su imagen, pero en los tráilers de Mad Max, se puede ver que Anya Taylor-Joy tiene una larga cabellera.

Y aunque en un principio se puede pensar que la decisión simplemente es para diferenciar la versión adulta de la más joven, Anya Taylor-Joy reveló que la razón por la que decide raparse es mucho más profunda.

“El simbolismo que ella (Furiosa) le impregnó es que ella espera volver al Pasaje Verde, entonces el cabello es la parte que ella mantiene de inocencia, quiere mantener algo que le recuerda a cuando era pequeña.

Cuando se lo saca, es porque se convierte en una criatura del Yermo. Pero nunca pierde la esperanza”.

Anya Taylor-Joy, México

Según Anya Taylor-Joy, “George Miller de verdad pintó a mano la película” ya que cuidó cada escena para que fuera precisa y tuviera grandes mensajes. Y de acuerdo con la actriz, eso se convirtió en un gran reto para ella.

“No me daba la idea del silencio, a pesar de que como actriz usar todo el cuerpo para comunicar es una parte clave” explicó. “Pero George (Miller) me dijo que Furiosa tenía una manera muy específica de sostener su rostro. En el Yermo, cualquier tipo de emoción es una debilidad, así que tuve que aprender a comunicarme con los ojos”.

Anya Taylor-Joy
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Por qué Furiosa es el corazón de la saga de Mad Max?

Durante la conferencia de prensa, Anya Taylor Joy confesó que el personaje “le impactó mucho” porque “ella lucha por una esperanza perdida de poder regresar a casa” lo que le da una dimensión de resiliencia y fuerza que le sorprendió mucho a la actriz.

Y es que para ella, la tierra de Mad Max es una pesadilla: “es un lugar lleno de violencia y caos. No se puede tener dignidad, no se puede ser buena persona, es muy aterrador” confesó Anya Taylor-Joy.

Por eso, la idea de la esperanza que ofrece Furiosa “es algo muy cautivador. Porque apuesta por la vida. Espero que mucho tiempo después de ella, la gente quiera regresar al Pasaje Verde y comience a plantar más árboles”.

Pelear por la vida y la esperanza son dos temas que Anya Taylor-Joy definen a Furiosa, también trató de definir su viaje y el mensaje que le gustaría transmitir a través de su nueva cinta.

“Creo que ella ejemplifica que no importa la cantidad de veces que alguien te aplaste, tú debes levantarte porque en algún momento ganarás.

Y además, cada actor que hace, por pequeño que sea, influye e impacta a los demás. Es un paso para todo el mundo, aunque sea pequeño”.

Anya Taylor-Joy, México

La saga de Mad Max ha tratado temas sobre el cuidado de la naturaleza e impulsado debates sobre la importancia de la supervivencia, preservar la belleza y luchar por coexistir. Esperemos que Furiosa logre capturar estas ideas cuando estrene el 23 de mayo de 2024.

Anya Taylor-Joy
Copyright @ Warner Bros Discovery

¿Por qué The Fall Guy fracasó en taquilla?

  • The Fall Guy estaba previsto a ser uno de los blockbusters más taquilleros de la temporada, al contar con Ryan Gosling y Emily Blunt en sus protagónicos.
  • La cinta, que inicialmente estaba proyectada a obtener más de $40 millones de dólares en su taquilla durante el primer fin de semana en cines, logró apenas $28 millones, contra un costo de producción de $140 millones.
  • Te explicamos por qué a pesar de la espera, la cinta no ha debutado con tanta fuerza como se estimaba, y qué necesita para convertirse en un éxito en sus semanas siguientes en cartelera.

El mes de mayo siempre marca un punto de inflexión para la taquilla en el cine. Pues es alrededor de dichas fechas que comienzan los lanzamientos veraniegos y grandes blockbusters pensados para llenar salas y hacer estallar a los cines.

Este año, The Fall Guy es el primero en la lista de los estrenos más esperados de la temporada, por lo que sus primeros análisis y estimaciones, apuntaron a que la cinta —la cual cuenta con Ryan Gosling y Emily Blunt, además de cientos de explosiones dentro de su fórmula—, sería un gran éxito con el qué dar pie al mes.

No obstante, The Fall Guy ha debutado con tan sólo $28.5 millones de dólares en su taquilla doméstica, y apenas $25.4 millones en territorios internacionales, lo cual se posiciona muy por debajo de las predicciones iniciales para la película pero ¿por qué el triunfo de The Fall Guy no salió de acuerdo a lo planeado? ¡Te lo explicamos!

Imagen: Universal

¿The Fall Guy tiene un largo camino por recorrer?

The Fall Guy es la más reciente cinta de David Leitch, la cual es protagonizada por Ryan Gosling y Emily Blunt, y donde un stuntman llamado Colt Seavers debe convertirse en un verdadero hombre de acción para hallar a un famoso actor y salvar la película de la mujer de sus sueños.

Desde sus primeras presentaciones, The Fall Guy fue presentada también como un espectáculo para honrar a los dobles de acción en Hollywood, por lo que naturalmente, posee una gran mezcla de acción, coreografías y un sinfín de explosiones que parecerían, son la fórmula del éxito.

Sin embargo, la cinta se ha quedado corta con respecto a las estimaciones iniciales, donde se esperaba que a su debut, The Fall Guy lograra entre $30 y $40 millones de dólares. Rompiendo con las especulaciones, The Fall Guy logró apenas $28.5 millones de dólares dentro de territorio estadounidense, y sumó $25.4 millones en otros territorios, contra un costo de producción de $140 millones.

“Es una apertura muy correcta para una gran cinta de acción y comedia” defendió el consultor David A. Gross de la firma Franchise Entertainment Research. Asegurando que la carrera de The Fall Guy en cines apenas comienza, y que al ser una película que no forma parte de alguna gran franquicia, no es un fracaso definitivo.

Por otro lado, sí destacó que la película necesitaría “un largo tiempo en cartelera” para poder recuperar su inversión, cosa que no aseguraría del todo su éxito al próximamente competir contra otros grandes blockbusters que se enfilan para ser imponentes en taquilla.

No obstante, The Fall Guy podría seguir la tendencia de la cinta anterior de su director, Bullet Train, la cual comenzó su carrera en cines con apenas $30 millones de dólares, y con el paso de las semanas, cerró con $130 millones de dólares en territorio estadounidense y $239 millones a nivel internacional.

Imagen: Universal

¿The Fall Guy aún no ha sido derrotada?

Lo cierto es que, en particular las grandes películas de acción que no pertenecen a alguna mega IP —aunque The Fall Guy está basada en el show ochentero del mismo nombre—, sufren un fenómeno inverso al de blockbusters que proceden de franquicias populares. Es decir, dependen fuertemente del boca a boca para escalar sus números en sus semanas posteriores al estreno, y no dependen únicamente de su debut para definir si han sido un éxito o un fracaso.

De su lado, la cinta al momento ha reunido críticas en su mayoría positivas, logrando un consenso de 83% de notas aprobatorias en el portal Rotten Tomatoes. No obstante, las comparaciones con otros proyectos, como Guardians of the Galaxy Vol. 3 , que estrenó durante el mismo fin de semana pero de 2023 y que obtuvo $118 millones a su debut, complican la percepción monetaria de The Fall Guy al momento.

“Por poco más de una década, Marvel ha sido quien enciende la chispa del calendario de verano” señaló el analista de Comscore, Paul Dergarabedian, “este año, sin un título de Marvel, es difícil comparar directamente los logros de una película de hace un año con algo como The Fall Guy” aclaró.

Por otro lado, sumar más a su taquilla en las próximas semanas también es un reto difícil de lograr, pues The Fall Guy se verá compitiendo en cartelera con grandes estrenos como Kingdom of the Planet of the Apes, Furiosa, Inside Out 2, Deadpool & Wolverine, entre varias otras durante los próximos tres meses. 

Imagen: Universal

¡Director de Fast X pide que haya menos franquicias!

En este artículo:

  • En el marco de la CCXP, el director de Fast X: Louis Leterrier, dijo que Hollywood necesita apostar por más historias originales y darles la oportunidad de volverse franquicias nuevas.
  • Hablando con los directores Jon Watts y Tim Miller, estuvieron de acuerdo que los grandes estudios dan menos oportunidades porque prefieren apostar por sagas ya conocidas.
  • Sin embargo, el director de Fast X aseguró que las nuevas tecnologías y plataformas como TikTok pueden ser un buen lugar para comenzar una carrera cinematográfica.

En el marco de la CCXP en México, el director de la trilogía de Spider-Man de Tom Holland, Jon Watts, el director de Deadpool: Tim Miller, y el director de Fast X: Louis Leterrrier tuvieron un panel exclusivo en donde comentaron sobre sus diferentes estilos de dirección y cómo ha cambiado la industria de cine en México.

Además de confesar que el encuentro entre los 3 Spider-Man en No Way Home fue improvisado, una de las partes más interesantes fue cuando comenzaron a hablar de la evolución de la tecnología en el cine y las dificultades que han enfrentado los grandes blockbsuters para ser rentables.

Al respecto, Leterrier, el director de Fast X, aseguró que el problema es que casi no hay oportunidades para que nuevas historias se conviertan en nuevas franquicias.

Fast X
Copyright @ Universal Pictures

Director de Fast X asegura que Fast and Furious comenzó como una historia contenida

En un momento del panel de la CCXP, los tres directores comenzaron a hablar sobre el estado actual de la industria y las dificultades que enfrentan los grandes estudios. Tan sólo este fin de semana, Profesión Peligro, película que costó más de 130 millones de dólares e incluía a Ryan Gosling y Emmily Blunt como protagonistas, apenas logró recaudar 65 millones en la taquilla mundial, augurando un duro golpe para Universal Studios.

Al respecto, Louis Leterrier, quien además de dirigir la película de Fast X también estuvo detrás de la primera película de Los Ilusionistas y la serie de Lupin, aseguró que uno de los problemas es que ya no se dan más oportunidades a historias originales.

“La gente lo olvida, pero alguna vez Fast and Furious fue un experimento” comentó el director. “Es lo que hace falta actualmente, que los estudios permitan que historias originales se conviertan en franquicias por sí mismas. Prefieren apostar por propiedades intelectuales ya reconocidas”.

Tim Miller estuvo de acuerdo con su comentario, asegurando que “el estado de la industria cada vez apuesta menos por nuevos cineastas y nuevas historias, sí hay una escasez de oportunidades en ese sentido”.

Sobre las dificultades que enfrentan los grandes blockbusters en su desarrollo y postproducción, Jon Watts comentó que “Marvel tiene los mismos problemas que todos los otros estudios: hay mucho dinero involucrado, mucho trabajo involucrado, y con la inflación y otros problemas, se ha vuelto en general más complejo para las grandes películas terminar en los tiempos de una agenda específica”.

También afirmó que a él le parece que “las cosas son cíclicas” y espera que los grandes estudios cambien de perspectiva pronto. “Cuando sale algo original y tiene éxito, todo el mundo quiere replicarlo. Pasó con las comedias románticas, pasó con el género de superhéroes. Ahora estamos esperando ver cuál será la nueva tendencia”.

Fast X
Copyright @ Universal Pictures

¿El futuro del cine está en TikTok?

Pero no todo está perdido para Louis Leterrier, el director de Fast X aseguró durante el panel que “ahora es increíble lo que se puede lograr con un teléfono” y comentó que ha visto “muchos videos muy originales en TikTok que hace 30 años habrían tomado todo el poder tecnológico de un gran estudio de cine para poder hacerse”.

“La gente ahora puede tomar su teléfono y grabar desde su casa, desde su cama. Puede crear cosas estupendas, y por eso creo que esta tecnología puede ser un conducto para nuevos cineastas”.

Louis Leterrier, director de Fast X, CCXP

Al respecto, Tim Miller dijo que por eso “quien quiera dedicarse al cine debe trabajar, trabajar y trabajar sin dejar que nada lo tire”, ya que al final, el trabajo duro hará que recolecten muchas experiencias que los preparará para hacer cosas mucho más grandes.

“No importa si es un trabajo en donde sirven cafés, tómalo si está dentro de la industria y si eso te acerca a lo que de verdad quieres hacer” contestó Tim Miller. “Cada experiencia suma, cada experiencia es aprendizaje, el simple hecho de estar cerca de cineastas, de creativos, de gente que sabe sobre la técnica, te hará ser mejor”.

Louis Leterrier también afirmó que una buena idea en esta época es “tomar tu teléfono, empezar a grabar y nunca detenerte” pues aunque los grandes estudios no están apostando por nuevas historias “el arte siempre será arte sin importar de dónde venga”.

Fast X
Imagen: CCXP

¿Andy Serkis influyó en la nueva cinta de El Planeta de los Simios?

En este artículo:

  • El director Wes Ball confesó que Andy Serkis lo aconsejó para construir a los primates de la nueva cinta de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino.
  • Explicó que Andy Serkis le ayudó a entender cómo los actores debían relacionarse con el CGI y la captura de movimiento, ya que el uso intensivo de la tecnología hizo dudar al director.
  • La cinta, además de entretener, tiene ideas muy profundas que también discutió en el panel dedicado de la CCXP.

El Planeta de los Simios: Nuevo Reino es una ambiciosa continuación de la saga del Planeta de Los Simios. Protagonizada por Andy Serkis como el simio César, durante tres películas vimos cómo los primates comenzaron no sólo a generar una mayor consciencia racional, sino también cómo fueron evolucionando hasta convertirse en un grupo que inicia una revolución contra la humanidad.

La premisa del líder César y su ascenso al poder es una gran exploración sobre los límites de la guerra, el impacto del compañerismo y lo duro de las revoluciones. Pero en 2024, el director Wes Ball intentó llevar esas ideas todavía más allá con El Planeta de los Simios: Nuevo Reino.

Situada 300 años después del liderazgo de César, los simios dominan la Tierra. Pero un nuevo líder: Proximus César, está utilizando tecnología para dominar otros clanes chimpancés y esclavizar aún más a la humanidad.

La historia es intensa, sangrienta y completamente creada con VFX y captura de movimiento, este fue un proyecto muy ambicioso para Wes Ball. Y durante la CCXP, reveló el gran consejo que Andy Serkis le dio para construir su mundo.

Andy Serkis
Copyright @ 20th Century Studios

Andy Serkis aconsejó a Wes Ball sobre cómo crear a los nuevos monos

Durante el panel de El Planeta de los Simios en el marco de la CCXP en México, el director Wes Ball reveló que el trabajo técnico fue uno de los más grandes retos para desarrollar la historia, ya que tenían que depender mucho de los efectos especiales y la captura del movimiento.

Durante el panel, la protagonista Freya Allan, quien interpreta a Mae, una humana que hace equipo con el chimpancé Noa para combatir a Próximus César, reveló que fue un proceso duro. “Tenía que hablar con un árbol pretendiendo que era Noa. Como actriz, fue difícil hacer estas escenas completamente por mi misma” reveló, aunque eventualmente “se convirtió en un reto y evolucionó a una habilidad que no tenía antes”.

El director también reveló que prácticamente tenían que filmar las escenas dos veces. “Una con Freya, en donde nos centrábamos en sus reacciones, y otra haciendo tomas de panoramas generales, vacíos en donde sabíamos que tenían que estar los simios” por lo que es una película con un alto nivel de efectos visuales.

Y según Wes Ball, construir el mundo y a los monos fue un trabajo tan arduo “que en un punto sí me preguntaba si lo estaba haciendo bien o si iba por el camino correcto” pero Andy Serkis llegó al rescate.

“En un momento, me acerqué a Andy Serkis a preguntarle si estábamos yendo por el camino correcto con respecto a la construcción de cada mono.

Y él me dijo: Lo más importante que tienen que saber los actores es: ¿qué significa ser un simio para ellos? Porque el movimiento físico es una extensión de la actuación”.

Wes Ball, CCXP México 2024

Con la idea que le dio Andy Serkis, dejó entonces que cada actor se adueñara del personaje e hiciera su mejor interpretación. “Él (Andy Serkis) me dijo: verás cómo el CGI será muy cercano al verdadero actor”.

Y de acuerdo con lo que comentó en el panel, “después de un tiempo, cuando veía el monitor y sólo se veían sus esqueletos, sabía perfectamente quién era quién sólo con su forma de moverse. Andy Serkis tenía razón, lo más importante era que entendieran a sus personajes”.

Andy Serkis
Copyright @ 20th Century Studios

¿Cuáles son las ideas de la Nueva cinta de El Planeta de los Simios?

“Como pueden ver, César sigue siendo el alma de esta película, está en su ADN” mencionó Wes Ball durante el panel. Y es que no sólo Andy Serkis le ayudó con el proceso para entender a los personajes, su figura es parte primordial de la filosofía de la película.

“No queríamos hacer una película con un mensaje” explicó Ball, “es una aventura para entretener, pero tiene ideas muy profundas sobre la verdad, cómo se manipula y sobre el poder”.

Durante el panel, pudimos ver un pequeño corto en donde se pueden ver las ideas que promulgaba el personaje de Andy Serkis: Mono no mata mono, Los simios son fuertes juntos y el conocimiento es poder.

Sin embargo, para Wes Ball “la idea también era explorar el cuestionamiento a los/as mayores, cómo es el status quo, y qué potencial hay para cambiar el futuro”. También asegura que, gracias a tener la idea de buscar entretener, pudo explorar con más facilidad “como lo que inició como algo muy positivo, en el futuro se desvió porque los primates como Proximus César siguieron cometiendo los mismos errores que la humanidad”.

Andy Serkis hizo historia con sus trabajos hechos con captura de movimiento, y para honrarlo, Wes Ball lanzará un corte de su próxima película sin efectos especiales con el propósito de que las personas puedan ver cómo es la captura de movimiento tras bambalinas y se celebre el increíble trabajo de efectos especiales que hacen posible la creación de mundos totalmente nuevos”.

Andy Serkis
Copyright @ 20th Century Studios

¡Dafne Keen causó accidente entrenando para The Acolyte!

En este artículo:

  • Durante la CCXP, Dafne Keen reveló cómo fue su entrenamiento físico para prepararse para The Acolyte.
  • Además de aprender distintas técnicas de artes marciales y meditación, su compromiso con el entrenamiento hizo que causara un curioso accidente en su hotel.
  • La historia de The Acolyte parece que será algo completamente nuevo para el universo de Star Wars.

The Acolyte no es sólo uno de los proyectos más ambiciosos de la saga de Star Wars, también parece que es una oportunidad de Oro para Dafne Keen. La actriz, mejor conocida por sus papeles en Logan y His Dark Materials, ahora interpretará a Jecki Lon, una dedicada padawan.

La serie se sitúa 100 años antes de los eventos de La Amenaza Fantasma, la serie narrará las investigaciones de una Maestra Jedi que investiga una serie de asesinatos. Y por lo que se pudo ver en la CCXP de México en 2024, todo indica que este será un thriller que mezcla la filosofía de Star Wars con el estilo de películas de Kung Fu.

La showrunner Leslye Headband confesó que desde siempre quería que Dafne Keen protagonizara la serie. “Sólo quería ver a X-23 con un sable láser”. Pero de acuerdo a lo que contó la actriz en la CCXP, su entrenamiento no sólo fue intenso, también la hizo repensar lo que había hecho anteriormente con otros personajes.

Pero Dafne Keen es una actriz sumamente dedicada, y se comprometió tanto con el entrenamiento que una vez causó un curioso accidente en un hotel.

Dafne Keen
Copyright @ Disney+

Dafne Keen entrenó tan duro que causó un accidente

Durante la conferencia de la CCXP, Dafne Keen reveló que, para prepararse para el personaje, tuvo que entrenar Kung Fu, Karate, Tai Chi, Aikido, entre otras artes marciales y ejercicios. “Fueron como 2 meses de horas diarias de espada física y sable ” reveló la actriz.

Sin embargo, Dafne Keen es una actriz tan dedicada que seguía entrenando aún después de que terminaran sus sesiones. “Yo llegaba a mi hotel y entrenaba al menos durante una hora más con palos o ramas que me encontraba en un parque cerca de él” reveló la actriz.

Sin embargo,en uno de esos momentos cuando estaba entrenando en un cuarto de hotel, sin querer golpeó la alarma de incendios, por lo que tuvieron que evacuar a todos los inquilinos.

“De hecho una vez rompí una alarma de fuego de mi cuarto de hotel y todo mundo tuvo que evacuar, porque estaba tirándolo (el palo).

Y tuvieron que evacuar del hotel”.

Dafne Keen, CCXP México 2024

Además de ese curioso accidente, Dafne Keen también mencionó que su entrenamiento en realidad fue sumamente diferente al de otros personales. “Hubo mucha meditación también, y fue interesante que ahora las peleas no nacen de la violencia o el enojo, entonces fue mucho también encontrar ese balance entre la calma y la pelea”.

Dafne Keen definió The Acolyte como una historia de “amor, misterio y peleas”,  e insinuó que veremos el uso de la fuerza y la energía “explorada de una forma que no se ha visto mucho en la saga”.

Dafne Keen
Copyright @ Disney+

La intensa preparación para crear a su personaje

Además del intenso entrenamiento físico, Dafne Keen reveló anteriormente que para preparar el maquillaje y vestuario de Jecki Lon “tomaba alrededor de hora y media o dos horas”, por lo que usualmente la recogían a las 3 de la mañana para que llegara a la división de vestuario.

Además del increíble maquillaje, Dafne Keen tuvo que usar un prostético entre sus cejas y cara, luego ponerse cuernos, peluca y pintarse cada parte de su cuerpo. “Si se iba a revelar alguna parte de mi cuerpo, entonces tenían que pintármela”.

Pero todo ese esfuerzo valió la pena “yo desde siempre he sido una fan absoluta de Star Wars” contó Dafne Keen en la CCXP, “cuando me llamaron para The Acolyte yo grité, estaba extasiada y todos los días me daba mucha emoción poder ser parte de este universo”.

Anteriormente, ella había hablado de que Jecki Lon era una padawan muy dedicada que respetaba las jerarquías de poder. “Para ella, Sol (su maestro) es perfecto y tenía todas las respuestas”, pero durante el panel se discutió que The Acolyte reconocerá que los Jedi también eran una organización paramilitar que estaba al servicio de la rebelión.

Durante el panel de la CCXP, se pudo observar una secuencia de pelea entre la Maestra Jedi Ilana (Carrie-Anne Moss) y la ex-padawan Mae (Amandla Sternberg). Aunque se dio poco contexto, la intensa secuencia de acción ya mostró lo que la showrunner llama “la fuerza-fu”, en donde la fuerza se utiliza más dentro del estilo de pelea físico, pues en un principio no usan sables láser.

Aunque se sabe poco de The Acolyte, la serie pinta para convertirse en otra exitosa serie que empuje las barreras de lo que ha presentado la saga con anterioridad.

Dafne Keen
Foto: El Universal

Garfield 2024: ¿Cómo se construye un buen doblaje?

Garfield, el mundialmente famoso gato que odia los lunes y ama las lasañas, estará de regreso en las salas de cine con una próxima cinta animada que contará la historia del protagonista encontrándose con su padre perdido, el gato callejero desaliñado Vic. Lo que lo llevará a emprender una nueva peligrosa aventura junto a su amigo canino Odie

Garfield: Fuera de Casa contará con un increíble elenco de doblaje conformado de por Memo Villegas (Garfield), Regina Orozco (Jinx), Joaquin Cosio (Otto), Sandro Larenas (Vic), así como Slovotzky (Roland) y Ricardo Pérez (Noland) de la Cotorrisa. 

En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con el talento de doblaje, quiénes nos hablaron cómo es la construcción de un buen doblaje.

Garfield
Copyright © Sony Pictures.

¿Cómo ha evolucionado el doblaje de Garfield?

Sandro Larenas es un actor que dio vida a Garfield desde la icónica serie de los 90, pero para esta película abandonó el papel titular para mejor interpretar a Vic, el padre del gato naranja. “Garfield tiene una voz muy particular” comentó. “tiene una cadencia especial y cuando empecé a interpretarlo me inspiraba en bostezos y tonos irónicos para darle esa sensación, pero mi voz ha evolucionado mucho y ya no le queda”. Sin embargo, quedó encantado con el resultado de Memo Villegas, quien tomó la batuta para esta cinta.

Memo Villegas es uno de los actores mexicanos más importantes de la actualidad al participar en proyectos sobresalientes como Narcos: México, en 2018; y La bandida, en 2019. Sin embargo, su popularidad se disparó gracias a un sketch que realizó para la serie Backdoor, en el que interpretó a un policía que termina drogándose con cocaína al confundirla con harina; dicha personificación se viralizó en redes sociales y, años después, se creó una serie del personaje para Prime Video titulada El Harina. 

El actor también ha personificando al político mexicano, Luis Miranda Nava, en la miniserie Historia de un crimen: La búsqueda, así como en otros proyectos como El último vagón, La gran seducción, Ojitos de Huevo,  Nada que ver y Sobreviviendo Mis XV. Sin embargo, en Garfield: Fuera de Casa, será la primera vez que Villegas se enfrente al doblaje, pero está seguro que si lo eligieron, es porque confían en su talento. 

“La directora es la profesional, ella sabe porque te eligió, más allá de tu voz, conoce tu trabajo como actor. Yo creo que la gente que te selecciona para este tipo de personajes, supongo que ya tiene perfectamente estudiado cómo será su estrategia para sacar lo mejor de ti. Yo propongo algo que creo es lo correcto pero, sobre todo en este medio, dejo que los profesionales me guíen totalmente”. 

Memo Villegas

Según Sandro Larenas, estas oportunidades son importantes, ya que no sólo hay más artistas haciendo doblaje, también más escuelas dedicadas a la profesión. “Para hacer un buen doblaje tienes que entender al personaje, entender sus sentimientos, interiorizarlos y luego transmitirlos en pantalla. Para mi, la evolución de este arte me parece fascinante porque poco a poco se abren más espacios serios para desarrollar esta profesión”.

Aún así, el actor admite que interpretar a Garfield no fue un proceso fácil y pidió el consejo de algunos de sus colegas que ya han tenido la oportunidad de incursionar en el doblaje. “Es divertidísimo y también complicado, cansado, exigente, interesante”, agregó el actor “Me lleve una clase de dieciocho horas de actuación, de voz, hasta de canto. Todo esto siento que es oro puro para uno como actor, todas estas lecciones, en los varios lenguajes qué hay, teatro o cine, lo que sea es ganar”.

No sólo a Villegas le pareció un reto. Joaquín Cosío, quien interpreta a uno de los villanos de la cinta se sorprendió por lo difícil que es realizar un buen doblaje. “Hay muchos matices que uno como actor piensa que tiene dominado, pero haciendo esta película me di cuenta de que me falla la dicción, me comía las s y las r, y era a través de la gran dirección que tuvimos que yo aprendí cómo corregir el rumbo”.

Garfield
Copyright © Videocine.

¿Por qué Garfield no pasa de moda?

Garfield es uno de los personajes animados más famosos de todos los tiempos que ha protagonizado películas animadas, live action, libros, videojuegos e innumerables líneas de juguetes a su nombre desde la década de los 90. Sin embargo, jamás ha pasado de moda y, en la actualidad, continúa conquistando a nuevas generaciones gracias a su particular personalidad.

De igual manera Memo Villegas, considera que Garfield ha sido tan exitoso a nivel mundial debido a que, a pesar de aparentemente estar construido de manera simple, en realidad es un personaje muy complejo que no precisamente lo quieres de amigo. “Te identificas con él pero si fuera una persona real no lo quisieras cerca de ti, no es buena persona, es ventajoso, hasta manipulador, tenerlo de roomie sería una pesadilla”. 

No obstante, es esta personalidad tóxica la que provoca que sea un personaje animado completamente diferente a otros. “Eso es lo mismo que hace que te identifiques con él y es lo mismo que te enamora, siento que esos personajes son entrañables”, añadió el actor. Y en Garfield: Fuera de Casa, veremos una nueva parte de sus orígenes al encontrarse con su padre. “Es una película de aventura y de acción a tope, hay trenes, drones, tanta acción que llega a ser un héroe”.

Y para Regina Orozco, “estas historias son universales porque son muy divertidas. Las personalidades son encantadoras y las situaciones se quedan siempre en tu corazón”.

Garfield
Copyright © Sony Pictures.

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?

Este artículo contiene spoilers de la película The Idea of You.
  • The Idea of You es la adaptación del libro del mismo nombre protagonizada por Anne Hathaway y Nicholas Galitzine, quienes interpretan a Solene y un famoso cantante llamado Hayes Campbell.
  • En la cinta, Solene y Hayes comienzan una relación, y aunque intentan hacerla funcionar, al final deciden darse un tiempo para que la hija de Solene no se vea impactada por el romance. Sin embargo, cinco años después, los personajes se reencuentran.
  • Contrario a la película, el libro termina con Solene sin poder superar a Hayes, mientras él sigue con su vida y no vuelve a contactarla jamás. Por ello, la autora del libro criticó las modificaciones a la cinta, asegurando que éstos cambian por completo la intención de la historia original.

The Idea of You finalmente se estrenó en Prime Video. La historia, inspirada en el libro del mismo nombre, trae de regreso a Anne Hathaway al género de comedias románticas, donde esta vez da vida a Sólene, una madre soltera que, por azares del destino, se enamora de Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), un joven cantante que forma parte de una boy-band.

Sin embargo, entre otros cambios, la cinta modificó el final del libro de Robinne Lee, quien ha decidido pronunciarse al respecto, asegurando que el giro de la película hace que la intención completa de su historia cambie, cosa que ella no había aprobado.

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

¿The Idea of You cambió el final del libro?

El libro de The Idea of You presenta un romance entre una madre divorciada de 40 años llamada Solene, y un chico de 24 años que forma parte de una boy-band, Hayes Campbell; quienes intentan hacer funcionar su relación por un tiempo.

Sin embargo al final, Solene está convencida de que es imposible, debido al impacto que el romance ha tenido en su hija, su negocio, y su vida completa, por lo que termina con Hayes. En el libro, Solene nunca supera al cantante, aunque él sigue adelante con su vida y no vuelve a ponerse en contacto con ella nunca más.

Por otro lado, la película cambia el final para darle a Solene (Anne Hathaway) y Hayes (Nicholas Galitzine) su final feliz. Y tras un salto de cinco años después de haber terminado, donde Hayes logró su carrera como solista, cumple su promesa de encontrar a Solene, una vez que la hija de Solene es lo suficiente mayor para no verse afectada por la relación de su madre.

Por ello, Hayes visita la galería de Solene, y ambos sonríen, llevando a una conclusión mucho más esperanzadora a la historia que la que tiene el libro y la que nadie esperaba, ni siquiera su autora.

“No formé parte de la adaptación. No he hablado ni siquiera con el director, pero espero conocerlo pronto. Así que no, no hablé con nadie sobre ningún cambio”.

Robinne Lee

Por otro lado, Robinne Lee añadió que su esposo es productor en la cinta de The Idea of You y que él ha estado mucho más en contacto con el equipo creativo detrás de la adaptación, por lo que “me informó de algunos cambios, y sé las razones por las que se hicieron”.

Asimismo, Lee señaló que no se siente traicionada por los cambios a la historia, pues entiende que “es parte de adaptar algo a un medio distinto”. “Un libro es un libro, y una película es una película. Tienes que hacerte a un lado y dejar a los cineastas hacer lo que saben, sin entrometerte

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

¿El público no habría aceptado un final triste para The Idea of You?

No obstante, Lee destacó que nunca pensó en darles un final feliz a Soleye y Hayes en The Idea of You, y admitió que le sorprendió ver eso en la cinta.

“Es Estados Unidos. Hollywood siempre hará lo suyo y arrojarán un final feliz en todo. No sé por qué.

Esperarías que se mantuvieran fieles a lo que escribiste porque significa algo para ti, pero también tienes que pensar en la taquilla y las visualizaciones y lo que la audiencia quiere, supongo”.

Robinne Lee

Más adelante, Robinne Lee explicó que considera que los públicos para la película y la serie son distintos, y criticó a las audiencias estadounidenses por no estar “preparadas para un final triste”.

“Titanic fue un gran éxito en su momento, amamos llorar con ella. Es la razón por la que regresas a ella. Y sé que la gente llora cuando lee este libro, ese es el punto”, añadió.

“El final de la película pudo pasar en el libro, supongo, varios años después. Pero no es la historia que que quería contar. Quería hacer una declaración con ella, sobre cómo las mujeres solemos poner la felicidad de otros antes que la nuestra.

Solene eligió a su hija en lugar de hayes, y fue consciente de que decepcionó a su amiga Lulit al descuidar la galería. Las puso a ellas primero, y aunque habría sido adorable si pudiera balancearlo todo, no es algo realista”.

Robinne Lee.

“Quería que esta historia se sintiera como leer un diario” añadió la escritoria de The Idea of You, “que vieras a este personaje verse atrapado entre su rol y el romance, y cómo ésto casi destruye todo lo que quería, por lo que tuvo que soltar”.

The Idea of You: ¿Autora no está contenta con la película?
Imagen: Prime Video

Unfrosted: ¡El ingrediente clave para su bizarra comedia!

Jerry Seinfeld salta detrás de cámara con UnfrostedSin Glasear para Latinoamérica—, una cinta inspirada en la creación de las Pop Tarts, la cual lleva al límite las batallas industriales entre Kellogg’s y Post, para convertir una historia común en una comedia bizarra.

En Fuera de Foco tuvimos la oportunidad de platicar con Christian Slater, Max Greenfield y Sarah Cooper, quienes conforman parte del curioso elenco que Seinfeld reunió para la película.

Y es que entre una rebelión de mascotas rebeldes, imperios de cereales, la mafia de la industria de lácteos y una guerra por lograr crear un snack tan icónico como las Pop Tarts, las estrellas de la cinta nos cuentan qué de todo es el elemento clave para hacer a su historia funcionar y por qué aunque absurdo, el mundo de Unfrosted está firmemente arraigado a las corporaciones en la vida real y su gente.

Unfrosted: ¡El ingrediente clave para su bizarra comedia!
Imagen: Netflix

¿Unfrosted existe bajo sus propias reglas y en su propio mundo?

Unfrosted sigue la historia de Bob Cabana, un ejecutivo en Kellogg ‘s que en su batalla contra el imperio cerealero Post, busca crear un snack perfecto para el desayuno. Así entonces, mientras Kellogg’s enfrenta sus propios y muy absurdos problemas —como la rebelión de sus mascotas para pedir más dinero—, Cabana reúne a un equipo para crear las Pop Tart, una de las galletas/panecillos más populares del mercado gringo.

Sin embargo, aunque la sinopsis de Unfrosted podría apuntar a una historia común sobre la creación de un producto —tal como Air, o el imperio de McDonald’s en The Founder—, la cinta que marca el debut directorial de Jerry Seinfeld se convierte en una sátira que reúne lo absurdo de las batallas empresariales y a su vez, se burla de las cintas inspiradas por dichas historias.

Y es que, uno de los elementos principales de Unfrosted, es la manera en que toma la estructura de organizaciones como Kellogg’s, Post, y la industria de lácteos, para llevarlas a lo absurdo y convertir al rey cerealero en un hangar militar donde se crea de todo, menos cereal; a Post en un imperio malvado, y a los lecheros en una mafia criminal que en silencio, domina al mercado.

“Unfrosted toma lo que piensas sobre cualquier lugar de trabajo, y lo lleva mucho más lejos de lo que imaginarías” explicó Max Greenfield, quien interpreta a un subordinado de Post llamado Rick.

Entre sus absurdos, Greenfield destacó una escena donde “dentro de Kellogg’s parece que todos están en lo suyo. Hasta que de la nada la burbuja se rompe, y entran las mascotas en sus disfraces a exigir más dinero”.

“Unir ese absurdo y ese mundo tan común es brillante, no lo esperas, pero hace completo sentido.” añadió Christian Slater.

“La clave de Unfrosted está en tomar las reglas de este mundo, y aplicarlas de maneras interesantes, divertidas e hilarantes. Todo aquí es un lugar de trabajo gigantesco, como nunca lo habrías imaginado”.

Chris Slater.
Unfrosted: ¡El ingrediente clave para su bizarra comedia!
Imagen: Netflix

¿El ingrediente secreto de las Pop Tart es… Jerry Seinfeld?

En Unfrosted, Christian Slater interpreta a Mike, un lechero con muy sospechosas actividades criminales, y quien forma parte de una mafia para asegurarse que la leche siga siendo parte clave del mercado estadounidense.

Durante nuestra conversación, el actor destacó la forma en que la cinta rescata la simpleza de momentos y personas de un “mundo cotidiano” para convertirlo en una historia completamente fuera de lo común, cosa que asegura, no habría sido posible sin Jerry Seinfeld.

“No tenía la menor idea sobre cómo resultaría esta historia” señaló Slater, “La primera vez que me introdujo a este mundo, fue a través de una lectura de guión por zoom, y caras icónicas de la comedia aparecían en mi pantalla una tras otra”.

“Conforme escuché a la historia desenvolverse, me reí muchísimo, la pasé genial. Y la idea de trabajar con Jerry Seinfeld es algo que no creo que nadie podría dejar pasar nunca.

Solo su mente podría haber tomado algo tan simple como una Pop Tart, para encontrar el oro que trajo a esta película”

Christian Slater.

Asimismo, Sarah Cooper, quien interpreta a Poppy, destacó que la historia provino “directamente del amor que tiene Jerry por las Pop Tarts”.

“Lo conectan mucho a su infancia, es algo para su niño interior y logra traer ese cariño a la vida” indicó la actriz.

“Unfrosted es un testamento de amor cuando lo piensas” añadió Slater, “ese creo es el mensaje: la familia, amor, honestidad, confianza, dignidad…”

“Y superioridad” finalizó Greenfield.

Unfrosted ya está disponible en Netflix. 
Unfrosted: ¡El ingrediente clave para su bizarra comedia!
Imagen: Netflix

¡Robin Williams defendió a actriz de Mrs. Doubtfire!

  • Robin Williams protagonizó Mrs. Doubtfire en 1993, cinta que se volvería una de las más icónicas en la filmografía del actor.
  • Las estrellas de la película, Lisa Jakub, Matthew Lawrence y Mara Wilson se reunieron para celebrar el 30 aniversario de la película, evento en el que compartieron cómo Robin Williams impactó sus vidas más allá del set.
  • En particular, Lisa Jakub señaló que Robin Williams intervino por ella, luego de que la escuela en que estudiaba la expulsara por las largas ausencias debido a la filmación, a pesar de que tomaba clases particulares en el set para compensar las faltas.

Sin duda alguna, uno de los papeles más recordados de Robin Williams es el de Mrs. Doubtfire, —Papá por Siempre para Latinoamérica—. Es por ello que durante la reunión del elenco, treinta años después del lanzamiento de la cinta, las estrellas que protagonizaron la cinta junto a Robin Williams se reunieron para compartir más sobre su experiencia en la cinta y junto al actor, quien falleció en 2014.

Y es que Matthew Lawrence, Mara Wilson y Lisa Jakub, quienes interpretaron a los hermanos de la cinta cuando eran niños, señalaron que Williams les marcó mucho más allá de su trabajo en el set. En específico, Jakub destacó que Robin Williams hizo lo posible por ayudarla con los problemas que tenía en la escuela, debido a su complicada agenda de rodaje. ¡Te compartimos los detalles!

¡Robin Williams defendió a actriz de Mrs. Doubtfire!
Imagen: 20th Century Studios

¡Robin Williams defendió a Lisa Jakub!

A través del podcast Brotherly Love, Mara Wilson, Matthew Lawrence y Lisa Jakub compartieron más sobre su tiempo en Mrs. Doubtfire, la cinta de Robin Williams de 1993 que se volvió un clásico.

Durante el programa, Jakub recordó un momento en el que Williams intervino por ella, luego de que su escuela decidió expulsarla sin aviso, por sus compromisos con la película.

“Me echaron de la preparatoria mientras grabábamos Doubtfire” relató Jakub a sus co-estrellas, “Iba a la escuela en Canadá, y luego me ausenté cuatro meses para filmar la película. Teníamos un sistema, pre-internet, donde mandaba mis tareas y exámenes por correo para ponerme al corriente, y funcionó por un tiempo.

Asimismo, la actriz añadió que dentro del set las estrellas más jóvenes tomaban “clases y tutorías. Tres horas de trabajo escolar diarias”, pero que su escuela en Canadá no creía que fuera suficiente. “A los dos meses de rodaje, mi escuela envió una nota para decirme que no volviera y me sentí devastada”.

Jakub explicó que la expulsión le afectó emocionalmente, pues consideraba su vida en Canadá y la escuela lo “único normal” de su adolescencia. Por ello, Robin Williams intentó ayudarla a volver al colegio.

“Robin notó que me sentía mal. Me preguntó qué pasaba, y luego escribió una carta para el director, pidiéndole repensar la decisión, y asegurándole que yo solo intentaba tener una buena educación a la par en que construía una carrera, y preguntando si podrían apoyarme con ello.

El director recibió la carta, la enmarcó, la colgó en su oficina, pero nunca me dejó volver.”

Lisa Jakub.

Matthew Lawrence también compartió más sobre su relación con Robin Williams, explicando que el actor le ayudó a terminar sus estudios. Lawrence también había sido echado de la escuela, sin embargo, Williams le ayudó escribiendo una carta de recomendación para que lo aceptaran en la Universidad del Sur de California.

¡Robin Williams defendió a actriz de Mrs. Doubtfire!
Imagen: 20th Century Studios

¿Robin Williams apoyó a sus co-estrellas en el set?

Jakub logró continuar sus estudios, aunque para ella, de las lecciones más importantes que logró tener en su vida, fueron aquellas que Robin Williams dio a sus co-estrellas en el set.

“Recuerdo que cuando filmaba, siempre tenía el guión a la mano, para saber cuándo me tocaba hablar” señaló Jakub, “Pero Robin me enseñó a ser espontánea. Él entraba y nadie sabía lo que sucedería una vez que él entrara en escena”.

“Con Robin tenías que estar siempre presente. No podías solo esperar a que alguien dijera su parte para que tú dijeras la tuya, sino que tenías que estar atenta a las otras personas en la habitación, escuchar y responder.

Mrs. Doubtfire fue algo mucho más dinámico a varias cosas que había hecho antes, gracias a él”.

Lisa Jakub.

Jakub, Lawrence y Wilson interpretaron a tres hermanos en Mrs. Doubtfire, donde el personaje de Robin Williams era un padre que, en medio de un divorcio, diseñaba un plan para ver a sus hijos a diario, vistiéndose como una anciana para tomar un trabajo como su niñera.

Además de volverse una cinta icónica de Robin Williams, Mrs. Doubtfire recaudó $441 millones de dólares en la taquilla, y obtuvo el premio Oscar a Mejor Maquillaje en los premios de la Academia de 1994.

¡Robin Williams defendió a actriz de Mrs. Doubtfire!
Imagen: Mara Wilson, Instagram

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?

  • En Mayo de 2023, el sindicato de Guionistas de Hollywood oficialmente entró en huelga, declarando que las condiciones de trabajo creadas por las plataformas de streaming eran insostenibles para la industria y sus creativos.
  • Si bien, los guionistas lograron obtener casi todos los acuerdos que solicitaron a los productores de Hollywood, actualmente el gremio se enfrenta a nuevos problemas.
  • De acuerdo a un estudio impartido por Variety VIP+, actualmente hay menos plazas para guionistas dentro del cine y la televisión, y las producciones hollywoodenses siguen sin retomar el ritmo que tenían previo a las huelgas.

Hace un año que Hollywood vio a sus guionistas irse a huelga, luego de que escritores de cine y televisión declararan que las condiciones de la industria eran deficientes para el gremio. Y es que entre pagas mínimas, jornadas excesivas, falta de seguros médicos y la volatilidad causada por el boom del streaming, los guionistas obligaron al medio a poner pausa a sus actividades, para lograr mejoras significativas. 

Si bien, la mayoría de los puntos solicitados por los guionistas de Hollywood a los productores fueron atendidos, ahora un estudio detalla qué tanto ha cambiado realmente la industria y por qué escritores de cine y televisión siguen enfrentando nuevas e importantes crisis.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
 FOTO: CHRIS DELMAS/AFP VIA GETTY

¿Cada vez hay menos trabajo para guionistas en Hollywood?

A través de un reporte compartido por el portal Variety VIP+, se determinó que para varios miembros del sindicato de escritores WGA, los últimos meses ha sido difícil encontrar trabajo dentro de la industria.

“Hay menos cosas produciéndose” señaló Justin Halpern, representante de la WGA y co-showrunner del programa Abbott Elementary. “Si has podido obtener trabajo como escritor durante estos meses, sí estás obteniendo lo suficiente para tener una vida digna. El problema es que no hay plazas suficientes por el momento.”

La reducción de producciones, según señala el estudio, ya estaba sucediendo incluso antes de la huelga de guionistas de 2023, fenómeno que también contribuyó al recorte de producciones junto al paro de actores.

Si bien, varias producciones han retomado su curso, otras fueron eliminadas por completo, lo que ha hecho que el movimiento en Hollywood siga por debajo de la media que tenía antes de las huelgas hollywoodenses. La crisis es en realidad, resultado e impacto de las mismas huelgas, de las cuáles la industria no ha podido recuperarse del todo.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Mario Tama/Getty Images

¿Los guionistas sí son mejor pagados?

Entre las notas positivas reportadas por Variety, apuntan a que los guionistas actualmente empleados han obtenido mejores pagas.

Previo a la huelga de Hollywood, escritores de niveles más bajos no recibían siquiera los bonos conocidos como “script fees”. A través de los nuevos contratos, se logró sumar dicha bonificación al trabajo de los guionistas principales. Asimismo, escritores de staff que usualmente trabajan en una escala semanal, han visto sus números solidifcados entre los $29mil dólares y los $43mil dólares por un episodio de treinta y sesenta minutos respectivamente, cuota similar a la de otros guionistas más experimentados. 

“Es emocionante” señaló la co-creadora de la serie Rutherford Falls, quien destacó que finalmente los guionistas “son pagados por el trabajo que hacen”.

Sin embargo, donde se notó más el aumento de salarios es en los escalones más altos de las producciones, donde escritores que también fungen de productores y puestos más arriba, escalaron sus sueldos en un 15%.

Otros de los impactos que se han notado, tienen que ver con la entrega de pensiones y seguros médicos a cada integrante de un equipo de guionistas. 

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen. Mario Tama/Getty Images

¿Algunos estudios evitan cumplir con las nuevas condiciones?

Si bien, el aumento de sueldos ha sido significativo, John Rogers, integrante de la WGA, destacó que “tomará tiempo ver impactos más grandes”.

Por otro lado, otros puntos aclarados por la huelga no han sido del todo aplicados por estudios. Pues, entre otras cosas, en los nuevos contratos para guionistas se empuja por que toda producción cuente con un “cuarto de escritores” liderado por el showrunner, con una cantidad establecida de guionistas. Asimismo, se pidió que al menos dos guionistas estuvieran presentes durante la producción de una serie, para impulsar a los escritores hacia una carrera como showrunners y evitar la monopolización de dichos cargos.

Asimismo, los contratos prohíben varias prácticas que eran comunes en Hollywood, como las “mini salas de escritores”, donde un showrunner contrataba equipos pequeños para desarrollar temporadas completas en tiempos muy cortos. En los nuevos términos, toda sala de desarrollo debería durar al menos 10 semanas, y los escritores deben ser pagados 25% más de la cuota mínima.

Sin embargo, como ha sucedido en otras ocasiones, los estudios han tomado nuevas medidas para evitar algunos de los términos, sin romper el contrato. Bajo esa idea, es posible que algunos estudios estén actualmente solicitando más trabajo de sus showrunners previo a entrar a su etapa de desarrollo con guionistas, para evitar crear tales “salas de desarrollo” completas, y a su vez, ahorrarse los pagos correspondientes.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen: Writers Guild West

¿Qué pasó con las regalías y pagos residuales?

Uno de los puntos más importantes de la huelga de guionistas, veía a los escritores solicitando una mejor compensación por los residuales de series y películas en streaming. Pues, aunque algunas producciones lograban gran popularidad en plataformas como Netflix, sus escritores destacaron que dicha compañía no era transparente sobre los ingresos que realmente generaba el proyecto, entregando cheques a los escritores de Hollywood a veces por tan sólo centavos.

En el nuevo modelo de la WGA, el sindicato se aseguró que mientras más fuera visto una serie, más ganaría su escritor de ella. Así entonces se creó un sistema binario de series exitosas vs series no tan populares, donde las primeras, al alcanzar un nivel acordado de visualizaciones, recibirían un bono por residuales significativo.

No obstante, aún no se ha determinado cuántos y qué shows podrían clasificarse como exitosos; lo que guionistas han comenzado ya a trazar un nuevo plan, para llevar como propuesta a la asociación de productores cuando suceda la renegociación de sus contratos en 2026.

Hollywood: ¿Qué tanto cambió tras la huelga de guionistas?
Imagen: Netflix

¡Kevin Spacey suma nuevas denuncias de abuso en su contra!

En este artículo:

  • Más víctimas se pronuncian en contra de Kevin Spacey a pocos días de que salga un nuevo documental sobre su vida.
  • Hasta ahora, una persona confirmó haber sido víctima de acoso, pero el documental revelará los casos de otras 9 personas.
  • Kevin Spacey ha negado rotundamente estas acusaciones, pero el documental podría dar más información y pruebas sobre sus delitos.

El documental Spacey: Unmasked se ha convertido en un nuevo problema para Kevin Spacey. Aunque en un principio se burló del anuncio de distribución de MAX, el actor ahora amenazó que la producción no le dio el tiempo suficiente para contestar al contenido que presentará.

Y es que, supuestamente, el documental hablará sobre casos de abuso y acoso que nunca antes se habían presentado. Las víctimas se mantendrán de manera anónima, pero esto puede implicar otros problemas para el actor de House of Cards.

Y es que apenas Kevin Spacey acaba de salir inocente de una demanda que interpusieron cuatro hombres alegando acoso y abuso sexual.

¿Exactamente que mostrará el documental y por qué puede ser perjudicial para Kevin Spacey? ¡Aquí les contamos! 

Kevin Spacey
Imagen: The Independent

Kevin Spacey acosó a un compañero de House of Cards

El documental estará dividido en dos partes y se estrenará en el canal británico Channel 4 los días 6 y 7 de mayo. Y supuestamente, incluye testimonios de al menos 10 personas que no tienen nada que ver con acusaciones o denuncias anteriores sobre Kevin Spacey.

La que seguramente causará más conmoción es un incidente que ocurrió en el set de House of Cards, ya que de acuerdo con Variety, una persona confesará un incidente en donde el actor protagonista lo acosó sexualmente.

Pero el documental contará toda la vida y carrera de Kevin Spacey, por lo que supuestamente también revelará incidentes que ocurrieron en Los Ángeles, Nueva York y Londres en lugares como sets de filmación y fiestas.

En vísperas del estreno de este documental, un actor llamado Ruari Cannon confirmó para Desdline que Kevin Spacey “lo tocó de forma íntima sin su consentimiento” cuando él tenía 21 años en 2013 mientras trabajaban en una obra de teatro. Al respecto, el actor contestó en sus redes sociales que “cada que he tenido un foro en el que defenderme, estas acusaciones han sido revisadas y he sido exonerado” por lo que confirmó que responderá al documental cuando salga a la luz.

Kevin Spacey
Imagen: The Independent

¿Cómo Kevin Spacey ha salido en libertad de sus casos de abuso?

En 2023, 4 hombres lo acusaron de 9 incidencias sexuales que ocurrieron en el lapso de tiempo de 2011 a 2013. Sin embargo, la corte de Londres lo declaró inocente debido a que ya había pasado mucho tiempo y no había pruebas suficientes en su contra.

Pero en 2017, Anthony Rapp también denunció al actor por abusar sexualmente de él en 1986, cuando Rapp tenía 14 años. Sin embargo, con tan solo una hora de deliberación, la corte de Nueva York decidió que no había suficientes pruebas para sentenciar a Spacey.

En 2019, dos personas que habían acusado a Kevin Spacey fallecieron. Un masajista estaba listo para ir a juicio desde 2018, pero fue desestimado porque falleció a principios del siguiente año. Y el 25 de diciembre de 2019, el escritor noruego Ari Behn se suicidó, pero también estaba listo para denunciar a Spacey por haberlo acosado sexualmente durante una fiesta del Premio Nobel en 2007.

La mayoría de las sentencias contra Kevin Spacey se han basado en contrastar los argumentos del actor contra sus víctimas, pero no sabemos qué información podría brindar el documental y si cimentaría más bases que demuestren los actos criminales del actor.

Kevin Spacey
Copyright @ Max

¿Por que Ryan Gosling quiere rehacer La La Land?

  • Ryan Gosling obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor tras su papel como Sebastian en la cinta de Damien Chazelle, La La Land.
  • La La Land se volvió una de las piezas más icónicas en la filmografía de Ryan Gosling, rol para el que el actor demostró sus habilidades en danza, canto y piano.
  • Sin embargo, Gosling asegura que hay un momento de la cinta que le gustaría cambiar, pues considera que una toma que fue usada para el póster de la película, arruinó “la energía de la película” dada la posición de sus manos.

Ryan Gosling ha revelado un momento de La La Land que asegura “lo acecha” hasta este día, al grado en que el actor se pronunció dispuesto a re-grabar la película con tal de cambiar el detalle.

Si bien, fanáticos/as de la película podrían creer que se trata de un momento pivotal, como el final de la película y la separación de Sebastian (Gosling) y Mia (Emma Stone), el realidad el cambio que Gosling propone es realmente pequeño y tiene mucho más que ver con un paso de baile que con cualquier otra cosa: ¡Te contamos por qué Ryan Gosling se siente perseguido por un detalle en la cinta!

¿Por que Ryan Gosling quiere rehacer La La Land?
Imagen: Summit Entertainment

¿Ryan Gosling quiere corregir sus manos de jazz?

Durante una entrevista con la publicación WSJ Magazine, Ryan Gosling admitió que, si pudiera, cambiará una de las secuencias de baile con su co-estrella Emma Stone en La La Land, la cual sucede bajo la canción A Lovely Night, y misma que fue utilizada para el poster de la película, pieza que se ya ha vuelto icónica en el cine.

La razón por la que el actor querría cambiar la escena, no es otra sino la posición de su mano, la cual llamó “La La Hand”.

“Hay un momento que me acecha, cuando Emma y yo estamos bailando en la escena” señaló el actor, “yo no sabía que esta escena se volvería el póster de la película”.

“Pensé: se suponía que debíamos tener nuestras manos recta hacia arriba, y pensé que sería cool torcer mi mano un poco, a pesar de que todo mundo me dijo que no lo era.

Ahora cuando lo veo, porque veo ese poster todo el tiempo, pienso es que poner la mano recta como Emma habría sido mucho más cool”.

Ryan Gosling.

El actor señaló la posición de su mano, la cual en el poster no sigue la línea de su brazo extendido, sino que está ligeramente curvada y con el pulgar abajo. El actor destacó que debería haber imitado la pose de Emma, cuya mano “terminó en punta como debería de ser”.

“Maté la energía con esa pose” señaló Gosling, “mi brazo está llevando toda la energía y ¿para qué? para que todo se arruine por una mano floja, la que yo llamo mi mano “La La Hand”.

¿Por que Ryan Gosling quiere rehacer La La Land?
Imagen: Summit Entertainment

¿La La Land cambió el rumbo de su carrera?

Si bien, la carrera de Ryan Gosling despegó a partir de cintas dramáticas y complejas como Drive, Blue Valentine, entre varios otros, recientemente el actor detalló la razón por la que ha decidido tomar papeles mucho más ligeros.

Tal fenómeno comenzó con La La Land, película que el actor dijo “podía llevar a casa” fuera del set, para convivir con su familia; en lugar de ponerse en un lugar psicológicamente oscuro que podría afectar sus relaciones.

“Con La La Land podía ir a casa, cantar, bailar y tocar el piano con mis hijas. Eso cambió todo” reveló el actor, quien más adelante señaló que papeles como Ken, también le han ayudado a convivir más con sus hijas, “ellas fueron mi inspiración” señaló.

“No tomo más papeles que van a ponerme en un lugar oscuro. Este momento, lo que necesito es identificar qué necesita mi familia y decidir a partir de lo que será mejor para todos.

Las decisiones que tomo, las tomo con Eva [Mendes], y las tomamos pensando en nuestras hijas primero”.

Ryan Gosling
¿Por que Ryan Gosling quiere rehacer La La Land?
Imagen: Summit Entertainment

¡La pelea entre Paramount, Skydance y Sony explicada!

En este artículo:

  • Además de su crisis financiera, Paramount enfrenta una dura pelea interna entre sus inversionistas, pues no pueden llegar a un acuerdo de compra-venta.
  • La accionista mayoritaria, Shari Redstone, quiere vender la compañía a Skydance por 5 mil millones de dólares, pero eso sólo le beneficiaría a ella.
  • Otros accionistas dicen que hay ofertas importantes que no se han tomado en cuenta, y están dispuestos a demandar si el trato no resulta benéfico para ellos.

Paramount enfrenta graves problemas. Desde finales de 2023, la empresa está buscando vender sus acciones para solventar su intensa crisis financiera. Pero la venta no ha sido sencilla, en gran parte porque la empresa tiene dividida sus acciones y eso significa que hay muchos actores circulando los intereses de la compañía.

Por un lado, está Shari Redstone, la líder de la empresa National Amusements que controla la mayoría de las acciones de Paramount Global. Pero por el otro lado, un grupo de accionistas tiene muchas acciones “de clase B”, las cuales le permiten a diferentes personas obtener acciones en las diferentes divisiones de la empresa, dígase su parte en televisión, streaming  o su industria cinematográfica.

Después de cotizar con Warner Bros y Universal, la venta tiene dos contendientes principales: Apollo y Skydance. Ambas empresas están dándolo todo por quedarse con la compañía, pero esto está generando una fuerte batalla entre las cabezas de Paramount y podría incluso llegar a una corte judicial.

¡Aquí te contamos todo lo que está pasando!

Paramount
Imagen: The Wrap

¿Paramount está a punto de entrar a una batalla legal?

En marzo de 2024, Skydance mostró interés en comprar Paramount. La empresa, valuada en más de 4 mil millones de dólares, ya ha tenido lucrativos acuerdos de producción con la empresa, pues fue quien ayudó a financiar las últimas dos cintas de Misión Imposible y Top Gun: Maverick.

Su propuesta es que Skydance se fusione por completo con Paramount, de manera que David Ellison (productor de cintas como Gemini Man, y Terminator: Dark Fate) se quede a la cabeza de la empresa y siga fomentando su producción cinematográfica. Por esta razón, sólo está dispuesto a pagar 2 mil millones de dólares directamente a National Amusements, y otros 3 mil millones al otro grupo de inversionistas.

Pero de acuerdo con el comité encargado de supervisar los acuerdos de compra-venta, este trato “sería subóptimo”, ya que Skydance estaría comprando las acciones de Paramount con un valor de 11 dólares, pero Shari Redstone, la accionista mayoritaria de la empresa, decidió otorgar una ventana de exclusividad para cerrar el trato que termina el 3 de mayo de 2024.

De acuerdo con lo que algunos inversionistas le contaron a The Wrap, “este trato sólo beneficia a Shari Redstone” quien obtendría una fuerte cantidad de dinero de manera directa, “pero no se da cuenta de cómo está impactando a otros inversionistas”. 

Según el representante de Matrix Assets Advisers, empresa que tiene invertido más de mil millones de dólares en Paramount “este trato no toma en cuenta los intereses de otros inversionistas y ha cerrado la puerta a que se puedan analizar otros tratos, por lo que seguramente se tomarán acciones legales si llega a concretarse”.

Skydance también ofrece inyectar capital a través de empresas como RedBird Capital Partners y KKR. El padre de David Ellison, Larry Ellison, también se comprometió a ofrecer de manera exclusiva los softwares de Oracle para que Paramount pueda hacer uso de inteligencia artificial.

Sin embargo, otro grupo de inversionistas, declararon que “si bien parece que el acuerdo está cerca de concretarse, será interesante ver cómo se desarrolla con un montón de demandas detrás”.

Paramount
Imagen: The Wrap

¿Cuál es la alternativa de Paramount?

La razón por la que los inversionistas están interesados en demandar, es porque hay otras dos compañías que quieren comprar Paramount: Apollo y Sony. En un principio, Shari Redstone intentó bloquear su oferta alegando que no se habían completado los procesos legales adecuados para determinar si sí podía solventar el trato.

Pero después de grandes negociaciones, Apollo y Sony ofrecieron 27 mil millones de dólares. Esto es mucho más del valor total de Paramount en el mercado (9 mil millones) y además también logra asumir la deuda que tiene (14 mil millones de dólares). Por lo tanto, se dice que el precio por acción que están dispuestos a pagar oscila entre 18 y 21 dólares.

Sin embargo, Sony tendría el control total de Paramount, por lo que probablemente terminaría en una ronda masiva de despidos para eliminar puestos redundantes. Además, tendrían que averiguar una forma para poder administrar el estudio de televisión de CBS, ya que el gobierno estadounidense no permite que empresas extranjeras tengan grandes estudios de televisión. Sony es mayoritariamente administrado en Tokio, Japón.

Skydance dejaría la estructura de Paramount exactamente igual, excepto que David Ellis sería la cabeza de la empresa. 

El CEO interino de Paramount: George Seeks, asegura que en este momento el grupo de inversionistas “tiene una mentalidad de que sólo puede controlar lo que puede controlar” y aunque admite que “están atravesando por tiempos difíciles” la compañía está trabajando para poder alcanzar un acuerdo que sea el de mayor beneficio y evite más problemas legales.

Paramount
Imagen: Paramount